imagen musical. Características del discurso musical.

Todo maestro de coro principiante o profesional se enfrenta siempre al problema de la correcta lectura de la partitura coral, la adecuada comprensión de lo que el autor ha querido expresar. Este es un trabajo independiente profundo, muy minucioso y bastante largo sobre la partitura. Pero lo más difícil en este proceso es la creación de la futura imagen artística de la obra: es poder conectar todos los elementos en una sola imagen artística y encarnarla a través de una interpretación expresiva. En cierto sentido, cada obra coral es una determinada “trama sonora”, que tiene una personalidad sonora y requiere especiales soluciones creativas por parte de los intérpretes.

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La esencia del concepto de imagen musical - artística.

Una imagen artística es un reflejo artístico generalizado de la realidad, revestida bajo la forma de un fenómeno individual específico.

imagen artistica, la categoría universal de la creatividad artística inherente aArteuna forma de reproducción, interpretación y desarrollo de la vida mediante la creación de objetos que afectan estéticamente. Una imagen a menudo se entiende como un elemento o parte de un todo artístico, generalmente un fragmento que tiene, por así decirlo, una vida y un contenido independientes. Pero en un sentido general, una imagen artística es una forma de existencia de una obra, tomada del lado de su expresividad, energía impresionante y significado.

Cualquier imagen artística no es completamente concreta, los puntos de ajuste claramente fijados están investidos en ella con el elemento de certeza incompleta, semiapariencia.

Una imagen es un fenómeno subjetivo que surge como resultado de una actividad psíquica sujeto-práctica, sensorio-perceptiva, que es un reflejo holístico integral de la realidad, en el que se integran las principales categorías (espacio, movimiento, color, forma, textura, etc.) ) se representan simultáneamente.

El pensamiento figurativo es uno de los principales tipos de pensamiento, que se distingue junto con el pensamiento visual-efectivo y el verbal-lógico. No solo es una etapa genéticamente temprana en el desarrollo en relación con el pensamiento lógico-verbal, sino que también constituye un tipo de pensamiento independiente en un adulto, recibiendo un desarrollo especial en la creatividad técnica y artística. En psicología, el pensamiento imaginativo a veces se describe como una función especial: la imaginación.

La imaginación es un proceso psicológico que consiste en crear nuevas imágenes (representaciones) mediante el procesamiento del material de las percepciones y representaciones obtenidas en la experiencia previa. La imaginación es exclusiva del hombre. La imaginación es necesaria en cualquier tipo de actividad humana, especialmente en la percepción de la música y la "imagen musical".

La imagen musical se caracteriza por la ausencia de objetividad en la vida concreta. La música no representa nada, crea un mundo objetivo especial, un mundo de sonidos musicales, cuya percepción va acompañada de sentimientos profundos.

La música como arte vivo nace y vive como resultado de la unidad de todas las actividades. La comunicación entre ellos se da a través de imágenes musicales, porque. la música (como forma de arte) no existe fuera de las imágenes. En la mente del compositor, bajo la influencia de las impresiones musicales y la imaginación creativa, nace una imagen musical, que luego se materializa en una pieza musical.

“Como un tipo especial de actividad espiritual, los estéticos y los filósofos destacan la llamada actividad artística, entendida por ellos como la actividad práctico-espiritual de una persona en el proceso de crear, reproducir y percibir obras de arte.”

El arte musical, a pesar de toda su especificidad única, no puede dominarse fructíferamente sin el apoyo de otros tipos de arte, porque. sólo en su unidad orgánica se puede conocer la integridad y unidad del mundo, la universalidad de las leyes de su desarrollo en toda la riqueza de las sensaciones sensoriales, la variedad de sonidos, colores, movimientos.

El estudio del contenido musical es uno de los problemas "eternos" de la musicología, la interpretación y la pedagogía. La música es un arte procedimental; sin interpretación, una pieza musical no puede vivir una vida plena. Un texto musical es siempre un mensaje (autor - ejecutante - oyente), lo que naturalmente implica una interpretación performativa. El problema del "texto - ejecutante", al ser resuelto a través de la interpretación, lleva inevitablemente a cada músico a entender el texto como una formación compleja en la unidad de sus dos caras: una fijación simbólica de la intención del autor (texto musical) y un cierto mensaje lleno con contenido figurativo y semántico (texto musical).

"El arte musical, como cualquier otro, requiere que quienes lo practican sacrifiquen todos sus pensamientos, todos sus sentimientos, todo el tiempo, todo su ser", escribió Lev Aronovich Barenboim.

Una pieza musical que existe en una notación musical recibe una encarnación de sonido real solo en el proceso de interpretación musical, por lo tanto, el intérprete es un intermediario necesario entre el compositor y el oyente. La interpretación musical puede ser vocal, instrumental y mixta. El arte de la ópera también pertenece a la última variedad; sin embargo, en la ópera, los solistas también son actores y el arte decorativo juega un papel importante. Dependiendo del número de intérpretes, la interpretación musical se divide en solista y colectiva. La interpretación colectiva puede ser en conjunto de cámara con varios intérpretes relativamente iguales (por ejemplo, un trío, cuarteto, etc.) y sinfónica, coral, por regla general, bajo la dirección de un director (director de coro), quien, con la ayuda de otros músicos, realiza su plan de actuación. Muchas designaciones de interpretación en las partituras (tempo, dinámica, etc.) son relativas y, dentro de ciertos límites, pueden implementarse de diferentes maneras. Por lo tanto, la tarea de la interpretación musical no es solo la reproducción exacta del texto musical, sino también la encarnación más completa de las intenciones del autor. De gran importancia para el intérprete es el estudio de la época en que vivió el compositor, sus puntos de vista estéticos, etc. Todo esto ayuda a comprender mejor el contenido de la obra. Cada intérprete, al revelar el concepto del autor sobre la composición, inevitablemente introduce características individuales en la interpretación, determinadas tanto por sus cualidades personales como por las opiniones estéticas predominantes en ese momento. Así, cualquier interpretación de una obra es también su interpretación, interpretación.

L. V. Zhivov escribe: “La imagen artística de la actuación, que en gran medida está asociada con la evaluación del trabajo por parte de los oyentes, a menudo adquiere un significado independiente en nuestras mentes, ya que puede revelar valores que no estaban en la imagen principal. No obstante, la base fundamental de toda interpretación musical es el texto musical de la obra, sin el cual es imposible la actividad interpretativa. Grabado en notación musical, requiere no solo una lectura competente, sino adivinar, descifrar las intenciones del autor, así como aquellos aspectos de su música que no podía sospechar. El hecho es que la notación musical es solo un boceto en comparación con el sonido real de la música. . Por lo tanto, la búsqueda del significado entonativo en el proceso de estudio de la obra juega un papel especial en la creación de la imagen.Según el concepto de B.V. Asafiev, la entonación es el principal conductor del contenido musical, el pensamiento musical, así como el portador de información artística, carga emocional, movimiento espiritual. Sin embargo, una reacción emocional a la entonación, la penetración en su esencia emocional es el punto de partida del proceso del pensamiento musical, pero aún no del pensamiento mismo. Es sólo una sensación primaria, una respuesta perceptiva. Dado que el pensamiento parte, por regla general, de un "empuje" externo o interno, la sensación de entonación musical es una especie de señal, un impulso a cualquier acción musical y mental.

Modelar una imagen musical artística es uno de los procesos psicológicos más complejos, que se basa en los procesos de percepción musical, imaginación, memoria y pensamiento musical.

Percepción - el proceso mental de reflejar objetos y fenómenos de la realidad en el conjunto de sus diversas propiedades y partes con un impacto directo en los sentidos. Esto distingue la percepción de la sensación, que también es un reflejo sensorial directo, pero solo de propiedades individuales de objetos y fenómenos que afectan a los analizadores. El concepto mismo de los científicos de "percepción" (E.V. Nazaikinsky) se incorporó a los conceptos de "percepción de la música" (el proceso de comunicación con la música) y "percepción musical". En pedagogía, la percepción musical se entiende como un proceso de reflexión, formación de una imagen musical en la mente humana. La percepción musical es un proceso complejo, que se basa en la capacidad de escuchar, experimentar el contenido musical como un reflejo artístico y figurativo de la realidad. La música actúa como un complejo de medios expresivos. Este es un almacén armónico, timbre, tempo, dinámica, metro-ritmo, transmiten el estado de ánimo, la idea principal del trabajo, evocan asociaciones con fenómenos de la vida, con experiencias humanas.

Imaginación - la actividad de la conciencia, como resultado de la cual una persona crea nuevas ideas, situaciones mentales, ideas, basadas en imágenes que se han conservado en su memoria de experiencias sensoriales pasadas, transformándolas. La imaginación es necesaria en cualquier actividad humana, especialmente en la percepción de la música y la "imagen musical". Hay imaginación voluntaria (activa) e involuntaria (pasiva), así como imaginación recreativa y creativa. Recrear la imaginación es el proceso de crear una imagen de un objeto según su descripción, dibujo o dibujo. La imaginación creativa es la creación independiente de nuevas imágenes en el proceso de actividad creativa. Requiere la selección de materiales, la combinación de varios elementos de acuerdo con la tarea y la intención creativa.

pensamiento musicalcómo el proceso de procesamiento útil y significativo del material musical y sonoro se expresa en la capacidad de comprender y analizar lo que se escucha, representar mentalmente los elementos del discurso musical y operar con ellos, evaluando la música. En el proceso de formación de una imagen artística musical intervienen varios tipos de pensamiento musical: figurativo, lógico, creativo y asociativo.

El músico ejecutante y el oyente deben operar en el proceso de percepción musical con ciertos sistemas de ideas sobre entonaciones, los medios expresivos y visuales más simples: todo lo que evoca ciertos estados de ánimo, recuerdos poéticos, imágenes, sensaciones, etc. En este nivel se manifiesta el pensamiento musical-figurativo, cuya medida y grado de desarrollo dependen del lugar que ocupe este aspecto en la formación de un músico.

