GLAZBENA KULTURA ANTIKE, SREDNJEG VIJEKA, RENESANSE

ANTIKA

glazbena kultura Stara Grčka čini prvu povijesnu etapu u razvoju glazbene kulture Europe. Međutim, to je najviši izraz kulture drevni svijet te otkriva nedvojbene veze s drevnijim kulturama Bliskog istoka – Egiptom, Sirijom, Palestinom. No, uz sve povijesne veze te vrste, glazbena kultura antičke Grčke nimalo ne ponavlja put kojim su išle druge zemlje: ona ima svoj jedinstveni izgled, svoja neosporna postignuća, koja djelomice prenosi u europski srednji vijek. a zatim – u većoj mjeri – do renesanse.

Za razliku od drugih oblika umjetnosti, glazba antičkog svijeta nije u povijesti ostavila jednako vrijedno stvaralačko nasljeđe. U golemom povijesnom rasponu od osam stoljeća – od 5. st. pr. na 111 stoljeće n. e.-raštrkano samo jedanaest primjeraka starogrčke glazbe koji su sačuvani u notnom zapisu toga doba. Istina, ovo su prvi zapisi melodija u Europi koji su došli do nas.

Najvažnije svojstvo kulture antičke Grčke, izvan koje je gotovo nisu percipirali suvremenici i, prema tome, ne možemo je razumjeti, postojanje je glazbe u sinkretičkom jedinstvu s drugim umjetnostima - u ranim fazama ili u sintezi s njih – u doba procvata. Glazba unutra neraskidiva veza poezija (dakle - lirika), glazba kao neizostavni sudionik tragedije, glazba i ples - to su karakteristične pojave starogrčkog umjetničkog života. Platon je, primjerice, bio vrlo kritičan prema instrumentalnoj glazbi, neovisnoj o plesu i pjevanju, tvrdeći da je ona prikladna samo za brzo, bez oklijevanja hodanje i za prikazivanje životinjskog krika:

"Upotreba zasebne igre na flauti i citri sadrži nešto krajnje neukusno i dostojno samo mađioničara." Porijeklo grčke tragedije, visoke i složene umjetnosti, dolazi iz mitologije, iz magijskih radnji, iz vjerovanja naroda. Porijeklo seže u davna vremena starogrčki mitovi o velikim glazbenicima - Orfeju, Olimpu, Marsiju.

Važna informacija o ranoj glazbenoj kulturi u Grčkoj daje nam homerski ep, koji je i sam povezan s glazbena izvedba: Ilijada, Odiseja.

Uz solo izvođenje epskih djela u 11.-6.st., poseb zborski žanrovi. Pjesme na otoku Kreti bile su spojene s plastičnim pokretima, s plesom (hiporhema); zborski žanrovi od 7. st. bili su naširoko kultivirani u Sparti. Poznato je da su Spartanci glazbi dali veliku državu, obrazovna vrijednost. Poučavanje glazbene umjetnosti za njih nije bilo stručne prirode, već je jednostavno bilo dio općeg obrazovanja mladeži. Odavde je izrasla teorija etosa, koju su potkrijepili grčki mislioci.

Novi pravac u glazbenoj i poetskoj umjetnosti antičke Grčke, koji je iznio lirske teme i prave slike, povezan je s imenima Jonskog Arhiloha (7. stoljeće) i najvećih "predstavnika lezbijske škole Alkeja i Sapfe ( na prijelazu 1. u 6. st.) Moglo bi se pomisliti da je jačanjem stvarnog lirskog početka porasla i uloga melodije u njihovim djelima, sama riječ lirika potječe od lire.

Lirska poezija 6. stoljeća zastupljena je s nekoliko žanrovskih varijanti: elegije, himne, svadbene pjesme.

Klasično doba tragedije bilo je 5. stoljeće pr. e .: djelo najvećih tragičara Eshila (oko 525.-456.), Sofokla (oko 496.-, Euripida (oko 480.-406.). To je doba najvećeg procvata grčke umjetničke kulture, doba god. Phidias i Polikleitos, takvi spomenici klasična arhitektura poput Partenona u Ateni, najboljeg doba u umjetnosti čitavog antičkog svijeta. Izvedbe tragedija smatrale su se javnim svečanostima i u granicama robovlasničkog društva imale su razmjerno širok demokratski karakter: kazalište su posjećivali svi građani, koji su za to čak dobivali i državne beneficije. Zbor - glasnogovornik općeg morala - predstavljao je narod na tragičnoj pozornici i govorio u njegovo ime.

Dramatičar je bio i pjesnik i glazbenik; sve je sam napravio. Eshil je, primjerice, i sam sudjelovao u izvođenju svojih drama. Kasnije se sve više dijele funkcije pjesnika, glazbenika, glumca, redatelja. Glumci su bili i pjevači. Pjevanje zbora bilo je kombinirano s plastičnim pokretima.

U helenističko doba umjetnost više ne izrasta iz umjetničke djelatnosti građana: ona je potpuno profesionalizirana.

Sve što je u staroj Grčkoj napisano o glazbenoj umjetnosti, a o čemu se sa sigurnošću može suditi iz mnogih sačuvanih materijala, temeljilo se na idejama o melodiji (uglavnom vezanoj uz pjesničku riječ). To je očito ne samo iz sadržaja posebnih teorijskih djela, nego i iz općenitijih etičkih i estetskih iskaza najvećih grčkih mislilaca. Time se u potpunosti potvrđuje načelo monofonije koje je u potpunosti svojstveno starogrčkoj glazbenoj umjetnosti.

Od najvećeg interesa među antičkim sudovima o glazbenoj umjetnosti je takozvano učenje o etosu, koje je iznio Platon, a razvio i produbio Aristotel. Antička tradicija spajanje pitanja politike i glazbe povezuje s imenom Domona Atenjanina, Sokratova učitelja i Periklova prijatelja. Od njega je, kao da je Platon preuzeo ideju o blagotvornom učinku glazbe na odgoj dostojnih građana, koju je razvio u knjigama “Država” i “Zakoni”. Platon u svojoj idealnoj državi glazbi pripisuje prvu (između ostalih umjetnosti) ulogu u odgoju mladog čovjeka u hrabru, mudru, kreposnu i uravnoteženu osobu, odnosno idealnog građanina. Pritom Platon, s jedne strane, povezuje utjecaj glazbe s utjecajem gimnastike (“lijepi pokreti tijela”), as druge strane tvrdi da melodija i ritam najviše zarobljavaju dušu i potiču je. osoba da oponaša one primjere ljepote koje mu pruža glazbena umjetnost.

„Analizirajući zatim što je točno u pjesmi lijepo, Platon nalazi da to treba prosuđivati ​​prema riječima, modusu i ritmu. U skladu s idejama svoga vremena, on briše u stranu sve moduse koji su žalobne i opuštajuće naravi, te poziva samo dorski i frigijski jedino dostojni visokih ciljeva odgoja mladog ratnika.Isto tako filozof od glazbenih instrumenata prepoznaje samo kitaru i liru, poričući svima ostalima etičke kvalitete.Dakle, nositelj etosa, s točke s Platonova stajališta, nije umjetničko djelo, niti njegova slikovitost, pa čak ni sustav izražajnih sredstava, već samo način ili ton instrumenta, kojemu se, takoreći, pripisuje određena etička kvaliteta.

Aristotel prosuđuje svrhu glazbe mnogo šire, tvrdeći da ona ne treba služiti jednoj, već nekoliko svrha i koristiti se s dobrobiti: ... Iz ovoga je jasno, - nastavlja Aristotel, - da iako možete koristiti sve načine, ne biste ih trebali koristiti na isti način.

“Ritam i melodija sadrže u sebi najbliže približavanje stvarnosti odraza gnjeva i blagosti, hrabrosti i umjerenosti i svih njihovih suprotnih svojstava, kao i dr. moralne kvalitete. To je jasno iz iskustva: kada uhom opažamo ritam i melodiju, mijenja se i naše duhovno raspoloženje. Navika da doživljavamo tužno ili radosno raspoloženje kada opažamo nešto što oponaša stvarnost dovodi do činjenice da počinjemo doživljavati iste osjećaje kada se suočimo sa [svjetovnom] istinom” 3 . I na kraju, Aristotel. dolazi do sljedećeg zaključka: “... Glazba je sposobna izvršiti određeni utjecaj na etičku stranu duše; a budući da glazba ima takva svojstva, onda bi je, očito, trebalo uvrstiti u broj predmeta za odgoj mladih.

Filozofu i matematičaru Pitagori (VI. st. pr. Kr.) odavno se pripisuje važnost prvog grčkog mislioca koji je pisao o glazbi. Zaslužan je za početni razvoj teorije glazbenih intervala (konsonancija i disonanci) na temelju čisto matematičkih odnosa dobivenih dijeljenjem žice. Općenito, brojevi i proporcije pitagorejaca modelirani su po uzoru na drevne. orijentalne kulture(najviše Egipat) - u prilogu magično značenje izvlačeći iz njih posebno magična ljekovita svojstva glazbe. Konačno, kroz apstraktne spekulativne konstrukcije pitagorejci su došli do ideje o takozvanoj "harmoniji sfera", vjerujući da bi nebeska tijela, nalazeći se u određenim brojčanim ("harmoničnim") omjerima, trebala zvučati i proizvoditi "nebeski sklad" pri kretanju.

