Las pinturas más misteriosas de los artistas. Las pinturas más misteriosas de grandes artistas.

2005) se trataba de obras en las que, además de la trama principal, hay una más: oculta. Se manifiesta cuando te acercas a la imagen, te alejas de ella o miras en un ángulo determinado. Ahora aprenderá sobre las pinturas más veraces, que sin embargo se llaman "trucos", sobre siluetas fantasmales, "visores dobles", "visores triples", y también sobre un tipo raro de íconos.

G.Teplov. La naturaleza muerta es un truco. 1737. Hermitage estatal, San Petersburgo.

P. Drozhdin. "Retrato del artista A. P. Antropov con su hijo frente a un retrato de su esposa". 1776. Museo Ruso, San Petersburgo.

R. Magritte. "El destino del hombre". 1933 Galería Nacional de Arte, Washington.

Artista desconocido. "Lirios de Francia" (seis siluetas de la familia Borbón). 1815.

O. Kanyu. "Violetas corporales (siluetas de Bonaparte, su mujer y su hijo)". 1815. El título de la imagen contiene un recordatorio de que Napoleón comenzó su servicio militar con el rango de cabo.

S. Del Prete. "El secreto entre las hojas de otoño" 1991 Galería en Berna, Suiza.

V. Bregeda. "Profecía". 1994

N. Zamiatina. "Sueños de Grecia". 2004

Palabras - "doble ojo": tiburones - ladrones, murmullos - no tararear, paz - Universidad Estatal de Moscú, duradero - preciso. Los autores son Olga y Sergey Fedin.

Tarjeta postal. "Mi esposa y mi suegra". Principios del siglo XX. Rusia.

I. Botvinik. "Mi esposo y mi suegro". Primera mitad del siglo XX. EE.UU.

G. Pescador. "Mamá, papá e hija". 1968 EE.UU.

S. Orlov. "Rosa para dos". 2004 Moscú.

S. Dalí. "Busto desaparecido de Voltaire". 1940 Museo Dalí, San Petersburgo, Estados Unidos.

Dos pinturas de Salvador Dali: a la izquierda - "La cabeza de una mujer en forma de batalla". 1936; a la derecha - "España". 1938

V. Koval. "Kovalland (autorretrato del artista)". 1994

El Icono de la Trinidad "La Orden Deesis". siglo XIX. Rusia.

Ciencia y vida // Ilustraciones

Icono con rostros de Jesús y María Magdalena. Primera mitad del siglo XVII. Melheim, Alemania.

Retrato de Alejandro III con su esposa e hijo. Finales del siglo XIX. Museo de la Iglesia en la Iglesia de San Mitrofan de Voronezh, Moscú.

Gabriel de Max. "Pañuelo de Santa Verónica". 1870 Alemania.

"Salvador no hecho por manos". Fotografía de la década de 1970 de una pintura de un artista desconocido, Rusia.

VERDADERO ENGAÑO

Dos artistas discutieron: Zeuxis y Parrhasius: cuál de ellos es mejor. Zeuxis dibujó un racimo de uvas y colocó la imagen cerca de la ventana abierta. Los pájaros que pasaban volando vieron las uvas, se sentaron y trataron de picotear las bayas pintadas. Era el turno de Parrhasius. "Bueno, ¿dónde está tu trabajo?" - "Allí, detrás de la cortina". Zeuxis fue hacia la cortina y trató de abrirla. Y ella estaba pintada. La leyenda nació en la antigua Grecia, unos 500 años antes de nuestra era.

Es más cierto de lo que podría parecer a primera vista. El hecho es que muchas aves no tienen visión estereoscópica, ya que sus ojos están ubicados a ambos lados de la cabeza. Lo que un ojo ve, el otro no lo ve. Debido a la falta de un campo de visión común, el cerebro no puede formar una imagen tridimensional. Y los cazadores experimentados saben que un modelo primitivo y sin pintar de un pato atrae a un draco volador no peor que un pájaro señuelo vivo.

Lo importante para nosotros en la leyenda griega es que el cuadro no engañó a los pájaros, sino al ojo del maestro pintor. El artista ruso del siglo XIX Fyodor Tolstoy tiene pinturas que se hacen eco de la trama de una antigua leyenda griega. En uno de ellos, una naturaleza muerta, "cubierta" con una hoja de papel de calco. Una de sus esquinas está doblada. Y esta parte de la naturaleza muerta parece tan auténtica que involuntariamente sientes el deseo de mover el papel de calco hacia abajo para ver la imagen en su totalidad. A las pinturas de este tipo se las denomina “engaños”, aunque estamos hablando quizás del más veraz de todos los géneros pictóricos.

La aparición de este tipo de pinturas solo fue posible después de la invención de la perspectiva, el claroscuro y ... pinturas al óleo. Las recetas para su preparación se encuentran en los libros del siglo XIII. Pero solo a principios del siglo XV, el artista holandés Jan van Eyck (1390-1441) mejoró tanto la tecnología de preparación de pinturas que a menudo se le llama el inventor de la técnica de pintura al óleo. Fue el primero en aplicarlo de una manera nueva, aplicando finas capas transparentes de pintura una encima de la otra, logrando una profundidad y riqueza de color excepcionales, así como una sutileza de luces y sombras y transiciones de color. Después de Jan van Eyck, los artistas pudieron lograr esa imagen, que era fácil de confundir con el original.

