Tivadar Kostka Chontvari, pintura "Viejo pescador": foto, misterio de la pintura. Infierno y cielo por el artista Chontwari Old Fisherman

Me parece que los destinos del artista húngaro Chontvari (Tivadar Kostka) y el clásico georgiano Niko Pirosmani () son similares en muchos aspectos, excepto que Chontvari no tenía un amor total por Margarita. Tampoco fue reconocido durante su vida, también tenía fama de estar loco y murió en la pobreza de la misma manera... Sin embargo, lo primero es lo primero.

Paisaje al atardecer, 1899

Franz Liszt - Rapsodia Húngara (Español: Denis Matsuev)

Tivadar Kostka Chontvari nació en 1853 en el pequeño pueblo húngaro de Kishseben. Su padre, Laszlo Kostka, era médico y farmacéutico. Tivadar y sus cinco hermanos supieron desde niños que continuarían el trabajo de su padre. Pero antes de estudiar farmacología, Kostka se graduó de un gimnasio en la ciudad de Ungvar (ahora Uzhgorod), trabajó durante algún tiempo como empleado de ventas, luego asistió a conferencias en la Facultad de Derecho, solo luego se convirtió en farmacéutico y trabajó para él durante catorce años. .

Estación Este de noche, 1902

Tivadar comenzó su carrera como artista en 1880. Un día de otoño, mientras trabajaba en una farmacia, miró por la ventana, tomó mecánicamente un lápiz, un formulario de receta y comenzó a dibujar. No era algo abstracto: un carro que pasaba estaba capturado en papel. El dueño de la farmacia, al ver la imagen, elogió a Chontvari y dijo que el artista nació solo hoy. Más tarde, ya al final de su vida, el mismo Tivadar, en su autobiografía, escrita con su característico estilo místico y profético, describiendo lo sucedido, dijo que tuvo una visión. Fue esto lo que impulsó a Tivadar a su destino: convertirse en un gran pintor.

Monte de los Olivos en Jerusalén, 1905

Para empezar, Tivadar dejó el negocio familiar de su padre y abrió su propia farmacia en la localidad de Gac, en el norte de Hungría. Durante diez años siguió trabajando en una farmacia para lograr la independencia financiera y acumular el capital necesario para la creatividad. Paralelamente, comenzó a dibujar animales de peluche, dibujar figuras de personas. Ya en la primavera de 1881, Kostka reunió dinero para ir a Italia y ver las pinturas de Rafael. En sus notas tras visitar el Museo Vaticano, escribió: “No vi vida salvaje allí, Raphael no tiene el sol al que aspiro…”.

Almendros en flor (paisaje italiano), c.1901

Chontvari comenzó a pintar solo a mediados de la década de 1890, en 1894 dejó la farmacia a los hermanos y llegó a Munich en marzo. En muchas fuentes, el artista se llama autodidacta, pero estudió pintura y con buenos maestros. En Munich, Kostka va a estudiar a la escuela de arte privada de su compatriota, el famoso artista húngaro Shimon Hollosi, que era diez años más joven que su alumno. Los unió la idea presentada por Hollossy de que "el arte húngaro puede volverse verdaderamente nacional solo en suelo nativo, bajo el cielo húngaro, en comunión con el pueblo renaciente".

Highland Street (Casas), c.1895

En el "período de Munich", Kostka pintó retratos, además, señalan que muestran "un sentimiento de tristeza, desesperanza, están fuera del lienzo de su trabajo". Dicen que cuando el artista pintó un retrato del famoso modelo muniqués Wertmuller, mirando la obra, exclamó: “¡He estado posando durante casi diecisiete años, pero nadie ha logrado dibujarme así!”. Por cierto, fue durante el período de estudio que el artista pintó varios retratos, luego dejó de interesarse por este género.

Mujer sentada junto a una ventana, década de 1890

Después de Munich, Tivadar continuó sus estudios en Karlsruhe en el estudio del artista Friedrich Kallmorgen. Los historiadores señalan que en ese momento el artista vivía cómodamente, porque compraba lienzos belgas caros para sus pinturas. El único "inconveniente" fue que el artista trajo pinturas enrolladas de los viajes, la pintura colocada en una capa gruesa a menudo se agrietaba y Tivadar tenía que restaurar periódicamente sus obras. También realizó viajes a Roma y París.

Pesca en Castellammare, 1901

El estudio no trajo satisfacción a Tivadar. El artista hizo caso omiso de todas las reglas del arte, con sus pinturas desafió los intentos de considerarlo como un pintor ingenuo. En 1895, el artista viajó a Dalmacia e Italia, donde pintó paisajes, que debieron incluir agua, fuego y tierra. Esto se puede ver en una de las famosas obras del artista llamada "Castellamare di Stabia". Este es el nombre de la ciudad cercana a Nápoles, que surgió en el sitio de la antigua Stabiae, destruida el 24 de agosto de 79 por la erupción del Vesubio, junto con Pompeya y Herculano. En el sitio del antiguo asentamiento, se encuentra la ciudad italiana de Castellammare di Stabia, que se traduce del italiano como "una pequeña fortaleza de Stabia junto al mar". El artista representó a la derecha en la imagen, una calle soleada de la ciudad a lo largo de la cual se mueve un carro tirado por burros, pero a la izquierda, un mar inquieto antes de una tormenta inminente y el Vesubio fumando en la distancia.

Castellammare de Stabia, 1902

Además de Italia y Francia, el artista viajó a Grecia, el norte de África y Oriente Medio. En Grecia, por ejemplo, se pintaron grandes cuadros "Las ruinas del teatro griego en Taormina" (1904-1905) y "Templo de Júpiter en las ruinas de Atenas" (1904). En 1900, Tivadar cambió su apellido Kostka por el seudónimo Chontwari.

