Sobre la sinfonía. Lección "Música sinfónica ¿Cuántas partes en una sinfonía clásica?

Palabra "sinfonía" traducido del griego como "consonancia". De hecho, el sonido de muchos instrumentos en una orquesta solo puede llamarse música cuando están afinados y no emiten sonidos cada uno por sí mismo.

A Antigua Grecia llamada combinación agradable de sonidos, canto conjunto al unísono. En la antigua Roma, el conjunto, la orquesta, ya se llamaba así. En la Edad Media, la música profana en general y algunos instrumentos musicales se llamaban sinfonías.

La palabra tiene otros significados, pero todos llevan el significado de conexión, participación, combinación armoniosa; por ejemplo, una sinfonía también se llama formada en imperio Bizantino el principio de la relación entre la iglesia y el poder secular.

Pero hoy hablaremos solo de la sinfonía musical.

Variedades de la sinfonía.

sinfonía clásica es una pieza musical en forma de sonata cíclica, destinada a ser interpretada por una orquesta sinfónica.

Una sinfonía (además de una orquesta sinfónica) puede incluir un coro y voces. Hay sinfonías-suites, sinfonías-rapsodias, sinfonías-fantasías, sinfonías-baladas, sinfonías-leyendas, sinfonías-poemas, sinfonías-réquiems, sinfonías-ballets, sinfonías-dramas y sinfonías teatrales a modo de ópera.

Una sinfonía clásica suele tener 4 movimientos:

la primera parte esta en Paso acelerado(alegro ) , en forma de sonata;

segunda parte en paso lento, generalmente en forma de variaciones, rondo, rondo-sonata, complejo de tres partes, con menos frecuencia en forma de sonata;

la tercera parte - scherzo o minueto- en forma da capo de tres partes con un trío (es decir, según el esquema A-trio-A);

cuarta parte en Paso acelerado, en forma de sonata, en forma de rondó o rondó sonata.

Pero hay sinfonías con menos (o más) partes. También hay sinfonías de un solo movimiento.

sinfonía de software es una sinfonía con un contenido determinado, que se afirma en el programa o se expresa en el título. Si hay un título en la sinfonía, entonces este título es el programa mínimo, por ejemplo, Fantastic Symphony de G. Berlioz.

De la historia de la sinfonía.

El creador de la forma clásica de sinfonía y orquestación es considerado Haydn.

Y el prototipo de la sinfonía es la italiana obertura(pieza instrumental orquestal interpretada antes del comienzo de cualquier representación: ópera, ballet), que tomó forma a finales del siglo XVII. Una contribución significativa al desarrollo de la sinfonía fue hecha por Mozart y Beethoven. Estas tres compositores llamados "clásicos vieneses". Los clásicos vieneses crearon un alto tipo de música instrumental, en la que toda la riqueza del contenido figurativo se plasma en un perfecto forma de arte. El proceso de formación de la orquesta sinfónica -su composición permanente, grupos orquestales- también coincidió con esta época.

VIRGINIA. Mozart

Mozart escribió en todas las formas y géneros que existían en su época, concedió especial importancia a la ópera, pero prestó gran atención a la música sinfónica. Debido a que a lo largo de su vida trabajó paralelamente en óperas y sinfonías, su música instrumental se distingue por la melodiosa. aria de ópera y el conflicto dramático. Mozart creó más de 50 sinfonías. Las más populares fueron las últimas tres sinfonías: la n. ° 39, la n. ° 40 y la n. ° 41 ("Júpiter").

K. Schlosser "Beethoven trabajando"

Beethoven creó 9 sinfonías, pero en términos del desarrollo de la forma sinfónica y la orquestación, se le puede llamar el mayor compositor sinfónico del período clásico. En su Novena Sinfonía, la más famosa, todas sus partes se fusionan en un todo único por un tema central. En esta sinfonía, Beethoven introdujo partes vocales, después de lo cual otros compositores comenzaron a hacerlo. En forma de sinfonía dijo una nueva palabra R. Schuman.

Pero ya en la segunda mitad del siglo XIX. las formas estrictas de la sinfonía comenzaron a cambiar. Cuatro partes se volvieron opcionales: apareció una parte sinfonía (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky), sinfonía de 11 partes(Shostakovich) e incluso de 24 partes(Hovaness). El final clásico de ritmo rápido fue reemplazado por un final lento ( Sexta sinfonía de PI Tchaikovsky , Tercera y novena sinfonías de Mahler ).

Los autores de las sinfonías fueron F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N Rimsky-Korsakov, N. Myaskovsky, A. Skryabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich y otros.

Su composición, como ya hemos dicho, se formó en la era de los clásicos vieneses.

La base de la orquesta sinfónica son cuatro grupos de instrumentos: cuerdas arqueadas(violines, violas, violonchelos, contrabajos) vientos de madera(flauta, oboe, clarinete, fagot, saxofón en todas sus variedades -flauta antigua, shalmy, chalumeau, etc., así como una serie de instrumentos folklóricos- balaban, duduk, zhaleyka, flauta, zurna), latón(cuerno, trompeta, corneta, fliscorno, trombón, tuba) batería(timbales, xilófono, vibráfono, campanas, tambores, triángulo, címbalos, pandereta, castañuelas, tam-tam y otros).

A veces se incluyen otros instrumentos en la orquesta: arpa, piano, Organo(teclado e instrumento musical de viento, el tipo más grande de instrumentos musicales), celeste(un pequeño instrumento musical de percusión de teclado que parece un piano, suena como campanas), clave.

Clave

Grande una orquesta sinfónica puede incluir hasta 110 músicos , pequeña- no más de 50.

El director decide cómo sentar a la orquesta. La ubicación de los intérpretes de una orquesta sinfónica moderna tiene como objetivo lograr una sonoridad coherente. En los años 50-70. siglo 20 untado "Asientos americanos": los violines primero y segundo se colocan a la izquierda del director; a la derecha - violas y violonchelos; en las profundidades - instrumentos de viento de madera y metal, contrabajos; izquierda - tambores.

Disposición de asientos para los músicos de la orquesta sinfónica

del griego symponia - consonancia

Una pieza de música para orquesta, en su mayoría sinfónica, por regla general, en forma de sonata-cíclica. Por lo general consta de 4 partes; hay S. con más y menos partes, hasta de una parte. A veces en S., además de la orquesta, se introduce un coro y obras solistas. voces (de ahí el camino a S.-cantata). Hay actuaciones para orquestas de cuerda, de cámara, de viento y otras, para orquesta con instrumento solista (S. concerto), órgano, coro (actuación coral) y wok. conjunto (vok. C). Sinfonía de concierto - S. con instrumentos de concierto (solistas) (de 2 a 9), en estructura está relacionada con el concierto. S. suele acercarse a otros géneros: S. suite, S. rapsodia, S. fantasía, S. balada, S. leyenda, S. poema, S. cantata, S. réquiem, S.-ballet, S.-drama (tipo de cantata), teatro. S. (género Onera). Por la naturaleza del S. también se puede asimilar a la tragedia, drama, lírica. poema, heroico épica, para acercarse al ciclo de las musas del género. obras de teatro, una serie de representaciones. música pinturas en un tipico En sus muestras combina el contraste de piezas con la unidad del diseño, la multiplicidad de imágenes diversas con la entereza de las musas. dramaturgia. S. ocupa el mismo lugar en la música que el teatro o la novela en la literatura. Como el tipo más alto de instr. música, supera a todos sus otros tipos por las más amplias posibilidades de medios de realización. ideas y riqueza de estados emocionales.

Inicialmente, en Dr. Grecia, la palabra "S". significó una combinación armoniosa de tonos (cuarta, quinta, octava), así como el canto conjunto (conjunto, coro) al unísono. Más tarde, en Dra. Roma, se convirtió en el nombre del instr. conjunto, orquesta. El miércoles. siglos bajo S. entendió el instr secular. música (en este sentido, el término se usó en Francia ya en el siglo XVIII), a veces música en general; además, algunas musas se llamaban así. herramientas (ej. zanfoña). En el siglo 16 esta palabra se usa en colecciones de motetes (1538), madrigales (1585), wok-instr. composiciones ("Sacrae symphoniae" - "Sinfonías sagradas" de G. Gabrieli, 1597, 1615) y luego instr. polifónico obras de teatro (principios del siglo XVII). Se fija para un polígono. episodios (a menudo basados ​​en acordes) como introducciones de wok o interludios. e instr. producciones, en particular para introducciones (oberturas) a suites, cantatas y óperas. Entre la ópera S. (oberturas), se describieron dos tipos: Veneciana - de dos secciones (lenta, solemne y rápida, fuga), luego desarrollada en francés. obertura, y el napolitano - de tres secciones (rápido - lento - rápido), introducido en 1681 por A. Scarlatti, quien, sin embargo, utilizó otras combinaciones de partes. Sonata cíclica. la forma se vuelve gradualmente dominante en S. y recibe en él un desarrollo particularmente multifacético.

