Tramas y héroes de la forma musical de presentación. Tema: ¿Qué es una forma musical?

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Es costumbre llamar composición a una forma musical, es decir, las características de la construcción de una obra musical: la proporción y los métodos para desarrollar el material musical-temático, la proporción y la alternancia de claves.

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Lo que uno canta -el solista- es el canto de la canción. ¿Alguna vez has prestado atención a cómo está compuesta la canción? Especialmente una canción que muchas personas pueden cantar juntas: en una manifestación, en una campaña o por la noche en un incendio pionero. Parece estar dividido en dos partes, que luego se repiten varias veces. Estas dos partes son un coro o, de lo contrario, un verso (la palabra francesa pareado significa una estrofa) y un coro, también llamado estribillo (esta palabra también es francesa - estribillo).

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En las canciones corales, el coro a menudo lo realiza solo el cantante, y el coro recoge el coro. La canción no consta de uno, sino por lo general de varios versos. La música en ellos no suele cambiar o cambia muy poco, pero las palabras son diferentes cada vez. El estribillo siempre permanece igual tanto en el texto como en la música. Piensa en alguna canción pionera, o en una de esas que cantas cuando vas de campamento en verano, y comprueba por ti mismo cómo se construye. Por lo tanto, la forma en que se escriben la gran mayoría de las canciones se denomina forma de copla.

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Se basan en dos (o, en un rondó, varios) materiales temáticos diferentes. La forma en tales casos se basa en una comparación, desarrollo y, a veces, incluso una colisión de estos temas a menudo contrastantes y, a veces, incluso conflictivos.

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El tripartito se construye de acuerdo con el esquema, que generalmente se representa en letras como esta: ABA. Esto significa que se repite el episodio inicial al final, después del episodio intermedio contrastante. De esta forma, las partes medias de sinfonías y sonatas, partes de suites, varias piezas instrumentales, por ejemplo, muchos nocturnos, preludios y mazurcas de Chopin, canciones sin letra de Mendelssohn, romances de rusos y compositores extranjeros.

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La forma de dos partes es menos común, ya que tiene un matiz de incompletitud, comparaciones, como "sin conclusión", sin resultado. Su esquema: AB. También existen formas musicales basadas en un solo tema. Estas son, en primer lugar, variaciones, que pueden llamarse con mayor precisión un tema con variaciones (una historia separada en este libro también está dedicada a las variaciones). Además, muchas formas se basan en el mismo tema. música polifónica como fuga, canon, invención, chacona y passacaglia.

INSTITUCIÓN EDUCATIVA MUNICIPAL ESTATAL PARA LA EDUCACIÓN ADICIONAL DE LOS NIÑOS
Escuela de arte infantil Penzhinsky

GUIÓN DE LA CONVERSACIÓN
"HÉROES LITERATIVOS Y MUSICALES EN LAS OBRAS DE LOS COMPOSITORES - CLÁSICOS"

para estudiantes Escuela secundaria

Compilado por: Selezneva T. I.,

profesor de piano y musica

disciplinas teóricas del PDSH

Con. Kamenskoe

2016

Guión de conversación

"Héroes literarios y musicales en las obras de los compositores clásicos"

Buenas tardes queridos televidentes. Bienvenido al mundo de la música y la literatura. El encuentro con lo bello es siempre una fiesta. Por tradición, en la víspera de Año Nuevo, invitamos a los estudiantes de secundaria a conciertos preparados por estudiantes del departamento de piano. Los temas de conversación son muy diversos, las obras representan diferentes estilos y tendencias en el arte de la música. Hoy decidimos realizar nuestro evento junto con los estudiantes de 4to grado.

Jóvenes músicos prepararon una pequeña programa de conciertos, hizo presentaciones sobre compositores, y los estudiantes de una escuela integral nos presentarán a los héroes de las obras literarias, leerán pasajes poéticos. Para hacer el evento más interesante, incluimos cuestionarios, pruebas, visualización y escucha de extractos de obras musicales en nuestro programa.

Toda obra tiene contenido e imagen, revela algún tema.

El tema puede ser heroico, patriótico, lírico, fabuloso.

Demos ejemplos de obras literarias y musicales sobre temas heroicos, de cuentos de hadas, lírico-dramáticos, lírico-psicológicos, cotidianos. (Lista de niños)

Cada obra tiene un carácter, un estado de ánimo, una imagen.

En un poema podemos presentar una imagen de la naturaleza, una imagen de una persona (triste o alegre, valiente o cobarde, etc.). Si en una obra literaria un poeta o escritor transmite el estado de ánimo con la ayuda de palabras, entonces en la música, el contenido se revela a través de sonidos, notas.

Dmitry Eremenko abre nuestro programa, interpretará dos obras diversas, después de escucharlas, determine el carácter, el estado de ánimo y proponga un nombre para la imagen musical.

Suena "Etude" y "Sonatina" (Eremenko Dmitry)

En el repertorio de nuestros músicos hay obras que difieren en estilo y dirección. Recordemos qué tendencias musicales se encuentran en la música y la literatura, qué distingue las obras clásicas de las modernas. (estilo barroco, clasicismo, romanticismo, impresionismo).

Suena "Etude" y "Samba" (Deinega Polina)

Las obras musicales, como las obras literarias, tienen su propio género. En literatura, esto es una historia, un cuento, un poema, una epopeya, un cuento, una novela, una fábula. A géneros musicales incluyen: opera, ballet, concierto para algun instrumento, opereta, obras musicales, sinfonicas.

Cada género se divide en ciertos tipos: vocal, danza, instrumental.

Suena "Vals" interpretado por Vasina Elizaveta. Esta es una pieza instrumental que tiene los rasgos característicos de un baile de vals. Nombra las características de este baile. (Tamaño de tres cuartos, carácter agraciado, refiérase a los bailes de salón).

Muchos compositores, antes de escribir una obra, recurren a una fuente literaria. Recordemos qué cuentos de hadas lees, cuál es tu personaje de cuento de hadas favorito.

Los niños enumeran obras y autores.

Maestro. Ahora los jóvenes músicos nos enumerarán las obras que están escritas sobre cuentos de hadas.

Los niños enumeran piezas de música.

Maestro. Te sugiero que juegues un videojuego: identifica al héroe por el disfraz.

(Mostrar archivos de vídeo)

Chicos, ustedes conocen bien a los héroes literarios y musicales, saben que para montar una actuación musical se necesita música y una imagen literaria, una trama. Para ver la actuación, sugiero ir al teatro musical. ¿De qué está hecho el teatro?

Niños. El teatro está compuesto por un escenario. sala, casas de campo, balcones, cortinas, accesorios de iluminación, Foso de orquesta, presas, rejillas, etc.

cual entonces actuación musical vimos?

Niños. Vimos Cenicienta, El cascanueces, Romeo y Julieta.

Maestro. ¿Cuál es el nombre de la actuación en la que los actores no dicen nada, solo bailan y usan gestos?

Niños. Tal actuación se llama ballet (de la palabra ballo - "bailar").

Maestro. Enumera las partes del ballet.

Niños. Pas de deux, padet - trois, divertissement, la escena final - la apoteosis.

Hoy, en nuestro encuentro, se interpretarán obras de diversos géneros musicales, uno de los cuales es el ballet. El ballet tiene una trama fabulosa. Esta es La bella durmiente de P. I. Tchaikovsky. Este compositor será presentado por Dmitry Eremenko

Alumno. Cuenta la biografía del compositor, muestra una presentación

Visualización de una presentación.

Maestro. El contenido de la música de Tchaikovsky cubre las imágenes de la vida y la muerte, el amor, la naturaleza, la infancia, la vida circundante, revela de una manera nueva las obras de la literatura rusa y mundial: A. S. Pushkin y N. V. Gogol, W. Shakespeare y Dante. Hagamos una lista de estas obras.

Niños. Ópera "Eugene Onegin", "Reina de picas", obertura-fantasía "Romeo y Julieta", "Hamlet". Los ballets "El lago de los cisnes", "El cascanueces", "La bella durmiente" se escribieron sobre cuentos de hadas.

Maestro. ¿Y quién escribió el cuento de hadas?

Niños. escritor francés C. Perrault.

Maestro. Recordemos el contenido del cuento, los personajes principales.

Alumno. Vuelve a contar el contenido de la historia.

Maestro. ¿Cómo termina el ballet? (victoria del bien sobre el mal, la vida sobre la muerte)

Maestro. Te sugiero que veas un extracto del ballet "La bella durmiente".

Maestro. Y ahora a ir a siguiente pieza Sugiero jugar el juego. Los niños se dividen en dos grupos, se hacen preguntas unos a otros, gana el que da la mayor cantidad de respuestas correctas.

Las preguntas son pistas.

