Enciclopedia escolar. Estilo pictórico barroco en la obra de Rubens

Rubens, o más bien Rubens (Rubens) Peter Paul, el gran pintor flamenco. Desde 1589 vivió en Amberes, donde recibió una educación integral en artes liberales. Dedicándose tempranamente a la pintura, estudió (desde 1591) con Tobias Verhacht, Adam van Noort, Otto van Weenius. En 1600-1608 Rubens visitó Italia, donde estudió las obras de Miguel Ángel, los pintores de la escuela veneciana, Caravaggio. Al regresar a Amberes, Rubens ocupó el lugar del principal pintor de la corte del gobernante de Flandes, la infanta Isabel de Austria. Ya en sus primeras pinturas después de su regreso, se manifestó el deseo de reelaborar las impresiones italianas en el espíritu de las tradiciones artísticas nacionales. Las monumentales composiciones religiosas "Exaltación de la cruz", creada por él a principios de la década de 1610, alrededor de 1610-1611, "Descendimiento de la cruz", alrededor de 1611-1614, ambas en la Catedral Onze-live-Vraukerk en Amberes) están marcadas por la teatralidad caracteristica de la pintura barroca composiciones, dramatismo, movimiento violento, contrastes cromaticos vivos.

Al mismo tiempo, ya se disciernen en ellos las características de un realismo de pura sangre que afirma la vida, que se reveló completamente en el trabajo posterior del artista. Al mismo tiempo, Rubens ejecutó varios retratos ceremoniales en el espíritu de las tradiciones holandesas del siglo XVI ("Autorretrato con su esposa Isabella Brant", 1609, Alte Pinakothek, Munich), que se distinguen por una íntima simplicidad de composición, cariñosa minuciosidad. en recrear la apariencia del modelo y el atuendo elegante, sobrio por un colorido exquisito. En 1612-1620 toma forma el estilo maduro de Rubens. Volviendo a los temas extraídos de la Biblia y la mitología antigua, el artista los interpretó con una valentía y una libertad excepcionales. Las figuras de personas, deidades antiguas, animales, representadas en el contexto de una naturaleza floreciente y fructífera o de una majestuosa arquitectura fantástica, se entrelazan en las pinturas de Rubens en composiciones complejas, armoniosamente equilibradas o impregnadas de una dinámica violenta. Con un apasionado entusiasmo “pagano” por la vida, Peter Paul Rubens recrea la belleza pura del cuerpo humano desnudo, canta la alegría sensual de la existencia terrenal (“La unión de la tierra y el agua”, alrededor de 1618, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo; “El rapto de las hijas de Leucipo”, hacia 1619-1620, Alte Pinakothek, Munich). Abandonando gradualmente el color local característico de sus primeras obras, el artista logró una habilidad excepcional para transmitir las más finas gradaciones de luz y color, reflejos aéreos; Los tonos cálidos y frescos de sus pinturas fluyen suavemente unos con otros, los tonos rosa carne, gris perla, marrón rojizo y verde suave se fusionan en una jubilosa gama festiva. A fines de la década de 1610, Peter Paul Rubens era ampliamente reconocido y famoso.

El extenso taller del artista, en el que trabajaron pintores tan importantes como Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders, realizó numerosas composiciones monumentales y decorativas por encargo de la aristocracia europea, incluido el ciclo de pinturas "La historia de María Médici" (alrededor de 1622 -1625, Louvre, París) para la corte real francesa, en la que Rubens combinó figuras mitológicas y alegóricas con personajes históricos reales. Con excepcional destreza y persuasión sensual, Rubens recreó la apariencia física y los rasgos de carácter del modelo en los retratos ceremoniales de este período (Maria Medici, hacia 1625, Prado, Count T. Erendel, 1620, Alte Pinakothek, Munich).

El paisaje ocupó un lugar importante en la obra de Rubens: paisajes con árboles poderosos que se doblaban con el viento, colinas imponentes, arboledas y valles verdes, nubes que se precipitaban rápidamente, habitaba en manadas que pastaban pacíficamente, caminaban, montaban carros o hablaban campesinos. Imbuidos de un sentido del poder de las fuerzas elementales de la naturaleza o, por el contrario, de la poesía de la existencia pacífica, que se distinguen por un juego dinámico y audaz de claroscuro, frescura y riqueza de colores apagados, se perciben como una imagen poética generalizada de Naturaleza flamenca ("Carriers of Stones", alrededor de 1620, "Paisaje con un arco iris", alrededor de 1632-1635, ambos en el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo).

Los retratos íntimos de Rubens se distinguen por un especial virtuosismo y lirismo, incluido el "Retrato de la doncella Infanta Isabella" (hacia 1625, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), en el que transmite el encanto poético y la vitalidad estremecedora de la modelo con la ayuda de transiciones de color transparentes y reflejos suaves. Alrededor de 1611-1618, Rubens también actuó como arquitecto, construyendo su propia casa en Amberes, marcada por el esplendor barroco. En 1626, después de haber perdido a su primera esposa, Isabella Brant, Rubens dejó la pintura por un tiempo y se dedicó a actividades diplomáticas, visitó Inglaterra y España, donde conoció la pintura de Tiziano, las obras de los maestros españoles.

En la década de 1630, comenzó un nuevo período de trabajo del artista. Trabajó durante mucho tiempo en el castillo Sten que adquirió en Elewite, donde pintó retratos de inspiración poética de su segunda esposa, Helen Faurment ("Abrigo de piel", hacia 1638-1640, Museo de Historia del Arte, Viena), a veces en forma de personajes mitológicos y bíblicos ("Batsabé", hacia 1635, Galería de Arte, Dresde), escenas de festividades de pueblos ("Kermessa", hacia 1635-1636, Louvre, París), llenas de un realismo tosco y una alegría violenta y emocionante, evocando composiciones similares de Pieter Brueghel el Viejo. La riqueza de la fantasía decorativa, la libertad excepcional y la sutileza de la pintura son inherentes al ciclo de proyectos de arcos triunfales, ejecutados por Rubens con motivo de la entrada en Amberes del nuevo soberano de Flandes, Infante Ferdinand (1634-1635, State Hermitage Museo, San Petersburgo).

