Todas las pinturas de artistas famosos. Las pinturas más famosas de artistas rusos.

“Todo retrato pintado con sentimiento es, en esencia, un retrato del artista, y no de quien posó para él” Oscar Wilde

¿Qué se necesita para ser un artista? La mera imitación de una obra no puede ser considerada arte. El arte es algo que viene de dentro. La idea del autor, la emoción, las búsquedas, los deseos y las penas, que se plasman en el lienzo del artista. A lo largo de la historia de la humanidad se han escrito cientos de miles, y tal vez millones, de pinturas. Algunas de ellas son verdaderas obras maestras, conocidas en todo el mundo, incluso las personas que no están relacionadas con el arte las conocen. ¿Es posible señalar 25 de los más destacados entre tales pinturas? La tarea es muy difícil, pero lo intentamos...

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La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

Gracias a esta pintura, Dalí se hizo famoso a una edad bastante joven, tenía 28 años. La imagen tiene varios otros nombres - " reloj suave”, “La dureza de la memoria”. Esta obra maestra ha atraído la atención de muchos historiadores del arte. Básicamente, estaban interesados ​​en la interpretación de la imagen. Se dice que la idea del lienzo de Dalí está conectada con la teoría de la relatividad de Einstein.

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"Baile", Henri Matisse

Henri Matisse no siempre fue un artista. Descubrió su amor por la pintura tras licenciarse en derecho en París. Estudió arte con tanto celo que se convirtió en uno de los los mejores artistas en el mundo. Esta imagen tiene muy pocas críticas negativas de los críticos de arte. Refleja una combinación de rituales paganos, danza y música. La gente baila en trance. Tres colores, verde, azul y rojo, simbolizan la Tierra, el Cielo y la Humanidad.

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El beso, Gustav Klimt

Gustav Klimt ha sido criticado a menudo por estar desnudo en sus pinturas. "El beso" llamó la atención de los críticos, ya que fusionó todas las formas de arte. La pintura podría ser una imagen del propio artista y su amante, Emilia. Klimt pintó este lienzo bajo la influencia de los mosaicos bizantinos. Los bizantinos usaban oro en sus pinturas. De manera similar, Gustav Klimt mezcló oro en sus pinturas para crear su estilo propio cuadro.

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Gitana durmiente, Henri Rousseau

Nadie más que el propio Rousseau podría describir mejor este cuadro. Aquí está su descripción: “una gitana nómada que canta sus canciones con una mandolina, duerme en el suelo por la fatiga, su jarra de agua potable yace cerca. Un león que pasaba se acercó a olerla, pero no la tocó. Todo está bañado por la luz de la luna, una atmósfera muy poética.” Cabe destacar que Henri Rousseau es autodidacta.

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"El Juicio Final", Hieronymus Bosch

Sin que palabras extra– la imagen es simplemente magnífica. Este tríptico es la pintura más grande de Bosch que se conserva. El ala izquierda muestra la historia de Adán y Eva. La parte central es el "Juicio Final" por parte de Jesús - quién debería ir al cielo y quién debería ir al infierno. La tierra que vemos aquí está en llamas. En el ala derecha se representa una imagen repugnante del infierno.

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Todo el mundo conoce a Narciso de mitología griega- un hombre que estaba obsesionado con su apariencia. Dalí escribió su propia interpretación de Narciso.

La historia es así. El hermoso joven Narciso rompió fácilmente el corazón de muchas chicas. Los dioses intervinieron y, para castigarlo, le mostraron su reflejo en el agua. Narciso se enamoró de sí mismo y terminó muriendo porque no podía abrazarse a sí mismo. Entonces los dioses se arrepintieron de haberle hecho esto y decidieron inmortalizarlo en forma de flor de narciso.

En el lado izquierdo de la imagen está Narciso mirando su reflejo. Luego se enamoró de sí mismo. El panel derecho muestra los eventos que se desarrollaron después, incluida la flor resultante, el narciso.

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La trama de la imagen se basa en la paliza bíblica de los bebés en Belén. Después de que los magos supieran el nacimiento de Cristo, el rey Herodes ordenó matar a todos los niños pequeños y bebés en Belén. En la imagen, la carnicería está en su apogeo, los últimos niños separados de sus madres esperan su muerte sin piedad. También son visibles los cadáveres de niños para quienes todo quedó atrás.

Mediante el uso de ricos colores, la pintura de Rubens se ha convertido en una obra maestra de fama mundial.

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El trabajo de Pollock es muy diferente al de otros artistas. Colocó su lienzo en el suelo y se movió alrededor del lienzo y caminó sobre él, goteando pintura desde arriba sobre el lienzo con palos, cepillos y jeringas. Gracias a esta técnica única, fue apodado "Sprinkler Jack" en los círculos artísticos. Durante algún tiempo esta pintura ostentó el título de la pintura más cara del mundo.

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También conocido como "Bailando en Les Moulins de la Galette". Esta pintura es considerada una de las pinturas más alegres de Renoir. La idea de la imagen es mostrarle al público un lado divertido. vida parisina. Con un estudio detallado del cuadro, se puede ver que Renoir colocó a varios de sus amigos en el lienzo. Debido a que la pintura aparece ligeramente descolorida, inicialmente fue criticada por los contemporáneos de Renoir.

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La historia está tomada de la Biblia. La Última Cena describe la última cena de Cristo antes de su arresto. Acababa de hablar con sus apóstoles y les dijo que uno de ellos lo traicionaría. Todos los apóstoles se entristecen y le dicen que ciertamente no son ellos. Fue este momento el que da Vinci retrató bellamente con su vivaz imagen. El gran Leonardo tardó cuatro años en completar esta pintura.

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Los "Nenúfares" de Monet se pueden encontrar en todas partes. Probablemente los hayas visto en papeles pintados, carteles y portadas de revistas de arte. El caso es que Monet estaba obsesionado con los lirios. Antes de comenzar a pintarlas, había cultivado innumerables de estas flores. Monet construyó un puente en Estilo japones en su jardín sobre un estanque de nenúfares. Estaba tan complacido con lo que hizo que dibujó esta historia diecisiete veces en un año.

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Hay algo siniestro y misterioso en esta imagen, hay un aura de miedo a su alrededor. Solo un maestro como Munch pudo retratar el miedo en el papel. Munch hizo cuatro versiones de El grito al óleo y al pastel. Según las entradas del diario de Munch, está bastante claro que él mismo creía en la muerte y los espíritus. En el cuadro “El grito”, se representó a sí mismo en el momento en que un día, caminando con amigos, sintió miedo y emoción, que quería pintar.

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La pintura, a la que generalmente se hace referencia como un símbolo de la maternidad, no debería haberse convertido en uno. Se dice que la modelo de Whistler, que se suponía que posaría para el cuadro, no se presentó y decidió pintar a su madre en su lugar. Podemos decir que aquí se representa la triste vida de la madre del artista. Este estado de ánimo se debe a los colores oscuros que se utilizan en esta pintura.

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Picasso conoció a Dora Maar en París. Se dice que intelectualmente estaba más cerca de Picasso que todas sus amantes anteriores. Usando el cubismo, Picasso pudo transmitir movimiento en su obra. Parece que el rostro de Maar gira hacia la derecha, hacia el rostro de Picasso. El artista hizo que la presencia de la mujer fuera casi real. Tal vez quería sentir que ella estaba allí, siempre.

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Van Gogh pintó La noche estrellada mientras estaba en tratamiento, donde solo se le permitió pintar cuando su condición mejoró. A principios del mismo año, se cortó el lóbulo de la oreja izquierda. Muchos consideraban al artista loco. De toda la colección de obras de Van Gogh. Noche de estrellas» ganó la mayor fama, quizás debido a la inusual luz esférica alrededor de las estrellas.

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En este cuadro, Manet recreó la Venus de Urbino de Tiziano. El artista tenía mala reputación por representar prostitutas. Aunque los caballeros en ese momento visitaban a las cortesanas con bastante frecuencia, no pensaron que a alguien se le ocurriría dibujarlas. Entonces era preferible que los artistas pintaran cuadros sobre temas históricos, míticos o temas bíblicos. Sin embargo, Manet, contrariamente a la crítica, mostró a la audiencia su contemporáneo.

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9

Esta pintura es un lienzo histórico que representa la conquista de España por parte de Napoleón.