¿Qué personaje lleva el nombre de la ópera de Rimsky-Korsakov? (Sadko)

Cual era el nombre princesa del mar? (Voljova)

¿Qué epopeya formó la base de la trama de la ópera "Sadko"?

¿Quién era el padre de Volkhov? (rey del mar)

¿El instrumento tocado por Sadko? (gusli)

¿En qué se convierte una bandada de cisnes? (En chicas hermosas)

¿A orillas de qué lago cantó Sadko su canción? (Lago Ilmen)

Maestro. Chicos, recuerdan bien a los héroes de la epopeya. Y qué sabes sobre el compositor Rimsky-Korsakov y la ópera, recordemos sus componentes.

Alumno. Cuenta la biografía de Rimsky-Korsakov.

Niños. Los componentes de la ópera responden. Ópera (en latín opus) significa acción, obra, composición. Se refiere a genero vocal, incluye 4 acciones.

Tiene obertura, introducción, epílogo, aria, arietta, ariose, divertimento, etc.

Maestro. ¿Quién nos dirá el contenido de esta epopeya?

Niños. Leer extractos de la obra.

Maestro. Escuchemos un fragmento de la ópera Sadko.

Maestro. En las clases de literatura, memorizas extractos de obras. Ahora Eremenko Dmitry realizará un extracto para nosotros, y usted determinará el autor y nombrará el trabajo.

Alumno. Lee un extracto del cuento de hadas de Pushkin "El cuento del zar Saltan" (Eremenko D) Los niños determinan una obra literaria y musical.

Maestro. Ya hemos dicho que el compositor compone la música, el escritor escribe el libreto y la orquesta sinfónica interpreta la música.

Tendremos una pequeña competencia. Para cada una de las letras propuestas, debe inventar el nombre de las herramientas, seleccione las herramientas de ellas Orquesta Sinfónica y gente.

Se está jugando el juego "Crear una orquesta".

Maestro. A los chicos les gustaría que nombraras a otro compositor ruso, en cuyo trabajo hay muchos romances escritos con los versos de A. S. Pushkin "Recuerdo momento maravilloso”, “Noche de malvavisco”, “El fuego del deseo arde en la sangre”, “Aquí estoy, Inezilla”; E. Baratynsky "No tientes"; N. Kukolnik "La alondra", "Siguiente", "Duda"; Zhukovsky "Revisión nocturna". En la obra de este compositor también hay una ópera escrita basada en el poema de Pushkin. Nómbrelo y los personajes principales que actúan, a qué género pertenece.

Niños. Esta es la ópera "Ruslan y Lyudmila", un género fabuloso.

Maestro. Quiero llamar su atención sobre un concurso de música. En la pantalla sonarán extractos de obras musicales, y debe determinar el nombre y el compositor de la obra, y determinar el fragmento de la ópera Ruslan y Lyudmila.

Los temas se escuchan en grabaciones de video y audio.

En nuestra conversación hablamos de ópera y ballet. Me gustaría presentarles obras sinfónicas, pero no grandes sinfonías, sino pequeñas miniaturas, cuadros musicales. ¿Por qué exactamente para la orquesta? Porque hay muchos instrumentos en la orquesta, así que es más fácil hacer un dibujo. En música, una obra pequeña se llama miniatura. El prefijo "mini" significa "pequeño". En la música rusa, el maestro de tales miniaturas sinfónicas fue Anatoly Konstantinovich Lyadov. (1855 - 1914).

Las pinturas sinfónicas se llaman "Kikimora", "Lago Mágico", "Baba Yaga".

en el musical foto fabulosa» A. K. Lyadov representó no solo el "retrato" de Kikimora, sino también su carácter malicioso. "Kikimora (shishimora, maara) - un espíritu maligno, un bebé - una mujer invisible, que vive en una casa detrás de la estufa y hace hilado y tejido". El personaje de Kikimora está maravillosamente representado en el cuento de hadas de A. N. Tolstoy. La obra musical "Kikimora" está precedida por un programa de este tipo, tomado en forma de un extracto de la colección de I. Sakharov "Cuentos del pueblo ruso". .

Alumno. Lee una descripción de Kikimora.

Maestro. Escuchemos la pieza.

Escuchando la obra "Kikimora"

Maestro. Te sugiero que hagas un juego de prueba.

Prueba realizada - juego.

Conclusión

En nuestra reunión, todos ustedes aprendieron muchas cosas nuevas, descubrieron compositores y poetas de los que quizás hayan oído hablar antes, pero que no sabían muy bien cómo se interconecta su trabajo. Ahora, mientras lees o escuchas obras, prestarás atención a fuente literaria, y recuerda al compositor que escribió una ópera o ballet basado en esta trama.

La música obedece a las leyes de la vida, es realidad, por lo tanto impacta en las personas. Es muy importante aprender a escuchar y comprender. música clásica. Incluso en la escuela, los niños aprenden qué es una imagen musical y quién la crea. Muy a menudo, los maestros dan una definición al concepto de imagen: una partícula de vida. Las posibilidades más ricas del lenguaje de las melodías permiten a los compositores crear imágenes en obras musicales para realizar sus ideas creativas. Sumérgete en el rico mundo del arte musical, aprende sobre los diferentes tipos de imágenes que contiene.

¿Qué es una imagen musical?

Es imposible dominar la cultura musical sin la percepción de este arte. Es la percepción la que posibilita la realización de actividades compositivas, auditivas, interpretativas, pedagógicas, musicológicas. La percepción permite comprender qué es una imagen musical y cómo nace. Cabe señalar que el compositor crea una imagen bajo la influencia de las impresiones con la ayuda de imaginación creativa. Para que sea más fácil comprender qué es una imagen musical, es mejor imaginarla como una combinación de medios expresivos musicales, estilo, carácter de la música, construcción de una obra.

La música se puede llamar un arte vivo que reúne muchas actividades. Los sonidos de las melodías encarnan el contenido de la vida. La imagen de una obra musical significa pensamientos, sentimientos, experiencias, acciones de ciertas personas, diversas manifestaciones naturales. Además, este concepto implica eventos de la vida de alguien, las actividades de toda una nación y la humanidad.

La imagen musical en la música es la complejidad de carácter, medios musicales y expresivos, condiciones socio-históricas de origen, principios de construcción y estilo del compositor. Estos son los principales tipos de imágenes en la música:

1. Lírico. Transmite las experiencias personales del autor, lo revela. mundo espiritual. El compositor transmite sentimientos, estado de ánimo, sensaciones. No hay acciones aquí.
2. Épico. Narra, describe algunos hechos de la vida del pueblo, habla de su historia y hazañas.
3. Dramático. Representa la vida privada de una persona, sus conflictos y enfrentamientos con la sociedad.
4. Hada. Muestra fantasías e imaginaciones ficticias.
5. Cómic. Expone todo mal, usando situaciones graciosas y lo repentino.

imagen lírica

En la antigüedad había un instrumento de cuerda tan popular: la lira. Los cantantes transmitieron sus diversas experiencias y emociones con la ayuda de este. De él surgió el concepto de letra, que transmite profundas experiencias emocionales, pensamientos y sentimientos. La imagen musical lírica tiene elementos emocionales y subjetivos. Con su ayuda, el compositor transmite su mundo espiritual individual. Una obra lírica no incluye ningún evento, solo transmite un estado de ánimo. héroe lírico, esta es su confesión.

Muchos compositores han aprendido a transmitir letras a través de la música, porque está muy cerca de la poesía. al instrumental obras líricas incluyen las obras de Beethoven, Schubert, Mozart, Vivaldi. Rachmaninov y Tchaikovsky también trabajaron en esta dirección. Musical Imágenes de letras se formaron con melodías. Es imposible formular el propósito de la música mejor que Beethoven: "Lo que viene del corazón debe conducir a él". Formando la definición de la imagen del arte musical, muchos investigadores toman esta misma declaración. En su Sonata de Primavera, Beethoven hizo de la naturaleza un símbolo del despertar del mundo de la hibernación. La imagen musical y la habilidad del intérprete ayudan a ver en la sonata no solo la primavera, sino también la alegría y la libertad.

También hay que recordar que Sonata de luz de Luna"Beethoven. Esta es una verdadera obra maestra con una imagen musical y artística para piano. La melodía es apasionada, persistente y termina en una desesperación sin esperanza.

La lírica en las obras maestras de los compositores se conecta con el pensamiento figurativo. El autor trata de mostrar qué huella dejó en su alma tal o cual acontecimiento. Prokofiev simplemente transmitió hábilmente las "melodías del alma" en el vals de Natasha Rostova en la ópera "Guerra y paz". La naturaleza del vals es muy suave, uno puede sentir timidez, lentitud y, al mismo tiempo, emoción, sed de felicidad. Otro ejemplo de la imagen y maestría musical lírica del compositor es Tatyana de la ópera Eugene Onegin de Tchaikovsky. Además, las obras de Schubert "Serenade", Tchaikovsky "Melody", Rachmaninov "Vocalise" pueden servir como ejemplo de una imagen musical (lírica).

