Las artes han desarrollado diferentes tipos. Estilos y tendencias en las artes visuales

El arte es un concepto muy polifacético. Representa la creatividad en general. Hay tipos separados. Las obras de arte reflejan muchos fenómenos de la realidad, cosmovisión y punto de vista de los autores. Según la interpretación estética de la esencia, el concepto se interpreta como mimesis - imitación, expresión sensual de algo suprasensible. Echemos un vistazo a los diferentes tipos de arte.

Valor estético

Los tipos y formas de arte se consideran como una forma de expresar la conciencia social, un curso especial del proceso de asimilación del mundo en una dirección espiritual y práctica. Al mismo tiempo, la creatividad es un complejo orgánico de creación, interacción humana y evaluación de lo que está sucediendo. Hablando de lo que son, en primer lugar, cabe señalar como la pintura, la escultura, el cine, el teatro y otros. Muchos de ellos están en una dirección u otra. Por ejemplo, hay diferentes tipos arte musical. Veamos algunos tipos con más detalle.

Cuadro

Hablando de qué tipos de arte hay, es imposible no decir sobre esta dirección creativa. La historia de la pintura se remonta a siglos atrás. eso dirección creativa ha evolucionado desde las pinturas rupestres hasta las últimas tendencias. La pintura se distingue por la más amplia gama de posibilidades para incorporar una amplia variedad de ideas, desde el realismo hasta el abstraccionismo. Cabe señalar que las artes decorativas en varias etapas de la historia se desarrollaron de manera bastante contradictoria. Esto se debió principalmente a la aparición de movimientos modernistas y realistas. A finales de los siglos XIX y XX, comenzaron a desarrollarse formas de arte decorativo como el underground, el abstraccionismo y la vanguardia. El surgimiento de estas corrientes supuso un rechazo al pictorialismo. En lugar de eso vino una expresión activa de la actitud personal del autor hacia la realidad, la convencionalidad y la emotividad del color, la geometrización y exageración de las imágenes, la asociatividad y la decoración de las soluciones compositivas. Durante el siglo XX continuó la búsqueda de medios técnicos y nuevos colores. Gracias a esto, aparecieron tipos absolutamente diferentes de estilos artísticos. Sin embargo, por ejemplo, la pintura al óleo todavía se considera la técnica favorita de los maestros en la actualidad.

Artes graficas

Combina diferentes tipos Arte. Graphics es una imagen en un plano. Combina el dibujo, que es un área independiente, así como tipos de artesanía impresa. Estos incluyen varios tipos de artes aplicadas. Se trata de grabados sobre madera (xilografía), metal (aguafuerte), cartón y otros. Cada dibujo es único y único. Las obras gráficas impresas se pueden replicar, reproducir en impresiones, copias equivalentes. En este caso, cada impresión será el original, pero no una copia de la imagen original. Todos los tipos de gráficos y muchos otros tipos de arte se basan en el dibujo. Para crear una imagen, el autor a menudo necesita herramientas simples: un bolígrafo o lápiz y una hoja de papel. En otros casos, se pueden utilizar equipos complejos y herramientas especiales: cortadores, piedras litográficas, etc.

Como el principal Medios de expresión los gráficos abogan por el contorno, el trazo, la línea, el tono y el punto. Un papel separado y muy significativo pertenece a una hoja de papel en blanco. Muchos autores logran expresividad usando un solo color negro. Los límites que existen entre la gráfica y la pintura son muy arbitrarios. A menudo, las acuarelas, los pasteles y, en algunos casos, los gouaches se consideran una u otra forma de arte. Tales áreas de gráficos como un cartel, diseño de computadora, diseño de libros son independientes. Los carteles, por regla general, reflejan la realidad e ilustran eventos significativos. Pueden ser deportivos, políticos, publicitarios, de entretenimiento, educativos y otros. Algunos tipos de artes aplicadas también se utilizan en gráficos. Estos incluyen, en particular, postales, sobres, calendarios y más.

Escultura

Desde la antigüedad, ha habido varios tipos de arte. La escultura es una de las viejas tendencias. El nombre en sí tiene raíces latinas. En la traducción, la palabra "escultura" significa "tallar", "esculpir". Dentro de esta dirección, se utilizan muchos géneros. Si hablamos de qué tipos de arte son tridimensionales y voluminosos, primero debería decirse sobre la escultura. Incluye relieves, bustos, estatuas y más. La escultura se divide en dos tipos: obras que se colocan libremente en el espacio y aplicadas al plano. Estos últimos incluyen altorrelieve y bajorrelieve. El propósito de la escultura también puede ser diferente. Por ejemplo, puede ser monumental, de caballete. Por separado, se distinguen pequeñas formas escultóricas.

En cuanto a los géneros, cabe destacar como el cotidiano, retrato, histórico, animalista y otros. Con el uso de medios escultóricos se puede recrear una naturaleza muerta o un paisaje. Sin embargo, se considera que el objeto principal se representa de diferentes maneras. Por ejemplo, puede ser un busto, una cabeza, un grupo escultórico, una estatua. En cuanto a la tecnología, es bastante compleja e incluye muchas etapas. El material utilizado es madera, piedra y otros sólidos. Al cortar el exceso, se crea una obra.

Además, la imagen se obtiene mediante el uso de masa plástica. Este proceso se llama plástico (moldeo). Aquí, la cera, la arcilla, la plastilina, etc. se utilizan como materiales. La creación de esculturas también se lleva a cabo mediante la fundición de sustancias que tienen la capacidad de pasar del estado líquido al sólido. Dichos materiales, por ejemplo, incluyen hormigón, yeso, plástico. Utilizado en la creación de esculturas y metal. Se procesa mediante soldadura, persecución, corte, forja.

Arquitectura

Hablando de qué tipos de arte hay, se debe prestar especial atención a la arquitectura. La arquitectura tiene la capacidad de expresar en imágenes las ideas humanas sobre el mundo, la grandeza, el tiempo, el triunfo, la alegría, la soledad, etc. Es por eso que a menudo se hace referencia a la arquitectura como música congelada. La tarea del arquitecto es garantizar no solo la resistencia y la utilidad de la estructura, sino también sus cualidades estéticas. Hay varias tendencias en la arquitectura. No todo el mundo conoce el nombre de la forma de arte asociada a la creación y reconstrucción de ciudades. Esta dirección se llama planificación urbana. El diseño del paisaje también se distingue en la arquitectura. Como parte de esta tendencia, se crean puentes, fuentes, escaleras para plazas, parques, bulevares, miradores, en una palabra, todo lo que sirve para decorar el territorio. El diseño de estructuras tridimensionales está ampliamente desarrollado. Estos incluyen ciertos tipos de edificios: industriales, residenciales, públicos, religiosos y otros. En uno u otro período de la historia, aparecieron y mejoraron varias tecnologías y materiales de construcción.

Gracias al moderno nivel de desarrollo de la tecnología, utilizando vidrio, hormigón armado, masa plástica y otras materias primas, se crean estructuras de una configuración inusual y no estándar: en forma de bolas, flores, conchas, orejas, espirales y otros. cosas.

medios arquitectonicos

Los principales incluyen proporcionalidad, ritmo, escala, plasticidad de volúmenes. También son de no poca importancia el color y la textura de las superficies. La arquitectura está diseñada para reflejar la dirección artística de la época. Es en su lado figurativo que se diferencia de la construcción ordinaria. Los arquitectos crean para las personas y sus actividades de vida un espacio que se distingue por la organización artística. Los edificios y conjuntos de fama mundial se perciben como símbolos de ciudades y países individuales. Por ejemplo, en París es la Torre Eiffel, en Egipto - las pirámides, en Atenas - la Acrópolis, en Roma - el Coliseo, en Moscú - la Plaza Roja y el Kremlin.

tipos de arte musical

El canto se considera la dirección principal y más antigua de la creatividad. Incluye numerosos tipos de arte popular. En particular, se trata de cancioncillas, romances, canciones de cuna, etc. En general, los tipos de arte popular se pueden combinar en el concepto de "folclore". Entre otras áreas, cabe destacar la reproducción instrumental. Ocupa mucho menos espacio en el arte de la música que la voz. El canto coral se considera un área bastante específica. Se trata de una representación colectiva de obras. El canto coral ocupaba el lugar principal en los servicios divinos, fiestas y eventos teatrales. Fue diseñado para fortalecer las mejores cualidades de las personas. También vale la pena señalar una dirección como la música de cámara. En este caso, la actuación (vocal o instrumental) la lleva a cabo un grupo reducido. musica sinfónica destinados a orquestas. Entre sus principales géneros, cabe destacar la obertura, la suite, la sinfonía.

La ópera es otra dirección musical. Cuenta con instrumentos y voces. Una ópera es esencialmente una obra de teatro cuyas partes se cantan. Tiene una combinación de tres elementos: palabras, música y acción escénica. Otro tipo de arte musical es el ballet. Utiliza interpretación instrumental y de danza. De particular importancia, como en efecto, en la ópera, en el ballet son los decorados.

abstracción

Lo anterior describe brevemente qué tipos de arte son. Cabe señalar que esta no es una lista completa de áreas de creatividad. A continuación, consideramos algunas de las técnicas mediante las cuales se lleva a cabo la creación de formas creativas. Una de las principales formas de pensar es la abstracción. Como resultado, se forman los juicios y conceptos más generales. Si tocamos el arte decorativo, entonces las abstracciones son un proceso de estilización de imágenes naturales y naturales.

Representantes de algunos movimientos creativos crearon diseños que se distinguían por un orden lógico. Al mismo tiempo, se hicieron eco de la búsqueda de una organización racional de las imágenes en el diseño y la arquitectura. Un ejemplo sería En general, actividad artistica hay una presencia constante de la abstracción.

en el arte: realismo

En el sentido amplio del concepto en arte, se trata de un reflejo veraz, completo y objetivo de la realidad existente. Para esto, se utilizan medios específicos inherentes a una u otra dirección de la creatividad. Una característica común del realismo es la autenticidad en la reproducción de la realidad. Al mismo tiempo, el arte en este caso tiene a su disposición muchos métodos cognitivos, formas de generalizar, reflejar fenómenos.

vanguardia

En el arte, este concepto define los esfuerzos experimentales modernistas. Cada era está marcada por la aparición de fenómenos innovadores, pero el término en sí se estableció firmemente solo a principios del siglo XX. Durante ese período, aparecieron tipos de arte como el cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el futurismo y otros. En todas las tendencias de vanguardia se pueden distinguir rasgos comunes. En primer lugar, se trata del rechazo de las normas clásicas de la imagen, la deformación de las formas, las transformaciones del juego, la expresión, etc. Todo esto contribuye a desdibujar los límites de la realidad y el arte.

bajo tierra

Este concepto se interpreta como cultura "underground". En este caso, el arte se opone a las limitaciones y convenciones del arte tradicional. Las exposiciones a menudo no se llevan a cabo en galerías y salones, sino en el metro, pasajes subterráneos, en el suelo. En Rusia, el underground es una comunidad que representa el arte no oficial.

Moderno

Este concepto es una designación colectiva de las últimas tendencias, escuelas, estilos, actividades de creadores individuales en el arte del siglo XX. Está cerca de la vanguardia en su significado. El modernismo fue evaluado bastante negativamente por los historiadores del arte en la era soviética. Fue considerado como una manifestación de crisis de la cultura burguesa.

Creatividad cinética

Esta dirección está asociada con el uso de elementos y estructuras dinámicas y en movimiento. Como forma de arte independiente, el cinetismo tomó forma en la segunda mitad de los años cincuenta del siglo pasado. Fue precedido por experimentos sobre la creación de plasticidad dinámica en el constructivismo ruso. Desde tiempos inmemoriales, el arte popular ha mostrado patrones de juguetes y objetos en movimiento. Un ejemplo son los pájaros de la felicidad de la región de Arkhangelsk, juguetes mecánicos que imitan el proceso de trabajo del pueblo. Bogorodskoye. A menudo, en el cinetismo, la creación de la ilusión de movimiento se lleva a cabo con la ayuda de cambios de iluminación. Las técnicas de este tipo de arte son ampliamente utilizadas en el proceso de organización de discotecas, ferias, exposiciones, en el diseño de interiores públicos, parques y plazas. Los espejos se utilizan a menudo en las composiciones.

Técnicas expresivas modernas

Finalmente

El arte siempre ha estado y permanece en sintonía con los tiempos. Refleja la perspectiva del público en su conjunto. Al mismo tiempo, el arte tiene la capacidad de influir fuertemente en las masas de personas. En este sentido, la actitud del propio creador no es de poca importancia. La historia de todo tipo de artes es una materia viva en constante cambio y desarrollo. En cada una de las épocas hubo una lucha de influencias, tendencias, viejas ideas con manifestaciones emergentes cualitativamente nuevas. Sin embargo, con toda la variabilidad dentro de un período dado, todas las formas de arte tenían características relativamente estables: plásticas, compositivas, rítmicas, colorísticas y otras que determinaron el estilo de una época en particular.

Tipos de arte y su clasificación.

Tipos de arte: diversas formas de actividad humana estética, pensamiento artístico y figurativo. A sistema moderno dos tendencias se hacen sentir con mayor fuerza en las artes. El primero consiste en la inclinación hacia la síntesis, el segundo en la preservación de la soberanía de cada arte individual. Ambos son fructíferos. La inconsistencia dialéctica que se manifiesta en la relación de estas tendencias conduce no a la absorción de unas artes por otras, sino al enriquecimiento mutuo, a la afirmación de la legitimidad y necesidad de la existencia de varios tipos de arte que conservan plenamente su independencia.

"Tipos de arte - enlaces de un fenómeno; cada uno de ellos se relaciona con el arte como un todo, como particular con el general. Las características específicas del arte son una manifestación específica de lo general. Las características específicas de ciertos tipos de arte se conservan a lo largo de la historia de su existencia. .

La división del arte en tipos es profundamente lógica. existedos puntos de vista : algunos explican la existencia de diferentes artes por razones objetivas, otros por razones subjetivas.

Los primeros creen que el objeto de arte en sí es multifacético y sus diversas facetas requieren diferentes medios de expresión artística.

Los segundos creen que dado que los mismos fenómenos se reflejan a menudo en la poesía, en la música y en la pintura, no hay razón para hacer que la existencia de varias artes dependa una de la otra por el hecho de que reflejan fenómenos diferentes y que utilizan varios medios visuales según la naturaleza de la percepción humana. Pero la base fundamental para la existencia de varias artes, por supuesto, se encuentra en el tema mismo del arte, en la versatilidad del mundo objetivo, cuyos diferentes lados no pueden revelarse completamente por medio de un solo arte.

