Compositor francés Jean-Philippe Rameau: biografía, creatividad y datos interesantes. compositor francés Paul Mauriat

El grupo más rebelde resultó ser un grupo de jóvenes formado al final de la Primera Guerra Mundial. Por analogía con el ruso "Cinco", es decir, " manojo poderoso”, Recibió el nombre de “Shesterki”, que le asignó en 1920 el periodista A. Kolle. Incluía a: Darius Milhaud, Arthur Honegger, Georges Auric, Francis Poulenc, Louis Duray y Germain Taifer (a ellos deberían haberse unido amigos y personas afines a los Seis, Jacques Iber, Jean Viener y Alexis Roland-Manuel). El heraldo de este nuevo grupo fue el poeta, publicista, dramaturgo, guionista, artista y músico aficionado Jean Cocteau, cuyo folleto El gallo y el arlequín (1918) adquirió significación artística.

La posición de los "seis" compositores: afirmación de la música francesa, apelación a los ideales clasicismo francés, a la música refinada de los clavecinistas J. Ram, F. Couperin, aspiración e innovación. Centrarse en la renovación lenguaje musical basado en las tradiciones nacionales a través de la música cotidiana; trabajo en géneros sintéticos complejos (teatro, ballet, cine, circo); la implementación de las características del neoclasicismo, el expresionismo, el urbanismo, un intento de reflejar el ritmo, el ruido de una gran ciudad.

obras tipicas: F. Poulenc "Serenata matutina", "Negro Rhapsody", J. Auric "foxtrot", J. Iber "Pequeño burro blanco", D. Millau "Expreso azul", "Toro en el tejado", "Danzas brasileñas".

Arturo Honegger(1899 - 1965) - el más significativo de los "seis" compositores. "Pacific 231" (1923) - una composición del joven Honegger. Onomatopeya del movimiento locomotor. La gravedad del tema en la obra posterior del compositor: oratorios "El rey David", "Juana de Arco en la hoguera", cinco sinfonías. Reflexión de los temas de la Segunda Guerra Mundial y la defensa de la paz en las sinfonías de la tercera (1946) y quinta (1950) Proximidad a las sinfonías de D. Shostakovich El contenido trágico de la Sinfonía n.° 5, expresando la ansiedad por el futuro (después de la Segunda Guerra Mundial, se avecinaba la amenaza de una nueva guerra atómica. Tres -ciclo parcial:

Parte 1: lenta, áspera, sombría con música disonante intensa;

2 partes - scherzo trágico-grotesco;

Parte 3: un final rápido, lleno de una sensación de ira, horror con un tema de oposición en marcha y una melodía melodiosa con movimientos amplios.

eric satie(17/05/1866 - 01/07/1925) - Compositor francés. En 1883 ingresó al Conservatorio de París en la clase de A. Gilman (órgano), pero lo abandonó un año después. Durante algún tiempo trabajó como pianista en un cabaret de Montmartre. Dedicándose a la composición por su cuenta, comenzó a escribir piezas para piano, así como música para representaciones teatrales. Recién a la edad de 40 años, Sati decide tomarse en serio la composición e ingresa a la Schola Cantorum, donde sus maestros fueron V. d "Andy y A. Roussel. Gracias al pensamiento artístico original e independiente de Sati, Sati reunió en torno a él una serie de jóvenes músicos que simpatizaron con el movimiento anti-Wagner en el arte francés. vistas estéticas muchos compositores franceses del primer cuarto del siglo XX. Las obras de Sati están repletas de armonías nítidas, se distinguen por su ritmo original y su forma inusual. El espíritu de la ironía grotesca y maliciosa sugirió a Sati los títulos excéntricos de muchas de sus piezas para piano: "Embriones secos", "Tres piezas en forma de pera", "Piezas secas", "Descripciones automáticas", "Eternas y Instant Clocks", "Piezas frías" y pl. etc. Las obras más famosas de Satie incluyen piezas para piano "Gymnopedia" (1888; orquestado por Debussy). Diaghilev encargó el ballet "Parade" de Satie para su compañía (G. Cocteau, Myasin y Picasso participaron en la creación del ballet), en cuya partitura el compositor introdujo silbatos de locomotoras, máquinas de escribir, etc.

ÓPERA BORIS GODUNOV

Ópera en cuatro actos con prólogo; libreto de Mussorgsky basado en la tragedia del mismo nombre de A. S. Pushkin e "Historia del Estado Ruso" de N. M. Karamzin. Primera producción: Petersburgo, Ópera Mariinskii, 27 de enero de 1874. La acción tiene lugar en Moscú en 1598-1605.

La idea de escribir una ópera basada en la trama de la tragedia histórica de Pushkin, Boris Godunov (1825), se la sugirió a Mussorgsky su amigo, un destacado historiador, el profesor VV Nikolsky. Mussorgsky estaba extremadamente fascinado por la oportunidad de traducir el tema de la relación entre el zar y el pueblo, que era sumamente relevante para su época, para traer al pueblo como el personaje principal de la ópera.

La obra, iniciada en octubre de 1868, avanza con un gran auge creativo. Un mes y medio después, el primer acto ya estaba listo. El propio compositor escribió el libreto de la ópera basándose en materiales de la "Historia del Estado ruso" de N. M. Karamzin y otros documentos históricos. A medida que avanzaba la composición, se representaban escenas individuales en un círculo de "kuchkistas" que se reunían en casa de A. S. Dargomyzhsky o en casa de la hermana de Glinka, L. I. Shestakova. "La alegría, la admiración, la admiración eran universales", recordó V. V. Stasov.

A fines de 1869, la ópera "Boris Godunov" se completó y se presentó al comité de teatro. Pero sus integrantes, desalentados por la novedad ideológica y artística de la ópera, rechazaron la obra bajo el pretexto de la ausencia de un ganador. papel femenino. El compositor hizo una serie de cambios, agregó un acto polaco y una escena cerca de Kromy. Sin embargo, la segunda edición de "Boris", terminada en la primavera de 1872, tampoco fue aceptada por la dirección de los teatros imperiales.