Habiendo recibido un pedido de pinturas que representan la lucha del pueblo español con Napoleón, el artista no pintó lienzos heroicos y patéticos. Eligió el momento de la ejecución de los rebeldes españoles por parte de los soldados franceses. Cada uno de los españoles está viviendo este momento a su manera, alguno ya se ha reconciliado, pero para alguien acaba de llegar la batalla principal. Guerra, sangre y muerte, eso es lo que realmente retrató Goya.

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Se cree que la niña representada es hija mayor Vermeer, María. Sus rasgos están presentes en muchas de sus obras, pero es difícil compararlos. Un libro con el mismo título fue escrito por Tracey Chevalier. Pero la versión de Tracy de quién está representado en esta imagen es completamente diferente. Ella afirma que tomó este tema porque hay muy poca información sobre Vermeer y sus pinturas, y esta pintura en particular tiene una atmósfera misteriosa. Más tarde, se hizo una película basada en su novela.

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El nombre exacto de la pintura es “La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg”. La sociedad de fusileros era una milicia civil que fue llamada a defender la ciudad. Además de las milicias, Rembrandt añadió varios personas adicionales. Teniendo en cuenta que compró una casa cara en el momento de escribir esta imagen, bien puede ser cierto que recibió una gran tarifa por The Night Watch.

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Aunque la pintura contiene una imagen del propio Velázquez, no es un autorretrato. El personaje principal del lienzo es la infanta Margarita, hija del rey Felipe IV. Representa el momento en que Velázquez, trabajando en un retrato del rey y la reina, se ve obligado a detenerse y mirar a la infanta Margarita, que acaba de entrar en la sala con su séquito. La imagen parece casi viva, despertando la curiosidad en el público.

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Esta es la única pintura de Brueghel que fue pintada al óleo y no al temple. Todavía existen dudas sobre la autenticidad de la pintura, principalmente por dos razones. En primer lugar, no pintaba al óleo y, en segundo lugar, últimas investigaciones mostró que debajo de la capa de pintura hay un dibujo abocetado de mala calidad, que no pertenece a Brueghel.

La pintura representa la historia de Ícaro y el momento de su caída. Según el mito, las plumas de Ícaro estaban unidas con cera, y cuando Ícaro se elevó muy cerca del sol, la cera se derritió y cayó al agua. Este paisaje inspiró a Wystan Hugh Auden a escribir su propio poema famoso sobre el mismo tema.

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« escuela ateniense", quizás el fresco más famoso del artista del Renacimiento italiano, Rafael.

En este mural de la Escuela de Atenas, todos los grandes matemáticos, filósofos y científicos reunidos bajo un mismo techo comparten sus teorías y aprenden unos de otros. Todos los héroes vivían en diferente tiempo, pero Rafael los colocó a todos en una habitación. Algunas de las figuras son Aristóteles, Platón, Pitágoras y Ptolomeo. Una mirada más cercana muestra que hay un autorretrato del propio Rafael en esta imagen. A todo artista le gustaría dejar su huella, la única diferencia es la forma. ¿Aunque tal vez él mismo se consideraba una de estas grandes figuras?

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Miguel Ángel nunca se consideró un artista, siempre se consideró más un escultor. Pero se las arregló para crear un fresco asombroso y exquisito, ante el cual todo el mundo reverencia. Esta obra maestra está en el techo de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Miguel Ángel recibió el encargo de pintar varias historias bíblicas, una de las cuales es la creación de Adán. En esta imagen, el escultor de Miguel Ángel es apenas visible. El cuerpo humano de Adam está representado con una fidelidad increíble, con colores vibrantes y una forma muscular precisa. Entonces, uno puede estar de acuerdo con el autor, después de todo, es más un escultor.

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"Mona Lisa", Leonardo da Vinci

Aunque es la pintura más estudiada, la Mona Lisa sigue siendo la más misteriosa. Leonardo dijo que nunca dejó de trabajar en ello. Solo se dice que su muerte completó la pintura. "Mona Lisa" es el primer retrato italiano en el que se muestra a la modelo de cintura para arriba. La piel de Mona Lisa parece brillar debido al uso de varias capas de aceites transparentes. Como científico, Leonardo da Vinci aplicó todos sus conocimientos para hacer realista la imagen de la Mona Lisa. En cuanto a quién está representado exactamente en la pintura, sigue siendo un misterio.

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La pintura representa a Venus, la diosa del amor, flotando sobre una concha en el viento, que sopla Zephyr, el dios del viento del oeste. En la orilla, Ora, la diosa de las estaciones, la encuentra, está lista para vestir a la deidad recién nacida. El modelo de Venus es Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo murió a los 22 años y Botticelli deseaba ser enterrado junto a ella. Lo conectó con ella amor no correspondido. esta foto es la mas trabajo exquisito arte jamás creado.

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Conclusión

era un articulo TOP 25 pinturas más famosas del mundo. ¡Gracias por su atención!

Las imágenes más famosas y significativas de la historia del arte del mundo para su inspiración.

Las pinturas inmortales de grandes artistas son admiradas por millones de personas. El arte, clásico y moderno, es una de las principales fuentes de inspiración, gusto y formación cultural de cualquier persona, y aún más creativa.

Ciertamente, hay más pinturas de fama mundial que 33. Hay varios cientos de ellas, y todas ellas no cabrían en una reseña. Por lo tanto, para facilitar la visualización, hemos seleccionado algunos que son los más importantes para la cultura mundial y que a menudo se copian. Cada obra va acompañada de un dato interesante, una explicación del significado artístico o la historia de su creación.

Rafael "Madonna Sixtina" 1512

Almacenado en la Galería de los Viejos Maestros en Dresde.

La imagen tiene un pequeño secreto: el fondo, que parece nubes desde la distancia, al examinarlo más de cerca resulta ser cabezas de ángeles. Y los dos ángeles representados en la imagen de abajo se han convertido en el motivo de numerosas postales y carteles.

Rembrandt "La ronda de noche" 1642

Almacenado en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

El verdadero nombre de la pintura de Rembrandt es "La actuación de la compañía de rifles del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg". Los críticos de arte que descubrieron la pintura en el siglo XIX pensaron que las figuras estaban de pie sobre un fondo oscuro, y la llamaron "La ronda de noche". Más tarde resultó que una capa de hollín oscurece la imagen y la acción en realidad tiene lugar durante el día. Sin embargo, la imagen ya ingresó al tesoro del arte mundial con el nombre de "Guardia nocturna".

Leonardo da Vinci "La Última Cena" 1495-1498

Ubicado en el monasterio de Santa Maria delle Grazie en Milán.

Durante los más de 500 años de historia de la existencia de la obra, el fresco fue destruido repetidamente: se hizo una puerta a través de la pintura y luego se colocó una puerta, se utilizó el refectorio del monasterio, donde se encuentra la imagen. como un arsenal, una prisión, y bombardeado. El famoso fresco ha sido restaurado al menos cinco veces, y la restauración más reciente tomó 21 años. Hoy, para ver la obra de arte, los visitantes deben reservar entradas con anticipación y solo pueden pasar 15 minutos en el refectorio.

Salvador Dali "La persistencia de la memoria" 1931

Según el propio autor, el cuadro fue pintado como resultado de asociaciones que surgieron en Dalí al ver el queso procesado. Al regresar del cine, donde fue esa noche, Gala predijo con bastante acierto que nadie que viera "La persistencia de la memoria" una vez la olvidaría.

Pieter Bruegel el Viejo "Torre de Babel" 1563

Almacenado en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Según Brueghel, en el fracaso que sufrió la construcción Torre de Babel, no son las barreras del idioma que surgieron repentinamente según la historia bíblica las que tienen la culpa, sino los errores cometidos durante el proceso de construcción. A primera vista, el enorme edificio parece lo suficientemente sólido, pero después de una inspección más cercana, está claro que todos los niveles están dispuestos de manera desigual, los pisos inferiores están sin terminar o ya se están derrumbando, el edificio en sí se inclina hacia la ciudad y las perspectivas para todo el proyecto son muy tristes.

Kazimir Malevich "Cuadrado negro" 1915

Según el artista, pintó el cuadro durante varios meses. Posteriormente, Malevich hizo varias copias del "Cuadrado negro" (según algunas fuentes, siete). Según una versión, el artista no pudo completar el trabajo de la pintura en el tiempo adecuado, por lo que tuvo que cubrir el trabajo con pintura negra. Posteriormente, tras el reconocimiento del público, Malevich pintó nuevos "Cuadrados negros" ya sobre lienzos en blanco. Malevich también pintó las pinturas "Plaza Roja" (dos copias) y una "Plaza Blanca".