En el período “Stenovsky”, la pintura de Rubens se torna más íntima y sincera, el color de sus cuadros pierde su multicolor y se construye sobre la riqueza de las tonalidades cromáticas, sustentadas en una gama marrón rojiza cálida y emocionalmente rica. El virtuosismo de la pintura, el rigor y el laconismo de los medios artísticos marcaron las obras posteriores de la artista: "Elena Faurment con niños" (hacia 1636, Louvre, París, obra incompleta), "Tres Gracias" (1638-1640, Prado, Madrid), “Baco” (hacia 1638-1640, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), autorretrato (hacia 1637-1640, Kunsthistorisches Museum, Viena). Numerosos dibujos de Rubens se distinguen por su fina observación, laconismo, suavidad y ligereza de trazo: bocetos de cabezas y figuras, imágenes de animales, bocetos de composiciones y otros.

En la obra de Rubens se expresa claramente un realismo poderoso y una peculiar versión flamenca del estilo barroco. Totalmente dotado, brillantemente educado, Rubens maduró temprano y se destacó como un artista de enorme alcance creativo, impulsos sinceros, audacia audaz y temperamento tormentoso. Nacido pintor monumental, artista gráfico, arquitecto decorador, diseñador de representaciones teatrales, diplomático talentoso que hablaba varios idiomas, científico humanista, fue muy apreciado en las cortes principescas y reales de Mantua, Madrid, París, Londres. Rubens es el creador de enormes composiciones patéticas barrocas, a veces representando la apoteosis del héroe, a veces llenas de tragedia. El poder de la imaginación plástica, el dinamismo de las formas y los ritmos, el triunfo del principio decorativo forman la base de la creatividad de Rubens. Llena de un apasionado amor por la vida, polifacética y virtuosa en su habilidad, la obra de Rubens tuvo un gran impacto en los pintores flamencos, en muchos artistas de los siglos XVIII y XIX (Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Eugene Delacroix, Auguste Renoir y otros pintores).

Peter Paul Rubens es el mayor genio de su tiempo. Su nombre queda grabado para siempre en la historia del arte. El artista con mayúscula, como saben, también era una persona maravillosa: guapo, inteligente, enérgico y seguro de sí mismo. Un artista que en vida no dudó de su obra.

Infancia y juventud

Peter Rubens nació el 28 de junio de 1577 en la ciudad alemana de Siegen. Aunque existen algunas disputas con la fecha de nacimiento: la biografía del artista ha sido reescrita más de una vez. Su familia emigró de Bélgica a Alemania durante la guerra civil que se inició en los Países Bajos y el terror contra los protestantes.

El padre del artista, Jan Rubens, fue juez de la ciudad de Amberes, Bélgica, hasta 1568. Su esposa, Maria Peypelincks, crió a cuatro hijos. Toda la familia terminó en Alemania, y en ese momento nacieron tres hijos más. Entre ellos estaba Peter Rubens.

Los primeros once años de la infancia del pintor transcurrieron en Colonia. El padre continuó trabajando como abogado, la madre, para criar hijos. La estabilidad habitual se vio sacudida cuando un cabeza de familia prominente y rico entabló una relación con la esposa de William of Orange, Anna.

Después de eso, Jan Rubens fue privado de su propiedad y del derecho a trabajar como abogado, y María tuvo que vender verduras en el mercado para poder alimentar a sus hijos. Desde Colonia, Rubens, junto con su esposa y su descendencia, fue enviado a Siegen en 1573.

En 1587, Jan Rubens murió a causa de una enfermedad. Al mismo tiempo, Paypelinks perdió varios hijos. La viuda de Rubens se convirtió al catolicismo y volvió a su tierra natal, a Amberes. Los niños iban a una escuela de latín.

En ese momento, se estaban produciendo cambios en la ciudad. Se hizo imposible continuar participando en el comercio debido al cierre de rutas marítimas. Cada uno de los hijos de Rubens tuvo que encontrar su lugar en la vida. Las niñas se convirtieron en esposas de maridos ricos. Uno de los hijos, Philip, siguió los pasos de su padre y estudió para ser abogado. El anciano Jan Baptist se dedicó a la pintura profesionalmente.

Cuadro

En el siglo XVI se produjeron grandes cambios en el mundo del arte. Los flamencos inventaron la pintura para dibujar, más cómoda y práctica. Se basa en aceite de lino. Esto agregó brillo a los colores y aumentó el tiempo de secado. Las imágenes se hicieron más profundas y el trabajo se convirtió en un placer pausado.

Peter Paul ha estado fascinado por el arte desde la infancia. Desde los 14 años aprendió el oficio de los artistas locales. El futuro pintor aprendió los conceptos básicos del paisajista Tobias Warhacht, que estaba relacionado con él.

El segundo maestro en la vida de Rubens fue otro pariente: Adam van Noort. Peter Paul pretendía obtener del famoso artista un conocimiento que no se obtuvo mientras trabajaba con Warhacht. Durante cuatro años, el estudiante trabajó bajo la supervisión de Noort. Durante este tiempo, el joven Peter desarrolló un interés por la atmósfera flamenca. Esto más tarde afectó su trabajo.

En 1595 comienza una nueva etapa en la obra de Peter Rubens. El siguiente maestro es Otto van Veen (en ese momento uno de los artistas más influyentes). Se le llama el fundador del manierismo y el principal mentor de Rubens, cuyo talento adquirió nuevas facetas durante sus estudios.

Peter Paul Rubens no escribió a la manera de Veen, aunque su estilo tuvo una gran influencia en la visión del mundo del artista. El mentor se convirtió para él en un ejemplo de versatilidad y educación. Incluso en la infancia, Rubens se sintió atraído por el conocimiento, estudió idiomas (hablaba seis idiomas con fluidez) y humanidades.

Rubens tomó lecciones de Otto Van Veen hasta 1599, y luego, con el estatus oficial de "artista libre", fue a Italia en 1600 para mejorar sus habilidades y admirar las obras de la antigüedad.

En ese momento, el pintor tenía 23 años, pero ya tenía su propio estilo, por lo que, casi de inmediato, Peter Rubens fue invitado al servicio de Vincenzo Gonzaga, el gobernante de Mantua. El duque era aficionado al arte antiguo, amaba las pinturas del Renacimiento. Rubens a menudo le escribía copias.

Peter Paul pasó ocho años en la corte de Gonzaga. Se cree que el servicio es una buena decisión del artista, ya que las autoridades eclesiásticas de la época comenzaron a oponerse a la herejía en las pinturas de los artistas contemporáneos.

Durante el tiempo que pasó en Italia, el joven pintor visitó Roma, Madrid, Venecia, Florencia. Realizó misiones diplomáticas.