Što se tiče učenja o etosu, kasnije su ga neoplatoničari, osobito Plotin (3. st.), preispitali u religiozno-mističkom duhu, lišavajući ga građanske patetike koja mu je nekoć bila svojstvena u Grčkoj. Odavde se već protežu izravne niti do estetskih pogleda srednjeg vijeka. Pad antičke kulture u doba propadanja robovlasničkog sustava upravo pridonosi uspješnom razvoju kršćanske umjetnosti, koja se u mnogim aspektima suprotstavlja estetici i glazbenoj praksi Rima prethodnih stoljeća. Također je nemoguće zanijekati određene veze između naslijeđa antike i razvoja estetske misli potonjeg vremena, formirane na prijelazu dviju epoha.

GLAZBENA KULTURA SREDNJEG VIJEKA

U razvoju glazbene kulture zapadne Europe teško je dugo i široko povijesno razdoblje srednjega vijeka promatrati kao jedinstveno razdoblje, čak i kao jednu veliku eru sa zajedničkim kronološkim okvirom. Prvo, polazište srednjeg vijeka - nakon pada Zapadnog Rimskog Carstva 476. godine - obično se označava kao 6. stoljeće. U međuvremenu, jedino područje glazbene umjetnosti koje je ostavilo pisane spomenike bila je, do 12. stoljeća, samo glazba kršćanske crkve. Cijeli jedinstveni kompleks pojava povezanih s njom formiran je na temelju duge povijesne pripreme, počevši od 2. stoljeća, a uključivao je daleke izvore koji sežu dalje od zapadne Europe na istok – do Palestine, Sirije, Aleksandrije. Osim toga, crkvena glazbena kultura srednjeg vijeka na ovaj ili onaj način nije zaobišla naslijeđe antičke Grčke i stari rim, iako su "oci crkve", a kasnije i teoretičari koji su pisali o glazbi, umnogome suprotstavljali umjetnost kršćanske crkve poganskom umjetničkom svijetu antike.

Druga najvažnija prekretnica, koja označava prijelaz iz srednjeg vijeka u renesansu, u Zapadna Europa ne odvija se istodobno: u Italiji - u 15. stoljeću, u Francuskoj - u 16.; u drugim se zemljama borba između srednjovjekovnih i renesansnih tendencija odvija u različitim vremenima. Svi oni pristupaju renesansi s drugačijim nasljeđem srednjeg vijeka, s vlastitim zaključcima proizašlim iz golemog povijesnog iskustva. Tome je umnogome pridonijela značajna prekretnica u razvoju srednjovjekovne umjetničke kulture, koja se dogodila u 11.-12. st. i bila posljedica novih društveno-povijesnih procesa (rast gradova, križarski ratovi, promicanje novi društveni slojevi, prva jaka središta svjetovne kulture itd.).

No, uz svu relativnost ili pokretljivost kronoloških aspekata, uz neizbježne genetske veze s prošlošću i neravnomjernim prijelazom u budućnost, glazbenu kulturu zapadnoeuropskog srednjovjekovlja karakteriziraju značajne samo njoj svojstvene pojave i procesi. i nezamislivi su u drugim uvjetima i drugim vremenima. To je, prije svega, kretanje i postojanje u zapadnoj Europi mnogih plemena i naroda na različitim stupnjevima povijesnog razvoja, mnogostrukost putova i raznih političkih sustava, a uz sve to i ustrajna želja Katoličke crkve da ujedini čitavu ogromnu , olujni, mnogostrani svijet, ne samo zajednička ideološka doktrina, već i opća načela glazbene kulture. Ovo je, drugo, neizbježna dvojnost glazbene kulture kroz srednji vijek: crkvena umjetnost uvijek je suprotstavljala svoje kanone raznolikosti narodne glazbe diljem Europe. U 1.-13. st. već se rađaju novi oblici svjetovnog glazbeno-pjesničkog stvaralaštva, a crkvena glazba se u velikoj mjeri preobražava. Ali ti su se novi procesi odvijali već u uvjetima razvijenog feudalizma.

Kao što je poznato, poseban karakter srednjovjekovna kultura, srednjovjekovno obrazovanje, srednjovjekovna umjetnost uvelike je određena ovisnošću o kršćanskoj crkvi.

Glazba kršćanske crkve oblikovala se u svojim izvornim oblicima iu povijesnim uvjetima velike moći Rimskog Carstva. Vjera u zagrobni život, u najvišu nagradu za sve učinjeno na zemlji, kao i ideja o pomirenju za grijehe čovječanstva žrtvom Krista razapetog na križu, uspjeli su osvojiti mase.

Povijesna priprema gregorijanskog pjevanja kao ritualnog pjevanja glavne struje kršćanske crkve bila je duga i raznolika.

Krajem 4. stoljeća, kao što je poznato, dolazi do podjele Rimskog Carstva na Zapadno (Rim) i Istočno (Bizant), čije su se povijesne sudbine tada pokazale različitima. Dakle, zapadni i istočna crkva, budući da je kršćanska religija do tada postala državna religija.

Podjelom Rimskog Carstva i formiranjem dva središta kršćanske Crkve, i putovi crkvene umjetnosti, koja je bila u konačnom formiranju, uvelike su se razdvojili na Zapadu i Istoku.

Rim je na svoj način preradio sve čime je kršćanska crkva raspolagala i na temelju toga stvorio svoju kanoniziranu umjetnost - gregorijanski koral.

Kao rezultat toga, crkveni napjevi, odabrani, kanonizirani, distribuirani unutar crkvene godine, sastavljeni su pod papom Grgurom (barem na njegovu inicijativu). službeni kodeks - - antifonar. Koralne melodije koje su u njega uvrštene nazivaju se gregorijanski koral i postao temeljem liturgijskog pjevanja Katoličke Crkve. Zbirka gregorijanskih napjeva je golema.

Kodeks gregorijanskog pjevanja iz 11.-12. stoljeća, a zatim u renesansi, poslužio je kao polazna osnova za stvaranje polifonih skladbi u kojima su kultne melodije dobile najraznovrsniji razvoj.

Što je Rimska crkva više širila svoje područje utjecaja u Europi, to se gregorijansko pjevanje dalje širilo iz Rima prema sjeveru i zapadu.

Reformu notnog zapisa proveo je talijanski glazbenik, teoretičar i učitelj Guido d'Arezzo u drugoj četvrtini 11. stoljeća.

Guidova reforma bila je snažna u svojoj jednostavnosti i organizmu izvorne misli: nacrtao je četiri linije i, stavljajući neume na njih ili između njih, dao im svima točnu visinsku vrijednost. Još jedna inovacija Guida od Arezza, u biti također njegov izum, bio je odabir specifične šesterostupanjske ljestvice. (do-re-mi-fa-sol-la).

Od kraja 11. st., u 12. i osobito u 13. st. u glazbenom životu i glazbenom stvaralaštvu niza zapadnoeuropskih zemalja pojavljuju se - isprva manje primjetno, a zatim sve opipljivije - znakovi novog kretanja. Od izvornih srednjovjekovnih oblika glazbene kulture, razvoj umjetničkog ukusa i stvaralačke misli ide prema drugim, progresivnijim vrstama muziciranja, prema drugim načelima. glazbeno stvaralaštvo.

U XII-XIII stoljeću postupno su nastali povijesni preduvjeti ne samo za formiranje novih kreativnih trendova, već i za njihovu dobro poznatu distribuciju diljem Zapadne Europe. Dakle, srednjovjekovni roman ili priča, koji su se oblikovali na francuskom tlu u dvanaestom i trinaestom stoljeću, nisu ostali samo francuski fenomeni. Uz roman o Tristanu i Izoldi te priču o Aucassinu i Nicolette, Parsifal i Jadni Heinrich ušli su u povijest književnosti. Novi, gotički stil u arhitekturi, predstavljen klasičnim primjerima u Francuskoj (katedrale u Parizu, Chartresu, Reimsu), došao je do izražaja i u njemačkim i češkim gradovima, u Engleskoj itd.

Prvi procvat svjetovne glazbene i poetske lirike, koji je započeo u Provansi od 12. stoljeća, zatim je zahvatio sjevernu Francusku, odjeknuo je u Španjolskoj, a kasnije je našao izraz u njemačkom minnesangu. Uz svu originalnost svake od tih struja i njih, očitovala se i jedna nova pravilnost, karakteristična za to doba u njegovim širokim razmjerima. Na isti način, pojava i razvoj polifonije u njezinim profesionalnim oblicima - možda najvažnije strane glazbene evolucije u to vrijeme - odvijao se uz sudjelovanje ne samo francuske kreativne škole, a još više ne samo skupine glazbenici iz katedrale Notre Dame, ma kolike bile njihove zasluge.

Nažalost, donekle selektivno prosuđujemo načine srednjovjekovne glazbe. Iz stanja izvora nemoguće je pratiti specifične veze, primjerice, u razvoju polifonije između njezinih izvora na Britanskom otočju i njezinih oblika na kontinentu, posebice u ranim fazama.