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Bañando al caballo rojo" 1912

Ubicado en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

Pintado en 1912, el cuadro resultó ser visionario. El caballo rojo actúa como el Destino de Rusia o Rusia misma, que el frágil y joven jinete no puede sostener. así, el artista predijo simbólicamente con su pintura el destino “rojo” de Rusia en el siglo XX.

Peter Paul Rubens "La violación de las hijas de Leucipo" 1617-1618

Almacenado en la Alte Pinakothek de Munich.

La pintura "El rapto de las hijas de Leucipo" se considera la personificación de la pasión valiente y la belleza corporal. Los brazos fuertes y musculosos de los jóvenes levantan a las jóvenes desnudas para montarlas a caballo. Los hijos de Zeus y Leda roban las novias de sus primos.

Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" 1898

Almacenado en el Museo Bellas Artes en Boston.

Bajo la dirección del propio Gauguin, la imagen debe leerse de derecha a izquierda: los tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un hijo representan el comienzo de la vida; grupo medio simboliza la existencia diaria de la madurez; en el grupo final, según la intención del artista, "una anciana que se acerca a la muerte parece reconciliada y entregada a sus pensamientos", a sus pies "un extraño pájaro blanco... representa la futilidad de las palabras".

Eugene Delacroix "La libertad guiando al pueblo" 1830

Guardado en el Louvre de París

Delacroix creó una pintura basada en la Revolución de julio de 1830 en Francia. En una carta a su hermano el 12 de octubre de 1830, Delacroix escribe: "Si no luché por la Patria, al menos escribiré por ella". El pecho desnudo de una mujer que conduce al pueblo simboliza el desinterés del pueblo francés de esa época, que con el "pecho desnudo" se dirigió al enemigo.

Claude Monet "Impresión. Sol naciente" 1872

Guardada en el Musée Marmottan de París.

El título de la pieza es "Impression, soleil levant" con mano ligera el periodista L. Leroy se convirtió en un nombre dirección artística"impresionismo". La pintura fue pintada de la naturaleza en el antiguo puerto de Le Havre en Francia.

Jan Vermeer "La joven de la perla" 1665

Almacenado en la Galería Mauritshuis en La Haya.

Una de las pinturas más famosas del artista holandés Jan Vermeer a menudo se conoce como la Mona Lisa del norte o holandesa. Se sabe muy poco sobre la pintura: no está fechada, no se conoce el nombre de la niña representada. En 2003 por novela del mismo nombre Tracey Chevalier fue filmada Largometraje"La joven de la perla", en la que se restituye hipotéticamente la historia de la creación del lienzo en el contexto de la biografía y vida familiar Vermeer.

Ivan Aivazovsky "La Novena Ola" 1850

Almacenado en San Petersburgo en el Museo Estatal Ruso.

Ivan Aivazovsky es un pintor marino ruso de fama mundial que ha dedicado su vida a representar el mar. Creó alrededor de seis mil obras, cada una de las cuales recibió reconocimiento durante la vida del artista. La pintura "La Novena Ola" está incluida en el libro "100 Grandes Pinturas".

Andrei Rublev "Trinidad" 1425-1427

El ícono de la Santísima Trinidad, pintado por Andrei Rublev en el siglo XV, es uno de los íconos rusos más famosos. El icono es un tablero en formato vertical. Los zares (Iván el Terrible, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "recubrieron" el ícono con oro, plata y piedras preciosas. Hoy el salario se almacena en el Museo-Reserva Estatal Sergiev Posad.

Mikhail Vrubel "Demonio sentado" 1890

Almacenado en la Galería Tretyakov en Moscú.

La trama de la imagen está inspirada en el poema "El demonio" de Lermontov. Demonio - la imagen del poder Espíritu humano, lucha interna, duda. Juntando trágicamente sus manos, el Demonio se sienta con ojos tristes y enormes dirigidos a la distancia, rodeado de flores sin precedentes.

William Blake "El gran arquitecto" 1794

Guardado en Museo Británico en Londres.

El nombre de la pintura "El Anciano de los Días" se traduce literalmente del inglés como "Anciano de los Días". Esta frase fue usada como el nombre de Dios. El personaje principal del cuadro es Dios en el momento de la creación, que no establece el orden, sino que limita la libertad y marca los límites de la imaginación.

Edouard Manet "Bar en el Folies Bergère" 1882

Almacenado en el Courtauld Institute of Art de Londres.

El Folies Bergère es un espectáculo de variedades y cabaret en París. Manet frecuentó el Folies Bergère y terminó pintando este cuadro, el último antes de su muerte en 1883. Detrás de la barra, en medio de una multitud que bebe, come, habla y fuma, una camarera está absorta en sus propios pensamientos, mirando a un acróbata de trapecio, que se puede ver en la esquina superior izquierda de la imagen.

Tiziano "Amor terrenal y amor celestial" 1515-1516

Guardado en la Galleria Borghese de Roma.

Es de destacar que el nombre moderno de la pintura no fue dado por el propio artista, sino que comenzó a usarse solo dos siglos después. Hasta ese momento, la pintura había varios títulos: "Belleza embellecida y sin adornos" (1613), "Tres tipos de amor" (1650), "Mujeres divinas y seculares" (1700), y, al final, "Amor terrenal y amor celestial" (1792 y 1833).

Mikhail Nesterov "Visión al joven Bartolomé" 1889-1890

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

primero y mas trabajo significativo del ciclo dedicado a Sergio de Radonezh. Hasta el final de sus días, el artista estuvo convencido de que “La visión del joven Bartolomé” era su mejor obra. En su vejez, al artista le gustaba repetir: "No seré yo quien vivirá. El "Joven Bartolomé" vivirá". está vivo, lo que significa que yo también estoy vivo".

Pieter Bruegel el Viejo "La parábola de los ciegos" 1568

Almacenado en el Museo Capodimonte en Nápoles.

Otros nombres de la pintura son "El ciego", "Parábola de los ciegos", "El ciego guiando a los ciegos". Se cree que la trama de la imagen se basa en la parábola bíblica de los ciegos: "Si los ciegos guían a los ciegos, ambos caerán en el pozo".

Víktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov.

Se toma como base el cuento de hadas "Sobre la hermana Alyonushka y el hermano Ivanushka". Inicialmente, la pintura de Vasnetsov se llamaba "Fool Alyonushka". Los huérfanos fueron llamados "tontos" en ese momento. "Alyonushka", dijo el propio artista más tarde, "como si hubiera estado viviendo en mi cabeza durante mucho tiempo, pero en realidad la vi en Akhtyrka cuando conocí a una chica de cabello simple que cautivó mi imaginación. Había tanto anhelo, soledad y tristeza puramente rusa en sus ojos... Algún espíritu ruso especial emanaba de ella".

Vincent van Gogh Noche estrellada 1889

Almacenado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A diferencia de la mayoría de las pinturas del artista, Starry Night fue pintada de memoria. Van Gogh estaba en ese momento en el hospital de Saint-Remy, atormentado por ataques de locura.

Karl Bryullov "El último día de Pompeya" 1830-1833

Almacenado en el Museo Estatal Ruso en San Petersburgo.

La imagen muestra erupción famosa Monte Vesubio en el 79 d.C. mi. y la destrucción de la ciudad de Pompeya cerca de Nápoles. La imagen del artista en la esquina izquierda de la imagen es un autorretrato del autor.

Pablo Picasso "Niña sobre una pelota" 1905

Guardado en Museo Pushkin, Moscú

El cuadro llegó a Rusia gracias al industrial Ivan Abramovich Morozov, que lo compró en 1913 por 16.000 francos. En 1918, se nacionalizó la colección personal de I. A. Morozov. A este momento el cuadro esta en la coleccion Museo Estatal Bellas Artes lleva el nombre de A.S. Pushkin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Almacenado en el Hermitage de San Petersburgo.

El título original de la pintura es Madonna and Child. Nombre moderno La pintura proviene del nombre de su dueño, el Conde Litta, propietario de una galería de arte familiar en Milán. Se supone que la figura del bebé no fue pintada por Leonardo da Vinci, sino que pertenece al pincel de uno de sus alumnos. Esto se evidencia en la pose del bebé, que es inusual para la forma del autor.

Jean Ingres "Baños Turcos" 1862

Guardado en el Louvre de París.