Ruinas del teatro griego de Taormina, 1904-1905

En total, Chontwari pintó más de cien cuadros y más de veinte dibujos. Los principales tienen un estilo cercano al expresionismo y fueron creados en 1903-1908. Por ejemplo, en 1906, se pintó un cuadro enorme "Baalbek": 7 x 4 metros. Esta es una de las obras del "programa" del artista, en la que trató de representar su "ciudad del sol". Los historiadores del arte escriben: “El pasado y el presente están aquí juntos. La vida - era, había ruinas, había un recuerdo. La vida existe, continúa: los camellos perezosos andan por algún lado y la gente anda”.

Baalbek, 1906

En 1907, las pinturas de Chontvari se exhibieron en la Exposición Internacional de París, en 1908, en la Galería de Arte de Budapest. En París, un conocido crítico de arte estadounidense escribió sobre las pinturas de Chontvary: "dejaron atrás todo lo que existía hasta ahora en la pintura". Pero ni tal evaluación de la creatividad, ni la exposición posterior en casa le dieron al artista fama o reconocimiento.

Cedro solitario, 1907

En 1907-1908, Chontwari visitó el Líbano, donde se pintaron pinturas simbólicas: "El cedro solitario", "Peregrinación a los cedros libaneses" y "El pozo de la Virgen María en Nazaret". En la última de estas pinturas, el artista se representó a sí mismo en un hombre que vierte agua de una jarra para un burro y cabras.

Pozo de María en Nazaret, 1908

Los lienzos de Chontvari también se exhibieron en otros países europeos en 1908 y 1910, pero tampoco aumentaron la fama y el reconocimiento que el artista tan sinceramente esperaba. Además (¡y esto fue lo más ofensivo!), el trabajo de la artista no fue reconocido en casa. En Hungría, Chontváry tenía fama de loco por su comportamiento excéntrico, estilo de vida ascético y tendencia a caer en un tono profético al comunicarse.

Vista de Banska Stiavnica en el horizonte, 1902

La última pintura del artista, "Cabalgatas junto al mar" (a menudo traducida del húngaro como "Caminando por la orilla"), fue pintada en Nápoles en 1909. En el mismo año, la pintura se mostró en la Exposición Universal de París, y casi medio siglo después, en 1958, esta obra fue galardonada con el Gran Premio en la exposición 50 Años de Arte Moderno en Bruselas.

Paseo a caballo por el mar, 1909

En 1910, Chontvary prácticamente dejó de pintar, pues los ataques de la enfermedad se hicieron cada vez más severos. Es cierto que los historiadores notan que hubo intentos de escribir algo nuevo, pero el artista nunca completó un solo trabajo. Nunca formó una familia y solo ocasionalmente se comunicaba con su hermana (no se sabe nada sobre el destino de sus hermanos). Chontvari se dedicaba a la restauración de obras antiguas y todavía soñaba con una gran exposición en su tierra natal, después de la cual sería realmente apreciado.

Cascada Schaffhausen, 1903

El artista iba a abrir su propia galería donde podría mostrar cuadros, incluso dibujó un borrador de esta galería. Llevó una vida ascética, comiendo solo frutas y verduras. Hasta el final de su vida, siguió siendo partidario de la monarquía y gran admirador del emperador de Austria y desde 1848 rey de Hungría Francisco José I. Chontvary incluso pintó un retrato del emperador, y cuenta la leyenda que cuando Francisco José resfriado, el artista le envió un telegrama en el que le expuso recomendaciones: qué tomar, cuándo y cómo.

Ciudad junto al mar, c.1902

En los últimos años de su vida, Chontvari también se dedicó a la actividad literaria, escribió el folleto “Energía y arte, los errores del hombre civilizado” y el estudio “Genio. Quién puede y quién no puede ser un genio. Los historiadores destacan que Chontvari fue una persona egocéntrica, difícil de comunicar, hasta el final de su vida permaneció convencido de su destino mesiánico. Vale la pena señalar que durante su vida el artista no vendió ninguna de sus pinturas. Chontvari murió en 1919 en Budapest a la edad de sesenta años y fue enterrado en el cementerio de Kerepesi.

Primavera en Mostar, 1903

Después de la muerte de Chontvari, su hermana quiso vender las pinturas, recurrió a los trabajadores del museo y le aseguraron que las pinturas no valían nada. Pero la hermana decidió que, aunque las pinturas son "borrachas", los lienzos pueden costar dinero. Por lo tanto, escribió un anuncio para la venta de todas las pinturas de su hermano. En muchas fuentes está escrito que las pinturas fueron compradas a granel por un coleccionista desconocido, pero luego se conoció el nombre de la persona, gracias a la cual se pueden ver las pinturas de Chontvari en los museos de Hungría en la actualidad. Este es el arquitecto Gedeon Gerlotsi. Y la historia de prácticamente salvar cuadros es sencillamente fantástica.

Naufragio, 1903

Gerlotsi, después de graduarse de la Academia, estaba buscando dónde alquilar un apartamento en Budapest. Un día caminaba por la calle donde estaba ubicado el taller Chontvari, vio un anuncio de venta de cuadros y uno de ellos apoyado contra la pared. Más tarde, Gerlotsi recordó que cuando pasaba por la casa, la pintura se cayó por una ráfaga de viento. Era el famoso "Cedro Solitario". Al día siguiente, Gerlotsi compró todas las pinturas, fijando un precio ligeramente superior al del chatarrero presente en la venta. Durante muchos años, Gerlotsi guardó las pinturas enrolladas en un cofre. Cuando el arquitecto empezó a dar clases en la Escuela de Bellas Artes de Budapest, trasladó y colocó allí los lienzos más grandes. En 1949, Gerlotsi tomó las pinturas de Chontvari para participar en exposiciones en París y Bruselas.