Srednjovjekovni gradovi s vremenom su postali važna središta kulture. Osnovana su prva sveučilišta u Europi (Bologna, Pariz). Širi se gradska izgradnja, podižu se bogate katedrale iu njima se s velikom pompom obavlja bogoslužje uz sudjelovanje najboljih zborskih pjevača (obučavani su u posebnim školama - metrizama - pri velikim crkvama). Crkveno u duhu svojstveno srednjem vijeku (a posebice glazbeno učenje) više nije bilo koncentrirano samo u samostanima. Novi oblici, novi stil crkvene glazbe nedvojbeno su povezani s kulturom srednjovjekovnog grada. Ako su bili djelomično pripremljeni prethodnim djelovanjem učenih glazbenika-redovnika (kao što su Huqbald od Saint-Amanda i Guido od Arezza), ako rani primjeri polifonije potječu iz samostanskih škola Francuske, posebice iz samostana Chartres i Limoges, onda još postoji dosljedan razvoj novih oblika polifonije počinje u Parizu u 12.-13.st.

Drugi, također vrlo značajan sloj srednjovjekovne glazbene kulture vezan je isprva za djelatnost, raspon interesa i osebujnu ideologiju europskoga viteštva. Križarski ratovi na istok, ogromna kretanja na velike udaljenosti, bitke, opsade gradova, građanski sukobi, hrabre, riskantne avanture, osvajanje stranih zemalja, kontakti s raznim narodima istoka, njihovi običaji, način života, kultura, posve neobično dojmovi – sve je to ostavilo traga u novom svjetonazoru vitezova križara. Kada je dio viteštva mogao egzistirati u povoljnim mirnim uvjetima, dotadašnja ideja viteške časti (naravno, društveno ograničene) spojila se s kultom lijepe dame i viteškog služenja njoj, s idealom dvorskog ljubav i s njom povezane norme ponašanja. Tada je glazbeno-poetska umjetnost trubadura dobila svoj rani razvoj, što je dalo prve primjere u Europi snimljenih svjetovnih vokalnih tekstova u pisanom obliku.

Nastavili su postojati i drugi slojevi glazbene kulture srednjeg vijeka, povezani s narodnim životom, s djelovanjem putujućih glazbenika, s nadolazećim promjenama u njihovoj sredini i načinu života.

Podaci o lutajućim pučkim sviračima srednjeg vijeka postaju sve obilniji i određeniji od 9. do 14. stoljeća. Ti žongleri, ministranti, špilmani - kako su ih nazivali u različita vremena i u različitim krajevima - dugo su bili jedini predstavnici svjetovne glazbene kulture svoga vremena i tako odigrali važnu povijesnu ulogu. .U velikoj su mjeri upravo na temelju njihove glazbene prakse, njihove pjesničke tradicije formirani rani oblici svjetovne lirike 12. - 13. stoljeća. Oni, ti lutajući glazbenici, nisu se odvajali od glazbenih instrumenata, dok je crkva ili odbijala njihovo sudjelovanje, ili ga je teško prihvaćala. Osim raznih puhačkih instrumenata (svirale, rogovi, frule, Panove frule, gajde), vremenom su se pojavile harfa (od davnina), mol (keltski instrument), varijante gudala, preci buduće violine – rebaba. , viela, fidel (moguće , s istoka).

Po svoj prilici, ovi srednjovjekovni glumci, glazbenici, plesači, akrobati (često u jednom licu), zvani žongleri ili sličnim imenima, imali su svoju kulturno-povijesnu tradiciju koja seže još u antičko doba. Mogli su usvojiti - kroz nekoliko generacija - nasljeđe sinkretička umjetnost starorimski glumci, čiji su potomci, zvani histrioni i mimovi, dugo lutali, lutali okolo srednjovjekovna Europa. I najstariji polulegendarni predstavnici keltskog (bardovi) i germanskog epa mogli su na neki način prenijeti svoju tradiciju žonglerima, koji su, iako im nisu mogli ostati vjerni, od njih ipak nešto naučili. U svakom slučaju, do 9. stoljeća, kada se dotadašnji spomen histriona i mima već zamjenjuje izvještajima o žonglerima, ovi potonji bili su dijelom poznati i kao izvođači epa. Krećući se od mjesta do mjesta, žongleri nastupaju na svečanostima na dvorovima (gdje se okupljaju na određene datume), u dvorcima, u selima, a ponekad im je čak dopušteno i u crkvu. U pjesmama, romanima i pjesmama srednjeg vijeka više se puta spominje sudjelovanje žonglera u svečanoj zabavi, u organiziranju svih vrsta spektakla na otvorenom. Sve dok su se te predstave, priređivane o velikim blagdanima u hramovima ili na grobljima, izvodile samo na latinskom jeziku, u predstavama su mogli sudjelovati učenici samostanskih škola i mladi klerici. No do 13. stoljeća latinski su zamijenili lokalni narodni jezici - a tada su lutajući glazbenici, koji su tvrdili da igraju komične uloge i epizode u duhovnim predstavama, nekako uspjeli probiti se među glumcima, a zatim postići uspjeh svojim šalama od gledatelja i slušatelja. Tako je bilo, primjerice, u katedralama u Strasbourgu, Rouenu, Reimsu, Cambraiju. Među "pričama" koje su se prikazivale o blagdanima bile su božićne i uskrsne "činove", "Plač Marijin", "Priča o mudrim djevicama i ludim djevicama" itd. Gotovo posvuda na priredbama, da bi obradovali svoje posjetitelje, jedna ili više drugih komičnih epizoda povezanih sa sudjelovanjem zlih sila ili dogodovštinama i primjedbama slugu. Ovdje se otvara prostor za djelovanje glazbenih sposobnosti žonglera s njihovim tradicionalnim lakrdijama.

Mnogi su ministranti odigrali posebnu ulogu kada su počeli surađivati ​​s trubadurima, prateći svoje vitezove pokrovitelje posvuda, sudjelujući u izvođenju njihovih pjesama, priključujući se novim oblicima umjetnosti.

Zbog toga sama sredina "lutajućih ljudi", žonglera, ergela, ministranta, koja je tijekom vremena doživjela značajne transformacije, nije ostala nimalo jedinstvena u svom sastavu. Tome je pogodovao i priliv novih snaga – pismenih, ali koji su izgubili stabilan položaj u društvu, dakle, u biti deklasiranih gubitnika iz redova sitnog klera, putujućih učenjaka, odbjeglih redovnika. Pojavljujući se u redovima putujućih glumaca i glazbenika u 11.-12. stoljeću u Francuskoj (a potom iu drugim zemljama), dobili su imena vaganti i golijari. S njima su u slojeve žongliranja dolazile nove životne ideje i navike, pismenost, ponekad i poznata erudicija.

Od kraja 13. stoljeća u raznim europskim središtima osnivaju se cehovske udruge spielmana, žonglera i ministranta kako bi zaštitili svoja prava, odredili svoje mjesto u društvu, očuvali profesionalne tradicije i prenijeli ih učenicima. Godine 1288. Bratovština sv. Nikole”, koja je okupljala glazbenike, 1321. “Bratovština sv. Julien" u Parizu bila je cehovska organizacija lokalnih svirača. Nakon toga, u Engleskoj je formiran ceh "kraljevskih svirača". Ovim prelaskom na cehovski način života u biti je završena povijest srednjovjekovnog žonglerstva. Ali putujući glazbenici daleko su od toga da se potpuno smjeste u svojim bratstvima, cehovima, radionicama. Njihova lutanja nastavila su se u 14., 15. i 16. stoljeću, pokrivajući ogroman teritorij i na kraju stvarajući nove glazbene i domaće veze između udaljenih regija.

TRUBADURI, TROUVERI, MINESINGERI

Umjetnost trubadura, koja je nastala u Provansi u 12. stoljeću, bila je, u biti, samo početak posebnog stvaralačkog pokreta, karakterističnog za svoje vrijeme i gotovo u potpunosti povezanog s razvojem novih, svjetovnih oblika umjetničkog stvaralaštva. Tada je u Provansi mnogo pogodovao ranom procvatu svjetovne umjetničke kulture: relativno manje ruševina i katastrofa u prošlosti, tijekom seobe naroda, stare zanatske tradicije i trgovački odnosi koji su dugo bili očuvani. U takvim povijesnim uvjetima razvijala se viteška kultura.

Svojevrstan proces razvoja rane svjetovne umjetnosti, koji nastaje na umjetničku inicijativu provansalskog viteštva, uvelike se hrani melodijskim izvorima narodnih pjesama i širi se na više širok krug varošani, odnosno razvijaju se u pogledu subjekta figurativnog sadržaja.

Umjetnost trubadura razvijala se u gotovo dva stoljeća od kraja 11. stoljeća. U drugoj polovici 12. stoljeća već su poznata imena trouvera kao pjesnika-glazbenika na sjeveru Francuske, u Champagnei, u Arrasu. U 13. stoljeću aktivnost trouvera postaje intenzivnija, dok umjetnost provansalskih trubadura zaokružuje svoju povijest.

Trouvers je u određenoj mjeri naslijedio stvaralačku tradiciju trubadura, ali su u isto vrijeme njihova djela bila jasnije povezana ne s viteškom, već s urbanom kulturom svog vremena. Međutim, među trubadurima su bili predstavnici raznih društvenih krugova. Dakle, prvi trubaduri bili su: Guillaume VII, grof od Poitiersa, vojvoda od Akvitanije (1071. - 1127.) - i siromašni Gaskonjac Markabrun.