Otras formas de reflejo de la realidad musical en la mente humana están asociadas con la comprensión de la organización lógica del material sonoro. La transformación de las entonaciones en el lenguaje del arte musical solo es posible después de cierto procesamiento, llevándolas a una u otra estructura. Fuera de la lógica musical, fuera de las diversas conexiones integradoras que se revelan a través de la forma, el modo, la armonía, el metrorritmo, etc. la música seguirá siendo un conjunto caótico de sonidos y no se elevará al nivel del arte. Comprender la lógica de la organización de varias estructuras de sonido, la capacidad de encontrar similitudes y diferencias en el material musical, analizar y sintetizar, establecer relaciones es la siguiente función del pensamiento musical. Esta función es de naturaleza más compleja, ya que está condicionada no sólo y no tanto por manifestaciones perceptivas, afectivo-sensoriales, sino principalmente intelectuales por parte del individuo, implica una determinada formación de su conciencia musical. Debe enfatizarse que con una cierta autonomía de estas dos funciones, los procesos de actividad musical y mental se vuelven plenos solo cuando se combinan e interactúan orgánicamente.

El pensamiento creativo es una etapa especial del pensamiento musical. Los procesos musicales e intelectuales en este nivel se caracterizan por una transición de las acciones reproductivas a las productivas, de las reproductivas a las creativas. En este sentido, la cuestión de encontrar métodos productivos que formen un pensamiento creativo es muy relevante. Uno de los métodos más efectivos que forman las cualidades creativas de una persona es el método de aprendizaje basado en problemas (M.I. Makhmutov, A.M. Matyushkin, M.M. Levina, V.I. Zagvyazinsky, etc.). Es ampliamente utilizado en las escuelas de educación general y la práctica universitaria. Sin embargo, en pedagogía musical se utiliza a nivel intuitivo, sin desarrollos metodológicos específicos.

El desarrollo del pensamiento musical está indisolublemente ligado a la capacidad de comprender la lógica del lenguaje musical, cuya comprensión “se basa en una comparación figurativa de los medios expresivos de la música, que sirven para transmitir su contenido artístico, con los medios de lenguaje verbal, que sirven para transmitir pensamientos” (L.A. Mazel, 1979).

Sin el desarrollo de habilidades creativas, es imposible preparar a un profesional de alto nivel en cualquier tipo de actividad, especialmente en el campo del arte, ya que la actividad musical, tanto escénica como pedagógica, requiere un pensamiento original y no estándar de un especialista. Hay muchas formas de desarrollar habilidades creativas, una de ellas es el aprendizaje basado en problemas, ya que son las dificultades mentales que surgen en una situación problemática las que alientan al estudiante a buscar activamente el pensamiento.

El significado de la imagen musical es una generalización, que se basa en la experiencia de la función expresiva de la imagen. Las imágenes musicales designan en la medida en que expresan.

Una imagen en el arte musical, si, por supuesto, es artísticamente sólida, siempre está llena de cierto contenido emocional, reflejando la reacción sensual de una persona a ciertos fenómenos de la realidad.

Para crear la imagen de un trabajo coral, también se requieren tareas pedagógicas (enseñar ciertas habilidades de canto, entonación correcta; ampliar ideas sobre la cultura musical coral), tareas psicológicas (desarrollo del pensamiento creativo, imaginación creativa de los cantantes de coro sobre el material de la música coral). , formación de la actividad artística y emocional de los estudiantes) y tareas estéticas (la formación de ideas sobre el valor perdurable del arte coral nacional y extranjero, cuyo conocimiento se lleva a cabo en el proceso de aprendizaje del canto coral, el desarrollo del gusto estético, emociones estéticas).

En general, un director de orquesta es una profesión bastante compleja y multifacética. "Un director (francés diriger - administrar) es una persona que ha recibido una educación musical especial, dirige una orquesta, un coro, una representación de ópera, une a toda la masa de intérpretes en un solo ritmo, dando su propia interpretación a la obra".

Vl. Sokolov escribe: “Un coro es un grupo suficientemente hábil en los medios técnicos, artísticos y expresivos de la interpretación coral necesarios para transmitir esos pensamientos y sentimientos, el contenido ideológico que es inherente a la obra”.

P. G. Chesnokov en su libro "El coro y su gestión" escribe que "el coro es una colección de cantantes, en cuya sonoridad hay un conjunto estrictamente equilibrado, un sistema calibrado con precisión y matices artísticos claramente desarrollados".

“El líder del coro es el director. Asegura la armonía del conjunto y la perfección técnica de la interpretación, se esfuerza por transmitir al equipo de intérpretes sus intenciones artísticas, su comprensión de la obra. A lo largo de 50 años de trabajo exitoso, A. Anisimov estaba convencido de que el arte del canto coral depende completamente de la iniciativa creativa, la inclinación especial del director de coro al trabajo coral, del trabajo sistemático persistente, cualidades pedagógicas, organizativas, volitivas y, por supuesto, el talento del músico-intérprete.

El surgimiento de una obra musical, su aprendizaje y ejecución está indisolublemente ligado a la percepción de su integridad. El director presenta la obra como instantánea, en forma de cierta imagen integral. W. A. ​​Mozart dijo que como resultado de un intenso trabajo interior, comienza a inspeccionar la obra "... espiritualmente con una sola mirada, como una imagen hermosa o una persona hermosa ...", y escucha la música "... en la imaginación, no uno tras otro, como sonará más tarde, sino como si fueran todos a la vez. La capacidad para una presentación holística no es solo una propiedad de personas muy talentosas, cada músico la posee con diversos grados de precisión y fuerza.

Zhivov V. L. Interpretación coral: Teoría.Metodología.Práctica: Uch.posob. para semental alto directivo M., Vlados.2003. página 9.

La música obedece a las leyes de la vida, es realidad, por lo tanto impacta en las personas. Es muy importante aprender a escuchar y comprender la música clásica. Incluso en la escuela, los niños aprenden qué es una imagen musical y quién la crea. Muy a menudo, los maestros dan una definición al concepto de imagen: una partícula de vida. Las posibilidades más ricas del lenguaje de las melodías permiten a los compositores crear imágenes en obras musicales para realizar sus ideas creativas. Sumérgete en el rico mundo del arte musical, aprende sobre los diferentes tipos de imágenes que contiene.

¿Qué es una imagen musical?

Es imposible dominar la cultura musical sin la percepción de este arte. Es la percepción la que posibilita la realización de actividades compositivas, auditivas, interpretativas, pedagógicas, musicológicas. La percepción permite comprender qué es una imagen musical y cómo nace. Cabe señalar que el compositor crea una imagen bajo la influencia de las impresiones con la ayuda de la imaginación creativa. Para que sea más fácil comprender qué es una imagen musical, es mejor imaginarla como una combinación de medios expresivos musicales, estilo, carácter de la música, construcción de una obra.

La música se puede llamar un arte vivo que reúne muchas actividades. Los sonidos de las melodías encarnan el contenido de la vida. La imagen de una obra musical significa pensamientos, sentimientos, experiencias, acciones de ciertas personas, diversas manifestaciones naturales. Además, este concepto implica eventos de la vida de alguien, las actividades de toda una nación y la humanidad.

La imagen musical en la música es la complejidad de carácter, medios musicales y expresivos, condiciones socio-históricas de origen, principios de construcción y estilo del compositor. Estos son los principales tipos de imágenes en la música:

1. Lírico. Transmite las experiencias personales del autor, revela su mundo espiritual. El compositor transmite sentimientos, estado de ánimo, sensaciones. No hay acciones aquí.
2. Épico. Narra, describe algunos hechos de la vida del pueblo, habla de su historia y hazañas.
3. Dramático. Representa la vida privada de una persona, sus conflictos y enfrentamientos con la sociedad.
4. Hada. Muestra fantasías e imaginaciones ficticias.
5. Cómic. Expone todo mal, utilizando situaciones graciosas y de sorpresa.

imagen lírica

En la antigüedad había un instrumento de cuerda tan popular: la lira. Los cantantes transmitieron sus diversas experiencias y emociones con la ayuda de este. De él surgió el concepto de letra, que transmite profundas experiencias emocionales, pensamientos y sentimientos. La imagen musical lírica tiene elementos emocionales y subjetivos. Con su ayuda, el compositor transmite su mundo espiritual individual. Una obra lírica no incluye ningún evento, solo transmite el estado de ánimo del héroe lírico, esta es su confesión.

Muchos compositores han aprendido a transmitir letras a través de la música, porque está muy cerca de la poesía. Las obras líricas instrumentales incluyen obras de Beethoven, Schubert, Mozart, Vivaldi. Rachmaninov y Tchaikovsky también trabajaron en esta dirección. Formaron imágenes líricas musicales con la ayuda de melodías. Es imposible formular el propósito de la música mejor que Beethoven: "Lo que viene del corazón debe conducir a él". Formando la definición de la imagen del arte musical, muchos investigadores toman esta misma declaración. En su Sonata de Primavera, Beethoven hizo de la naturaleza un símbolo del despertar del mundo de la hibernación. La imagen musical y la habilidad del intérprete ayudan a ver en la sonata no solo la primavera, sino también la alegría y la libertad.

También hay que recordar la "Sonata Claro de Luna" de Beethoven. Esta es una verdadera obra maestra con una imagen musical y artística para piano. La melodía es apasionada, persistente y termina en una desesperación sin esperanza.