"Boris" se representó solo gracias al enérgico apoyo de las fuerzas artísticas avanzadas, en particular, la cantante Yu. F. Platonova, que eligió la ópera para su actuación benéfica. El estreno tuvo lugar el 27 de enero (8 de febrero) de 1874 en el Teatro Mariinsky. El público demócrata saludó a "Boris" con entusiasmo. La crítica reaccionaria y la sociedad de la nobleza y los terratenientes reaccionaron fuertemente negativamente a la ópera. Pronto, la ópera comenzó a presentarse con cortes arbitrarios, y en 1882 fue eliminada por completo del repertorio.

"Boris Godunov" es un drama musical popular, una imagen multifacética de la época, impactante con la amplitud de Shakespeare y la audacia de los contrastes. Los personajes están representados con una profundidad y una perspicacia psicológica excepcionales. La tragedia de la soledad y la perdición del zar se revela con un poder asombroso, el espíritu rebelde y rebelde del pueblo ruso se encarna de manera innovadora.

El prólogo consta de dos imágenes. La introducción orquestal de la primera expresa dolor y trágica desesperanza. El coro "¿A quién nos dejas?" es similar a los lamentos populares lúgubres. Apelación del empleado Shchelkalov "¡Ortodoxo! ¡Boyardo implacable!" imbuido de majestuosa solemnidad y tristeza contenida.

El segundo cuadro del prólogo es una monumental escena coral, precedida por el repique de campanas. Solemne majestuoso a Boris "Ya como un sol rojo en el cielo" se basa - en una melodía popular genuina. En el centro de la imagen se encuentra el monólogo de Boris "Soul Sorrows", en cuya música se combina la grandeza real con el destino trágico.

La primera escena del primer acto se abre con una breve introducción orquestal; la música transmite el crujido monótono de la pluma del cronista en el silencio de una celda apartada. El discurso medido y severamente tranquilo de Pimen (el monólogo "Uno más, último cuento") perfila la apariencia estricta y majestuosa del anciano. despótico, caracter fuerte sentido en su historia sobre los reyes de Moscú. Gregory es representado como un joven apasionado y desequilibrado.

El segundo cuadro del primer acto contiene jugosas escenas domésticas. Entre ellos se encuentran las canciones de la taberna "I Caught a Grey Drake" y "How it was in the city in Kazan" de Varlaam (en palabras populares); este último está saturado fuerza elemental y borrar

El segundo acto esboza a grandes rasgos la imagen de Boris Godunov. Gran monólogo "He llegado poder supremo"está saturada de un sentimiento lúgubre inquieto, contrastes inquietantes. La discordia mental de Boris se intensifica en una conversación con Shuisky, cuyos discursos suenan insinuantes e hipócritas, y llega al límite en la escena final de alucinaciones ("la escena de las campanadas").

La primera imagen del tercer acto se abre con un coro de niñas elegantemente grácil "Sobre el Vístula azul". El aria de Marina "Qué lánguida y perezosa", sostenida al ritmo de una mazurca, pinta el retrato de una aristócrata arrogante.

La introducción orquestal a la segunda escena representa un paisaje vespertino. Las melodías de la confesión de amor del pretendiente se agitan románticamente. La escena del pretendiente y Marina, construida sobre agudos contrastes y caprichosos cambios de humor, termina con un dúo lleno de pasión, "Oh Tsarevich, te lo ruego".

El primer cuadro del cuarto acto es una escena folclórica dramática. Del gemido lúgubre del canto del Santo Loco "La luna cabalga, el gatito llora" crece el coro "¡Pan!", Asombroso en cuanto al poder de la tragedia.

La segunda imagen del cuarto acto termina con una escena psicológicamente aguda de la muerte de Boris. Su último monólogo "¡Adiós, hijo mío!" pintado en tonos trágicamente iluminados y apaciguados.

El tercer cuadro del cuarto acto es una escena popular monumental excepcional en alcance y poder. El coro de apertura "No vuela por los cielos" (con una genuina melodía popular de una canción laudatoria) suena burlón y amenazante. La canción de Varlaam y Misail "El sol, la luna se desvaneció" se basa en la melodía. epopeya popular. La culminación de la imagen es el coro rebelde "Dispersado, aclarado", lleno de jolgorio espontáneo e indomable. La sección central del coro "Oh, tú, poder" es una melodía arrolladora de una canción de danza circular rusa que, al desarrollarse, conduce a exclamaciones formidables y enojadas "¡Muerte a Boris!". La ópera termina con la entrada solemne del Pretendiente y el lamento del Santo Loco.

ÓPERA RUSLAN Y LYUDMILA

Ópera en cinco actos; libreto del compositor y V. Shirkov poema del mismo nombre A. S. Pushkin.
Primera producción: Petersburgo, 27 de noviembre de 1842. La acción tiene lugar en Kyiv y en las tierras de las hadas durante la época de la Rus de Kiev.

“El primer pensamiento sobre Ruslan y Lyudmila me lo dio nuestro comediante famoso Shakhovsky.

El compositor comenzó a trabajar en la ópera en 1837, sin libreto aún. Debido a la muerte de Pushkin, se vio obligado a recurrir a poetas menores y aficionados de entre amigos y conocidos. Entre ellos estaban N. V. Kukolnik (1809-1868), V. F. Shirkov (1805-1856), N. A. Markevich (1804-1860) y otros.

El texto de la ópera incluía algunos fragmentos del poema, pero en general estaba escrito de nuevo. Glinka y sus libretistas hicieron una serie de cambios en el actores. Desaparecieron algunos personajes (Rogdai), aparecieron otros (Gorislava); han sufrido algunos cambios y historias poemas La idea de la ópera es muy diferente de la fuente literaria.

