Pinturas de Poussin. Nicolas Poussin - artista francés, fundador del estilo "clasicismo"

Nicolas Poussin (francés Nicolas Poussin; en Italia se llamaba Niccolò Pussino (italiano Niccolò Pussino); 1594, Les Andelys, Normandía - 19 de noviembre de 1665, Roma) - artista francés, uno de los fundadores de la pintura clasicista. Pasó una parte significativa de su activa vida creativa en Roma, donde estuvo desde 1624 y disfrutó del patrocinio del cardenal Francesco Barberini. Llamando la atención del rey Luis XIII y del cardenal Richelieu, se le otorgó el título de primer pintor del rey. En 1640 llegó a París, pero no pudo adaptarse a la situación de la corte real y experimentó una serie de conflictos con los principales artistas franceses. En 1642, Poussin regresó a Italia, donde vivió hasta su muerte, cumpliendo órdenes de la corte real francesa y de un pequeño grupo de ilustrados coleccionistas. Murió y fue enterrado en Roma.

El catálogo de Jacques Thuillier de 1994 enumera 224 pinturas de Poussin cuya atribución está fuera de toda duda, así como 33 obras cuya autoría puede ser discutida. Las pinturas del artista están realizadas sobre temas históricos, mitológicos y bíblicos, marcadas por un estricto racionalismo de composición y elección. medios artisticos. El paisaje se convirtió en un importante medio de autoexpresión para él. Uno de los primeros artistas, Poussin, apreció la monumentalidad del color local y justificó teóricamente la superioridad de la línea sobre el color. Después de su muerte, sus declaraciones se convirtieron bases teóricas academicismo y actividades de la Real Academia de Pintura. Su manera creativa estudiado de cerca por Jacques-Louis David y Jean Auguste Dominique Ingres.
A lo largo de los siglos XIX y XX, las valoraciones de la cosmovisión de Poussin y la interpretación de su obra cambiaron radicalmente.

La fuente primaria más importante de la biografía de Nicolas Poussin es la correspondencia sobreviviente: un total de 162 mensajes. 25 de ellos, escritos en italiano, fueron enviados desde París a Cassiano dal Pozzo -el mecenas romano del artista- y datan del 1 de enero de 1641 al 18 de septiembre de 1642. Casi toda la demás correspondencia, desde 1639 hasta la muerte del artista en 1665, es un monumento a su amistad con Paul Freard de Chantelou, consejero de la corte y maitre real. Estas cartas están escritas en francés y no pretenden tener un alto estilo literario, siendo una fuente importante de las actividades diarias de Poussin. La correspondencia con Dal Pozzo fue publicada por primera vez en 1754 por Giovanni Bottari, pero en una forma ligeramente revisada. Las cartas originales se conservan en francés. Biblioteca Nacional. La publicación de las cartas del artista, emitidas por Didot en 1824, fue calificada de "falsificada" por el biógrafo de Poussin, Paul Desjardins.

Las primeras biografías de Poussin fueron publicadas por su amigo romano Giovanni Pietro Bellori, quien se desempeñó como bibliotecario de la reina Cristina de Suecia, y André Felibien, quien conoció al artista en Roma durante su mandato como secretario de la embajada francesa (1647), y luego como historiógrafo real. El libro de Bellori Vite de "Pittori, Scaltori ed Architetti moderni se dedicó a Colbert y se publicó en 1672. La biografía de Poussin contiene breves notas escritas a mano sobre la naturaleza de su arte, que se conservaron en el manuscrito de la biblioteca del cardenal Massimi. Solo en el A mediados del siglo XX se hizo evidente que las "Observaciones sobre la pintura", es decir, los llamados "modos" de Poussin, no son más que extractos de tratados antiguos y renacentistas. La Vita di Pussino del libro de Bellori fue publicada el Francés recién en 1903.

Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excellents peintres anciens et modernes de Félibien se publicó en 1685. Poussin está dedicado a 136 páginas en cuarto. Según P. Desjardins, se trata de una “verdadera hagiografía”. El valor de esta obra venía dado por cinco largas cartas publicadas en su composición, entre ellas una dirigida al propio Felibien. Esta biografía de Poussin también es valiosa porque contenía los recuerdos personales de Felibien sobre su apariencia, modales y hábitos cotidianos. Felibien esbozó la cronología de la obra de Poussin, basándose en las historias de su cuñado, Jean Duguet. Sin embargo, tanto Bellori como Felibien fueron apologistas del clasicismo académico. Además, el italiano buscaba probar la influencia de la escuela académica italiana en Poussin.

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No todos pueden atrapar un pájaro de la felicidad por una cola multicolor. Y, por desgracia, no todos están destinados a glorificar su nombre tanto como fue posible para una persona talentosa que solo tenía un par de pinceles, una paleta y un lienzo en su arsenal. Nicolás Poussin- un destacado artista francés y uno de los padres fundadores que estuvo en los orígenes del clasicismo.

En 1594, en Normandía, cerca de la ciudad de Les Andelys, nació un niño que desde niño mostró un éxito asombroso en el dibujo. Habiendo alcanzado la mayoría de edad, Nikola se fue a la capital francesa para dedicarse al duro trabajo de la pintura. En París, el talento del joven fue descubierto por el retratista Ferdinand Van Elle, quien se convirtió en el primer maestro de Poussin. Después de algún tiempo, el lugar del maestro fue ocupado por el pintor Georges Lallement. Este conocido le trajo a Nicola un doble beneficio: además de la oportunidad de perfeccionar sus habilidades bajo la estricta guía de un eminente mentor, Poussin obtuvo acceso al Louvre, donde copió pinturas. artistas italianos el Renacimiento.

En ese momento, la carrera del joven artista estaba cobrando impulso, y su cabeza daba vueltas al darse cuenta de las alturas que podía escalar si continuaba trabajando duro. Por lo tanto, para mejorar sus habilidades, Poussin fue a Roma, una especie de meca para todos los artistas de esos años. Aquí el artista "mordisqueó activamente el granito de la ciencia", estudiando las obras y. Centrarse en los grandes predecesores y comunicarse con artistas contemporáneos, Poussin se dedicó activamente a las antigüedades y aprendió a medir las proporciones de las esculturas de piedra con una precisión fantástica.

El artista vio la fuente de su inspiración en la poesía, el teatro, los tratados filosóficos y temas bíblicos. Fue esta base cultural la que le ayudó a demostrar de forma encubierta la imagen de su época contemporánea en sus pinturas. El héroe de las obras de Nikola es una persona idealizada.

En Roma, Nicolás Poussin glorificó su nombre, al maestro autorizado se le confió la pintura de las catedrales, se hicieron pedidos de lienzos con temas clásicos o históricos. Uno de ellos fue el cuadro "La muerte de Germánico", que se basa en la obra del historiador Tácito. Fue escrito en 1627, el artista representó en él los últimos minutos de la vida del comandante romano.

La singularidad del lienzo radica en el hecho de que combina absolutamente todas las características del clasicismo, cuya belleza para Poussin se refleja en la proporcionalidad de cada parte, la claridad de la composición y la secuencia de acciones.

Después de la "Muerte de Germánico" y hasta 1629, el artista creó varias pinturas más, entre las cuales el lienzo "Descendimiento de la cruz" ocupa un lugar especial.

En el cuadro, que ahora se encuentra en el Hermitage, Poussin prestó mucha atención al rostro triste de María, transmitiendo el dolor de todo el pueblo por el difunto Salvador. Un ominoso fondo rojo y un cielo oscuro son símbolos de la hora de la retribución por lo que se ha hecho. Pero la ropa blanca como la nieve de Jesucristo contrasta aún más con el fondo carmesí de la imagen. Los pies del Salvador fueron abrazados con tristeza por ángeles inocentes.