Resuelto bien. 1730 de la ópera, donde el orco. la introducción se conservó en forma de obertura, la S. se independizó. especie de orco. música. En el siglo 18 cumplirlo como base. composición eran cuerdas. instrumentos, oboes y trompas. El desarrollo de S. estuvo influenciado por la descomposición. tipos de orcos. y música de cámara: un concierto, una suite, una sonata en trío, una sonata, etc., así como una ópera con sus conjuntos, coros y arias, cuyo impacto en la melodía, la armonía, la estructura y la estructura figurativa de S. se nota mucho Qué específico. el género S. maduró al desvincularse de otros géneros musicales, en particular el teatral, ganando independencia en contenido, forma, desarrollando temas, creando ese método de composición, que luego se denominó sinfonía y, a su vez, tuvo un gran impacto en muchas áreas de la música. creatividad.

La estructura de S. ha evolucionado. La base de S. era un ciclo de 3 partes del tipo napolitano. A menudo, siguiendo el ejemplo de los venecianos y franceses. las oberturas en S. incluían una lenta introducción al 1er movimiento. Más tarde, el minueto entró en S. - primero como el final de un ciclo de 3 partes, luego una de las partes (generalmente la tercera) de un ciclo de 4 partes, en el final del cual, por regla general, la forma de un rondó o se utilizó la sonata rondó. Desde la época de L. Beethoven, el minueto fue reemplazado por el scherzo (3ra, a veces 2da parte), desde la época de G. Berlioz, y el vals. La forma de sonata más importante para S. se usa principalmente en la primera parte, a veces también en las partes lenta y final. En el siglo 18 C. cultivó muchos. maestros Entre ellos se encuentran el italiano J. B. Sammartini (85 S., c. 1730-70, de los cuales 7 se han perdido), los compositores de la escuela de Mannheim, en la que los checos ocupaban el puesto principal (F. K. Richter, J. Stamitz, etc. .), representantes de los llamados. preclásico (o temprano) escuela vienesa(M. Monn, G.K. Wagenzeil, etc.), el belga F.J. Gossec, que trabajaba en París, fue el fundador de los franceses. S. (29 S., 1754-1809, incluida "Caza", 1766; además, 3 S. para el espíritu. Orquesta). Clásico tipo S. fue creado por el austriaco. borrador J. Haydn y W. A. ​​​​Mozart. En el trabajo del "padre de la sinfonía" Haydn (104 p., 1759-95), se completó la formación de la sinfonía. Del género de la música cotidiana de entretenimiento, se convirtió en el tipo dominante de instrumento serio. música. Aprobado y principal. características de su estructura. S. se ha desarrollado como una secuencia de contrastes internos, que se desarrollan a propósito y se unen idea común partes. Mozart contribuyó con dram a S. tensión y lirismo apasionado, grandeza y gracia, le dieron una unidad estilística aún mayor (c. 50 C, 1764/65-1788). Su última S. - Es-dur, g-moll y C-dur ("Júpiter") - el mayor logro de la sinfonía. traje del siglo XVIII. La experiencia creativa de Mozart se reflejó en obras posteriores. Haydn. El papel de L. Beethoven, la finalización de la escuela clásica vienesa (9 S., 1800-24), es especialmente grande en la historia de S.. Su 3ª ("Heroica", 1804), 5ª (1808) y 9ª (con cuarteto vocal y coro en el finale, 1824) S. son ejemplos de heroica. sinfonía dirigida a las masas, encarnando lo revolucionario. patetismo nar. lucha. Su 6th S. ("Pastoral", 1808) es un ejemplo de sinfonismo programático (ver Program music), y su 7th S. (1812), en palabras de R. Wagner, es "la apoteosis de la danza". Beethoven amplió la escala del laicismo, dinamizó su dramaturgia y profundizó la dialéctica de la temática. desarrollo, enriqueció el interior construir y significado ideológico DE.

para el austriaco y alemán. Compositores románticos de la 1ª mitad. Siglo 19 los géneros de S. lírica (Sinfonía inacabada de Schubert, 1822) y épica (Sinfonía n.º 8 de Schubert), así como S. paisajística cotidiana con un colorido nat. coloración ("italiano", 1833, y "escocés", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). Aumentado y psicológico. la riqueza de S. (4 sinfonías de R. Schumann, 1841-51, en las que los movimientos lentos y los scherzos son más expresivos). La tendencia que ha surgido incluso entre los clásicos es inmediata. transición de una parte a otra y establecimiento de temáticas. las conexiones entre las partes (por ejemplo, en la 5ª sinfonía de Beethoven) se intensificaron entre los románticos, también apareció el Do, en el que las partes se suceden sin pausas (sinfonía "escocesa" de Mendelssohn-Bartholdy, 4ª sinfonía de Schumann).

El ascenso de los franceses S. se refiere a 1830-40, cuando surgen producciones innovadoras. G. Berlioz, el creador del romanticismo. software C, basado en lit. trama (5 partes "Fantástico" C, 1830), C. concierto ("Harold en Italia", para viola y orquesta, según J. Byron, 1834), C. oratorio ("Romeo y Julieta", drama. S. en 6 partes, con solistas y coro, según W. Shakespeare, 1839), "Sinfonía fúnebre y triunfal" (marcha fúnebre, solo de trombón "oratorical" y apoteosis -para orquesta de espíritu u orquesta sinfónica, opcionalmente- y coro, 1840 ). Berlioz se caracteriza por la grandiosa escala de la producción, la colosal composición de la orquesta, colorida instrumentación con finos matices. filosófico y ético. los problemas se reflejaron en las sinfonías de F. Liszt ("Faust Symphony", pero J. W. Goethe, 1854, con el coro final, 1857; "S. a" Divina Comedia"Dante", 1856). Como antípoda a la dirección de programas de Berlioz y Liszt, era alemana. Komi. I. Brahms, que trabajó en Viena. En su 4 S. (1876-85), desarrolla las tradiciones beethovenianas y románticas. sinfonismo, clásico combinado. armonía y variedad de estados emocionales. Similar en estilo. aspiraciones y al mismo tiempo francés individual. S. del mismo período - 3er S. (con órgano) de K. Saint-Saens (1887) y S. d-moll S. Frank (1888). En "Del Nuevo Mundo" de A. Dvořák (el último, cronológicamente el 9 de 1893), no solo se refractaron musas checas, sino también negras e indias. elementos. Conceptos ideológicos significativos de los austriacos. sinfonistas A. Bruckner y G. Mahler. producto monumental. Bruckner (8 S., 1865-1894, 9ª no acabada, 1896) se caracterizan por la saturación de polifonía. telas (la influencia del arte orgánico y también, posiblemente, los dramas musicales de R. Wagner), la duración y el poder de la acumulación emocional. Para la sinfonía de Mahler (9 S., 1838-1909, 4 de ellas con canto, incluida la 8 - "Sinfonía de los mil participantes", 1907; la 10 no está terminada, D. Cook intentó completarla según los bocetos en 1960; S.-cantata "Canción de la tierra" con 2 cantantes-solistas, 1908) se caracterizan por la agudeza de los conflictos, el patetismo sublime y la tragedia, la novedad se expresa. fondos. Como si, en contraste con sus grandes composiciones, utiliza un rico intérprete. aparecen una sinfonía de cámara y una sinfonietta.