Cada arte utiliza sus propios medios visuales y expresivos, y esto revela los más importantes característica de la especie creatividad artística. Los medios artísticos propios de las artes individuales están determinados, en primer lugar, por el objeto de reproducción y las tareas de cada uno de ellos. Pero no importa cuán específicos sean los medios visuales y expresivos de las artes individuales, existe una cierta conexión entre ellos, que consiste en el hecho de que todos los tipos de arte pueden usar los medios visuales de otras artes bajo ciertas condiciones. Por ejemplo, los gráficos también recurren a la ayuda del color, un medio que toma prestado de la pintura.

La necesidad de la existencia de varias artes se debe al hecho de que ninguna de ellas, por sus propios medios, puede dar una imagen artística suficientemente completa del mundo. Tal imagen sólo puede ser dada por todas las artes en su conjunto, sólo por toda la cultura artística de la humanidad en su conjunto.

Cultura artística la sociedad moderna incluye formas de arte tanto muy antiguas como relativamente jóvenes. Así, por ejemplo, las bellas artes eran conocidas por la gente sociedad primitiva, y la cinematografía, en esencia, es una creación del siglo XX. En las décadas siguientes comenzaron a surgir nuevas artes como la televisión y la fotografía artística. Con el desarrollo de la sociedad, su tecnología y cultura espiritual, también pueden aparecer nuevas artes.

No existe una única clasificación generalmente aceptada en la literatura estética y de historia del arte. Los más comunesclasificación de arte expresado en la división de sus tipos entres grupos : espacial o estático, temporal o dinámico y espacio-tiempo.

El primer grupo abarca las bellas artes y la arquitectura y se percibe a simple vista; el segundo - literatura y música - con el oído, y el tercero - ballet, teatro, cine - tanto con la vista como con el oído.

Todos los órganos de los sentidos están involucrados en la cognición de la realidad hasta cierto punto. Tal división se basa en el hecho de que en algunas artes todos los eventos representados por ellas se desarrollan en el tiempo, mientras que otras se presentan como si estuvieran estáticas.

La clasificación de las artes en espaciales y temporales no tiene en cuenta otros rasgos esenciales del arte, como, por ejemplo, la presencia en él de una reproducción directa de una apariencia específica de los fenómenos de la realidad que percibimos sensualmente.

1. Artes visuales y no visuales

“Hay artes que, por su propia naturaleza, dan necesariamente una representación directa de los fenómenos, como lo hace la pintura o la escultura; pero también hay artes en las que no hay reproducción directa de la apariencia material de los fenómenos reflejados, como en la música o la arquitectura. . En este sentido, las artes se dividen enpictórico y no pictórico .

A su vez, las bellas y no bellas artes se dividen condicionalmente en géneros, aunque es difícil trazar una línea clara entre ellos: caballete, monumental, decorativo. Las artes no bellas se dividen más claramente según el material ( arquitectura de madera, cerámica), técnica (arquitectura de marco, tallado), finalidad (edificios públicos, utensilios). A sistema común artes, las formas de arte también se combinan condicionalmente en géneros: formas de arte que se basan en la plasticidad del cuerpo humano (pantomima, ballet, acrobacias), plásticas o espaciales (arquitectura, escultura, pintura), temporales (poesía, música), temporales -espaciales (teatro dramático y musical, cine), sintéticas (videoarte, diseño).

Bellas artes - una sección de las artes plásticas que surgió sobre la base de la percepción visual y crea imágenes del mundo en un plano y en el espacio: tales son la pintura, la escultura y la gráfica. Las características de las bellas artes se pueden encontrar en la arquitectura y las artes y oficios, sus obras son espaciales y se perciben a la vista, pero a veces solo se las denomina bellas artes de forma condicional.

Las bellas artes se basan en una imagen holística del mundo objetivo, incluida la persona misma. Aunque las bellas artes de alguna manera reproducen cualidades observables visualmente y objetivamente existentes mundo real(volumen, color, espacio, formas de los objetos y ambiente de luz y aire), no es una fijación de la percepción visual directa. El artista crea una imagen artística incluso cuando solo reproduce fielmente las características principales del original. La creación es una condición indispensable para la reproducción de la realidad en las artes visuales. Dado que el poder creativo de las bellas artes es una de las variedades del infinito poder creativo de la realidad misma, entonces, en las obras de bellas artes, la naturaleza tiene la oportunidad de contemplarse a sí misma.

A diferencia de otros tipos de artes (literatura, música, teatro, cine), las artes visuales son ante todo un arte espacial y, por tanto, limitadas en su capacidad para reproducir el tiempo y el desarrollo temporal de la acción asociada a él. Sin embargo, las artes visuales también son capaces de reproducir el desarrollo temporal de los acontecimientos por sus medios inherentes. La imagen a través de la apariencia sensual de las cosas y la persona misma de los rasgos visibles de la época revela la naturaleza interna de los fenómenos, la vida espiritual de los individuos y el tiempo en su conjunto.

La idea artística de las obras de bellas artes solo puede transmitirse por sus medios visuales inherentes.

Los medios artísticos característicos de las bellas artes incluyen el dibujo, el color, la plástica, el claroscuro.

Imagen - una inscripción pictórica en cualquier superficie, hecha a mano con una materia colorante seca o líquida, utilizando medios gráficos - una línea de contorno, trazo, mancha.

Color - la propiedad de cualquier objeto material para irradiar y reflejar ondas de luz de una cierta parte del espectro; la propiedad de la luz que pasa a través de un medio coloreado para percibir su color. En el sentido estricto de la palabra, el color se entiende como un tono de color que determina la originalidad y la naturaleza de cada tono de color dado, junto con la luminosidad, la saturación y el brillo del color.

El plastico - definición del volumen - méritos espaciales de las obras escultóricas, naturalidad, construcciones limitadas de volúmenes desbordantes.

Claroscuro - gradaciones de luz y oscuridad, la distribución de colores de diferente brillo, tonalidad y matices de color, lo que le permite percibir el volumen de una figura u objeto y el entorno de luz y aire que lo rodea. El claroscuro no solo revela el volumen del objeto, el objeto y su ubicación en el espacio, la naturaleza del entorno, sino que también sirve como un importante medio de expresión emocional. En arquitectura, escultura, objetos de arte y artesanía, el claroscuro depende de la iluminación real, la plasticidad: protuberancias, concavidades que crean un juego de luces y sombras, su relación de contraste o matiz, así como una textura superficial lisa o rugosa. El claroscuro en pintura y gráficos transmite no solo las cualidades constantes de los objetos del mundo, el volumen, la estructura, la naturaleza de la superficie del objeto, sino también la variabilidad del entorno, el estado de la atmósfera.

La imagen artística en las artes visuales tiene la misma base, el mismo propósito que la imagen expresiva: brindar una comprensión y evaluación profundas de una persona y una sociedad. El objetivo de un escultor, pintor, artista no es solo "copiar" la apariencia Gente moderna pero también en una comprensión penetrante de su esencia humana.

2. Pintura

Una de las bellas artes es la pintura.

Cuadro - uno de los tipos de bellas artes más llamativos y extendidos, que transmite con la ayuda de los colores el mundo real que nos rodea.

El artista, utilizando diversas técnicas artísticas, transmite la forma tridimensional de los objetos, el ambiente aéreo en el avión, a veces cubriendo un gran espacio.

La pintura se divide en monumental, de caballete, decorativa y en miniatura.

pintura monumental desarrollado en estrecha relación con la arquitectura y la escultura. Se distingue por la grandeza del diseño artístico, reflejando grandes eventos la vida de las personas, la profundidad del contenido ideológico, expresado en formas simples y, por regla general, en grandes. Los principales tipos de pintura monumental incluyen mosaicos y pinturas murales de edificios públicos.

Los antiguos mosaicos y frescos rusos tienen un gran valor histórico y artístico. Tales, por ejemplo, son los mosaicos y frescos de la Catedral de Sofía en Kyiv, los frescos de Novgorod y una serie de otros monumentos. La pintura monumental adquirió un desarrollo especialmente grande en los años poder soviético. Las mejores obras monumentales soviéticas incluyen murales del artista E. Lansere en el pasillo de la estación de tren Kazansky en Moscú, el mosaico "Kyiv Ring" de P. Korin.

pintura de caballete obtuvo su nombre de la "máquina" en la que se crea el trabajo. La pintura de caballete apareció temprano, en la antigüedad. En Rusia, solían escribir en tableros especialmente preparados, principalmente iconos. Los artistas rusos comenzaron a escribir sobre lienzo con pinturas al óleo relativamente tarde, desde finales del siglo XVIII, cuando apareció el interés por la imagen en la pintura. personalidad humana y se desarrolló el arte del retrato.

pintura decorativa encontró una amplia distribución en las pinturas de los monumentos arquitectónicos de la Rus de Kiev en forma de imágenes ornamentales, escenas domésticas y de caza. La pintura decorativa recibió un mayor desarrollo en la época de Pedro el Grande. Además de monumental, estaba destinado a la decoración de paredes y techos en el interior de casonas, palacios, iglesias y otros locales.

La pintura decorativa tenía como finalidad principal la decoración del local. Si en la pintura monumental la pared misma era la base, la pintura decorativa a veces se hacía con pinturas al óleo sobre lienzo, que luego se extendía sobre el techo o la pared. Las imágenes ornamentales y alegóricas solían ser temas decorativos de la pintura decorativa.

La pintura decorativa fue muy utilizada en el siglo XIX, pero con una dirección más realista, ya que trabajaban principalmente maestros rusos. Este tipo de pintura ha recibido el mayor uso en nuestro tiempo: murales de teatros, palacios de cultura, etc.

Pintura decorativa aplicado principalmente en escenografía teatral, en escenografía para cine, para decoración festiva de calles y plazas. Suele ser temporal. La pintura decorativa y decorativa cobra especial importancia en nuestra época, cuando el teatro y el cine se han convertido en espectáculos de masas.

pintura en miniatura obtuvo su definición del nombre de la pintura, preparada a partir de minia, que se usaba en la antigüedad para colorear letras mayúsculas en libros escritos a mano. La miniatura destaca por su pequeño tamaño y la especial sutileza de ejecución en esmalte, gouache, acuarela y pintura al óleo.

La pintura en miniatura adquirió gran importancia como ilustración en los manuscritos medievales.

3. Gráficos

Artes graficas - así como la pintura es uno de los tipos de bellas artes espaciales. La gráfica es la más popular de las artes visuales, ya que en muchos casos es una etapa preparatoria para otras artes, y al mismo tiempo la gráfica es divulgadora de obras de otras artes. Este tipo de bellas artes está estrechamente relacionado con la vida cotidiana y con la vida social de una persona, como ilustración de libros y decoración de portadas, como etiqueta, póster, póster, etc.

A pesar de que los gráficos a menudo juegan un papel preparatorio y aplicado, este arte es completamente independiente, con sus propias tareas y técnicas específicas.

La diferencia fundamental entre la gráfica y la pintura no radica tanto en la forma en que se suele decir que la gráfica es “el arte del blanco y negro” (el color puede jugar un papel muy importante en la gráfica), sino en una relación muy especial entre la imagen y el fondo, en un sentido específico, el espacio. Si la pintura, por su propia naturaleza, debe ocultar el plano de la imagen (lienzo, madera, etc.) para crear una ilusión espacial tridimensional, entonces el efecto artístico de los gráficos consiste simplemente en una especie de conflicto entre el plano y el espacio. , entre la imagen tridimensional y el plano blanco y vacío de la hoja de papel.

El término "gráficos" - la raíz griega; viene del verbografeno”, que significa raspar, rayar, escribir, dibujar. Entonces, los "gráficos" se convirtieron en un arte que usa un lápiz, una herramienta que raya, escribe. De ahí la estrecha conexión entre el arte gráfico y la caligrafía y la escritura en general (que fue especialmente notable en la pintura de vasijas griegas y la gráfica japonesa).

El término "gráficos" abarca dos grupos de obras de arte, unidas por el principio general del conflicto estético entre plano y espacio, pero que al mismo tiempo son completamente diferentes en su origen, en su proceso técnico y en su finalidad: el dibujo. y gráficos impresos.

La diferencia entre estos dos grupos radica principalmente en la relación entre el artista y el espectador. El artista suele hacer un dibujo para sí mismo, plasmando en él sus observaciones, recuerdos, invenciones, o concibiéndolo como una preparación para un trabajo futuro. En el dibujo, el artista parece hablar solo; el dibujo a menudo está destinado para uso interno en el taller, para uno mismocarpetas, pero también se puede hacer con el fin de mostrar a los espectadores. “Un dibujo es como un monólogo, tiene el estilo personal del artista con su textura individual, original y única” . Puede ser incompleta, e incluso en esta incompletud puede residir su encanto.

Por el contrario, los gráficos impresos (impresión, ilustración de libros, etc.) a menudo se hacen por encargo, para su reproducción, no diseñados para uno. Y en muchos. Los gráficos impresos, que reproducen el original en muchas copias, más que todas las demás artes, están diseñados para amplios sectores de la sociedad, para las masas. Pero la gráfica impresa no siempre es un dibujo grabado en madera o metal para su reproducción; no, esta es una composición especial, especialmente concebida en una técnica determinada, en un material determinado y en otras técnicas y materiales es irrealizable. Y cada material, cada técnica se caracteriza por una estructura especial de la imagen.

4. Escultura

Escultura - un tipo de bellas artes, cuyas obras tienen un volumen objetivo físicamente material y una forma tridimensional, colocadas en el espacio real.

Los materiales escultóricos comunes son la arcilla y el barro cocido (cerámica), el yeso, la piedra (mármol, caliza, arenisca, granito), la madera, el hueso, el metal (bronce, cobre, hierro y otros).

objeto principal esculturas: una persona (cabeza, busto, torso, estatua, grupo escultórico); imagen del mundo animal maquillada genero animalista esculturas En el siglo XX, la naturaleza (paisaje), los objetos (bodegones) a veces se recrean mediante artes plásticas; Surgió la escultura abstracta, no pictórica, utilizando métodos y materiales no tradicionales (escultura de alambre, figuras inflables).