Ingres terminó de pintar este cuadro cuando ya tenía más de 80 años. Con esta imagen, el artista resume un resultado peculiar de la imagen de los bañistas, cuyos temas han estado presentes durante mucho tiempo en su obra. Inicialmente, el lienzo tenía la forma de un cuadrado, pero un año después de su finalización, el artista lo convirtió en una imagen redonda: un tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mañana en un bosque de pinos" 1889

Almacenado en la Galería Tretyakov en Moscú

“Mañana en un bosque de pinos” es una pintura de los artistas rusos Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Savitsky pintó osos, pero el coleccionista Pavel Tretyakov, cuando adquirió la pintura, borró su firma, por lo que ahora solo se indica que Shishkin es el autor de la pintura.

Mikhail Vrubel "La princesa cisne" 1900

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov

El cuadro fue pintado sobre la base de la imagen escénica de la heroína de la ópera de N. A. Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" según la trama. cuento de hadas del mismo nombre A. S. Pushkin. Vrubel creó bocetos para la escenografía y el vestuario para el estreno de la ópera en 1900, y su esposa cantó el papel de la Princesa Cisne.

Giuseppe Arcimboldo "Retrato del emperador Rodolfo II en forma de Vertumnus" 1590

Situado en el castillo de Skokloster en Estocolmo.

Una de las pocas obras sobrevivientes del artista, quien hizo retratos de frutas, verduras, flores, crustáceos, peces, perlas, instrumentos musicales y otros, libros, etc. "Vertumnus" es un retrato del emperador, representado como el antiguo dios romano de las estaciones, la vegetación y la transformación. En la imagen, Rudolph se compone enteramente de frutas, flores y verduras.

Edgar Degas "Bailarines azules" 1897

Ubicado en el Museo de Arte. A. S. Pushkin en Moscú.

Degas era un gran aficionado al ballet. Se le llama el artista de las bailarinas. Trabajar " bailarines azules se refiere al período tardío de la obra de Degas, cuando su vista se debilita y comienza a trabajar con grandes manchas de color, dando una importancia primordial a la organización decorativa de la superficie del cuadro.

Leonardo da Vinci "Mona Lisa" 1503-1505

Guardado en el Louvre, París.

La Mona Lisa podría no haber ganado fama mundial si no hubiera sido robada en 1911 por un empleado del Louvre. La pintura fue encontrada dos años después en Italia: el ladrón respondió a un anuncio en un periódico y ofreció vender la Gioconda al director de la Galería Uffizi. Todo este tiempo, mientras se desarrollaba la investigación, “Mona Lisa” no salía de las portadas de diarios y revistas de todo el mundo, convirtiéndose en objeto de copia y adoración.

Sandro Botticelli "El nacimiento de Venus" 1486

Almacenado en Florencia en la Galería de los Uffizi

La pintura ilustra el mito del nacimiento de Afrodita. La diosa desnuda flota hacia la orilla en un caparazón abierto, impulsada por el viento. En el lado izquierdo de la imagen Zephyr ( viento del oeste) en los brazos de su esposa Clorida sopla sobre la concha, creando un viento lleno de flores. En la orilla, la diosa se encuentra con una de las gracias. "El nacimiento de Venus" está bien conservado debido al hecho de que Botticelli aplicó a la imagen. capa protectora de yema de huevo.

Miguel Ángel "Creación de Adán" 1511

Situado en la Capilla Sixtina del Vaticano.

Si crees que todos los grandes artistas están en el pasado, entonces no tienes idea de lo equivocado que estás. En este artículo, aprenderá acerca de los más famosos y artistas talentosos modernidad. Y, créanme, sus obras quedarán en su memoria no menos profundamente que las obras del maestro de épocas pasadas.

Wojciech Babski

Wojciech Babski es un artista polaco contemporáneo. Se graduó en el Instituto Politécnico de Silesia, pero se conectó con él. Últimamente ha estado pintando sobre todo mujeres. Se enfoca en la manifestación de las emociones, busca obtener el mayor efecto posible por medios simples.

Le encanta el color, pero a menudo usa tonos de negro y gris para lograr la mejor experiencia. Sin miedo a experimentar con nuevas técnicas. Recientemente, ha ido ganando cada vez más popularidad en el extranjero, principalmente en el Reino Unido, donde vende con éxito sus obras, que ya se pueden encontrar en muchas colecciones privadas. Además del arte, se interesa por la cosmología y la filosofía. Escucha jazz. Actualmente vive y trabaja en Katowice.

warren chang

Warren Chang - moderno artista estadounidense. Nacido en 1957 y criado en Monterey, California, se graduó magna cum laude de Art Center College of Design en Pasadena en 1981 con una licenciatura en Bellas Artes. Durante las siguientes dos décadas, trabajó como ilustrador para varias empresas en California y Nueva York antes de comenzar su carrera como artista profesional en 2009.

Sus pinturas realistas se pueden dividir en dos categorías principales: pinturas biográficas de interiores y pinturas que representan a trabajadores. Su interés en este estilo de pintura tiene sus raíces en el trabajo del pintor del siglo XVI Jan Vermeer y se extiende a objetos, autorretratos, retratos de miembros de la familia, amigos, estudiantes, estudios, aulas e interiores de casas. Su objetivo es crear un estado de ánimo y emoción en sus pinturas realistas a través de la manipulación de la luz y el uso de colores apagados.

Chang se hizo famoso después de la transición a las artes visuales tradicionales. Durante los últimos 12 años, ha ganado numerosos premios y honores, siendo el más prestigioso el Master Signature de la Oil Painters Association of America, la comunidad de pintura al óleo más grande de los Estados Unidos. Solo una persona de 50 tiene la oportunidad de recibir este premio. Actualmente, Warren vive en Monterey y trabaja en su estudio, también enseña (conocido como un maestro talentoso) en la Academia de las Artes de San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni es un artista italiano. Nacido en Blair, el 15 de octubre de 1955. Licenciada en escenografía por el Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, es autodidacta, ya que de forma independiente “construyó la casa del conocimiento” sobre los cimientos establecidos en la escuela. Comenzó a pintar al óleo a los 19 años. Actualmente vive y trabaja en Umbria.

La pintura temprana de Bruni tiene sus raíces en el surrealismo, pero con el tiempo comienza a enfocarse en la cercanía del romanticismo lírico y el simbolismo, reforzando esta combinación con la exquisita sofisticación y pureza de sus personajes. Los objetos animados e inanimados adquieren la misma dignidad y parecen casi hiperrealistas, pero al mismo tiempo no se esconden detrás de una cortina, sino que te permiten ver la esencia de tu alma. Versatilidad y sofisticación, sensualidad y soledad, delicadeza y fecundidad son el espíritu de Aurelio Bruni, nutrido por el esplendor del arte y la armonía de la música.

Alejandro Balos

Alkasandr Balos es un artista polaco contemporáneo especializado en pintura al óleo. Nacido en 1970 en Gliwice, Polonia, pero desde 1989 vive y trabaja en USA, en la ciudad de Shasta, California.

De niño estudió arte bajo la tutela de su padre Jan, artista y escultor autodidacta, por lo que desde temprana edad, actividad artistica recibió el apoyo total de ambos padres. En 1989, a la edad de dieciocho años, Balos se fue de Polonia a los Estados Unidos, donde su maestra de escuela y artista a tiempo parcial Cathy Gaggliardi animó a Alcasander a matricularse en escuela de Arte. Balos luego recibió una beca completa para la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, donde estudió pintura con el profesor de filosofía Harry Rosin.

Después de completar sus estudios en 1995 y recibir una licenciatura, Balos se mudó a Chicago para asistir a la escuela. Artes visuales, cuyos métodos se basan en el trabajo de Jacques-Louis David. El realismo figurativo y el retrato fueron la mayoría obras de Balos en los años 90 y principios de los 2000. Hoy, Balos utiliza la figura humana para resaltar las características y carencias de la existencia humana, sin ofrecer ninguna solución.

Las composiciones de la trama de sus pinturas están destinadas a ser interpretadas de forma independiente por el espectador, solo así los lienzos adquirirán su verdadero significado temporal y subjetivo. En 2005, el artista se mudó al norte de California, desde entonces el alcance de su trabajo se ha expandido significativamente y ahora incluye métodos de pintura más libres, incluida la abstracción y varios estilos multimedia que ayudan a expresar las ideas y los ideales del ser a través de la pintura.

Alyssa monjes

Alyssa Monks es una artista americana contemporánea. Nació en 1977 en Ridgewood, Nueva Jersey. Se interesó por la pintura cuando aún era una niña. Estudió en la New School de Nueva York y Universidad Estatal Montclair, y se graduó de Boston College en 1999, recibió una licenciatura. Al mismo tiempo, estudió pintura en la Academia Lorenzo Medici de Florencia.