Imagen musical dramática

En griego, "drama" significa "acción". Mediante el uso obra dramatica El autor transmite acontecimientos a través de los diálogos de los personajes. En la literatura de muchos pueblos, tales obras existieron hace mucho tiempo. También hay imágenes musicales dramáticas en la música. Sus compositores muestran a través de las acciones de los héroes que buscan una salida a la situación, entrando en combate con sus enemigos. Estas acciones son muy sentimientos fuertes que te hacen hacer cosas.

El público ve al héroe dramático en una lucha constante, que lo lleva a la victoria oa la muerte. Las acciones son lo primero, no los sentimientos. Los personajes dramáticos más llamativos son los de Shakespeare: Macbeth, Othello, Hamlet. Otelo está celoso, lo que lo lleva a la tragedia. Hamlet es vencido por el deseo de vengarse de los asesinos de su padre. La fuerte sed de poder de Macbeth lo impulsa a matar al rey. Sin una imagen musical dramática en la música, el drama es impensable. Es el nervio, la fuente, el foco de la obra. El héroe dramático se presenta como esclavo de la pasión, que lo conduce al desastre.

Un ejemplo conflicto dramático es la ópera de Tchaikovsky "La dama de picas" basada en la historia del mismo nombre de Pushkin. Al principio, el público conoce al pobre oficial Herman, que sueña con hacerse rico rápida y fácilmente. Él nunca ha estado involucrado antes juego, aunque en el fondo era un jugador. Herman se siente estimulado por su amor por la rica heredera de una anciana condesa. Todo el drama es que la boda no puede llevarse a cabo por su pobreza. Pronto Herman se entera del secreto de la vieja condesa: supuestamente ella guarda el secreto de tres cartas. El oficial está abrumado por el deseo de descubrir este secreto a toda costa para frustrar gran puntaje. Herman llega a la casa de la condesa y la amenaza con un arma. La anciana muere de miedo, sin traicionar el secreto. Por la noche, un fantasma se acerca a Herman y susurra las preciadas cartas: "Tres, siete, as". Acude a su amada Lisa y le confiesa que la anciana condesa murió por su culpa. Lisa, por el dolor, se arrojó al río y se ahogó. Las preciadas palabras del fantasma persiguen a Herman, él va a la casa de juego. Las dos primeras apuestas, al tres y al siete, resultaron exitosas. La victoria ha llamado tanto la atención de Herman que va all-in y apuesta todo el dinero ganado al as. La intensidad del drama se acerca a su punto máximo, en lugar de un as en la baraja hay una reina de picas. En este momento, Herman reconoce a la anciana condesa en la dama de picas. La derrota final lleva al héroe al suicidio.

Vale la pena comparar cómo Pushkin y Tchaikovsky muestran el drama de su héroe. Alexander Sergeevich demostró que Hermann era frío y prudente, quería usar a Lisa para su propio enriquecimiento. Tchaikovsky adoptó un enfoque ligeramente diferente para retratar a su personaje dramático. El compositor cambia ligeramente los caracteres de sus personajes, porque su imagen necesita inspiración. Tchaikovsky mostró a Herman como romántico, enamorado de Liza, con una imaginación ardiente. Solo una pasión desplaza la imagen del amado de la cabeza de un oficial: el secreto de las tres cartas. El mundo de imágenes musicales de esta ópera dramática es muy rico e impresionante.

Otro ejemplo de balada dramática es El rey del bosque de Schubert. El compositor mostró la lucha entre dos mundos: real y ficticio. Schubert se caracterizó por el romanticismo, estaba fascinado por el misticismo y la obra resultó bastante dramática. La colisión de dos mundos es muy brillante. mundo real encarnado en la imagen de un padre que mira con sensatez y calma la realidad y no se da cuenta del Rey del Bosque. Su hijo vive en un mundo místico, está enfermo y el Rey del Bosque se le parece. Schubert muestra una imagen fantástica de un bosque misterioso envuelto en una neblina sombría y un padre que corre a través de él en un caballo con un niño moribundo en sus brazos. El compositor da su propia característica a cada personaje. El niño moribundo está tenso, asustado, en sus palabras hay una súplica de ayuda. Un niño delirante entra en el terrible reino del formidable Rey del Bosque. El padre hace todo lo posible para calmar al niño.

Toda la balada está impregnada de un ritmo pesado, el paso del caballo representa una fracción de octava ininterrumpida. Schubert creó una completa ilusión visual-auditiva llena de dramatismo. Al final, la dinámica del desarrollo musical de la balada termina, ya que el padre siguió las manos de los muertos bebé. Estas son las imágenes musicales (dramáticas) que ayudaron a Schubert a crear una de sus creaciones más impresionantes.

Retratos épicos en la música

Traducido del griego, "epos" significa una historia, una palabra, una canción. En obras épicas, el autor habla de personas, los eventos en los que participan. Personajes, circunstancias, sociales y entorno natural. Las obras literarias épicas incluyen cuentos, leyendas, epopeyas, novelas. La mayoría de las veces, los compositores usan poemas para escribir obras épicas, cuentan hechos heroicos. De la epopeya puedes aprender sobre la vida de los pueblos antiguos, su historia y hazañas. Las principales imágenes musicales dramáticas y la habilidad del compositor representan personajes específicos, eventos, historias, naturaleza.

La epopeya se basa en eventos reales, pero también hay un elemento de ficción en él. El autor idealiza y mitifica a sus personajes. Están dotados de heroísmo, realizan hazañas. también hay caracteres negativos. La epopeya en la música muestra no solo personas específicas, sino también eventos, naturaleza, que simbolizan la tierra natal en una época histórica particular. Entonces, muchos maestros presentan una lección de imagen musical en el sexto grado con la ayuda de extractos de la ópera "Sadko" de Rimsky-Korsakov. Los estudiantes intentan comprender por qué medio musical el compositor pudo dibujar un retrato del héroe después de escuchar la canción de Sadko "Oh, tu roble oscuro". Los niños escuchan una melodía suave y melodiosa, un ritmo uniforme. Gradualmente, el mayor es reemplazado por un menor, el tempo se ralentiza. La ópera es más bien triste, lúgubre y reflexiva.

El compositor trabajó en estilo épico " puñado poderoso" A.P. Borodin. La lista de sus obras épicas puede incluir Bogatyr Symphony No. 2, la ópera Prince Igor. En Symphony No. 2, Borodin capturó la poderosa patria heroica. Al principio, hay una melodía melodiosa y suave, luego se vuelve en uno entrecortado. Un ritmo uniforme se reemplaza por uno punteado, un tempo lento se combina con una clave menor.

Monumento cultura medieval se considera el famoso poema "El cuento de la campaña de Igor". La obra cuenta la campaña del príncipe Igor contra los polovtsianos. Aquí se crearon brillantes retratos épicos de príncipes, boyardos, Yaroslavna, Polovtsian khans. La ópera comienza con una obertura, luego hay un prólogo sobre cómo Igor prepara su ejército para una campaña, observa Eclipse solar. Siguen cuatro actos de la ópera. Un momento muy llamativo en el trabajo es el llanto de Yaroslavna. Al final, el pueblo canta gloria al príncipe Igor y su esposa, aunque la campaña terminó en derrota y muerte del ejército. Para mostrar héroe histórico de esa época, la imagen musical del intérprete es muy importante.

También vale la pena incluir en la lista de creaciones épicas el trabajo de "Bogatyr Gates" de Mussorgsky, "Ivan Susanin" de Glinka, "Alexander Nevsky" de Prokofiev. Los compositores transmitieron las hazañas heroicas de sus héroes por diversos medios musicales.