Hay dos tipos de escultura:escultura redonda , ubicado libremente en el espacio;alivio , en el que se ubican imágenes volumétricas en un plano. Ambas variedades de este tipo de bellas artes se dividen según su finalidad en escultura de caballete, monumental, monumental y decorativa. Al crear una escultura humana, el artista parte de la realidad cuerpos humanos. Pero sus obras no son en modo alguno un “molde” de una “copia” tridimensional del cuerpo. El escultor, incluso si representa a una persona dada posando para él, todavía, por así decirlo, crea su figura y rostro de nuevo, y por lo tanto la estatua parece comenzar a "vivir" por sí misma. Y esta actividad creadora del escultor, en la que participan su pensamiento, su imaginación, sus sentimientos y la destreza de sus fuertes dedos, queda impresa en la obra. En un color especial, brillo, apariencia material, "textura" del material elegido, se expresa la intención del artista, su comprensión y evaluación de las imágenes humanas que creó.

De gran importancia en la escultura es tambiénritmo : la figura se ubica en el espacio en una organización más o menos armoniosa; la inclinación del cuerpo, la posición de la cabeza, brazos y piernas tienen una cierta simetría. El ritmo de la estatua pretende expresar esta o aquella intención del artista y, por otro lado, dar a la estatua la mayor integridad y plenitud.

Los elementos expresivos juegan un papel más o menos significativo en laforma estatuas Para expresar cualquier estado especial de una persona, por ejemplo, un impulso rápido y alegre, una desesperación extrema, el escultor a menudo se aparta de la representación directa en un grado u otro, "piensa" y usa las formas y gestos habituales del cuerpo humano. .

En una escultura verdaderamente artística, existe una unidad orgánica y mutuamente enriquecedora de medios pictóricos y expresivos que crean una imagen significativa y viva de una persona.

5. Arquitectura

Arquitectura B.R. Whipper define como bellas artes. Como la pintura y la escultura, se asocia a la “naturaleza”, a la realidad, pero su tendencia pictórica difiere de los principios de representación de la pintura y la escultura: “... No tiene tanto un “retrato” como un carácter simbólico generalizado - en otras palabras, se esfuerza por encarnar no las cualidades individuales de una persona, objeto, fenómeno, sino las funciones típicas de la vida" . En cualquier estilo, en cualquier monumento de arquitectura artística, afirma el investigador, “... siempre encontraremos... una estructura real que determina la estabilidad del edificio, y una estructura visible, representada. Expresado en la dirección de las líneas, en relación con los planos y las masas, en la lucha de la luz y la sombra, que le da al edificio energía vital, encarna su significado espiritual y emocional. . Es la capacidad de la imagen lo que distingue a la arquitectura artística como arte de la simple construcción.

La arquitectura tiene un lugar especial en la familia de las artes. Se refiere tanto a la cultura espiritual como a la material.

Las estructuras arquitectónicas no son solo imágenes vívidas de la época; esto no es un reflejo ordinario de la realidad, sino la realidad misma, ideológicamente expresada estéticamente.

En arquitectura, el arte se combina orgánicamente con la actividad obtenida en la práctica: los edificios individuales y sus complejos, conjuntos, diseñados para satisfacer las necesidades materiales y espirituales de las personas, forman el entorno material en el que se desarrolla su actividad vital.

La arquitectura es inseparable del arte de construir, pero no idéntica a él. Las estructuras arquitectónicas se crean para satisfacer necesidades sociales, tienen un carácter prácticamente útil.

Una gran cantidad de edificios residenciales construidos a lo largo de los siglos en varios países del mundo, la mayoría de las veces no tenían el valor de las estructuras arquitectónicas. El caso es que las casas no creaban una imagen de la época, no reflejaban la conciencia social de la época.

NEVADA. Gogol caracterizó la arquitectura como una crónica duradera del mundo: según el escritor, continúa hablando de tiempos pasados ​​incluso cuando las sombras y las leyendas se callan.

La naturaleza de la expresión de la realidad por la arquitectura es específica: las estructuras arquitectónicas pueden utilizarse para juzgar la naturaleza de la época, las características de su existencia material y espiritual, el estado del mundo, la relación entre el hombre y el mundo, el lugar del hombre en sociedad, las ideas y estados de ánimo dominantes de la época. La arquitectura crea su imagen generalizada, espaciosa y holística.

El lenguaje artístico generalizado de la arquitectura es históricamente cambiante. Su desarrollo se debe tanto a los cambios en el propósito funcional de las estructuras, al desarrollo de los equipos de construcción y al surgimiento de nuevos materiales de construcción, como a las características artísticas de la arquitectura que son inseparables de ellos, nuevas soluciones ideológicas y estéticas que surgen frente a nosotros. en cada nueva era.

la arquitectura disfruta tan expresivomedio , como simetría, proporcionalidad de los elementos que forman la estructura, ritmo, escala, relaciones con una persona, conexión con el entorno y el espacio. Al mismo tiempo, la arquitectura hace un amplio uso del impacto estético de la luz, el color y la textura de los materiales de construcción.

El arte decorativo y aplicado es un tipo de arte que tiene su propio significado artístico especial y su propia imaginería decorativa, y en conjunto está directamente relacionado con las necesidades cotidianas de las personas.

Las obras de arquitectura y las artes y oficios muy próximas a él constituyen, por así decirlo, un paso intermedio entre otros objetos creados por el hombre y las obras de arte en el sentido propio de la palabra.

Varias cosas pueden pertenecer a las obras de artes decorativas y aplicadas: muebles, armas, platos, ropa, cualquier objeto hecho por el hombre. Al darle a la cosa manufacturada una forma especial, ponerle ciertos patrones, un adorno, pintarla en cualquier color, la gente creó no solo un objeto con un propósito u otro, sino también una obra de arte. Tal cosa tiene un valor doble: es valiosa como objeto útil y como obra de arte, y el segundo valor excede al primero.

En algo artístico, las cualidades polifacéticas de la persona que lo creó se expresarán vívidamente: la riqueza de su imaginación y la habilidad de sus manos. Si su maestro es una persona altamente desarrollada y espiritualmente rica, capaz de inventar formas y colores brillantes, entonces la cosa tiene valor artístico, es una obra de arte. Una cosa artística no es creada por cierta persona en general, sino por una persona de cierta época, perteneciente a cierto grupo social. Por lo tanto, las características de la sociedad moderna se reflejan de manera única en las cosas de cada época.

Las obras genuinas de artes aplicadas, especialmente un conjunto completo de obras de cualquier época, nos presentan una cierta imagen de la época, reflejan en sus formas sus rasgos característicos.

Artes Aplicadas es la más antigua de las artes. Entre las primeras herramientas y artículos domésticos primitivos que nos han llegado, ya nos encontramos con cosas que muestran rastros de un deseo activo de crear ciertas imágenes artísticas.

Las obras de arte y artesanía son solo una transición del trabajo humano ordinario a un tipo especial de actividad: la creatividad artística.

Las artes decorativas y aplicadas existen en unidad con cualquier edificio, es decir, una obra de arquitectura, constituyendo su entorno interior.

En las artes y oficios, se deben distinguir dos áreas significativamente diferentes: 1) objetos tridimensionales de cierta forma y color: muebles de arte, utensilios domésticos; 2) superficies planas cubiertas con patrones: alfombras, telas, paredes pintadas, etc.

El segundo grupo forma con mayor frecuencia un arte independiente: el ornamento.

Ornamento

El ornamento es uno de los elementos principales de la mayoría de las obras de arquitectura y artes aplicadas.

Ornamento - hay una combinación de líneas y manchas de color que se aplican a las superficies de edificios y cosas mediante pintura, tallado, estampado, etc.

Pero el adorno también actúa como un arte independiente, cuando se teje en una alfombra, se dibuja en un tablero, mientras que todo el significado se materializa en un patrón ornamental.

Entre los ornamentos, se encuentran: geométricos, florales, animales, etc. Cualquier ornamento es fundamentalmente "geométrico", compuesto por combinaciones de líneas rectas, curvas y redondas y figuras de varios colores. La imagen holística del adorno, en primer lugar, expresa una cierta visión del mundo, una actitud humana ante la vida: alegre o, por el contrario, compleja, contradictoria, etc. El ornamento se compone de ciertos motivos, combinados en uno u otro tipo de unidad.

motivo - estos son entrelazamientos de líneas, figuras, combinaciones de colores que se repiten en muchas obras individuales. En los motivos ornamentales y sus combinaciones, de forma generalizada, se expresa el carácter especial de las personas, los rasgos más importantes y únicos de su ser y psiquismo.

El ornamento es la más "generalizadora" de las artes; parece absorber y encarnar de la forma más general y abstracta la multifacética riqueza figurativa de otras formas artísticas de este pueblo.

Otro fenómeno central de las artes expresivas esritmo . El ritmo es la repetición de algunos fenómenos idénticos o similares, comparados en el espacio o el tiempo. Muy a menudo, los ritmos arquitectónicos y ornamentales son simétricos. Esto significa que los elementos rítmicos similares no se repiten a lo largo de todo el largo y ancho, sino que se ubican, por ejemplo, a una distancia más o menos igual desde el centro del edificio o la alfombra, desde el "eje de simetría" de este centro. Sus “olas” rítmicas parecen haberse desviado hacia los lados.

El adorno es a la vez muy simple y muy vista compleja Arte. Por un lado, el trabajo ornamental es extremadamente elemental: es solo un sistema de líneas y figuras multicolores. Pero al mismo tiempo, el adorno puede ser un verdadero misterio. ornamento nacional desarrollado y pulido durante muchos siglos y está estrechamente relacionado con toda la vida y la cultura de la gente. En la ornamentación, como en la danza y la música, se deben distinguir dos áreas principales: el arte popular, por así decirlo, la ornamentación “folclórica”, y la ornamentación, ya creada en una sociedad desarrollada por artistas profesionales.

Géneros

Las bellas artes se dividen en géneros.

Género(fr. género- género, especie) - una división históricamente establecida en la mayoría de los tipos de arte. Los principios de división en géneros son específicos de cada una de las áreas de la creatividad artística. En las artes visuales, los géneros principales están determinados, en primer lugar, por el tema de la imagen (paisaje, retrato, género cotidiano, género histórico, género animal, etc.). Además, la diferenciación de género más fraccional se debe al hecho de que los elementos cognitivos, ideológicos y evaluativos, figurativos y artísticos se fusionan en la creatividad artística, y cada obra de arte también tiene un propósito funcional determinado. Entonces, dado que la posición ideológica y valorativa de un retratista puede ser no solo objetiva o apologética, sino también irónica o airadamente acusatoria, un retrato puede tomar la forma de una caricatura o caricatura. Según su finalidad, un mismo retrato puede ser ceremonial, de cámara, íntimo, etc. También surgen nuevos subgéneros de los géneros principales cuando los objetos en sí mismos se dividen en fenómenos más particulares (por ejemplo, vista al mar, puerto deportivo, un tipo especial de paisaje, "género galante", uno de los tipos de género cotidiano, etc.).

Dado que cada género tiene ciertos medios de expresión artística que son característicos solo para él, un género puede definirse como un tipo de obra de arte en la unidad de las propiedades específicas de su forma y contenido. En aquellos tipos de artes plásticas donde es imposible singularizar el tema de la imagen (en arquitectura, artes y oficios, y otros) clasificación de género no aceptada; su lugar lo ocupan divisiones tipológicas basadas principalmente en la función de las obras (por ejemplo, un palacio, una iglesia, un edificio residencial en arquitectura).

1. Retrato

Retrato(fr. retrato, Alemán Bildnis) es un género de bellas artes dedicado a representar a una persona o grupo de personas específico. El retrato es característico principalmente del arte de caballete, pero las imágenes de retrato pueden incorporarse en esculturas monumentales y decorativas, pinturas, libros y gráficos aplicados, etc. Un requisito necesario para cualquier retrato es la transferencia de la semejanza individual. La similitud no se limita a signos externos. Reproduciendo la apariencia individual de una persona, el artista revela su mundo interior, la esencia del carácter. Junto a la originalidad individual única, el retratista revela rasgos típicos en la apariencia del modelo, signos de la época y del entorno social.

Hay muchos tipos de retratos. Se distinguen dos grupos principales por carácter: ceremonial (representante) y de cámara.

retrato ceremonial , normalmente , consiste en mostrar a una persona en altura completa(a caballo, de pie o sentado). La figura suele presentarse sobre un fondo arquitectónico o paisajístico.

A retrato de cámara se utiliza una imagen de cintura, pecho y hombros, la mayoría de las veces sobre un fondo neutro. Una especie de imagen de cámara sobre un fondo neutro esretrato íntimo , expresando una relación de confianza entre el artista y la persona retratada.

Se denomina retrato en el que se representa a una persona como personaje alegórico, mitológico, histórico, teatral o literario.disfrazado .

Los nombres de tales retratos suelen incluir las palabras "en la forma" o "en la imagen" (por ejemplo, "Catalina II en la forma de Minerva").

Hay retratos alegóricos, mitológicos, históricos.

Según el número de imágenes en un lienzo, además del habitual, se distinguen un retrato doble y grupal.

frente doble llamados retratos pintados en diferentes lienzos, si son consistentes entre sí en composición, formato y color. En la mayoría de los casos, estos son retratos de cónyuges.

retrato de grupo - un retrato que incluye un grupo de personajes (al menos tres) conectados en un escenario, escena, a menudo conectados por una sola acción.

Un autorretrato se destaca en un grupo especial.

Auto retrato (del griego. autos- él mismo, y un retrato; inglésvender – retrato; fr. Auto retrato, Alemán Selbstbidnis) - una imagen gráfica, pictórica o escultórica del artista, hecha por él con la ayuda de un espejo o un sistema de espejos. Este es un tipo especial de género de retrato que expresa la evaluación del artista de su personalidad, su papel en el mundo y la sociedad, sus principios creativos. En un autorretrato, un artista puede luchar por la objetividad de la autoestima, elevarse o exponerse, presentarse en varias formas (típicas de los numerosos autorretratos de Rembrandt), vestirse con varios disfraces, mitificar su imagen, etc. Un autorretrato puede reflejar las características personales del artista, o los rasgos generales de una generación, entorno social o nacional. Se puede incluir un autorretrato en la composición con la imagen de otros personajes.