Almendros en flor en Taormina, c.1902

En la tumba de Chontvari hay un monumento: un artista de bronce con un pincel en la mano izquierda. Su historia también es interesante. Según las leyes húngaras, si, después de 50 años de la muerte, los familiares no pagan a los trabajadores del cementerio para que sigan vigilando la tumba, los restos del difunto se vuelven a enterrar en una fosa común. Incluso durante su vida, los familiares de Chontvari lo consideraban un excéntrico "fuera de este mundo" que dibuja de manera incomprensible. Los herederos no se ocuparon de la tumba, los historiadores y los trabajadores del museo tampoco estudiaron su obra, por lo que los restos del artista terminaron en una fosa común en 1970. Pero casualmente, fue a partir de principios de la década de 1970 cuando comenzó a crecer el interés por el legado del artista, por lo que en 1979, en el 60 aniversario de la muerte del artista, se colocó este monumento de bronce en el cementerio de Kerepeshi, y una copia de se instaló frente al abierto seis años antes en el museo del artista de Pec.

Monumento en la tumba de Chontvari

Por la apariencia del museo hay que agradecer a su director Zoltan Fülöp, quien fue un admirador de la obra de Chontvari y coleccionó sus pinturas. El Museo Chontwari está ubicado en una mansión de dos pisos construida en el siglo XIX. Gerlotsi entregó casi toda su colección de pinturas chontvari a Fülöp, y dos años después de la inauguración del museo, el arquitecto falleció. Los historiadores señalan que aunque creó muchos edificios en la capital de Hungría, entró en la historia del arte húngaro como un hombre que salvó el legado de Chontvari.

A la entrada del Muro de los Lamentos en Jerusalén, 1904

Las principales obras del artista, por supuesto, se exhiben en la Galería Nacional Húngara. Junto a los que se encuentran en la exposición permanente del museo del artista en la ciudad de Pécs, hay casi 130 de ellos. Alrededor de 25 pinturas del artista fueron encontradas por historiadores en colecciones privadas. Muchas obras desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial, algunas, por el contrario, fueron encontradas de forma inesperada. Dicen que un hombre que compró la farmacia Chontvari a fines del siglo XIX encontró varios dibujos y pinturas allí abandonados y los metió todos en el desván, a mediados del siglo XX fueron encontrados en Berlín.

Cascada en el huevo, 1903

Hasta hace poco, solo unos pocos interesados ​​en la pintura conocían el nombre de Tivadar Kostka (Chontvari). Del pintor que murió en la pobreza hace casi 100 años, al que además se consideraba loco, se habló bastante recientemente. El hecho es que uno de los empleados del museo de la ciudad de Pécs, al examinar la pintura "El viejo pescador" (1902), descubrió que si divide el lienzo por la mitad con un espejo vertical, ¡obtiene dos imágenes diferentes! Resulta que la imagen representa no solo a un viejo pescador, sino al Señor mismo en la forma de un anciano de barba blanca, detrás de quien se eleva una montaña y un mar en calma, y ​​al mismo tiempo Satanás el Diablo en el contexto de olas de tormenta Este detalle interesó no solo a muchos historiadores del arte, sino también a la gente común. Comenzaron a hablar sobre el misticismo secreto de la obra, se revisó la actitud hacia el patrimonio creativo del artista húngaro.

Viejo pescador, 1902

Aquí hay un siglo y medio de historia asociado con uno de los pintores húngaros más originales. Por supuesto, uno puede discutir sobre su trabajo, uno puede criticarlo o no aceptarlo, pero me parece que incluso un simple laico aficionado, después de mirar las pinturas de Chontvari, dirá: "¡Hay algo en ellas!"

Puente romano en Mostar, 1903

Zrinyi lanza el ataque final, 1903

Temple Square con vista al Mar Muerto, Jerusalén, 1906

El Gran Valle de Tarpatak en los Tatras

Compañía cruzando el puente, 1904

Entrenamiento en Atenas en Luna Nueva, 1904

Huevos de Pascua de Tivadar Kostka Chontvari

"Huevos de Pascua" - pistas ocultas, chistes
y acertijos en libros, películas, pinturas.

Esta es una pintura de Tivadar Kostka Chontvari llamada "El viejo pescador". A primera vista
no hay nada particularmente notable en él, como, sin embargo, los críticos de arte también consideraron, pero
una vez se sugirió que representa a Dios y al diablo.

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintó el cuadro "Viejo pescador".
Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar colocó un subtexto oculto en ella,
durante la vida del artista y sin revelar. Pocas personas pensaron en aplicar un espejo.
hacia el centro de la imagen. Toda persona puede ser como Dios (el hombro derecho se duplica
Viejo), y el Diablo (el hombro izquierdo del viejo está duplicado)

Dios, con un mar en calma a tu espalda.

Y el diablo con pasiones furiosas.

La versión más plausible de la idea incrustada en la imagen es la opinión.
sobre la naturaleza dualista de la naturaleza humana, que Tivadar quería transmitir. Todos
una persona pasa su vida en una lucha constante de dos principios: masculino y femenino, bueno y
malvado, intuitivo y lógico. Estos son los ingredientes de la vida. como dios y el diablo en
cuadro de Chontwari, se complementan, sin uno no hay otro.
"Viejo pescador" como la encarnación de una vida vivida y la sabiduría humana con la ayuda de un simple
recepción muestra cómo el mal y el bien, el bien y el mal armonizan en cada uno de nosotros, Dios
y el diablo Y equilibrarlos es tarea de cada uno.

Auto retrato

Tivadar Kostka nació el 5 de julio de 1853 en el pueblo de montaña de Kishseben, que pertenecía a
Austria (ahora Sabinov, Eslovaquia) - Artista autodidacta húngaro.