En los años siguientes, el maestro prefirió temas mitológicos. En poco tiempo se pintó el cuadro “Tancredo y Erminia”, que se basó en el poema “La Jerusalén liberada” de Torquatto Tasso y el cuadro “El Reino de Flora”, escrito bajo la influencia de las obras de Ovidio.

Poco después de terminar la obra, por invitación del cardenal Richelieu, Nicolas Poussin regresa a París para decorar la galería del Louvre. Un año después, Luis XIII se interesó por el talento del artista. Pronto convirtió a Poussin en el primer pintor de la corte. El artista recibió la fama deseada, y las órdenes cayeron sobre él como de una cornucopia. Pero el dulce sabor del triunfo de Poussin fue estropeado por chismosos envidiosos de la élite artística, que en 1642 obligaron a Nicola a abandonar París y regresar a Roma.

Desde ese momento hasta el final de sus días, Poussin vivió en Italia. Este período se convirtió en el más fructífero para el artista y rico en obras brillantes, entre las que ocupa un lugar especial el ciclo "Las estaciones".

La trama se basó en los acontecimientos descritos en el Antiguo Testamento, que el artista comparó alegóricamente con las estaciones, identificando cada una con el período de nacimiento, crecimiento, envejecimiento y muerte. En una obra, Poussin también mostró el paisaje montañoso de Canaán, famoso por su fertilidad, ya Abraham y Lot, que estaban recogiendo uvas, como símbolo de la generosidad divina. Y el artista representó el final de una vida pecaminosa en La última foto ciclo, cuya apariencia puede sorprender incluso a los espectadores más persistentes.

A últimos años Poussin pintó activamente paisajes y trabajó rápidamente para tener tiempo de terminar el comienzo de la imagen. El artista no tuvo tiempo de completar solo el lienzo "Apolo y Dafne".

Nicolas Poussin inscribió su nombre a la par de los gloriosos maestros, en cuya experiencia una vez estudió.

Casi todas sus pinturas están basadas en temas históricos y mitológicos. Maestro de la composición rítmica perseguida. Uno de los primeros en apreciar la monumentalidad del color local.

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NICOLÁS PUSSIN. "Siete Sacramentos". historia bíblica

subtítulos

Biografía y creatividad.

Primeros años (1594-1616)

Nicolas Poussin nació en la granja de Villers cerca de Les Andelys en Normandía. Su padre Jean proviene de una familia de notario y veterano del ejército del rey Enrique IV; le dio a su hijo una buena educación. Su madre, Marie de Laisement, era viuda de un fiscal de Vernon y ya tenía dos hijas, Rene y Marie. No hay evidencia de la infancia del artista, solo la suposición de que estudió con los jesuitas en Rouen, donde aprendió latín.

Allí, en su tierra natal, Poussin también recibió su educación artística inicial: en 1610 estudió con Quentin Varen (fr. Quentin Varin ‎; c. 1570-1634), quien en ese momento estaba trabajando en tres lienzos para la Iglesia Andelisian de la Virgen María, y ahora decorando la iglesia (fr. Collegiale Notre-Dame des Andelys‎) .

Alrededor de 1614-1615, después de un viaje a Poitou, se reunió en París con Alexandre Courtois (Alexandre Courtois), ayuda de cámara de la reina viuda Marie Medici, custodio de las colecciones de arte y la biblioteca reales, Poussin tuvo la oportunidad de visitar el Louvre y copiar pinturas de artistas italianos allí. Alexandre Courtois poseía una colección de grabados de pinturas de los italianos Raphael y Giulio Romano, que deleitó a Poussin. Una vez enfermo, Poussin pasó algún tiempo con sus padres antes de regresar nuevamente a París.

Florencia (1617-1618)

A principios del siglo XVII, jóvenes extranjeros acudían en masa a Roma para familiarizarse con la herencia de la antigüedad y el Renacimiento. Poussin también hace un viaje a Roma, pero al llegar a Florencia, se ve obligado a regresar a Francia.

París y Lyon (1618-1623)

En septiembre de 1618, Poussin vivía en Saint-Germain-l'Auxerrois (fr. rue Saint-Germain-l'Auxerrois) con el orfebre Jean Guillemen, que también cenaba. Se mudó de domicilio el 9 de junio de 1619. Alrededor de 1619-1620, Poussin crea la pintura "St. Denis the Areopagite" (ver Dionisio El Areopagita) para la iglesia parisina Saint-Germain-l'Auxerrois.

En 1622, Poussin vuelve a emprender el camino hacia Roma, pero se detiene en Lyon para cumplir un encargo: el colegio de los jesuitas de París encarga a Poussin y a otros artistas que escriban seis pinturas grandes sobre escenas de la vida de San Ignacio Loyola y San Francisco Xavier. No se han conservado pinturas ejecutadas con la técnica a la détrempe. La obra de Poussin atrajo la atención del poeta y caballero italiano Marino, que vivía en Francia, por invitación de Marie Medici; 1569-1625). .

En 1623, probablemente por encargo del arzobispo parisino de Gondi (francés Jean-François de Gondi ‎; 1584-1654), Poussin realizó La Mort de la Vierge para el altar de la Catedral de Notre Dame en París. Este lienzo, que se dio por perdido en los siglos XIX-XX, fue encontrado en la iglesia de la ciudad belga de Sterrebeek. Cavalier Marino, con quien Poussin tenía una estrecha amistad, regresó a Italia en abril de 1623.

Primer largo período italiano (1624-1640)

En 1624, ya bastante Artista famoso, Poussin fue a Roma y, con la ayuda de un amigo, el caballero Marino, se convirtió en miembro de las cortes del sobrino papal, el cardenal Barberini y el consejero papal Marcello Sacchetti ( marcelo sacchetti). Durante este período, Poussin realizó dibujos y lienzos sobre temas mitológicos. En Roma, el Cavalier Marino inspiró a Poussin el amor por el estudio de los poetas italianos, cuyas obras proporcionaron al artista abundante material para sus composiciones. Fue influenciado por Carracci, Domenichino, Rafael, Tiziano, Miguel Ángel, estudió los tratados de Leonardo da Vinci y Albrecht Dürer, dibujó y midió estatuas antiguas, estudió anatomía y matemáticas, lo que se reflejó en pinturas, principalmente sobre temas de la antigüedad antigua y la mitología, que dieron ejemplos insuperables de composición geométricamente precisa y correlación reflexiva de grupos de colores.

En 1626, Poussin recibió su primer encargo del cardenal Barberini: pintar el cuadro La destrucción de Jerusalén (no conservado). Posteriormente pintó la segunda versión de este cuadro (1636-1638; Viena, Museo de Historia de las Artes).