Luego continuó sus estudios bajo el programa de maestría en la Academia de Arte de Nueva York, en el Departamento de Arte Figurativo, graduándose en 2001. Se graduó de Fullerton College en 2006. Dio conferencias brevemente en universidades e instituciones educativas de todo el país, y enseñó pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y el Colegio de Arte de la Academia Lyme.

“Usando filtros como vidrio, vinilo, agua y vapor, distorsiono cuerpo humano. Estos filtros le permiten crear grandes áreas diseño abstracto, con islas de color que se asoman a través de ellas: partes del cuerpo humano.

Mis fotos están cambiando aspecto moderno a las posturas y gestos tradicionales ya establecidos de las bañistas. Podrían decirle mucho a un espectador atento sobre cosas aparentemente evidentes como los beneficios de nadar, bailar, etc. Mis personajes se presionan contra el cristal de la ventana de la cabina de la ducha, distorsionando su propio cuerpo, dándose cuenta de que así influyen en la notoria mirada masculina a una mujer desnuda. Gruesas capas de pintura se mezclan para imitar el vidrio, el vapor, el agua y la carne desde lejos. Sin embargo, de cerca, encantador propiedades físicas pintura de aceite. Al experimentar con capas de pintura y color, encuentro el momento en que los trazos abstractos se convierten en algo más.

Cuando comencé a pintar el cuerpo humano, inmediatamente me fascinó e incluso me obsesioné y sentí que tenía que hacer mis pinturas lo más realistas posible. "Profesé" el realismo hasta que comenzó a desmoronarse y deconstruirse. Ahora estoy explorando las posibilidades y el potencial de un estilo de pintura donde la pintura figurativa y la abstracción se encuentran: si ambos estilos pueden coexistir al mismo tiempo, lo haré”.

antonio finelli

artista italiano - observador del tiempo” – Antonio Finelli nació el 23 de febrero de 1985. Actualmente vive y trabaja en Italia entre Roma y Campobasso. Sus obras han sido expuestas en varias galerías en Italia y en el extranjero: Roma, Florencia, Novara, Génova, Palermo, Estambul, Ankara, Nueva York, y también se pueden encontrar en colecciones privadas y públicas.

dibujos a lápiz" vigilante del tiempo” Antonio Finelli nos envía en un viaje eterno a través mundo interior la temporalidad humana y el análisis riguroso de este mundo asociado a ella, cuyo elemento principal es el paso del tiempo y las huellas que éste deja en la piel.

Finelli pinta retratos de personas de cualquier edad, género y nacionalidad, cuyas expresiones faciales indican el paso del tiempo, y el artista también espera encontrar evidencias de la crueldad del tiempo en los cuerpos de sus personajes. Antonio define sus obras con un título general: “Autorretrato”, porque en sus dibujos a lápiz no solo representa a una persona, sino que permite al espectador contemplar los resultados reales del paso del tiempo en el interior de una persona.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni es una artista italiana de 37 años, hija de un diplomático. Ella tiene tres niños. Doce años vivió en Roma, tres años en Inglaterra y Francia. Recibió un título en historia del arte de la BD School of Art. Luego recibió un diploma en la especialidad restauradora de obras de arte. Antes de encontrar su vocación y dedicarse por completo a la pintura, trabajó como periodista, colorista, diseñadora y actriz.

La pasión de Flaminia por la pintura surgió cuando era niña. Su medio principal es el óleo porque le encanta el “coiffer la paté” y también juega con la materia. Aprendió una técnica similar en las obras del artista Pascal Torua. Flaminia se inspira en los grandes maestros de la pintura como Balthus, Hopper y François Legrand, así como en varios movimientos artísticos: street art, realismo chino, surrealismo y realismo renacentista. El favorito de ella pintor caravaggio. Su sueño es descubrir el poder terapéutico del arte.

Denis Chernov

Denis Chernov tiene talento artista ucraniano, nació en 1978 en Sambir, región de Lviv, Ucrania. Después de graduarse de la Universidad de Arte de Kharkov en 1998, se quedó en Kharkov, donde vive y trabaja actualmente. También estudió en la Academia Estatal de Diseño y Artes de Kharkov, Departamento de Gráficos, se graduó en 2004.

Participa regularmente en exposiciones de arte, este momento había más de sesenta de ellos, tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de las obras de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas de Ucrania, Rusia, Italia, Inglaterra, España, Grecia, Francia, Estados Unidos, Canadá y Japón. Algunas de las obras se vendieron en Christie's.

Denis trabaja en una amplia gama de gráficos y tecnicas de pintura. Los dibujos a lápiz son uno de sus métodos de pintura favoritos, la lista de temas de sus dibujos a lápiz también es muy diversa, pinta paisajes, retratos, desnudos, composiciones de género, ilustraciones de libros, literario y reconstrucciones históricas y fantasías.

En casi todos trabajo significativo el arte es un misterio, un "doble fondo" o historia secreta que desea abrir.

Música en las nalgas

Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias, 1500-1510.

Fragmento de un tríptico

Disputas sobre los significados y significados ocultos de la obra más famosa artista holandés no han disminuido desde su inicio. En el ala derecha del tríptico llamado "Infierno Musical" se representan pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas impresas en sus nalgas. La estudiante de la Universidad Cristiana de Oklahoma, Amelia Hamrick, que estudió la pintura, transpuso la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años".

Mona lisa desnuda

La famosa "Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue pintada por el artista poco conocido Salai, quien fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos críticos de arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan el Bautista" y "Baco". También hay versiones que vestidas con un vestido de mujer, Salai sirvió como la imagen de la propia Mona Lisa.

viejo pescador

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintó el cuadro " viejo pescador". Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar colocó un subtexto en ella, que nunca se reveló durante la vida del artista.

A pocas personas se les ocurrió poner un espejo en medio del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo se duplica) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo se duplica).

¿Había una ballena?

Hendrik van Antonissen "Escena en la orilla".

Parecería que, paisaje ordinario. Barcos, gente en la orilla y el mar del desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original, examinaron el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.

Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y volvió a pintar la pintura.

Dos "Desayunos en la Hierba"

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863.

Claude Monet, Desayuno sobre la hierba, 1865.

Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron al estilo del impresionismo. Incluso el nombre de uno de los cuadros más famosos de Manet, "Desayuno sobre la hierba", Monet lo tomó prestado y escribió su "Desayuno sobre la hierba".

Gemelos en la Última Cena

Leonardo da Vinci, La Última Cena, 1495-1498.

Cuando Leonardo da Vinci escribió " última cena", el dio significado especial dos figuras: Cristo y Judas. Estuvo buscando niñeras para ellos durante mucho tiempo. Finalmente, logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantores. Leonardo no pudo encontrar una niñera para Judas durante tres años. Pero un día se encontró con un borracho tirado en la cuneta de la calle. Era un hombre joven que había envejecido por el consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a escribirle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace unos años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo escribió a Cristo de él.

¿"Guardia de la noche" o "Guardia del día"?

Rembrandt, La ronda de noche, 1642.

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg", colgó durante unos doscientos años en diferentes salones y fue descubierto por historiadores del arte recién en el siglo XIX. Dado que las figuras parecían destacarse sobre un fondo oscuro, se llamó Night Watch, y bajo este nombre ingresó al tesoro del arte mundial.

Y solo durante la restauración, realizada en 1947, resultó que en la sala la imagen había logrado cubrirse con una capa de hollín que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena presentada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.

barco volcado

Henri Matisse, "El barco", 1937.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961, se exhibió la pintura de Henri Matisse "El barco". Solo después de 47 días, alguien notó que la pintura estaba colgada boca abajo. El lienzo representa 10 líneas moradas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón, la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no confundirse con la forma en que debe colgarse la imagen, debe prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y el pico de la vela de la pintura debe estar dirigido hacia la esquina superior derecha.

Engaño en un autorretrato

Vincent van Gogh, Autorretrato con pipa, 1889.

Hay leyendas de que Van Gogh supuestamente se cortó la oreja. Ahora, la versión más confiable es que la oreja de van Gogh se dañó en una pequeña pelea con la participación de otro artista, Paul Gauguin.

El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista está representado con la oreja derecha vendada, porque usaba un espejo cuando trabajaba. De hecho, la oreja izquierda estaba dañada.

osos alienígenas

Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.