En 1608, Rubens regresó apresuradamente a Amberes tras enterarse de la muerte de su madre. No planeaba partir hacia Italia: la pérdida le parecía tan pesada que el artista estaba pensando en irse a un monasterio. Pero Peter no podía dejar la pintura. Además de numerosas órdenes de los residentes adinerados de su ciudad natal, recibió una oferta para trabajar en la corte del archiduque Alberto.

En Amberes, el artista se convirtió en uno de los más buscados. Trató de cumplir con las órdenes del Archiduque, pintar la catedral y pintar cuadros para cientos de otros residentes de la ciudad. En 1618, apareció la obra maestra "Unión de la tierra y el agua". Expresa claramente la influencia de los artistas italianos en el estilo del pintor. Se creía que la idea principal del lienzo era la unidad de Amberes y el río Escalda.

El volumen de pedidos aumentó considerablemente y Peter Paul abrió su propio taller. Ahora él, una vez un estudiante diligente, compartió su conocimiento con jóvenes talentos (nombres como Jacob Yordane, Frans Snyders quedaron en la historia). Los alumnos llevaron a cabo numerosas órdenes de la gente del pueblo. Esto finalmente se convirtió en un sistema reflexivo, una escuela de arte.

Mientras tanto, en 1620, apareció otra obra de arte, el pináculo de la creatividad de Rubens: "Perseo y Andrómeda", cuya trama está relacionada con el antiguo mito que tanto le gustaba a Pedro Pablo.

Más cerca de 1630, Peter Rubens estaba cansado de un estilo de vida ajetreado. Durante algún tiempo permaneció recluido, creando otra imagen brillante. "Tres gracias" y "El juicio de París" son la encarnación de la naturaleza de su autor. Rubens siempre se sintió atraído por la belleza y la plasticidad de un cuerpo femenino voluminoso.

"Susana y los ancianos" se ha convertido en un clásico de la pintura flamenca. La trama se refiere al Antiguo Testamento. Las pinturas de Rubens, que pertenecieron a las catedrales, están asociadas con las Sagradas Escrituras ("La última cena", "Sansón y Dalila"), aunque su trabajo cubre más otra área de la vida: brillante, exuberante, dramática. . No todas las pinturas de orientación eclesiástica fueron aprobadas. Uno de ellos es la Exaltación de la Cruz. Ella fue considerada muy controvertida.

La “Masacre de los Inocentes” personifica la escena de la Biblia cuando Herodes exterminaba a los bebés, temiendo la venida. Los biógrafos escriben que al autor le gustó este trabajo más que a nadie.

Otro monumento de la época barroca es la impresionante Medusa. La reacción de los contemporáneos a esta imagen justificó las expectativas de Peter Rubens. La gente estaba asustada por la franqueza de la obra. El artista no fue indiferente a los asuntos políticos de Amberes.

Su trabajo ha estado asociado durante mucho tiempo con la política, incluida Meduza, que los lugareños consideraron como una señal de advertencia.

Peter Paul Rubens, gracias a la pintura y las dotes diplomáticas, consiguió la paz entre Madrid y Londres. El artista soñaba con influir en el curso de la guerra en su país natal, pero no lo logró. Después de numerosos viajes, Rubens, de 50 años, finalmente se instaló en Amberes.

Vida personal

Después de regresar de Italia, Rubens se casó con Isabella Brant, la hija de un funcionario de 18 años.

El matrimonio se basó en el cálculo, aunque la joven rodeó de mimos y atenciones a Rubens durante 17 años. La primera esposa dio a Peter Paul tres hijos. Murió de un infarto en 1630.

A los 50, Peter Rubens se volvió a casar. Elena Fourman, de 16 años, es el último amor del artista, su principal musa, madre de cinco hijos.

Muerte

En 1640, Peter Paul Rubens enfermó. Debido a la edad, el artista no pudo recuperarse de la enfermedad. El pintor flamenco falleció el 30 de mayo junto a sus hijos y su amada esposa Elena.

Obras de arte

• 1610 - "Exaltación de la Cruz"
• 1610 - "Sansón y Dalila"
• 1612 - "Masacre de los Inocentes"
• 1612 - "Masacre de los Inocentes"
• 1614 - "Descendimiento de la Cruz"
• 1616 - "La caza del hipopótamo y el cocodrilo"
• 1618 - "La violación de las hijas de Leucipo"
• 1626 - "Asunción de la Santísima Virgen María"
• 1629 - "Adán y Eva"
• 1639 - "El Juicio de París"

Jardín del Amor - Peter Paul Rubens. 1632. Óleo sobre lienzo. 198×283cm

Ante nosotros hay una pintura de Rubens, escrita para él mismo, y no para la venta. A los 53 años, el artista recupera el amor por la jovencísima Elena Furman, de 16 años. Tras varios años de viudez, su vida vuelve a llenarse de alegría y armonía familiar, a pesar de la gran diferencia de edad con su joven esposa. Es por eso que los rostros de todas las mujeres en el lienzo del artista se parecen al rostro de su amada: ojos bellamente contorneados, labios carnosos, mejillas escarlatas, formas magníficas.

La apariencia de ambos hombres en la pintura también recuerda a autorretratos anteriores de Rubens: ambos tienen barbas españolas y cabello rizado. A pesar de que el artista representó a personas felices que descansan en paz, la imagen difícilmente puede llamarse alegre, en las caras hay una impresión de algún reflejo, reflejo. El maestro, como si tratara de detener el momento, se capturó repetidamente a sí mismo y a su joven esposa. Ante nosotros no hay un joven ardiente en los brazos de un joven amante, sino una experiencia de vida madura y sabia y, sin embargo, un Rubens increíblemente feliz.

Para que coincida con los amantes y el paisaje circundante: cupidos volando sobre sus cabezas, palomas y, en el lado derecho del lienzo, el templo de Juno, la antigua diosa, la patrona del matrimonio.

El final de la imagen puede considerarse un hombre y una mujer a la derecha, bajando las escaleras: ella sostiene una pluma de pavo real en sus manos, como un sello de un matrimonio consumado, él está a punto de tocar un pequeño perro con su pie. , y, con un chillido, sacará a todos los reunidos de un estado de lánguida melancolía.

Retrato de la Marquesa Brigitte Spinola Doria - Peter Paul Rubens. 1606. Óleo sobre lienzo. 152,5x99

Rubens es uno de los pintores más famosos y prolíficos de la época barroca, cuyas obras se encuentran en los principales museos del mundo. En muchos sentidos, esto fue facilitado por el taller del artista, donde numerosos asistentes realizaron lienzos de gran formato con él. Sin embargo, el "Retrato de la marquesa Brigitta Spinola Doria" fue pintado completamente por Rubens. Fue creado durante la estancia del artista en Italia.