En 1627, Poussin pintó La muerte de Germánico basada en la trama del antiguo historiador romano Tácito, que se considera la obra programática del clasicismo; muestra la despedida de los legionarios al comandante moribundo. La muerte de un héroe es percibida como una tragedia. interés público. El tema se interpreta en el espíritu del heroísmo tranquilo y severo de la narrativa antigua. La idea de la imagen es servicio al deber. El artista dispuso figuras y objetos en un espacio poco profundo, dividiéndolo en una serie de planos. En esta obra se revelaron los principales rasgos del clasicismo: claridad de acción, arquitectonicidad, armonía de composición, oposición de agrupaciones. El ideal de belleza a los ojos de Poussin consistía en la proporcionalidad de las partes del todo, en el orden externo, la armonía, la claridad de composición, lo que se convertiría en rasgos característicos estilo maduro del maestro. una de las caracteristicas metodo creativo Poussin fue el racionalismo, que se reflejó no solo en las tramas, sino también en la consideración de la composición. En este momento, Poussin crea pinturas de caballete en su mayoría de tamaño medio, pero de gran sonoridad cívica, que sentó las bases del clasicismo en la pintura europea, composiciones poéticas sobre temas literarios y mitológicos, marcadas por un sublime orden de imágenes, la emotividad de un color intenso, suavemente armonizado "Inspiración del poeta", (París, Louvre), "Parnaso", 1630-1635 (Prado, Madrid). El claro ritmo compositivo que prevalece en las obras de Poussin en la década de 1630 se percibe como un reflejo de un principio razonable que otorga grandeza a las nobles acciones de una persona: "Salvando a Moisés" (Louvre, París), "Moisés purificando las aguas de Merra". ”, “Madonna, que es St. Santiago el Viejo” (“Madonna on a Pillar”) (1629, París, Louvre).

En 1628-1629 el pintor trabajó para el templo principal Iglesia Católica- Catedral de San Pedro; recibió el encargo de pintar El tormento de St. Erasmo" para el altar de la capilla catedralicia con el relicario del santo.

En 1629-1630, Poussin creó el notable en términos de poder de expresión y el más vitalmente veraz "Descendimiento de la cruz" (San Petersburgo, Hermitage).

El 1 de septiembre de 1630, Poussin se casó con Anne-Marie Dughet, la hermana de un cocinero francés que vivía en Roma y cuidó de Poussin durante su enfermedad.

En el período 1629-1633, el tema de la pintura de Poussin cambia: rara vez pinta cuadros sobre temas religiosos, refiriéndose a temas mitológicos y temas literarios: "Narcissus and Echo" (c. 1629, París, Louvre), "Selena and Endymion" (Detroit, Art Institute); y un ciclo de pinturas basado en el poema de Torquatto Tasso "Jerusalén liberada": "Rinaldo y Armida", 1625-1627, (Museo Pushkin, Moscú); “Tancredo y Erminia”, década de 1630, (Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo).

Poussin era aficionado a las enseñanzas de los antiguos filósofos estoicos, que pedían coraje y dignidad ante la muerte. Pensando en la muerte ocupada lugar importante en su trabajo. El pensamiento de la fragilidad del hombre y los problemas de la vida y la muerte formó la base de una versión temprana de la pintura "Los pastores de Arcadia", alrededor de 1629-1630, (colección del duque de Devonshire, Chatsworth), a la que volvió en los años 50 (1650, París, Louvre). Según la trama de la imagen, los habitantes de Arcadia, donde reinan la alegría y la paz, descubren una lápida con la inscripción: "Y yo estoy en Arcadia". Es la Muerte misma la que habla a los héroes y destruye su estado de ánimo sereno, obligándolos a pensar en el inevitable sufrimiento futuro. Una de las mujeres pone su mano sobre el hombro de su vecino, como si tratara de ayudarlo a aceptar la idea de un final inevitable. Sin embargo, a pesar del contenido trágico, el artista narra con calma el choque de la vida y la muerte. La composición del cuadro es sencilla y lógica: los personajes están agrupados cerca de la lápida y unidos por movimientos de manos. Las figuras están pintadas con claroscuros suaves y expresivos, recuerdan un poco a las esculturas antiguas. En la pintura de Poussin predominan los temas antiguos. Imaginó la antigua Grecia como un mundo idealmente hermoso habitado por personas sabias y perfectas. Incluso en los episodios dramáticos de la historia antigua, trató de ver el triunfo del amor y la justicia suprema. En el lienzo "Venus durmiente" (c. 1630, Dresde, Galería de Arte), la diosa del amor está representada por una mujer terrenal, sin dejar de ser un ideal inalcanzable. Uno de las mejores obras sobre el tema antiguo "El reino de la flora" (1631, Dresden, Galería de imágenes), escrito sobre la base de los poemas de Ovidio, sorprende por la belleza de la pintoresca encarnación de imágenes antiguas. Esta es una alegoría poética del origen de las flores, que representa a los héroes de los mitos antiguos convertidos en flores. En la imagen, el artista recogió los personajes de la épica "Metamorfosis" de Ovidio, que después de la muerte se convirtieron en flores (Narciso, Jacinto y otros). Bailando Flora está en el centro, y el resto de las figuras están dispuestas en un círculo, sus poses y gestos están sujetos a un solo ritmo, gracias a esto, toda la composición está impregnada. rotonda. De color suave y de humor suave, el paisaje está escrito de manera bastante convencional y se parece más a una escenografía teatral. La conexión de la pintura con arte teatral era natural para el artista del siglo 17 - el apogeo del teatro. La imagen revela un pensamiento importante para el maestro: los héroes que sufrieron y murieron prematuramente en la tierra encontraron paz y alegría en el jardín mágico de Flora, es decir, de la muerte, renacen. nueva vida, el ciclo de la naturaleza. Pronto se pintó otra versión de esta pintura: el triunfo de Flora (1631, París, Louvre).

En 1632, Poussin fue elegido miembro de la Academia de San Lucas.

Durante varios años (1636-1642) Poussin trabajó por encargo del científico romano y miembro de la Academy dei Lincei Cassiano dal Pozzo, amante de la antigüedad y de la arqueología cristiana; para él, el pintor pintó una serie de cuadros sobre los siete sacramentos ( sacramentos de septiembre). Pozzo apoyó al artista francés más que a otros como mecenas de las artes. Algunas de las pinturas se incluyeron en la colección de pinturas de los duques de Rutlands.

Regreso a Francia (1640-1642)

El nuevo superintendente de los edificios reales de Francia, François Sublet de Noyers (fr. François Sublet de Noyers ‎; 1589-1645; en el cargo 1638-1645) se rodea de especialistas como Paul Flear de Chantelou (fr. Paul Fréart de Chantelou ‎; 1609-1694 ) y Roland Flear de Chambray (fr. Roland Fréart de Chambray ‎; 1606-1676), a quienes instruye por todos los medios posibles para facilitar el regreso de Nicolas Poussin de Italia a París. Para Flear de Chantleux, el artista ejecutó el cuadro "Maná del cielo", que más tarde (1661) el rey adquiriría para su colección.

Sin embargo, unos meses después, Poussin aceptó la propuesta real: "nolens volens", y llegó a París en diciembre de 1640. Poussin recibió el estatus de primer artista real y, en consecuencia, la dirección general de la construcción de edificios reales, para gran disgusto del pintor de la corte Simon Vue.

Inmediatamente después del regreso de Poussin a París en diciembre de 1640, Louis XIII encarga a Poussin que represente la Eucaristía a gran escala ( La Institución de la Eucaristía) para el altar de la capilla real del Palacio de Saint-Germain. Al mismo tiempo, en el verano de 1641, Poussin dibuja el frontispicio de la edición de la Biblia Sacra, donde representa a Dios eclipsando dos figuras: a la izquierda - un ángel femenino escribiendo en un gran folio, mirando a alguien invisible, y en la derecha, una figura completamente velada (excepto los dedos de los pies) con una pequeña esfinge egipcia en sus manos.

De François Sublet de Noyer, se recibe un pedido para la pintura “El milagro de St. Francisco Xavier" ( El milagro de Saint François-Xavier) para las instalaciones del noviciado del Colegio Jesuita. El Cristo de esta imagen fue criticado por Simon Vouet, quien dijo que Jesús "se parecía más a un Júpiter atronador que a un Dios misericordioso".