Los autores más destacados del S. XX. en Francia - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (suiza por nacionalidad, 5 S., 1930-50, incluida la 3ra - "Litúrgica", 1946, 5ta - S. "tres re" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", en 10 partes, 1948); en Alemania - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, incluido el primero - "Artist Mathis", 1934, 3- I - "Harmony of the World", 1951), K. A. Hartman (8 S., 1940-62), etc. La contribución al desarrollo de S. fue realizada por el suizo X. Huber (8 S., 1881-1920, incl. 7th - "Suiza", 1917), noruegos K. Sinding (4 S., 1890-1936), X. Severud (9 S., 1920-1961, incluido el diseño antifascista 5-7-I, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumano J Enescu (3 S., 1905 -19), el holandés B. Peiper (3 S., 1917-27) y H. Badings (10 S., 1930-1961), el sueco H. Rusenberg (7 S., 1919-69, y S. for instrumentos de viento y percusión, 1968), el italiano J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), el británico R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Primavera" S. para cantantes solistas, coro mixto, coro de niños y orquesta sinfónica, 1949), los estadounidenses C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) y R. Harris ( 12 S., 1933-69), hermano E. Vila Lobos (S. 12, 1916-58) y otros Amplia variedad de tipos C. Siglo XX. debido a la multiplicidad de la creatividad. direcciones, nacional escuelas, conexiones folclóricas. Moderno S. también son diferentes en estructura, formas y carácter: gravitan hacia la intimidad y, por el contrario, hacia la monumentalidad; no dividido en partes y compuesto de muchos. partes; tradicional almacén y libre composición; por el símbolo habitual. orquesta y para composiciones inusuales, etc. Una de las tendencias en la música del siglo XX. asociado con la modificación de las musas antiguas, preclásicas y clásicas tempranas. géneros y formas. Le rindió homenaje S. S. Prokofiev en la "Sinfonía Clásica" (1907) y I. F. Stravinsky en la Sinfonía en Do y "Sinfonía en tres movimientos" (1940-45). En un número del S. 20 siglo. hay una desviación de las viejas normas bajo la influencia del atonalismo, el atematismo y otros nuevos principios de composición. A. Webern construyó S. (1928) sobre una serie de 12 tonos. Los representantes de la "vanguardia" desplazada S. decomp. nuevos géneros y formas experimentales.

El primero entre los rusos. compositores recurrieron al género sinfónico (con la excepción de D. S. Bortnyansky, cuya Concert Symphony, 1790, fue escrita para conjunto de cámara) miguel Yu. Vielgorsky (su segundo C. interpretado en 1825) y A. A. Alyabiev (su C. e-moll de un solo movimiento, 1830, y un C. Es-dur de 3 partes sin fecha del tipo suite, con 4 trompas de concierto han sido conservado), más tarde A. G. Rubinshtein (6 S., 1850-86, incluido el 2º - "Océano", 1854, el 4º - "Dramático", 1874). M. I. Glinka, autor de la obertura S. inacabada al final del ruso. temas (1834, completado en 1937 por V. Ya. Shebalin), tuvo una influencia decisiva en la formación de estilística. maldito ruso. S. con todas sus sinfonías. la creatividad, en la que predominan las composiciones de otros géneros. En S. Rus. autores pronunciados nat. carácter, se capturan imágenes de personas. vida, histórico los acontecimientos reflejan los motivos de la poesía. Entre los compositores de The Mighty Handful, N. A. Rimsky-Korsakov (3ra p., 1865-74) fue el primero en escribir S.. El creador del ruso. épico A. P. Borodin (2 S., 1867-76; tercero inacabado, 1887, parcialmente grabado de memoria por A. K. Glazunov) apareció en S. En su trabajo, especialmente en "Bogatyrskaya" (2nd) S., Borodin encarnó las imágenes de un tablón gigantesco. fuerza. Entre las más altas conquistas de la sinfonía mundial - producción. P. I. Tchaikovsky (6 S., 1800-93, y programa S. "Manfred", según J. Byron, 1885). La 4ª, 5ª y especialmente la 6ª ("Patética", con un final lento) S., de carácter lírico-dramático, alcanzan una fuerza trágica al expresar los choques de la vida; son profundamente psicológicos. transmiten de manera penetrante una rica gama de experiencias humanas. Línea épica. С. , 2 C. escribió M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 C - R. M. Glier (1900-11, 3rd - "Ilya Muromets"). Las letras sinceras te atraen sinfonías. S. Kalinnikova (2 S., 1895, 1897), profunda concentración de pensamiento - S. c-moll S. I. Taneeva (1, en realidad 4, 1898), drama. pathos - sinfonías de S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) y A. N. Scriabin, el creador de la primera parte de 6 (1900), la segunda parte de 5 (1902) y la tercera parte de 3 ("El poema divino ", 1904), que se distingue por una dramaturgia especial. integridad y poder de expresión.

S ocupa lugar importante en búhos música. En el trabajo de los búhos. los compositores recibieron un desarrollo particularmente rico y vívido de las altas tradiciones de los clásicos. sinfonía. S. es abordado por búhos. compositores de todas las generaciones, comenzando con los maestros más antiguos: N. Ya. Myaskovsky, creador de 27 S. (1908-50, incluido el 19 - para orquesta de viento, 1939), y S. S. Prokofiev, autor de 7 S. (1917 - 1952), y finalizando con jóvenes compositores de gran talento. Figura destacada en el campo de los búhos. S. - D. D. Shostakovich. En su 15 S. (1925-71) se revelan las profundidades de la conciencia humana y la estabilidad de la moral. fuerzas (5 - 1937, 8 - 1943, 15 - 1971), temas emocionantes de la modernidad (7 - la llamada Leningradskaya, 1941) e historia (11 - "1905", 1957; 12 - "1917", 1961), alto humanista. los ideales se contrastan con imágenes sombrías de violencia y maldad (5 partes 13, con letra de E. A. Yevtushenko, para bajo, coro y orquesta, 1962). Desarrollando la tradición y moderno tipos de estructura de S., el compositor, junto con un ciclo de sonata interpretado libremente (para varios de sus S., la secuencia es característica: lento - rápido - lento - rápido), usa otras estructuras (por ejemplo, en el 11 - "1905"), atrae la voz humana (solistas, coro). En 11 partes 14th S. (1969), donde el tema de la vida y la muerte se revela en un contexto social amplio, dos voces cantantes son solistas, apoyadas por cuerdas. y golpe instrumentos.

Representantes de numerosas personas trabajan productivamente en la región de S. nacional ramas de búho. música. Entre ellos se encuentran destacados maestros de los búhos. música, como A. I. Khachaturian - el brazo más grande. sinfonista, autor de colorido y temperamental S. (1º - 1935, 2º - "S. con campana", 1943, 3º - S.-poema, con órgano y 15 tubos adicionales, 1947); en Azerbaiyán - K. Karaev (se distingue su 3er S., 1965), en Letonia - Y. Ivanov (15 S., 1933-72), etc. Ver música soviética.

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BS Steinpress

Tannhauser: Estoy abriendo una nueva sección sobre formas y géneros musicales. Y la primera página, a la derecha, se abre con "SYMPHONY"... Añadiré retratos de grandes compositores y otras imágenes al texto. No agregué todo a yo nombres famosos sinfonistas. Pero continuaré presentándoles los "nuevos" nombres olvidados. No sobrecargaré la publicación con clips de audio y video ... Puede encontrarlos usted mismo sin preocupaciones ... Y en mi Diario, incluido. Nos vemos en esta sección.

Sinfonía(del griego "consonancia") - una obra para orquesta, que consta de varias partes. La sinfonía es la forma más musical entre la música orquestal de concierto.

edificio clasico

Debido a la relativa similitud de la estructura con la sonata, la sinfonía puede denominarse gran sonata para orquesta. Sonata y sinfonía, así como concierto, trío, cuarteto, etc., pertenecen al "ciclo sonata-sinfonía" - cíclico forma musical una obra en la que al menos uno de los movimientos (generalmente el primero) se presenta en forma de sonata. El ciclo sonata-sinfónico es la forma cíclica más grande entre las formas puramente instrumentales.

Al igual que la sonata, la sinfonía clásica tiene cuatro movimientos:
- la primera parte, de ritmo rápido, está escrita en forma de sonata;
- la segunda parte, a cámara lenta, está escrita en forma de rondó, menos a menudo en forma de sonata o forma variacional;
- tercer movimiento, scherzo o minueto en forma de tres partes;
- la cuarta parte, a paso rápido, en forma de sonata o en forma de rondó, rondó-sonata.
Si el primer movimiento está escrito en un tempo moderado, entonces, por el contrario, puede ser seguido por un segundo movimiento rápido y un tercer movimiento lento (por ejemplo, la 9ª sinfonía de Beethoven).

Teniendo en cuenta que la sinfonía está pensada para las grandes potencias de la orquesta, cada parte en ella está escrita de forma más amplia y detallada que, por ejemplo, en una sonata para piano ordinaria, ya que la riqueza de los medios expresivos de una orquesta sinfónica proporciona para una presentación detallada del pensamiento musical.

historia de la sinfonía

El término sinfonía se utilizó en la antigua Grecia, la Edad Media y el Renacimiento principalmente para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido a la vez. Entonces, en Alemania, hasta mediados del siglo XVIII, una sinfonía era un término general para las variedades de clavicémbalo: espinetas y vírgenes, en Francia se llamaba organillos, clavicémbalos, tambores de dos cabezas, etc.