Provansalski trubaduri, kao što je poznato, obično su surađivali s žonglerima koji su putovali s njima, izvodili njihove pjesme ili pratili njihovo pjevanje, kao da istodobno kombiniraju dužnosti sluge i pomoćnika. Trubadur je nastupio kao pokrovitelj, autor glazbenog djela, a žongler kao izvođač.

U glazbenoj i pjesničkoj umjetnosti trubadura isticalo se nekoliko karakterističnih žanrovskih varijanti pjesme-pjesme: alba (zornica), pašnjak, sirventa, križarske pjesme, dijaloške pjesme, tužaljke, plesne pjesme. Ovo nabrajanje nije stroga klasifikacija. Ljubavna lirika utjelovljena je u albama, pašnjacima i pjesmama za ples.

Sirventa - oznaka nije previše jasna. U svakom slučaju, ovo nije lirska pjesma. Zvučeći u ime viteza, ratnika, hrabrog trubadura, može biti satiričan, optužujući, usmjeren na cijeli stalež, na određene suvremenike ili događaje. Kasnije su se pojavili žanrovi balade i ronda.

Kao što se može suditi na temelju materijala posebnih studija, umjetnost trubadura u konačnici nije izolirana niti od tradicije prošlosti niti od drugih suvremenih oblika glazbenog i poetskog stvaralaštva.

Umjetnost trubadura poslužila je kao važna poveznica između prvih oblika glazbene i poetske lirike u zapadnoj Europi, između glazbene i svakodnevne tradicije i visokostručnih područja glazbenog stvaralaštva u 13. -. XIV stoljeća. Kasniji predstavnici ove umjetnosti već su gravitirali glazbenoj profesionalizaciji, svladavajući osnove nove glazbene vještine.

Takav Adam de la Al ( 1237-1238 - 1287), jedan od posljednjih trouveura, rodom iz Arrasa, francuski pjesnik, skladatelj, dramatičar druge polovice 13. stoljeća. Od 1271. bio je u službi na dvoru grofa Roberta d'Artoisa, s kojim je 1282. otišao sicilskom kralju Karlu Anžuvinskom u Napulj. Za njegova boravka u Napulju odigrana je "Igra Robina i Marion" nastao je – najveći i značajno djelo pjesnik-skladatelj.

Takva su djela pretpovijest rađanja francuske glazbene komedije 16. stoljeća. i operete 19. stoljeća.

Uzorci trubadurske umjetnosti dolaze u Njemačku u 12.-13. stoljeću, privlačeći ondje zainteresiranu pozornost; tekstovi su prevedeni na njemački, čak su i melodije ponekad podtekstovane novim riječima. Razvoj njemačkog minnesinga kao umjetničkog utjelovljenja lokalne viteške kulture od druge polovice 12. stoljeća (do samog početka 15. stoljeća) čini sasvim razumljivim ovo zanimanje za glazbenu i pjesničku umjetnost francuskih trubadura - osobito među prvim minnesingerima.

Umjetnost minnesingera razvila se gotovo stoljeće kasnije od umjetnosti trubadura, u nešto drugačijoj povijesnoj situaciji, u zemlji u kojoj isprva nije bilo tako čvrstih temelja za izgradnju novog, čisto svjetovnog svjetonazora.

Walther von der Vogelweide, pjesnik i autor Parsifala Wolframa von Eschenbacha, bio je najveći predstavnik minnesanga. Dakle, legenda na kojoj se temelji Wagnerov Tannhäuser temelji se na povijesnim činjenicama.

No, aktivnosti njemačkih minnesingera nipošto nisu bile ograničene na službu i nastupe na dvorovima: upravo su najugledniji među njima proveli značajan dio života u dalekim lutanjima.

Dakle, umjetnost minnesanga nije tako monotona: spaja različite trendove, a melodijska strana je općenito progresivnija od poetske. žanrovska raznolikost Pjesme Minnesingera u mnogome su slične onima koje su njegovali provansalski trubaduri: križarske pjesme, ljubavno-lirske pjesme raznih vrsta, plesne melodije.

Duhovna glazba kasnog srednjeg vijeka nastavlja svoj razvoj. Polifona glazbena prezentacija široko je razvijena.

Razvoj višeglasnog pisma, koje je u početku bilo svojstveno crkvenoj umjetnosti, doveo je i do oblikovanja novih glazbenih žanrova, duhovnih i svjetovnih. Najčešći žanr polifonije je motet.

Motet, koji je imao veliku budućnost, vrlo se intenzivno razvija u 13. stoljeću. Njegov nastanak seže u prošlo stoljeće, kada je nastao u vezi sa stvaralačkim djelovanjem škole Notre Dame i isprva je imao liturgijsku namjenu.

Motet 13. stoljeća polifono je (obično troglasno) djelo male ili srednje veličine. Žanrovsko obilježje moteta bilo je početno oslanjanje na gotov melodijski uzorak (iz crkvenih napjeva, iz svjetovnih pjesama) na koji su se naslojavali drugi glasovi drugačije prirode, a katkada i drugačijeg podrijetla. Ispalo je kao rezultat kombinacija različitih melodija s različitim tekstovima.

U izvođenju pojedinih moteta mogli su sudjelovati instrumenti (vieli, psalterij, orgulje). Konačno, u 13. stoljeću postaje popularan osebujan oblik svakodnevnog višeglasja, koji dobiva nazive rondel, kompanija, ru (kolo). Ovo je komični kanon, koji je bio poznat i srednjovjekovnim strijelcima.

Krajem 13. stoljeća glazbena umjetnost Francuske u velikoj je mjeri određivala ton u zapadnoj Europi. Glazbena i pjesnička kultura trubadura i trouveura, kao i važne etape u razvoju polifonije, dijelom su utjecale na glazbenu umjetnost drugih zemalja. U povijesti glazbe 13. stoljeće (od otprilike 1230-ih) dobiva oznaku "Ars antiqua" ("stara umjetnost").

ARS NOVA U FRANCUSKOJ. GUILLAUME MASHOT

Oko 1320. u Parizu nastaje glazbeno-teorijsko djelo Philippea de Vitryja pod nazivom Ars nova. Ove riječi - "Nova umjetnost" - pokazale su se krilatim: iz njih je nastala definicija "epohe Ars nova", koja se i danas obično pripisuje francuskoj glazbi 14. stoljeća. Izrazi "nova umjetnost", "nova škola", "novi pjevači" često se susreću u vrijeme Philippea de Vitryja, ne samo u teorijski radovi. Bilo da su teoretičari podržavali nove trendove ili ih osuđivali, bilo da ih je Papa osuđivao, oni su posvuda značili nešto novo u razvoju glazbene umjetnosti, čega nije bilo prije pojave razvijenih oblika polifonije.

Najveći predstavnik Ars nove u Francuskoj bio je Guillaume de Machaux- slavni pjesnik i skladatelj svoga vremena, čije se stvaralačko nasljeđe proučava i u povijesti književnosti.

Ma koliko komplicirano u XIV.st daljnji razvoj polifone forme, crta glazbeno-poetske umjetnosti, koja je potekla od trubadura i trouveura, nije se posve izgubila u ozračju francuske Ars nove. Ako je Philippe de Vitry prije svega bio učen glazbenik i Guillaume de Machaux je postao majstor francuskih pjesnika, onda su ipak obojica bili pjesnici-glazbenici, odnosno u tom su smislu, takoreći, nastavili tradiciju trouvera 13. stoljeća. Uostalom, ne toliko Dugo vrijeme odvaja stvaralačku djelatnost Philippea de Vitryja, koji je počeo skladati glazbu oko 1313.-1314., pa čak i aktivnost Machaulta (od 1320.-1330.) od zadnjih godina stvaralački život Adama de la Hallea († 1286. ili 1287.).

Povijesna uloga Guillaumea ds Machauxa mnogo je značajnija. Bez njega uopće ne bi bilo Ars nove u Francuskoj. Upravo je njegovo glazbeno i pjesničko stvaralaštvo, obilno, originalno, višežanrovsko, koncentriralo Glavne značajke ovo doba. U njegovoj se umjetnosti takoreći skupljaju crte koje prelaze, s jedne strane, iz glazbeno-poetske kulture trubadura i truvera u njezinoj dugogodišnjoj pjesničkoj osnovi, s druge strane iz francuske škole polifonija 11-111.st.