Su padre, Lasli Kostka, era médico y farmacéutico. Tivadar y sus cinco hermanos crecieron en
atmósfera saturada del espíritu de la farmacología. El futuro artista supo desde niño en qué se convertiría.
farmacéutico. Pero antes de convertirse en uno, cambió muchas profesiones: trabajó como vendedor,
durante algún tiempo asistió a conferencias en la Facultad de Derecho, y solo entonces estudió farmacología.

Una vez, ya con 28 años, estando en una farmacia, agarró un lápiz y dibujó
en el formulario de prescripción, una escena simple que vio desde la ventana: un carro que pasaba,
tirado por búfalos. ¿Fue este el comienzo de la esquizofrenia que padeció después?
pero desde entonces el sueño de convertirse en artista se ha apoderado de él.

Va a Roma, luego a París, donde conoce a un famoso artista húngaro.
Mihai Munkacsy (por cierto, también acabó con su vida en un hospital psiquiátrico). Y entonces
regresa a su tierra natal, y durante catorce años trabaja en una farmacia, tratando de lograr
independencia material. Habiendo acumulado un pequeño capital, va a estudiar primero a Munich,
y luego a París.

El estudio no le producía satisfacción. Y así en 1895 se fue de viaje
en Italia para pintar paisajes. Viajó también por Grecia, África del Norte y
Oriente Medio.
En 1900 cambió su apellido Kostka por el seudónimo Chontvari.

Ya en 1907 y 1910 se realizaron exposiciones individuales en París, pero no lo trajeron
reconocimiento. Sus pinturas tampoco recibieron reconocimiento en Hungría, y el autor tenía una reputación
loca.

En 1910 terminó el período de la creación. Los ataques de la enfermedad se hicieron cada vez más severos.
Dibujaba muy raramente ahora, solo bocetos de sus visiones surrealistas.

En los últimos años escribió libros: el folleto “Energía y arte, los errores de una civilización
del hombre” y el estudio “Genio. Quién puede y quién no puede ser un genio.
Durante su vida, el artista no vendió ninguna de sus pinturas.
La última pintura importante, Un viaje por la orilla, se pintó en Nápoles en 1909.

El 20 de junio de 1919, el artista Chontvari murió, como dicen, de artritis.
Familiares, consultados con expertos, les aseguraron plena
fracaso de Tivadar como artista, y pronto las pinturas fueron puestas a subasta
no como obras de arte, sino como lienzos. Colector aleatorio (aleatorio
si?) compró todas las pinturas a granel por una cantidad exigua que satisfizo a los miopes (o todos
o engañado) sobrinos.

Más recientemente, el tema de la atención de los críticos de arte ha sido la pintura de Tivadar Kostka Chontvari "El viejo pescador", escrita por él en 1902. Al reflejar alternativamente las partes izquierda y derecha de la pintura, se crean dos imágenes completamente diferentes: Dios en un barco contra el fondo de un lago en calma, o el Diablo en un volcán y aguas tormentosas detrás.

Tras el descubrimiento de este hecho, el reconocimiento de la creatividad del autor del cuadro fue abordado de otra manera. Pero, ¿qué quería decir Tivadar Chontvari con su obra? Muchos sospecharon la conexión de la obra del artista con el misticismo y con gran celo comenzaron a estudiar el legado del pintor húngaro.

Hasta hace poco, solo unos pocos interesados ​​en la pintura, en particular, el expresionismo y el primitivismo, conocían el nombre del artista húngaro Tivadar Kostka Chontvary. Sobre el pintor que murió en la pobreza hace casi 100 años, al que además se consideraba loco (algunos investigadores de su biografía piensan que Tivadar padecía esquizofrenia), hace bastante tiempo que muchos empezaron a hablar.

El hecho es que uno de los empleados del museo de la ciudad de Pec, al examinar la pintura de Tivadar Chontvari "El viejo pescador", descubrió que si divide el lienzo por la mitad con un espejo, ¡obtiene dos imágenes diferentes!

Este detalle interesó no solo a muchos historiadores del arte, sino también a la gente común. Comenzaron a hablar sobre el misticismo secreto de la obra, se revisó la actitud hacia la herencia creativa del autodidacta húngaro. En Rusia, el interés por este hecho creció tras el lanzamiento del programa “¿Qué? ¿Dónde? ¿Cuando?" fechado el 1 de octubre de 2011, durante el cual el espectador, con una pregunta sobre el cuadro "El viejo pescador", logró vencer a los conocedores.

La versión más plausible de la idea incrustada en la imagen es la opinión sobre la naturaleza dualista de la naturaleza humana, que Tivadar quería transmitir. Una persona pasa toda su vida en una lucha constante entre dos principios: masculino y femenino, bueno y malo, intuitivo y lógico. Estos son los ingredientes de la vida. Como el dios y el diablo en la pintura chontwari, se complementan, sin el uno no hay otro.

El “Viejo Pescador”, como encarnación de una vida vivida y sabiduría humana, con la ayuda de una técnica simple, muestra cómo el mal y el bien, el bien y el mal, dios y el diablo armonizan en cada uno de nosotros. Y equilibrarlos es tarea de cada uno.

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Música en las nalgas

Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias, 1500-1510.

Fragmento de un tríptico

Las disputas sobre los significados y los significados ocultos de la obra más famosa del artista holandés no han disminuido desde su aparición. En el ala derecha del tríptico llamado "Infierno musical" se representan pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas impresas en sus nalgas. La estudiante de la Universidad Cristiana de Oklahoma, Amelia Hamrick, que estudió la pintura, transpuso la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años".

Mona lisa desnuda

La famosa "Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue pintada por el artista poco conocido Salai, quien fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos críticos de arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan el Bautista" y "Baco". También hay versiones que vestidas con un vestido de mujer, Salai sirvió como la imagen de la propia Mona Lisa.

viejo pescador

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintó el cuadro "Viejo pescador". Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar colocó un subtexto en ella, que nunca se reveló durante la vida del artista.