Brigitta Spinola Doria provenía de una influyente familia noble genovesa Doria, cuyos representantes lucharon por los primeros roles en el estado. Estaba casada con el capitán Spinola, comandante en jefe de las tropas españolas. Por la herencia creativa de Rubens, este retrato se distingue por cierto rigor y moderación. La modelo está vestida con un vestido pesado con un corsé rígido, sus mangas acampanadas se asemejan a la armadura de un caballero de metal. El rostro y el vestido de la marquesa están claramente dibujados, se crea una imagen completa de un aristócrata. Para mostrar la alta posición de la persona retratada, Rubens cambió los planos compositivos y colocó un fragmento del pórtico jónico arquitectónico al mismo nivel que el rostro de la dama, como si la elevara por encima de sus modelos.

Retrato de la doncella infanta Isabel - Peter Paul Rubens. Mediados de 1620. Madera, aceite. 64x48

Entre los retratos del gran pintor flamenco, este lienzo ocupa un lugar especial. Desde el crepúsculo reluciente, una joven del siglo XVII mira con un vestido negro con un cuello blanco como la nieve: un cortador. La imagen se ejecuta en tonos moderados, construida sobre las transiciones de colores más sutiles y esquivas. El pincel de Rubens (1577-1640), generalmente ancho y creando activamente una forma, aquí toca suavemente el retrato que se está creando. Los ojos verdosos de la niña miran con picardía al espectador como un zorro. Los cabellos rubios, desprendidos del peinado, se rizan con rebeldía en las sienes, formando un halo suave y luminoso alrededor del rostro. Sin embargo, los labios hábilmente escritos están fuertemente comprimidos, están encadenados por las reglas de la etiqueta, ni una sola palabra superflua saldrá de ellos. La dueña de esta sonrisa angelical, apenas perceptible, sabe guardar secretos de palacio. Esta obra no es ceremonial, es enfáticamente de cámara y de composición sencilla. El retrato de una niña está realizado según un dibujo extraído del natural. Se supone que los rasgos del rostro de la criada son similares al rostro de la hija de Rubens, Clara Serena, quien murió prematuramente.

Paisaje de tarde con un carro - Rubens. 1630-1640

La última década de la vida de Rubens incluye un pequeño "Paisaje al atardecer con un carro". En cuanto al motivo, es tan simple y realista como los paisajes de los pintores holandeses, encabezados por van Goyen, pintados en los mismos años, pero más clara es la profunda diferencia entre Rubens y estos maestros en el enfoque de sus tareas creativas. .

Los holandeses revelan la modesta y discreta belleza inherente a la naturaleza en su estado habitual, quiero decir "cotidiano". Rubens representa un bosquecillo transparente en la orilla de un arroyo, cuando los árboles están iluminados por los rayos dorados y rosados ​​​​del sol poniente. Sus copas exuberantes, pero ligeras, a veces transparentes, sus troncos fuertes y esbeltos están envueltos en este resplandor, como un atuendo fantásticamente hermoso. Por supuesto, la fantasía del artista se basa en recuerdos de lo que vio en la vida misma, en impresiones de la naturaleza real. Pero Rubens, sin embargo, no se limita a ellos. Realza muchas veces el encanto poético de lo que vio, elevándolo al mundo del arte. El amante de la vida Rubens no está familiarizado con la "discordancia entre los sueños y la realidad". Para él, el sueño es real y la realidad es fabulosamente hermosa. Sus obras, como este paisaje, son la mejor confirmación de ello.

Gólgota - Rubens. Alrededor de 1640

La escena nocturna misteriosa y sombría, iluminada por destellos de antorchas, está llena de movimiento y experiencia dramática. En el boceto del Gólgota de Rubens, la confusión y la ansiedad de la obra temprana desaparecieron. El contenido aparece aclarado como una gran tragedia heroica. Cruces con Cristo crucificado sobre ellas y dos ladrones se elevan sobre el terreno desierto y desnudo. No hay guerreros y verdugos tradicionales para este complot, no hay afligidos seguidores de Cristo. Todos los lazos terrenales entre los tres crucificados y los vivos han sido cortados. Cristo ya está muerto, y una luz extraña, parpadeante, sobrenatural, se derrama sobre su cuerpo ligero y pálido, sobre la colina del Gólgota y sobre la brumosa lejanía. Rubens hace de la iluminación fantástica el vehículo de su experiencia, siguiendo el mismo camino que artistas tan profundamente diferentes como Rembrandt y El Greco.

Autorretrato con Elena Fourman e hijo - Rubens. Hacia 1639. Óleo sobre lienzo. 203,8x158,1

En el contexto del éxito de la pintura flamenca del siglo XVI. El arte de Rubens fue como una verdadera explosión de alegría desenfrenada que contagió a toda Europa. En 1630, a la edad de cincuenta y tres años, el artista se casó con Helen Fourman, de diecisiete años, y se mudó a vivir al campo. Desde entonces, su lenguaje pictórico se ha enriquecido con un nuevo lirismo sensual, expresado con mayor plenitud en los retratos de su esposa e hijos.

Aquí se representa a Rubens junto a su joven esposa, a la que mira con infinita ternura, y con el pequeño Peter Powell. La imagen parece “contarse a sí misma”, revelando con mayor nitidez la atmósfera de calma y amor que emana de rostros y gestos apenas perfilados.

La familia está representada en el contexto de un hermoso jardín (el prototipo del "jardín del amor"), lleno de detalles simbólicos: un rosal detrás de la espalda de Elena está asociado con los sentimientos de amor, un loro es un símbolo de la maternidad de María, mientras que una cariátide a la izquierda y una fuente son alegorías directas de la fertilidad. Gracias a la brillantez del color y la naturalidad sin esfuerzo de las figuras, esta obra es considerada una de las obras maestras de Rubens.

Las rosas, pintadas con trazos suaves y ligeros, son sin duda un símbolo de amor. Desde la antigüedad, la rosa ha sido la flor sagrada de Venus. Existía la leyenda de que sus pétalos eran blancos, hasta que un día, persiguiendo a su amado Adonis, la diosa se lastimó los dedos con las espinas de una rosa y la manchó con su sangre.