El brillante poema juvenil de Pushkin (1820), basado en los temas de un cuento épico ruso, tiene rasgos de ligera ironía y una actitud lúdica hacia los personajes. Glinka rechazó resueltamente tal interpretación de la trama. Creó una obra de alcance épico, llena de grandes pensamientos, amplias generalizaciones de la vida.

En la ópera se canta el heroísmo, la nobleza de los sentimientos, la fidelidad en el amor, se ridiculiza la cobardía, se condena el engaño, la malicia y la crueldad. A lo largo de toda la obra, el compositor transmite el pensamiento de la victoria de la luz sobre las tinieblas, del triunfo de la vida.

La ópera fue escrita por Glinka durante cinco años con largos descansos: se completó en 1842. El estreno tuvo lugar el 27 de noviembre (9 de diciembre) del mismo año en el escenario. Teatro Bolshói en petersburgo

Ruslan y Lyudmila es una ópera épica. Las imágenes monumentales de Kievan Rus, las figuras legendarias del Gran Duque Svetozar, el héroe Ruslan, el profético cantante folklórico Bayan transportan al oyente a la atmósfera. tiempos antiguos, dan lugar a una idea de belleza y grandeza vida popular. lugar significativo la ópera está ocupada por cuadros fantásticos del reino de Chernomor, el castillo de Naina, cuya música está dotada de sabor oriental. El conflicto principal, el choque de las fuerzas del bien y del mal, se refleja en la música de la ópera debido a la oposición en relieve. caracteristicas musicales actores Las partes vocales de las golosinas, las escenas populares están llenas de canciones. Los caracteres negativos están privados características vocales(Chernomor), o delineado con la ayuda de un "hablador" recitativo (Naina). El almacén épico se destaca por la abundancia de escenas de misa coral y el desarrollo pausado de la acción, como en una narración épica.

La idea de la obra, el triunfo de las brillantes fuerzas de la vida, ya se revela en la obertura, en la que se utiliza la música jubilosa del final de la ópera. En la sección central de la obertura surgen sonidos misteriosos y fantásticos.

El primer acto impresiona por su amplitud y monumentalidad encarnación musical. El acto se abre con una introducción que incluye una serie de números. La canción de Bayan "Cases of Bygone Days", acompañada de arpas que imitan el arpa, se sostiene en un ritmo medido, lleno de una calma majestuosa. La segunda canción de Bayan "Hay una tierra desértica" tiene un carácter lírico. La introducción termina con un poderoso coro de felicitación "Al Príncipe de la Luz y la salud y la gloria". La cavatina de Lyudmila "Estoy triste, querido padre", una escena desarrollada con un coro, refleja los diferentes estados de ánimo de una niña, juguetona y elegante, pero capaz de un gran sentimiento sincero. El coro "Lel misterioso, embriagador" resucita el espíritu de las antiguas canciones paganas. La escena del secuestro comienza con los agudos acordes de la orquesta; la música adquiere un sabor fantástico y lúgubre, que también se conserva en el canon “Qué momento tan maravilloso”, que transmite un estado de estupor que ha envuelto a todos. El acto es coronado por un cuarteto con un coro “Oh caballeros, más bien en campo abierto”, lleno de valiente determinación.

El segundo acto, que consta de tres escenas, comienza con una introducción sinfónica que representa un paisaje norteño áspero y misterioso, abrazado por un silencio vigilante.

En la primera imagen, la balada de Finn ocupa un lugar central; su música crea una imagen noble, llena de profunda humanidad y belleza moral.

La segunda imagen es lo opuesto a la primera. La aparición de Naina está delineada por ritmos punzantes de frases orquestales cortas, fríos timbres instrumentales. Un certero retrato cómico de un cobarde jubiloso se captura en el rondó de Farlaf "La hora de mi triunfo está cerca".

En el centro de la tercera imagen está la magnífica aria musical de Ruslan; su lenta introducción "Oh campo, campo, que te sembraste de huesos muertos" transmite el estado de ánimo de una meditación profunda y concentrada; la segunda sección, en un movimiento rápido y enérgico, está dotada de rasgos heroicos.

El tercer acto es el más diverso en cuanto a colorido y pintoresquismo de la música. La alternancia de coros, bailes y números solistas pinta la atmósfera del castillo mágico de Naina. La melodía flexible del coro persa "La oscuridad de la noche cae en el campo" suena encantadoramente seductora, imbuida de dulce languidez. Cavatina Gorislava "Luxury Star of Love" está llena de sentimientos ardientes y apasionados. El aria de Ratmir "Y el calor y el calor reemplazaron la noche con una sombra" se nota con un pronunciado sabor oriental: la melodía caprichosa de la sección lenta y el ritmo flexible de vals de la rápida perfilan la naturaleza ardiente del caballero jázaro.

El cuarto acto se distingue por una decoración exuberante, brillo de contrastes inesperados. El aria de Lyudmila "Oh, compartes, compartes" - una escena de monólogo detallada; la profunda tristeza se convierte en determinación, indignación y protesta. La marcha de Chernomor pinta un cuadro de una extraña procesión; melodía angular, sonidos penetrantes de tuberías, sonidos parpadeantes de campanas crean una imagen grotesca de un hechicero malvado. Se sigue la marcha danza oriental: Turco - suave y lánguido, Árabe - móvil y valiente; la suite de baile concluye con un lezginka ardiente y torbellino.

Hay dos escenas en el quinto acto. En el centro del primero está el romance de Ratmir “Ella es mi vida, ella es mi alegría”, imbuido de dicha y pasión.