La palabra sinfonía para piezas musicales que "suenan juntas" comenzó a aparecer en los títulos de algunas obras de la época barroca de los siglos XVI y XVII, de compositores como Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 y Symphoniae sacrae 1615), Adriano Bankieri ( Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) y Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

El prototipo de la sinfonía puede considerarse la Obertura italiana, que se desarrolló bajo la dirección de Domenico Scarlatti a finales del siglo XVII. Esta forma ya entonces se llamaba sinfonía y constaba de tres partes contrastantes: allegro, andante y allegro, que se fundían en una sola. Es esta forma la que a menudo se considera como un precursor directo de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura" y "sinfonía" se usaron indistintamente durante gran parte del siglo XVIII.

Otros progenitores importantes de la sinfonía fueron la suite orquestal, que constaba de varias partes en las formas más simples y en su mayoría en la misma tonalidad, y el concierto ripieno (ripieno concerto), una forma que recuerda a un concierto para cuerdas y bajo continuo, pero sin solista. instrumentos Las obras de Giuseppe Torelli y Antonio Vivaldi fueron creadas de esta forma, quizás el concierto ripieno más famoso es el "Concierto de Brandenburgo No. 3" de Johann Sebastian Bach.

Joseph Haydn es considerado el fundador del modelo sinfónico clásico. En una sinfonía clásica, solo la primera y la última parte tienen la misma tonalidad, y las del medio están escritas en tonalidades relacionadas con la principal, lo que determina la tonalidad de toda la sinfonía. Destacados representantes de la sinfonía clásica son Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Beethoven expandió dramáticamente la sinfonía. Su Sinfonía No. 3 ("Heroica"), tiene una escala y rango emocional que supera cada vez más trabajo temprano, su Sinfonía n. ° 5 es posiblemente la sinfonía más famosa jamás escrita. Su Sinfonía No. 9 se convierte en una de las primeras "sinfonías corales" con la inclusión de partes para solistas y coro en el último movimiento.

La sinfonía romántica se convirtió en una combinación de forma clásica con expresión romántica. La tendencia de la programación también se está desarrollando. Aparecen leitmotiv. Hogar contraste El romanticismo fue el crecimiento de la forma, la composición de la orquesta y la densidad del sonido. Los autores más destacados de sinfonías de esta época incluyen a Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tchaikovsky, A. Bruckner y Gustav Mahler.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX y especialmente en el siglo XX, hubo una mayor transformación de la sinfonía. La estructura de cuatro movimientos se ha vuelto opcional: las sinfonías pueden contener desde uno (Sinfonía 7 de Jan Sibelius) hasta once (Sinfonía 14 de D. Shostakovich) movimientos o más. Muchos compositores experimentaron con el tamaño de las sinfonías, por lo que Gustav Mahler creó su octava sinfonía llamada "Sinfonía de los mil participantes" (debido a la fuerza de la orquesta y los coros necesarios para interpretarla). El uso de la forma sonata se vuelve opcional.
Después de la novena sinfonía de L. Beethoven, los compositores comenzaron a introducir con mayor frecuencia partes vocales en las sinfonías. Sin embargo, la escala y el contenido del material musical permanece constante.

Joseph Haydn - 108 sinfonías

Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sinfonías

Ludwig van Beethoven - 9 sinfonías

Franz Schubert - 9 sinfonías

Robert Schumann - 4 sinfonías

Félix Mendelssohn - 5 sinfonías

Héctor Berlioz - varias sinfonías del programa

Antonin Dvorak - 9 sinfonías

Johannes Brahms - 4 sinfonías

Pyotr Tchaikovsky - 6 sinfonías (también sinfonía "Manfred")

Anton Bruckner - 10 sinfonías

Gustav Mahler - 10 sinfonías

Jan Sibelius - 7 sinfonías

Sergei Rachmaninov - 3 sinfonías

Igor Stravinsky - 5 sinfonías

Sergei Prokofiev - 7 sinfonías

Dmitri Shostakovich - 15 sinfonías (también varias sinfonías de cámara)

Alfred Schnittke - 9 sinfonías

Conferencia

géneros sinfónicos

La historia del nacimiento de la sinfonía como género

La historia de la sinfonía como género tiene cerca de dos siglos y medio.

Al final de la Edad Media en Italia, se hizo un intento de revivir el drama antiguo. Esto marcó el comienzo de un tipo completamente diferente de arte musical y teatral: la ópera.
En la ópera europea temprana, el coro no jugaba un papel tan importante como los cantantes solistas con un grupo de instrumentistas que los acompañaban.Para no impedir que el público viera a los artistas en el escenario, la orquesta se ubicó en un hueco especial entre la platea y el escenario. Al principio, este lugar comenzó a llamarse "orquesta", y luego los propios artistas.

SINFONÍA(Griego) - consonancia. En el período de los siglos XVI-XVIII. este concepto quiso decir “Una eufónica combinación de sonidos”, “esbelta canto coral"y" una pieza musical polifónica.

« sinfonías" llamó intermedios orquestales entre actos de la ópera. « Orquestas" (griego antiguo) fueron llamados plataformas frente al escenario del teatro, donde originalmente se encontraba el coro.

Sólo en los años 30 y 40. En los años del siglo XVIII se formó un género orquestal independiente, que comenzó a llamarse sinfonía.

El nuevo género fue una obra que consta de varias partes (ciclo), y la primera parte, que contiene el significado principal de la obra, ciertamente debe corresponder a la “forma sonata”.

El lugar de nacimiento de la orquesta sinfónica es la ciudad de Mannheim. Aquí, en la capilla del elector local, se formó una orquesta, cuyo arte tuvo un gran impacto en la creatividad orquestal, en todo el desarrollo posterior de la música sinfónica.
« Esta extraordinaria orquesta tiene suficiente espacio y facetas- escribió el famoso historiador de la música Charles Burney. Aquí se utilizaron los efectos que tal masa de sonidos puede producir: fue aquí donde nació el "crescendo", "diminuendo", y el "piano", que antes se usaba principalmente como eco y solía ser su sinónimo, y " forte" eran reconocidos como colores musicales, disponibles en sus propias tonalidades, como el rojo o el azul en la pintura...".

Algunos de los primeros compositores que trabajaron en el género sinfónico fueron:

Italiano - Giovanni Sammartini, Francés - Francois Gossec y compositor checo - Jan Stamitz.

Pero aún así, Joseph Haydn es considerado el creador del género sinfónico clásico. Posee los primeros ejemplos brillantes de sonata para clave, trío de cuerda y cuarteto. Fue en la obra de Haydn donde nació y tomó forma el género de la sinfonía, adquiriendo los últimos trazos, como ahora decimos, clásicos.

I. Haydn y W. Mozart resumieron y crearon en creatividad sinfónica todo lo mejor que la música orquestal era rica antes de ellos. Y al mismo tiempo, las sinfonías de Haydn y Mozart abrieron posibilidades verdaderamente inagotables de un nuevo género. Las primeras sinfonías de estos compositores fueron diseñadas para una pequeña orquesta. Pero posteriormente, I. Haydn amplía la orquesta no solo cuantitativamente, sino también mediante el uso de la expresividad de combinaciones sonoras de instrumentos que corresponden únicamente a una u otra de sus ideas.

Este es el arte de la instrumentación u orquestación.

Orquestación es un acto creativo vivo, el diseño ideas musicales compositor. La instrumentación es creatividad, uno de los lados del alma de la composición misma.

Durante el período de trabajo de Beethoven, finalmente se formó la composición clásica de la orquesta, que incluía:

Instrumentos de cuerda,

Pares herramientas de madera,

2 (a veces 3-4) cuernos,

2 timbales. Esta composición se llama pequeña.

G. Berlioz y R. Wagner buscaron aumentar la escala del sonido de la orquesta aumentando la composición de 3 a 4 veces.

El pináculo de la música sinfónica soviética fue obra de S. Prokofiev y D. Shostakovich.

Sinfonía... Se compara con una novela y un cuento, una epopeya cinematográfica y un drama, un fresco pintoresco. Sentido todas estas analogías son comprensibles. En este género es posible expresar algo importante, a veces lo más importante por lo que existe el arte, por lo que una persona vive en el mundo - esforzarse por la felicidad, por la luz, la justicia y la amistad.

Una sinfonía es una pieza musical para una orquesta sinfónica escrita en forma de sonata cíclica. Por lo general, consta de 4 partes, que expresan pensamientos artísticos complejos sobre la vida humana, el sufrimiento y la alegría humanos, las aspiraciones y los impulsos. Hay sinfonías con más y menos movimientos, hasta un solo movimiento.

Para mejorar los efectos de sonido, a veces se introducen sinfonías coro y voces solistas. Hay sinfonías para orquestas de cuerda, de cámara, sacras y otras, para orquesta con instrumento solista, órgano, coro y conjunto vocal... . cuatro partes las sinfonías expresan los contrastes típicos de los estados de vida: escenas de lucha dramática (primer movimiento), episodios humorísticos o de danza (minueto o scherzo), contemplación sublime (movimiento lento) y un final solemne o de danza popular.