La famosa pintura pertenece no solo al pincel de Shishkin. Muchos artistas que eran amigos entre sí a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que había estado pintando paisajes toda su vida, temía que tocar osos no resultara como él necesitaba. Por lo tanto, Shishkin recurrió a un conocido pintor de animales, Konstantin Savitsky.

Savitsky dibujó quizás los mejores osos de la historia. pintura rusa, y Tretyakov ordenó que su nombre fuera borrado del lienzo, ya que todo en el cuadro “empezando por la idea y terminando con la ejecución, todo habla de la manera de pintar, de metodo creativo característica de Shishkin.

Cuento inocente "Gótico"

Grant Wood, "Gótico americano", 1930.

El trabajo de Grant Wood es considerado uno de los más extraños y deprimentes de la historia. pintura americana. La imagen con un padre y una hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no pretendía representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, se fijó en una pequeña casa en estilo gótico y decidió retratar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados en forma de personajes que ofendieron tanto a la gente de Iowa.

La venganza de Salvador Dalí

El cuadro "Figura en la ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. Entonces Gala aún no había entrado en la vida del artista, y su hermana Ana María fue su musa. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en una de las pinturas "a veces escupo en un retrato de mi propia madre y me da placer". Ana María no podía perdonar tal escandalo.

En su libro de 1949 Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin elogios. El libro enfureció a El Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba con enojo en cada oportunidad. Y así, en 1954, aparece la imagen "Una joven virgen que se entrega al pecado de sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad". La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de la Figura en la ventana. Hay una versión de que así fue como Dalí se vengó de su hermana por su libro.

Dánae de dos caras

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Dánae, 1636-1647.

Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt se revelaron solo en los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo se iluminó con rayos X. Por ejemplo, el tiroteo mostró que en la primera versión, el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, se parecía al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final de la pintura, comenzó a parecerse al rostro de Gertier Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió después de la muerte de su esposa.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arles", 1888 - 1889.

En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño taller en Arles, en el sur de Francia, donde huía de quienes no lo entendían. artistas parisinos y críticos. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre, todo está listo y decide pintar el Dormitorio de Van Gogh en Arles. Para el artista, el color, la comodidad de la habitación era muy importante: todo debía sugerir pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen se sostiene en inquietantes tonos amarillos.

Los investigadores de la creatividad de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia, que provoca cambios graves en la percepción del color por parte del paciente: toda la realidad circundante está pintada en tonos verde-amarillos.

Perfección desdentada

Leonardo da Vinci, "Retrato de la señora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

La opinión generalmente aceptada es que Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por la expresión de su rostro, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras examinaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también encontró cicatrices alrededor de su boca. “Ella sonríe tanto precisamente por lo que le pasó”, cree el experto. “Su expresión facial es la típica de las personas que han perdido los dientes frontales”.

Mayor en el control de la cara

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

El público, que vio por primera vez la pintura "Major's Matchmaking", se rió de buena gana: el artista Fedotov la llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para los espectadores de esa época. Por ejemplo, el mayor claramente no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: apareció sin los ramos adecuados para la novia y su madre. Y la novia misma, sus padres comerciantes dados de alta en la noche. vestido de fiesta, aunque es de día (todas las lámparas de la habitación están apagadas). La chica obviamente se probó un vestido escotado por primera vez, se avergüenza e intenta huir a su habitación.

Por qué la libertad está desnuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertad en las barricadas, 1830.

Según el historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintó el rostro de una mujer de la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anna-Charlotte, quien fue a las barricadas después de la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con el torso desnudo. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como el triunfo de la democracia: los senos desnudos muestran que Svoboda, como un plebeyo, no usa corsé.

cuadrado no cuadrado

Kazimir Malevich, Plaza suprematista negra, 1915.

De hecho, el "Cuadrado negro" no es en absoluto negro ni cuadrado: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, y ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los cuales no había negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y móvil.

Especialistas Galería Tretiakov descubrió la inscripción del autor en una famosa pintura de Malevich. La inscripción dice: "Batalla de los negros en una cueva oscura". Esta frase hace referencia al título del cuadro lúdico. periodista francés, escritor y artista Alphonse Allais "Batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche", que era un rectángulo absolutamente negro.

Melodrama de la Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Una de las pinturas más significativas de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutió el tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quería vengarse de sus amantes, pero eligió una muy manera inusual: decidió encargar un retrato de Adele para Klimt y hacerle hacer cientos de bocetos hasta que el artista empieza a salir de ella.

Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años y la modelo pudo ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecen. Hizo una oferta generosa al artista, que no pudo rechazar, y todo resultó de acuerdo con el escenario del marido engañado: el trabajo se completó en 4 años, los amantes se habían enfriado durante mucho tiempo. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su esposo estaba al tanto de su relación con Klimt.

El cuadro que devolvió la vida a Gauguin

Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.

El lienzo más famoso de Gauguin tiene una característica: no se "lee" de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida espiritual y física de una persona: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).

La pintura fue pintada por Gauguin en Tahití, donde el artista huyó varias veces de la civilización. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a las montañas a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se tambaleó hasta su choza y se durmió, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vivir. Y en 1898, sus asuntos fueron cuesta arriba y comenzó un período más brillante en su trabajo.

112 proverbios en una imagen

Pieter Brueghel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559

Pieter Brueghel el Viejo representó una tierra habitada por imágenes literales de los proverbios holandeses de aquellos días. Hay aproximadamente 112 modismos reconocibles en el cuadro pintado. Algunos de ellos todavía se utilizan hoy en día, como "nadar contra la corriente", "golpearse la cabeza contra la pared", "armado hasta los dientes" y "el pez grande se come a los pequeños".

Otros proverbios reflejan la estupidez humana.

Subjetividad del arte

Paul Gauguin, pueblo bretón bajo la nieve, 1894

La pintura de Gauguin "Pueblo bretón en la nieve" se vendió después de la muerte del autor por solo siete francos y, además, bajo el título " Cataratas del Niágara". El subastador colgó accidentalmente la pintura boca abajo después de ver una cascada en ella.

imagen oculta

Pablo Picasso, La habitación azul, 1901

En 2008, el infrarrojo mostró que otra imagen estaba escondida debajo de la "Habitación Azul": un retrato de un hombre vestido con un traje con una mariposa y apoyando la cabeza en su mano. “Tan pronto como Picasso tuvo Idea Nueva, tomó el pincel y lo plasmó. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que la musa lo visitaba", explica causa posible esta historiadora del arte Patricia Favero.

Mujeres marroquíes inaccesibles

Zinaida Serebryakova, Desnuda, 1928

Un día, Zinaida Serebryakova recibió una oferta tentadora: emprender un viaje creativo para retratar las figuras desnudas de las doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. Un intérprete de Zinaida vino al rescate: le trajo a sus hermanas y a su novia. Nadie antes y después de eso fue capaz de capturar desnudas a las mujeres orientales cerradas.

Visión espontánea

Valentin Serov, "Retrato de Nicolás II con chaqueta", 1900

Durante mucho tiempo, Serov no pudo pintar un retrato del rey. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa, estiró las manos frente a él ... Y luego el artista se dio cuenta: ¡aquí está! Un simple militar con chaqueta de oficial de ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.

otra vez diablos

© Fiódor Reshetnikov

La famosa pintura "Again deuce" es solo la segunda parte de la trilogía artística.

La primera parte es "Llegaron para las vacaciones". Obviamente una familia acomodada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.

La segunda parte es "Otra vez el deuce". Una familia pobre de las afueras de la clase trabajadora, el apogeo del año escolar, un aturdidor aburrido que nuevamente agarró un deuce. En la esquina superior izquierda puede ver la imagen "Llegó para las vacaciones".

La tercera parte es "Re-examen". Casa rural, verano, todos caminan, un ignorante malicioso que suspendió el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y abarrotar. En la esquina superior izquierda puedes ver la imagen "Otra vez deuce".

Cómo nacen las obras maestras

Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844

En 1842, la Sra. Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente, comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando así durante unos diez minutos. Incapaz de contener su curiosidad, la mujer también abrió la ventana y miró hacia adelante. Un año después, descubrió la pintura “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Royal Academy of Arts y pudo reconocer en ella el episodio mismo del tren.

Lección de anatomía de Miguel Ángel

Miguel Ángel, La creación de Adán, 1511

Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más trabajos famosos. Creen que se representa un enorme cerebro en el lado derecho de la imagen. Sorprendentemente, incluso se pueden encontrar componentes complejos como el cerebelo, los nervios ópticos y la glándula pituitaria. Y la pegadiza cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.