Segundo período italiano (1642-1665)

En 1642, Poussin regresó a Roma, con sus patrocinadores: el cardenal Francesco Barberini y el académico Cassiano dal Pozzo, y vivió allí hasta su muerte. A partir de ahora, el artista trabaja solo con formatos medianos pedidos por grandes amantes del arte - dal Pozzo, Chantlou ( Freart de Chantelou), Pointeille ( Jean Pointel) o serie ( Serizier) .

De regreso a Roma, Poussin completa el trabajo encargado por Cassiano dal Pozzo en una serie de pinturas “Los siete sacramentos”, en la que revela el profundo significado filosófico de los dogmas cristianos: “Paisaje con”, “Paisaje con un camino real”, “Juicio de Salomón”, “Pastores de Arcadia”, el segundo autorretrato. Los temas de sus pinturas de este período fueron las virtudes y el valor de los gobernantes, héroes bíblicos o antiguos. En sus lienzos, mostró héroes perfectos, fieles al deber cívico, desinteresados, generosos, mientras demostraban el ideal universal absoluto de ciudadanía, patriotismo y grandeza espiritual. Creando imágenes ideales basadas en la realidad, corrigió conscientemente la naturaleza, quitándole lo bello y descartando lo feo.

Hacia 1644, pinta el lienzo "Niño Moisés pisoteando la corona del faraón" ( Moïse enfant foulant aux pieds la couronne de pharaon), es el primero de 23 destinados a su amigo y filántropo parisino Jean Pointel ( Jean Pointel). El Moisés bíblico ocupa un lugar importante en la obra del pintor. Para el bibliófilo Jacques Auguste de Thou ( Jacques-Auguste II de Tú; 1609-1677) trabajando en La Crucifixión ( La Crucifixión), reconociendo en correspondencia toda la dificultad de este trabajo, que lo llevó a un estado doloroso.

En 1649 creó el cuadro "Moisés sacando agua de la roca" ( Le Frappement du rocher) para un amigo y colega artista Jacques Stella .

A Último periodo creatividad (1650-1665) Poussin se volvió cada vez más hacia el paisaje, sus personajes estaban asociados con temas literarios y mitológicos: "Paisaje con Polifemo" (Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin). Pero sus figuras de héroes míticos son pequeñas y casi invisibles entre las enormes montañas, nubes y árboles. Los personajes de la mitología antigua actúan aquí como símbolo de la espiritualidad del mundo. La misma idea se expresa en la composición del paisaje: simple, lógica, ordenada. Los planos espaciales están claramente separados en las pinturas: el primer plano es una llanura, el segundo son árboles gigantes, el tercero son montañas, cielo o superficie del mar. La división en planos también se enfatizó en color. Así apareció un sistema, más tarde llamado “paisaje tricolor”: en la pintura del primer plano predominan los colores amarillo y marrón, en el segundo - cálido y verde, en el tercero - frío, y sobre todo el azul. Pero el artista estaba convencido de que el color es solo un medio para crear volumen y espacio profundo, no debe distraer la atención del espectador del dibujo preciso de la joyería y la composición armoniosamente organizada. Como resultado, nació la imagen de un mundo ideal, ordenado de acuerdo con las leyes superiores de la razón. Desde la década de 1650, el patetismo ético y filosófico se ha ido intensificando en la obra de Poussin. Volviendo a las tramas de la historia antigua, comparando los personajes bíblicos y evangélicos con los héroes de la antigüedad clásica, el artista logró la plenitud del sonido figurativo, la clara armonía del conjunto ("Descanso en la huida a Egipto", 1658, Hermitage Museo, San Petersburgo).

En el período 1660-1664 crea una serie de paisajes "Las Cuatro Estaciones" con escenas bíblicas que simbolizan la historia del mundo y de la humanidad: "Primavera", "Verano", "Otoño" e "Invierno". Los paisajes de Poussin son multifacéticos, la alternancia de planos fue enfatizada por franjas de luz y sombra, la ilusión de espacio y profundidad les dio poder y grandeza épica. Como en las pinturas históricas, los personajes principales suelen estar situados en primer plano y se perciben como parte inseparable del paisaje. Habiendo estudiado los paisajes de la escuela de pintura de Bolonia y los que vivieron en Italia pintores holandeses, Poussin creó el llamado "paisaje heroico", que, estando dispuesto según las reglas de una distribución equilibrada de masas, con sus formas agradables y majestuosas, le sirvió como escenario para representar una idílica edad de oro. Los paisajes de Poussin están imbuidos de un estado de ánimo serio y melancólico. En la representación de figuras, se atuvo a las antigüedades, a través de las cuales determinó el camino posterior que siguió la escuela de pintura francesa después de él. Como pintor histórico, Poussin tenía un profundo conocimiento del dibujo y un don para la composición. En el dibujo, se distingue por una estricta coherencia de estilo y corrección.

El trabajo de Poussin para la historia de la pintura es difícil de sobreestimar: es el fundador de un estilo de pintura como el clasicismo. Los artistas franceses antes que él estaban tradicionalmente familiarizados con el arte del Renacimiento italiano. Pero se inspiraron en las obras de los maestros del manierismo italiano, el barroco, el caravaggismo. Poussin fue el primero pintor francés que abrazó la tradición estilo clásico Leonardo da Vinci y Rafael. Volviendo a los temas de la mitología antigua, la historia antigua, la Biblia, Poussin reveló los temas de su época contemporánea. Con sus obras, creó una personalidad perfecta, mostrando y cantando ejemplos de alta moralidad, destreza cívica. La claridad, constancia y orden de las técnicas visuales de Poussin, la orientación ideológica y moral de su arte, convirtieron posteriormente su obra en un estandarte para la Academia de Pintura y Escultura de Francia, que asumió la elaboración de normas estéticas, cánones formales y reglas generalmente vinculantes. creatividad artística(así llamado "

Nicolas Poussin (fr. Nicolas Poussin, 1594, Les Andelys, Normandía - 19 de noviembre de 1665, Roma) fue un artista francés que se situó en los orígenes de la pintura del clasicismo. Durante mucho tiempo vivió y trabajó en Roma. Casi todas sus pinturas están basadas en temas históricos y mitológicos. Maestro de la composición rítmica perseguida. Uno de los primeros en apreciar la monumentalidad del color local.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Nicolas Poussin nació en 1594 en la ciudad normanda de Les Andelys. Ya en su juventud recibió una buena educación general y al mismo tiempo comenzó a estudiar pintura. A la edad de 18 años se fue a París, donde continuó sus estudios bajo la guía del famoso retratista Van Elle en ese momento, y luego con otros maestros. Lo ayudaron mucho a perfeccionar su técnica: visitar el Louvre, donde copió las pinturas de los italianos del Renacimiento.

Durante este período, Poussin gana cierto reconocimiento. Para mejorar aún más sus habilidades, fue a Roma, que en ese momento era la meca de los pintores de todos los países. Aquí continuó perfeccionando sus conocimientos, estudiando tratados y, estudiando en detalle y midiendo las proporciones. esculturas antiguas interactuando con otros artistas. Es en este período cuando su obra adquiere los rasgos del clasicismo, uno de los pilares del que aún se considera a Nicolas Poussin.

El artista se inspiró en la obra de los clásicos y poetas contemporáneos, en representaciones teatrales, en tratados filosóficos, en temas bíblicos. Pero incluso las tramas canónicas le permitieron representar la realidad que lo rodeaba, llenando los lienzos con obras impecablemente ejecutadas. Imágenes características, paisajes y planos. La habilidad y el estilo propio ya establecido le dieron al artista reconocimiento en Roma, lo invitaron a pintar catedrales, le encargaron que pintara obras clásicas y parcelas historicas. Es a este período al que pertenece el lienzo del programa "Muerte de Germánico", que reunió todas las características inherentes al clasicismo europeo.