La lírica en las obras maestras de los compositores se conecta con el pensamiento figurativo. El autor trata de mostrar qué huella dejó en su alma tal o cual acontecimiento. Prokofiev simplemente transmitió hábilmente las "melodías del alma" en el vals de Natasha Rostova en la ópera "Guerra y paz". La naturaleza del vals es muy suave, uno puede sentir timidez, lentitud y, al mismo tiempo, emoción, sed de felicidad. Otro ejemplo de la imagen y maestría musical lírica del compositor es Tatyana de la ópera Eugene Onegin de Tchaikovsky. Además, las obras de Schubert "Serenade", Tchaikovsky "Melody", Rachmaninov "Vocalise" pueden servir como ejemplo de una imagen musical (lírica).

Imagen musical dramática

En griego, "drama" significa "acción". Con la ayuda de una obra dramática, el autor transmite los acontecimientos a través de los diálogos de los personajes. En la literatura de muchos pueblos, tales obras existieron hace mucho tiempo. También hay imágenes musicales dramáticas en la música. Sus compositores muestran a través de las acciones de los héroes que buscan una salida a la situación, entrando en combate con sus enemigos. Estas acciones provocan sentimientos muy fuertes que te hacen realizar acciones.

El público ve al héroe dramático en una lucha constante, que lo lleva a la victoria oa la muerte. Las acciones son lo primero, no los sentimientos. Los personajes dramáticos más llamativos son los de Shakespeare: Macbeth, Othello, Hamlet. Otelo está celoso, lo que lo lleva a la tragedia. Hamlet es vencido por el deseo de vengarse de los asesinos de su padre. La fuerte sed de poder de Macbeth lo impulsa a matar al rey. Sin una imagen musical dramática en la música, el drama es impensable. Es el nervio, la fuente, el foco de la obra. El héroe dramático se presenta como esclavo de la pasión, que lo conduce al desastre.

Un ejemplo de un conflicto dramático es la ópera La dama de picas de Tchaikovsky, basada en la historia del mismo nombre de Pushkin. Al principio, el público conoce al pobre oficial Herman, que sueña con hacerse rico rápida y fácilmente. Nunca antes había jugado, aunque era un jugador de corazón. Herman se siente estimulado por su amor por la rica heredera de una anciana condesa. Todo el drama es que la boda no puede llevarse a cabo por su pobreza. Pronto Herman se entera del secreto de la vieja condesa: supuestamente ella guarda el secreto de tres cartas. El oficial está abrumado por el deseo de descubrir este secreto a toda costa para ganar el gran premio. Herman llega a la casa de la condesa y la amenaza con un arma. La anciana muere de miedo, sin traicionar el secreto. Por la noche, un fantasma se acerca a Herman y susurra las preciadas cartas: "Tres, siete, as". Acude a su amada Lisa y le confiesa que la anciana condesa murió por su culpa. Lisa, por el dolor, se arrojó al río y se ahogó. Las preciadas palabras del fantasma persiguen a Herman, él va a la casa de juego. Las dos primeras apuestas, al tres y al siete, resultaron exitosas. La victoria ha llamado tanto la atención de Herman que va all-in y apuesta todo el dinero ganado al as. La intensidad del drama se acerca a su punto máximo, en lugar de un as en la baraja hay una reina de picas. En este momento, Herman reconoce a la anciana condesa en la dama de picas. La derrota final lleva al héroe al suicidio.

Vale la pena comparar cómo Pushkin y Tchaikovsky muestran el drama de su héroe. Alexander Sergeevich demostró que Hermann era frío y prudente, quería usar a Lisa para su propio enriquecimiento. Tchaikovsky adoptó un enfoque ligeramente diferente para retratar a su personaje dramático. El compositor cambia ligeramente los caracteres de sus personajes, porque su imagen necesita inspiración. Tchaikovsky mostró a Herman como romántico, enamorado de Liza, con una imaginación ardiente. Solo una pasión desplaza la imagen del amado de la cabeza de un oficial: el secreto de las tres cartas. El mundo de imágenes musicales de esta ópera dramática es muy rico e impresionante.

Otro ejemplo de balada dramática es El rey del bosque de Schubert. El compositor mostró la lucha entre dos mundos: real y ficticio. Schubert se caracterizó por el romanticismo, estaba fascinado por el misticismo y la obra resultó bastante dramática. La colisión de dos mundos es muy brillante. El mundo real está encarnado en la imagen de un padre que mira la realidad con sensatez y calma y no se da cuenta del Rey del Bosque. Su hijo vive en un mundo místico, está enfermo y el Rey del Bosque se le parece. Schubert muestra una imagen fantástica de un bosque misterioso envuelto en una neblina sombría y un padre que corre a través de él en un caballo con un niño moribundo en sus brazos. El compositor da su propia característica a cada héroe. El niño moribundo está tenso, asustado, en sus palabras hay una súplica de ayuda. Un niño delirante entra en el terrible reino del formidable Rey del Bosque. El padre hace todo lo posible para calmar al niño.

Toda la balada está impregnada de un ritmo pesado, el paso del caballo representa una fracción de octava ininterrumpida. Schubert creó una completa ilusión visual-auditiva llena de dramatismo. Al final, termina la dinámica del desarrollo musical de la balada, mientras el padre sostenía al bebé muerto en sus brazos. Estas son las imágenes musicales (dramáticas) que ayudaron a Schubert a crear una de sus creaciones más impresionantes.

Retratos épicos en la música

Traducido del griego, "epos" significa una historia, una palabra, una canción. En obras épicas, el autor habla de personas, los eventos en los que participan. Los personajes, las circunstancias, el entorno social y natural pasan a primer plano. Las obras literarias épicas incluyen cuentos, leyendas, epopeyas, novelas. La mayoría de las veces, los compositores usan poemas para escribir obras épicas, cuentan hechos heroicos. De la epopeya puedes aprender sobre la vida de los pueblos antiguos, su historia y hazañas. Las principales imágenes musicales dramáticas y la habilidad del compositor representan personajes específicos, eventos, historias, naturaleza.

La epopeya se basa en hechos reales, pero también tiene una parte de ficción. El autor idealiza y mitifica a sus personajes. Están dotados de heroísmo, realizan hazañas. También hay caracteres negativos. La epopeya en la música muestra no solo personas específicas, sino también eventos, naturaleza, que simbolizan la tierra natal en una época histórica particular. Entonces, muchos maestros presentan una lección de imagen musical en el sexto grado con la ayuda de extractos de la ópera "Sadko" de Rimsky-Korsakov. Los estudiantes intentan comprender por qué medio musical el compositor pudo dibujar un retrato del héroe después de escuchar la canción de Sadko "Oh, tu roble oscuro". Los niños escuchan una melodía suave y melodiosa, un ritmo uniforme. Gradualmente, el mayor es reemplazado por un menor, el tempo se ralentiza. La ópera es más bien triste, lúgubre y reflexiva.

El compositor de The Mighty Handful, A. P. Borodin, trabajó en estilo épico. La lista de sus obras épicas puede incluir la "Sinfonía Bogatyr" No. 2, la ópera "Príncipe Igor". En la Sinfonía n.º 2, Borodin capturó la poderosa patria heroica. Al principio, suena una melodía melodiosa y suave, luego se convierte en una entrecortada. El ritmo par es reemplazado por uno punteado. Se combina tempo lento con menor.

El conocido poema "El cuento de la campaña de Igor" se considera un monumento de la cultura medieval. La obra cuenta la campaña del príncipe Igor contra los polovtsianos. Aquí se crearon brillantes retratos épicos de príncipes, boyardos, Yaroslavna, Polovtsian khans. La ópera comienza con una obertura, luego hay un prólogo sobre cómo Igor prepara a su ejército para una campaña, observando un eclipse solar. Siguen cuatro actos de la ópera. Un momento muy llamativo en el trabajo es el llanto de Yaroslavna. Al final, el pueblo canta gloria al príncipe Igor y su esposa, aunque la campaña terminó en derrota y muerte del ejército. Para mostrar al héroe histórico de esa época, la imagen musical del intérprete es muy importante.

También vale la pena incluir en la lista de creaciones épicas el trabajo de "Bogatyr Gates" de Mussorgsky, "Ivan Susanin" de Glinka, "Alexander Nevsky" de Prokofiev. Los compositores transmitieron las hazañas heroicas de sus héroes por diversos medios musicales.

Fabulosa imagen musical

La misma palabra "fabuloso" se encuentra en la trama de tales obras. El creador más llamativo de las creaciones de cuentos de hadas puede llamarse Rimsky-Korsakov. Incluso desde el plan de estudios de la escuela, los niños aprenderán su famosa ópera de cuento de hadas "La doncella de nieve", "El gallo dorado", "El cuento del zar Saltan". Es imposible no recordar también la suite sinfónica "Scheherazade" basada en el libro "1001 Nights". Las imágenes fantásticas y de cuento de hadas en la música de Rimsky-Korsakov están en estrecha unidad con la naturaleza. Son los cuentos de hadas los que sientan las bases morales de una persona, los niños comienzan a distinguir el bien del mal, aprenden misericordia, justicia, condenan la crueldad y el engaño. Como profesor, Rimsky-Korsakov habló sobre los altos sentimientos humanos en el lenguaje de un cuento de hadas. Además de las óperas anteriores, se pueden nombrar "Kashchei the Immortal", "The Night Before Christmas", "May Night", "The Tsar's Bride". Las melodías del compositor tienen una estructura melódica-rítmica compleja, son virtuosas y conmovedoras.

musica fantastica

Cabe mencionar las fantásticas imágenes musicales en la música. Hay un montón de obras fantásticas creadas cada año. Desde la antigüedad, se conocen varias baladas y canciones folklóricas que alaban a varios héroes. La cultura musical comenzó a llenarse de fantasía en la era del romanticismo. Elementos de fantasía se encuentran en las obras de Gluck, Beethoven, Mozart. Los escritores más destacados de motivos fantásticos fueron compositores alemanes: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. En sus composiciones suenan entonaciones góticas. El elemento fabuloso-fantástico de estas melodías se entrelaza con el tema de la oposición del hombre al mundo que lo rodea. La epopeya popular con elementos de fantasía es la base de las obras del compositor noruego Edvard Grieg.