A pocas personas se les ocurrió poner un espejo en medio del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo se duplica) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo se duplica).

¿Había una ballena?

Hendrik van Antonissen "Escena en la orilla".

Parecía un paisaje ordinario. Barcos, gente en la orilla y el mar del desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original, examinaron el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.

Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y volvió a pintar la pintura.

Dos "Desayunos en la Hierba"

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863.

Claude Monet, Desayuno sobre la hierba, 1865.

Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron al estilo del impresionismo. Incluso el nombre de uno de los cuadros más famosos de Manet, "Desayuno sobre la hierba", Monet lo tomó prestado y escribió su "Desayuno sobre la hierba".

Gemelos en la Última Cena

Leonardo da Vinci, La Última Cena, 1495-1498.

Cuando Leonardo da Vinci escribió La última cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Estuvo buscando niñeras para ellos durante mucho tiempo. Finalmente, logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantores. Leonardo no pudo encontrar una niñera para Judas durante tres años. Pero un día se encontró con un borracho tirado en la cuneta de la calle. Era un hombre joven que había envejecido por el consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a escribirle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace unos años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo escribió a Cristo de él.

¿"Guardia de la noche" o "Guardia del día"?

Rembrandt, La ronda de noche, 1642.

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, “La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg”, colgó en diferentes salas durante unos doscientos años y fue descubierta por historiadores del arte recién en el siglo XIX. Dado que las figuras parecían destacarse sobre un fondo oscuro, se llamó Night Watch, y bajo este nombre ingresó al tesoro del arte mundial.

Y solo durante la restauración, realizada en 1947, resultó que en la sala la imagen había logrado cubrirse con una capa de hollín que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena presentada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.

barco volcado

Henri Matisse, "El barco", 1937.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961, se exhibió la pintura de Henri Matisse "El barco". Solo después de 47 días, alguien notó que la pintura estaba colgada boca abajo. El lienzo representa 10 líneas moradas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón, la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no confundirse con la forma en que debe colgarse la imagen, debe prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y el pico de la vela de la pintura debe estar dirigido hacia la esquina superior derecha.

Engaño en un autorretrato

Vincent van Gogh, Autorretrato con pipa, 1889.

Hay leyendas de que Van Gogh supuestamente se cortó la oreja. Ahora, la versión más confiable es que la oreja de van Gogh se dañó en una pequeña pelea con la participación de otro artista, Paul Gauguin.

El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista está representado con la oreja derecha vendada, porque usaba un espejo cuando trabajaba. De hecho, la oreja izquierda estaba dañada.

osos alienígenas

Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.

La famosa pintura pertenece no solo al pincel de Shishkin. Muchos artistas que eran amigos entre sí a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que había estado pintando paisajes toda su vida, temía que tocar osos no resultara como él necesitaba. Por lo tanto, Shishkin recurrió a un conocido pintor de animales, Konstantin Savitsky.

Savitsky pintó quizás los mejores osos en la historia de la pintura rusa, y Tretyakov mandó borrar su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “empezando por la idea y terminando con la ejecución, todo habla de la forma de pintar, de el método creativo peculiar de Shishkin.”

Cuento inocente "Gótico"

Grant Wood, "Gótico americano", 1930.

La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen con un padre y una hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados en forma de personajes que ofendieron tanto a la gente de Iowa.

La venganza de Salvador Dalí

El cuadro "Figura en la ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. Entonces Gala aún no había entrado en la vida del artista, y su hermana Ana María fue su musa. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en una de las pinturas "a veces escupo en un retrato de mi propia madre y me da placer". Ana María no podía perdonar tal escandalo.

En su libro de 1949 Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin elogios. El libro enfureció a El Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba con enojo en cada oportunidad. Y así, en 1954, aparece la imagen "Una joven virgen que se entrega al pecado de sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad". La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de la Figura en la ventana. Hay una versión de que así fue como Dalí se vengó de su hermana por su libro.

Dánae de dos caras

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Dánae, 1636-1647.

Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt se revelaron solo en los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo se iluminó con rayos X. Por ejemplo, el tiroteo mostró que en la primera versión, el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, se parecía al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final de la pintura, comenzó a parecerse al rostro de Gertier Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió después de la muerte de su esposa.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arles", 1888 - 1889.

En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño taller en Arles, en el sur de Francia, donde huía de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre, todo está listo y decide pintar el Dormitorio de Van Gogh en Arles. Para el artista, el color, la comodidad de la habitación era muy importante: todo debía sugerir pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen se sostiene en inquietantes tonos amarillos.

Los investigadores de la creatividad de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia, que provoca cambios graves en la percepción del color por parte del paciente: toda la realidad circundante está pintada en tonos verde-amarillos.

Perfección desdentada

Leonardo da Vinci, "Retrato de la señora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

La opinión generalmente aceptada es que Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por la expresión de su rostro, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras examinaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también encontró cicatrices alrededor de su boca. “Ella sonríe tanto precisamente por lo que le pasó”, cree el experto. “Su expresión facial es la típica de las personas que han perdido los dientes frontales”.

Mayor en el control de la cara

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

El público, que vio por primera vez la pintura "Major's Matchmaking", se rió de buena gana: el artista Fedotov la llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para los espectadores de esa época. Por ejemplo, el mayor claramente no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: apareció sin los ramos adecuados para la novia y su madre. Y la novia misma fue dada de alta por sus padres comerciantes en un vestido de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó un vestido escotado por primera vez, se avergüenza e intenta huir a su habitación.

Por qué la libertad está desnuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertad en las barricadas, 1830.