En 1639, por invitación del cardenal Richelieu, Poussin volvió a París para decorar la Galería del Louvre. Un año después, Luis XIII, impresionado por el talento del artista, lo nombra su primer pintor. Poussin fue reconocido en la corte, comenzaron a competir con él para encargar pinturas para sus castillos y galerías.

Pero las intrigas de la envidiosa élite artística local le obligaron a abandonar París de nuevo en 1642 e ir a Roma. Aquí vivió hasta el final de sus días, y los últimos años de su vida, por supuesto, se convirtieron en la etapa más fructífera en la creatividad del ego. Poussin en este momento comenzó a prestar más atención a la imagen de la naturaleza circundante, dedicando mucho tiempo a dibujar de la vida. Sin duda, una de las mejores plasmaciones de esta tendencia en su obra fue el ciclo “Las Estaciones”, finalizado poco antes de su muerte.

Al igual que otras pinturas del pintor, estos lienzos combinaron armoniosamente el naturalismo y el idealismo, que a lo largo de toda la vida creativa de Nicolas Poussin no abandonaron sus obras.

El artista murió en el otoño de 1665 en Roma.

CREACIÓN

La creatividad de Poussin para la historia de la pintura es difícil de sobrestimar.

Es el fundador de un estilo de pintura como el clasicismo.

Los artistas franceses antes que él estaban tradicionalmente familiarizados con el arte. Renacimiento italiano. Pero se inspiraron en las obras de los maestros del manierismo italiano, el barroco, el caravaggismo. Poussin fue el primer pintor francés que adoptó la tradición del estilo clásico y. Volviendo a los temas de la mitología antigua, la historia antigua, la Biblia, Poussin reveló los temas de su época contemporánea. Con sus obras, creó una personalidad perfecta, mostrando y cantando ejemplos de alta moralidad, destreza cívica. La claridad, constancia y orden de las técnicas visuales de Poussin, la orientación ideológica y moral de su arte, hicieron de su obra posteriormente un estandarte para la Academia de Pintura y Escultura de Francia, que asumió la elaboración de normas estéticas, cánones formales y reglas de obligado cumplimiento. creatividad artística (el llamado "academismo").

La búsqueda de Poussin ha recorrido un largo camino.

Ya en uno de sus primeros cuadros, La muerte de Germánico (1626-1628, Minneapolis, Institute of Arts), recurre a las técnicas del clasicismo y se anticipa a muchos de sus obras posteriores en el área de pintura de historia. Germanicus, un comandante valiente y valiente, la esperanza de los romanos, fue envenenado por orden del sospechoso y envidioso emperador Tiberio. La pintura representa a Germánico en su lecho de muerte, rodeado de su familia y leales guerreros. Pero no el dolor personal, sino el patetismo cívico -servir a la patria y al deber- es significado figurado este lienzo. Germanicus, que se está muriendo, hace un juramento de lealtad y venganza de los legionarios romanos, gente dura, fuerte y llena de dignidad. Todos los actores se ubican como un relieve.

Habiendo emprendido el camino del clasicismo, Poussin a veces traspasó sus fronteras. Sus pinturas de la década de 1620 La masacre de los inocentes (Chantilly, Museo Condé) y El martirio de san Erasmo (1628-1629, Vaticano, Pinacoteca) se acercan al caravagismo y al barroco en su interpretación exageradamente dramática de la situación y las imágenes, desprovistas de de idealidad. La tensión de las expresiones faciales y la rapidez del movimiento se distinguen por el expresivo "Descendimiento de la cruz" en el Hermitage (c. 1630) y "Lamentación" en la Pinacoteca de Munich (c. 1627). Al mismo tiempo, la construcción de ambas pinturas, en las que figuras plásticamente tangibles se incluyen en el ritmo general de la composición, es impecable. El esquema de color está sujeto a una proporción bien pensada de manchas de colores. El lienzo de Munich está dominado por varios tonos gris, con el que contrastan exquisitamente los tonos azul-azulados y los rojos vivos.

Poussin rara vez retrató el sufrimiento de Cristo. El grueso de sus obras está relacionado con temas bíblicos, mitológicos y literarios.

El tema antiguo de sus primeras obras, en las que ha incidido la pasión por el color, afirma la luminosa alegría de vivir.

Las figuras de sátiros morenos, ninfas encantadoras, cupidos alegres están llenas de ese movimiento suave y suave, que el maestro llamó "lenguaje corporal". El cuadro “El Reino de la Flora” (1631, Dresde, Galería de Arte), inspirado en los motivos de las Metamorfosis de Ovidio, representa a los héroes de los antiguos mitos que, tras su muerte, dieron vida a diversas flores que adornaban el fragante reino de la diosa. Flora. La muerte de Ajax arrojándose a la espada, el destino de los mortalmente heridos Adonis y Hyacinth, el sufrimiento de los amantes Smila y Krokon no eclipsan el estado de ánimo jubiloso reinante. La sangre que fluye de la cabeza de Jacinto se convierte en pétalos que caen de maravillosas flores azules, un clavel rojo crece de la sangre de Ajax, Narciso admira su reflejo en un jarrón de agua sostenido por la ninfa Eco.

Como una colorida corona viva, los personajes del cuadro rodean a la diosa danzante. El lienzo de Poussin encarna la idea de la inmortalidad de la naturaleza, que da vida eterna renovación.

Esta vida es traída a los héroes por la risueña diosa Flora, bañándolos con flores blancas y la luz radiante del dios Helios, que hace su carrera ardiente en nubes doradas.

El tema de la vida y la muerte atraviesa toda la obra de Poussin.

En el Reino de Flora, adquirió el carácter de una alegoría poética; en La muerte de Germánico, se asoció con cuestiones éticas y heroicas. En las pinturas de la década de 1640 y posteriores, este tema estaba saturado de profundidad filosófica. El mito de Arcadia, un país de felicidad serena, a menudo se plasmaba en el arte. Pero Poussin expresó en esta trama idílica la idea de la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte. El artista representó a los pastores que inesperadamente descubrieron una tumba con la inscripción "Y yo estaba en Arcadia ...", un recordatorio de la fragilidad de la vida, del final que se avecina. En una versión temprana (1628-1629, Chatsworth, el encuentro de los duques de Devonshire), más emotiva, llena de movimiento y dramatismo, se expresa con fuerza la confusión de los jóvenes pastores, que parecían enfrentarse a la muerte invadiendo su luminoso mundo.

La imagen de la naturaleza como personificación de la más alta armonía del ser atraviesa toda la obra de Poussin. Paseando por las cercanías de Roma, estudió los paisajes de la Campaña romana con su habitual curiosidad. Sus vivas impresiones se transmiten en maravillosos dibujos de paisajes de la naturaleza, llenos de frescura de percepción y sutil lirismo. Los paisajes pintorescos de Poussin están desprovistos de esta sensación de inmediatez, el comienzo ideal es más pronunciado en ellos.

Los paisajes de Poussin están imbuidos de un sentido de grandeza y grandeza del mundo.

Rocas amontonadas, árboles frondosos, lagos cristalinos, manantiales frescos que fluyen entre piedras y arbustos umbríos se combinan en una composición integral plásticamente completa basada en la alternancia de planos espaciales, cada uno de los cuales se ubica paralelo al plano del lienzo. La sobria gama de colores suele basarse en una combinación de los tonos fríos azules y azulados del cielo, el agua y los cálidos tonos marrones de la tierra y las rocas.