O životni put Macho do 1323., mi, nažalost, ne znamo ništa. Zna se samo da je rođen oko 1300. godine u Mašu. Bio je visoko obrazovan pjesnik široke erudicije i pravi skladateljski majstor svoga zanata. Uz nedvojbeno visoku darovitost, morao se, naravno, temeljito pripremiti za književno i glazbena djelatnost Prvi datum povezan s činjenicom Mashove biografije je 1322. - 1323., kada je započeo svoju službu na dvoru češkog kralja Ivana Luksemburškog (prvo kao činovnik, zatim kao kraljevski tajnik). Više od dvadeset godina Masho je bio na dvoru kralja Češke, ponekad u Pragu, ponekad neprestano sudjelujući u njegovim pohodima, putovanjima, svečanostima, lovu itd. U pratnji Ivana Luksemburškog imao je priliku posjetiti glavna središta Italije, u Njemačkoj u Poljskoj. Po svoj prilici, sve je to Guillaumeu de Machautu ostavilo puno dojmova i potpuno ga obogatilo. životno iskustvo. Nakon smrti kralja Češke 1346. bio je u službi francuskih kraljeva Ivana Dobrog i Karla V., te je primio kanonika u katedrali Notre Dame u Reimsu. To je pridonijelo njegovoj slavi kao pjesnika. Masho je još za života bio visoko cijenjen, a nakon njegove smrti 1377. veličali su ga njegovi suvremenici u veličanstvenim epitafima. Machaux je imao značajan utjecaj na francusku poeziju, stvorio je cijelu školu, koju karakteriziraju oblici pjesničke lirike koju je razvio.

Razmjer Machauxove glazbene i pjesničke kreativnosti s višestranim razvojem žanrova, neovisnost njegovih pozicija, koja je imala snažan utjecaj na francuske pjesnike, visoka vještina glazbenika - sve ga to čini prvom tako velikom osobom u povijesti glazbene umjetnosti.

stvaralačko nasljeđe Masho je golem i raznolik. Stvorio je motete, balade, ronde, kanone itd.

Nakon Machauxa, kada su njegovo ime vrlo štovali pjesnici i glazbenici, a njegov utjecaj na ovaj ili onaj način osjećali i jedni i drugi, među francuskim skladateljima nije našao baš velikih nasljednika. Puno su naučili iz njegovog polifonističkog iskustva, savladali njegovu tehniku, nastavili njegovati iste žanrove kao i on, ali pomalo smrvljeni, prekomplicirajući detalje, svoju umjetnost.

RENESANSA

Trajni značaj renesanse za kulturu i umjetnost zapadne Europe odavno su prepoznali povjesničari i postao je dobro poznat. Renesansnu glazbu predstavljaju brojne nove i utjecajne kreativne škole, slavna imena Francesca Landinija u Firenci iz 14. stoljeća, Guillaume Dufay i Johannes Okeghem u 15. stoljeću, Josquin Despres početkom 16. stoljeća i plejada klasike strogi stil kao rezultat renesanse - Palestrina, Orlando Lasso.

Početak u Italiji nova era došao po glazbenu umjetnost u XIV. Nizozemska se škola oblikovala i dosegla prve vrhunce do 15. stoljeća, nakon čega se njen razvoj proširio, a utjecaj je na ovaj ili onaj način zahvatio majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi renesanse jasno su se očitovali u Francuskoj u 16. stoljeću, iako su njezini stvaralački dometi bili veliki i neosporni iu prethodnim stoljećima. Do 16. stoljeća, uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama uključenim u orbitu renesanse.

Dakle, u glazbenoj umjetnosti zapadnoeuropskih zemalja očite značajke renesanse pojavljuju se, iako s određenim neujednačenostima, u granicama XIV-XVI stoljeća. Umjetnička kultura renesanse, osobito glazbena, bez sumnje nije odstupila od najboljih stvaralačkih ostvarenja kasnog srednjeg vijeka. Povijesna složenost renesansnog doba ukorijenjena je u činjenici da je feudalni sustav još uvijek bio očuvan gotovo posvuda u Europi, a značajni pomaci su se dogodili u razvoju društva, pripremajući u mnogočemu početak novog doba. To je bilo izraženo u društveno-ekonomskoj sferi, politički život, u širenju obzora suvremenika – geografskih, znanstvenih, umjetničkih, u prevladavanju duhovne diktature crkve, u usponu humanizma, rastu samosvijesti značajne ličnosti. S posebnom su se svjetlinom pojavili i potom čvrsto ustalili znakovi novog svjetonazora umjetničko stvaralaštvo, u kretanju naprijed razne umjetnosti, za kojeg je iznimno važna “revolucija umova” koju je proizvela renesansa.

Nema sumnje da je humanizam u svom "revivalističkom" shvaćanju ulio golemu svježinu u umjetnost svoga vremena, nadahnuo umjetnike na traženje novih tema i umnogome odredio prirodu slika i sadržaj njihovih djela. Humanizam je za glazbenu umjetnost prije svega značio produbljivanje u osjećaje čovjeka, prepoznavanje nove estetske vrijednosti iza njih. To je pridonijelo prepoznavanju i implementaciji najjačih svojstava glazbene specifičnosti.

Cijelo doba u cjelini karakterizira jasna prevlast vokalnih žanrova, posebice vokalne polifonije. Tek vrlo polako, postupno, instrumentalna glazba stječe stanovitu samostalnost, ali će njezina izravna ovisnost o vokalnim oblicima i svakodnevnim izvorima (ples, pjesma) biti prevladana tek nešto kasnije. Glavni glazbeni žanrovi ostaju povezani s verbalnim tekstom.

Veliki put glazbene umjetnosti, prijeđen od 14. do kraja 16. stoljeća, nije bio nimalo jednostavan i pravocrtan, kao što se ni cjelokupna duhovna kultura renesanse nije razvijala samo i isključivo uzlaznom linijom. I u glazbenoj umjetnosti, kao iu srodnim područjima, postojala je vlastita "gotička crta", te svoje, postojano i žilavo, nasljeđe srednjeg vijeka.

Glazbena umjetnost zapadnoeuropskih zemalja dosegla je novu granicu u raznolikosti talijanskih, nizozemskih, francuskih, njemačkih, španjolskih, engleskih i drugih stvaralačkih škola te istodobno s jasno izraženim općim trendovima. Već su bili stvoreni klasici strogog stila, u tijeku je svojevrsno “harmoniziranje” polifonije, jačao je i pokret prema homofonom pismu, uloga kreativna individualnost umjetnika, jačao je značaj svakodnevne glazbe i njezin utjecaj na profesionalnu umjetnost visoka razina, svjetovni glazbeni žanrovi (osobito talijanski madrigal) figurativno su obogaćeni i individualizirani, mlada instrumentalna glazba bližila se pragu osamostaljenja. Sve je to 17. stoljeće preuzelo izravno iz 16. stoljeća kao nasljeđe renesanse.

ARS NOVA U ITALIJI. FRANCESCO LANDINI

Talijanska glazbena umjetnost 14. stoljeća (Trecento) u cjelini odaje nevjerojatan dojam svježine, kao mladost novog stila koji se tek pojavljuje. Glazba Arsa nova je u Italiji, samo privlačna i snažna u svojoj čisto talijanskoj prirodi i u svojim razlikama od francuske umjetnosti istog vremena. Ars nova u Italiji već je praskozorje renesanse, njezin značajan vjesnik. Firenca nije slučajno postala središte kreativnog djelovanja talijanskih predstavnika Ars nove, čija je važnost bila od iznimne važnosti za nova književnost humanističkog smjera, te - dobrim dijelom - za likovnu umjetnost.

Razdoblje Ars nove pokriva 14. stoljeće od otprilike 20-ih do 80-ih godina i obilježeno je prvim istinskim | procvatom svjetovne glazbene kreativnosti u Italiji. Talijanski Ars novaa karakterizira neosporna prevlast svjetovnih skladbi nad duhovnima. U većini slučajeva to su uzorci glazbenih tekstova ili neka vrsta žanrovskih djela.

U središtu pokreta Ars nova uzdiže se lik Francesca Landinija, bogato i svestrano nadarenog umjetnika koji je ostavljao snažan dojam na napredne suvremenike.

Landini je rođen u Fiesoleu, blizu Firence, u obitelji slikara. Nakon što je u djetinjstvu preležao boginje, zauvijek je oslijepio. Prema Villaniju, glazbom se počeo baviti rano (prvo pjevajući, a zatim svirajući gudače i orgulje). Njegov glazbeni razvoj tekao je nevjerojatnom brzinom i zadivio je okolinu. Izvrsno je proučio dizajn mnogih instrumenata, radio poboljšanja i izumio nove dizajne. Tijekom godina Francesco Landini nadmašio je sve suvremene talijanske glazbenike.

Osobito se proslavio sviranjem orgulja, za što je, u prisutnosti Petrarke, ovjenčan lovorom u Veneciji 1364. godine. Moderni znanstvenici ga pripisuju rani radovi do 1365-1370 godina. U 1380-ima je Landinijeva slava skladatelja već zasjenila uspjeh svih njegovih talijanskih suvremenika. Landini je umro u Firenci i pokopan je u crkvi San Lorenzo; datum na njegovoj nadgrobnoj ploči je 2. rujna 1397. godine.

Danas su poznate 154 Landinijeve skladbe. Među njima prevladavaju balade.

Kreativnost Landini, u biti, dovršava razdoblje Ars Nova Italija. Nema sumnje da nam opća razina Landinijeve umjetnosti i njezine karakteristične kvalitete ne dopuštaju da je smatramo provincijskom, primitivnom, čisto hedonističkom.

U posljednja dva desetljeća 11. stoljeća u glazbenoj umjetnosti Italije događaju se promjene koje najprije narušavaju cjelovitost pozicije Ars nove, a zatim dovode do kraja njegove epohe. Umjetnost 15. stoljeća već pripada novom povijesnom razdoblju.