¿Son las imágenes fantásticas inherentes al arte musical ruso? El compositor Mussorgsky llenó sus creaciones Cuadros de una exposición y Noche en la montaña calva con motivos fantásticos. Los espectadores pueden ver el sábado de las brujas por la noche en la fiesta de Ivan Kupala. Mussorgsky también escribió una interpretación de la "Feria de Sorochinsky" de Gogol. Se pueden ver elementos de fantasía en las obras de "Sirena" de Tchaikovsky y "El invitado de piedra" de Dargomyzhsky. Maestros como Glinka ("Ruslan y Lyudmila"), Rubinstein ("The Demon"), Rimsky-Korsakov ("The Golden Cockerel") no se mantuvieron al margen de la fantasía.

El experimentador Scriabin, que utilizó elementos de música ligera, hizo un verdadero avance revolucionario en el arte sintético. En sus obras, ingresó especialmente líneas para la luz. Sus escritos "El poema divino", "Prometeo", "El poema del éxtasis" están llenos de fantasía. Algunos dispositivos de fantasía estuvieron presentes incluso entre los realistas Kabalevsky y Shostakovich.

El advenimiento de la tecnología informática ha convertido a la música fantástica en la favorita de muchos. Películas con composiciones fantásticas comenzaron a aparecer en las pantallas de televisión y cines. Tras la llegada de los sintetizadores musicales, se abrieron grandes perspectivas para los motivos fantásticos. Ha llegado la era en que los compositores pueden esculpir música como escultores.

Exhibiciones cómicas en obras musicales

Es difícil hablar de imágenes cómicas en la música. Pocos críticos de arte caracterizan esta tendencia. La tarea de la música cómica es corregir con la risa. Son las sonrisas las verdaderas compañeras de la música cómica. El género cómico es más ligero, no necesita condiciones que traigan sufrimiento a los héroes.

Para crear un momento cómico en la música, los compositores utilizan el efecto de sorpresa. Entonces, J. Haydn en una de sus sinfonías de Londres creó una melodía con una parte de timbales, que sacude instantáneamente a los oyentes. Un disparo de pistola rompe la suave melodía en un vals con una sorpresa ("Bullseye!") de Strauss. Esto inmediatamente alegra la habitación.

Todas las bromas, incluso las musicales, llevan consigo divertidos absurdos, divertidas inconsistencias. Muchos están familiarizados con el género de las marchas cómicas, las marchas de broma. La marcha de Prokofiev de la colección "Música infantil" está dotada de comedia de principio a fin. Los personajes cómicos se pueden ver en "Las bodas de Fígaro" de Mozart, donde ya se escuchan risas y humor en la introducción. Alegre e inteligente Figaro hábilmente astuto frente al conde.

Elementos de la sátira en la música.

Otro tipo de cómic es la sátira. La rigidez es inherente al género satírico, es formidable, candente. Con la ayuda de momentos satíricos, los compositores exageran, exageran algunos fenómenos para exponer la vulgaridad, la maldad y la inmoralidad. Entonces, Dodon de la ópera El gallo de oro de Rimsky-Korsakov, Farlaf de Ruslan de Glinka y Lyudmila pueden llamarse imágenes satíricas.

imagen de la naturaleza

El tema de la naturaleza es muy relevante no solo en la literatura, sino también en la música. Mostrando la naturaleza, los compositores representan su sonido real. El compositor M. Messiaen simplemente imita las voces de la naturaleza. Maestros ingleses y franceses como Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn pudieron transmitir las imágenes de la naturaleza y los sentimientos que evocan con una melodía. Rimsky-Korsakov y Mahler tienen una imagen panteísta especial de la naturaleza. La percepción romántica del mundo circundante se puede observar en la obra de teatro de Tchaikovsky "Las estaciones". Un personaje amable, soñador y afable es la composición "Primavera" de Sviridov.

Motivos folclóricos en el arte de la música.

Muchos compositores utilizaron melodías de canciones populares para crear sus obras maestras. Las melodías de canciones simples se convirtieron en la decoración de las composiciones orquestales. Imágenes de cuentos populares, epopeyas, leyendas formaron la base de muchas obras. Fueron utilizados por Glinka, Tchaikovsky, Borodin. El compositor Rimsky-Korsakov en la ópera "El cuento del zar Saltan" utilizó la canción popular rusa "En el jardín, en el jardín" para crear la imagen de una ardilla. Las melodías populares se escuchan en la ópera Khovanshchina de Mussorgsky. El compositor Balakirev basado en la danza folclórica de Kabardian creó la famosa fantasía "Islamey". La moda de los motivos folclóricos en los clásicos no ha desaparecido. Muchas personas están familiarizadas con la acción sinfónica moderna de V. Gavrilin "Chimes".

imagen musical

La música como arte vivo nace y vive como resultado de la unidad de todas las actividades. La comunicación entre ellos se produce a través de imágenes musicales. En la mente del compositor, bajo la influencia de las impresiones musicales y la imaginación creativa, nace una imagen musical, que luego se materializa en una pieza musical. Escuchar una imagen musical, es decir. el contenido de la vida, encarnado en los sonidos musicales, determina todas las demás facetas de la percepción musical.

en otras palabras, una imagen musical es una imagen plasmada en la música (sentimientos, experiencias, pensamientos, reflexiones, la acción de una o varias personas; cualquier manifestación de la naturaleza, un acontecimiento de la vida de una persona, pueblo, humanidad… etc.)

Una imagen musical es una combinación de carácter, medios musicales y expresivos, condiciones socio-históricas de creación, características de construcción y el estilo del compositor.

Las imágenes musicales son:

Lírico - imágenes de sentimientos, sensaciones;-épica - descripción;- dramático - imágenes-conflictos, choques;- fabuloso - imágenes-cuentos, irreales;- cómico - graciosoetc.

Utilizando las más ricas posibilidades del lenguaje musical, el compositor crea una imagen musical en la queencarna ciertas ideas creativas, tal o cual contenido vital.

Imágenes líricamente

La palabra lírica proviene de la palabra "lira": este es un instrumento antiguo tocado por cantantes (rapsodes), que narra varios eventos y emociones experimentadas.

Letras: un monólogo del héroe, en el que cuenta sus experiencias.

La imagen lírica revela el mundo espiritual individual del creador. En una obra lírica no hay eventos, a diferencia del drama y la épica, solo la confesión de un héroe lírico, su percepción personal de varios fenómenos..

Estas son las principales características de la letra:-sentimiento-estado animico- falta de acción.Obras que reflejan la imagen lírica:

1. Beethoven "Sonata No. 14" ("Claro de luna")2. Schubert "Serenata"3. Chopin "Preludio"4. Rachmaninov "Vocalizar"5. Tchaikovsky "Melodía"

Imágenes dramáticas

El drama (del griego Δρα´μα - acción) es uno de los tipos de literatura (junto con la lírica, la épica y la lírica), que transmite acontecimientos a través de los diálogos de los personajes. Desde la antigüedad, ha existido en el folclore o en forma literaria entre varios pueblos.

El drama es una obra que representa el proceso de acción.El tema principal del arte dramático se convirtió en las pasiones humanas en sus manifestaciones más llamativas.

Las principales características del drama:

Una persona está en una situación difícil, difícil que le parece desesperada.

Él está buscando una salida a esta situación.

Entra en lucha, ya sea con sus enemigos o con la situación misma.

Por lo tanto, el héroe dramático, a diferencia del lírico, actúa, lucha, como resultado de esta lucha, gana o muere, la mayoría de las veces.

En el drama, en primer plano no están los sentimientos, sino las acciones. Pero estas acciones pueden ser causadas precisamente por sentimientos y sentimientos muy fuertes: pasiones. El héroe, que está bajo el poder de estos sentimientos, realiza acciones activas.

Casi todos los personajes de Shakespeare son personajes dramáticos: Hamlet, Otelo, Macbeth.

Todos están abrumados por fuertes pasiones, todos están en una situación difícil.

Hamlet está atormentado por el odio hacia los asesinos de su padre y el deseo de venganza;

Otelo sufre de celos;

Macbeth es muy ambicioso, su principal problema es la sed de poder, por lo que decide matar al rey.

El drama es inconcebible sin un héroe dramático: él es su nervio, foco, fuente. La vida se arremolina a su alrededor, como el agua hirviendo bajo la acción de la hélice de un barco. Incluso si el héroe está inactivo (como Hamlet), se trata de una inactividad explosiva. "El héroe busca una catástrofe. Sin catástrofe, un héroe es imposible". ¿Quién es el héroe dramático? Esclavo de la pasión. Él no está mirando, pero ella lo está arrastrando al desastre.Obras que incorporan imágenes dramáticas:1. Tchaikovsky "La dama de picas"
La dama de picas es una ópera basada en la historia del mismo nombre de A. S. Pushkin.

La trama de la ópera:

El protagonista de la ópera es el oficial Herman, alemán de nacimiento, pobre y que sueña con hacerse rico rápida y fácilmente. Es un jugador de corazón, pero nunca ha jugado a las cartas, aunque siempre soñó con hacerlo.

Al comienzo de la ópera, Herman está enamorado de la rica heredera de la anciana condesa, Lisa. Pero él es pobre y no tiene posibilidades de casarse. Es decir, inmediatamente se perfila una situación desesperada, dramática: la pobreza y, como resultado de esta pobreza, la incapacidad de lograr una niña amada.

Y luego, por casualidad, Herman descubre que la vieja condesa, la patrona de Lisa, conoce el secreto de 3 cartas. Si apuestas en cada una de estas cartas 3 veces seguidas, puedes ganar una fortuna. Y Herman se fija el objetivo de aprender estas 3 cartas. Este sueño se convierte en su pasión más fuerte, por él incluso sacrifica su amor: usa a Lisa como una forma de entrar a la casa de la condesa y descubrir el secreto. Designa a Lisa una cita en la casa de la condesa, pero no se dirige a la niña, sino a la anciana y, a punta de pistola, exige que le diga 3 cartas. La anciana muere sin decírselo, pero a la noche siguiente se le aparece su fantasma y le dice: "Tres, siete, as".