La Última Cena de Van Gogh

Vincent van Gogh, Terraza de café por la noche, 1888

El investigador Jared Baxter cree que Terraza de café de noche de Van Gogh contiene una dedicatoria a La última cena de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen hay un camarero con el pelo largo y una túnica blanca, que recuerda a la ropa de Cristo, y alrededor de él exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz, ubicada directamente detrás de la espalda del mesero en blanco.

La imagen de la memoria de Dalí

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre tenían la forma de imágenes muy realistas, que el artista luego transfirió al lienzo. Entonces, según el propio autor, la pintura "La persistencia de la memoria" fue pintada como resultado de asociaciones que surgieron al ver el queso procesado.

¿De qué está gritando Munch?

Edvard Munch, "El grito", 1893.

Munch habló sobre el surgimiento de su idea de uno de los más pinturas misteriosas en la pintura del mundo: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca - Miré la sangre y las llamas sobre el azulado- el fiordo negro y la ciudad - prosiguieron mis amigos, y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza. Pero, ¿qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?

Hay una versión de que la idea de "Scream" nació de Munch en 1883, cuando hubo varias erupciones más fuertes del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Una copiosa cantidad de polvo y ceniza se esparció por todo el mundo llegando incluso a Noruega. Durante varias tardes seguidas, las puestas de sol parecían que el apocalipsis estaba a punto de llegar, una de ellas se convirtió en una fuente de inspiración para el artista.

Escritor entre la gente

Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.

Decenas de modelos posaron para Alexander Ivanov para su imagen principal. Uno de ellos es conocido nada menos que el propio artista. Al fondo, entre viajeros y jinetes romanos que aún no han oído el sermón de Juan Bautista, se nota un personaje con túnica parda. Su Ivanov escribió con Nikolai Gogol. El escritor se comunicó estrechamente con el artista en Italia, en particular sobre temas religiosos, y le dio consejos en el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "había muerto hacía mucho tiempo por todo el mundo, excepto por su trabajo".

la gota de miguel angel

Rafael Santi, La Escuela de Atenas, 1511.

Al crear el famoso fresco "La escuela de Atenas", Rafael inmortalizó a sus amigos y conocidos en imágenes. filósofos griegos antiguos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarroti "en el papel" de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y los investigadores modernos han sugerido que la rodilla extrañamente angulosa del artista indica que tiene una enfermedad en las articulaciones.

Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones de trabajo de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.

Espejo de los Arnolfinis

Jan van Eyck, "Retrato de los Arnolfini", 1434

En el espejo detrás de los Arnolfinis, puedes ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que estos sean testigos presentes en la celebración del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra inscripción latina, colocado, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: "Jan van Eyck estuvo aquí". Así se sellaban habitualmente los contratos.

Cómo un defecto se convirtió en un talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.

La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista padecía estrabismo: en las imágenes sus ojos miran en diferentes direcciones, lo que no se observa en los retratos de otras personas del maestro. La enfermedad llevó al hecho de que el artista podía percibir mejor la realidad en dos dimensiones que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero dado que el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, fue precisamente esta deficiencia de Rembrandt la que podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.

Venus sin pecado

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1482-1486.

Antes del advenimiento de El nacimiento de Venus, la imagen del desnudo Cuerpo de mujer en la pintura simbolizaba solo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primer pintor europeo que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza la imagen cristiana del fresco: su aparición es una alegoría del renacimiento del alma que ha pasado por el rito del bautismo.

¿Laudista o laudista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, El laúd, 1596.

Durante mucho tiempo, la pintura estuvo expuesta en el Hermitage bajo el título de "Laudista". Solo a principios del siglo XX, los historiadores del arte coincidieron en que el lienzo todavía representa a un hombre joven (probablemente, Caravaggio fue posado por su amigo el artista Mario Minniti): en las notas frente al músico, una grabación de la parte del bajo de se ve el madrigal de Jacob Arcadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión, es simplemente difícil para la garganta. Además, el laúd, como el violín en el borde mismo del cuadro, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.

Hablando del género del paisaje, es imposible no hacer referencia a la obra de los grandes paisajistas. Ahora bien, es difícil imaginar que hace doscientos años no existiera algo así como un paisaje. Las tradiciones de la pintura de paisajes rusa comenzaron a tomar forma solo en finales del XVIII siglos. Antes de eso, los artistas pintaban bajo la influencia de maestros italianos y franceses, ennobleciendo la naturaleza según las leyes académicas de la construcción, que se consideraban obligatorias en la pintura de la época.

La Asociación de Exposiciones Itinerantes (Wanderers) hizo una gran contribución al desarrollo del paisaje ruso bajo el liderazgo de I. N. Kramskoy. Los artistas cantaron sobre la belleza de la discreta naturaleza rusa, la sencillez. paisajes rurales, las vastas extensiones de Rusia.

Grandes maestros del paisaje:

• Alexei Kondratievich Savrasov (1830-1897)
• Iván Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)

Iván Ivánovich Shishkin (1832-1898)

Arte por I.I. Shishkin es sorprendentemente claro y transparente. Sus pinturas son un himno a la vida salvaje, a su belleza. Creó arte paisajístico con matorrales de coníferas, con una extensión ilimitada, con toda la sencillez del paisaje del norte.

A la edad de 12 años, ante la insistencia de su padre, fue asignado al primer gimnasio de Kazán. No he completado el curso completo. En 1852 se trasladó a Moscú e ingresó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. Aquí A. N. Mokritsky se convirtió en el mentor de Shishkin. Después de completar el curso (1856), se aconsejó al talentoso estudiante que continuara su educación en San Petersburgo en la Academia de las Artes. Su entrenamiento fue dirigido por S. M. Vorobyov.

Los maestros notaron de inmediato la inclinación de Shishkin por la pintura de paisajes. Ya en el primer año de su estadía en la academia, recibió una pequeña medalla de plata por "Vista en las cercanías de San Petersburgo". En 1858, el artista recibió la Gran Medalla de Plata por el cuadro "Vista de la isla de Valaam".

Los éxitos obtenidos permitieron a Shishkin viajar al extranjero como becario de la Academia. El viaje comenzó en Munich (1861), donde Ivan Ivanovich visitó los talleres de los populares pintores de animales B. y F. Adamov. En 1863, Shishkin se mudó a Zúrich, luego a Ginebra, Praga y Dusseldorf. Anhelando su tierra natal, regresó a San Petersburgo en 1866, antes de que expirara su beca.

En Rusia, el artista recibió el título de académico (1865). A partir de ese momento comenzó la etapa más fructífera de la obra del pintor. Se crearon las pinturas "Talando el bosque" (1867), "Centeno" (1878), "Pinos iluminados por el sol" (1886), "Mañana en un bosque de pinos" (1889); los osos fueron pintados por K. A. Savitsky), " bosque de barcos(1898) y muchos otros.

Shishkin trabajó activamente al aire libre, a menudo realizando viajes artísticos por Rusia. Expuso sus obras casi todos los años, primero en la academia y luego, después de que se estableciera la Asociación de Viajeros. exhibiciones de arte(1870), en estas exposiciones.

Iván Ilich Levitán (1860-1900)

Nació el 30 de agosto de 1860 en la localidad lituana de Kybartai en el seno de una familia judía. Mi padre era un pequeño empleado en el gobierno de la ciudad. Poco después del nacimiento del hijo menor, la familia se mudó a Moscú. A la edad de 13 años, Isaac fue admitido en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, en la clase de A.K. Savrasov y V.D. Polenov. Desde el comienzo de sus estudios, Levitan se ganaba la vida tomando lecciones y encargando retratos. Se graduó brillantemente de la universidad, pero debido a su origen, se le otorgó un diploma como profesor de caligrafía.

La primera pintura importante, "Morada tranquila", la pintó después de un viaje en 1890 al norte de Rusia. El lienzo fue comprado por P. M. Tretyakov para su galería. En 1892 el artista se vio obligado a abandonar Moscú porque a los judíos no se les permitía vivir en las capitales. Se instaló en un pueblo ubicado a lo largo de la carretera Vladimir, a lo largo de la cual los convictos fueron conducidos a Siberia. El artista capturó estos lugares en la pintura "Vladimirka" (1892). En los años 90. Levitan hizo otro viaje, esta vez a lo largo del Volga. Allí nació el cuadro “Viento fresco. Volga" (1891-1895). La exacerbación de la tuberculosis hizo que el artista se fuera al extranjero, a Francia, luego a Italia, aunque los esfuerzos de los amigos lo ayudaron a obtener el permiso para vivir en Moscú.