Según el historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintó el rostro de una mujer de la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anna-Charlotte, quien fue a las barricadas después de la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con el torso desnudo. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como el triunfo de la democracia: los senos desnudos muestran que Svoboda, como un plebeyo, no usa corsé.

cuadrado no cuadrado

Kazimir Malevich, Plaza suprematista negra, 1915.

De hecho, el "Cuadrado negro" no es en absoluto negro ni cuadrado: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, y ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los cuales no había negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y móvil.

Los especialistas de la Galería Tretyakov han descubierto la inscripción del autor en una famosa pintura de Malevich. La inscripción dice: "Batalla de los negros en una cueva oscura". Esta frase hace referencia al nombre del cuadro lúdico del periodista, escritor y artista francés Alphonse Allais “Batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche”, que era un rectángulo absolutamente negro.

Melodrama de la Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Una de las pinturas más significativas de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutió el tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quería vengarse de sus amantes, pero eligió una forma muy inusual: decidió encargar un retrato de Adele a Klimt y obligarlo a hacer cientos de bocetos hasta que el artista comienza a alejarse de ella.

Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años y la modelo pudo ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecen. Hizo una oferta generosa al artista, que no pudo rechazar, y todo resultó de acuerdo con el escenario del marido engañado: el trabajo se completó en 4 años, los amantes se habían enfriado durante mucho tiempo. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su esposo estaba al tanto de su relación con Klimt.

El cuadro que devolvió la vida a Gauguin

Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.

El lienzo más famoso de Gauguin tiene una característica: no se "lee" de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida espiritual y física de una persona: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).

La pintura fue pintada por Gauguin en Tahití, donde el artista huyó varias veces de la civilización. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a las montañas a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se tambaleó hasta su choza y se durmió, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vivir. Y en 1898, sus asuntos fueron cuesta arriba y comenzó un período más brillante en su trabajo.

112 proverbios en una imagen

Pieter Brueghel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559

Pieter Brueghel el Viejo representó una tierra habitada por imágenes literales de los proverbios holandeses de aquellos días. Hay aproximadamente 112 modismos reconocibles en el cuadro pintado. Algunos de ellos todavía se utilizan hoy en día, como "nadar contra la corriente", "golpearse la cabeza contra la pared", "armado hasta los dientes" y "el pez grande se come a los pequeños".

Otros proverbios reflejan la estupidez humana.

Subjetividad del arte

Paul Gauguin, pueblo bretón bajo la nieve, 1894

La pintura de Gauguin "Pueblo bretón en la nieve" se vendió después de la muerte del autor por solo siete francos y, además, con el nombre de "Cataratas del Niágara". El subastador colgó accidentalmente la pintura boca abajo después de ver una cascada en ella.

imagen oculta

Pablo Picasso, La habitación azul, 1901

En 2008, el infrarrojo mostró que otra imagen estaba escondida debajo de la "Habitación Azul": un retrato de un hombre vestido con un traje con una mariposa y apoyando la cabeza en su mano. “Tan pronto como Picasso tenía una nueva idea, tomaba el pincel y la plasmaba. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que la musa lo visitaba”, explica la historiadora del arte Patricia Favero la posible razón de esto.

Mujeres marroquíes inaccesibles

Zinaida Serebryakova, Desnuda, 1928

Un día, Zinaida Serebryakova recibió una oferta tentadora: emprender un viaje creativo para retratar las figuras desnudas de las doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. Un intérprete de Zinaida vino al rescate: le trajo a sus hermanas y a su novia. Nadie antes y después de eso fue capaz de capturar desnudas a las mujeres orientales cerradas.

Visión espontánea

Valentin Serov, "Retrato de Nicolás II con chaqueta", 1900

Durante mucho tiempo, Serov no pudo pintar un retrato del rey. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa, estiró las manos frente a él ... Y luego el artista se dio cuenta: ¡aquí está! Un simple militar con chaqueta de oficial de ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.

otra vez diablos

© Fiódor Reshetnikov

La famosa pintura "Again deuce" es solo la segunda parte de la trilogía artística.

La primera parte es "Llegaron para las vacaciones". Obviamente una familia acomodada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.

La segunda parte es "Otra vez el deuce". Una familia pobre de las afueras de la clase trabajadora, el apogeo del año escolar, un aturdidor aburrido que nuevamente agarró un deuce. En la esquina superior izquierda puede ver la imagen "Llegó para las vacaciones".

La tercera parte es "Re-examen". Casa rural, verano, todos caminan, un ignorante malicioso que suspendió el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y abarrotar. En la esquina superior izquierda puedes ver la imagen "Otra vez deuce".

Cómo nacen las obras maestras

Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844

En 1842, la Sra. Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente, comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando así durante unos diez minutos. Incapaz de contener su curiosidad, la mujer también abrió la ventana y miró hacia adelante. Un año después, descubrió la pintura “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Royal Academy of Arts y pudo reconocer en ella el episodio mismo del tren.

Lección de anatomía de Miguel Ángel

Miguel Ángel, La creación de Adán, 1511

Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más famosas. Creen que se representa un enorme cerebro en el lado derecho de la imagen. Sorprendentemente, incluso se pueden encontrar componentes complejos como el cerebelo, los nervios ópticos y la glándula pituitaria. Y la pegadiza cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.

La Última Cena de Van Gogh

Vincent van Gogh, Terraza de café por la noche, 1888

El investigador Jared Baxter cree que Terraza de café de noche de Van Gogh contiene una dedicatoria a La última cena de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen hay un camarero con el pelo largo y una túnica blanca, que recuerda a la ropa de Cristo, y alrededor de él exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz, ubicada directamente detrás de la espalda del mesero en blanco.

La imagen de la memoria de Dalí

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre tenían la forma de imágenes muy realistas, que el artista luego transfirió al lienzo. Entonces, según el propio autor, la pintura "La persistencia de la memoria" fue pintada como resultado de asociaciones que surgieron al ver el queso procesado.