Cuatro partes del mundo - Peter Paul Rubens. 1612-1614

Artista prolífico y diplomático enérgico, Rubens viajó mucho y fue amigo de muchos gobernantes europeos; dos de ellos lo elevaron a un título de caballero. Era una persona muy educada ya menudo incluía símbolos de la mitología antigua en sus alegorías pictóricas. Las urnas invertidas son atributos de los antiguos dioses que vivían en los ríos de 4 continentes del mundo: África, Asia, Europa, América. Estas deidades del río se muestran descansando bajo un dosel, rodeadas por la atención de mujeres desnudas. La tigresa representa el río Tigris, y los putti juegan con el cocodrilo, símbolo del Nilo.

CONTINENTES. Los cuatro continentes a menudo se representaban en las obras de los artistas barrocos. Un ejemplo es el enorme fresco del techo de Tiepolo APOLLO and the Four Continents (c. 1750). Partes del mundo a menudo han sido personificadas por deidades fluviales y pueden aparecer en pinturas junto con animales característicos de estos lugares o depender de urnas de las que fluye agua; una cabeza velada indica que se desconoce el nacimiento del río. África puede vestir corales, representarse con una esfinge, un león o un elefante; Estados Unidos está vestido con un traje de cazador con un tocado de plumas, y las monedas simbolizan ricos recursos naturales; Asia puede representarse con un camello, un rinoceronte, un elefante, palmeras, piedras preciosas o perfumes exóticos, y Europa como un toro o un caballo, y puede sostener una cornucopia o una corona de excelencia, a veces rodeada de figuras que representan las artes.

El Juicio de Paris - Peter Paul Rubens. 1639

Rubens tiene varias pinturas para esta historia: se sintió atraído por la oportunidad de escribir tres hermosas mujeres desnudas en el contexto de un paisaje pastoral ideal.

En la versión que tenemos ante nosotros (1639), Paris está representado con atuendo de pastor, mirando fijamente a tres magníficas mujeres desnudas, a las que pidió que se quitaran la ropa para que nada interfiriera en juzgar su belleza. Admira a las diosas de pie frente a él desde diferentes ángulos. Mercurio sostiene una manzana, que será la recompensa del ganador. Minerva (Atenea) está representada con un búho (su armadura se encuentra cerca), Venus (Afrodita) está acompañada por su hijo Cupido y Juno (Hera) está acompañada por un pavo real. La mansa apariencia de las diosas y las gráciles poses no presagian las fatales consecuencias de la decisión que debe tomar París y que desembocó en la Guerra de Troya.

PARÍS. Cuando nació el hijo de París del rey troyano Príamo, se predijo que causaría la muerte de su país. El padre ordenó matar al bebé, pero el sirviente a quien se le encomendó esto, lo dejó en el monte Ida. París fue encontrada y criada por pastores.

En la famosa corte, a Paris se le asignó el papel de juez que se suponía que debía presentar un premio, una manzana dorada de la discordia, a la más bella de las diosas. Juno le ofreció convertirlo en el más poderoso de los reyes, Minerva en el héroe más valiente y Venus le prometió el amor de la mujer más hermosa, Helena de Esparta. Esto influyó en la decisión de París y el premio fue para Venus, pero esta decisión provocó el resentimiento de Juno y Minerva. Paris decidió secuestrar a Helen. Los griegos, amenazando a Troya con la guerra, exigieron su devolución. Así, el Juicio de París se convirtió en la causa de la Guerra de Troya, que terminó con la destrucción de Troya.

Susanna y los ancianos - Peter Paul Rubens. 1607-1608. Lienzo, óleo. 94x66

En la pintura de Rubens (1577-1640) se combinan expresión, dramatismo y plenitud desbordante de vida. Estas características del arte barroco también se reflejaron en su pintura Susana y los ancianos basada en un argumento del Libro del profeta Daniel. En uno de sus capítulos en la traducción griega del Antiguo Testamento, se cuenta cómo dos ancianos vieron a una mujer piadosa mientras se bañaba y, amenazándola con acusarla de adulterio, comenzaron a buscar su amor. Susana no sucumbió a la persuasión y, supuestamente por haber pecado con un joven, fue condenada a muerte, pero el profeta Daniel demostró su inocencia.

Rubens recurrió más de una vez a esta trama, aprovechando las oportunidades que le brindaba, a saber, representar a una mujer desnuda, que era uno de los temas principales en el arte del maestro, y transmitir la sensualidad que llenaba la escena del baño de Susanna. La joven belleza, cuyo cuerpo tierno, gracias a la pintura temblorosa y reluciente, brilla, sobresaliendo de la penumbra, echó la cabeza hacia atrás y miró con horror a los ancianos. El contraste entre la lujuriosa vejez y la floreciente juventud aporta un toque de dramatismo a la imagen. Pero el autor hace sentir la victoria de la castidad sobre los bajos instintos: la pureza interior se expresa en él a través de la belleza física, que percibía como algo sublime.

Lamentación de Cristo - Peter Paul Rubens. 1602. Óleo sobre lienzo. 180x137

Rubens (1577-1640), cuyo nombre está indisolublemente ligado al estilo barroco, pintó este cuadro durante su primera visita a Roma. Combinó aquí la iconografía de la piedad -el llanto de la Madre de Dios sobre el Hijo- y la posición en el ataúd.

María sostiene al Cristo difunto, Su cuerpo parece pesado, su cabeza se inclina sobre su hombro. Alrededor están los Santos José de Arimatea, Juan Evangelista y María Magdalena. El cuerpo del Salvador está representado de forma casi naturalista, el resto de los personajes están inmersos en profundos sentimientos. La atmósfera tensa del lienzo también la crea la cercana puesta en escena de las figuras, como sucedía a menudo en el arte barroco. El tema de la crucifixión de Cristo se repite en los relieves del sarcófago con escenas de sacrificio.

El colorido de la obra con su más fina carne humana, brillantes manchas de color, cielo tormentoso y primer plano iluminado, suscita una sensación inquietante ya la vez sublime. En la combinación de realismo con el estado de ánimo solemne del representado, afectó la influencia de los artistas romanos de la época en Rubens, y especialmente Caravaggio.

Retrato de Helena Fourman con dos hijos - Peter Paul Rubens. Hacia 1636. Óleo sobre tabla. 113x82

Un destacado representante del arte barroco en la pintura flamenca, Peter Paul Rubens (1577-1640) se hizo famoso por sus pinturas y retratos tanto mitológicos como religiosos.