Al regresar a casa, en 1898 Levitan comenzó a impartir una clase de paisaje en la escuela, de la que se graduó. Su salud se estaba deteriorando, y en 1899 el artista, por invitación de A.P. Chekhov, se fue a Yalta. Al regresar, comenzó a enseñar nuevamente, pero su salud continuó deteriorándose y el 4 de agosto de 1900, Levitan murió.

Los paisajes de la cantante de la naturaleza rusa no son solo una imagen fotográfica de la naturaleza: la artista logró transmitir su aliento vivo. No es de extrañar que el crítico V.V. Stasov llamara poemas emocionales a las pinturas de Levitan. Al mismo tiempo, Levitan no solo fue un gran paisajista. Su legado creativo también maquillan dibujos, acuarelas, ilustraciones de libros.

La ciudad de Plyos está asociada con el nombre de Isaac Levitan. Levitan llega a Ples tres veranos seguidos, en 1888-1890. No hay un solo rincón y camino en las cercanías de Plyos, dondequiera que haya estado el gran maestro. Inspirado por la belleza mágica de Plyos, ¡pinta casi 200 cuadros y bocetos aquí! Ahora pinturas famosas: "Over descanso eterno", "Despues de la lluvia. Ples”, “Buenas noches. Golden Plyos, Birch Grove y muchos otros se han convertido en un adorno de las colecciones de la Galería Tretyakov, el Museo Ruso y muchas colecciones en Rusia y en el extranjero.

Vasily Dmítrievich Polenov (1844-1927)

Nacido el 1 de junio de 1844 en la finca Borok (ahora Polenovo en la región de Tula) en la familia del arqueólogo y bibliógrafo D. V. Polenov. Después de recibir una educación secundaria, Vasily ingresó a la Academia de Artes de San Petersburgo (1863) y un poco más tarde comenzó a asistir a conferencias en la facultad de derecho de la universidad.

En 1872, Polenov, quien completó ambos cursos con honores, recibió un viaje al extranjero a expensas de la academia. Visitó Viena, Venecia, Florencia, Nápoles, vivió en París durante mucho tiempo. La visita a casa duró poco; en 1876 el artista se ofreció como voluntario para la guerra serbio-montenegrina-turca.

En los años siguientes, viajó mucho por Oriente Medio y Grecia (1881-1882, 1899, 1909), Italia (1883-1884, 1894-1895). En 1879 se unió a la Sociedad de Errantes. En 1882-1895. enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú.

En reconocimiento a los méritos de Polenov, en 1893 fue elegido miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes. A partir de 1910, se dedicó al desarrollo de teatros provinciales, convirtiéndose tres años más tarde en el jefe de una sección especial en la Sociedad de Universidades Populares de Moscú.

Polenov es conocido como el autor de obras de varios géneros. Recurrió a temas históricos y religiosos: "Cristo y el pecador" (1886-1887), "En el lago de Tiberíades" (1888), "Entre los maestros" (1896); en 1877 creó una serie de bocetos de las catedrales y cámaras del palacio del Kremlin; en varias ocasiones realizó escenografías teatrales. Según sus bocetos, se construyeron iglesias en Abramtsevo (en colaboración con V. M. Vasnetsov) y en Bekhov cerca de Tarusa (1906). Pero los paisajes de Polenov le dieron la mayor fama: "Patio de Moscú" (1878), "Jardín de la abuela", "Verano" (ambos de 1879), "Estanque cubierto de maleza" (1880), "Otoño dorado" (1893), que transmiten el encanto poético de los rincones de la vida urbana y la naturaleza rusa prístina.

El artista pasó los últimos años de su vida en la finca Borok, donde organizó un museo de arte y colecciones científicas. Desde 1927, el museo-estado de V. D. Polenov ha estado operando aquí.

Alexei Kondratievich Savrasov (1830 - 1897)

El artista nació el 12 (24) de mayo de 1830 en Moscú, en la familia de un comerciante del tercer gremio, Kondraty Artemyevich Savrasov. Contrariamente a los deseos de su padre, que soñaba con adaptar a su hijo a los "asuntos comerciales", el niño ingresó a la Escuela de Pintura y Escultura de Moscú en 1844, donde estudió en la clase de paisajista K. I. Rabus. Durante sus estudios, en 1850, completó la pintura "Piedra en el bosque cerca de Razliv", que los críticos de arte consideran algo torpe en la composición. En el mismo año, por la pintura "Vista del Kremlin de Moscú a la luz de la luna", recibió el título de artista sin clase.

Miembro fundador de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante (ver Wanderers). Los efectos románticos predominan en las primeras obras de S. (Vista del Kremlin con mal tiempo, 1851, Galería Tretyakov).

En los años 1850-60. Savrasov recurre más a menudo a imágenes narrativas tranquilas, en varios casos marcadas por un deseo de unidad de color en sus obras (Elk Island in Sokolniki, 1869, ibid.), para realzar el sonido emocional del claroscuro. El resultado de estas búsquedas fue la pintura "Han llegado los grajos" (1871, ibíd.), donde Savrasov, representando un motivo aparentemente indescriptible y enfatizando en la vida del entorno natural el momento de transición (ofensiva inicio de la primavera), logró mostrar la profunda sinceridad de su naturaleza natal. Las obras posteriores de Savrasov ("The Country Road", 1873, "The Courtyard", 1870; "The Grave over the Volga", 1874, colección privada, Moscú) también difieren en la inmediatez lírica, el interés por el aire libre.

Alexey Savrasov, uno de los mayores representantes de la dirección lírica en el panorama ruso, proporcionó un gran impacto sobre paisajistas rusos de finales del siglo XIX y principios del XX.

AK ha fallecido. Savrasov el 26 de septiembre de 1897 fue enterrado en Moscú, en el cementerio de Vagankovsky. El callejón donde está enterrado lleva su nombre. Su alumno favorito fue Isaac Levitan.

Arkhip Ivánovich Kuindzhi (1841-1910)

Nacido en enero de 1841 en Mariupol en la familia de un zapatero, de origen griego. Huérfano, se crió en una familia de parientes. Comenzó a dibujar temprano y dominó la pintura principalmente por su cuenta.

En 1855, fue a pie a Feodosia para estudiar con I.K. Aivazovsky. Influencia famoso pintor marino en el joven Kuindzhi fue, sin duda. A finales de los años 60. Kuindzhi llegó a San Petersburgo. El artista presentó sus primeras obras en 1868 en la exposición de la Academia de las Artes y pronto se consagró firmemente como maestro del paisaje: “Deslizamiento de lodo de otoño” (1872); "La aldea olvidada" (1874); "Tracto Chumatsky en Mariupol" (1875), etc.

En 1870 visitó por primera vez la isla de Valaam, donde posteriormente pintó mucho. Según los contemporáneos, fueron los paisajes creados allí los que atrajeron la atención de la audiencia.

La pintura "Noche de Ucrania" (1876) simplemente sorprendió al público y determinó el camino especial del autor en el arte. A partir de ella, Kuindzhi comenzó su "búsqueda de la luz": buscó lograr una ilusión completa de iluminación natural. Esto se manifestó en el grado más alto en la pintura "Noche en el Dnieper" (1880) con un camino brillante iluminado por la luna, en una oscuridad aterciopelada.

El pintor reveló las posibilidades del paisaje de una manera nueva, transformando, purificando y elevando la realidad. Logró una extraordinaria intensidad y brillo de los colores, nuevos esquemas cromáticos. Son característicos para él numerosas pinturas y bocetos "soleados" (incluido "Birch Grove", 1879).

El intenso contraste de tonos saturados, efectos de iluminación: todo esto era inusual para pintura XIX en. fenómeno. La incomprensión de los colegas obligó a Kuindzhi a negarse a participar en exposiciones en el momento del mayor éxito. A ultima vez expuso su obra en 1882.

El artista vivió como ermitaño en Crimea, donde creó una serie de grandes lienzos y cientos de bocetos, sin dejar de experimentar con la pintura y el color. Entre los últimos trabajos de Kuindzhi - el único que tiene imagen de la trama“Cristo en el Huerto de Getsemaní” (1901) y “La noche” (1905-1908), respirando con extraordinaria armonía

En 1909, Arkhip Ivanovich fundó la Sociedad de Artistas (que más tarde recibió su nombre), que brindaba apoyo a las personas de arte. El pintor legó a esta Sociedad toda su fortuna y las obras que se encontraban en el taller.