Fabulosa imagen musical

La misma palabra "fabuloso" se encuentra en la trama de tales obras. El creador más llamativo de las creaciones de cuentos de hadas puede llamarse Rimsky-Korsakov. Incluso desde el plan de estudios de la escuela, los niños aprenderán su famosa ópera de cuento de hadas "La doncella de nieve", "El gallo dorado", "El cuento del zar Saltan". También es imposible no recordar suite sinfónica"Scheherazade" basada en el libro "1001 noches". fabuloso y imágenes fantásticas en la música de Rimsky-Korsakov están en estrecha unidad con la naturaleza. Son los cuentos de hadas los que sientan la base moral en una persona, los niños comienzan a distinguir el bien del mal, aprenden misericordia, justicia, condenan la crueldad y el engaño. Como profesor, Rimsky-Korsakov habló sobre los altos sentimientos humanos en el lenguaje de un cuento de hadas. Además de las óperas anteriores, se pueden nombrar "Kashchei the Immortal", "The Night Before Christmas", "May Night", " novia real". Las melodías del compositor tienen una estructura melódica-rítmica compleja, son virtuosas y móviles.

musica fantastica

Cabe mencionar las fantásticas imágenes musicales en la música. obras fantasticas mucho se crea cada año. Desde la antigüedad, diversas baladas y canciones folclóricas alaban diferentes héroes. La cultura musical comenzó a llenarse de fantasía en la era del romanticismo. Elementos de fantasía se encuentran en las obras de Gluck, Beethoven, Mozart. Los escritores más destacados de motivos fantásticos fueron compositores alemanes: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. En sus composiciones suenan entonaciones góticas. El elemento fabuloso-fantástico de estas melodías se entrelaza con el tema de la oposición del hombre al mundo que lo rodea. La epopeya popular con elementos de fantasía es la base de las obras del compositor noruego Edvard Grieg.

¿Son imágenes fantásticas inherentes al ruso? arte musical? El compositor Mussorgsky llenó sus creaciones Cuadros de una exposición y Noche en la montaña calva con motivos fantásticos. Los espectadores pueden ver el sábado de las brujas por la noche en la fiesta de Ivan Kupala. Mussorgsky también escribió una interpretación de la "Feria de Sorochinsky" de Gogol. Se pueden ver elementos de fantasía en las obras de "Sirena" de Tchaikovsky y "El invitado de piedra" de Dargomyzhsky. Maestros como Glinka ("Ruslan y Lyudmila"), Rubinstein ("The Demon"), Rimsky-Korsakov ("The Golden Cockerel") no se mantuvieron al margen de la fantasía.

El experimentador Scriabin, que utilizó elementos de música ligera, hizo un verdadero avance revolucionario en el arte sintético. En sus obras, ingresó especialmente líneas para la luz. Sus escritos están llenos de fantasía. poema divino"," Prometeo "," Poema de éxtasis. "Algunos trucos de fantasía estaban presentes incluso entre los realistas Kabalevsky y Shostakovich.

El advenimiento de la tecnología informática ha convertido a la música fantástica en la favorita de muchos. Películas con composiciones fantásticas comenzaron a aparecer en las pantallas de televisión y cines. Tras la llegada de los sintetizadores musicales, se abrieron grandes perspectivas para los motivos fantásticos. Ha llegado la era en que los compositores pueden esculpir música como escultores.

Exhibiciones cómicas en obras musicales

Es difícil hablar de imágenes cómicas en la música. Pocos críticos de arte caracterizan esta tendencia. La tarea de la música cómica es corregir con la risa. Son las sonrisas las verdaderas compañeras de la música cómica. El género cómico es más ligero, no necesita condiciones que traigan sufrimiento a los héroes.

Para crear un momento cómico en la música, los compositores utilizan el efecto de sorpresa. Entonces, J. Haydn en una de sus sinfonías de Londres creó una melodía con una parte de timbales, que sacude instantáneamente a los oyentes. Un disparo de pistola rompe la suave melodía en un vals con una sorpresa ("Bullseye!") de Strauss. Esto inmediatamente alegra la habitación.

Todas las bromas, incluso las musicales, llevan consigo divertidos absurdos, divertidas inconsistencias. Muchos están familiarizados con el género de las marchas cómicas, las marchas de broma. La marcha de Prokofiev de la colección "Música infantil" está dotada de comedia de principio a fin. Los personajes cómicos se pueden ver en "Las bodas de Fígaro" de Mozart, donde ya se escuchan risas y humor en la introducción. Alegre e inteligente Figaro hábilmente astuto frente al conde.

Elementos de la sátira en la música.

Otro tipo de cómic es la sátira. La rigidez es inherente al género satírico, es formidable, candente. Con la ayuda de momentos satíricos, los compositores exageran, exageran algunos fenómenos para exponer la vulgaridad, la maldad y la inmoralidad. Entonces, Dodon de la ópera El gallo de oro de Rimsky-Korsakov, Farlaf de Ruslan de Glinka y Lyudmila pueden llamarse imágenes satíricas.

imagen de la naturaleza

El tema de la naturaleza es muy relevante no solo en la literatura, sino también en la música. Mostrando la naturaleza, los compositores representan su sonido real. El compositor M. Messiaen simplemente imita las voces de la naturaleza. Maestros ingleses y franceses como Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn pudieron transmitir las imágenes de la naturaleza y los sentimientos que evocan con una melodía. Rimsky-Korsakov y Mahler tienen una imagen panteísta especial de la naturaleza. La percepción romántica del mundo circundante se puede observar en la obra de teatro de Tchaikovsky "Las estaciones". Un personaje amable, soñador y afable es la composición "Primavera" de Sviridov.

Motivos folclóricos en el arte de la música.

Muchos compositores utilizaron melodías de canciones populares para crear sus obras maestras. Las melodías de canciones simples se convirtieron en la decoración de las composiciones orquestales. Imágenes de cuentos populares, epopeyas, leyendas formaron la base de muchas obras. Fueron utilizados por Glinka, Tchaikovsky, Borodin. El compositor Rimsky-Korsakov en la ópera "El cuento del zar Saltan" usó el ruso canción folk"Ya sea en el jardín, en el jardín" para crear la imagen de una ardilla. Las melodías populares se escuchan en la ópera Khovanshchina de Mussorgsky. Compositor Balakirev basado en Kabardian baile folclórico creó la famosa fantasía "Islamey". Moda en motivos folclóricos no desapareció en los clásicos. Muchas personas están familiarizadas con la acción sinfónica moderna de V. Gavrilin "Chimes".

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¿Qué es la forma en la música?

Es costumbre llamar composición a una forma musical, es decir, las características de la construcción de una obra musical: la proporción y los métodos para desarrollar el material musical-temático, la proporción y la alternancia de claves.

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forma de pareado

Lo que uno canta -el solista- es el canto de la canción. ¿Alguna vez has prestado atención a cómo está compuesta la canción? Especialmente una canción que muchas personas pueden cantar juntas: en una manifestación, en una campaña o por la noche en un incendio pionero. Parece estar dividido en dos partes, que luego se repiten varias veces. Estas dos partes: cantaban, de lo contrario, un verso (la palabra francesa copla significa una estrofa) y un coro, también llamado estribillo (esta palabra también es francesa - estribillo).

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En las canciones corales, el coro a menudo lo realiza solo el cantante, y el coro recoge el coro. La canción no consta de uno, sino por lo general de varios versos. La música en ellos no suele cambiar o cambia muy poco, pero las palabras son diferentes cada vez. El estribillo siempre permanece igual tanto en el texto como en la música. Piensa en alguna canción pionera, o en una de esas que cantas cuando vas de campamento en verano, y comprueba por ti mismo cómo se construye. Por lo tanto, la forma en que se escriben la gran mayoría de las canciones se denomina forma de copla.

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BARCO ESCOLAR Letra: Konstantin Ibryaev Música: Georgy Struve Y en un sereno día de septiembre, Y cuando llega febrero, Escuela, escuela, pareces un barco que se pierde en la distancia. Estribillo: Ahora nuestro reloj está en la pizarra, Entonces, un poco todos somos marineros. Estamos familiarizados con la sed de descubrimiento, Nuestros caminos están lejos. 2Cada año entramos juntos Nueva clase como un nuevo puerto. Y nuestros sueños y canciones, como siempre, los llevamos a bordo. Coro. Ahora nuestro reloj está en la pizarra, así que significa que todos somos un poco marineros. Estamos familiarizados con la sed de descubrimiento, Nuestros caminos están lejos. 3Tras las huellas de los héroes de Green, a través de las páginas Buenos libros Estamos bajo la vela invisible Para navegar recto con amigos. Coro. Ahora nuestro reloj está en la pizarra, así que significa que todos somos un poco marineros. Estamos familiarizados con la sed de descubrimiento, Nuestros caminos están lejos. 4 ¿Seremos marineros? ¿Conduciremos una nave estelar? Nunca dejaremos a un Hombre por la borda. Coro. Ahora nuestro reloj está en la pizarra, así que significa que todos somos un poco marineros. Estamos familiarizados con la sed de descubrimiento, Nuestros caminos están lejos.

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antigua forma de rondo

Se basan en dos (o, en un rondó, varios) materiales temáticos diferentes. La forma en tales casos se basa en una comparación, desarrollo y, a veces, incluso una colisión de estos temas a menudo contrastantes y, a veces, incluso conflictivos.