Al día siguiente, Herman le confiesa a Lisa que él fue el culpable de la muerte de la condesa, Liza, incapaz de resistir tal golpe, se ahoga en el río, y Herman va a la casa de juego, pone tres, siete uno tras otro. , gana, luego pone un as sobre todo el dinero ganado, pero en el último momento, en lugar de un as, la reina de picas resulta estar en sus manos. Y Herman ve a una vieja condesa en el rostro de esta reina de picas. Todo lo que ha ganado, lo pierde y se suicida.

Herman en la ópera de Tchaikovsky no es en absoluto lo mismo que en la de Pushkin.

Herman en Pushkin es frío y prudente, Lisa para él es solo un medio en el camino hacia el enriquecimiento: tal personaje no podría cautivar a Tchaikovsky, quien siempre necesitaba amar a su héroe. Gran parte de la ópera no se corresponde con la historia de Pushkin: el tiempo de acción, los personajes de los personajes.

Herman en Tchaikovsky es un héroe romántico y apasionado con fuertes pasiones y una imaginación feroz; él ama a Lisa, y solo gradualmente el secreto de las tres cartas desplaza su imagen de la conciencia de Herman.

2. Beethoven "Sinfonía No. 5"Toda la obra de Beethoven puede describirse como dramática. Su vida personal se convierte en una confirmación de estas palabras. La lucha es el sentido de toda su vida. La lucha contra la pobreza, la lucha contra las normas sociales, la lucha contra la enfermedad. Sobre la obra "Sinfonía n. ° 5", el propio autor dijo: "¡Entonces el destino está llamando a la puerta!"

3. Schubert "Rey del Bosque"Muestra la lucha de dos mundos: real y fantástico. Dado que el propio Schubert es un compositor romántico, y el romanticismo se caracteriza por la pasión por el misticismo, el choque de estos mundos se expresa muy claramente en esta obra. El mundo real se presenta en la imagen de un padre, trata de mirar el mundo con calma y sensatez, no ve al Rey del Bosque. El mundo es fantástico: el Rey del Bosque, sus hijas. Y el bebé está en el cruce de estos mundos. Ve al Rey del Bosque, este mundo lo asusta y lo atrae, y al mismo tiempo se relaciona con el mundo real, le pide protección a su padre. Pero al final, el mundo fantástico gana, a pesar de todos los esfuerzos del padre."El jinete conduce, el jinete cabalgó,Había un bebé muerto en sus brazos.

en esta obra se entrelazan imágenes de lo fantástico y lo dramático. Desde la imagen dramática observamos una lucha feroz e implacable, desde lo fantástico, una mirada mística.

imágenes épicasEPOS, [griego. epos - palabra]Una epopeya suele ser un poema que habla de lo heroico. andanzas.

Los orígenes de la poesía épica tienen sus raíces en las historias prehistóricas de dioses y otros seres sobrenaturales.

La épica es el pasado, porque cuenta sobre eventos pasados ​​​​en la vida de las personas, sobre su historia y hazañas;

^ Las letras son reales, porque su objeto son los sentimientos y los estados de ánimo;

El teatro es el futuro lo principal es la acción, con la ayuda de la cual los personajes intentan decidir su destino, su futuro.

El primer y sencillo esquema de división de las artes asociadas a la palabra fue propuesto por Aristóteles, según el cual la épica es un relato sobre un acontecimiento, el drama lo presenta en rostros, la letra responde con el canto del alma.

El lugar y el tiempo de la acción de los héroes épicos se asemejan a la historia y la geografía reales (en qué forma la épica es radicalmente diferente de los cuentos de hadas y los mitos, que son completamente irreales). Sin embargo, la epopeya no es del todo realista, aunque está basada en hechos reales. Gran parte de ella está idealizada, mitificada.

Esta es la propiedad de nuestra memoria: siempre embellecemos un poco nuestro pasado, especialmente cuando se trata de nuestro gran pasado, nuestra historia, nuestros héroes. Y a veces es al revés: algunos hechos y personajes históricos nos parecen peores de lo que realmente fueron. Propiedades épicas:

Heroísmo

La unidad del héroe con su pueblo, en cuyo nombre realiza hazañas.

Historicidad

Cuento de hadas (a veces, un héroe épico lucha no solo con enemigos reales, sino también con criaturas míticas)

Evaluación (los héroes de la epopeya son buenos o malos, por ejemplo, los héroes de las epopeyas, y sus enemigos, todo tipo de monstruos)

Objetividad relativa (la épica describe hechos históricos reales, y el héroe puede tener sus debilidades)Las imágenes épicas en la música son imágenes no solo de héroes, sino también de eventos, historia, también pueden ser imágenes de la naturaleza, que representan a la Patria en una determinada época histórica.

Esta es la diferencia entre la épica y la lírica y el drama: en primer lugar no está el héroe con sus problemas personales, sino la historia.Obras épicas:1. Borodin "Sinfonía de Bogatyr"2. Borodin "Príncipe Igor"

Borodin Alexander Porfiryevich (1833-1887), uno de los compositores de The Mighty Handful.

Toda su obra está impregnada del tema de la grandeza del pueblo ruso, el amor a la patria, el amor a la libertad.

La "Sinfonía Bogatyr", que captura la imagen de una patria poderosa y heroica, y la ópera "Príncipe Igor", creada en base a la epopeya rusa "El cuento de la campaña de Igor", tratan sobre esto.

"El cuento de la campaña de Igor" ("El cuento de la campaña de Igor, Igor, hijo de Svyatoslavov, nieto de Olegov, es el monumento más famoso (considerado el más grande) de la literatura rusa medieval. La trama se basa en la campaña fallida del Príncipes rusos contra Polovtsy en 1185, dirigidos por el príncipe Igor Svyatoslavich.

3. Mussorgsky "Puertas Bogatyr"

imágenes fabulosas

El propio título sugiere la trama de estas obras. Estas imágenes están más claramente encarnadas en el trabajo de N.A. Rimsky-Korsakov. Esta es la suite sinfónica "Scheherazade" basada en los cuentos de hadas "1001 Nights" y sus famosas óperas: cuentos de hadas "The Snow Maiden", "The Tale of Tsar Saltan", "The Golden Cockerel", etc. En estrecha unión con la naturaleza, en la música de Rimsky-Korsakov aparecen imágenes fabulosas y fantásticas. La mayoría de las veces personifican, como en las obras de arte popular, ciertas fuerzas elementales y fenómenos naturales (Frost, Goblin, Sea Princess, etc.). Las imágenes fantásticas incluyen, junto con elementos musicales-pictóricos, de cuentos de hadas-fantásticos, también características de la apariencia externa y el carácter de personas reales. Tal versatilidad (de la que se hablará con más detalle al analizar las obras) confiere a la fantasía musical de Korsakov una originalidad y una profundidad poética especiales.

Las melodías de Rimsky-Korsakov de tipo instrumental, complejas en estructura melódica-rítmica, móviles y virtuosas, se distinguen por una gran originalidad, que el compositor utiliza en la representación musical de personajes fantásticos.

Aquí también puedes mencionar fantásticas imágenes en música.

musica fantastica
algunas reflexiones

Nadie tiene ahora ninguna duda de que las obras fantásticas, que se publican en grandes tiradas cada año, y las películas fantásticas, que también se hacen en gran número, especialmente en los Estados Unidos, son muy populares. ¿Qué pasa con la "música fantástica" (o, si lo prefiere, la "fantasía musical")?

En primer lugar, si lo piensas bien, la "música fantástica" existe desde hace mucho tiempo. ¿No es posible referir canciones y baladas antiguas (folklore) que fueron compuestas por diferentes pueblos de toda la Tierra para alabar a los héroes legendarios y varios eventos (incluidos los fabulosos - mitológicos) en esta dirección? Y en torno al siglo XVII ya han aparecido óperas, ballets y diversas obras sinfónicas creadas a partir de diversos cuentos de hadas y leyendas. La penetración de la fantasía en la cultura musical comenzó en la era del romanticismo. Pero podemos encontrar fácilmente elementos de su "invasión" en las obras de los románticos musicales, como Mozart, Gluck, Beethoven. Sin embargo, los motivos fantásticos suenan más claramente en la música de los compositores alemanes R. Wagner, ETA Hoffmann, K. Weber, F. Mendelssohn. Sus obras están llenas de entonaciones góticas, motivos de un elemento de cuento de hadas-fantástico, íntimamente entrelazados con el tema del enfrentamiento entre el hombre y la realidad circundante. Es imposible no recordar al compositor noruego Edvard Grieg, famoso por sus lienzos musicales, que se basan en la epopeya popular, y las obras de Henrik Ibsen "Procesión de los enanos", "En la cueva del rey de la montaña", Danza de los duendes"
, así como el francés Héctor Berlioz, en cuya obra se expresa claramente el tema de los elementos de las fuerzas de la naturaleza. El romanticismo también se manifestó en la cultura musical rusa. Las obras de Mussorgsky "Pictures at an Exhibition" y "Night on Bald Mountain" están llenas de figuratividad fantástica, que representan un sábado de brujas en la noche de Ivan Kupala, que tuvo un tremendo impacto en la cultura del rock moderno. Mussorgsky también posee una interpretación musical de la historia de NV Gogol "Sorochinsky Fair". Por cierto, la penetración de la ficción literaria en la cultura musical se ve más claramente en el trabajo de los compositores rusos: The Queen of Spades de Tchaikovsky, Mermaid and Stone Guest de Dargomyzhsky, Ruslan y Lyudmila de Glinka., "El gallo de oro" de Rimsky-Korsakov, "El demonio" de Rubinstein, etc. A principios del siglo XX, el audaz experimentador Skryabin, apologista del arte sintético, que estuvo en los orígenes de la música ligera, hizo una verdadera revolución en la música. En la partitura sinfónica, ingresó la parte de la luz en una línea separada. Fantástica imaginería llena de obras suyas como "Poema Divino" (3ra Sinfonía, 1904), "Poema de Fuego" ("Prometeo", 1910), "Poema de Éxtasis" (1907). E incluso "realistas" tan reconocidos como Shostakovich y Kabalevsky utilizaron la técnica de la fantasía en sus obras musicales. Pero, quizás, el verdadero florecimiento de la "música fantástica" (música en la ciencia ficción) comienza en los años 70 de nuestro siglo, con el desarrollo de la tecnología informática y la aparición de las famosas películas "Space Odyssey 2001" de S. Kubrick (donde , por cierto, obras clásicas de R. Strauss e I. Strauss) y "Solaris" de A. Tarkovsky (quien, en su película, junto con el compositor E. Artemiev, uno de los primeros "sintetizadores" rusos, creó un simplemente maravilloso "fondo" sonoro, que combina misteriosos sonidos cósmicos con la ingeniosa música de J.-S. Bach). ¿Es posible imaginar la famosa "trilogía" de J. Lucas "Star Wars" e incluso "Indiana Jones" (que fue filmada por Steven Spielberg, pero la idea fue de Lucas!) Sin la música incendiaria y romántica de J. Williams, interpretado por una orquesta sinfónica.