"Humano - protagonista Arte. Vemos a muchas personas en pinturas cotidianas, históricas, en obras mitológicas y religiosas. Todos estos son géneros narrativos. Y solo en un retrato aparece una persona no como protagonista de una trama, sino simplemente como una persona, una personalidad, con sus propias cualidades individuales. No todas las imágenes cara humana o figura que llamamos retrato, sino sólo la imagen de cierto Persona real. El retrato no siempre se hace desde la naturaleza. Puede representar a una persona ausente, muerta hace mucho tiempo, cuya imagen se recrea a partir de la memoria, de algunas imágenes supervivientes y, finalmente, de la imaginación. El retrato debe ser similar, en todo caso, debe convencernos de que esa persona está frente a nosotros, y no otra cualquiera. Es igualmente importante transmitir una impresión más general de una persona, captar su hábito, comportamiento, gesto. Aún más profundo yace la similitud interna, el sentimiento del carácter: imperioso o tímido. El retratista puede intentar penetrar en las vivencias de su héroe, para revelar al espectador el mundo de sus sentimientos. El artista puede llamar nuestra atención sobre el lugar del hombre en la sociedad. También puedes hablar deretrato psicologico , que se convierte en la concentración del ser interior del hombre. Pero no es lo mismo psicologismo en pintura que en literatura. El escritor puede llevarnos directamente a los pensamientos y sentimientos de su personaje. En el lienzo, frente a nosotros solo hay una imagen que nos permite adivinar y experimentar algo.

Una de las características más importantes de un retrato, que determina su propósito y estado de ánimo, es quedistancia sobre el que sostiene al espectador. En el retrato de frente, que eleva y glorifica al héroe, la distancia aumenta; en un retrato íntimo, lírico, se reduce al límite. El héroe de tal retrato no sólo nos acerca a la distancia de una conversación amistosa libre, sino que también nos revela el mundo de sus sentimientos y vivencias. .

El propósito de crear una imagen de retrato es descubrir la “idea principal de la personalidad”, para dejar claro su contenido. Pero para imponerse tal tarea, el retratista debe ver la individualidad en el modelo. Atraerlo como artista, algo, tal vez igual a él mismo, para sentir el interés personal como un impulso para una comprensión profunda de este modelo particular.

Un retrato, de hecho, implica no solo la transferencia de lo externo, sino también la transferencia de lo interno, la expresión de las propiedades, la esencia, el alma de una persona, y no solo la imagen de su apariencia.

2. Paisaje

Paisaje(fr. pago, Inglés paisaje, Alemán Paisaje) - un género de bellas artes, principalmente pintura de caballete y gráficos, una imagen de la naturaleza natural o transformada por el hombre, el medio ambiente, paisajes característicos, vistas de montañas, ríos, bosques, campos, ciudades, monumentos historicos, toda la riqueza y diversidad de la vegetación. El nombre del género también se extiende a obras individuales llamadas paisajes.

Según el tema principal de la imagen y la naturaleza de la naturaleza dentro del género del paisaje, se puede distinguir: paisaje rural, urbano (veduta), arquitectónico e industrial.

Veduta(ital. Veduta, iluminado. - visto) - un paisaje que representa con precisión la vista exacta de un área determinada de la ciudad. El término se formó en el siglo XVII (cuando se usaba una cámara para reproducir las vistas, una oscura, un prototipo de cámara) y generalmente se aplica al arte de Europa de esa época. Veduta es uno de los orígenes del arte panorámico.

vaqueros arquitectónicos R- variedad de genero paisaje, representación pictórica y gráfica de arquitectura real o imaginaria en un entorno natural. En este paisaje, una perspectiva lineal y aérea juega un papel importante, permitiendo conectar la naturaleza y la arquitectura. En el paisaje arquitectónico es posible destacar vistas urbanas en perspectiva, que en el siglo XVIII se denominaban veduta (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi en Venecia; F.Ya. Alekseev en Rusia), tipos de villas, fincas Conjuntos de parques con edificios, paisajes con ruinas antiguas o medievales (J. Robert en Francia, K.D. Friedrich en Alemania; S.F. Shchedrin, F.M. Matveev en Rusia), paisajes fantásticos con edificios y ruinas imaginarios (D Battista, Piranesi, D.P. Pannini en Italia) .

El paisaje arquitectónico es a menudo un tipo de pintura en perspectiva, en la que las imágenes del elemento agua constituyen un área especial:marino (puerto deportivo) y río paisajes

La apariencia de la Tierra del pasado distante, las leyes eternas e inmutables de la naturaleza - temashistórico paisaje, y con la aspiración de la imaginación del autor a las imágenes del mundo futuro - temasfantástico o futurológico paisaje. También hay un área especialcósmico, astral paisaje - visible desde la tierra o celestial mental, espacio estrellado, imágenes de planetas distantes. Las posibilidades temáticas y temáticas del género del paisaje se vuelven cada vez más diversas a medida que crece el proceso técnico.

La expansión de los temas es característica del paisaje soviético. Se ha extendidomonumento paisaje: imágenes de lugares memorables asociados con la vida y obra de destacados representantes de la cultura rusa.

En la época soviética se generalizó.gráfico paisaje - en grabados y dibujos de V.A. Favorsky, V.D. Falieva, N. I. Kravchenko y otros.

Una sección figurativa y temática especial presenta el paisaje soviético de los años de la guerra, que refleja los estados de ánimo heroicos y patrióticos del pueblo soviético.

Así, el valor artístico del paisaje como obra de arte está determinado en gran medida por las cualidades específicas de la pintura y el dibujo, que hablan de la relación de cada obra individual con la experiencia general del arte y con la experiencia del género. .

3. Naturaleza muerta

Naturaleza muerta(fr. naturalezamuerte- naturaleza muerta, ing.todavíavida, Alemán Stilleben) es un género de bellas artes que muestra objetos inanimados colocados en un entorno doméstico real y organizados en un solo grupo. El bodegón representa enseres domésticos, trabajo, creatividad, flores y frutos, caza sacrificada, pescado capturado, que se incluyen en el contexto creado por el artista. La naturaleza muerta brinda una variedad de oportunidades, desde "trucos", que reproducen ilusionísticamente con precisión el mundo objetivo, hasta la interpretación libre de las cosas y las dotan de un significado simbólico complejo.

“La naturaleza muerta es una de las conversaciones más agudas entre un pintor y la naturaleza. En él, la trama y el psicologismo no bloquean la definición de un objeto en el espacio. Cuál es el objeto, dónde está y dónde estoy, percibiendo este objeto, este es el requisito principal de una naturaleza muerta. Y este es un gran gozo cognitivo percibido por el espectador a partir de una naturaleza muerta” .

¿Qué nos dice el largo viaje de la naturaleza muerta?

Sobre el difícil proceso del nacimiento y consolidación de un género pictórico especial, complejo y profundo;

sobre el hecho de que este género puede satisfacer plenamente las necesidades urgentes del arte: analítico, experimental, la búsqueda de una solución figurativa;

sobre el hecho de que el arte no siempre pudo ver este valioso comienzo en la naturaleza muerta y, a menudo, lo descuidó inmerecidamente, y esto no sucedió debido a la arbitrariedad personal de los artistas; en relación con la naturaleza muerta, las necesidades históricas de nuestra pintura fueron positivas o negativas. reflejado negativamente;

sobre el hecho de que en la naturaleza muerta, este género de pintura más "puro", se reflejan como foco algunas tendencias generales en el desarrollo de la forma pictórica, y no solo las formas: las imágenes de la naturaleza muerta en sí mismas experimentan una evolución común con otros géneros de pintura;

sobre la diversidad, originalidad, singularidad de las formas figurativas de la naturaleza muerta y sus posibilidades especiales e insustituibles.

“La naturaleza muerta, la artesanía de una cosa, una historia sobre el mundo objetivo, no se aparta de las grandes soluciones creativas de la pintura soviética. Vive una vida de soltero con un paisaje, un retrato y un gran cuadro temático.

El género de la naturaleza muerta le brinda al artista la oportunidad de adentrarse en los procesos vivos de la esencia material del mundo objetivo. El pintor puede escuchar el susurro de las viejas páginas de pergamino, captar el aroma de las flores. Su arte debe crear un sistema de impresiones en el que la imagen visual inspire el sentimiento de todas estas experiencias, que son inaccesibles a la reproducción directa en la imagen.

En una naturaleza muerta se revela una de las facetas de la naturaleza que rodea a una persona: una inmensa variedad de formas de ser; el tembloroso florecimiento de la vida se encarna en la arquitectura clara y pura de la estructura compositiva.

La naturaleza muerta nos revela la diversidad despreocupada de la naturaleza. Reconocemos esas propiedades, esas características de las cosas que podrían pasar desapercibidas.

En el momento de la adición y florecimiento de la naturaleza muerta en el siglo XVII, se le llamó "stelleven» - vida tranquila. La elección, la ubicación, las propiedades de ciertos objetos, por así decirlo, expresaban los gustos, el estado de ánimo, los impulsos de sus dueños, hablaban de una persona y para una persona.

4. Género histórico

genero historicohistoriaasignaturas, Alemán Edificio histórico) un género de bellas artes dedicado a figuras y eventos históricos, fenómenos socialmente significativos en la historia de la humanidad.

Dirigido principalmente al pasado, el género histórico también incluye imágenes de hechos recientes, cuyo significado histórico es reconocido por los contemporáneos. El género histórico a menudo se entrelaza con otros géneros: cotidiano (escenas históricas y cotidianas), retratos y composiciones históricas), paisaje ("paisaje histórico"), pero este género está especialmente conectado con el género de batalla cuando revela el significado histórico de eventos militares.

El género histórico se materializa tanto en formas de arte de caballete (pintura histórica, estatua, busto, dibujo, grabado), como en formas monumentales (murales, relieves, monumentos) y en miniaturas, ilustraciones, plástico pequeño (medallas, monedas). La evolución del género histórico se debe en gran parte a la acumulación de conocimiento histórico, el desarrollo de puntos de vista históricos y los períodos de su ascenso están asociados con etapas críticas de la historia, convulsiones sociales y el crecimiento de la autoconciencia social y nacional.

Una variedad del género histórico son los géneros mitológicos, alegóricos y religiosos.

género mitológico (del griego. mitos- leyenda) - un género de bellas artes dedicado a los héroes y eventos que cuentan los mitos de los pueblos antiguos.

Todos los pueblos del mundo tienen mitos, leyendas, tradiciones, y son la fuente más importante de creatividad artística en las primeras etapas de su historia, a partir de arte primitivo(aunque los mitos que formaron la base de las imágenes que conocemos a menudo no nos llegaron). Pero en una era en la que la mitología era un fenómeno vivo, integral y en constante desarrollo, uno de los cimientos de la conciencia de la gente, no podía sobresalir como un género separado y diferente. Los inicios del género mitológico surgieron en el arte tardoantiguo y medieval, cuando los mitos grecorromanos dejaron de ser creencias, relatos con contenido moral y alegórico. El género mitológico en sí se formó en el Renacimiento, cuando las leyendas antiguas brindaban las oportunidades más ricas para la encarnación de historias y personajes con matices éticos muy complejos, a menudo alegóricos (pinturas de S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione, frescos de F. Cossa , Rafael).

En el siglo XVII y principios del XIX, la gama de problemas filosóficos, morales y estéticos, reflejados en las obras del género mitológico, se amplió significativamente, sirviendo para encarnar un alto ideal artístico (pinturas de N. Poussin, P.P. Rubens), o acercándose a la vida (pinturas de D. Velázquez, Rembrandt), creando un espectáculo festivo (pinturas de F. Boucher, D.B. Tiepolo).

En el siglo XIX, el género mitológico sirve como norma del arte elevado e ideal (escultura de Antonio Canova, Bertel, Thorvaldsen. I.P. Martos, pinturas de J.L. David, D. Ingres, A.A. Ivanov), que en el salón académico de arte de La mitad y la segunda mitad de este siglo adquirieron el carácter de una rutina fría y sin vida, que desempeñó un papel significativo en la revuelta de los jóvenes artistas rusos en 1863.

Junto con los temas de la mitología antigua, los temas de los mitos germánicos, celtas, indios y eslavos se hicieron populares en el arte en los siglos XIX y XX.

A principios del siglo XX, el simbolismo y el Art Nouveau reavivan el interés por el género mitológico (M. Denis, M.A. Vrubel), que en la escultura de A. Mayol, A. Bourdelle, S.T. Konenkov y la gráfica de P. Picasso recibieron un replanteamiento moderno.

género alegórico - alegoría (del griego.alegoría- alegoría) - en el arte significa - la encarnación de un fenómeno, así como ideas especulativas en una imagen visual (por ejemplo, una figura con una paloma en la mano es una alegoría de la Paz; una mujer con una venda en los ojos y escamas en su mano es una alegoría de la Justicia).

Por definición I.V. Goethe, la alegoría "transforma un fenómeno en un concepto, un concepto en una imagen, de tal forma, sin embargo, que la imagen sigue siendo bastante adecuada, con límites claros al concepto que expresa en su totalidad".

En su función, parte de las alegorías se acerca al emblema. El tipo de alegoría más común es la personificación, es decir, una figura dotada de uno o más atributos que explican su significado.

El género histórico es uno de los géneros de pintura más difíciles y lentos.

La pintura histórica y el historicismo en la pintura son conceptos idénticos, pero profundamente interconectados. “Para un pintor histórico, el historicismo es el alma viva de su arte, sin el cual pierde sus rasgos vitales más esenciales.”

El cuadro histórico en las diferentes etapas de la vida de nuestro país refleja las principales fases del desarrollo de las bellas artes soviéticas, sus logros o deficiencias. La tarea más importante de los maestros de la pintura histórica soviética sigue siendo lograr la veracidad en la descripción de los acontecimientos históricos, ya sean acontecimientos contemporáneos o acontecimientos de un pasado más o menos lejano.

5. Género de batalla

Género de batalla (del fr.batalla- batalla) - un género de bellas artes (principalmente pintura, en parte también gráficos y escultura), asociado con la representación de batallas, campañas militares, hazañas de armas, diversas operaciones militares y episodios de la vida militar.

El género de batalla puede ser una parte integral del género histórico (al representar las hostilidades o la vida militar de una época pasada, o al realizar significado histórico batallas modernas), una parte integral del género mitológico (si se representan peleas de héroes fantásticos), y también puede estar directamente relacionado con el artista moderno de la vida del ejército y la marina, con la representación de la nueva tecnología, la nueva naturaleza de los conflictos armados, testigo e incluso partícipe en el que se convierte el propio artista, creando una obra del género bélico a partir de impresiones personales y bocetos, recuerdos.

El género de batalla puede incluir elementos de otros géneros: doméstico, retrato, paisaje, animal (cuando se representa la caballería), naturaleza muerta (cuando se representan armas, armaduras, trofeos militares, estandartes y otros atributos de la vida militar).