¿De qué está gritando Munch?

Edvard Munch, "El grito", 1893.

Munch habló sobre la idea de una de las pinturas más misteriosas de la pintura mundial: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos, el sol se estaba poniendo, de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca - Miré sangre y llamas sobre el fiordo negro azulado y la ciudad - continuaron mis amigos, y yo me quedé, temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza. Pero, ¿qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?

Hay una versión de que la idea de "Scream" nació de Munch en 1883, cuando hubo varias erupciones más fuertes del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Una gran cantidad de polvo y ceniza se esparció por todo el mundo, llegando incluso a Noruega. Durante varias tardes seguidas, las puestas de sol parecían que el apocalipsis estaba a punto de llegar, una de ellas se convirtió en una fuente de inspiración para el artista.

Escritor entre la gente

Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.

Decenas de modelos posaron para Alexander Ivanov en su foto principal. Uno de ellos es conocido nada menos que el propio artista. Al fondo, entre viajeros y jinetes romanos que aún no han oído el sermón de Juan Bautista, se nota un personaje con túnica parda. Su Ivanov escribió con Nikolai Gogol. El escritor se comunicó estrechamente con el artista en Italia, en particular sobre temas religiosos, y le dio consejos en el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "había muerto hacía mucho tiempo por todo el mundo, excepto por su trabajo".

la gota de miguel angel

Rafael Santi, La Escuela de Atenas, 1511.

Al crear el famoso fresco "La escuela de Atenas", Rafael inmortalizó a sus amigos y conocidos en las imágenes de los antiguos filósofos griegos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarroti "en el papel" de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y los investigadores modernos han sugerido que la rodilla extrañamente angulosa del artista indica que tiene una enfermedad en las articulaciones.

Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones de trabajo de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.

Espejo de los Arnolfinis

Jan van Eyck, "Retrato de los Arnolfini", 1434

En el espejo detrás de los Arnolfinis, puedes ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que estos sean testigos presentes en la celebración del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra la inscripción en latín colocada, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: "Jan van Eyck estuvo aquí". Así se sellaban habitualmente los contratos.

Cómo un defecto se convirtió en un talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.

La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista padecía estrabismo: en las imágenes sus ojos miran en diferentes direcciones, lo que no se observa en los retratos de otras personas del maestro. La enfermedad llevó al hecho de que el artista podía percibir mejor la realidad en dos dimensiones que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero dado que el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, fue precisamente esta deficiencia de Rembrandt la que podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.

Venus sin pecado

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1482-1486.

Antes del advenimiento de El nacimiento de Venus, la imagen de un cuerpo femenino desnudo en la pintura simbolizaba solo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primer pintor europeo que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza la imagen cristiana del fresco: su aparición es una alegoría del renacimiento del alma que ha pasado por el rito del bautismo.

¿Laudista o laudista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, El laúd, 1596.

Durante mucho tiempo, la pintura estuvo expuesta en el Hermitage bajo el título de "Laudista". Solo a principios del siglo XX, los historiadores del arte coincidieron en que el lienzo todavía representa a un hombre joven (probablemente, Caravaggio fue posado por su amigo el artista Mario Minniti): en las notas frente al músico, una grabación de la parte del bajo de se ve el madrigal de Jacob Arcadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión, es simplemente difícil para la garganta. Además, el laúd, como el violín en el borde mismo del cuadro, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.

Desconocido para cualquiera durante su vida, el artista Tivadar Kostka Chontvari, un siglo después de su muerte, se hizo repentinamente famoso gracias a su pintura “El viejo pescador”. El propio maestro confiaba en su destino mesiánico, aunque sus contemporáneos lo llamaron esquizofrenia. Ahora se buscan en sus pinturas símbolos ocultos y alusiones veladas. ¿Están ahí? Una de estas obras, que ha sido objeto de un exhaustivo análisis, es el cuadro “El viejo pescador”.

artista no reconocido

En 1853, el futuro pintor nació en el pueblo húngaro de Kishseben. El destino de Tivadar y sus cinco hermanos estaba predeterminado desde la infancia. Fueron entrenados para continuar el trabajo de su padre. Y el padre era farmacéutico y tenía una práctica médica. Pero antes de dedicarse a la farmacología, el joven logró graduarse de la escuela secundaria, trabajar como vendedor y estudiar en la Facultad de Derecho. Y después de todo esto, se volcó al negocio familiar. Al llegar a la farmacia, Tivadar trabajó allí durante catorce largos años.

Una vez, cuando tenía 28 años, en un día normal de trabajo, tomó un formulario de recetas y un lápiz y dibujó una trama: un carro que pasaba en ese momento por una ventana, con un búfalo enganchado. Antes de eso, no mostró afición por el dibujo, pero luego en su autobiografía escribió que ese día tuvo una visión que profetizó el destino del gran pintor.

En la primavera de 1881, Tivadar Kostka abrió su farmacia en la parte norte de Hungría y ahorró suficiente dinero para viajar a Italia. Como todos los artistas jóvenes, soñaba con ver las obras maestras de los viejos maestros. Se sintió especialmente atraído por las pinturas de Rafael. Debo decir que luego se decepcionó del ídolo, al no encontrar en la naturaleza de sus lienzos la vivacidad y la sinceridad adecuadas. Después de Roma, Kostka va a París y luego a su tierra natal.

A mediados de la década de 1890, comenzó a dedicarse seriamente a la pintura de Chontvari (tal seudónimo en 1900 que el artista tomó para sí mismo). Deja su farmacia a los hermanos y viene a Munich para estudiar pintura. En muchas fuentes, Kostka se llama autodidacta, pero mientras tanto estudió en la escuela de arte de su famoso compatriota, más exitoso en el campo del arte: Shimon Kholoshi. El maestro era casi diez años más joven que su alumno.