Diapositiva 7

forma tripartita

El tripartito se construye de acuerdo con el esquema, que generalmente se representa en letras como esta: ABA. Esto significa que se repite el episodio inicial al final, después del episodio intermedio contrastante. De esta forma, se escriben las partes medias de sinfonías y sonatas, partes de suites, varias piezas instrumentales, por ejemplo, muchos nocturnos, preludios y mazurcas de Chopin, canciones sin letra de Mendelssohn, romances de compositores rusos y extranjeros.

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forma de dos partes

La forma de dos partes es menos común, ya que tiene un matiz de incompletitud, comparaciones, como "sin conclusión", sin resultado. Su esquema: AB. También existen formas musicales basadas en un solo tema. Estas son, en primer lugar, variaciones, que pueden llamarse con mayor precisión un tema con variaciones (una historia separada en este libro también está dedicada a las variaciones). Además, muchas formas de música polifónica, como la fuga, el canon, la invención, la chacona y la pasacalles, se basan en el mismo tema.

Diapositiva 9

forma libre

es decir, una composición no relacionada con las formas musicales estándar establecidas. La mayoría de las veces, los compositores recurren a la forma libre al crear obras de programa, así como al componer todo tipo de fantasías y popurrís sobre temas prestados. Es cierto que, a menudo, en las formas libres hay características tripartitas, la más común de todas las construcciones musicales. No es casualidad que la más compleja, la más elevada de todas las formas musicales, la sonata, también sea básicamente de tres partes. Sus secciones principales (exposición, desarrollo y repetición) forman una estructura compleja de tres partes, una construcción simétrica y lógicamente completa.

Diapositiva 10

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Objetivos de la lección:

Material musical de la lección:

Ø R. Wagner.

Ø E. Krilatov, poesía N. Dobronravova.

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: ¿Qué es una forma musical? "Tramas" y "héroes" forma musical.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

La forma de arte es el contenido que se ha hecho visible.

I. Hofmiller

forma musical-

1. Holístico, sistema organizado medios expresivos de la música (melodía, ritmo, armonía, etc.), con la ayuda de los cuales su contenido ideológico y figurativo se materializa en una obra musical.

2. Construcción, estructura de una obra musical, proporción de sus partes. Los elementos de la forma musical son: motivo, frase, oración, punto. Varias maneras el desarrollo y la comparación de elementos conducen a la formación de diversas formas musicales. Las principales formas musicales: dos partes, tres partes, forma de sonata, variaciones, forma de copla, un grupo de formas cíclicas, formas libres, etc. La unidad del contenido y la forma de una obra musical es la condición principal y en el al mismo tiempo un signo de su valor artístico.

Es costumbre llamar composición a una forma musical, es decir, las características de la construcción de una obra musical: la proporción y los métodos para desarrollar el material musical-temático, la proporción y la alternancia de claves. Por supuesto, cada pieza musical tiene sus propias características únicas. Pero aún así, a lo largo de varios siglos de desarrollo de la música europea, se han desarrollado ciertos patrones y principios, según los cuales se construyen ciertos tipos de obras.

Con una de las formas musicales, todos estáis, sin duda, muy familiarizados. Esta es la forma de copla en la que se escriben las canciones. Semejante a ella llevando de ella su origen forma antigua rondó. Se basan en dos (o, en un rondó, varios) materiales temáticos diferentes. La forma en tales casos se basa en una comparación, desarrollo y, a veces, incluso una colisión de estos temas a menudo contrastantes y, a veces, incluso conflictivos.

Las formas de tres y dos partes también son comunes en la práctica musical. El tripartito se construye de acuerdo con el esquema, que generalmente se representa en letras como esta: ABA. Esto significa que se repite el episodio inicial al final, después del episodio intermedio contrastante. De esta forma, se escriben las partes medias de sinfonías y sonatas, partes de suites, varias piezas instrumentales, por ejemplo, muchos nocturnos, preludios y mazurcas de Chopin, canciones sin letra de Mendelssohn, romances de compositores rusos y extranjeros. La forma de dos partes es menos común, ya que tiene un matiz de incompletitud, comparaciones, como "sin conclusión", sin resultado. Su esquema: AB.

También existen formas musicales basadas en un solo tema. Estas son, en primer lugar, variaciones, que se pueden llamar con mayor precisión un tema con variaciones. Además, muchas formas de música polifónica, como la fuga, el canon, la invención, la chacona y la pasacalles, se basan en el mismo tema. Los cuentos "polifonía", "fuga", "variaciones" te los introducen.

También existe la llamada forma libre en la música, es decir, una composición que no está asociada con las formas musicales estándar establecidas. La mayoría de las veces, los compositores recurren a la forma libre al crear obras de programa, así como al componer todo tipo de fantasías y popurrís sobre temas prestados. Es cierto que, a menudo, en las formas libres hay características tripartitas, la más común de todas las construcciones musicales.

No es casualidad que la más compleja, la más elevada de todas las formas musicales, la sonata, también sea básicamente de tres partes. Sus secciones principales (exposición, desarrollo y repetición) forman una estructura compleja de tres partes, una construcción simétrica y lógicamente completa. Leerás sobre esto en la historia dedicada a la sonata.

MÚSICA DEL PROGRAMA

Estás escuchando un concierto para piano o violín, una sinfonía de Mozart o una sonata de Beethoven. Mientras disfrutas de una música maravillosa, puedes seguir su desarrollo, cuán diferente temas musicales cómo cambian, se desarrollan. O puedes reproducir en tu imaginación algunos dibujos, imágenes que sonando musica. Al mismo tiempo, tus fantasías seguramente serán diferentes a las que imagina otra persona que escucha música contigo. Por supuesto, no sucede que sientas el ruido de la batalla en los sonidos de la música y alguien más: una canción de cuna cariñosa. Pero la música tormentosa y formidable puede evocar asociaciones con los elementos desenfrenados, y con una tormenta de sentimientos en el alma de una persona, y con un formidable rugido de batalla...

Hay muchas piezas musicales en las que el compositor de una forma u otra explica su contenido a los oyentes. Entonces, Tchaikovsky llamó a su primera sinfonía "Sueños de invierno". Precedió a la primera parte con el título "Sueños en un camino de invierno", y la segunda - "Una tierra sombría, una tierra brumosa".

La música de programa es esa música instrumental, que se basa en un "programa", es decir, una trama o imagen muy específica.

Los programas son de diferentes tipos. A veces, el compositor vuelve a contar en detalle el contenido de cada episodio de su obra. Así, por ejemplo, Rimsky-Korsakov en su cuadro sinfónico "Sadko" o Lyadov en "Kikimor". Ocurre que, refiriéndose a conocidos obras literarias, el compositor considera suficiente solo indicar esta fuente literaria: significa que todos los oyentes lo conocen bien. Esto se hace en la Sinfonía Fausto de Liszt, Romeo y Julieta de Tchaikovsky y muchas otras obras.

También hay otro tipo de programación en la música, la llamada pictórica, cuando no hay un esquema argumental y la música dibuja un tipo de imagen, cuadro o paisaje. Tales son los bocetos sinfónicos de El mar de Debussy. Hay tres de ellos: "Del amanecer al mediodía en el mar", "El juego de las olas", "La conversación del viento con el mar". Y los "Cuadros de una exposición" de Mussorgsky se llaman así porque en ellos el compositor transmitió su impresión de algunas de las pinturas del artista Hartmann. Si aún no has escuchado esta música, intenta conocerla por todos los medios. Entre las imágenes que inspiraron al compositor están “Gnomo”, “ candado antiguo”, “Ballet de pollitos no eclosionados”, “Cabaña sobre patas de pollo”, “Puertas Bogatyr en la antigua Kyiv” y otros bocetos característicos y talentosos.

HISTORIA DE LA CREACIÓN

Wagner conoció la leyenda de Lohengrin en 1841, pero recién en 1845 esbozó el texto. Al año siguiente, se comenzó a trabajar en la música.

Un año después, la ópera se completó en clave y en marzo de 1848 la partitura estaba lista. El estreno previsto en Dresde no se llevó a cabo debido a los acontecimientos revolucionarios. La producción se llevó a cabo gracias al esfuerzo de F. Liszt y bajo su dirección dos años después, el 28 de agosto de 1850 en Weimar. Wagner vio su ópera en el escenario solo once años después del estreno.

La trama de Lohengrin se basa en varios cuentos populares interpretada libremente por Wagner. En los países costeros, entre los pueblos que viven a orillas de grandes ríos, están muy extendidas las leyendas poéticas sobre un caballero que navega en una barca tirada por un cisne. Aparece en el momento en que una niña o una viuda, abandonada y perseguida por todos, corre peligro de muerte. El caballero libera a la niña de sus enemigos y se casa con ella. Viven felices durante muchos años, pero de repente el cisne regresa y el extraño desaparece tan misteriosamente como apareció. A menudo, las leyendas del "cisne" se entrelazaban con cuentos del Santo Grial. El caballero desconocido resultó entonces ser el hijo de Parsifal, el rey del Grial, quien reunió a su alrededor a los héroes que custodian el misterioso tesoro, que les da una fuerza milagrosa en la lucha contra el mal y la injusticia. A veces, los eventos legendarios se transfirieron a una determinada época histórica: al reinado de Enrique I el Cazador (919-936).