La tarea más importante de los maestros del género de la batalla es lograr una completa veracidad en la descripción de los eventos de la batalla, ya sean eventos modernos o eventos de un pasado más o menos lejano.

6. Género doméstico

Género doméstico (fr.género, Alemán Sittenbild), el arte de género es uno de los géneros tradicionales de las bellas artes, definido por la variedad de temas y tramas de lo cotidiano, ordinario, frecuente y vida publica una persona de la vida campesina y urbana (en el pasado: noble, comerciante, raznochinny, etc.).

Los orígenes del género cotidiano ya están en las pinturas rupestres, que llevan información visual sobre la vida de los antiguos cazadores y pescadores, en pinturas y relieves. antiguo oriente, en la pintura plástica de jarrones antiguos, en los iconos hagiográficos medievales en miniatura, en la decoración plástica de los templos budistas y en los murales de los templos América antigua si ellos, de una forma u otra, muestran la vida de las personas, sus actividades, forma de vida.

Las búsquedas creativas de muchos artistas del género cotidiano, así como de maestros de otros géneros de la pintura, están encaminadas a encontrar la expresión más profunda de nuestra modernidad, a la búsqueda de un estilo moderno en el arte. Todo el camino del soviet pintura de género Fue una lucha por la aprobación de un nuevo héroe, un nuevo dueño de la vida. En las imágenes del arte, los soviéticos buscan respuestas a los pensamientos y sentimientos que los excitan. Esperan que los artistas les ayuden con sus obras a comprender los complejos fenómenos de la vida.

7. género animal

Género animalista (del lat.animal- animal) - un género de bellas artes dedicado a la imagen de los animales. Este género combina las ciencias naturales y los comienzos artísticos. El animalista se centra en las características artísticas y figurativas del animal, sus hábitos, su hábitat (por ejemplo, en pintura y escultura de caballete, en grabado); la expresividad decorativa de una figura, silueta y color es especialmente significativa en la escultura de parque, los murales y las pequeñas artes plásticas; a menudo (especialmente en ilustraciones para cuentos de hadas, fábulas, imágenes alegóricas y satíricas) el animal "humaniza"; dotado de rasgos humanos, acciones y experiencias. A menudo, la tarea principal del animalista es la precisión de la imagen del animal (por ejemplo, en ilustraciones para literatura científica y de divulgación científica).

Según su naturaleza, las obras de arte se dividen en tres categorías: monumentales, decorativas y de caballete. Las propiedades, normas y características que definen estas categorías son igualmente aplicables a las obras arte de animales.

Ejemplos de arte animal monumental son los grandes paneles. Mural o fresco, que revela las majestuosas imágenes de animales o sus grupos en el contexto de un gran paisaje. Vestíbulos y salas de museos biológicos. Los pabellones de exposiciones agrícolas son posibles ubicaciones para esta pintura.

En la actualidad, existen pocas oportunidades para instalar una escultura monumental animalista de gran masa en bronce o piedra, con sus estrictas proporciones, movimiento restringido y formas generalizadas. Solo las imágenes de caballos están incorporadas en los monumentos.

Solo se pueden encontrar ejemplos de esculturas de animales verdaderamente monumentales en el arte de Egipto, Mesopotamia y China.

Se considera decorativa una escultura cuya finalidad directa es decorar el espacio de un parque o interior. Sus dimensiones son más pequeñas, las formas son más ligeras y complejas, la expresión del movimiento es más libre, el contenido es más vital y variado. Los materiales de la escultura decorativa también son variados. Además del bronce, el mármol, la piedra fundida para la escultura en exteriores, se puede utilizar todo tipo de cerámica para interiores. En el arte decorativo, el tema del animal puede revelarse ampliamente. En todo momento de la historia, este tema no se ha secado en el arte decorativo de todos los pueblos, e incluso en ocasiones ha dominado. El hombre siempre ha apreciado la belleza del mundo animal, admirado la manifestación de sus formas, movimientos, colores, patrones y, regocijándose en ellos, los convirtió en una obra de su arte. Animales y pájaros, peces y lagartijas, serpientes, mariposas y animales marinos, todos encontraron un lugar en alfombras, telas y bordados, en tallas de varias piedras, huesos, metales cincelados y cerámicas. La imagen de un animal en el arte decorativo es predominantemente convencional y ornamental. O existe como parte de un patrón construido rítmicamente, o está incluido en un espacio limitado por una cierta forma geométrica, o, finalmente, convirtiéndose en una forma de utensilios, no puede retener un carácter realista. En imágenes planas y en formas volumétricas, la silueta de un animal, sus proporciones deben cambiar, obedeciendo al ritmo de la cosa que decora. Y el contenido temático en el arte decorativo no puede expresarse suficientemente, ya veces el propósito práctico de una cosa determina todo su contenido.

Al mismo tiempo, el atractivo de las obras de artistas de animales radica no solo en la fiabilidad científica de las composiciones, sino también en la comprensión del valor intrínseco del mundo de la vida silvestre.

8. Interiores

Interior(del fr. interior- interno) - 1) el espacio interno de un edificio público, residencial e industrial; una habitación en un edificio (sala, vestíbulo, vestíbulo, etc.). El interior, su configuración, ubicación, propósito son de gran importancia para la apariencia y distribución del edificio en su conjunto. El espacio interior, las dimensiones, las proporciones, la naturaleza de la decoración, combinados con la decoración, el mobiliario, el equipamiento, etc., crean un conjunto interior determinado por sus funciones y estilo arquitectónico y artístico; 2) el género de las bellas artes, que se desarrolló en la pintura de Holanda y Flandes a fines de los siglos XVI y XVII (interiores de iglesias holandesas - P. Sanredam, J. Vermeer), en la primera mitad del siglo XIX en Pintura Biedermeier (en Alemania, G.F. Kristing).

Los primeros "experimentos" de representación de interiores en Rusia a veces se asocian con imágenes de pintura de iconos que, por supuesto, pueden aceptarse con ciertas reservas. Pero ahora arte Grafico El siglo XVII se refiere directamente a interiores modernos como objeto de la imagen, sin embargo, en su versión palaciega. Manuscritos y libros de la segunda mitad del mismo siglo nos trajeron una imagen muy definida del interior, sorprendiendo por la libre combinación de elementos arquitectónicos, la variedad y diversidad de formas, estilísticamente heterogéneas, pero unidas por un principio común de su uso. . La impresión de patrones decorativos y el movimiento constante de las formas en estos conjuntos de palacio se complementó con su imagen colorista: "variedad de colores". Al mismo tiempo, como I.A. Pronina, una conocedora del ruso interiores arquitectonicos, no hay que olvidar "la riqueza de contenido religioso de cada componente del conjunto como un mundo armonioso... Aquí, la luz y el oro significaban su naturaleza divina, el color también tenía su propio significado simbólico".

Conclusión

El problema de los "tipos y géneros" en las artes visuales desde la antigüedad hasta nuestros días ha sido considerado por muchos historiadores del arte. Propusieron varias clasificaciones de las artes.

La división de las formas de arte en pictóricas y no pictóricas es, por supuesto, condicional, ya que ninguna de ellas puede decirse que sea de naturaleza exclusivamente pictórica o no pictórica. En todas las artes, estas características están entrelazadas, y no es posible atribuir categóricamente un solo arte a uno solo de estos grupos.

La clasificación de las artes puede proceder sobre la base de otras características: se pueden dividir los tipos de arte en espectaculares y no espectaculares, en simples y sintéticas, en artes asociadas a un fin utilitario y no asociadas a él, etc.

La clasificación de las artes ayuda a identificar las especificidades de cada arte individual. Y al mismo tiempo, los sistemas de clasificación contribuyen al acercamiento entre diversas artes, revelan caminos de síntesis en el desarrollo de la cultura artística.

1. Zis A.E. Tipos de arte. – M.: Saber, 1979.

2. Kozhinov V. V. Tipos de arte. – M.: Arte, 1960.

3. Vipper B.R. Artículos sobre el arte. - M.: Arte, 1970.

4. Daniel. El arte de ver.

5. Filatov Yu., Danilova I. La naturaleza muerta en la pintura europea.

Artistas y escultores, diseñadores y arquitectos: todas estas personas aportan diariamente belleza y armonía a nuestras vidas. Gracias a ellos miramos las estatuas en los museos, admiramos pinturas Maravíllate con la belleza de los edificios antiguos. Las bellas artes modernas nos asombran, el arte clásico nos hace pensar. Pero en cualquier caso, las creaciones humanas nos rodean por todas partes. Por lo tanto, es útil entender este problema.

Bellas Artes

Las bellas artes son espaciales. Es decir, tiene una forma objetiva que no cambia con el tiempo. Y es precisamente por la apariencia de esta forma que se distinguen los tipos de bellas artes.

Se pueden dividir en varias categorías. Por ejemplo, según el momento de aparición. Hasta el siglo XIX, solo se consideraban tres tipos principales: la escultura, la pintura y la arquitectura. Pero la historia de las bellas artes se desarrolló y pronto se les unieron los gráficos. Posteriormente se destacaron otros: decorativos y aplicados, teatrales y decorativos, diseño y otros.

Hasta la fecha, no hay consenso sobre qué tipos de bellas artes deben distinguirse. Pero hay algunos principales, cuya existencia no genera controversia.

Cuadro

El dibujo es un tipo de bellas artes en el que las imágenes se transmiten con la ayuda de tintes. Se aplican a una superficie sólida: lienzo, vidrio, papel, piedra y mucho más.

Para pintar, se utilizan diferentes colores. Pueden ser de óleo y acuarela, de silicato y de cerámica. Al mismo tiempo, hay una pintura a la cera, esmalte y otros. Depende de qué sustancias se apliquen a la superficie y cómo se fijen allí.

Hay dos direcciones en la pintura: caballete y monumental. El primero combina todas aquellas obras que se crean sobre varios lienzos. Su nombre proviene de la palabra "máquina", que hace referencia a un caballete. Pero la pintura monumental es un arte fino que se reproduce en diversas estructuras arquitectónicas. Estos son todo tipo de templos, castillos, iglesias.

Arquitectura

La construcción es una forma monumental de arte visual, cuyo propósito es construir edificios. Esta es prácticamente la única categoría que no solo tiene valor estético, sino que también realiza funciones prácticas. Después de todo, la arquitectura implica la construcción de edificios y estructuras para la vida y las actividades de las personas.

No reproduce la realidad, pero expresa los deseos y necesidades de la humanidad. Por lo tanto, la historia de las bellas artes se rastrea mejor a través de él. A tiempos diferentes forma de vida y las ideas sobre la belleza eran muy diferentes. Es por eso que la arquitectura permite rastrear el vuelo del pensamiento humano.

Además, esta especie es altamente dependiente del medio ambiente. Por ejemplo, la forma de las estructuras arquitectónicas está influenciada por las condiciones climáticas y geográficas, la naturaleza del paisaje y mucho más.

Escultura

Esta es una bella arte antigua, cuyas muestras tienen una apariencia tridimensional. Se fabrican por fundición, ranurado, tallado.

Básicamente, la piedra, el bronce, la madera o el mármol se utilizan para hacer esculturas. Pero en tiempos recientes El hormigón, el plástico y otros materiales artificiales no han ganado menos popularidad.

La escultura tiene dos variedades principales. Es circular o en relieve. En este caso, el segundo tipo se divide en alto, bajo y mortaja.

Al igual que en la pintura, en la escultura hay direcciones monumentales y de caballete. Pero por separado también se distinguen los decorativos. Esculturas monumentales en forma de monumentos y monumentos adornan las calles, designan lugares importantes. Caballete utilizado para decorar el local desde el interior. Y los decorativos decoran la vida cotidiana como pequeños artículos de plástico.

Artes graficas

Es un arte decorativo que consiste en dibujos y grabados artísticos. La gráfica se diferencia de la pintura en los materiales, técnicas y formas utilizadas. Para crear grabados o litografías, se utilizan máquinas y equipos especiales para imprimir imágenes. Y los dibujos están hechos con tinta, lápiz y otros materiales similares que permiten reproducir las formas de los objetos, su iluminación.

Los gráficos pueden ser de caballete, de libro y aplicados. El primero se crea gracias a dispositivos especiales. Estos son grabados, dibujos, bocetos. El segundo decora las páginas de los libros o sus portadas. Y el tercero es todo tipo de etiquetas, empaques, marcas.

Las primeras obras de gráfica son las pinturas rupestres. Pero su mayor logro es la pintura de jarrones en la antigua Grecia.

Artes y manualidades

es un tipo especial actividad creativa, que consiste en la creación de diversos artículos para el hogar. Satisfacen nuestras necesidades estéticas ya menudo tienen funciones utilitarias. Además, antes se hicieron precisamente por razones prácticas.

No todas las exposiciones de bellas artes pueden presumir de la presencia de artes y oficios, pero están en todos los hogares. Estos son productos de joyería y cerámica, vidrio pintado, artículos bordados y mucho más.

Las bellas artes y las artes aplicadas reflejan sobre todo el carácter nacional. El hecho es que su componente importante es la artesanía popular. Y ellos, a su vez, se basan en las costumbres, tradiciones, creencias y forma de vida de las personas.

Del arte teatral y decorativo al diseño

A lo largo de la historia, aparecen más y más nuevos tipos de bellas artes. Con la formación del primer templo de Melpomene, surgió el arte teatral y decorativo, que consiste en la fabricación de atrezo, vestuario, escenografía e incluso maquillaje.

Y el diseño, como una de las formas de arte, aunque apareció en la antigüedad, solo recientemente ha sido señalado en una categoría separada con sus propias leyes, técnicas y características.

géneros de bellas artes

Cada obra que sale de la pluma, martillo o lápiz del maestro está dedicada a un tema específico. Después de todo, al crearlo, el creador quería transmitir sus pensamientos, sentimientos o incluso la trama. Es de acuerdo con estas características que se distinguen los géneros de las bellas artes.

Por primera vez, en los Países Bajos del siglo XVI se pensó en la sistematización de una gran cantidad de patrimonio cultural. En ese momento, solo se distinguían dos categorías: géneros altos y bajos. El primero incluía todo lo que contribuía al enriquecimiento espiritual de una persona. Eran obras dedicadas a los mitos, la religión, los acontecimientos históricos. Y al segundo: cosas relacionadas con la vida cotidiana. Estas son personas, objetos, naturaleza.