La segunda escena es el final de la ópera. El coro severo y triste "Oh, tú, luz-Lyudmila" está cerca de las lamentaciones populares. El segundo movimiento "El pájaro no se despertará por la mañana" está teñido de tristeza, interrumpido por los comentarios tristes de Svetozar. La música de la escena del despertar es avivada por la frescura de la mañana, la poesía de una vida floreciente; Ruslan canta una melodía llena de sentimiento vivo y estremecedor ("Alegría, felicidad clara"); Lyudmila se une a él, y luego el resto de los participantes y el coro. El coro final (“Gloria a los grandes dioses”) suena jubiloso, ligero y alegre (música de obertura).

ÓPERA PRÍNCIPE IGOR

Ópera en cuatro actos con prólogo; libreto del compositor basado en el poema épico ruso "El cuento de la campaña de Igor". Primera producción: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 23 de octubre de 1890, dirigida por K. Kuchera.

La acción tiene lugar: en el prólogo, en los actos primero y cuarto, en la ciudad de Putivl, en los actos segundo y tercero, en el campo de Polovtsian en 1185.

Todo es asombroso en Prince Igor. Primero, por supuesto, buena música. En segundo lugar, el hecho de que la ópera fuera compuesta por una persona cuya ocupación profesional no era la música, sino la química (AP Borodin era un químico académico). En tercer lugar, gran parte de la ópera, aunque fue compuesta por Borodin, no fue escrita ni orquestada por él; la ópera fue completada por los amigos del compositor N. A. Rimsky-Korsakov, A. K. Glazunov y A. K. Lyadov.

La obertura, aunque fue compuesta por A.P. Borodin, no fue escrita por él. Fue grabado, completado y orquestado después de su muerte y de la memoria de A. K. Glazunov, quien lo escuchó muchas veces interpretado al piano por el propio autor. En cuarto lugar, todos estos compositores trabajaron a menudo en tan estrecho contacto entre sí que es casi imposible determinar qué está escrito en Prince Igor con una mano y qué con la otra; en otras palabras, el estilo musical de la ópera representa algo artísticamente absolutamente integral.

En abril de 1869, V.V. Stasov ofreció a Borodin un maravilloso monumento como trama de ópera. literatura rusa antigua"El cuento de la campaña de Igor" (1185-1187). Según el compositor, le gustó la trama "terriblemente de su agrado". Para profundizar en el espíritu de la antigüedad, Borodin visitó las cercanías de Putivl (cerca de Kursk), estudió fuentes historicas: crónicas, historias antiguas ("Zadonshchina", " Masacre de Mamaevo”), estudios sobre los Polovtsy, la música de sus descendientes, epopeyas y canciones épicas. El compositor contó con la gran ayuda de V. V. Stasov, el mayor conocedor de la historia rusa y la literatura antigua.

El texto y la música de "Igor" fueron compuestos simultáneamente. La ópera se escribió durante 18 años, pero no se completó. Después de la muerte de Borodin, A. K. Glazunov restauró la obertura de memoria y completó los episodios faltantes de la ópera sobre la base de los bocetos del autor, mientras que N. A. Rimsky-Korsakov instrumentó la mayor parte. El estreno fue un gran éxito el 23 de octubre (4 de noviembre) de 1890 en San Petersburgo, en el escenario del Teatro Mariinsky.

"Príncipe Igor" - ópera épica popular. El almacén épico de "Igor" se manifiesta en heroico Imágenes de musicales, en la escala de las formas, en un curso de acción pausado, como en la epopeya.

En una gran obertura basada en melodías de la ópera, se contrastan las imágenes de los rusos y de Polovtsy. El episodio medio pinta una imagen de una batalla feroz.

El poderoso estribillo del prólogo "Gloria al sol rojo" (del texto original de La balada) es similar a las melodías ásperas y majestuosamente austeras de las antiguas canciones épicas. Este coro está enmarcado por una ominosa imagen orquestal del eclipse y una escena recitativa en la que se representan los boyardos asustados, la ansiosa y amorosa Yaroslavna, el rudo Galitsky y el valientemente inflexible Igor.

La música de la primera imagen (el primer acto), con su carácter temerario y tumultuoso, contrasta fuertemente con el estado de ánimo del prólogo. La canción de Galitsky "Si tan solo pudiera esperar el honor" se asemeja a un baile arrollador y elegante. En el coro de niñas "Oh, gallardamente" se reproducen sutilmente las peculiaridades de las plañideras lamentaciones populares. La canción toscamente cómica de los bufones "What's with Prince and Volodymyr" suena con fingida importancia.

En la segunda imagen, la imagen de Yaroslavna, encantadoramente femenina, pero de voluntad fuerte, está delineada en relieve. En el arioso "Ha pasado mucho tiempo desde entonces" se expresan sus presentimientos anhelantes y ansiosos; castamente contenida, de naturaleza estricta, la música adquiere gradualmente un carácter apasionadamente excitado. Además, la acción se dramatiza, alcanzando la mayor tensión en la escena de Yaroslavna con los boyardos. Los coros de los boyardos "Ten valor, princesa" y "Nosotros, princesa, no somos la primera vez" están llenos de un poder áspero y formidable.

El segundo acto está dedicado a las pinturas del campo polovtsiano. En la cavatina de Konchakovna "Daylight Fades" se pueden escuchar llamadas de amor, anhelos apasionados, dicha sensual. La poesía del amor juvenil, el encanto de la lujosa noche sureña es avivado por la cavatina de Vladimir "Lentamente el día se desvaneció". el aria de Igor "Sin dormir, sin descansar" - un retrato multifacético del protagonista; Aquí se capturan pensamientos tristes sobre el destino de la patria, una sed apasionada de libertad y un sentimiento de amor por Yaroslavl. Khan Konchak aparece dominante, cruel y generoso en su aria "¿Está sano, príncipe?" El acto finaliza con escenas de danzas de un colorido deslumbrante, acompañadas por un coro. Un suave baile femenino, un masculino desenfrenado lleno de fuerza elemental y un rápido y ligero baile de chicos se alternan en contraste. Gradualmente, todos los grupos se involucran en una danza torbellino violentamente temperamental.