Las leyendas de Lohengrin inspiraron a muchos poetas medievales, uno de ellos es Wolfram Eschenbach, a quien Wagner sacó a relucir en su Tannhäuser.

Según el propio Wagner, los motivos cristianos de la leyenda de Lohengrin le eran ajenos. El compositor vio en ella la encarnación de las eternas aspiraciones humanas de felicidad y amor sincero y desinteresado. La trágica soledad de Lohengrin le recordó al compositor su propio destino: el destino de un artista que trae a la gente altos ideales de verdad y belleza, pero se encuentra con la incomprensión, la envidia y la malicia.

Y en otros héroes, los cuentos de Wagner fueron atraídos por rasgos humanos vivos. Elsa, salvada por Lohengrin, con su alma ingenua y sencilla, le pareció al compositor la encarnación del poder elemental del espíritu nacional. Se opone a la figura de la malvada y vengativa Ortrud, personificación de todo lo inerte, reaccionario. En réplicas individuales de los personajes, en episodios paralelos de la ópera, se puede sentir el aliento de la época en que se creó Lohengrin: ecos de las esperanzas y aspiraciones del pueblo progresista de Alemania en la década de 1840 se escuchan en los llamados a la unidad del rey. , en la disposición de Lohengrin para defender la patria y su fe en la victoria venidera. Esta interpretación de viejas leyendas es típica de Wagner. Los mitos y las leyendas eran para él la encarnación de una profunda y eterna sabiduria popular, en la que el compositor buscaba respuesta a las preguntas de su tiempo que le preocupaban.

GRÁFICO

A orillas del río Escalda, cerca de Amberes, el rey Enrique el Pajarero reunió a los caballeros y les pidió ayuda: el enemigo amenaza de nuevo sus posesiones. El conde Friedrich Telramund apela a la justicia real. Al morir, el duque de Brabante le confió a sus hijos: Elsa y el pequeño Gottfried. Un día, Gottfried desapareció misteriosamente. Friedrich acusa a Elsa de fratricidio y exige su juicio. Como testigo, nombra a su esposa Ortrud. El rey ordena traer a Elsa. Todos están asombrados por su apariencia soñadora y sus extraños discursos entusiastas. Elsa dice que en un sueño se le apareció un hermoso caballero, quien le prometió ayuda y protección. Al escuchar la ingeniosa historia de Elsa, el rey no puede creer en su culpa. Friedrich está listo para probar su caso en un duelo con aquellos que defienden el honor de Elsa. El grito del heraldo está lejos, pero no hay respuesta. Friedrich ya está triunfante. De repente, sobre las olas del Escalda, aparece un cisne, dibujando una torre; en él, apoyado en una espada, se encuentra un caballero desconocido con una armadura brillante. Al llegar a tierra, se despide cariñosamente del cisne y se aleja nadando lentamente. Lohengrin se declara protector de Elsa: está dispuesto a luchar por su honor y llamarla su esposa. Pero nunca debe preguntar el nombre del libertador. En un arranque de amor y gratitud, Elsa se jura fidelidad eterna. Comienza el duelo. Friedrich cae, derribado por Lohengrin; el caballero le concede generosamente la vida, pero le espera el destierro por calumnias.

Esa misma noche, Friedrich decide abandonar la ciudad. Le reprocha con enojo a su esposa: fue ella quien susurró falsas acusaciones contra Elsa y despertó en él ambiciosos sueños de poder. Ortrud ridiculiza sin piedad la cobardía de su marido. Ella no retrocederá hasta que se haya vengado, y las armas en su lucha serán la simulación y el engaño. No el dios cristiano, en quien Federico cree ciegamente, sino los antiguos dioses paganos vengativos la ayudarán. Elsa debe verse obligada a romper su juramento y hacer la pregunta fatal. No es difícil colarse en la confianza de Elsa: al ver a una mujer humilde y mal vestida en lugar de la ex arrogante y orgullosa Ortrud, Elsa perdona su antiguo enfado y odio y llama a compartir su alegría. Ortrud comienza un juego insidioso: agradece humildemente a Elsa por su amabilidad y le advierte contra los problemas con una preocupación fingida: el extraño no reveló el nombre o la familia de Elsa, puede dejarla repentinamente. Pero el corazón de la niña está libre de sospechas. llega la mañana. La gente se reúne en la plaza. Comienza la procesión nupcial. De repente, Ortrud bloquea el camino de Elsa. Se quitó la máscara de humildad y ahora se burla abiertamente de Elsa, no sabiendo el nombre tu futuro cónyuge. Las palabras de Ortrud causan confusión general. Se intensifica cuando Frederick acusa públicamente a un caballero desconocido de brujería. Pero Lohengrin no teme la malicia de los enemigos: solo Elsa puede revelar su secreto y él está seguro de su amor. Elsa se encuentra avergonzada, luchando con dudas internas: el veneno de Ortrud ya ha envenenado su alma.

ceremonia de la boda acabado. Elsa y Lohengrnn se quedan solos. Nada perturba su felicidad. Sólo una ligera nube ensombrece la alegría de Elsa: no puede llamar a su marido por su nombre. Al principio, tímidamente, acariciando, y luego cada vez con más insistencia, intenta descubrir el secreto de Lohengrin. En vano Lohengrin tranquiliza a Elsa, en vano le recuerda el deber y el juramento, en vano le asegura que su amor es más querido para él que cualquier cosa en el mundo. Incapaz de superar sus sospechas, Elsa hace la pregunta fatal: ¿quién es y de dónde viene? En ese momento, Friedrich Telramund irrumpe en las cámaras con soldados armados. Lohengrin saca su espada y lo mata.

El día está ocupado. Los caballeros se reúnen a orillas del Escalda, listos para emprender una campaña contra los enemigos. De repente, las alegres camarillas del pueblo se callan: cuatro nobles llevan el cadáver de Friedrich cubierto con un manto: les sigue la silenciosa y afligida Elsa. La aparición de Lohengrin lo explica todo, Elsa no cumplió su juramento y él debe abandonar Brabante. El caballero revela su nombre: es hijo de Parsifal, enviado a la tierra por la hermandad del Grial para proteger a los oprimidos y ofendidos. La gente debe creer en el mensajero del cielo; si tienen dudas, el poder del Caballero del Grial desaparece y no puede permanecer en la tierra. El cisne reaparece. Lohengrin se despide con tristeza de Elsa, predice un futuro glorioso para Alemania. Lohengrin libera al cisne, este desaparece en el agua, y el pequeño Gottfried, el hermano de Elsa, convertido en cisne por la brujería de Ortrud, emerge del río. Elsa no puede soportar la separación de Lohengrin. Ella muere en los brazos de su hermano. Y sobre las olas del Escalda, se desliza una lanzadera, llevada por la paloma blanca del Grial. En la canoa, apoyado tristemente en un escudo, se encuentra Lohengrin. El caballero deja la tierra para siempre y se retira a su misteriosa patria.

MÚSICA

Lohengrin es una de las óperas más completas y perfectas de Wagner. Revela con gran plenitud el rico mundo espiritual, las complejas vivencias de los personajes. La ópera representa vívidamente un choque agudo e irreconciliable de las fuerzas del bien y la verdad, encarnado en las imágenes de Lohengrin, Elsa, la gente y fuerzas oscuras, personificado por las sombrías figuras de Friedrich y Ortrud. La música de la ópera se distingue por una poesía rara, un lirismo espiritualizado sublime.

Esto ya es evidente en la introducción orquestal, donde surge en el sonido transparente de los violines una visión del hermoso reino del Grial, el país de un sueño irrealizable.

En el primer acto, la libre alternancia de la siena solista y coral está impregnada de una tensión dramática cada vez mayor. La historia de Elsa "Recuerdo cómo rezaba, con dolor en mi alma" transmite la naturaleza frágil y pura de la heroína soñadora y entusiasta. La imagen caballeresca de Lohengrin se revela en la despedida solemnemente sublime del cisne "Nada hacia atrás, oh mi cisne". El quinteto con el coro captura la meditación concentrada que envolvió a los presentes. El acto termina con un gran conjunto, en cuyo jubiloso júbilo se ahogan los comentarios enojados de Friedrich y Ortrud.