Los géneros son formas de mostrar la vida en las artes visuales. Y cambian con él, se desarrollan y evolucionan. Pasan épocas enteras de bellas artes, mientras algunos géneros adquieren un nuevo significado, otros mueren, otros nacen. Pero hay varios principales que han pasado a través de los siglos y aún existen con éxito.

historia y mitología

Los géneros elevados en el Renacimiento incluían el histórico y el mitológico. Se creía que no estaban destinados a un simple laico, sino a una persona con un alto nivel de cultura.

El género histórico es uno de los principales en las artes visuales. Se dedica a recrear aquellos hechos del pasado y del presente que son de gran importancia para un pueblo, un país o una localidad separada. Sus cimientos se remontan al antiguo Egipto. Pero ya se formó plenamente en Italia, durante el Renacimiento, en las obras de Uccelo.

El género mitológico incluye aquellas obras de bellas artes que reflejan tramas legendarias. Ya estoy en eso arte antiguo sus primeros ejemplos aparecieron cuando las epopeyas se volvieron ordinarias historias instructivas. Pero las más famosas son las obras del Renacimiento. Por ejemplo, frescos de Rafael o pinturas de Botticelli.

Las tramas de las obras de arte del género religioso son varios episodios del Evangelio, la Biblia y otros libros similares. En pintura, sus famosos maestros fueron Rafael y Miguel Ángel. Pero el género también encontró su reflejo en el grabado, la escultura e incluso en la arquitectura, dada la construcción de templos e iglesias.

guerra y vida

La guerra de la exhibición en el arte comenzó en la antigüedad. Pero este tema se desarrolló activamente en el siglo XVI. Todo tipo de campañas, batallas y victorias encontraron expresión en esculturas, pinturas, grabados y tapices de la época. Llaman a las obras de arte sobre este tema un género de batalla. La palabra en sí tiene raíces francesas y se traduce como "guerra". Los artistas que pintan tales cuadros se llaman pintores de batalla.

En cambio, hay un género cotidiano en las artes visuales. Es una obra que refleja la vida cotidiana. Es difícil rastrear la historia de esta dirección, porque tan pronto como una persona aprendió a usar herramientas, comenzó a capturar su dura vida cotidiana. El género cotidiano en las artes visuales le permite familiarizarse con los eventos que tuvieron lugar hace miles de años.

gente y naturaleza

Un retrato es una representación de una persona en el arte. Este es uno de los géneros más antiguos. Curiosamente, originalmente tenía valor de culto. Los retratos se identificaban con el alma de una persona fallecida. Pero la cultura de las bellas artes se desarrolló, y hoy este género nos permite ver las imágenes de personas de épocas pasadas. Lo que da una idea de la ropa, la moda y los gustos de esa época.

El paisaje es un género de bellas artes en el que el objeto principal es la naturaleza. Se originó en Holanda. Pero la pintura de paisajes en sí es muy diversa. Puede mostrar tanto la naturaleza real como la fantástica. Según el tipo de imagen se distinguen paisajes rurales y urbanos. Este último incluye subespecies como industrial y veduta. Además, hablan de la existencia de paisajes panorámicos y de cámara.

También se distingue el género de animación. Estas son obras de arte que representan animales.

tema marino

Los paisajes marinos representan principalmente los primeros pintura holandesa. Las bellas artes de este país dieron origen al propio género marino. Se caracteriza por los reflejos del mar en todas sus formas. Los artistas marinos pintan los elementos hirvientes y la superficie del agua serena, las batallas ruidosas y los veleros solitarios. La primera pintura de este género data del siglo XVI. En él, Cornelis Antonis representó la flota portuguesa.

Aunque el puerto deportivo está más de un género pintura, puedes encontrar motivos de agua no solo en pinturas. Por ejemplo, las artes decorativas y visuales suelen utilizar elementos de paisajes marinos. Pueden ser tapices, joyas, grabados.

Elementos

Naturaleza muerta - principalmente también un género de pintura. Su nombre se traduce del francés como "naturaleza muerta". De hecho, los héroes de las naturalezas muertas son varios objetos inanimados. Por lo general, estas son cosas cotidianas, así como verduras, frutas y flores.

La característica principal de una naturaleza muerta puede considerarse su aparente falta de trama. Sin embargo, este es un género filosófico que en todo momento reflejó la conexión entre el hombre y el mundo exterior.

Los prototipos de bodegones se pueden encontrar en la pintura monumental de Pompeya. Posteriormente este género pasó a formar parte de otras pinturas. Por ejemplo, pinturas religiosas. Pero el nombre detrás de él se estableció solo en el siglo XVI.

Las bellas artes son una forma de conocer la realidad y el lugar del hombre en ella. Le permite recrear la realidad con la ayuda de varias imágenes visuales. Las obras de este arte encuentran su lugar no solo en museos o exposiciones, sino también en las calles de las ciudades, en casas y bibliotecas, libros e incluso sobres. Están a nuestro alrededor. Y lo mínimo que podemos hacer es aprender a apreciar, comprender y preservar la asombrosa herencia que hemos heredado de los grandes maestros de épocas pasadas.

Basado en la reproducción creativa del mundo circundante en imágenes artísticas. Además, en un sentido amplio, el arte puede significar el más alto nivel de habilidad en cualquier campo de actividad, ni siquiera directamente relacionado con la creatividad (por ejemplo, en la cocina, la construcción, las artes marciales, los deportes, etc.).

objeto(o tema) Arte es el mundo en general y el hombre en particular, y la forma de existencia es una obra de arte como resultado de la actividad creadora. Obra de arte- la forma más alta del resultado de la creatividad.

Objetivos del arte:

• distribución de bendiciones espirituales;
• autoexpresión del autor.

Funciones del arte.

1. Cognitivo. El arte actúa como una fuente de información sobre el mundo o una persona.
2. Educativo. El arte influye en el desarrollo moral e ideológico del individuo.
3. estético. Refleja la necesidad espiritual de una persona de armonía y belleza. Forma el concepto de belleza.
4. hedonista. Cerca de la función estética, pero no forma el concepto de estética, sino que brinda una oportunidad para el placer estético.
5. profético. La función de tratar de prever el futuro.
6. Compensatorio. Sirve para restablecer el equilibrio psicológico; a menudo utilizado por psicólogos y psicoterapeutas (los fanáticos del programa Dom-2 compensan la falta de vida personal y emociones propias viéndolo; aunque no clasificaría este programa como arte).
7. Social. Simplemente puede proporcionar comunicación entre personas (comunicativo), o puede pedir algo (propaganda).
8. Entretenido(por ejemplo, la cultura popular).

Tipos de arte.

tipos de arte son diferentes, todo depende del criterio por el que se clasifiquen. La clasificación generalmente aceptada considera tres tipos de arte.

1. Arte:
   • estática (escultura, pintura, fotografía, decorativa, etc.);
   • dinámico (por ejemplo, cine mudo, pantomima).

1. arte expresivo(o no pictórico):
   • estática (arquitectura y literatura);
   • dinámico (música, danza, coreografía).
2. Arte espectacular(teatro, cine, ópera, circo).

Grado de aplicación en la vida cotidiana. el arte puede ser

• aplicado (decorativo y aplicado);
• elegante (música).

Por tiempo de creación:

• tradicional (escultura, literatura);
• nuevo (cine, televisión, fotografía).

En términos de espacio-tiempo:

• espacial (arquitectura);
• temporal (música);
• espacio-temporal (cine, teatro).

Por el número de componentes utilizados.:

• simple (música, escultura);
• complejo (también es sintético: cine, teatro).

Hay muchas clasificaciones, y la definición y el papel del arte sigue siendo motivo de incesantes disputas y discusiones. Lo principal es diferente. El arte puede destruir la psique humana o curar, corromper o educar, oprimir o impulsar el desarrollo. La tarea de la sociedad humana es desarrollar y fomentar precisamente los tipos de arte "ligeros".

Variedad de formas de arte

El arte, una de las formas de la conciencia social, parte integral de la cultura espiritual de la humanidad, un tipo específico de exploración práctico-espiritual del mundo. En este sentido, el arte incluye un grupo de variedades de actividad humana - pintura, música, teatro, ficción (que a veces se distingue especialmente - la expresión "literatura y arte"), etc., combinadas porque son específicas - formas artísticas y figurativas reproducción de la realidad.

Definición señas de identidad El arte y su papel en la vida de las personas ha suscitado fuertes controversias a lo largo de la historia de la cultura. Fue declarado "imitación de la naturaleza" - y "creación de forma libre"; "reproducción de la realidad" - y "autoconocimiento del Absoluto", "autoexpresión del artista" - y "lenguaje de los sentimientos"; un tipo especial de juego - y un tipo especial de oración. Tales desacuerdos se deben a muchas razones: la diferencia en las posiciones filosóficas de los teóricos, sus actitudes ideológicas, la confianza en varios tipos de arte y métodos creativos (por ejemplo, literatura o arquitectura, clasicismo o realismo) y, finalmente, la complejidad objetiva de la estructura del arte mismo. Esta complejidad, la versatilidad de la estructura no es reconocida ni siquiera por algunos teóricos que definen la esencia del arte como epistemológica, ideológica, estética, creativa y creativa, etc. La insatisfacción con tales definiciones unilineales llevó a algunos historiadores del arte para afirmar que en el arte diferentes momentos están orgánicamente interconectados: cognición y evaluación de la realidad, o reflexión y creación, o modelo y signo. Pero incluso tales interpretaciones bidimensionales de su esencia no recrean su estructura compleja con la debida integridad.

El proceso de desarrollo histórico de la división social del trabajo ha llevado a que de la actividad vital humana originaria, fusionada y sincrética, hayan surgido diversas ramas de la producción material y espiritual, así como diversas formas de comunicación humana, que adquirieron un carácter independiente. existencia. A diferencia de la ciencia, el lenguaje y otras formas de actividad social especializada destinadas a satisfacer las diversas necesidades de las personas, el arte se reveló necesario para el hombre como forma de educación social holística del individuo, su desarrollo emocional e intelectual, su familiarización con el colectivo experiencia acumulada por la humanidad, con siglos de sabiduría, con determinados intereses sociales e históricos, aspiraciones, ideales. Pero para desempeñar este papel de herramienta poderosa para la socialización del individuo, el arte debe ser similar a la vida humana real, es decir, debe recrear (modelo) la vida en su integridad real y complejidad estructural. Debería "duplicar" la actividad de la vida real de una persona, ser su continuación y adición imaginarias, y por lo tanto expandir la experiencia de vida del individuo, permitiéndole "vivir" muchas "vidas" ilusorias en los "mundos" creados por escritores, músicos, pintores, etc.

Al mismo tiempo, el arte aparece al mismo tiempo como similar. vida real, y cuán diferente de él: ficticio, ilusorio, como un juego de imaginación, como una creación de manos humanas. Una obra de arte suscita al mismo tiempo las experiencias más profundas, semejantes a las experiencias de los hechos reales, y el placer estético que surge de su percepción precisamente como obra de arte, como modelo de vida creado por el hombre.

El arte como fenómeno social específico es un sistema complejo de cualidades, cuya estructura se caracteriza por una combinación de facetas (o subsistemas) cognitivas, evaluativas, creativas (espirituales y materiales) y comunicativas de signos. Gracias a ello, actúa tanto como medio de comunicación entre las personas, como herramienta para su esclarecimiento, enriqueciendo su conocimiento sobre el mundo y sobre sí mismos, y como forma de educar a la persona sobre la base de un determinado sistema de valores. , y como fuente de elevados goces estéticos.

La actividad artística y creativa de una persona se desarrolla en diversas formas, que se denominan tipos de arte, sus tipos y géneros. La abundancia y variedad de estas formas puede parecer un montón caótico, pero en realidad son naturales. sistema organizado especies, formas genéricas, genéricas. Así, según los medios materiales con los que se construyan las obras de arte, surgen objetivamente tres grupos de formas artísticas: 1) espaciales o plásticas (pintura, escultura, gráfica, fotografía artística, arquitectura, artes y oficios y diseño), es decir, e los que despliegan sus imágenes en el espacio; 2) temporales (verbales y musicales), es decir, aquellas donde las imágenes se construyen en el tiempo, y no en el espacio real; 3) espacio-tiempo (danza; arte de actuación y todo basado en ello; sintéticas -teatro, cine, arte televisivo, variedad circense, etc.), es decir, aquellas cuyas imágenes tienen a la vez extensión y duración, corporalidad y dinamismo. Por otra parte, en cada uno de estos tres grupos de artes, la actividad artística y creadora puede utilizar: 1) signos de tipo pictórico, es decir, aquellos que sugieran la similitud de las imágenes con la realidad percibida sensualmente (pintura, escultura, gráfica -la las llamadas bellas artes .; literatura, arte actoral); 2) signos de tipo no pictórico, es decir, que no permiten el reconocimiento en las imágenes de ningún objeto, fenómeno, acción real y se dirigen directamente a los mecanismos asociativos de percepción (artes arquitectónicas y aplicadas, música y danza); 3) signos de carácter mixto, pictórico-no pictórico, propios de formas sintéticas de creatividad (síntesis de arquitectura o artes decorativas y aplicadas con bellas artes; síntesis verbal-musical - canto y actuación-danza - pantomímica).

Cada tipo de arte se caracteriza directamente por la forma de existencia material de sus obras y el tipo de signos figurativos utilizados. Dentro de estos límites, todos sus tipos tienen variedades, determinadas por las características de tal o cual material y la consiguiente originalidad del lenguaje artístico. Así, las variedades del arte verbal son la creatividad oral y la literatura escrita; variedades de música - vocal y diferentes tipos música instrumental; variedad de artes escénicas: dramática, musical, marionetas, teatro de sombras, así como teatro y circo; variedades de danza: danza cotidiana, clásica, acrobática, gimnástica, danza sobre hielo, etc. Por otro lado, cada forma de arte tiene una división genérica y de género. Los criterios para estas divisiones se definen de diferentes maneras, pero la existencia misma de tipos de literatura como la épica, la lírica, el drama, tipos de bellas artes como el caballete, monumental-decorativo, miniatura, géneros de pintura como retrato, paisaje, bodegones, etc. d.

Así, el arte, tomado como un todo, es un sistema históricamente establecido de varias formas específicas de exploración artística del mundo, cada una de las cuales tiene características que son comunes a todas y únicas individualmente.