En el tercer acto (este acto suele estrenarse en producciones), la militancia y la crueldad pasan a primer plano en la representación de Polovtsy.

En el cuarto acto, la música pasa del luto al júbilo universal. La tristeza profunda e ineludible se escucha en el arioso de Yaroslavna "Oh, estoy llorando", cerca de los lamentos populares. Arioso da como resultado un lamento popular: el coro de los aldeanos "Oh, no aulló un viento violento", que suena como una canción persistente rusa genuina. Coro final festivo y solemne "Para saber, el Señor ha escuchado las oraciones".

Paul Mauriat... A la mera pronunciación de su nombre, la música empieza a sonar en la memoria... compositor francés, uno de los grandes maestros Siglo XX, nació en Marsella en 1925 en el seno de una familia de músicos, ya los 10 años ingresó sin dudarlo al conservatorio. Su estilo de música favorito era el jazz, pero al mismo tiempo le fascinaba sinfonías clásicas, que lo inspiró a crear su propia orquesta, ya a la edad de 17 años, Paul dio conciertos. cuando hizo el segundo Guerra Mundial, tocó por toda Francia, dando esperanza a la gente de un futuro pacífico.

Después de la guerra, fue notado por la compañía norteamericana "A&R", que significa "Artistas y Repertorio", ofreciéndole convertirse en acompañante en varios espectáculos. Este fue el primer paso hacia la fama y el reconocimiento: París abrió sus brazos al joven compositor, el legislador no solo de la moda, sino también de las músicas del mundo. Fue allí donde el compositor francés Paul Mauriat se convirtió en el arreglista del magnífico chansonnier. década de posguerra el joven músico fue director musical de personalidades como Maurice Chevalier, Dalida, Escudiero, Aznavour, Henry Salvador, innumerables giras, conciertos, grabaciones... Más tarde, a finales de los 60 y principios de los 70, escribiría para Mireille Mathieu.

En 1957, el compositor francés Paul Mauriat lanzó su primer álbum, que tuvo una gran demanda. El nombre del disco era bastante simple: "Paul Mauriat". Al año siguiente, 1958, le valió un premio en el festival Golden Rooster of Chanson por la canción "Rendez-vos au lavandou".

En 1964, se lanzó el álbum "Paul Mauriat and His Orchestra". Paul Mauriat comienza a usar seudónimos: Niko Popadopoulos, Richard Audrey, Eduardo Rouault y muchos otros. Creía que esto ayudaría a comprender mejor caracter internacional sus obras, y no perdió - la fama mundial le llegó.

Paralelamente, compuso bandas sonoras - música para películas, algunas de las cuales fueron "Taxi to Tobruk", "Blow Up the Bank", "Horace 62", "The Godfather". A principios de los 90, lanzó la banda sonora de la película "Act, Sister!", que luego comenzó a ser regrabada por artistas famosos del mundo y es famosa hasta el día de hoy. Paul Mauriat desarrolló su propio estilo, que se convirtió en el más singular en su amplitud y variedad: era música inusual, ligera, brillante y memorable.

Paul Mauriat entró en el Top 100 según una de las revistas estadounidenses como el primer artista instrumental francés. Dio el papel principal en sus obras a las cuerdas: el staccato y el legato más complejos, la ejecución virtuosa de los violonchelistas y los experimentos con arreglos le dieron a su música un encanto "francés" indescriptible, aunque sus obras habían ido mucho más allá del marco musical limitado. . Su enfoque fue apreciado no solo por los compositores franceses, sino que utilizó diferentes países.

El compositor francés Paul Mauriat fue galardonado con el "Disco de Oro" en Francia, el título de Comandante de las Artes y el reconocimiento a nivel internacional: su música se escuchó en todo tipo de anuncios, programas (en la URSS el famoso "In the Animal Mundo" y "Kinopanorama"), series.

En 1998, Moriah se retiró de los escenarios, dando su último concierto en Osaka. Y en 2006, a la edad de 81 años, el compositor francés Paul Mauriat moría en el sur de Francia en la ciudad de Perpiñán, en su casa. Aunque contribuyó contribución invaluable en música, sus contemporáneos y amigos cercanos lo recordaron como un gran compositor sobrio, modesto y amigable.

Las tradiciones de la cultura musical francesa comenzaron a establecerse incluso antes del siglo XV. Se sabe con certeza que estuvo muy influenciado por las culturas de las tribus germánicas y celtas que viven en el territorio moderno de Francia. El desarrollo de la música en este país tuvo lugar en interacción con la creatividad de los pueblos de los países vecinos: italianos y alemanes. Es por eso que el patrimonio musical francés resultó ser tan colorido y diverso.

orígenes

Inicialmente, la música folclórica se destacó en Francia, sin la cual la gente común no podría imaginar su existencia. Con la llegada del cristianismo nació música de iglesia que gradualmente comenzó a cambiar bajo la influencia de la gente.

El compositor de liturgias más famoso de esa época se llama Ilarius de la provincia de Poitiers. Vivió en el siglo III y fue el teólogo y maestro más inteligente de la iglesia.

Alrededor del siglo X, la música secular comenzó a ganar popularidad. Se realiza en las cortes feudales, en las plazas de las grandes ciudades, en los monasterios. Entre los instrumentos hay tambor, flauta, pandereta, laúd.

El siglo XII estuvo marcado por el descubrimiento escuela de Musica en Notre Dame, el gran catedral de parís. Sus compositores se convirtieron en los creadores de nuevos géneros musicales (diruta, motete).

En el siglo XIII, el músico más destacado fue Adam de la Alle, quien replanteó el trabajo de los trovadores, dando paso al verdadero arte musical. Su creación más interesante es "El juego de Robin y Marion". Se convirtió en el autor tanto de la poesía como de la música de esta obra, que se representó con éxito en la corte del conde Artois.