La música sinfónica es música destinada a ser interpretada por un sinfónico
orquesta; el área más significativa y rica de la música instrumental,
cubriendo también grandes obras de varias partes, saturadas de complejas ideas ideológicas y
contenido emocional, y pequeñas piezas de música El tema principal de la música sinfónica es el tema del amor y el tema de la enemistad.

Orquesta Sinfónica,
combinando una variedad de instrumentos, proporciona una rica paleta
colores sonoros, medios expresivos.

Todavía muy popular obras sinfónicas: L. Beethoven Symphony No. 3 ("Heroic"), No. 5, Egmont Overture;

P Tchaikovsky Symphony No. 4, No. 6, obertura "Romeo y Julieta", conciertos (fono,

S. Prokofiev Sinfonía n.° 7

I. Stravinsky extractos del ballet "Petrushka"

J. Gershwin sinfo-jazz "Rapsodia al estilo del blues"

Música para orquesta desarrollada en constante interacción con otros tipos de arte musical: música de cámara, órgano, coral y ópera.

Géneros característicos de los siglos XVII-XVIII: suite, concierto- conjunto y orquesta obertura modelo de ópera Variedades de la suite del siglo XVIII: divertimento, serenata, nocturno.

El poderoso auge de la música sinfónica está asociado con la promoción de la sinfonía, su desarrollo como forma de sonata cíclica y la mejora tipo clásico Orquesta Sinfónica. En la sinfonía y otros tipos de música sinfónica, a menudo comenzaron a introducir coro y voces solistas. Se fortaleció el inicio sinfónico en composiciones vocales y orquestales, ópera y ballet. Los géneros de la música sinfónica también incluyen symphonietta, variaciones sinfónicas, fantasía, rapsodia, leyenda, capriccio, scherzo, popurrí, marcha, bailes varios, miniaturas de varios tipos, etc. El repertorio de conciertos sinfónicos también incluye fragmentos orquestales separados de óperas, ballets, dramas, obras de teatro, películas.

Música sinfónica del siglo XIX. encarnado mundo enorme ideas y emociones. Refleja los temas de amplia resonancia pública, los sentimientos más profundos, imágenes de la naturaleza, la vida cotidiana y la fantasía, personajes nacionales, imágenes artes espaciales, poesía, folklore.

existe diferentes tipos orquesta:

Banda militar (formada por instrumentos de viento, metal y madera)

Orquesta de Cuerdas:.

La orquesta sinfónica es la más grande en composición y la más rica en cuanto a sus capacidades; destinado a conciertos musica orquestal. La orquesta sinfónica en su forma moderna no tomó forma inmediatamente, sino como resultado de un largo proceso histórico.

Una orquesta sinfónica de concierto, a diferencia de una de ópera, está ubicada justo en el escenario y está constantemente en el campo de visión de la audiencia.

Debido a las tradiciones históricas, las orquestas sinfónicas de concierto y de ópera se han diferenciado durante mucho tiempo en su composición, pero hoy en día esta distinción casi ha desaparecido.

El número total de músicos en una orquesta sinfónica no es constante: puede variar entre 60-120 (e incluso más) personas. Una composición tan grande de participantes para un juego coordinado requiere un liderazgo hábil. Este papel pertenece al conductor.

Hasta principios del siglo XIX, el propio director tocaba algún instrumento durante la interpretación, por ejemplo, el violín. Sin embargo, con el tiempo, el contenido de la música sinfónica se volvió más complejo, y este hecho obligó gradualmente a los directores a abandonar tal combinación.

Flegontova Anastasia

clase 7especialización "Teoría de la Música",MAOUDOD DSHI Nº 46, Kémerovo

Zaigraeva Valentina Afanasievna

director científico,profesor de disciplinas teóricas MAOU DOD "DSHI No. 46"

Introducción

Cada ciudad importante tiene una orquesta sinfónica. Él está en demanda en teatros de ópera y en la filarmónica. Pero el género sinfónico en sí -uno de los géneros más venerables de la música académica- está siendo suplantado ahora por música de cámara y música electrónica. Y puede suceder que llegue la hora en que un género tan grande como la sinfonía deje de presentarse en los conciertos. Al menos, casi se ha dejado de componer sinfonías. Relevancia temas de investigación: interés implacable en la cuestión de la existencia futura del género "sinfónico", lo que le espera a la sinfonía en el siglo XXI: ¿renacimiento u olvido? Objeto de estudio es una sinfonía, como género y como forma seria de conocer el mundo y la autoexpresión de una persona. Tema de estudio: la evolución del género sinfónico desde sus orígenes hasta nuestros días. Objetivo: estudiar las características del desarrollo del género sinfónico. Investigar objetivos: analizar el material científico y teórico sobre el problema; describir las leyes, normas, modelos y tendencias sinfónicas en el desarrollo del género.

Capítuloyo. La historia de la palabra "sinfonía".

Sinfonía (del griego symphonía - consonancia, de sýn - juntos y phone - sonido), pieza musical en forma de sonata cíclica, destinada a ser interpretada por una orquesta sinfónica; uno de los géneros más importantes de la música sinfónica. En algunas sinfonías también participan el coro y los solistas. La sinfonía es uno de los géneros musicales más complejos. “Para mí, crear una sinfonía significa construir un mundo con todos los medios de la tecnología musical moderna”, dijo el compositor austriaco Gustav Mahler.

Inicialmente, en la antigua Grecia, "sinfonía" se llamaba el sonido eufónico de los tonos, el canto conjunto al unísono. En la antigua Roma, este ya era el nombre de un conjunto, una orquesta. En la Edad Media, la música profana en general se consideraba una "sinfonía" (en Francia, este significado se conservó hasta el siglo XVIII), algunos instrumentos musicales podrían llamarse así (en particular, un organillo). En Alemania, hasta mediados del siglo XVIII, la sinfonía era un término general para las variedades de clavicémbalo: espinetas y vírgenes, en Francia se llamaba organillos, clavicémbalos, tambores de dos cabezas, etc.

Al final de la era barroca, algunos compositores, como Giuseppe Torelli (1658-1709), crearon obras para orquesta de cuerdas y bajo continuo en tres partes, con una secuencia de tempo rápido-lento-rápido. Aunque tales composiciones solían llamarse "conciertos", no se diferenciaban en nada de las composiciones llamadas "sinfonía"; por ejemplo, se utilizaron temas de danza en los finales de conciertos y sinfonías. La diferencia se refería principalmente a la estructura de la primera parte del ciclo: en las sinfonías era más simple, por regla general, la forma binaria en dos partes de la obertura barroca, la sonata y la suite (AA BB). Recién en el siglo XVI se ha aplicado a trabajos individuales, originalmente vocal-instrumental, de compositores como Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 y Symphoniae sacrae 1615), Adriano Bankieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) y Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Compositores italianos del siglo XVII a menudo denotado por la palabra "sinfonía" (sinfonia) introducciones instrumentales a una ópera, oratorio o cantata, y el significado del término se acercó a los conceptos de "preludio" u "obertura".

El prototipo de la sinfonía puede considerarse la obertura italiana, que tomó forma bajo Domenico Scarlatti a finales del siglo XVII. Esta forma ya entonces se llamaba sinfonía y constaba de tres partes contrastantes: allegro, andante y allegro, que fusionadas en un todo, las características de la forma sonata se esbozaron en la primera parte. Es esta forma la que a menudo se considera como un precursor directo de la sinfonía orquestal. Por otro lado, la predecesora de la sinfonía fue la sonata orquestal, que constaba de varias partes en las formas más simples y en su mayoría en la misma tonalidad. Los términos "obertura" y "sinfonía" se usaron indistintamente durante gran parte del siglo XVIII.

En el siglo XVIII. la sinfonía se separó de la ópera y se convirtió en un género de concierto por derecho propio, generalmente en tres movimientos ("rápido - lento - rápido"). Usando las características de una suite de danza barroca, ópera y concierto, varios compositores, y sobre todo J.B. Sammartini, creó un modelo de sinfonía clásica: una composición de tres movimientos para orquesta de cuerdas, donde los movimientos rápidos generalmente tomaban la forma de un rondó simple o una forma de sonata temprana. Poco a poco, se fueron añadiendo otros instrumentos a las cuerdas: oboes (o flautas), trompas, trompetas y timbales. Para oyentes del siglo XVIII. la sinfonía estaba definida por normas clásicas: textura homofónica, armonía diatónica, contrastes melódicos, una secuencia dada de cambios dinámicos y temáticos. Los centros donde se cultivó la sinfonía clásica fueron la ciudad alemana de Mannheim (aquí Jan Stamitz y otros autores ampliaron el ciclo sinfónico a cuatro partes, introduciendo en él dos danzas de la suite barroca -un minueto y un trío) y Viena, donde Haydn , Mozart, Beethoven (y también sus antecesores, entre los que destacan Georg Monn y Georg Wagenseil), elevaron el género sinfónico a un nuevo nivel... También, "sinfonías" llamó a sus 15 piezas (en las mismas tonalidades que las dos voces inventos, pero en una presentación a tres voces) Johann Sebastian Bach (1685-1750, Alemania).