En Munich, Chontvari crea varios retratos. La impresión de tristeza en los rostros de los modelos los diferencia del resto de su obra, más alegre. Pinta retratos naturales solo durante sus estudios, perdiendo luego interés en esto. Después de dejar Munich, el artista se dirige a Karlsruhe, donde continúa tomando lecciones, ahora desde Kallmorgen. Los biógrafos del artista dicen que vivió cómodamente en ese momento, comprando los mejores lienzos de fabricación belga para el trabajo.

Últimos años

Estudiar no le traía satisfacción a Chontvari. Parecía que comprendía las leyes de la pintura solo para romperlas. En 1895, fue nuevamente a Italia para trabajar en la naturaleza en su género paisajístico favorito. El artista visita no solo Italia, sino también Francia, Grecia, Oriente Medio y Líbano.

En 1907-1910, varias de sus exposiciones personales se realizaron en París, Budapest y en casa. No le aportan especial fama, aunque algunos críticos hablan muy favorablemente. En Hungría, generalmente se habla del artista como loco. No es ningún secreto que padecía episodios de esquizofrenia, pero aún esperaba el reconocimiento de sus compatriotas.

Para 1910, la enfermedad comenzó a progresar. Los ataques se hicieron cada vez más difíciles, el trabajo era difícil. Chontwari ya casi no escribe, solo hace pequeños bocetos. No completó ningún trabajo, aunque hizo intentos. A la edad de sesenta años, el artista murió en Budapest, donde fue enterrado.

legado creativo

Tivadar Kostka Chontvari dejó más de ciento cincuenta pinturas y dibujos. La pintura "El viejo pescador", escrita en 1902, es quizás la más famosa de todas, "significativa". La mayoría de las obras fueron creadas en el breve período comprendido entre 1903 y 1909. Fue el florecimiento creativo del artista, un destello de genialidad. En su estilo, son afines al expresionismo. A su obra también se le atribuyen rasgos de simbolismo, postimpresionismo e incluso surrealismo.

reconocimiento póstumo

Después de la muerte de Chontvari, sus obras sobrevivieron sólo de milagro. La hermana recurrió a los tasadores para averiguar cuánto podrían obtener por las pinturas. Le aseguraron que su valor artístico es cero. Entonces la mujer razonó que si las pinturas son malas, entonces los lienzos, al menos, serán útiles para alguien. Y ponerlos a la venta. Todo el trabajo se lo llevó el arquitecto Gedeon Gerlotsi, superando el precio del chatarrero. Posteriormente colocó los lienzos en la Escuela de Bellas Artes de Budapest, y en 1949 los exhibió en Bélgica y Francia.

Antes de su muerte, el arquitecto entregó su colección a Zoltan Fülep, futuro director del Museo Chontvari. Ya ha sido un éxito. Pero el artista habría seguido siendo conocido solo por un estrecho círculo de admiradores en su tierra natal, si, casi un siglo después de su muerte, uno de los trabajadores del museo no hubiera descubierto un cierto secreto que aún guardaba la pintura "Viejo pescador". Desde entonces, el nombre de Chontvari, quien no vendió un solo cuadro en vida, se hizo conocido en todo el mundo.

"Viejo pescador": una descripción de la pintura

Casi todo el espacio del lienzo está ocupado por la figura de un anciano. El vendaval alborota su cabello y su ropa vieja y gastada. El pescador viste una blusa negra, una boina gris y un impermeable. Se apoya en un bastón y mira directamente al espectador. Su rostro es de piel áspera y está cubierto con una red frecuente de arrugas. Al fondo, el artista ha colocado la bahía. Las olas rompen en la orilla, sale humo denso de las chimeneas de las casas de la orilla. En el horizonte se ven montañas, o más bien sus siluetas, ocultas por una niebla lechosa. En relación a la figura del pescador, el paisaje es secundario y juega el papel de fondo.

El cuadro “El viejo pescador” de Chontvari se resuelve en una sobria gama de colores, predominan los colores suaves apagados: paloma, gris, arena, tonos marrones.

El misterio del cuadro "El viejo pescador"

¿Qué descubrimiento hizo el empleado del museo? Rompamos la intriga: descubrió que si cierras la mitad del lienzo y reflejas el resto simétricamente, obtienes una obra de arte completamente terminada. Y funciona en ambos casos: tanto a la derecha como a la izquierda de la imagen. Este es el secreto que el cuadro “Viejo Pescador” guardó durante casi cien años. Las fotos de las mitades montadas ahora se pueden encontrar fácilmente en Internet. El reflejo de la mitad derecha es un apuesto anciano, blanqueado con canas, contra el fondo de la superficie del mar. Si reflejamos el lado izquierdo, veremos a un hombre con un sombrero puntiagudo con ojos rasgados y olas embravecidas detrás de él.

Interpretación

El cuadro “El viejo pescador” marcó el inicio de la búsqueda de indicios místicos en la obra de Chontvari. Añadió leña al fuego y el hecho de que durante su vida el artista a menudo cambió a un tono profético. Este lienzo generalmente se interpreta como un símbolo de la naturaleza humana dual: ambas mitades clara y oscura, el bien y el mal coexisten en un solo hombre. A veces también se la conoce como "Dios y el diablo", lo que nuevamente refleja su dualismo.

Verdaderamente, la historia de éxito de Tivadar Kostka Chontvari es un ejemplo de una serie de felices accidentes (o un gran destino que se le apareció en visiones, ¿quién sabe?). La pintura "El viejo pescador" - genio y locura - irónicamente se convirtió en su clave para la fama mundial. Desafortunadamente, el reconocimiento no le llegó durante su vida. Pero hoy Chontvari es considerado uno de los mejores y más originales artistas de Hungría.