El "Retrato de Helen Fourman con dos hijos" representa a la segunda esposa del artista, quien se convirtió en su último amor y era la sobrina nativa de su primera esposa. En el momento del matrimonio, Rubens tenía 53 años y Elena solo 16. La imagen de una joven esposa e hijos, la hija de Claire-Jeanne y el hijo de Francois, respira con la serena felicidad de la maternidad. Tanto la madre como los hijos están llenos de tranquilidad natural.

La obra quedó inconclusa. Aparentemente, el maestro comenzó a pintar las manos del tercer niño sobre el asiento de la silla de Elena, pero por alguna razón no completó su plan.

Retrato de Isabella Brant - Peter Paul Rubens. Alrededor de 1625-1626. Lienzo, óleo. 86x62

El artista que creó muchos lienzos en los que reina la carne abundante, Rubens (1577-1640) fue al mismo tiempo el mejor retratista. Escribió en su mayor parte familiares y varias veces, como, por ejemplo, su primera esposa Isabella Brant. Este retrato fue realizado por Rubens poco antes de su muerte. Tras la muerte de su esposa, habló así de ella en una de sus cartas: “En verdad, perdí a una excelente amiga… no era ni dura ni débil, sino tan amable y tan honesta, tan virtuosa que todos la querían. vivos y llorar a los muertos”.

Pero mientras la fiel novia del artista está viva, él la captura joven y atractiva, con ojos vivos e inteligentes y una sonrisa amable. De Isabella parece emanar una luz invisible. Rubens no separa lo carnal y lo espiritual en una persona: el espíritu respira a través de la materia en ella. Por lo tanto, el maestro trató de enfatizar la belleza corporal de su amada de todas las formas posibles, por ejemplo, sombreó su delicada piel blanca, como solía hacer, con un abrigo de piel oscura. El fondo rojo hace eco del rubor en las mejillas, y el collar y el encaje crean algo así como un marco precioso para la esposa tan querida por el artista.

Betsabé en la fuente - Peter Paul Rubens. 1635. Tablero de roble, óleo. 175x126

Rubens creó una gran cantidad de pinturas sobre temas bíblicos. Para entender la obra que aquí se presenta es necesario conocer la historia bíblica, y el ingenio del artista para transmitir sus detalles es asombroso. El rey David una vez “caminaba sobre el techo de la casa real y vio a una mujer bañándose desde el techo; y esa mujer era muy hermosa. Era Betsabé, la esposa de Urías el heteo. En la esquina superior izquierda del lienzo en el techo del palacio, la figura del rey David es apenas perceptible, y Rubens mostró a Betsabé detrás del inodoro en la plataforma que conduce a la piscina. David la sedujo y Urías la envió a una muerte segura.

La atención es atraída por una lujosa joven; Rubens fue un gran maestro en la representación del cuerpo femenino y creó su propio canon de belleza. Mientras tanto, no se puede dejar de admirar el ingenio con el que la artista transmite los sutiles momentos emotivos de esta escena: la mirada sorprendida de Betsabé, que no esperaba recibir una carta de manos de un negro que le enviaba (claro que la carta solo puede ser una carta de amor), la reacción del perro, sonriendo al mensajero y sospechando que algo andaba mal (un perro sentado a los pies de una mujer en el sistema de símbolos del retrato renacentista y barroco personificaba la fidelidad marital). ¡Y qué deliciosamente se escriben las figuras femeninas, el agua que fluye, la ropa y el paisaje arquitectónico!

La dama del sombrero de paja - Peter Paul Rubens. Hacia 1625. Óleo sobre lienzo. 79х55

Peter Paul Rubens (1577-1640) - el gran artista flamenco, que encarnó la vitalidad y la sensualidad de la pintura barroca europea como ningún otro. Aunque fue famoso por sus obras a gran escala sobre temas mitológicos y religiosos, también fue un maestro virtuoso del paisaje y el retrato.

El sombrero es un detalle tan característico en esta obra que a menudo se omite la palabra "dama" en su título. ¡Cuántas generaciones de espectadores han escuchado, leído en libros, mirado una imagen con este nombre, sin "tropezar" con su absurdo! ¿El sombrero aquí es de paja, especialmente con una pluma así? Por supuesto, este es un lujoso sombrero de fieltro, de moda en el siglo XVII. Rubens y él mismo escribieron más de una vez en él. El error en el nombre surgió en el siglo XVIII en Francia, donde en uno de los catálogos de las obras del artista estaba escrito el lienzo: “Le Chapeau de Paille” (“Sombrero de Paja”). Esto, por supuesto, es un error tipográfico: en lugar de "paille" debería haber "poil" (del francés - "fieltro").

La pintura representa a una mujer hermosa: Susanna Furman, la hija de un comerciante de tapices y sedas de Amberes, que se casó. La maestra pintó su retrato de boda con un anillo de bodas, lo que llama la atención y podría, como un sombrero, aparecer en el título como detalle distintivo de la obra.

En 1630, Rubens se casó con su hermana menor, Helena. Creó un retrato igualmente encantador de su esposa con un sombrero similar, ¡donde nadie la llamó "paja"!

El patrimonio artístico de Rubens es ilimitado. Cientos y cientos de obras -composiciones mitológicas y religiosas, retratos, paisajes, pequeños bocetos y enormes lienzos decorativos, dibujos y proyectos arquitectónicos-, todo esto sería suficiente para más de una biografía humana.

Peter Paul Rubens, el camino hacia la pintura

La obra del maestro flamenco parece un libro grandioso que habla de la belleza del hombre, del poder y la grandeza de la naturaleza. El arte de Rubens es un canto de salud y alegría.

El gran pintor nació en una tierra extranjera, en la ciudad alemana de Siegen, donde sus padres emigraron para escapar del terror de los esclavistas españoles. Cuando, tras la muerte de su padre en 1587, el futuro artista se trasladó a Amberes con su madre, encontró esta rica ciudad en completa desolación. Flandes, que a diferencia de Holanda permaneció bajo el dominio español, recuperó lentamente su fuerza. La posición dependiente del país contribuyó al rápido aumento de la autoconciencia nacional. Pero durante los años de las enseñanzas de Rubens, el arte flamenco todavía solo se esforzaba por encontrar un suelo bajo sus pies.

El artista de veintitrés años da un paso decisivo: se va a Italia durante mucho tiempo, Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Caravaggio se convierten allí en sus verdaderos maestros. Estudia su trabajo, copia pinturas, hace bocetos de escultura. , la carrera secular de Rubens comienza a partir de ese momento. Lo vemos en la corte del duque de Mantua, luego en Roma. En 1603 realiza su primer viaje a España.