Las obras de Poussin, saturadas de pensamiento profundo, conquistan ante todo con la plenitud vital de las imágenes. Se sintió atraído por la belleza. sentimientos humanos, reflexiones sobre el destino del hombre, el tema de la creación poética. Especialmente importancia pues la concepción filosófica y artística de Poussin tenía el tema de la naturaleza como la más alta encarnación de la armonía razonable y natural.

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En un plano ligeramente diferente, tuvo lugar el desarrollo de la pintura clasicista, cuyo fundador y principal representante fue el más grande artista francés del siglo XVII. Nicolás Poussin.

La teoría artística de la pintura del clasicismo, basada en las conclusiones de los teóricos italianos y las declaraciones de Poussin, que en la segunda mitad del siglo XVII se convirtió en una doctrina consistente, ideológicamente tiene mucho en común con la teoría de la literatura clásica y la dramaturgia. también destaca comienzo público, el triunfo de la razón sobre el sentimiento, la importancia del arte antiguo como modelo indiscutible. Según Poussin, una obra de arte debe recordar a una persona "la contemplación de la virtud y la sabiduría, con la ayuda de la cual podrá permanecer firme e inquebrantable ante los golpes del destino".

De acuerdo con estas tareas, se desarrolló un sistema de medios artísticos, que se utilizó en las bellas artes del clasicismo, y una estricta regulación de los géneros. El género dominante fue la llamada pintura histórica, que incluía composiciones sobre temas históricos, mitológicos y bíblicos. Un paso más abajo había un retrato y un paisaje. género doméstico y la naturaleza muerta en la pintura del clasicismo estaban prácticamente ausentes.

Pero el de Poussin en menor grado que los dramaturgos franceses, atraídos por la formulación de los problemas de la existencia social de la persona, por el tema del deber cívico. En mayor medida, se sintió atraído por la belleza de los sentimientos humanos, las reflexiones sobre el destino de una persona, sobre su actitud hacia el mundo que lo rodea, el tema de la creatividad poética. Destaca especialmente la importancia del tema de la naturaleza para la concepción filosófica y artística de Poussin. La naturaleza, que Poussin percibía como la más alta encarnación de la racionalidad y la belleza, es el entorno de vida de sus héroes, el escenario de su acción, un componente importante, a menudo dominante, en el contenido figurativo de la imagen.

Para Poussin, el arte antiguo era menos que nada la suma de dispositivos canónicos. Poussin captó lo principal en el arte antiguo: su espíritu, su base vital, la unidad orgánica de alta generalización artística y un sentido de plenitud del ser, brillo figurativo y gran contenido social.

La creatividad Poussin cae en la primera mitad del siglo, marcada por el auge de la vida social y artística en Francia y la lucha social activa. De ahí la orientación progresista general de su arte, la riqueza de su contenido. Una situación diferente se desarrolló en las últimas décadas del siglo XVII, durante el período de mayor recrudecimiento de la opresión absolutista y la supresión de los fenómenos progresistas del pensamiento social, cuando la centralización se extendió a los artistas unidos en la Real Academia y obligados a servir con su arte. la glorificación de la monarquía. En estas condiciones, su arte perdió su profundo contenido social y los rasgos débiles y limitados del método clásico pasaron a primer plano.

Y los artistas del clasicismo y los "pintores mundo real"Las ideas avanzadas de la época estaban cerca: una alta idea de la dignidad de una persona, el deseo de una evaluación ética de sus acciones y una percepción clara del mundo, limpia de todo azar. Por ello, ambas direcciones de la pintura, a pesar de las diferencias entre ellas, estuvieron en estrecho contacto entre sí.

Poussin nació en 1594 cerca de la ciudad de Andely en Normandía en una familia militar pobre. Se sabe muy poco sobre los años de juventud de Poussin y sus primeros trabajos. Quizás su primer maestro fue el artista errante Kanten Varen, quien visitó Andeli durante estos años, encuentro con quien fue de decisiva importancia para determinar la vocación artística del joven. Siguiendo a Varen, Poussin abandona en secreto su ciudad natal y se va a París. Sin embargo, este viaje no le trae suerte. Solo un año después, ingresa nuevamente a la capital y pasa allí varios años. Ya en su juventud, Poussin revela un gran sentido de propósito y una infatigable sed de conocimiento. Estudia matemáticas, anatomía, literatura antigua, se familiariza con los grabados de las obras de Rafael y Giulio Romane.

En París, Poussin conoce al poeta italiano de moda Cavalier Marino e ilustra su poema Adonis. Estas ilustraciones que han sobrevivido hasta el día de hoy son las únicas obras confiables de Poussin de su primer período parisino. En 1624 el artista partió hacia Italia y se instaló en Roma. Aunque Poussin estaba destinado a vivir casi toda su vida en Italia, amaba apasionadamente su tierra natal y estaba estrechamente relacionado con las tradiciones. cultura francés. Era ajeno al arribismo y no estaba inclinado a buscar el éxito fácil. Su vida en Roma estuvo dedicada al trabajo persistente y sistemático. Poussin dibujó y midió estatuas antiguas, continuó sus estudios de ciencia, literatura, estudió los tratados de Alberti, Leonardo da Vinci y Durero. Ilustró una de las listas del tratado de Leonardo; En la actualidad, este valiosísimo manuscrito se encuentra en el Hermitage.

Búsquedas creativas de Poussin en la década de 1620. fueron muy difíciles. El maestro recorrió un largo camino para crear su metodo artistico. arte antiguo y los artistas del Renacimiento fueron para él los modelos más altos. Entre los maestros boloñeses contemporáneos, apreció al más estricto de ellos: Domenichino. Con una actitud negativa hacia Caravaggio, Poussin, sin embargo, no permaneció indiferente a su arte.

Durante la década de 1620 Poussin, que ya se había embarcado en el camino del clasicismo, a menudo lo superó bruscamente. Sus pinturas como La Masacre de los Inocentes (Chantilly), El Martirio de St. Erasmo” (1628, Pinacoteca vaticana), marcada por rasgos de proximidad al caravagismo y al barroco, una conocida reducción de imágenes, una interpretación exageradamente dramática de la situación. El Descendimiento de la cruz del Hermitage (c. 1630) es inusual para Poussin en su expresión intensificada al transmitir un sentimiento de dolor desgarrador. El drama de la situación aquí se ve reforzado por la interpretación emocional del paisaje: la acción se desarrolla contra un cielo tormentoso con reflejos de un amanecer rojo y siniestro. Un enfoque diferente caracteriza sus obras, realizadas en el espíritu del clasicismo.

El culto a la razón es una de las principales cualidades del clasicismo, y por tanto ninguna de los grandes maestros del siglo XVII. el principio racional no juega un papel tan esencial como en Poussin. El propio maestro dijo que la percepción de una obra de arte requiere una deliberación concentrada y un arduo trabajo de pensamiento. El racionalismo se refleja no solo en la adhesión deliberada de Poussin al ideal ético y artístico, sino también en el sistema visual que creó. Construyó una teoría de los llamados modos, que trató de seguir en su trabajo. Por modus, Poussin entendía una especie de clave figurativa, la suma de dispositivos de características figurativo-emocionales y soluciones compositivo-pictóricas que más correspondían a la expresión de un tema particular. Estos modos Poussin dio nombres que provienen de los nombres griegos de varios modos orden musical. Entonces, por ejemplo, el artista encarna el tema de una hazaña moral en formas estrictas y severas, unidas por Poussin en el concepto de "modo dórico", los temas de naturaleza dramática, en las formas correspondientes del "modo frigio". , temas alegres e idílicos, en las formas de los modos "Jónico" y "Lidio". El lado fuerte de las obras de Poussin son la idea claramente expresada, la lógica clara y un alto grado de integridad de la idea lograda como resultado de estas técnicas artísticas. Pero al mismo tiempo, la subordinación del arte a ciertas normas estables, la introducción en él de elementos racionalistas, también representaba un gran peligro, ya que esto podría conducir al predominio de un dogma inquebrantable, la insensibilidad del proceso creativo vivo. Esto es exactamente a lo que llegaron todos los académicos, siguiendo solo los métodos externos de Poussin. Posteriormente, este peligro se planteó ante el propio Poussin.