Artes y manualidades

Artes decorativas y aplicadas, sección de arte; Abarca una serie de ramas de la creatividad que se dedican a la creación de productos artísticos destinados principalmente a la vida cotidiana. Sus obras pueden ser: utensilios varios, muebles, tejidos, herramientas, vehículos, así como ropa y todo tipo de decoración. Junto a la división de las obras de artes decorativas y aplicadas según su finalidad práctica en la literatura científica a partir de la 2ª mitad del siglo XIX. se aprobó la clasificación de industrias por material (metal, cerámica, textil, madera) o por técnica (talla, pintura, bordado, estampación, fundición, repujado, taracea, etc.). Esta clasificación se debe al importante papel del principio constructivo-tecnológico en las artes y oficios y su conexión directa con la producción. Resolver en conjunto, como la arquitectura, las tareas prácticas y artísticas, las artes y la artesanía al mismo tiempo pertenece a las esferas de creación de valores tanto materiales como espirituales. Las obras de este tipo de arte son inseparables de la cultura material de su época contemporánea, están íntimamente relacionadas con el modo de vida que le corresponde, con una u otra de sus características étnicas y nacionales locales, y con las diferencias sociales y grupales. Al componer una parte orgánica del entorno del tema con el que una persona entra en contacto diario, las obras de arte y artesanía con sus méritos estéticos, la estructura figurativa, el carácter afectan constantemente el estado mental de una persona, su estado de ánimo, son una fuente importante de emociones. que afectan su actitud hacia el mundo que lo rodea.

Saturando estéticamente el entorno que rodea a una persona, las obras de este género son al mismo tiempo absorbidas por él, por así decirlo. suelen percibirse en relación con su solución arquitectónica y espacial, con otros objetos incluidos en él o sus complejos (servicio, conjunto de muebles, vestuario, conjunto joyas). Por lo tanto, el contenido ideológico de las obras de artes y oficios sólo se puede comprender mejor con una idea clara (real o recreada mentalmente) de estas relaciones del objeto con el entorno y con la persona.

La arquitectura de un objeto, determinada por su propósito, capacidades de diseño y propiedades plásticas del material, a menudo juega un papel fundamental en la composición de un producto artístico. A menudo, en las artes y oficios, la belleza del material, las proporciones proporcionadas de las piezas y la estructura rítmica sirven como el único medio para encarnar el contenido emocional y figurativo del producto (por ejemplo, cristalería u otros materiales sin color y sin decoración). . Aquí se manifiesta claramente la especial significación para las artes decorativas y aplicadas de los medios puramente emocionales, no pictóricos, del lenguaje artístico, cuyo uso lo relaciona con la arquitectura. Una imagen emocionalmente significativa a menudo se activa mediante una asociación de imágenes (comparación de la forma de un elemento con una gota, una flor, la figura de una persona, un animal, sus elementos individuales, con algún otro elemento: una campana, un balaustre , etc.). La decoración que aparece en el producto también afecta significativamente su estructura figurativa. A menudo se debe a su decoración. artículo de la casa se convierte en una obra de arte. Poseyendo su propia expresividad emocional, su propio ritmo y proporciones (a menudo contrastando en relación con la forma, como, por ejemplo, en los productos de los maestros de Khokhloma, donde modesto, forma simple los cuencos y la pintura elegante y festiva de la superficie son diferentes en su sonido emocional), la decoración modifica visualmente la forma y al mismo tiempo se fusiona con ella en una sola imagen artística.

Para crear decoración, adornos y elementos (por separado o en varias combinaciones) de bellas artes (escultura, pintura, menos a menudo gráficos) se utilizan ampliamente. Los medios de bellas artes y ornamentos sirven no solo para crear decoración, sino que a veces también penetran en la forma de un objeto (detalles de muebles en forma de palmetas, volutas, patas de animales, cabezas; recipientes en forma de flor, fruta, figura de pájaro, bestia, hombre). A veces, un adorno o una imagen se convierte en la base para dar forma a un producto (patrón de celosía, encaje, patrón de tejido, alfombra). La necesidad de coordinar la decoración con la forma, la imagen, con la escala y la naturaleza del producto, con su practicidad y propósito artístico conduce a la transformación de motivos pictóricos, a la convencionalidad de interpretación y comparación de elementos de la naturaleza (por ejemplo, la combinación de motivos de zarpa de león, alas de águila y cabeza de cisne en el diseño de la pata de la mesa).

En la unidad de las funciones artística y utilitaria del producto, en la interpenetración de forma y decoración, principios finos y tectónicos, se manifiesta la naturaleza sintética del arte decorativo y aplicado. Sus obras están diseñadas para la percepción por la vista y el tacto. Por lo tanto, al revelar la belleza de la textura y las propiedades plásticas del material, la habilidad y la variedad de métodos de su procesamiento adquieren la importancia de medios especialmente activos de influencia estética en las artes decorativas y aplicadas.

Cuadro

Pintura, un tipo de bellas artes, obras de arte que se crean utilizando pinturas aplicadas a cualquier superficie sólida. Al igual que otros tipos de arte, la pintura cumple tareas ideológicas y cognitivas, y también sirve como ámbito para la creación de valores estéticos objetivos, siendo una de las formas más desarrolladas del trabajo humano.

La pintura refleja ya la luz de ciertos conceptos evalúa el contenido espiritual de la época, su desarrollo social. Al influir poderosamente en los sentimientos y pensamientos de la audiencia, obligándolos a experimentar la realidad representada por el artista, sirve como un medio efectivo de educación social. Muchas obras de pintura tienen valor documental e informativo.

Debido a la claridad de la imagen, la valoración de la vida del artista, expresada en su obra, adquiere especial persuasión para el espectador. Creando imágenes artísticas, la pintura utiliza el color y el dibujo, la expresividad del trazo, que asegura la flexibilidad de su lenguaje, le permite, con una plenitud inaccesible a otros tipos de bellas artes, reproducir en el plano la riqueza cromática del mundo, la volumen de los objetos, su originalidad cualitativa y carne material, la profundidad del espacio representado, el ambiente de aire ligero. La pintura no solo encarna directa y visualmente todos los fenómenos visibles del mundo real (incluida la naturaleza en sus diversos estados), muestra imágenes amplias de la vida de las personas, sino que también se esfuerza por revelar e interpretar la esencia de los procesos que tienen lugar en la vida y la vida. paz interior persona.

La amplitud y exhaustividad de la cobertura de la realidad de que dispone este tipo de arte se refleja también en la abundancia de géneros que le son inherentes (histórico, cotidiano, bélico, animalista, etc.).

Por propósito, por la naturaleza de la actuación y las imágenes, distinguen: pintura decorativa monumental (pinturas murales, plafones, paneles), que participan en la organización del espacio arquitectónico, creando un entorno ideológicamente rico para una persona; caballete (pinturas), de naturaleza más íntima, por lo general no asociado con ningún lugar en particular; escenografía (bocetos de escenografía y vestuario teatral y cinematográfico); iconografía; miniatura (ilustraciones de manuscritos, retratos, etc.).

Según la naturaleza de las sustancias que unen el pigmento (tinte), según los métodos tecnológicos de fijación del pigmento en la superficie, pintura al óleo, pintura al agua, pinturas sobre yeso - crudo (fresco) y seco (a secco), témpera , pintura con pegamento, pintura con cera, esmalte, pintura con pinturas cerámicas (aglutinantes - vidrios fusibles, fundentes, esmaltes - se fijan disparando sobre cerámica), pinturas de silicato (aglutinante - vidrio soluble), etc. El mosaico y las vidrieras están directamente conectados con él. , decidiendo al igual que la pintura monumental, tareas pictóricas - decorativas. Para la realización de pinturas, también se utilizan acuarelas, gouache, pasteles y tintas.

El principal medio expresivo de la pintura, el color, con su expresión, la capacidad de evocar diversas asociaciones sensoriales, mejora la emotividad de la imagen, determina las amplias posibilidades visuales y decorativas de este tipo de arte. En las obras forma un sistema integral (color). Suele emplearse una u otra serie de colores interrelacionados y sus tonalidades (gamut colorful), aunque también hay pintura con tonalidades del mismo color (monocromo). La composición de color (el sistema de ubicación y relaciones de las manchas de color) proporciona una cierta unidad de color de la obra, afecta el curso de su percepción por parte del espectador, siendo una parte específica de la obra. estructura artistica. Otro medio expresivo de la pintura, el dibujo (línea y claroscuro), organiza la imagen rítmica y compositivamente junto con el color; la línea delimita volúmenes entre sí, es a menudo la base constructiva de la forma pictórica, permite generalizar o reproducir en detalle los contornos de los objetos, para identificar sus elementos más pequeños.

Arquitectura

Arquitectura (lat. architectura, del griego architéktón - constructor), arquitectura, un sistema de edificios y estructuras que forman un entorno espacial para la vida y las actividades de las personas, así como el arte mismo para crear estos edificios y estructuras de acuerdo con las leyes de la belleza. La arquitectura es una parte necesaria de los medios de producción y de los medios materiales de existencia de la sociedad humana. Sus imágenes artísticas juegan un papel importante en la vida espiritual de la sociedad. Las cualidades funcionales, constructivas y estéticas de la arquitectura (utilidad, solidez, belleza) están interrelacionadas.

Las obras de arquitectura son edificios con un espacio interior organizado, conjuntos de edificios, así como estructuras que sirven para diseñar espacios abiertos (monumentos, terrazas, terraplenes, etc.).

El sujeto de una organización con propósito es el espacio de un área poblada como un todo. La creación de ciudades, pueblos y la regulación de todo el sistema de poblamiento se destacó en un área especial, indisolublemente ligada a la arquitectura - urbanismo.

El medio más importante de solución práctica de la función y las tareas ideológicas y artísticas de la arquitectura es el equipo de construcción. Determina la posibilidad y viabilidad económica de implementar determinados sistemas espaciales. Las propiedades estéticas de las obras de arquitectura dependen en gran medida de la solución constructiva. El edificio no solo debe ser, sino también verse sólido. El exceso de material da la impresión de excesiva pesadez; la insuficiencia visible (aparente) del material se asocia con inestabilidad, falta de confiabilidad y causa emociones negativas. En el curso del desarrollo de la tecnología de la construcción, los nuevos principios de composición arquitectónica, correspondientes a las propiedades de los nuevos materiales y estructuras, pueden entrar en conflicto con los puntos de vista estéticos tradicionales. Pero a medida que el diseño se difunde y se domina aún más, las formas definidas por él no solo dejan de ser percibidas como inusuales, sino que también se convierten en una fuente de impacto emocional y estético en la conciencia de las masas.

Los cambios cualitativos en los equipos de construcción, la creación de nuevas estructuras y materiales han influido significativamente en la arquitectura moderna. De particular importancia es la sustitución de métodos de construcción artesanales por métodos industriales, asociados a procesos comunes desarrollo de la producción, con la necesidad de aumentar el ritmo de construcción en masa y requiere la introducción de la estandarización, diseños y piezas unificadas.

Los principales medios para crear una imagen artística en arquitectura son la formación del espacio y la arquitectura. Al crear una composición volumétrico-espacial (incluyendo organización interna estructuras) se utilizan los principios de simetría o asimetría, matices o contrastes a la hora de comparar elementos, sus diversas relaciones rítmicas, etc. De particular importancia en arquitectura son la proporcionalidad de las partes y el todo entre sí (un sistema de proporciones) y la proporcionalidad de una estructura y sus formas individuales a una persona (escala). La cantidad de medios artísticos de la arquitectura también incluye textura y color, cuya diversidad se logra mediante varios métodos de procesamiento de la superficie del edificio. Un sistema holístico artístico y expresivo de formas de obras de arquitectura que cumple con los requisitos funcionales y constructivos se denomina composición arquitectónica.

Comunidad estable de rasgos característicos forma de arte la arquitectura y su programa ideológico y de contenido forman su estilo. Características clave los estilos se manifiestan en el sistema de organización funcional y espacial de las estructuras, en su arquitectura, proporciones, plasticidad, decoración.

Escultura

Escultura (lat. sculptura, de sculpo - tallar, cortar), escultura, plástico (del griego plastike, de plasso - esculpir), una forma de arte basada en el principio de una imagen tridimensional, físicamente tridimensional de un objeto. Como regla general, el objeto de la imagen en la escultura es una persona, con menos frecuencia, animales (género animal), incluso más raramente, naturaleza (paisaje) y cosas (bodegones). Colocación de una figura en el espacio, transmisión de su movimiento, postura, gesto, modelado de luces y sombras que realza el relieve de la forma, la organización arquitectónica del volumen, el efecto visual de su masa, las relaciones de peso, la elección de las proporciones, específicas en cada caso, la naturaleza de la silueta son los principales medios expresivos de este tipo de arte. La forma escultórica volumétrica se construye en el espacio real de acuerdo con las leyes de armonía, ritmo, equilibrio, interacción con el entorno arquitectónico o entorno natural y sobre la base de las características anatómicas (estructurales) de un modelo particular observado en la naturaleza.

Hay dos tipos principales de escultura: escultura redonda, que se sitúa libremente en el espacio, y relieve, donde la imagen se sitúa sobre el plano que forma su fondo. Las obras del primero, que suelen requerir una mirada de conjunto, son: una estatua (figura de cuerpo entero), un grupo (dos o más figuras que forman un todo), una estatuilla (figura significativamente menor tamaño natural), torso (imagen de un torso humano), busto (imagen del pecho de una persona), etc.

Según el contenido y las funciones, la escultura se divide en monumental-decorativa, de caballete, etc. pequeña escultura. Aunque estas variedades se desarrollan en estrecha interacción, cada una de ellas tiene sus propias características. Monumental-decorativo: la escultura está diseñada para un determinado entorno arquitectónico-espacial o natural. Tiene un marcado carácter público, se dirige a las masas de espectadores, se sitúa principalmente en en lugares públicos- en las calles y plazas de la ciudad, en los parques, en las fachadas y en el interior de los edificios públicos. La escultura monumental y decorativa está diseñada para concretar la imagen arquitectónica, para complementar la expresividad de las formas arquitectónicas con nuevos matices. La capacidad de la escultura monumental y decorativa para resolver grandes tareas ideológicas y figurativas se revela con particular plenitud en las obras que se denominan monumentales y que suelen incluir monumentos urbanos, monumentos y estructuras conmemorativas. La majestuosidad de las formas y la perdurabilidad de la materia se combinan en ellas con la euforia del sistema figurativo, la amplitud de la generalización. La escultura de caballete, no relacionada directamente con la arquitectura, es más íntima. Salas de exposiciones, museos, interiores residenciales, donde se puede contemplar de cerca y con todo detalle, son su entorno habitual. Esto determina las características del lenguaje plástico de la escultura, sus dimensiones, géneros favoritos (retrato, género cotidiano, desnudo, género animal). La escultura de caballete, en mayor medida que monumental y decorativa, se caracteriza por el interés por el mundo interior de la persona, el psicologismo sutil y la narrativa. La escultura de formas pequeñas incluye una amplia gama de obras destinadas principalmente a interiores residenciales y, en muchos aspectos, se fusiona con las artes y la artesanía.