Srednji vijek je velika era ljudske povijesti, vrijeme dominacije feudalnog sustava.

Periodizacija kulture:

Rani srednji vijek - 5. - 10. stoljeća

Zreli srednji vijek - XI - XIV stoljeća.

Godine 395. Rimsko se Carstvo raspalo na dva dijela: Zapadno i Istočno. U zapadnom dijelu na ruševinama Rima u 5.-9. stoljeću postojale su barbarske države: Ostrogoti, Vizigoti, Franaci itd. U 9. stoljeću, kao rezultat raspada carstva Karla Velikog, ovdje su formirane tri države. : Francuska, Njemačka, Italija. Glavni grad istočnog dijela bio je Konstantinopol, koji je osnovao car Konstantin na mjestu grčke kolonije Bizant - otuda i naziv države.

§ 1. Zapadnoeuropski srednji vijek

Materijalna osnova srednjeg vijeka bili su feudalni odnosi. Srednjovjekovna kultura nastaje u uvjetima seosko imanje. U budućnosti društvena osnova kulture postaje gradska sredina – građanstvo. Nastankom država formiraju se glavni staleži: svećenstvo, plemstvo, narod.

Umjetnost srednjeg vijeka usko je povezana s crkva . kršćanska vjera- osnova filozofije, etike, estetike, cjelokupnog duhovnog života ovoga vremena. Ispunjena religioznom simbolikom, umjetnost stremi od ovozemaljskog, prolaznog ka duhovnom, vječnom.

Zajedno s službena crkva kultura (visoka) postojala svjetovni kultura (grassroots) - folklor(niže društvene klase) i viteški(dvorski).

Glavna žarišta profesionalni glazba, muzika ranog srednjeg vijeka- katedrale, škole pjevanja uz njih, samostani - jedina središta obrazovanja tog vremena. Učili su grčki i latinski, aritmetiku i glazbu.

Glavno središte crkvene glazbe u zapadnoj Europi u srednjem vijeku bio je Rim. Krajem VI - početkom VII stoljeća. formira se glavna varijanta zapadnoeuropske crkvene glazbe - gregorijanski koral , nazvan po papi Grguru I., koji je proveo reformu crkvenog pjevanja, objedinjujući i racionalizirajući različite crkvene pjesme. gregorijanski koral - monofoni Katolički napjev, u kojem su se spojile stoljetne tradicije pjevanja raznih bliskoistočnih i europskih naroda (Sirijaca, Židova, Grka, Rimljana i dr.). Bilo je to glatko monofono odvijanje jedne melodije koja je trebala personificirati jednu volju, središte pozornosti župljana u skladu s načelima katolicizma. Priroda glazbe je stroga, bezlična. Koral je izvodio zbor (otuda i naziv), pojedine dionice solist. Prevladava postupno kretanje temeljeno na dijatonskim načinima. Gregorijansko pjevanje dopuštalo je mnoge stupnjeve, u rasponu od jako sporog koralna psalmodija i završetak obljetnice(melizmatično pjevanje sloga), zahtijevajući virtuozno vokalno umijeće za njihovu izvedbu.

Gregorijansko pjevanje otuđuje slušatelja od stvarnosti, izaziva poniznost, navodi na kontemplaciju, mistični odmak. Tekst na latinski, neshvatljiva masa župljana. Ritam pjevanja određivao je tekst. Nejasan je, neodređen, zbog prirode naglasaka recitacije teksta.

Različite vrste gregorijanskog pjevanja okupljene su u glavnom bogoslužju Katoličke Crkve - masa, u kojem je uspostavljeno pet stabilnih dijelova:

Kyrie eleison(Gospode, smiluj se)

Gloria(slava)

Credo(vjerovati)

Sanctus(sveto)

Agnus Dei(Jaganjče Božji).

S vremenom, elementi narodne glazbe počinju prodirati u gregorijansko pjevanje himne, sekvence i trope. Ako je psalmodije izvodio profesionalni zbor pjevača i klera, onda su pjesme u početku izvodili župljani. Bili su umetak službenog bogoslužja (imali su obilježja narodne glazbe). No ubrzo su himnički dijelovi mise počeli istiskivati ​​psalmodičke, što je dovelo do pojave višeglasna misa.

Prve sekvence bile su podtekst melodiji obljetnice tako da bi jedan zvuk melodije imao zaseban slog. Sekvenca postaje uobičajeni žanr (najpopularniji « Veni, sancte spiritus» , « Umire irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" koristili su Berlioz, Liszt, Čajkovski, Rahmanjinov (vrlo često kao simbol smrti).

Prvi uzorci polifonije potječu iz samostana - organum(kretanje u paralelnim kvintama ili kvartama), gimel, foburdon(paralelni šesti akordi), dirigent. Skladatelji: Leonin i Perotin (12-13. st. - katedrala Notre Dame).

prijevoznici svjetovni narod glazba u srednjem vijeku pantomimičari, žongleri, ministranti u Francuskoj, shpilmans- u zemljama njemačke kulture, hoglari - u Španjolskoj, lakrdije - u Rusiji. Ti putujući umjetnici bili su univerzalni majstori: spajali su pjevanje, ples, sviranje raznih instrumenata s mađioničarskim trikovima, cirkuskom umjetnošću i kazalištem lutaka.

druga strana svjetovna kultura bio je viteška (dvorska) kultura (kultura svjetovnih feudalaca). Gotovo svi plemeniti ljudi bili su vitezovi - od siromašnih ratnika do kraljeva. Oblikuje se poseban viteški kodeks prema kojem je vitez, uz hrabrost i odvažnost, morao imati uglađene manire, biti obrazovan, velikodušan, velikodušan, vjerno služiti prekrasna dama. Svi aspekti viteškog života ogledaju se u glazbenoj i pjesničkoj umjetnosti trubaduri(Provansa - južna Francuska) , trouvers(sjeverna Francuska), minnesingeri(Njemačka). Umjetnost trubadura povezana je uglavnom s ljubavnom lirikom. Najviše popularni žanr ljubavna lirika bila je kancona(među minnesingerima - "Jutarnje pjesme" - albs).

Trouvers, široko koristeći iskustvo trubadura, stvorili su svoje izvorni žanrovi: « tkanje pjesama», « Svibanjske pjesme". Bilo je važno područje glazbenih žanrova trubadura, trouversa i minnesingera pjesnički i plesni žanrovi: rondo, balada, virele(refrenski oblici), kao i junački ep(francuski ep "Pjesma o Rolandu", njemački - "Pjesma o Nibelunzima"). Minnesingeri su bili uobičajeni križarske pjesme.

Karakteristične značajke umjetnosti trubadura, trouvera i minnesingera:

monofonija- posljedica je neraskidive povezanosti melodije i pjesničkog teksta, koja proizlazi iz same biti glazbene i pjesničke umjetnosti. Jednoglasnost je odgovarala i stavu prema individualiziranom izražavanju vlastitih doživljaja, osobnoj procjeni sadržaja iskaza (često je izražavanje osobnih doživljaja bilo uokvireno prikazom slika prirode).

Uglavnom vokalna izvedba. Uloga instrumenata nije bila značajna: svodila se na izvođenje uvoda, interludija i postludija koji uokviruju vokalnu melodiju.

Još se ne može govoriti o viteškoj umjetnosti kao o profesionalnoj, ali prvi put u uvjetima svjetovni muziciranja, stvoren je snažan glazbeno-poetski pravac s razvijenim kompleksom izražajnih sredstava i relativno savršenim glazbenim zapisom.

Jedno od važnijih postignuća zreli srednji vijek počevši od X-XI stoljeća, bio je urbani razvoj(građanska kultura) . Glavne značajke gradske kulture bile su anticrkvena, slobodoljubiva orijentacija, povezanost s folklorom, njegov komični i karnevalski karakter. Razvija se gotički arhitektonski stil. Formiraju se novi polifoni žanrovi: od 13.-14. do 16. stoljeća. - motet(od francuskog - "riječ". Za motet je tipična melodijska različitost glasova, intoniranje različitih tekstova u isto vrijeme - često čak i na različitim jezicima), madrigal(s talijanskog - „pjesma dalje materinji jezik“, tj. Talijanski. Tekstovi su ljubavno-lirski, pastoralni), caccha(od talijanskog - "lov" - vokalno djelo na temelju teksta koji prikazuje lov).

Pučki svirači lutalice prelaze iz nomadskog u sjedilački način života, naseljavajući cijele gradske četvrti i formirajući svojevrsne "glazbeničke radionice". Počevši od XII stoljeća, pridružili su se i narodni glazbenici vaganti i golijari- deklasirani ljudi iz različitih staleža (učenici, odbjegli redovnici, lutajući klerici). Za razliku od nepismenih žonglera - tipičnih predstavnika umjetnosti usmene tradicije - vaganti i golijari bili su pismeni: posjedovali su latinski i pravila klasične versifikacije, skladali su glazbu - pjesme (raspon slika povezan je sa školskom znanošću i studentskim životom) pa čak i složene skladbe poput dirigiranja i moteta.

Postao je značajno središte glazbene kulture sveučilišta. Glazba, točnije - glazbena akustika - zajedno s astronomijom, matematikom, fizikom bila je dio kvadrijuma, tj. ciklus od četiri discipline koje se proučavaju na sveučilištima.