Al regresar a su tierra natal en 1608, Rubens ocupa rápidamente una posición de liderazgo en la vida artística del país. Su autoridad es indiscutible. En el taller de Rubens (donde, en particular, se formaron Jordan y Van Dyck), se fabrican cientos de enormes lienzos por orden de la corte, la nobleza y las iglesias. Pero Rubens aún encuentra tiempo para cumplir las misiones diplomáticas de los gobernadores españoles: viaja a Holanda, Francia e Inglaterra. En España en 1628 conoció al joven Velásquez.

lugar en la historia

Como diplomático, Rubens dedicó mucha energía a establecer la paz entre las potencias europeas en constante guerra. Decepcionado, se vio obligado, y al final, a abandonar el campo político. Pero le dio al artista un conocimiento de las personas y sus debilidades; Rubens "odiaba los patios".

El espectador moderno tal vez pueda estremecerse ante los pomposos lienzos de Rubens dedicados a la exaltación de los soberanos. Etienne Fromentin, el autor del libro "Old Masters", los comparó con una oda solemne: fueron ellos quienes ganaron una fama especial durante la vida del artista. Pero para nosotros, lo más valioso del legado de Rubens son los cuadros que pintó con su propia mano, sin la participación del taller. Los amantes del arte en nuestro país conocen bien la obra de Rubens: el Hermitage cuenta con una rica colección de dibujos y una de las mejores colecciones del mundo, con más de cuarenta de sus cuadros. Aquí, en las salas del Hermitage, se puede admirar la energía vital de las imágenes de la alegoría "La unión de la tierra y el agua", sentir la expresión dramática de la escena "La fiesta de Simón el fariseo", disfrutar de la sonoridad de la paleta de colores del cuadro "Perseo y Andrómeda" y el emotivo paisaje rubensiano.

Destacando, no solo en la colección del Hermitage, sino también en la obra del artista en general, se encuentra su pequeño Retrato de una doncella, una de las mayores obras maestras del retrato mundial. No hay ni una sombra de afectación en él, todo respira con clara armonía, la estructura colorida es sobria y noble.

Tarde o temprano, cualquiera que sea sensible al arte encontrará su camino hacia Rubens. Y luego, según Fromentin, "una vista verdaderamente asombrosa aparecerá ante él, dando la idea más alta de las habilidades humanas".

Luego, en el trabajo de Rubens, aparecieron las características de todos estos estilos: una representación realista de la realidad, inherente a la escuela veneciana; sensibilidad barroca; riqueza de colores y gestos característicos del manierismo.
Rubens no evitó los temas mitológicos y religiosos, a menudo recurrió a retratos y paisajes; en una palabra, fue un artista universal de su tiempo.

De una biografía temprana de Rubens

Pedro Pablo Rubens Nació en 1577 en Siegen (Alemania) en la familia del abogado Jan Rubens. En esta ciudad se exilió su padre por su relación con la esposa del Príncipe de Orange, Ana de Sajonia.
La infancia del futuro artista tuvo lugar en Siegen, luego en Colonia, y solo después de la muerte de su padre, la familia regresó a su tierra natal, a Amberes (región flamenca de Bélgica).
Se licenció en derecho, pero empezó a pintar muy pronto. Tuvo varios maestros de pintura, pero el pintor de corte Otto van Veen tuvo una especial influencia en la formación del futuro artista. Gracias a su amplia erudición, Rubens conoció la historia y la mitología de la antigüedad, el arte del Renacimiento italiano, el arte de la ilustración y el grabado. Después de 4 años de estudio con van Veen, Rubens fue aceptado como maestro libre en el Gremio de San Lucas de Amberes (1598), y en 1600 fue a terminar su educación artística en Italia. En este país estuvo en la corte del duque de Mantua Vicente Gonzaga(famoso filántropo, coleccionista, mecenas de las ciencias y las artes) durante toda su estancia en Italia.
El duque contribuyó al florecimiento cultural de la corte de Mantua: era un gran conocedor del arte teatral y en su corte funcionaba el famoso teatro de la corte. En su palacio se encontraba la más rica colección de obras de arte, que era mundialmente famosa. Aquí Rubens se familiarizó por primera vez con los monumentos antiguos, vio las obras de Tiziano, Veronese, Correggio, Mantegna, Giulio Romano. Rubens copió muchos de ellos, perfeccionando sus habilidades.
Rubens nunca dudó en imitar a los artistas que lo admiraban (Tiziano, Pieter Brueghel el Viejo) y otros, su obra inicial es precisamente una imitación de los artistas del siglo XVI. Dominó todos los géneros de la pintura renacentista y luego se convirtió en el artista más polifacético de su época.
En Mantua, Rubens llenó la galería de arte local con retratos de cortesanos.

P. Rubens "Retrato del Duque de Lerma"

Pero el artista no pudo existir durante mucho tiempo en el marco del pintor de la corte, que le resultaba estrecho. Se sintió atraído por formas más amplias de creatividad. Realizó tres grandes lienzos sobre temas religiosos para la iglesia de los jesuitas en Mantua, y con ellos ganó fama fuera de Mantua.

Favorable para Rubens fue el período romano de su vida y obra (1605-1608). Fue invitado a Roma por su hermano, bibliotecario del cardenal vaticano Ascanio Colonna. En Roma, Rubens completó el retablo de la iglesia de Santa Maria in Valicella y del monasterio de la orden Oratoriana en Fermo. El regreso a Amberes se debió a la muerte de su madre.
Aquí abrió un espacioso taller en el que trabajaban los aprendices, construyó él mismo una hermosa mansión, que gradualmente se llenó de pinturas, estatuas y obras de arte y artesanía y joyería.

Casa de Rubens en Amberes

En la obra de Rubens de este período, además de las pinturas con episodios de la historia bíblica, comenzaron a aparecer con mayor frecuencia escenas de la mitología antigua ("La batalla de los griegos con las amazonas", "El rapto de las hijas de Leucipo"). .