El segundo acto está lleno de fuertes contrastes. Su comienzo está envuelto en un ominoso crepúsculo, una atmósfera de maquinaciones malvadas, a lo que se opone la brillante caracterización de Elsa. En la segunda mitad del acto hay mucha luz solar, movimiento. Escenas cotidianas (el despertar del castillo, coros de guerreros de caballeros, una solemne procesión nupcial) sirven como colorido telón de fondo para la dramática colisión entre Elsa y Ortrud. El pequeño arioso de Elsa "Oh viento de alas ligeras" se calienta con una esperanza gozosa, una expectativa temblorosa de felicidad. El diálogo subsiguiente enfatiza la disimilitud de las heroínas: el llamado de Ortrud a dioses paganos tiene un carácter apasionado, patético, el discurso de Elsa está impregnado de cordialidad y calidez. La escena de conjunto extendida de la disputa entre Ortrud y Elsa en la catedral, las maliciosas calumnias de Ortrud y el discurso acalorado y emocionado de Elsa, impresiona con cambios de humor dinámicos. Una gran acumulación da lugar a un poderoso quinteto con un coro.

Hay dos escenas en el tercer acto. El primero está íntegramente dedicado al drama psicológico de Elsa y Lohengrin. En el centro de su dúo de amor. En el segundo gran lugar ocupan escenas de multitudes. Un brillante interludio orquestal te introduce en el animado ambiente de la fiesta nupcial con gritos militantes, sonido de armas e ingeniosas melodías. El coro de bodas "Joyful Day" está lleno de júbilo. El diálogo entre Lohengrin y Elsa "Un corazón arde tiernamente con un fuego maravilloso" es uno de los mejores episodios de la ópera; Las melodías líricas amplias y flexibles con una profundidad asombrosa transmiten un cambio de sentimientos, desde la intoxicación con felicidad hasta la colisión y la catástrofe.

La segunda pintura se abre con un colorido intermezzo orquestal construido sobre el paso de lista de las trompetas. En la historia de Lohengrin "En una tierra extranjera, en un lejano reino montañoso", una melodía transparente dibuja una imagen majestuosa y brillante del mensajero del Grial. Esta caracterización se complementa con una despedida dramática "Oh, mi cisne" y una apelación lúgubre e impetuosa a Elsa.

¾ R. Wagner. Intermedio del Acto III. De la ópera "Lohengrin" (audición).

Trabajo vocal y coral.

¾ R. Wagner. Intermedio del Acto III. De la ópera "Lohengrin" (audición).

¾ E. Krilatov, poesía N. Dobronravova. Solo creo en mástiles y sueños (cantando).

IV. Resumen de la lección.

V. Tarea.

Lección 18

Tema: "La forma de arte es el contenido que se ha hecho visible"

Objetivos de la lección:

Ø Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Ø Educar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Ø Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los más altos logros del arte musical.

Ø Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de géneros y formas musicales, medios expresividad musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Ø W. A. ​​Mozart.

Ø F. Schubert. Serenata (escuchar).

Ø E. Krilatov, poesía N. Dobronravova. Solo creo en mástiles y sueños (cantando).

Ø A. Zatsepin, poesía L. Derbeneva. Solo hay un momento (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: "La forma de arte es el contenido que se ha vuelto visible"

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

El contenido es a la vez “imágenes de fantasías cambiantes” y “sueños”, corriendo, deambulando, encontrando calma y plenitud solo en la nitidez y certeza de la forma. Antes del surgimiento de la obra, la idea aún no existe, no está formalizada, no realizada. Y solo después cómo se crea una obra, podemos juzgar todos los méritos de su contenido, no porque la forma sea más importante, sino porque el mundo está dispuesto de tal manera que el contenido fuera del formulario no puede existir .Por eso estudiar una forma musical es estudiar la música, cómo se hace, qué caminos sigue un pensamiento musical, en qué componentes se compone, formando composición y dramaturgia una pieza musical. Ya en la forma en que se compone una obra, los medios expresivos salen a relucir en ella, se adivina la intención del compositor. Preludio en Do mayor, Sonata en Si menor, etc. Esto significa que la elección del modo musical - mayor y menor, además de una clave específica, contiene un significado profundo. Se sabe que muchos compositores incluso tenían claves favoritas a las que asociaban ciertas representaciones figurativas. Quizás cuando Mozart recurrió a la tonalidad de Re menor, y Messiaen escribió sobre el significado de Fa sostenido mayor en sus obras, estos compositores fueron subjetivos (como, probablemente, aquellos músicos que tienen “audición de color”, es decir, asocian el suenan ciertas tonalidades con ciertos colores). Sin embargo, su música nos convence de la viva expresividad de los tonos escogidos, de su profunda vigencia figurativa. Por supuesto, la lúgubre y al mismo tiempo sublime Re menor en "Lacrimosa" del Réquiem de Mozart suena completamente diferente en la Melodía elegíaco-triste de Gluck de la ópera "Orfeo y Eurídice" o en la soñadora Serenata de Schubert. Después de todo, la elección de la tonalidad en sí misma no es importante, sino su conexión con la idea, la imagen, el medio de expresión musical.

¾ W. A. ​​Mozart. Réquiem. Lacrimosa (escuchando).

¾ F. Schubert. Serenata (escuchar).

Trabajo vocal y coral.

¾ E. Krilatov, poesía N. Dobronravova. Solo creo en mástiles y sueños (cantando).

¾ A. Zatsepin, poesía L. Derbeneva. Solo hay un momento (cantando).

IV. Resumen de la lección.

Cada elemento de la forma musical es el principal portador del contenido: por la forma en que suena la música, lo que domina en ella, cuáles son las características de su estructura, podemos juzgar sobre imagen musical, carácter, estado de ánimo.

V. Tarea.

Aprende letras y definiciones.

Lección 19

Tema: Del todo a los detalles

Objetivos de la lección:

Ø Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Ø Desarrollar una actitud atenta y benévola hacia el mundo que nos rodea.

Ø Educar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Ø Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, la propia creatividad.

Ø Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los más altos logros del arte musical.

Ø Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Ø W. A. ​​Mozart. Obertura de la ópera "Las bodas de Fígaro" (audición).

Ø F. Schubert. Molinillo de órganos. De ciclo vocal"Winter Way" (escuchando).

Ø E. Krilatov, poesía N. Dobronravova. Solo creo en mástiles y sueños (cantando).

Ø A. Zatsepin, poesía L. Derbeneva. Solo hay un momento (cantando).

Ø E. Kolmanovsky, poesía L. Derbenev, I. Shaferan. Serenata de Moscú (cantando).

Ø A. Rybnikov, poesía R. Tagore. El último poema. De la película "Nunca soñaste" (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

LAS BODAS DE FIGARO (Le nozze di Figaro) - ópera buffa de W. A. ​​​​Mozart en 4 actos, libreto de L. da Ponte. Estreno: Viena, 1 de mayo de 1786, dirigida por el autor.

Cuando Mozart decidió escribir Las bodas de Fígaro, ya existían obras sobre el tema de El barbero de Sevilla -G. Paisiello (1782), F. L. Benda y otros- Se acepta generalmente que el éxito de la ópera de Paisiello motivó a Mozart a recurrir a Segunda obra de Beaumarchais sobre Figaro. Quizás este motivo jugó papel conocido pero, por supuesto, no fue decisivo. La popularidad de ambas obras de Beaumarchais, su perfección artística, ingenio y, sobre todo, agudeza social atrajeron la simpatía de Mozart, hombre y artista consciente de la humillante posición de un músico en la sociedad feudal. La imagen de Fígaro, representante del naciente tercer poder, hablando en defensa dignidad humana, personificó las ideas democráticas de su tiempo. Sin embargo, en Austria la comedia de Beaumarchais fue prohibida y para obtener el permiso para montar la ópera fue necesario hacer concesiones a la censura. Por lo tanto, al reelaborar la comedia en un libreto, se tuvieron que omitir muchas de las líneas de Figaro. Sin embargo, no son estas abreviaturas del texto las que determinan la naturaleza de la obra, que conserva la orientación antifeudal de la comedia de Beaumarchais.

La ópera expresa claramente la idea de la superioridad de un nativo del pueblo inteligente, emprendedor y valiente sobre un noble depravado, arrogante e hipócrita. Mozart no solo retuvo los motivos ideológicos básicos y más importantes de la comedia; repensó, profundizó y enriqueció las imágenes de los personajes, dramatizó con audacia la acción. Su condesa se siente más profunda y delgada que en una comedia. Sus experiencias son dramáticas, aunque sigue siendo un personaje de ópera cómica. También se enriquecen imágenes puramente bufonescas como, por ejemplo, Marcellina. En el momento en que descubre que Figaro es su hijo, el melos de su fiesta cambia irreconociblemente: un sentimiento sincero y emocionado desplaza las entonaciones habituales de un personaje cómico. Una nueva comprensión del sistema del drama operístico encontró expresión en la expansión del papel de los conjuntos: en la ópera de Mozart, su número (14) es igual al número de arias. Si antes la acción se revelaba en recitativos, y las arias y los conjuntos eran, por así decirlo, una parada en el desarrollo de la trama, entonces en Mozart también mueven la acción. Debido a la inagotabilidad de la inspiración, la expresividad más rara, "Las bodas de Fígaro" es el hito más importante en la historia del mundo. teatro musical.