Mientras tanto (a principios de los años 70), el desarrollo de la tecnología informática alcanza un cierto nivel: aparecen los sintetizadores musicales. Esta nueva técnica abre brillantes perspectivas para los músicos: por fin es posible dar rienda suelta a la imaginación y modelar, crear sonidos sorprendentes y francamente mágicos, tejerlos en la música, "esculpir" el sonido, ¡como un escultor!... Quizás esto ya es una verdadera fantasía en la música. Así, a partir de este momento comienza una nueva era, aparece una galaxia de los primeros maestros sintetizadores, autores-intérpretes de sus obras.

Imágenes cómicas

El destino del cómic en la música se ha desarrollado dramáticamente. Muchos historiadores del arte no mencionan en absoluto lo cómico en la música. El resto, o niega la existencia de la comedia musical, o considera mínimas sus posibilidades. El punto de vista más común fue bien formulado por M. Kagan: “Las posibilidades de crear una imagen cómica en la música son mínimas. (...) Quizá recién en el siglo XX la música comenzó a buscar activamente sus propios medios, puramente musicales, para crear imágenes cómicas. (...) Y sin embargo, a pesar de los importantes descubrimientos artísticos realizados por los músicos del siglo XX, el cómic no ha conquistado y, al parecer, no conquistará jamás en la creatividad musical el lugar que ha ocupado durante mucho tiempo en la literatura, el teatro dramático, bellas artes, cine".

Entonces, cómico, divertido, que tiene un amplio significado. La tarea es "corregir con la risa". La sonrisa y la risa se convierten en "compañeros" del cómic solo cuando expresan el sentimiento de satisfacción de que una persona tiene una victoria espiritual sobre lo que es contrario a sus ideales, lo que es incompatible con ellos, lo que es hostil. para él, porque exponer lo que contradice el ideal, darse cuenta de su contradicción significa superar el mal, deshacerse de él. En consecuencia, como escribió el destacado esteticista ruso M. S. Kagan, el choque de lo real y lo ideal subyace en lo cómico. Al mismo tiempo, debe recordarse que lo cómico, a diferencia de lo trágico, ocurre bajo la condición de que no cause sufrimiento a los demás y no sea peligroso para una persona.

Tonos del cómic: humor y sátira.. El humor es una burla amable y gentil de las deficiencias individuales, las debilidades de un fenómeno generalmente positivo. El humor es una risa amable, inofensiva, aunque no desdentada.

La sátira es el segundo tipo de cómic. A diferencia del humor, la risa satírica es una risa amenazante, cruel y chisporroteante. Para herir el mal, la fealdad social, la vulgaridad, la inmoralidad y similares tanto como sea posible, el fenómeno a menudo se exagera y exagera deliberadamente.

Todas las formas de arte son capaces de crear imágenes cómicas. No hace falta hablar de literatura, teatro, cine, pintura, es tan obvio. Scherzo, algunas imágenes en óperas (por ejemplo, Farlaf, Dodon) - realizan el cómic en la música. O recordemos el final de la primera parte de la Segunda Sinfonía de Tchaikovsky, escrita sobre el tema de la humorística canción ucraniana "Crane". Esta es la música que hace sonreír al oyente. El humor está lleno de "Cuadros de una exposición" de Mussorgsky (por ejemplo, "Ballet of the Unhatched Chicks"). El gallo de oro de Rimsky-Korsakov y muchas imágenes musicales del segundo movimiento de la Décima Sinfonía de Shostakovich son agudamente satíricas.

La arquitectura es la única forma de arte sin sentido del humor. El cómic en arquitectura sería un desastre para el espectador, para el residente y para el visitante del edificio o estructura. Una paradoja sorprendente: la arquitectura tiene un gran potencial para encarnar lo bello, lo sublime, lo trágico para expresar y afirmar los ideales estéticos de la sociedad, y está fundamentalmente privada de la oportunidad de crear una imagen cómica.

En la música, la comedia como contradicción se revela a través de algoritmos e inconsistencias artísticas especialmente organizadas, que siempre contienen un elemento de sorpresa. Por ejemplo, la combinación de diversas melodías es una herramienta de comedia musical. El aria de Dodon en la ópera "El gallo de oro" de N. A. Rimsky-Korsakov se basa en este principio, donde la combinación de primitivismo y sofisticación crea un efecto grotesco (las entonaciones de la canción "Chizhik-Pyzhik" se escuchan en los labios de Dodon).
En los géneros musicales asociados a la acción escénica o que tienen un programa literario, la contradicción de lo cómico se capta y se grafica. Sin embargo, la música instrumental puede expresar lo cómico sin recurrir a medios "no musicales". R. Schumann, habiendo tocado por primera vez el Rondo en sol mayor de Beethoven, según sus propias palabras, se echó a reír, ya que esta obra le parecía la el chiste más divertido del mundo, asombro cuando descubrió más tarde en los papeles de Beethoven que este rondó se titulaba "Rabia por un centavo perdido, derramado en forma de rondó". Sobre el final de la Segunda Sinfonía de Beethoven, el mismo Schumann escribió que se trata del mayor ejemplo de humor en la música instrumental. Y en los momentos musicales de F. Schubert, escuchó las facturas impagas del sastre, en ellas sonaba una molestia mundana tan obvia.

La música a menudo usa la sorpresa para crear un efecto cómico. Entonces, en una de las sinfonías londinenses de J. Haydn hay una broma: un golpe repentino de los timbales sacude a la audiencia, sacándola de la distracción soñadora. En el Vals con sorpresa de I. Strauss, el suave fluir de la melodía se interrumpe repentinamente por el estallido de un disparo de pistola. Siempre provoca una reacción alegre de la audiencia. En "El Seminarista" de M. P. Mussorgsky, los pensamientos mundanos, transmitidos por el suave movimiento de la melodía, son repentinamente interrumpidos por un parloteo que personifica la memorización de textos latinos.

En el fundamento estético de todos estos medios de comedia musical reside el efecto de sorpresa.

marchas cómicas

Las marchas cómicas son marchas de broma. Cualquier broma se basa en disparates divertidos, inconsistencias divertidas. Esto se encuentra en la música de las marchas cómicas. También hubo elementos cómicos en la Marcha de Chernomor. La solemnidad de los acordes en la primera sección (a partir del quinto compás) no se correspondía con las pequeñas duraciones "parpadeantes" de estos acordes. El resultado fue un divertido absurdo musical, muy figurativamente pintando un "retrato" de un enano malvado.

Por lo tanto, la Marcha de Chernomor también es en parte cómica. Pero solo en parte, porque hay muchas otras cosas en él. Pero la Marcha de Prokofiev de la colección "Música infantil" se sostiene de principio a fin en el espíritu de una marcha cómica.

En general, hablando de una imagen cómica en la música, inmediatamente vienen a la mente las siguientes piezas musicales:

"Las bodas de Fígaro" de Wolfgang Amadeus Mozart, donde ya en la obertura (introducción a la ópera), se escuchan notas de risa y humor. Y la trama de la ópera en sí habla sobre el maestro tonto y divertido, el conde, y el sirviente alegre e inteligente Figaro, que logró burlar al conde y ponerlo en una posición estúpida.

No sin razón en la película "Swap Places" con Eddie Murphy, se utilizó la música de Mozart.

En general, hay muchos ejemplos de lo cómico en la obra de Mozart, y el propio Mozart fue llamado "soleado": tanto sol, ligereza y risa se pueden escuchar en su música.

También me gustaría llamar su atención sobre la ópera "Ruslan y Lyudmila" de Mikhail Ivanovich Glinka. Dos imágenes de Farlaf y Chernomor fueron escritas por el compositor no sin humor. Gordo torpe Farlaf, soñando con una victoria fácil (reunión con la hechicera Naina, quien le promete:

Pero no me tengas miedo
Yo soy favorable a usted;
Ve a casa y espérame.
Lyudmila será llevada en secreto,
Y Svetozar por tu hazaña
Él te la dará como esposa.) Farlaf está tan feliz que este sentimiento lo abruma. Glinka, para la caracterización musical de Farlaf, elige la forma rondó, construida sobre retornos repetidos al mismo pensamiento (un pensamiento le pertenece), e incluso el bajo (voz masculina grave) lo hace cantar a un ritmo muy rápido, casi un trabalenguas. , lo que da un efecto cómico (parecía estar sin aliento).