CapítuloYo. Sinfonías de compositores extranjeros

1. Clásicos vieneses

1.1. Francisco José Haydn

En la obra de Franz Joseph Haydn (1732-1809), se formó finalmente el ciclo sinfónico. Sus primeras sinfonías todavía no difieren esencialmente de la música de cámara y casi no van más allá de los géneros de entretenimiento habituales de esa época. Recién en la década de 1970 aparecieron obras que expresaban más mundo profundo imágenes ("Funeral Symphony", "Farewell Symphony", etc.). Poco a poco, sus sinfonías se van saturando de un contenido dramático más profundo. El mayor logro de la sinfonía de Haydn son las doce sinfonías de "Londres".

Estructura de sonataalegro. Cada una de las sinfonías (a excepción de la de Do menor) comienza con una breve introducción lenta de carácter solemnemente majestuoso, cuidadosamente concentrado, líricamente pensativo o serenamente contemplativo (generalmente en el tempo de Largo o Adagio). La introducción lenta contrasta marcadamente con el Allegro subsiguiente (que es el primer movimiento de la sinfonía) y lo establece al mismo tiempo. No hay un contraste figurativo brillante entre los temas de las partes principal y secundaria. Tanto esos como otros suelen tener un carácter de canto y baile folclórico. Solo hay un contraste tonal: la tonalidad principal de las partes principales se contrasta con la tonalidad dominante de las partes laterales. En las sinfonías de Haydn, los desarrollos que se construyen por aislamiento motívico han recibido un desarrollo significativo. Un segmento corto pero muy activo se separa del tema de la parte principal o secundaria y se somete a una larga desarrollo independiente(modulaciones continuas en distintas tonalidades, dirección con distintos instrumentos y en distintos registros). Esto le da a los desarrollos un carácter dinámico y esforzado.

Segundas partes (lentas) tienen un carácter diferente: a veces cuidadosamente lírico, a veces como una canción, en algunos casos como una marcha. También difieren en la forma. La mayoría de las veces hay formas tripartitas y variacionales complejas.

minuetos. Los terceros movimientos de las sinfonías de "Londres" siempre se llaman Menuetto. Muchos de los minuetos de Haydn tienen el carácter de bailes country, con sus pasos un tanto pesados, melodía arrebatadora, acentos inesperados y cambios rítmicos, a menudo creando un efecto humorístico. Se conserva la triple métrica del minueto tradicional, pero pierde su sofisticación aristocrática y se convierte en una danza democrática y campesina.

Finales. En el final de las sinfonías de Haydn, las imágenes de género, también derivadas de la música folklórica, suelen llamar la atención. La forma suele ser sonata o rondo-sonata. En algunas finales de las sinfonías de "Londres", se utilizan ampliamente los métodos de desarrollo variacional y polifónico (imitación), lo que enfatiza aún más el movimiento rápido de la música y dinamiza todo el tejido musical. [ 4, pág. 76-78]

Orquesta. La composición de la orquesta también quedó asentada en la obra de Haydn. Se basa en cuatro grupos de instrumentos. Las cuerdas, el grupo principal de la orquesta, incluyen violines, violas, violonchelos y contrabajos. El grupo de madera consta de flautas, oboes, clarinetes (no se utilizan en todas las sinfonías), fagotes. El grupo de instrumentos de metal de Haydn consiste en cuernos y trompetas. de tambores herramientas haydn Usado solo timbales en la orquesta. La excepción es la duodécima "Sinfonía de Londres", en sol mayor ("Militar"). Además de los timbales, Haydn introdujo un triángulo, platillos, gran tambor. En total, la obra de Franz Joseph Haydn incluye más de 100 sinfonías.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), junto con Haydn, estuvo en los orígenes del sinfonismo europeo, mientras mejores sinfonias Mozart apareció incluso antes que las Sinfónicas de Londres de Haydn. Sin duplicar a Haydn, Mozart resolvió a su manera el problema del ciclo sinfónico. El número total de sus sinfonías supera las 50, aunque según la numeración continua adoptada en la musicología rusa, la última sinfonía, "Júpiter", se considera la 41. La mayoría de las sinfonías de Mozart aparecieron en primeros años su creatividad Durante el período de Viena, solo se crearon 6 últimas sinfonías, que incluyen: "Linz" (1783), "Praga" (1786) y tres sinfonías de 1788.

Las primeras sinfonías de Mozart estuvieron fuertemente influenciadas por la obra de J.S. Llevar una vida de soltero. Se manifestó tanto en la interpretación del ciclo (3 pequeñas partes, la ausencia de un minueto, un pequeño composición orquestal), y en varios detalles expresivos (melodías de temas, contrastes expresivos de mayor y menor, protagonismo del violín).

Las visitas a los principales centros de la sinfonía europea (Viena, Milán, París, Mannheim) contribuyeron a la evolución del pensamiento sinfónico de Mozart: el contenido de las sinfonías se enriquece, los contrastes emocionales se vuelven más brillantes, el desarrollo temático se vuelve más activo, la escala de las partes se ampliada, la textura orquestal se vuelve más desarrollada. A diferencia de las Sinfonías de Londres de Haydn, que en su conjunto desarrollan un tipo de sinfonismo, las mejores sinfonías de Mozart (núms. 39-41) no se pueden mecanografiar, son absolutamente únicas. Cada uno de ellos encarna un concepto fundamentalmente nuevo. idea artistica. Dos de las últimas cuatro sinfonías de Mozart tienen introducciones lentas, las otras dos no. Sinfonía No. 38 ("Praga", D-dur) tiene tres partes ("sinfonía sin minué"), el resto - cuatro.

al máximo rasgos característicos La interpretación de Mozart del género sinfónico se puede atribuir a:

dramaturgia del conflicto. Como máximo niveles diferentes partes del ciclo, temas individuales, varios elementos temáticos dentro del tema: el contraste y el conflicto aparecen en las sinfonías de Mozart. Muchos de los temas sinfónicos de Mozart actúan inicialmente como un "personaje complejo": se construyen sobre varios elementos contrastantes (por ejemplo, los temas principales en el final de la 40, parte de la sinfonía "Júpiter"). Estos contrastes internos son el estímulo más importante para el desarrollo dramático posterior, en particular en los desarrollos:

1. preferencia por la forma sonata. Por regla general, Mozart se refiere a él en todas las partes de sus sinfonías, excepto en el minueto. Es la forma sonata, con sus enormes posibilidades de transformación de los temas iniciales, la que es capaz de la revelación más profunda. mundo espiritual persona. En el desarrollo de la sonata de Mozart, cualquier tema de la exposición puede adquirir un significado independiente, incl. vinculante y final (por ejemplo, en la sinfonía "Júpiter" en el desarrollo de la primera parte, se desarrollan los temas de z.p. y sv.p., y en la segunda parte - sv.t.);

2. el enorme papel de la tecnología polifónica. En gran medida, varios recursos polifónicos contribuyen al drama, especialmente en obras posteriores (el ejemplo más llamativo es el final de la sinfonía de Júpiter);

3. salida del género abierto en minuetos sinfónicos y finales. A ellos, a diferencia de los de Haydn, les es imposible aplicar la definición de "género-cotidiano". Por el contrario, Mozart en sus minuetos a menudo "neutraliza" el principio de la danza, llenando su música con drama (en la sinfonía No. 40) o con lirismo (en la sinfonía "Júpiter");

4. la superación final de la lógica de la suite del ciclo sinfónico, como alternancia de diferentes partes. Las cuatro partes de la sinfonía de Mozart representan una unidad orgánica (esto fue especialmente pronunciado en la Sinfonía No. 40);

5. estrecha relación con géneros vocales. La música instrumental clásica estuvo fuertemente influenciada por la ópera. En Mozart, esta influencia de la expresividad operística se siente con mucha fuerza. Se manifiesta no solo en el uso de entonaciones operísticas características (como, por ejemplo, en el tema principal de la sinfonía 40, que a menudo se compara con el tema de Cherubino "No puedo decir, no puedo explicar..." ). La música sinfónica de Mozart está impregnada de yuxtaposiciones contrastantes de lo trágico y lo bufón, lo sublime y lo mundano, lo que recuerda claramente a sus composiciones operísticas.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) enriqueció aún más el género sinfónico. En sus sinfonías, el heroísmo, el drama y los principios filosóficos adquirieron gran importancia. Las partes de la sinfonía están más estrechamente conectadas temáticamente y el ciclo logra una mayor unidad. El principio de utilizar material temático relacionado en las cuatro partes, llevado a cabo en la Quinta Sinfonía de Beethoven, condujo al surgimiento de los llamados. sinfonía cíclica. Beethoven reemplaza el minueto tranquilo con un scherzo más vivo, a menudo exuberante; eleva el desarrollo temático a un nuevo nivel, exponiendo sus temas a todo tipo de cambios, incluido el desarrollo contrapuntístico, aislando fragmentos de temas, cambiando el modo (mayor - menor), cambios rítmicos.