P. Rubens "El rapto de las hijas de Leucipo" (1618)

En esta pintura, Rubens utilizó el mito de los hermanos Dioscuri (hijos de Zeus y Leda). Secuestraron a las hijas del rey Leucipo: Gilaira y Phoebe. En esta trama, Rubens mostró sus habilidades como artista al representar la plasticidad de los cuerpos humanos.
Con manos fuertes, los jóvenes levantan a mujeres desnudas para montarlas a caballo. Los cuerpos livianos de mujeres desnudas de cabello dorado se comparan hábilmente con las figuras bronceadas de hombres de cabello oscuro. Todas las figuras están entrelazadas y forman un círculo compositivo. Las soluciones compositivas de Rubens son siempre variadas, y la riqueza de colores y gestos de sus pinturas es siempre impresionante. Una característica distintiva de su trabajo son las formas femeninas "rubensianas" algo pesadas.
Todos los personajes de esta imagen también están dotados de belleza, salud juvenil, destreza, fuerza y ​​deseo de vivir.
en la década de 1610 Rubens comenzó a trabajar en nuevos géneros para la pintura flamenca: escenas de caza que muestran la dinámica del movimiento.

P. Rubens "La caza del hipopótamo" (1618)

En 1622, la reina viuda María de Medici llamó a Rubens a París para llenar dos largos pasajes en el nuevo Palacio de Luxemburgo con pinturas de su vida.

P. Rubens. Galería Medici en el Louvre

En dos años, creó 24 lienzos (21 pinturas de la vida de la reina y 3 retratos). Posteriormente, estas pinturas fueron trasladadas al Louvre.

P. Rubens "La coronación de María Medici" (1625)

En 1628, el rey Felipe IV invitó a Rubens a Madrid para que pudiera ver la más rica colección de obras de su ídolo Tiziano, y también copiarlas. En 1629, Rubens también desempeñó el papel de diplomático: recibió instrucciones de ir a Londres para llevar a cabo negociaciones de paz con Carlos I, que realizó con brillantez. En Londres, Rubens cubrió el techo del salón de banquetes del Palacio de Whitehall con alegorías de la vida del padre del monarca, Jaime I. Por estos méritos, el rey nombró caballero al artista y la Universidad de Cambridge le otorgó un doctorado honoris causa.
En el período tardío de la obra de Rubens, los paisajes comenzaron a atraer cada vez más. En 1635 compró la finca de Elevait cerca de Mechelen. La vida en el campo acercó a Rubens a la naturaleza ya la vida de los campesinos a los que empezó a retratar.

P. Rubens "Kermessa" (1638)

La imagen representa el elemento audaz de la fiesta nacional. Esta trama en Holanda se llama "vacaciones en el campo" o "feria de feria en los Países Bajos". Pieter Brueghel el Viejo también tiene una pintura sobre este tema, pero Rubens lo superó con mayor intensidad de pasión y carácter de masas.

Pieter Bruegel el Viejo "Kermessa"

En los últimos años de su vida, Rubens sufrió de gota, le costaba trabajar. En 1640 murió.

Sobre otras obras del artista

En 1609, Rubens se casó con Isabella Brant, de 18 años, hija del respetado patricio y secretario de Estado de Amberes, Jan Brant. A pesar de su origen noble, fue una mujer “tontería y sin los habituales caprichos femeninos, siempre bien educada y alegre” (de una carta de Rubens). La pareja de Rubens tuvo una hija y dos hijos. En 1626 murió repentinamente.

P. Rubens. Autorretrato con Isabella Brant (c. 1609). Lienzo, óleo. 178x136,5 cm Alte Pinakothek (Múnich)

Esta pintura fue creada por Rubens poco después de su matrimonio y muestra a la pareja frente a un arbusto de madreselva. Las figuras de los cónyuges se representan en el mismo tamaño y uno al lado del otro, lo que puede significar su posición igual.
La innovación de esta imagen de retrato radica en el hecho de que hasta ahora en el género del retrato no se han representado figuras en una pose tan relajada y libre. Esta pintura se considera un "retrato de matrimonio": una mujer joven puso con confianza su mano derecha sobre la mano de su esposo.
El fondo del paisaje parece ser el entorno real para la ubicación de los personajes de la imagen. Las figuras combinan tonos de color cercanos, especialmente dorados.

P. Rubens "Retrato de la Doncella de la Infanta Isabel" (1623-1626). Madera, aceite. 63,5x47,8 cm Museo Estatal del Hermitage (Petersburgo)

El retrato representa a la dama de la corte Isabella Clara Eugenia. Se cree que esta imagen no es del todo típica del trabajo de Rubens, sino que claramente atrae al género del retrato psicológico.
Algunos investigadores incluso dudan de la autoría de Rubens (la obra no está firmada por el autor), mientras que otros sugieren que el artista representó en el lienzo a su hija mayor, Clara Serena, quien murió en el momento de la creación del lienzo.
Este es un retrato de pecho de una niña. La modelo está vestida según la moda española con un estricto vestido oscuro con cuello blanco con volantes.
La coloración de la imagen es bastante restringida y se basa en la transición de un vestido oscuro a colores cálidos de la cara con predominio de tonos plateados perlados. El autor se centra en el rostro y el mundo interior de la niña. Grandes ojos verde claro y mechones sueltos de cabello rubio le dan un realismo especial al retrato. Un rubor levemente doloroso y una sonrisa apenas perceptible en los labios otorgan al retrato un carácter personal e íntimo.

P. Rubens "Descendimiento de la Cruz" (1612). Madera, aceite. 450,5x320 cm Catedral de Nuestra Señora de Amberes (Amberes)

Tríptico

El Descendimiento de la Cruz es el panel central del tríptico de Rubens. Esta es una de las pinturas más famosas del maestro y una de las mayores obras maestras de la pintura barroca.
El cuerpo de Cristo es quitado cuidadosa y solemnemente de la cruz. Hay dos personas arriba de la cruz, una de ellas todavía sostiene el cuerpo de Cristo, y el apóstol Juan, de pie debajo, recibe el cuerpo de Cristo. Las santas esposas arrodilladas están listas para ayudar a Juan, y la Madre de Dios (representada a la izquierda), con el rostro blanco como la tiza, se acerca a Cristo, extendiendo la palma de la mano para recibir el cuerpo de su hijo. José de Arimatea, de pie en la escalera, sostiene el cuerpo por el brazo. En el lado opuesto, otro anciano desciende por la escalera, liberando la esquina de la mortaja y pasando su carga a John que está a su lado. Lo más llamativo de toda la obra es la figura del Cristo muerto. El famoso pintor inglés del siglo XVIII. señor Josué Reynolds(1723-1792) escribió: “Esta es una de sus figuras más bellas. La cabeza que cae sobre el hombro, el desplazamiento de todo el cuerpo nos dan una idea tan cierta de la gravedad de la muerte que ninguna otra puede superarla.