Introducción

El tema de "Escuchar música" es una especie de introducción al arte de la música. Comprender la música es una habilidad muy compleja que se desarrolla en el proceso de aprendizaje.

Escuchar música ayuda a percibir activamente la música y escuchar atentamente sus diversas características. Además, escuchar música permite familiarizar a los niños con música mucho más compleja en comparación con la que ellos mismos interpretan en la clase de especialidad. Los niños tienen la oportunidad de escuchar grandes obras vocales, instrumentales y orquestales en buenas interpretaciones. Escuchar le brinda la oportunidad de escuchar música de diferentes géneros, formas, estilos y épocas interpretada por artistas y compositores famosos.

Mis observaciones muestran que enseñar a los niños a escuchar música activamente es difícil, pero factible. La tarea es precisamente garantizar que el proceso de percepción sea activo, creativo, por lo que en nuestro trabajo utilizamos varias tareas creativas, por ejemplo, para reflejar nuestra actitud hacia la música a través de un dibujo, componer nuestra propia historia, cuento de hadas y mucho más. Después de todo, cuánto más significativa será la interpretación de obras musicales por parte de los niños si tienen un buen dominio de los medios de expresión musical, saben cómo escuchar música, se oyen a sí mismos, imaginan correctamente las imágenes musicales y mucho más que un competente el músico necesita saber.

La introducción del método de "gráficos musicales" tiene una especial eficacia pedagógica como método de educación y formación poliestética, poliartística. Dibujar música es un acto creativo que requiere pensamiento y acción independientes, lo que crea condiciones para la máxima concentración, mayor atención e interés.

Los dibujos infantiles con el contenido y la forma de la obra reflejada en ellos sirven como una especie de "documento" fijado visualmente que permite, por un lado, juzgar la profundidad de percepción de la música, y por otro, sobre las características tipológicas de la personalidad de los propios alumnos. Este es un tipo de "retroalimentación" que no se puede obtener por otros medios (encuesta, conversación, preguntas), y en cada lección y en relación con cada niño.

Durante medio año estudiamos la originalidad del lenguaje musical en comparación con la literatura y las bellas artes. Al fin y al cabo, la palabra en la literatura, el color y el dibujo en la pintura son la materia específica de este tipo de artes, en la música esa materia es el sonido, que crea un mundo complejo de entonaciones musicales. Aprendieron a percibir obras desconocidas desde el punto de vista de una estructura emocionalmente figurativa, a penetrar en el contenido de la música, basándose en elementos del discurso musical y la lógica del desarrollo dinámico. Aprendió la habilidad de memorizar una pieza musical y analizarla; aprendió la capacidad de determinar el carácter general y la estructura figurativa de la obra; la capacidad de identificar los medios expresivos de la música, aprendieron a transmitir sus observaciones e impresiones en dibujos.

Hoy le presentaremos la lección final sobre el tema "Imagen musical y características del discurso musical".

Etapas de la lección

1. Momento organizativo. El estado de ánimo emocional de los estudiantes, el mensaje del tema de la lección.

2. Introducción al tema. Una conversación sobre las características de la música, la pintura y la poesía, qué medios de expresión utiliza un poeta, artista, compositor para crear imágenes de sus obras.

3. La parte principal. La definición del concepto de "imagen musical", la definición de los medios expresivos que crean una u otra imagen musical. Realización de un cuestionario de música, análisis de los dibujos de los estudiantes de la tarea. Explicación del nuevo material.

4. Resumiendo la lección.

durante las clases

profesor - El gran artista y científico del Renacimiento dijo: “La música es hermana de la pintura”, qué tienen en común estas hermanas, busquemos más “La pintura es poesía que se ve, Y la música es pintura que se escucha” (Diapositivas 3, 4). Entonces, ¿estos tipos de arte están muy cerca el uno del otro? La diferencia está sólo en los medios de expresión.

¿Con qué ayuda crean los artistas sus pinturas (Diapositiva 5)? Poeta - ? compositor-?

Responder - con la ayuda de pinturas y pinceles, lápices o crayones artísticos especiales. Poetas, con la ayuda de las palabras, compositores, con la ayuda de los sonidos.

profesor - ¿Puede un compositor pintar cuadros musicales?

Recordemos el poema de Kushnir: "Si ves un río en la imagen ...", "Si ves que uno de nosotros está mirando desde la imagen ... (los estudiantes leen los poemas de Kushnir).

profesor - ¿La música puede dibujar? - ¿Cómo dibuja la música? ¿Qué o quién puede representar la música?

¿Es posible dibujar un paisaje, un retrato, animales en la música (Diapositiva 6)? ¿Es posible crear imágenes musicales en la música? Pero antes que nada, definamos qué es una imagen musical. Esto es... (Diapositiva 7)

Responder - Una imagen musical es un carácter condicional de una obra musical.

profesor - ¿Cómo se crean las imágenes musicales?

Responder - Se crean utilizando diferentes medios de expresión.

profesor - ¿Qué medios de expresión musical conoces? Miremos la pantalla (Diapositiva 8). Elija entre los conceptos propuestos aquellos que se relacionen con los medios de expresión.

Responder - Melodía, armonía, registros, dinámica, tempo, ritmo, modo, trazos, textura y mucho más (Cada uno de los alumnos que responde da una definición de los medios de expresión musical).

profesor - Cada uno de estos elementos del lenguaje musical nos ayuda en la percepción de la imagen musical. Y ahora el cuestionario de música (Diapositiva 9). Recordemos ahora con qué piezas musicales ya estamos familiarizados (suena como "Marcha Real de los Leones").

Responder - Esta es la "Marcha Real de los Leones" del "Carnaval de los Animales" del compositor Saint-Saens.

profesor - La Suite del Carnaval se abre con la Marcha Real de los Leones. ¿Cuál es la naturaleza de la música?

Responder - Hubo una marcha. La música, solemne, tranquila, majestuosa, orgullosa, dibuja la imagen de un depredador fuerte e inteligente.

profesor - Carnaval de animales. ¿Qué animal debería abrir este carnaval, pararse a la cabeza?

Responder - Un leon.

profesor - ¿Por qué?

Responder - Es el rey de las bestias. Él está a cargo.

profesor - Derecha. ¿Qué tipo de león retrató el compositor? ¿Qué medios de expresión usó para esto? Es importante para él que le presten atención a él, a su modo de andar. ¿Qué medio de expresión musical transmitió este Saint-Saens? (Volver a escuchar, Diapositiva 10).

Responder - La marcha (pasos) del león representa todo el conjunto, y el gruñido representa el piano, por lo que el león no es terrible, sino importante.

profesor - ¿En qué registro está la música? ¿Qué instrumentos lo tocan?

Responder - La música suena en un registro bajo, se ejecutan sus instrumentos musicales: violonchelos y contrabajos.

profesor - ¿Qué textura utiliza el compositor para mostrar este majestuoso rey de las bestias? Sigamos las notas.

Responder - La textura también es majestuosa y poderosa. Primero - cordal, ya que es una marcha, y luego unísono: es interpretado por violonchelos y contrabajos en un registro bajo.

profesor - ¿Por qué decimos "carácter condicional"?

Responder - Creo que el compositor, al componer la obra, quiso reflejar su actitud ante la vida, plasmar algunos de sus pensamientos, y nosotros, al escuchar esta música, solo podemos adivinar lo que nos quería decir en esta obra. A veces el compositor nos da pistas. Por ejemplo, escuchamos la "Marcha Real de los Leones" del "Carnaval de los Animales" de Saint-Saens. Por supuesto, imaginamos leones, pero cada uno a su manera.

profesor - Por supuesto, en los pasajes en forma de gamma, algunos de ustedes escucharon el “rugido” de un león, y algunos escucharon cómo corre por la sabana, por eso decimos “carácter condicional”, todos imaginan la imagen en su Propia manera.

profesor - Y de nuevo la pregunta (Diapositiva 11). Veamos una pieza más. ¿Cuál es el nombre de esta obra? ¿Quien lo escribió? ¿La música es buena o mala? ¿En qué registro sonaba la música, con qué dinámica? ¿Qué factura?

Responder - Papá Noel, compositor Schumann.

profesor - Sí, este es Papá Noel. ¿Cómo te lo imaginas? ¿Con qué medios de expresión describió el compositor esta imagen?

Responder - La música es áspera, incluso ominosa, la dinámica es muy fuerte, la melodía suena en un registro bajo. Traste menor.

profesor - ¿La música siempre ha sido la misma o ha cambiado? Escuchemos de nuevo y sigamos la textura de la obra por las notas (Diapositiva 12). Lo que ha cambiado en comparación con 1 parte.

Responder - La música se detuvo en el medio. como congelado, porque la dinámica se volvió muy tranquila, misteriosa, el traste era mayor, el registro era medio, y luego Papá Noel se enojó de nuevo. La textura en la parte 1 es unísono y al final de las frases es cordal, como si alguien golpeara muy fuerte con un bastón. Y en el segundo, homofónico-armónico, la melodía suena como un fondo, contra este fondo aparece una melodía muy siniestra en un registro bajo. Papá Noel no es amable en absoluto.

profesor - Veamos tus dibujos. Describe a Papá Noel que viene a ti para el Año Nuevo.

profesor - ¿Qué otras imágenes musicales conoces?

Responder - Hay muchas imágenes diferentes en la música. Por ejemplo, "imagen-retrato", "imagen-paisaje", "imagen-estado de ánimo" y muchos otros.

profesor - Literalmente todo se puede transmitir en la música: sentimientos, experiencias, pensamientos, reflexiones, acciones de una o varias personas; cualquier manifestación de la naturaleza, un evento en la vida de una persona, un pueblo, una imagen de animales, pájaros y muchas otras cosas. En otras palabras, el lenguaje de la música es inagotable.