El propósito y el contenido de una obra escultórica determinan la naturaleza de su estructura plástica que, a su vez, influye en la elección del material escultórico. De características naturales y los métodos de procesamiento de este último dependen en gran medida de la técnica de la escultura. Para el modelado se utilizan sustancias blandas (arcilla, cera, plastilina, etc.); mientras que las herramientas más comunes son anillos de alambre y pilas. Las sustancias sólidas (varios tipos de piedra, madera, etc.) se procesan cortando (tallando) o tallando, eliminando partes innecesarias del material y liberando gradualmente, por así decirlo, una forma tridimensional escondida en él; para procesar un bloque de piedra, se utilizan un martillo (mazo) y un conjunto de herramientas de metal, para procesar madera, principalmente cinceles y taladros de forma. Las sustancias capaces de cambiar de un estado líquido a un estado sólido (diversos metales, yeso, hormigón, plástico, etc.) se utilizan para fundir esculturas utilizando moldes especiales.

Teatro

Teatro (del griego théatron - un lugar para espectáculos; espectáculo), una especie de arte. El teatro es una forma de conciencia social, es inseparable de la vida del pueblo, de su historia y cultura nacional. El teatro suele alcanzar un auge artístico cuando, imbuido de las ideas avanzadas de la época, lucha por los ideales humanistas, revela con profundidad y veracidad la complejidad del mundo interior de una persona, sus aspiraciones.

El reflejo artístico de la vida, la afirmación de determinadas ideas, cosmovisiones e ideologías tiene lugar en el teatro a través de una acción dramática realizada por actores frente al público. La lucha de personajes, la revelación de público y conflictos psicologicos, que influye en el destino de las personas, su relación es la base de la obra, el rendimiento. La especificidad del teatro requiere la unidad emocional y espiritual del escenario y el público, la presencia de intereses comunes entre los creadores de la representación y el público. El teatro tiene una gran importancia en materia de educación estética, moral y política. Para ello dispone de ricos medios de generalización artística, expresividad e influencia en el público masivo.

La base de la representación teatral es el drama. El teatro traduce una obra literaria al ámbito de la acción escénica y la imaginería teatral específica; los personajes y conflictos del drama están encarnados en personas y acciones vivas. La palabra, el discurso es el medio más importante con el que se equipa el teatro dramático. En el teatro, la palabra también está sujeta a las leyes de la acción dramática. En algunos casos, convierte el discurso en un medio de caracterización cotidiana del personaje, en otros, revela complejos conflictos de conciencia y psicología del personaje a través del tejido verbal del rol. El discurso en el escenario puede tomar la forma de una declaración larga (monólogo), fluir como una conversación con un compañero (diálogo), dirigirse al espectador o sonar como el reflejo de un héroe, su “monólogo interior”, etc.

El teatro es un arte colectivo. Una actuación es una obra que tiene unidad artística, la armonía de todos los elementos. Se crea bajo la dirección del director y de acuerdo con la intención del director, a través de los esfuerzos conjuntos de los actores, escenógrafo, compositor, coreógrafo y muchos otros. La actuación se basa en la interpretación del director de la obra, su género, decisión estilística. La acción de la representación se organiza en el tiempo (tempo, ritmo, subidas y bajadas de tensión emocional) y en el espacio (desarrollo de las plataformas escénicas, principio de su uso, puesta en escena, escenografía, movimiento, etc.).

El principal portador de la acción teatral es el actor, en cuya obra se plasma la esencia del teatro: la capacidad de captar al público del arte. el espectáculo de la vida que fluye directamente ante sus ojos, el proceso creativo de su encarnación. La imagen del actor se crea sobre la base de la obra y su interpretación por parte del director, director de la actuación. Pero incluso en el sistema de una actuación estrictamente organizada, el actor sigue siendo un artista independiente, capaz de recrear una imagen humana viva en el escenario, transmitiendo la complejidad y riqueza de la psicología humana utilizando los medios disponibles solo para él. El trabajo sobre uno mismo y sobre el papel en el proceso de ensayos, según K. S. Stanislavsky, son dos aspectos inextricablemente vinculados de la actividad del actor.

A menudo, un actor crea una imagen en el escenario que es diferente a la suya, en diferentes roles cambia externa e internamente. Al encarnar la apariencia, el carácter del personaje, el artista utiliza los medios de la expresividad plástica y rítmica, el arte del habla, las expresiones faciales y el gesto. La historia del teatro mundial conoce actores que poseían un dominio virtuoso de la transformación externa.

A teatro musical la acción se lleva a cabo por medio dramaturgia musical, que se basa en las leyes generales del drama: la presencia de un conflicto central claramente expresado, que se revela en la lucha de fuerzas opuestas, una cierta secuencia de etapas en la revelación de los dramas. intención. En cada uno de los tipos de artes escénicas musicales, estos patrones generales encuentran una refracción específica de acuerdo con la naturaleza de sus medios expresivos: en la ópera, la acción que se desarrolla en el escenario se expresa mediante la música, es decir, mediante el canto de los personajes, así como por el sonido de la orquesta; en el ballet, un papel análogo al canto en la ópera pertenece a la danza y la pantomima. Al mismo tiempo, en ambos casos, la música es el principal medio generalizador, uniendo todos los elementos del drama entre sí. En la opereta, que es una especie de ópera con diálogo hablado, el canto coplado y la danza tienen una gran importancia. En el género musical se utilizan los medios expresivos de las artes dramáticas, operísticas y coreográficas, el pop y la música cotidiana.

Música (del griego musike, literalmente - el arte de las musas), un tipo de arte que refleja la realidad y afecta a una persona a través de secuencias de sonido significativas y especialmente organizadas, que consisten principalmente en tonos. La música es un tipo específico de actividad sonora de las personas. Con otras variedades (habla, señalización instrumental-sonora, etc.), está unida por la capacidad de expresar pensamientos, emociones y procesos volitivos de una persona en forma audible y sirve como medio para comunicar a las personas y controlar su comportamiento. Al mismo tiempo, difiere significativamente de todas las demás variedades de actividad sonora humana. Si bien conserva cierta similitud con los sonidos de la vida real, el sonido musical difiere fundamentalmente de ellos en su tono estricto y organización temporal (rítmica). Estos sonidos están incluidos en los sistemas históricamente establecidos, que se basan en tonos. En cada pieza musical, los tonos forman su propio sistema de conexiones verticales y secuencias horizontales: su forma.

En el contenido de la música, los estados y procesos emocionales (así como las aspiraciones volitivas) juegan un papel dominante. Su lugar protagónico en el contenido musical está predeterminado por el carácter sonoro (entonación) y temporal de la música, lo que le permite, por un lado, apoyarse en la experiencia centenaria de personas que revelan externamente sus emociones y las transmiten a otros miembros. de la sociedad, primaria y principalmente a través precisamente de los sonidos y, por otro lado, - expresar adecuadamente la experiencia emocional como un movimiento, un proceso con todos sus cambios y matices, subidas y bajadas dinámicas, transiciones mutuas de emociones y sus colisiones.

De los diferentes tipos de emociones, la música encarna principalmente estados de ánimo. Los aspectos emocionales de las cualidades intelectuales y volitivas del individuo (y los procesos correspondientes) también están ampliamente representados en el contenido musical. Esto permite que este tipo de arte revele no solo el estado psicológico de las personas, sino también su carácter. En la expresión de emociones más concreta (pero no traducida al lenguaje de las palabras), muy sutil y "contagiosa", la música no conoce igual. Es en esto que se basa la definición generalizada de él como el "lenguaje del alma" (A. N. Serov).

Al luchar por un alcance más amplio del mundo de las ideas filosóficas y sociales, los compositores a menudo van más allá de la llamada música pura (instrumental sin programa), refiriéndose a la palabra como portadora de un contenido conceptual específico (música instrumental vocal y programática). , véase Programa musical), así como para escenificar la acción. Gracias a la síntesis con la palabra, la acción, etc., se forman nuevos tipos Imágenes de musicales, que están establemente vinculados a conciencia pública con conceptos e ideas expresadas por otros componentes de la síntesis, y luego pasan a M. “puras” como portadoras de los mismos conceptos e ideas. Para expresar pensamientos, los compositores también utilizan símbolos sonoros (cánticos o tonadas que han surgido en la práctica social, existentes en un determinado entorno social, que se han convertido en “emblemas musicales” de cualquier concepto) o crean sus propios “signos musicales” nuevos (por ejemplo, leitmotiv). Como resultado, el contenido de M. incluye un círculo de ideas enorme y en continuo enriquecimiento.

El contenido de diferentes tipos está disponible para la música: épica, dramática, lírica. Sin embargo, al mismo tiempo, debido a su naturaleza no pictórica, las letras se acercan más a él.

La encarnación material del contenido de la música, la forma de su existencia es forma musical- aquel sistema de sonidos musicales en el que se realizan las emociones, pensamientos y representaciones figurativas del compositor. Incluso tomados por separado, los sonidos musicales ya tienen posibilidades expresivas primarias. Cada uno de ellos es capaz de evocar una sensación fisiológica de placer o displacer, excitación o calma, tensión o descarga, así como sensaciones sinestésicas (pesadez o ligereza, calor o frío, oscuridad o luz, etc.) y las más simples asociaciones espaciales.

En cada pieza musical, a partir de los elementos individuales de su forma, en el proceso de su combinación y subordinación, se forma una estructura general que consta de varias estructuras privadas. Estos últimos incluyen estructuras: melódica, rítmica, armónica, textural, tímbrica, dinámica, etc. De particular importancia es la estructura temática, cuyos elementos son temas musicales(junto con varias especies y etapas de su cambio y desarrollo). En la mayoría de los estilos musicales, son los temas los portadores materiales de las imágenes musicales.

La música tiene su propia estructura. Así, en una cultura musical desarrollada, la creatividad está representada por muchas variedades que se pueden diferenciar según diversos criterios. 1) Por tipo de contenido: lírico, épico, dramático, así como heroico, trágico, humorístico, etc.; en otro aspecto - música seria y música ligera. 2) Por finalidad interpretativa: vocal e instrumental; en un aspecto diferente: solo, conjunto, orquestal, coral, mixto (con posibles especificaciones adicionales de composiciones: por ejemplo, para una orquesta sinfónica, para una orquesta de cámara, para jazz, etc.). 3) Por síntesis con otros tipos de arte y con la palabra: música teatral, música dance, software instrumental, melodrama (lectura con música), vocal con palabras. Música fuera de síntesis - vocalizaciones (canto sin palabras) e instrumental "pura" (sin programa). A su vez, el primero se divide en espectacular y concierto, el segundo, en misa doméstica y ritual. Cada una de las cuatro variedades resultantes (grupos de género) se puede diferenciar aún más.

Cinematografía

Cinematografía, un tipo de arte, cuyas obras se crean con la ayuda de la filmación de eventos reales, especialmente escenificados o recreados mediante la animación de los eventos de la realidad.

En cinematografía, las propiedades estéticas de la literatura, las artes escénicas y visuales y la música se sintetizan a partir de sus medios expresivos inherentes, de los cuales los principales son el carácter fotográfico de la imagen, que permite recrear cualquier imagen de la realidad con la máxima certeza, y el montaje. La movilidad de la cámara y la variedad de ópticas utilizadas en el rodaje permiten presentar en el encuadre grandes espacios y grandes masas de personas (plano general), pequeños grupos de personas en sus relaciones ( tiro medio), un retrato humano o un detalle separado ( de cerca). Gracias a esto, los aspectos más esenciales y estéticamente significativos del objeto representado se pueden distinguir dentro de los límites del marco. La combinación de planos en el montaje sirve como expresión del pensamiento del autor, crea continuidad en el desarrollo de la acción, organiza la narración visual y la hace posible mediante la comparación de las partes individuales. planes para interpretar metafóricamente la acción, forma el ritmo de la película.

La creación de una obra de arte cinematográfico, por regla general, es un proceso creativo y de producción complejo, que combina el trabajo de artistas de diferentes especialidades: un guionista (guionista); el director, que determina la interpretación e implementación de la idea y dirige el trabajo de los demás participantes en la producción; actores que encarnan las imágenes de personajes; un operador que caracteriza la acción por medio de la interpretación compositiva, tonal y cromática de los fotogramas; artista que encuentra característica pictórica ambiente de acción y vestuario de personajes (y en animación y característica externa caracteres); compositor, etc

Durante el desarrollo de la cinematografía, se formaron 4 tipos principales: cinematografía artística (de juegos), encarnando por medio de las artes escénicas obras de dramaturgia cinematográfica u obras adaptadas de prosa, dramaturgia, poesía; la cinematografía documental, que es clase especial el periodismo figurativo, basado fundamentalmente en la fijación directa al cine de la realidad; cinematografía animada, personajes gráficos o de marionetas "animados"; cinematografía de divulgación científica, utilizando los medios de estos 3 tipos para promover el conocimiento científico.

Las posibilidades de la épica, el lirismo y el drama están disponibles para la cinematografía artística, pero en películas que tienen personaje narrativo, siempre hay rasgos que los acercan al drama, en particular conflicto dramático. La cinematografía documental tiene toda la amplitud de posibilidades de los géneros periodísticos de la literatura y el periodismo. Combina tanto trabajos de periodismo cinematográfico figurativo como de cine informativo (reportaje fílmico). Las imágenes de animación gráfica y tridimensional se crean filmando fases sucesivas inmóviles del movimiento de personajes dibujados o títeres. Presta especial atención a la realización de películas para niños. La cinematografía de ciencia popular presenta a los espectadores la vida de la naturaleza y la sociedad, los descubrimientos e inventos científicos, recrea el curso de las búsquedas creativas de científicos y maestros del arte, y demuestra claramente los procesos físicos, químicos y biológicos. Para resolver estos problemas, utiliza tanto medios puramente didácticos como artístico-figurativos, según el tema y el propósito de la película.

Géneros cinematográficos que estaban delimitados con relativa claridad en las primeras etapas del desarrollo del cine (melodrama, película de aventuras, tira cómica, etc.) están cambiando, tendiendo a fusionarse, interpenetrarse o incluso desintegrarse. Las aspiraciones innovadoras de los directores de fotografía determinan la combinación en una obra de rasgos característicos de la prosa, el drama y la letra.

Bibliografía

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