Ars nova: la dirección de la música europea, que se desarrolló en Francia, se convirtió en la encarnación de las nuevas ideas de los músicos. Los compositores franceses Guillaume de Machaux y Philippe de Vitry se convirtieron en los principales teóricos de este período. De Vitry escribió el acompañamiento musical del poema "El romance de Fauvel", de Machaux se convirtió en el autor de la "Misa de Notre Dame". Esta es la primera obra escrita por un compositor, y no en colaboración con otra persona.

Renacimiento

De mediados del siglo XV a la segunda mitad del siglo XVI música francés se desarrolla bajo la influencia de la escuela holandesa y cambios políticos internos tales como la guerra por la unificación de Francia, el establecimiento estado centralizado el ascenso de la burguesía.

Bajo la influencia de compositores como Gilles Benchois, Josquin Despres, Orlando di Lasso, se está formando una nueva capa en el arte musical de Francia. La corte real no se hace a un lado. Aparecen allí Capillas y aprueban el cargo de intendente mayor de música. El primero fue el violinista italiano Baltazarini di Belgioiso.

El apogeo de la cultura musical nacional cae en el siglo XVI, cuando se destaca como género de la chanson, adquiere un protagonismo significativo la música de órgano. Jean Titluz se convirtió en el fundador e ideólogo de esta dirección.

Estaba muy extendida la creatividad de los hugonotes, que, debido a las luchas religiosas, quedó relegada a un segundo plano. Los compositores franceses, los mayores representantes de esta capa, Claude Goudimel y Claude Lejeune se convirtieron en los autores de cientos de salmos. Ambos sufrieron durante la noche de San Bartolomé.

siglo 17

La música de este siglo se desarrolló bajo la influencia de lo establecido. monarquía absoluta. La vida de la corte bajo Luis XV fue famosa por su pompa y abundancia. Por lo tanto, no es de extrañar que, entre otras diversiones, tales géneros principales como la ópera y el ballet.

El cardenal Mazarino abogó por el desarrollo del arte sofisticado. Su origen italiano fue el motivo de la popularización de la cultura de este país en Francia. Los primeros intentos de crear una ópera nacional pertenecen a Elisabeth Jacquet de la Guerre, quien escribió "Kefala y Procris" en 1694.

Inaugurado en 1671 Real teatro de ópera dio al país maravillosos compositores. Marc-Antoine Charpentier creó cientos de obras, incluidas las óperas El descenso a los infiernos de Orfeo, Medea y El juicio de París. Andre Kampra es el autor de la ópera-ballet "Gallant Europe", "Carnival of Venice", tragedias musicales "Ifigenia in Tauris", "Achilles and Deidamia".

El siglo XVII fue el período de formación escuela francesa clavecinistas. Entre sus participantes se pueden distinguir Chambonnière y Jean-Henri d'Anglebert.

siglo 18

La vida musical y social de este siglo está cambiando radicalmente. Actividad de concierto va más allá de la corte. A partir de 1725, se llevaron a cabo conciertos públicos regulares en los teatros. En París se fundaron las sociedades "Amateur Concertos" y "Friends of Apollo", donde los aficionados podían disfrutar de la interpretación de música instrumental.

La suite para clavecín alcanzó su apogeo en la década de 1930. Francois Couperin escribió más de 250 piezas para clavecín y se hizo famoso no solo en su país natal, sino también en el extranjero. También tiene óperas reales y obras para órgano en su haber.

Para la música del siglo XVIII gran valor tiene el trabajo de Jean Philippe Rameau, quien no solo fue un compositor talentoso, sino también un destacado teórico en su campo. Su tragedias líricas Cástor y Pólux, Hipólita y Arisia, el ballet-ópera Las Indias galantes también están en demanda entre los directores contemporáneos.

Casi todas las obras musicales hasta mediados del siglo XVIII fueron eclesiásticas o mitológicas. Pero el estado de ánimo de la sociedad exigía nuevas interpretaciones y géneros. Sobre esta base, ganó popularidad el aficionado a la ópera, que, desde el lado satírico, mostró alta sociedad y realeza. Los primeros libretos de tales óperas fueron escritos por Charles Favard.

Los compositores franceses del siglo XVIII tuvieron una gran influencia en el estilo operístico y en la base teórico-musical de este género.

Siglo 19

La Gran Revolución Francesa trajo cambios significativos en la cultura musical. La música militar de metales pasó a primer plano. Se abrieron escuelas especiales para formar músicos militares. La ópera ahora estaba dominada por tramas patrióticas con nuevos héroes nacionales.

El período de la Restauración estuvo marcado por el auge de la ópera romántica. El compositor francés Berlioz es el representante más destacado de esta época. Su primera obra programática fue la "Sinfonía Fantástica", reflejando la emotividad exagerada, estados de ánimo típicos de la época. Se convirtió en el creador de la sinfonía dramática "Romeo y Julieta", la obertura "El rey Lear", la ópera "Benvenuto Cellini". En su país natal, Héctor Berlioz fue evaluado de manera ambigua. Estaba asociado con un especial de una manera creativa que eligió para sí mismo. Sus obras están llenas de increíbles efectos orquestales, que el compositor fue el primer músico francés en utilizar.

La mitad del siglo XIX estuvo marcada por el comienzo del desarrollo de la opereta en el país. Pero ya en la década de 1870, la música lírica saltó a la palestra, pero con tendencias realistas. Charles Gounod es considerado el fundador de este género. Sus óperas - El doctor involuntario, Fausto, Romeo y Julieta - expresan todos los desarrollos innovadores del compositor.

Decenas de obras importantes para la cultura francesa fueron creadas por Georges Bizet, quien vivió corta vida. Estudió en el conservatorio desde los 10 años y desde el principio hizo gran éxito. Ganó varios concursos musicales importantes, lo que le permitió al músico irse a Roma durante varios años. Tras su regreso a París, Georges Bizet comenzó a trabajar en la ópera de su vida, Carmen. Su estreno tuvo lugar en 1875. El público no aceptó y no entendió este trabajo. El compositor murió en el mismo año, sin haber visto nunca el triunfo de "Carmen".