HISTORIA DE LA CREACIÓN

La trama de la ópera está tomada de la comedia del famoso dramaturgo francés P. Beaumarchais (1732-1799) Crazy Day, o The Marriage of Figaro (1781), que es la segunda parte de la trilogía dramática (la primera parte - The Barbero de Sevilla, 1773 - sirvió de base a las óperas homónimas de D. Rossini). La comedia apareció en los años inmediatamente anteriores. revolución Francesa(presentada por primera vez en París en 1784), y debido a sus tendencias antifeudales provocó una gran protesta pública. "Las bodas de Fígaro" de Mozart atrajo no solo la vivacidad de los personajes, la rapidez de la acción, el ingenio cómico, sino también la orientación sociocrítica. En Austria, la comedia de Beaumarchais fue prohibida, pero el libretista de Mozart L. da Ponte (1749-1838) obtuvo permiso para representar la ópera. Al reelaborar el libreto (escrito en italiano), se cortaron muchas escenas de comedia y se estrenaron los monólogos publicitarios de Figaro. Esto fue dictado no solo por los requisitos de la censura, sino también por las condiciones específicas del género de la ópera. Sin embargo, la idea principal de la obra de Beaumarchais, la idea de la superioridad moral del plebeyo Figaro sobre el aristócrata Almaviva, recibió una encarnación artística irresistiblemente convincente en la música de la ópera.

El héroe de la ópera, el lacayo de Fígaro, es un representante típico del tercer estado. Astuto y emprendedor, burlón e ingenioso, que lucha audazmente contra el noble todopoderoso y triunfa sobre él, Mozart lo describe con gran amor y simpatía. La ópera también representa con realismo las imágenes de Susana, la ferviente y tierna amiga de Fígaro, la condesa sufriente, el joven Querubino, presa de la primera excitación del amor, el conde altivo y los personajes cómicos tradicionales: Bartolo, Basilio y Marcelino.

Mozart comenzó a componer música en diciembre de 1785, terminándola cinco meses después; el estreno tuvo lugar en Viena el 1 de mayo de 1786, con poco éxito. La ópera obtuvo un verdadero reconocimiento solo después de una representación en Praga en diciembre del mismo año.

GRÁFICO

La Condesa se entristece por la indiferencia de su marido. La historia de Susanna sobre su infidelidad le hiere profundamente el corazón. Simpatizando sinceramente con su doncella y su prometido, la condesa acepta de buena gana el plan de Figaro: llamar al conde al jardín por la noche y enviarlo a una cita en lugar de Susanna Cherubino, vestida con un vestido de mujer. Susanna inmediatamente comienza a vestir la página. La repentina aparición del Conde confunde a todos; Cherubino está escondido en la habitación de al lado. Sorprendido por la vergüenza de su esposa, el Conde le exige que abra la puerta cerrada. La condesa se niega obstinadamente, asegurando que Susanna está allí. Las celosas sospechas del conde se intensifican. Decidido a romper la puerta, él y su esposa van a buscar las herramientas. La astuta Susanna libera a Cherubino de su escondite. Pero, ¿dónde correr? Todas las puertas están cerradas. Con miedo, el pobre paje salta por la ventana. El conde que regresa encuentra a Susanna riéndose de sus sospechas detrás de una puerta cerrada. Se ve obligado a pedir perdón a su esposa. Figaro, que ha entrado corriendo, informa que los invitados ya se han reunido. Pero el conde retrasa de todas las formas posibles el comienzo de las vacaciones: está esperando la aparición de Marcellina. El ama de llaves demanda a Figaro: le exige que pague su vieja deuda o se case con ella. La boda de Figaro y Susanna se pospone.

El tribunal decidió el caso a favor de Marcelina. El conde triunfa, pero su triunfo dura poco. De repente resulta que Figaro es el hijo de Marcelina y Bartolo, quien fue secuestrado por ladrones cuando era niño. Conmovidos, los padres de Figaro deciden casarse. Ahora tenemos dos bodas que celebrar.

La condesa y Susana no dejaron de pensar en darle una lección al conde. La condesa decide ponerse un vestido de sirvienta y tener una cita nocturna. Bajo su dictado, Susanna escribe una nota, haciendo una cita para el conde en el jardín. Durante las vacaciones, Barbarina debe entregarlo.

Figaro se ríe de su amo, pero, al enterarse por la tonta de Barbarina que Susanna escribió la nota, comienza a sospechar que su novia lo engaña. En la oscuridad del jardín nocturno, reconoce a Susanna disfrazada, pero finge tomarla por una condesa. El conde no reconoce a su esposa, disfrazada de doncella, y la arrastra hasta el mirador. Al ver a Fígaro declarar su amor a la condesa imaginaria, arma un escándalo, llama a la gente a condenar públicamente a su esposa por traición. Se niega a orar por el perdón. Pero entonces aparece la verdadera condesa, habiéndose quitado la máscara. El conde cae en desgracia y le pide perdón a su esposa.

MÚSICA

Las bodas de Fígaro es una ópera cómica cotidiana en la que Mozart, el primero en la historia del teatro musical, logró revelar de manera vívida y completa en vivo personajes individuales. Las relaciones, las colisiones de estos personajes determinaron muchas características. dramaturgia musical Las bodas de Fígaro dio flexibilidad y variedad a sus formas operísticas. El papel de los conjuntos asociados con acción escénica, a menudo de desarrollo libre.

La rapidez del movimiento, la diversión embriagadora impregnan la obertura de la ópera, introduciendo en el ambiente alegre de los acontecimientos del "día loco".

En el primer acto, conjuntos y arias se alternan con naturalidad y naturalidad. Los dos duetos sucesivos de Susanna y Figaro atraen con gracia; el primero, alegre y sereno, en la alegría del segundo se deslizan notas inquietantes. El ingenio y el coraje de Fígaro se plasman en la cavatina "Si el maestro quiere saltar", cuya ironía se enfatiza con el ritmo de la danza. El aria temblorosamente excitada de Cherubino “No puedo decirlo, no puedo explicarlo” perfila la imagen poética de la página enamorada. El terceto transmite expresivamente el enfado del conde, la vergüenza de Basilio y la angustia de Susana. El aria burlona "The Frisky Boy", sostenida en el carácter de una marcha militar, acompañada por el sonido de trompetas y timbales, dibuja la imagen de un Fígaro enérgico, temperamental y alegre.

El segundo acto comienza con episodios líricos brillantes. El aria de la condesa "Dios del amor" atrae con lirismo y noble moderación de sentimiento; en él se conjuga la plasticidad y belleza de la melodía vocal con la sutileza del acompañamiento orquestal. El aria de Cherubino "El corazón excita" está llena de ternura y languidez amorosa. El final del acto se basa en una libre alternancia de escenas de conjunto; la tensión dramática se acumula en oleadas. Tras el dúo tormentoso del conde y la condesa, sigue un terceto, que comienza con los comentarios burlones de Susanna; las siguientes escenas con Fígaro suenan vívidas, brillantes y rápidas. El acto finaliza con un gran conjunto en el que se contrastan las voces triunfantes del Conde y sus cómplices con los papeles de Susana, la Condesa y Fígaro.

En el tercer acto se destaca el dúo del conde y Susanna, cautivador por la veracidad y sutileza de los personajes; su música transmite simultáneamente la astucia de una doncella encantadora y la genuina pasión y ternura de un conde engañado. El dúo de Susana y la Condesa está diseñado en transparente, colores pasteles; las voces resuenan suavemente, acompañadas de oboe y fagot.

El cuarto acto comienza con una pequeña aria ingenua y elegante de Barbarina "Dropped, lost". El aria lírica de Susanna "Ven, mi querido amigo" se aviva con poesía tranquila. noche de Luz de Luna. Transmisión de música final sentimientos complicados héroes, suena amortiguado al principio, pero gradualmente se llena de alegría.

Considere una de las obras más alegres en la historia de la música: la Obertura de Mozart para su ópera Le nozze di Figaro. El musicólogo alemán G. Abert, caracterizando la Obertura, escribe sobre su curso movimiento musical, que “tiembla por todas partes y por todas partes, luego ríe, luego ríe lentamente, luego triunfa; en un veloz vuelo, surgen cada vez más de sus fuentes ... Todo se precipita a la cara