Hablando de las sinfonías de Beethoven, cabe destacar su innovación orquestal. De las innovaciones:

1. la formación real del grupo de cobre. Aunque las trompetas todavía se tocan y graban junto con los timbales, funcionalmente, ellos y los cuernos comienzan a ser tratados como un solo grupo. A ellos se suman trombones, que no estaban en la orquesta sinfónica de Haydn y Mozart. Los trombones suenan en el final de la 5ª sinfonía (3 trombones), en la escena de la tormenta en la 6ª (aquí sólo hay 2 de ellos), y también en algunas partes de la 9ª (en el scherzo y en el episodio de oración de la finale, así como en la coda);

2. La compactación del "nivel medio" hace necesario aumentar la vertical desde arriba y desde abajo. Desde arriba aparece la flauta flautín (en todos los casos indicados, excepto el episodio de oración en el final de la 9), y desde abajo, el contrafagot (en los finales de las sinfonías 5 y 9). Pero en cualquier caso, siempre hay dos flautas y fagotes en una orquesta de Beethoven;

3. Continuando con las tradiciones de las Sinfonías de Londres de Haydn y las últimas sinfonías de Mozart, Beethoven realza la independencia y el virtuosismo de las partes de casi todos los instrumentos, incluida la trompeta (el famoso solo fuera del escenario en las Oberturas n.° 2 y n.° 3 de Leonore) y los timbales. A menudo tiene 5 partes de cuerdas (los contrabajos están separados de los violonchelos) y, a veces, más (tocando divisi). Todos los instrumentos de viento de madera, incluido el fagot, así como las trompas (en coro, como en el trío de scherzo de la 3.ª sinfonía, o por separado) pueden tocar solos, interpretando material muy brillante.

2. Romanticismo

La principal característica distintiva del romanticismo fue el crecimiento de la forma, la composición de la orquesta y la densidad del sonido, aparecen los leitmotiv. Los compositores románticos conservaron el esquema tradicional del ciclo, pero lo llenaron de nuevo contenido. Un lugar destacado entre ellos lo ocupa la sinfonía lírica, uno de cuyos ejemplos más brillantes fue la sinfonía en si menor de F. Schubert. Esta línea se continuó en las sinfonías de F. Mendelssohn-Bartholdy, a menudo de carácter pintoresco y paisajístico. Así, las sinfonías adquirieron los rasgos de programa, tan característicos de los compositores románticos. Héctor Berlioz, un destacado compositor francés, fue el primero en crear una sinfonía de programa, escribiendo un programa poético para ella en forma de una historia corta sobre la vida del artista. Sin embargo, las intenciones del programa musica romantica más a menudo encarnado en forma de poemas sinfónicos de una parte, fantasías, etc. El autor más destacado de sinfonías a finales del siglo XIX y principios del XX. fue G. Mahler, atrayendo a veces el comienzo vocal. Los representantes de las nuevas escuelas nacionales crearon importantes sinfonías en Occidente: en la segunda mitad del siglo XIX. - A. Dvorak en la República Checa, en el siglo XX. - K. Szymanowski en Polonia, E. Elgar y R. Vaughan Williams en Inglaterra, J. Sibelius en Finlandia. Características innovadoras diferentes sinfonías compositores franceses A. Honegger, D. Millau y otros Si a finales del siglo XIX - principios del siglo XX. una gran sinfonía dominada (a menudo para una orquesta ampliada), luego, más tarde, un papel cada vez más importante comienza a desempeñar una escala modesta y destinada a un conjunto de solistas "sinfonía de cámara".

2.1. Franz Schubert (1797)-1828)

El sinfonismo romántico creado por Schubert se determinó principalmente en las dos últimas sinfonías: la 8, en h-moll, que recibió el nombre de "Inacabada", y la 9, en C-dur-noy. Son completamente diferentes, opuestos entre sí. La novena épica está imbuida de un sentido de la alegría de ser que todo lo conquista. "Unfinished" encarnó el tema de la privación, la trágica desesperanza. Tales sentimientos, que reflejan el destino de toda una generación de personas, aún no habían encontrado una forma de expresión sinfónica antes de Schubert. Creada dos años antes que la novena sinfonía de Beethoven (en 1822), "Unfinished" marcó el surgimiento de un nuevo género sinfónico: el lírico-psicológico.

Una de las principales características de la sinfonía en h menor se refiere a su ciclo, que consta de solo dos partes. Muchos investigadores intentaron penetrar en el "misterio" de esta obra: ¿realmente quedó inacabada la brillante sinfonía? Por un lado, no hay duda de que la sinfonía fue concebida como un ciclo de 4 partes: su boceto original para piano contenía un gran fragmento de 3 partes: un scherzo. La falta de equilibrio tonal entre los movimientos (h-menor en el I-th y E-dur en el II-nd) es también un fuerte argumento a favor del hecho de que la sinfonía no fue concebida de antemano como un 2-parte . Por otro lado, Schubert tuvo tiempo suficiente para completar la sinfonía si quería: siguiendo la "Inconclusa" que creó un gran número de obras, incluida la novena sinfonía en 4 partes. Hay otros argumentos a favor y en contra. Mientras tanto, "Unfinished" se ha convertido en una de las sinfonías con más repertorio, sin causar en absoluto la impresión de subestimación. Su plan en dos partes se realizó completamente.

El héroe de "Unfinished" es capaz de brillantes arrebatos de protesta, pero esta protesta no conduce a la victoria del principio que afirma la vida. En cuanto a la tensión del conflicto, esta sinfonía no es inferior a las obras dramáticas de Beethoven, pero este conflicto es de otro plano, se ha trasladado al ámbito lírico-psicológico. Este es el drama de la experiencia, no de la acción. Su base no es la lucha de dos principios opuestos, sino la lucha dentro de la personalidad misma. Takova la característica más importante sinfonismo romántico, cuyo primer ejemplo fue la sinfonía de Schubert.

Capítulotercero. Sinfonía en Rusia

La herencia sinfónica de los compositores rusos - P.I. Chaikovski, A.P. Borodina, A.G. Glazunov, Scriabin, S.V. Rachmaninov. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, las formas estrictas de la sinfonía comenzaron a desmoronarse. Las sinfonías de cuatro partes se han vuelto opcionales: hay sinfonías de una parte (Myaskovsky, Kancheli, Boris Tchaikovsky), así como sinfonías de once partes (Shostakovich) e incluso sinfonías de veinticuatro partes (Khovaness). Aparecieron finales lentos, imposibles en el sinfonismo clásico (Sexta Sinfonía de Tchaikovsky, Tercera y Novena Sinfonías de Mahler). Después de la novena sinfonía de Beethoven, los compositores comenzaron a introducir con mayor frecuencia partes vocales en las sinfonías.

La segunda sinfonía de Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887) es uno de los pináculos de su obra. Pertenece a las obras maestras sinfónicas del mundo debido a su brillo, originalidad, estilo monolítico e ingeniosa realización de las imágenes de la epopeya popular rusa. En total, escribió tres sinfonías (la tercera no está terminada).

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) - uno de los más grandes sinfonistas rusos. En su estilo, las tradiciones creativas de Glinka y Borodin, Balakirev y Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky y Taneyev se rompieron de manera peculiar. Fue el vínculo entre los clásicos rusos anteriores a octubre y el joven soviético. arte musical.

3.1. Pyotr Ilich Tchaikovsky (1840)-1893)

La sinfonía en Rusia es, ante todo, Tchaikovsky. La primera sinfonía "Sueños de invierno" fue su primer trabajo importante después de graduarse del Conservatorio de San Petersburgo. Este acontecimiento, que hoy parece tan natural, fue bastante extraordinario en 1866. La sinfonía rusa, un ciclo orquestal de varias partes, estaba al comienzo de su viaje. En ese momento, solo quedaban las primeras sinfonías de Anton Grigorievich Rubinstein y la primera edición de la Primera sinfonía de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov, que no ganó fama. Tchaikovsky percibió el mundo dramáticamente, y su sinfonía, en contraste con sinfonía épica Borodin: tiene un carácter lírico-dramático y de conflicto agudo.