A últimos años En el siglo XIX, los compositores franceses escriben bajo la influencia de los alemanes, especialmente Richard Wagner.

siglo 20

El nuevo siglo estuvo marcado por la expansión del impresionismo en la cultura musical. Grandes compositores franceses se adhirieron a este estilo. El más brillante fue K. Debussy. Todas las características principales inherentes a esta dirección se reflejaron en su trabajo. La estética del impresionismo no se quedó al margen de otro francés. Maurice Ravel en sus obras mezcla diferentes tendencias estilísticas de su época.

El siglo XX fue el período de la creación. asociaciones creativas, cuyos miembros eran artistas. Los famosos "Seis franceses", creados bajo la dirección de Eric Satie y Jean Cocteau, se convirtieron en la comunidad de compositores más poderosa de la época.

La asociación obtuvo su nombre debido a la analogía con la Unión Rusa de Compositores: el Mighty Handful. Los unió el deseo de alejarse de la influencia extranjera (en este caso, alemana) y desarrollar la capa nacional de este arte.

La asociación incluía a Louis Duray ("Ofrendas líricas", "Autorretratos"), Darius Milhaud (ópera "Madre culpable", ballet "La creación del mundo"), Arthur Honegger (ópera "Judith", ballet "Shota Rustaveli") , Georges Auric (música para las películas "La princesa de Cleves", "Vacaciones en Roma"), Francis Poulenc (ópera "Diálogos de las carmelitas", cantata "Un ballo in maschera") y Germaine Taifer (ópera "La Sirenita", ballet "El vendedor de pájaros").

En 1935, nació otra asociación: "Francia Joven". Sus participantes fueron Olivier Messiaen (ópera "San Francisco de Asís"), Andre Jolivet (ballet "La bella y la bestia", "Ariadna").

Una nueva tendencia como la vanguardia musical apareció después de 1950. Su brillante representante e inspirador fue Pierre Boulez, quien estudió con Messiaen. En 2010, entró en el top veinte de los mejores directores del mundo.

El desarrollo del arte contemporáneo en Francia se vio facilitado por el trabajo pionero de pilares de la música académica como Debussy y Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, nacido en Saint-Germain-en-Laye, con NIñez temprana se sintió atraído por la belleza. Ya a la edad de 10 años ingresó al Conservatorio de París. Estudiar fue fácil para él, el niño incluso ganó una pequeña competencia interna. Pero Claude estaba abrumado por las clases de armonía, ya que el maestro no era amigable con los experimentos del niño con los sonidos.

Habiendo interrumpido sus estudios, Claude Debussy se fue de viaje con un terrateniente de Rusia, N. von Meck, como pianista de la casa. El tiempo que pasó en suelo ruso tuvo un efecto beneficioso en Claude. Disfrutó del trabajo de Tchaikovsky, Balakirev y otros compositores.

Al regresar a París, Debussy continuó estudiando en el conservatorio y escribiendo. Todavía está desarrollando su propio estilo. punto de retorno en la vida de Claude fue un conocido de E. Satie, quien, con sus ideas innovadoras, mostró el camino al compositor novato.

El estilo maduro de Debussy finalmente tomó forma en 1894, cuando escribió La tarde de un fauno, el famoso preludio sinfónico.

Enmarañar

Maurice Ravel nació en el sur de Francia, pero para aprender su negocio favorito, se mudó a París en edad temprana. su maestro fue pianista compositor francés Carlos de Berio.

Al igual que con Debussy, Maurice estuvo muy influenciado por su encuentro con Eric Satie. Después de ella, Ravel comenzó a componer con ganas, inspirándose en los discursos e ideas del compositor.

Incluso mientras estudiaba en el conservatorio, Ravel escribió una serie de obras en motivos españoles("Habanera", "Antiguo Minueto"), que son saludados por compañeros músicos. Sin embargo, el estilo del compositor una vez le jugó una broma cruel. A Ravel no se le permitió participar en la competencia por el prestigioso Premio de Roma, citando restricciones de edad. Pero el compositor aún no tenía 30 años y podía, de acuerdo con las reglas, presentar su composición. En 1905, a causa de esto, estalló un gran escándalo en el mundo de la música.

Después de la Primera Guerra Mundial, a la que Ravel se presentó voluntario, el principio emocional se consideró el principal en sus obras. Esto explica la abrupta transición de escribir óperas a composiciones instrumentales (la suite "La tumba de Couperin"). También colabora con Sergei Diaghilev y escribe música para el ballet Daphnis and Chloe.

Al mismo tiempo, el compositor comienza a trabajar en su obra más importante: "Bolero". La música se completó en 1928.

El último trabajo de Maurice Ravel fue "Three Songs" escrito para Fyodor Chaliapin.

Legrand

Para la audiencia rusa, el nombre de un compositor francés suena muy familiar. Este es Michel Legrand, quien creó la música para películas de culto.

Michel Jean nació en la familia de un director de orquesta y pianista. Desde la infancia, el niño estaba fascinado. arte musical, por lo que ingresó en el Conservatorio de París. Después de completar sus estudios, se fue a los Estados Unidos, donde comenzó a escribir música para películas.

En Francia, trabajó con los renombrados directores Jean-Luc Godard y Jacques Demy. Su obra más popular es la música para la película "Los paraguas de Cherburgo".

Escribió musica Jazz. Desde la década de 1960 ha trabajado en Hollywood. Entre trabajos famosos compositor - música para "The Thomas Crown Affair", "The Other Side of Midnight". Michel Legrand es tres veces ganador del Oscar.