Poussin. Muerte de Germánico. 1626-1627 Instituto de las Artes de Minneapolis.

Uno de los ejemplos característicos del programa ideológico y artístico del clasicismo es la composición de Poussin La muerte de Germánico (1626/27; Minneapolis, Instituto de Artes). Aquí, la elección misma del héroe es indicativa: un comandante valiente y noble, la fortaleza de las mejores esperanzas de los romanos, que fue envenenado por orden del sospechoso y envidioso emperador Tiberio. La pintura representa a Germánico en su lecho de muerte, rodeado de su familia y guerreros devotos a él, abrumado por un sentimiento general de emoción y dolor.

Muy fructífera para la obra de Poussin fue la pasión por el arte de Tiziano en la segunda mitad de la década de 1620. La apelación a la tradición de Tiziano contribuyó a la revelación de los aspectos más vitales del talento de Poussin. El papel del colorismo de Tiziano también fue importante en el desarrollo del talento pictórico de Poussin.

Poussin. Reino de Flora. Fragmento. ESTÁ BIEN. 1635 Dresde, Galería de Arte.

En su cuadro de Moscú "Rinaldo y Armida" (1625-1627), cuyo argumento está tomado del poema de Tasso "Jerusalén liberada", un episodio de la leyenda de la caballería medieval se interpreta más bien como un motivo de la mitología antigua. La hechicera Armida, después de haber encontrado al caballero cruzado durmiente Rinaldo, lo lleva a sus jardines mágicos, y los caballos de Armida, arrastrando su carro a través de las nubes y apenas sujetos por hermosas chicas, se parecen a los caballos del dios sol Helios (este motivo más tarde se encuentra a menudo en las pinturas de Poussin). La altura moral de una persona está determinada para Poussin por la correspondencia de sus sentimientos y acciones con las leyes razonables de la naturaleza. Por lo tanto, el ideal de Poussin es un hombre que vive solo vida feliz con la naturaleza El artista dedicó a este tema lienzos de las décadas de 1620 y 1630, como Apolo y Dafne (Munich, Pinakothek), Bacanales en el Louvre y la Galería Nacional de Londres, El reino de la flora (Dresde, Galería). Resucita el mundo de los mitos antiguos, donde los sátiros morenos, las ninfas esbeltas y los cupidos alegres se representan en unidad con la naturaleza hermosa y alegre. Nunca más tarde en la obra de Poussin aparecieron escenas tan serenas, tan hermosas Imágenes de mujer.

La construcción de pinturas, donde las figuras plásticamente tangibles se incluyen en el ritmo general de la composición, tiene claridad y plenitud. Es especialmente expresivo el siempre nítido movimiento de las figuras, esto, según Poussin, “lenguaje corporal”. El esquema de color, a menudo saturado y rico, también obedece a una proporción rítmica bien pensada de manchas de color.

en la década de 1620 creó una de las imágenes más cautivadoras de Poussin: la "Venus durmiente" de Dresde. El motivo de esta imagen, la imagen de la diosa inmersa en un sueño rodeada de un hermoso paisaje, se remonta a los ejemplos del Renacimiento veneciano. Sin embargo, en este caso, el artista tomó de los maestros del Renacimiento no la idealidad de las imágenes, sino su otra cualidad esencial: una gran vitalidad. En el cuadro de Poussin, el tipo mismo de la diosa, una joven con el rostro enrojecido por el sueño, con una figura esbelta y graciosa, está llena de tal naturalidad y de una especial intimidad de sentimiento que esta imagen parece arrebatada directamente de la vida. En contraste con la paz serena de la diosa durmiente, la tensión atronadora se siente aún más fuerte. dia caluroso. En el lienzo de Dresde, más claramente que en ningún otro lugar, es palpable la conexión entre Poussin y el colorismo de Tiziano. En comparación con el tono dorado oscuro saturado y marrón general de la imagen, las sombras del cuerpo desnudo de la diosa se destacan de manera especialmente hermosa.

Poussin. Tancredo y Erminia. 1630 Leningrado, Hermitage.

La pintura del Hermitage Tancredo y Erminia (década de 1630) está dedicada al tema dramático del amor de la amazona Erminia por el caballero cruzado Tancredo. Su trama también está tomada del poema de Tasso. A zona desértica, sobre suelo pedregoso, Tancredo, herido en duelo, yace tendido. Con cariñosa ternura, es apoyado por su fiel amigo Vafrin. Erminia, que acaba de desmontar, corre hacia su amado y con un movimiento rápido de una espada brillante corta un mechón de su cabello rubio para vendar sus heridas. Su rostro, su mirada fija en Tancred, los rápidos movimientos de su esbelta figura están inspirados por un gran sentimiento interior. La euforia emocional de la imagen de la heroína se destaca por el esquema de color de su ropa, donde los contrastes de tonos gris acero y azul profundo suenan con mayor fuerza, y el estado de ánimo dramático general de la imagen encuentra su eco en el paisaje lleno de el resplandor llameante del amanecer vespertino. La armadura de Tancredo y la espada de Erminia reflejan en sus reflejos toda esta riqueza de colores.

Más lejos momento emotivo en la obra de Poussin resulta estar más conectado con el principio organizador de la mente. En las obras de mediados de la década de 1630. el artista logra un equilibrio armonioso entre la razón y el sentimiento. Valor líder adquiere la imagen de un hombre heroico y perfecto como la encarnación de la grandeza moral y la fuerza espiritual.

Un ejemplo de una revelación profundamente filosófica del tema en la obra de Poussin lo dan dos versiones de la composición “The Arcadian Shepherds” (entre 1632 y 1635, Chesworth, colección del Duque de Devonshire, ver ilustraciones y 1650, Louvre) . El mito de Arcadia, un país de felicidad serena, a menudo se plasmaba en el arte. Pero Poussin en esta trama idílica expresó una idea profunda de la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte. Se imaginó a los pastores, que de repente vieron una tumba con la inscripción "Y yo estuve en Arcadia...". En el momento en que una persona está llena de un sentimiento de felicidad sin nubes, parece escuchar la voz de la muerte, un recordatorio de la fragilidad de la vida, del final inevitable.

Poussin. pastores de Arcadia. Entre 1632 y 1635 Chasworth, colección del duque de Devonshire.

En la primera versión londinense, más emotiva y dramática, la confusión de los pastores es más pronunciada, como si de repente se encontraran con la muerte que invadía su mundo luminoso. En la segunda versión del Louvre, mucho más tardía, los rostros de los héroes ni siquiera están nublados, permanecen tranquilos, percibiendo la muerte como un patrón natural. Esta idea se encarna con particular profundidad en la imagen de una hermosa joven, a cuya apariencia el artista le dio los rasgos de la sabiduría estoica.

Poussin. La inspiración del poeta. Entre 1635 y 1638 París, Museo del Louvre.