Tako su u srednjovjekovnom gradu postojala središta glazbene kulture, različita po karakteru i društvenoj orijentaciji: udruge narodnih glazbenika, dvorska glazba, glazba samostana i katedrala, sveučilišna glazbena praksa.

Glazbena teorija srednjeg vijeka bio usko povezan s teologijom. U nekolicini glazbeno-teorijskih rasprava koje su došle do nas, glazba se smatrala "sluškinjom crkve". Među istaknutim raspravama ranog srednjeg vijeka ističe se 6 knjiga Augustina “O glazbi”, 5 knjiga Boecija “O utemeljenju glazbe” itd. Veliko mjesto u tim raspravama dano je apstraktnim skolastičkim pitanjima, nauk o kozmičkoj ulozi glazbe itd.

Srednjovjekovni sustav priječnica razvili su predstavnici crkvene profesionalne glazbene umjetnosti - stoga je naziv "crkveni načini" dodijeljen srednjovjekovnim priječnicama. Jonski i eolski postali su glavni modusi.

Glazbena teorija srednjeg vijeka iznijela je doktrinu heksakorda. U svakom pragu korišteno je 6 koraka u praksi (na primjer: do, re, mi, fa, sol, la). Xija su tada izbjegavali, jer. tvorio je, zajedno s F, potez u povećanu kvartu, koji se smatrao vrlo disonantnim i slikovito nazivan "đavlom u glazbi".

Neobavezna notacija bila je široko korištena. Guido Aretinsky poboljšao sustav notnog zapisa. Bit njegove reforme bila je sljedeća: prisutnost četiri linije, tercijarni odnos između pojedinih linija, ključni znak (izvorno doslovan) ili bojanje linija. Također je uveo slogovni zapis za prvih šest koraka načina: ut, re, mi, fa, sol, la.

Predstavljeno menzuralna notacija, gdje je svakoj noti pripisana određena ritmička mjera (lat. mensura - mjera, mjera). Nazivi trajanja: maxim, longa, brevis itd.

XIV st. – prijelazno razdoblje između srednjeg vijeka i renesanse. Umjetnost Francuske i Italije XIV stoljeća nazvana je " Ars nova“ (od latinskog – nova umjetnost), au Italiji je imao sva svojstva rane renesanse. Glavne značajke: odbijanje korištenja isključivo crkvenih glazbenih žanrova i okretanje svjetovnim vokalnim i instrumentalnim komornim žanrovima (balada, kachcha, madrigal), približavanje svakodnevnoj pjesmi, uporaba različitih glazbenih instrumenata. Ars nova je suprotnost tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umjetnost), podrazumijevajući glazbenu umjetnost prije početka XIV. Najveći predstavnici ars nove bili su Guillaume de Macho (14. st., Francuska) i Francesco Landino (14. st., Italija).

Dakle, glazbena kultura srednjeg vijeka, unatoč relativno ograničenim sredstvima, predstavlja višu razinu u usporedbi s glazbom antičkog svijeta i sadrži preduvjete za procvat glazbene umjetnosti u renesansi.

Glazba srednjeg vijeka

Glazbena kultura srednjeg vijeka iznimno je obimna i svestrana povijesna pojava, kronološki smještena između doba antike i renesanse. Teško ga je zamisliti kao jedno razdoblje, jer je u različitim zemljama razvoj umjetnosti išao svojim posebnim putovima.

Specifičnost srednjeg vijeka, koja je ostavila traga na svim sferama tadašnjeg ljudskog života, bila je vodeća uloga crkve u politici, etici, umjetnosti itd. Takvu sudbinu nije izbjegla ni glazba: nije ipak odvojena od religije i bila je uglavnom duhovna funkcija. Njegov sadržaj, slikovitost, sva njegova estetska suština utjelovljivali su poricanje vrijednosti zemaljskog života radi odmazde nakon smrti, propovijedanje asketizma, odvajanje od vanjskih blagoslova. Narodna umjetnost, koja je i dalje nosila pečat poganskih vjerovanja, često je bila napadnuta od strane "službene" umjetnosti Katoličke crkve.

Prvo razdoblje - rani srednji vijek - obično se računa od doba koje je uslijedilo odmah nakon pada Rimskog Carstva, odnosno od 6. stoljeća nove ere. e. U to su vrijeme na području Europe postojala i selila se mnoga plemena i narodi na različitim stupnjevima povijesnog razvoja. Međutim, sačuvani spomenici glazbene umjetnosti ovog razdoblja samo su glazba kršćanske crkve (uglavnom u kasnijim zapisima), nasljeđujući, s jedne strane, kulturu Rimskog Carstva, s druge strane, glazbu Istok (Judeja, Sirija, Armenija, Egipat). Pretpostavlja se da su izvedbene tradicije kršćanskog pjevanja antifona (suprotstavljanje dvaju zborske skupine) i responzoriji (naizmjenično solo pjevanje i "odgovori" zbora) – razvijeni na orijentalnim uzorima.

Do 8. stoljeća u europskim se zemljama postupno formirala tradicija liturgijskog pjevanja, čija je osnova gregorijansko pjevanje, skup jednoglasnih zborskih napjeva koje je sistematizirao papa Grgur I. Ovdje se treba detaljnije zadržati na osobnosti samog Grgura, koji je zbog značaja svoje figure u povijesti dobio naslov Velikog.

Rođen je u Rimu 540. godine u obitelji plemićkog podrijetla, koja nije imala financijskih poteškoća. Nakon smrti svojih roditelja, Grgur je dobio bogatu baštinu i mogao je osnovati nekoliko samostana na Siciliji i jedan u Rimu, na brdu Caelian, u svojoj obiteljskoj kući. Posljednji samostan, nazvan samostan svetog Andrije apostola, izabrao je za mjesto stanovanja.

Godine 577. Grgur je zaređen za đakona, 585. izabran je za opata samostana koji je osnovao, 590. jednoglasnom odlukom rimskog Senata, klera i naroda izabran je na papinsko prijestolje koje je obnašao do smrti. , koji je uslijedio 604. godine.

Grgur je još za života uživao veliko poštovanje na Zapadu, a nije zaboravljen ni nakon smrti. Mnogo je priča o čudima koja je činio. Proslavio se i kao književnik: biografi ga u tom pogledu izjednačuju s velikim filozofima i mudracima. Osim toga, Grgur Veliki je jedna od najvažnijih osoba u razvoju crkvene glazbe. Zaslužan je za proširenje ambrijsko-rosijskog modusnog sustava i stvaranje posebne škole pjevanja nazvane cantus gregorianus.

Dugi niz godina Grgur je skupljao napjeve iz raznih kršćanskih crkava, a kasnije je napravio njihovu zbirku pod nazivom Antifonar, koja je bila okovana na oltaru crkve svetog Petra u Rimu kao primjer kršćanskog pjevanja.

Papa je uveo oktavni sustav koji je zamijenio grčki sustav tetrakorda, a nazive dotadašnjih grčkih tonova označio je latinskim slovima A, B, C itd., a osmi ton je opet dobio ime prvoga. Cijela ljestvica Grgura Velikog sastojala se od 14 tonova: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Slovo B (b) imalo je dvojako značenje: B okruglo (B rotundum) i B četvrtasto (B quadratum), odnosno B-flat i B-bećar, ovisno o potrebi.

Ali vratimo se papi Grguru, koji je, između ostalog, postao utemeljitelj škole pjevanja u Rimu, revno pratio obuku i čak sam poučavao, strogo kažnjavajući učenike za nemar i lijenost.

Valja napomenuti da je postupno gregorijansko pjevanje, koje se sastoji od napjeva dvije vrste - psalmodije (odmjereno recitiranje teksta Svetoga pisma, uglavnom na istoj visini zvuka, u kojem postoji jedna nota pjevanja po slogu teksta) ) i himne-obljetnice (slobodni napjevi slogova riječi "Aleluja"), istisnuli su ambrozijansko pjevanje iz crkve. Od potonjeg se razlikovao po tome što je bio ravnomjeran, neovisan o tekstu. To je pak omogućilo da melodija teče prirodno i glatko, a glazbeni ritam od sada postaje samostalan, što je bio najvažniji događaj u povijesti glazbe.

Utjecaj zborskog pjevanja na župljane pojačan je akustičnim mogućnostima crkava sa svojim visokim svodovima koji reflektiraju zvuk i stvaraju učinak Božanske prisutnosti.

U sljedećim stoljećima, sa širenjem utjecaja Rimske crkve, gregorijansko pjevanje je uvedeno (ponekad nasilno usađeno) u bogoslužja u gotovo svim europskim zemljama. Kao rezultat toga, do kraja 11. stoljeća, cijela je Katolička crkva bila ujedinjena. opći oblici božanske službe.

Glazbena se znanost u to vrijeme razvijala u tijesnoj vezi s samostanskom kulturom. U VIII - IX stoljeću, na temelju gregorijanskog pjevanja, formiran je sustav crkvenih načina srednjeg vijeka. Ovaj sustav povezuje se s monofoničnim glazbenim skladištem, s monodijom, i predstavlja osam dijatonskih ljestvica (dorska, hipodorska, frigijska, hipofrigijska, lidijska, hipolidijska, miksolidijska, hipomiksolidijska), od kojih su srednjovjekovni teoretičari i praktičari svaku doživljavali kao kombinaciju određene izražajne mogućnosti (prvi prag - "spretan", drugi - "ozbiljan", treći - "brz" itd.).