Siglo 21

La música académica todavía tiene demanda en Francia. No cuente todos los festivales y premios establecidos por logros en esta área. En París, que es centro Cultural países, se encuentran el Conservatorio Nacional, la Ópera de la Bastilla, la Ópera Garnier, el Teatro de los Campos Elíseos. Hay decenas de orquestas conocidas en todo el mundo.

La música de los compositores franceses se da a conocer al gran público gracias al cine. Junto con la ópera y musica sinfonica también escriben para películas. Se trata principalmente de obras para la industria cinematográfica francesa, pero algunos compositores también se internacionalizan. Los compositores franceses vivos más exitosos del siglo XXI son:

1. Antoine Duhamel ("Besos robados", "Edad elegante").
2. Maurice Jarre ("Doctor Zhivago", "Caminando en las nubes").
3. Vladimir Kosma ("Pinchar con un paraguas", "Papás").
4. Bruno Coulet ("Belphegor-fantasma del Louvre", "Coristas").
5. Louis Aubert (óperas "Blue Forest", "Charming Night").
6. Philippe Sarde ("Hija de D" Artagnan "," Princesa de Montpensier ").
7. Eric Serra (bandas sonoras de León, Juana de Arco, El Quinto Elemento).
8. Gabriel Yared ("El paciente inglés", "Montaña fría").

Entre estas melodías hay un motivo para cualquier estado de ánimo: romántico, positivo o triste, para relajarse y no pensar en nada o, por el contrario, para ordenar sus pensamientos.

El compositor y pianista italiano trabaja en la dirección del minimalismo, a menudo recurre al ambiente y combina hábilmente la música clásica con otras. estilos musicales. Es conocido en un amplio círculo por sus composiciones atmosféricas que se han convertido en bandas sonoras de películas. Por ejemplo, seguramente reconocerás la música de la cinta francesa "1+1" escrita por Einaudi.

Glass es una de las personalidades más controvertidas en el mundo de los clásicos modernos, que o es elogiado hasta las nubes o criticado hasta la médula. Ha estado con su Philip Glass Ensemble durante medio siglo y ha escrito música para más de 50 películas, incluidas The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life y The Fantastic Four. Las melodías del compositor minimalista estadounidense desdibujan la línea entre la música clásica y la popular.

Autor de muchas bandas sonoras, el mejor compositor de cine de 2008 según la European Film Academy y posminimalista. Cautivó a los críticos desde el primer álbum Memoryhouse, en el que la música de Richter se superpuso a las lecturas de poesía, y los álbumes posteriores también usaron prosa ficticia. Además de escribir sus propias composiciones ambientales, arregla obras clásicas: Las cuatro estaciones de Vivaldi encabezó las listas de música clásica de iTunes con su arreglo.

Este creador de música instrumental de Italia no está asociado con el cine sensacionalista, pero ya es conocido como compositor, virtuoso y experimentado profesor de piano. Si describe la música de Marradi en dos palabras, estas serán las palabras "sensual" y "mágica". A los amantes de los clásicos retro les gustarán sus creaciones y portadas: en los motivos se aprecian notas del siglo pasado.

El famoso compositor de cine ha creado acompañamiento musical para muchas películas y dibujos animados de gran recaudación, como Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Su estrella hace alarde en el Paseo de la Fama de Hollywood, y en su estantería están los Oscar, los Grammy y los Globos de Oro. La música de Zimmer es tan variada como estas películas, pero no importa el tono, toca una fibra sensible.

Hisaishi es uno de los compositores japoneses más famosos, habiendo ganado cuatro Premios de Cine de la Academia Japonesa a la mejor banda sonora. Se hizo famoso por escribir la banda sonora del anime Nausicaä of the Valley of the Wind de Hayao Miyazaki. Si eres fan de Studio Ghibli o de las cintas de Takeshi Kitano, seguro que admiras la música de Hisaishi. Es sobre todo luz y luz.

Este multiinstrumentista islandés es solo un niño en comparación con los maestros enumerados, pero a los 30 logró convertirse en un reconocido neoclásico. Grabó acompañamiento para un ballet, ganó un premio BAFTA por la banda sonora de la serie de televisión británica "Murder on the Beach" y lanzó 10 álbumes de estudio. La música de Arnalds recuerda a un fuerte viento en una playa desierta.

La mayoría trabajos famosos Lee Ru Ma - Besa la lluvia y el río fluye en ti. El compositor y pianista coreano New Age escribe clásicos populares que pueden ser entendidos por oyentes en cualquier continente, con cualquier gusto musical y educación. Sus melodías ligeras y sensuales se convirtieron para muchos en el comienzo del amor por la música de piano.

Dustin O´Halloran

El compositor americano es interesante porque no tiene educación musical, pero al mismo tiempo escribe la música más agradable y bastante demandada. Las melodías de O'Halloran se utilizaron en marcha superior y varias películas. Quizás el álbum de banda sonora más exitoso fue el del melodrama Like Crazy. Este compositor y pianista sabe mucho sobre el arte de la dirección y cómo crear música electrónica. Pero su campo principal es clásico moderno. Cacchapalla ha grabado muchos discos, tres de ellos con la Royal orquesta Filarmónica. Su música fluye como el agua, es genial relajarse debajo de ella.

Qué otros compositores modernos vale la pena escuchar

Si te gusta la épica, añade a tu lista de reproducción a Klaus Badelt, que colaboró ​​con Zimmer en Pirates caribe". Además, no debe perderse a Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore y John Williams; debe escribir un artículo separado para enumerar todos sus trabajos, méritos y premios.

Si quieres un neoclasicismo más delicioso, presta atención a Niels Fram y Sylvain Chauveau.

Si no tiene suficiente, recuerde al creador de la banda sonora de "Amelie" Jan Tiersen o descubra al compositor japonés Tammon: él escribe melodías aireadas y oníricas.

¿Qué música de compositores te gusta y cuáles no? ¿A quién más agregarías a esta lista?