La pintura del Louvre "Inspiración de un poeta" es un ejemplo de cómo Poussin encarna una idea abstracta en imágenes profundas y poderosas. En esencia, la trama de esta obra parece bordear la alegoría: vemos a un joven poeta coronado con una corona en presencia de Apolo y la Musa, pero lo que menos hay en este cuadro es sequedad alegórica y descabellada. La idea de una imagen, el nacimiento de la belleza en el arte, su triunfo, se percibe no como una idea abstracta, sino como una idea figurativa concreta. A diferencia de lo común en el siglo XVII. composiciones alegóricas, cuyas imágenes están unidas externa y retóricamente, la pintura del Louvre se caracteriza por una unificación interna de imágenes por un sistema común de sentimientos, la idea de la belleza sublime de la creatividad. La imagen de la bella musa en la pintura de Poussin recuerda las imágenes femeninas más poéticas del arte de la Grecia clásica.

La estructura compositiva del cuadro es a su manera ejemplar para el clasicismo. Se distingue por su gran sencillez: la figura de Apolo se sitúa en el centro, las figuras de la musa y el poeta se sitúan simétricamente a ambos lados de la misma. Pero en esta decisión no hay la menor sequedad y artificialidad; ligeros cambios sutilmente encontrados, giros, movimientos de figuras, un árbol empujado a un lado, un cupido volador: todas estas técnicas, sin privar a la composición de claridad y equilibrio, aportan ese sentido de vida que distingue a este trabajo de las creaciones convencionalmente esquemáticas de académicos que imitaron a Poussin.

En el proceso de formación del concepto artístico y compositivo de las pinturas de Poussin gran importancia tenía sus maravillosos dibujos. Estos bocetos en sepia, realizados con una amplitud y atrevimiento excepcionales, a partir de la yuxtaposición de manchas de luz y sombra, cumplen una función preparatoria para convertir la idea de la obra en un todo pictórico completo. Vivos y dinámicos, parecen reflejar toda la riqueza de la imaginación creativa del artista en su búsqueda de un ritmo compositivo y una clave emocional que correspondan al concepto ideológico.

Poussin. Bacanal. Imagen. Lápiz italiano, bistre. 1630-1640 París, Museo del Louvre.

En años posteriores, la unidad armónica de las mejores obras de la década de 1630. se pierde poco a poco. En la pintura de Poussin crecen los rasgos de abstracción y racionalidad. La crisis de creatividad en ciernes se intensifica considerablemente durante su viaje a Francia.

La gloria de Poussin llega a la corte francesa. Habiendo recibido una invitación para regresar a Francia, Poussin retrasa el viaje de todas las formas posibles. Sólo una carta personal fríamente imperativa del rey Luis XIII lo hace someterse. En el otoño de 1640, Poussin parte hacia París. Un viaje a Francia trae al artista una gran decepción amarga. Su arte encontró una feroz resistencia por parte de los representantes de la corriente barroca decorativa, encabezada por Simon Vouet, que trabajaba en la corte. Una red de sucias intrigas y denuncias de "estos animales" (como los llama el artista en sus cartas) enreda a Poussin, un hombre de reputación impecable. Toda la atmósfera de la vida de la corte le inspira un repugnancia aprensiva. El artista, según él, necesita romper la soga que le puso al cuello para volver a hacer arte real en el silencio de su estudio, porque “si me quedo en este país”, escribe, “yo tendrá que convertirse en un sucio como otros que están aquí. La corte real no logra atraer a un gran artista. En el otoño de 1642, con el pretexto de la enfermedad de su esposa, Poussin regresa a Italia, esta vez definitivamente.

La obra de Poussin en la década de 1640 marcada por una profunda crisis. Esta crisis se explica no tanto por los hechos señalados en la biografía del artista como, en primer lugar, por la inconsistencia interna del propio clasicismo. La realidad viva de esa época distaba mucho de concordar con los ideales de racionalidad y virtud cívica. El programa ético positivo del clasicismo comenzó a perder terreno.

Trabajando en París, Poussin no podía abandonar por completo las tareas que le habían sido asignadas como pintor de la corte. Las obras del período parisino son de carácter frío y oficial, expresan tangiblemente los rasgos del arte barroco encaminados a lograr un efecto externo ("El tiempo salva a la verdad de la envidia y la discordia", 1642, Lille, Museo; "El milagro de San Francisco Javier”, 1642, Louvre). Fue este tipo de trabajo el que posteriormente fue percibido como modelo por los artistas del campo académico, encabezado por Charles Le Brun.

Pero incluso en aquellas obras en las que el maestro se adhirió estrictamente a la doctrina artística clasicista, ya no alcanzó la antigua profundidad y vitalidad de las imágenes. El racionalismo, la normatividad, el predominio de una idea abstracta sobre el sentimiento, la lucha por la idealidad, característica de este sistema, reciben en él una expresión unilateralmente exagerada. Un ejemplo es el Museo de Bellas Artes "Generosidad de Escipión". AS Pushkin (1643). Representando al comandante romano Escipión el Africano, que renunció a sus derechos sobre la cautiva princesa cartaginesa y la devolvió a su prometido, el artista glorifica la virtud del sabio comandante. Pero en este caso, el tema del triunfo del deber moral ha recibido una encarnación fría y retórica, las imágenes han perdido su vitalidad y espiritualidad, los gestos están condicionados, la profundidad del pensamiento ha sido sustituida por la extravagancia. Las figuras parecen congeladas, el colorido es abigarrado, con predominio de los fríos colores locales, el estilo pictórico se distingue por una desagradable pulcritud. Características similares se caracterizan por las creadas en 1644-1648. pinturas del segundo ciclo de los Siete Sacramentos.

La crisis del método clásico afectó principalmente composiciones de trama Poussin. Ya desde finales de la década de 1640. los logros más altos del artista se manifiestan en otros géneros: en el retrato y en el paisaje.

Poussin. Auto retrato. Fragmento. 1650 París, Museo del Louvre

Hacia 1650, uno de los más obras significativas Poussin - su famoso autorretrato del Louvre. El artista para Poussin es ante todo un pensador. En una época en la que en el retrato se enfatizaban los rasgos de la representatividad externa, en la que el significado de la imagen estaba determinado por la distancia social que separaba al modelo de los simples mortales, Poussin ve el valor de una persona en la fuerza de su intelecto, en la creatividad energía. Y en un autorretrato, el artista conserva una estricta claridad. construcción compositiva y claridad de soluciones lineales y volumétricas. La profundidad del contenido ideológico y la notable plenitud del "Autorretrato" de Poussin supera significativamente las obras de los retratistas franceses y pertenece a los mejores retratos Arte europeo del siglo XVII.

La fascinación de Poussin por el paisaje está asociada con el cambio. su visión del mundo. Sin duda, Poussin perdió esa idea integral de persona, que fue característica de sus obras de la década de 1620-1630. Intenta encarnar esta idea en las composiciones argumentales de la década de 1640. llevó al fracaso. El sistema figurativo de Poussin de finales de la década de 1640. construida sobre diferentes principios. En las obras de esta época, el foco de atención del artista es la imagen de la naturaleza. Para Poussin, la naturaleza es la personificación de la más alta armonía del ser. El hombre ha perdido su posición dominante en ella. Se le percibe solo como una de las muchas creaciones de la naturaleza, cuyas leyes se ve obligado a obedecer.

Los paisajes pintorescos de Poussin no tienen el mismo sentido de inmediatez que es inherente a sus dibujos. En sus pinturas, el principio generalizador ideal se expresa con mayor fuerza, y la naturaleza aparece en ellas como portadora de la belleza y la grandeza perfectas. Saturados de un gran contenido ideológico y emocional, los paisajes de Poussin pertenecen a las más altas realizaciones de la pintura del siglo XVII. el llamado paisaje heroico.