Hoy nos familiarizaremos con el "estado de ánimo de la imagen". Cada persona puede tener este o aquel estado de ánimo: alegre o triste, tranquilo o ansioso. El sol te sonrió y yo quiero devolverle la sonrisa. Mamá la regañó por alguna fechoría o se rompió su juguete favorito, y el estado de ánimo se vuelve triste, triste. La música tiene una propiedad mágica: puede transmitir cualquier estado de ánimo de una persona, expresar diferentes sentimientos, experiencias: ternura, emoción, tristeza y alegría (Diapositiva 13).

¿Determina qué sentimientos de ánimo se expresan en esta música?

· ¿Define la naturaleza de la música?

· Escucha, ¿el estado de ánimo de la música cambiará o no?

· Piensa en los medios de expresión utilizados por el compositor?

(Los sonidos reproducen las diapositivas 14 y 15).

La obra que acabas de escuchar se llama "Merry - Sad". Esta pieza fue escrita por el maravilloso compositor alemán Ludwig van Beethoven (Diapositiva 16).

La historia es esta: parte 1 - "Veselo" - esta es la llamada canción para beber. Los amigos se reunieron todos en la mesa, y quizás uno de los amigos, o quizás el mismo Beethoven, se pone en camino. Todos se están divirtiendo, y la letra es:

Canten amigos, ha llegado la primavera.

Todos esperábamos un día cálido.

Bueno, María, junto con los sueños,

Todos cantaremos y bailaremos.

Parte 2 - "Triste". Beethoven está en el camino. Se despide de la casa, quiere mudarse a Viena para encontrarse con el ya mundialmente famoso Mozart. Beethoven es joven y quiere presentar sus composiciones a Mozart. Está preocupado, abandona su hogar por primera vez y viaja a tierras desconocidas. El camino a Viena es muy largo, por eso está triste.

Adiós familia, adiós madre,

Te escribiré.

No sé si te volveré a ver.

Me voy de la casa donde nací

Donde crecí soñando, donde crecí sufriendo.

No sé qué será de mí.

Con pensamientos tan tristes, Beethoven va al encuentro de Mozart. Todavía no sabe cómo le encontrará el gran Mozart.

Escuchemos de nuevo, abramos las notas y sigamos los cambios en la música y la textura de la pieza musical.

profesor - Escuche la melodía en la primera parte de la pieza (que se llama "Merry") , suave o desigual? (Interpreta un fragmento). ¿Qué golpe?

Responder - Trazo entrecortado y entrecortado.

profesor - Sí, la melodía alegre y juguetona de esta parte suena abrupta, ligera y suavemente. ¿Y la melodía de la segunda parte de la obra, que se llama "Triste"? (Interpreta un fragmento.)

Responder - Melodía - suave. Golpe de legato. Ritmo lento, todo expresa un estado de ánimo de tristeza.

profesor - Correctamente. El estado de ánimo triste y melancólico de este movimiento es creado por una melodía suave y "suave".

Como conclusión de la lección, me gustaría preguntarte, ¿te gusta la música que escuchamos? ¿Qué cosas nuevas aprendiste en la lección? ¿Qué cosas interesantes aprendiste en la lección? ¿Es cierto que el lenguaje de la música es inagotable? ¿Cuál es el propósito de nuestra lección?

Lo hemos conseguido, creo que lo hemos conseguido con creces.

¿Tal vez usted mismo quiera componer una obra de teatro, una historia o un cuento de hadas llamado "Merry and Sad"? Y como tarea, tienes fotos con payasos en tu escritorio (Diapositiva 17). ¿Qué falta en sus rostros? Por lo tanto, sus rostros son sin rostro, coloréalos y termínalos para que quede claro dónde está el payaso triste y dónde está el alegre. Resultado de la lección: evaluación del trabajo en clase de cada alumno.

¡Tipo! Gracias por la leccion. Me dio mucho gusto comunicarme con usted, su profundo conocimiento de un tema como "Imagen Musical".

lección imagen musical estudiante

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10. Shornikova M. Literatura musical: música, sus formas y géneros: el primer año de estudio: libro de texto - Rostov n / D: "Phoenix", 2008. - 186 p.

Lección No. 6 Grado 7 I trimestre

Según el libro de texto de T.I. Naumenko, V.V. Aleev

Tema: "Qué es una imagen musical"

El propósito de la lección:- la formación de medios expresivos de diferentes tipos de artes (literarias, musicales y visuales) en la creación de una sola imagen en el ejemplo de la balada "Forest King" de F. Schubert

Objetivos de la lección: educativo: introducir el concepto de "balada musical", con la biografía de F. Schubert, para determinar la imagen musical en la balada "Forest King";

Educativo- desarrollar habilidades de comunicación, habilidades en el trabajo independiente con información, la capacidad de analizar y sintetizar la información recibida;

métodos de enseñanza utilizados:

explicación;

tareas prácticas;

situación problema;

análisis y síntesis;

comparación y comparación.

Formas de organización de la actividad cognitiva:

individual;

pareja - grupo;

colectivo;

frontal. educativo: educación de una actitud personal hacia la música, gusto estético.

Retratos de Franz Schubert, Johann Goethe Ilustraciones Resultado previsto: conceptos: balada métodos de acción: trabajar con cartas, escuchar música. juicios: actitud personal hacia la música.

tipo de lección: Aprendiendo material nuevo.

Equipo: computadora, pantalla, presentación sobre el tema: "Imagen dramática".

Comunicaciones entre sujetos Palabras clave: literatura, historia.

durante las clases

1 .organizando el tiempo

Todos se pusieron de pie, se alinearon, se prepararon para la lección, hola, siéntense. Suena un fragmento del “Ave María” de F. Schubert. (Estoy leyendo en el fondo)

Epígrafe:

“La música es uno de los milagros más asombrosos creados por el hombre. ¿No es un milagro que una pequeña canción sea capaz de suscitar una gran alegría en una gran masa de personas o sumergirlas en un estado de gran tristeza, elevando la moral de los guerreros? La literatura, la pintura, la coreografía y la interpretación se combinan con la música...

¿No es un milagro, hermoso y sorprendente?

. 2 . Establecer metas y objetivos de la lección.

Tema: "Imagen dramática en la música. "(Diapositiva 1)

Lea el tema de la lección y haga suposiciones sobre el tema de la lección. Tipo. ¿Qué es una imagen? La imagen musical es una partícula de vida. El compositor crea determinadas ideas, tal o cual contenido. ¿Adivina qué es el teatro? Drama (griego Δρα´μα - acción. Las principales propiedades del drama (presentación de diapositivas)

El héroe dramático, a diferencia del lírico, actúa, lucha, y como resultado de esta lucha vence o muere. En la lección de hoy, nos familiarizaremos con una obra muy famosa del compositor Franz Schubert, definiremos las características de una imagen dramática, nos familiarizaremos con un nuevo género de música vocal e intentaremos, junto con la música y sus creadores, experimentar y comparar. varios sentimientos simples y accesibles, sentimientos de lucha y victoria, el grito del alma

Para determinar con precisión el género de esta obra, le sugiero que resuelva un crucigrama. Un asesor me ayudará.

Su palabra clave será la respuesta a esta pregunta.

(Cartel en una pizarra con un crucigrama.)

1. Compositor alemán, cuyo apellido suena corto, parecido a un tiro. (Llevar una vida de soltero)

4. Un tipo de arte, cuyo contenido se transmite en imágenes escénicas musicales y coreográficas. (Ballet)

5. Rendimiento silencioso. (Piano)

6. Cuando actúan dos, se llama... (dúo)

Conclusión: El género con el que nos estamos familiarizando hoy se llama balada.

3 . Actualización de conocimientos básicos ¿Conoces este género?

Entonces descríbemelo. Y en música, una balada vocal es una canción que tiene desarrollo libre. La trama de la balada es marcadamente dramática, en ella se entrelazan la realidad y la fantasía, la épica y la letra. diapositiva(2)

Conclusión: Como puedes ver, la definición de un género musical no es muy diferente de la definición de uno literario.

4 . Escuchar una balada"El Rey del Bosque" de F. Schubert en alemán. – F. Schubert quedó fascinado con la poesía del poeta alemán W. Goethe. (retrato del poeta). Ella excitó, cautivó la imaginación, la mente, el alma del joven compositor. La balada "Rey del bosque" que compuso Schubert cuando solo tenía 18 años.

- Ahora escuchas una de las obras más famosas de Schubert e identificas los medios de expresión musical Slide (3,4,5) escuchaste la obra

¿Dónde comienza la balada?

¿Qué sentimientos expresa la música?

¿Qué imagen transmitía el compositor en su música?

¿Quién interpreta esta pieza musical?

- ¿Cómo se llama esta obra?

¿Qué hechos dramáticos se transmiten en esta obra?

– Esta es una canción narrativa en solitario con elementos de fantasía. En él, el compositor creó una imagen viva en la que se revelan los matices más sutiles de los sentimientos humanos.

- ¿Qué escuchaste en el acompañamiento?

¿Puedes verlo? (Movimiento rápido y dramático.)

¿La música es expresiva o pictórica? (Tanto expresivo como pictórico).

Volver a escuchar una pieza.

El piano juega un papel especial en las canciones de Schubert. Llena la canción con nuevos colores, ayuda a revelar su contenido más profundamente.

Conclusión: Como podéis ver, se dibuja un gran cuadro dramático en poesía y música, una escena con la participación de varios personajes. Pero incluso si escuchamos sus entonaciones individuales, toda la escena se funde en nuestra mente en una sola imagen dramática, unida por un movimiento rápido; no solo por el movimiento de un caballo que vuela por el bosque; sino también por el movimiento (desarrollo) de los sentimientos de los personajes principales.

5 .Resumen de la lección.

Al final de la lección, los estudiantes pueden optar por cantar canciones previamente aprendidas.