Seis sinfonías de Tchaikovsky y sinfonía de software"Manfred": mundos artísticos diferentes entre sí, estos son edificios construidos "según un proyecto individual" cada uno. Aunque las "leyes" del género, que surgieron y se desarrollaron en suelo de Europa occidental, se observan e interpretan con una habilidad sobresaliente, el contenido y el lenguaje de las sinfonías son verdaderamente nacionales. Por lo tanto, las canciones populares suenan tan orgánicamente en las sinfonías de Tchaikovsky.

3.2. Alexander Nikoláyevich Scriabin (1872)-1915)

El sinfonismo de Scriabin se formó sobre la base de la refracción creativa. diferentes tradiciones clásicos sinfónicos del siglo XIX. Esta es, sobre todo, la tradición del sinfonismo dramático de Tchaikovsky y en parte de Beethoven. Junto con esto, el compositor también implementó algunas características del sinfonismo romántico programático de Liszt. Algunas características del estilo orquestal de las sinfonías de Scriabin lo conectan en parte con Wagner. Pero todas estas diversas fuentes fueron profundamente procesadas por él de forma independiente. Las tres sinfonías están estrechamente conectadas entre sí por un concepto ideológico común. Su esencia puede definirse como la lucha de la personalidad humana con las fuerzas hostiles que se interponen en su camino hacia el establecimiento de la libertad. Esta lucha termina invariablemente con la victoria del héroe y el triunfo de la luz.

3.3. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906)-1975)

Shostakovich es compositor y sinfonista. Si para Prokofiev, con toda la diversidad de sus intereses creativos, el teatro musical es el más importante, entonces para Shostakovich, por el contrario, el género principal es la sinfonía. Es aquí donde las ideas principales de su obra encuentran una encarnación profunda y completa. El mundo de las sinfonías de Shostakovich es vasto. En ellos vemos toda la vida de la humanidad en el siglo XX con todas sus complejidades, contradicciones, guerras y conflictos sociales.

La Séptima Sinfonía ("Leningrado") es una de las obras más significativas del compositor. Ella es cuádruple. Su escala es enorme: la sinfonía dura más de 70 minutos, de los cuales casi la mitad la ocupa el primer movimiento. “Qué diablos puede vencer a un pueblo capaz de crear música como esta”, escribió uno de los diarios estadounidenses en 1942. La Séptima Sinfonía de Shostakovich puede llamarse legítimamente la "Sinfonía heroica" del siglo XX.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934)-1998)

Schnittke - soviético y compositor ruso, teórico de la música y profesor (autor de artículos sobre compositores rusos y soviéticos), una de las figuras musicales más significativas de la segunda mitad del siglo XX, Trabajador de Arte de Honor de la RSFSR. Schnittke es uno de los líderes de la vanguardia musical. A pesar de la gran popularidad de la música de este destacado compositor, las partituras de muchas de sus sinfonías aún no han sido publicadas y son inaccesibles en Rusia. Schnittke planteó problemas filosóficos en sus obras, el principal de los cuales es el hombre y el medio ambiente. La primera sinfonía contenía todo un caleidoscopio de varios estilos, géneros y direcciones musicales. El punto de partida para la creación de la Primera Sinfonía fue el equilibrio entre los estilos de música seria y ligera. Las Sinfonías Segunda y Cuarta reflejan en gran medida la formación de la autoconciencia religiosa del compositor. En la Segunda Sinfonía se escucha una misa antigua. La tercera sinfonía fue el resultado de su necesidad interior de expresar su actitud hacia cultura alemana, raíces alemanas de su origen. En la Tercera Sinfonía, en forma de breves fragmentos, toda la historia de la música alemana pasa ante el oyente. Alfred Schnittke soñaba con crear exactamente nueve sinfonías y, por lo tanto, transmitir una especie de reverencia a Beethoven y Schubert, quienes escribieron el mismo número. Alfred Schnittke escribió la Novena Sinfonía (1995-97) cuando ya estaba gravemente enfermo. Sufrió tres golpes y no se movió en absoluto. El compositor no tuvo tiempo de completar finalmente la partitura. Por primera vez, su versión final y orquestal fue interpretada por Gennady Rozhdestvensky, bajo cuya dirección tuvo lugar la primera actuación en Moscú el 19 de junio de 1998. Alexander Raskatov realizó una nueva versión editorial de la sinfonía y la interpretó en Dresde el 16 de junio de 2007.

En la segunda mitad del siglo XX, la combinación de los principios de varios géneros en una sola obra (sinfónico, coral, de cámara, instrumental y vocal) ganó la mayor popularidad. Por ejemplo, en la Decimocuarta Sinfonía de Shostakovich, hay una síntesis de una sinfonía, música vocal de cámara e instrumental; Las actuaciones corales de Gavrilin combinan las características de un oratorio, una sinfonía, un ciclo vocal, un ballet y una actuación dramática.

3.5. Mijaíl Zhuravlev

En el siglo XXI, hay muchos compositores talentosos que rinden homenaje a la sinfonía. Uno de ellos es Mikhail Zhuravlev. Con su manifiesto musical, así como político, el compositor se alineó audazmente con tales figuras. historia musical como L. Beethoven, P. Tchaikovsky y D. Shostakovich. La 10ª Sinfonía de M. Zhuravlev ya puede llamarse con seguridad la "Sinfonía heroica del siglo XXI". Además de los aspectos éticos generales de esta sinfonía, también cabe señalar los puramente profesionales. El autor no busca la innovación por el bien de la innovación. A veces incluso enfáticamente académico, oponiéndose resueltamente a todos los decadentes y vanguardistas del arte. Pero se las arregló para decir algo verdaderamente nuevo, su propia palabra en género sinfónico. El compositor M. Zhuravlev utiliza los principios de la forma sonata con una maestría asombrosa, demostrando cada vez sus infinitas posibilidades. Las partes combinadas 3 y 4, de hecho, representan una especie de "super-sonata", en la que se puede considerar que la parte 4 completa se ha convertido en una parte separada de la coda. Los investigadores en el futuro aún tienen que lidiar con esta extraordinaria decisión de composición.

Conclusión

Las sinfonías se llamaron originalmente aquellas obras que no encajaban en el marco de las composiciones tradicionales, en términos de número de partes, relación de tempo, combinación de diferentes almacenes, polifónicos (que se consideraba dominante en el siglo XVII) y homofónicos (con acompañamiento de voz). ) que apareció. En el siglo XVII, una sinfonía (que significaba "consonancia, armonía, búsqueda de nuevos sonidos") se llamaba todo tipo de inusuales composiciones musicales, y en el siglo XVIII se generalizaron las llamadas sinfonías de divertimento, que se crearon para hacer sonar el espacio en bailes y diversos eventos sociales. La sinfonía se convirtió en una designación de género solo en el siglo XVIII. En términos de interpretación, la sinfonía se considera con razón un género muy complejo. Requiere una gran composición, la presencia de muchos instrumentos musicales raros, la habilidad de la orquesta y los vocalistas (si es una sinfonía con texto), excelente acústica. Como todo género musical, la sinfonía tiene sus propias leyes. Entonces, la norma de una sinfonía clásica es un ciclo de cuatro partes, con una forma de sonata (la más compleja) en los bordes, con partes lentas y de baile en el medio de la composición. Esta estructura no es casual. La sinfonía refleja los procesos de relación del hombre con el mundo: activo - en la primera parte, social - en la cuarta parte, contemplación y juego - en los tramos centrales del ciclo. En los puntos de inflexión de su desarrollo, la música sinfónica cambió reglas estables. Y aquellos fenómenos en el campo del arte que al principio causaron conmoción, luego se volvieron familiares. Por ejemplo, una sinfonía con voces y poesía se ha convertido no solo en un accidente, sino en una de las tendencias en el desarrollo del género.

Los compositores modernos de hoy prefieren los géneros de cámara a las formas sinfónicas, que no requieren un número tan grande de intérpretes. En este tipo de conciertos se utilizan incluso fonogramas con grabación de ruido o algún tipo de efectos electroacústicos. lenguaje musical, que se cultiva hoy en día en la música moderna, es muy experimental, exploratorio. Se cree que escribir música para la orquesta hoy significa ponerla sobre la mesa. Muchos creen que el tiempo de la sinfonía como género en el que trabajan los jóvenes compositores ciertamente ha terminado. Pero si esto es realmente así, esta pregunta será respondida con el tiempo.

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