U istom razdoblju počinje se formirati notni zapis, isprva predstavljen tzv. neumama - znakovima koji su jasno pokazivali kretanje melodije gore ili dolje. Iz neuma su se kasnije razvili glazbeni znakovi. Reformu notnog zapisa proveo je u drugoj četvrtini 11. stoljeća talijanski glazbenik Guido D'Arezzo, rođen 990. godine. O njegovim godinama djetinjstva malo se zna. Postavši u zreloj dobi, Guido se zamonašio u benediktinskom samostanu Pomposa kod Ravenne.

Guido D'Arezzo

Priroda ga je velikodušno obdarila raznim talentima, koji su mu omogućili da lako nadmaši svoje drugove u učenju. Potonji mu je zavidio na uspjehu i tome kako se Guido dobro pokazao kao učitelj pjevanja. Sve je to povlačilo za sobom oštro negativan, a dijelom čak i neprijateljski stav drugih prema Guidu, te je na kraju bio prisiljen preseliti se u drugi samostan - u Arezzo, po čijem je imenu dobio nadimak Aretinsky.

Dakle, Guido je bio jedan od najistaknutijih glazbenika svoga vremena, a njegove inovacije na području podučavanja duhovnog pjevanja dale su briljantne rezultate. Skrenuo je pozornost na notaciju i izumio četveroredni sustav, na kojem je točno locirao polutonove (karakteristične značajke jednog ili drugog načina, kao i melodija temeljena na ovom načinu, ovisila su o njima, koji su padali između koraka gregorijanskih modusa).

U nastojanju da što točnije zabilježi melodiju, Guido se dosjetio razna pravila, koje je uokvirio u složen i zamršen sustav s novim nazivima tonova: ut, re, mi, fa, sol, la. Unatoč raznim poteškoćama uzrokovanim uporabom takvog sustava, on je trajao vrlo dugo, a njegovi tragovi nalaze se među teoretičarima osamnaestog stoljeća.

Zanimljivo je da je Guido D'Arezzo isprva bio progonjen zbog svojih inovacija. No budući da je sustav nadarenog glazbenika uvelike olakšao snimanje i čitanje melodija, Papa ga je s počastima vratio u samostan Pomposa, gdje je Guido D'Arezzo živio do svoje smrti, odnosno do 1050. godine.

U 11. - 12. st. ocrtava se prekretnica u razvoju umjetničke kulture srednjega vijeka, zbog novih društveno-povijesnih procesa (rast gradova, križarski ratovi, promicanje novih društvenih slojeva, uključujući viteštvo, formiranje prvih središta svjetovne kulture itd.). Novi kulturni fenomeni proširili su se Europom. Dolazi do sklapanja i širenja srednjovjekovnog romana, gotičkog stila u arhitekturi, razvoja polifonog pisma u glazbi, oblikovanja svjetovne glazbene i poetske lirike.

Glavna značajka razvoja glazbene umjetnosti u tom razdoblju bila je uspostava i razvoj polifonije, koja se temeljila na gregorijanskom koralu: pjevači su glavnoj crkvenoj melodiji dodavali drugi glas. U ranim primjerima dvoglasja, zabilježenim u glazbenim uzorcima 9.-11. stoljeća, glasovi se kreću paralelno u jednom ritmu (u intervalima od kvarte, kvinta ili oktave). Kasnije se pojavljuju primjeri neparalelnog kretanja glasova (“Jedan pjevač vodi glavnu melodiju, drugi vješto luta kroz druge zvukove”, piše teoretičar Guido D’Arezzo). Ova vrsta dvoglasja i polifonije naziva se organum po imenu pridruženog glasa. Kasnije se pridodani glas počeo ukrašavati melizmima, počeo se slobodnije kretati u ritmičkom smislu.

U Parizu i Limogesu u 12.-13. st. osobito je aktivan razvoj novih oblika polifonije. To je razdoblje ušlo u povijest glazbene kulture kao "epoha Notre Dame" (po nazivu svjetski poznatog spomenika arhitekture u kojem je djelovala pjevačka kapela). Među autorima čija je imena povijest sačuvala su Leonin i Perotin, pisci organuma i drugih polifonih djela. Leonin je stvorio "Veliku knjigu organuma", dizajniranu za godišnji ciklus crkvenog pjevanja. Uz ime Perotina vezuje se prijelaz na troglasje i četveroglasje, daljnje obogaćivanje melodijskog pisma. Pritom treba napomenuti da je značaj škole Notre Dame značajan ne samo za Francusku, već za sve. europska umjetnost to vrijeme.

Formiranje svjetovnih žanrova u tom je razdoblju bilo pripremljeno djelovanjem putujućih narodnih glazbenika - žonglera, ministranta i špilmana. Odbacivani, pa čak i progonjeni od službene crkve, lutajući glazbenici bili su prvi nositelji svjetovne lirike, ali i čisto instrumentalne tradicije (služili su se raznim puhačkim i gudalačkim instrumentima, harfom itd.).

Umjetnici su tada bili glumci, cirkusanti, pjevači i instrumentalisti zajedno. Putovali su od grada do grada, nastupali na svečanostima na dvorovima, u dvorcima, na sajmovima itd. Žonglerima, konjušarima i ministrantima pridružili su se i vaganti i golijari - nesretni studenti i redovnici bjegunci, zahvaljujući kojima je "umjetnička" sredina nastala. širiti pismenost. Postupno se u tim krugovima pojavila specijalizacija, putujući umjetnici počeli su osnivati ​​radionice i naseljavati se u gradovima.

U istom se razdoblju ističe svojevrsni “intelektualni” sloj - viteštvo, među kojim (u razdobljima primirja) bukti i interes za umjetnost. U XII stoljeću u Provansi je rođena umjetnost trubadura, koja je postala temelj posebnog kreativnog pokreta. Trubaduri su uglavnom potjecali iz najvišeg plemstva i bili su glazbeno pismeni. Stvarali su glazbeno-poetska djela složene forme, u kojima su opjevali zemaljske radosti, junaštvo križarskih ratova i dr.

Trubadur je prvenstveno bio pjesnik, ali je melodiju često posuđivao iz svakodnevnog života i stvaralački promišljao. Ponekad su trubaduri unajmljivali ministrante da instrumentalno prate njihovo pjevanje, a žonglere su uključivali u izvođenje i skladanje glazbe. Među trubadurima čija su imena kroz veo stoljeća stigla do nas su Juafre Rudel, Bernart de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras i drugi.

Poezija trubadura imala je izravan utjecaj na formiranje stvaralaštva trouvera, koje je bilo demokratskije, budući da je većina trouvera dolazila iz građanstva. Neki trouveurs stvarali su komade po narudžbi. Najpoznatiji od njih bio je Adam de la Alle, rodom iz Arrasa, francuski pjesnik, skladatelj, dramatičar druge polovice 13. stoljeća.

Umjetnost trubadura i trouvera proširila se Europom. Pod njegovim utjecajem u Njemačkoj se stoljeće kasnije (XIII. stoljeće) formirala tradicija minnesingerske škole, čiji su predstavnici, daroviti glazbenici i skladatelji, uglavnom služili na dvorovima.

XIV stoljeće može se smatrati svojevrsnim prijelazom u renesansu. To se razdoblje u odnosu na francusku glazbu obično naziva Ars Nova (Nova umjetnost), prema nazivu znanstvenog djela koje je oko 1320. stvorio pariški teoretičar i skladatelj Philippe de Vitry.

Valja napomenuti da se u umjetnosti u navedeno vrijeme doista pojavljuju temeljno novi elementi: na primjer, postoji tvrdnja (uključujući i na teorijskoj razini) novih načela ritmičke podjele i glasovnog vođenja, novih modalnih sustava (osobito, izmjena i tonalne gravitacije - tj. "oštre" i "niske"), novi žanrovi, dostizanje nove razine profesionalne vještine.

Uz Philippea de Vitryja, koji je stvarao motete na vlastite tekstove, među najveće glazbenike 14. stoljeća treba uvrstiti Guillaumea de Machauxa, rođenog u Machauxu, u Champagnei, oko 1300. godine.

Guillaume de Machaux svojedobno je služio na dvoru Ivane Navarske, supruge Filipa Lijepog, kasnije je postao osobni tajnik kralja Češke, Ivana Luksemburškog, a na kraju života bio je na dvoru Karla V. Francuske. Suvremenici su ga štovali kao izvanrednog glazbeni talent, zahvaljujući čemu je bio ne samo briljantan interpret, već i izvrstan skladatelj, koji je iza sebe ostavio ogroman broj djela: do nas su došli njegovi moteti, balade, rondoi, kanoni i drugi pjesnički (pjesme i ples) oblici.

Glazba Guillaumea de Machauxa odlikuje se profinjenom izražajnošću, gracioznošću i, prema istraživačima, izraz je duha ere Ars Nova. Glavna zasluga skladatelja je što je napisao prvu autorsku misu u povijesti povodom stupanja na prijestolje Karla V.