El fundador del género snag en Rusia es Grigory Teplov, artista, poeta, músico, filósofo, estadista del siglo XVIII. Una de sus obras está en la página anterior. Es una pena que las reproducciones de señuelos en revistas y libros no sean capaces de transmitir la sensación que aparece al mirar el original. Por cierto, esta es la razón por la que los trucos rara vez se ven en los libros de arte. Esto se debe en gran medida a la diferencia en el tamaño del cuadro y su reproducción impresa, así como a que el efecto deseado suele producirse en función de la distancia entre la imagen y el espectador.

Hay otro tipo de engaño. En el Museo Ruso de San Petersburgo, por ejemplo, hay una pintura de Pyotr Drozhdin, un artista del siglo XVIII. En él, el autor representó a la familia de su maestro, el artista Antropov. Mirando de cerca, se da cuenta de que el padre y el hijo no están de pie junto a su esposa y su madre, sino con su retrato. El borde del caballete, que al principio parecía una abertura de luz en la pared, separa a los que están de pie de la imagen.

El artista belga del siglo XX, René Magritte, también utilizó la técnica del "caballete". Sus bordes son casi invisibles, y los dibujos se fusionan imperceptiblemente en la trama principal de la imagen, fusionándose con ella. En un paisaje, el bosque, que comienza fuera de la ventana, continúa en el caballete pintado, en el otro, el mar del caballete desemboca en el mar "real".

Magritte es un maestro de las pinturas paradójicas. En un lienzo, conectó objetos y fenómenos que son incompatibles en la vida; por ejemplo, el cielo diurno y una casa inmersa en la oscuridad de la noche, o una persona que se mira en un espejo frente a él solo ve la parte posterior de su cabeza en él. También utilizó el principio de la paradoja en los títulos de sus pinturas. Cuando, según confesión del propio artista, le faltaba imaginación, reunió amigos y pidió ayuda para encontrar un nombre. Un paisaje con un caballete, por ejemplo, se llama "El destino del hombre".

SILUETAS FANTASMAS

Existe una técnica especial para crear una imagen oculta: cuando los artistas usan los contornos de los objetos dibujados. Por primera vez, aparecieron pinturas con "siluetas ocultas", aparentemente, en la Francia medieval. Sus principales héroes fueron, por supuesto, los reyes. El hecho de que el lirio sea un símbolo de la dinastía de los Borbones ya nos es bien conocido, al menos por el vestuario de los personajes principales de las películas basadas en la novela de Alexandre Dumas "Los tres mosqueteros". Hace doscientos años, dibujando ramos de lirios reales, los artistas convirtieron las curvas de los tallos, los contornos de las hojas y los pétalos en rostros humanos. Cuando adivinas el secreto, el ramo se convierte en un retrato de la familia real. Después del derrocamiento de la dinastía de los Borbones, los artistas comenzaron a pintar al emperador Napoleón con su esposa e hijo. Pero Josephine amaba las violetas, por lo que reemplazó a los lirios.

En los últimos siglos, los artistas, por supuesto, han ampliado el tema de tales obras. Un ejemplo es una pintura donde ves por primera vez unas hojas secas volando por el aire. Y en el lienzo hay un papel con una inscripción en francés: "Un sueño llevado por el viento y el tiempo". Por lo general, los artistas no escriben su nombre en el anverso de la imagen. Aquí, en la esquina inferior izquierda del lienzo, está escrito en alemán: "El secreto entre las hojas de otoño". Este no es solo el nombre de la pintura, sino también la clave que revela la intención del artista: Sandro Del Prete. Su nombre es conocido en todo el mundo hoy en día. Y comenzó como aficionado (lo informo especialmente para los participantes en el concurso de pinturas misteriosas). En su juventud, Del Prete estudió dibujo durante solo seis meses, hasta los 44 años no se consideró un artista profesional y trabajó en una compañía de seguros en su ciudad suiza natal de Berna, donde aún vive.

En una pintura del artista de Taganrog Viktor Bregeda, quien también se sintió atraído por esta técnica, figuras arrodilladas en oración contra el telón de fondo de un paisaje montañoso desértico. Esta es solo una parte de la trama que ves de inmediato, pero el título, "Profecía", sugiere que el contenido principal no es tan obvio y aún no se ha revelado. Invisible en un primer momento, la imagen contiene aquellos ante los que se inclinaron los peregrinos: Dios Padre, Dios Hijo y el jinete alado, un ángel descendido del cielo.

La pintura "Sueños de Grecia" de la moscovita Natalya Zamyatina parece una naturaleza muerta común con un jarrón de porcelana y frutas. El título no parece coincidir muy bien con la imagen. Pero eche un vistazo más de cerca a las cortinas. ¿Qué esconden (o revelan) los pliegues de la tela y los contornos del jarrón?

OJOS DOBLES

El término que dio nombre a la sección del artículo fue inventado por el escritor y autor de muchas publicaciones en la revista "Science and Life" Sergei Fedin. Llamó a los textos de doble ojo que se pueden leer de dos maneras. Tomemos la palabra "tiburones" como ejemplo. Las dos primeras letras "ak" se pueden escribir como una letra "zh". Y "s" es fácil de representar similar a "e". Dejemos las letras en el medio sin cambios y obtengamos una palabra que sea fácil de leer de dos maneras: "tiburones" y "pícaros". Aquí se dan varios ejemplos de tales inscripciones.

La palabra "doble ojo" corresponde al "ambigrama" inglés - dual. Hablamos aquí de visiones dobles verbales porque, usando su ejemplo, es más fácil entender la percepción de imágenes duales en la pintura.

¿Qué buscamos moviendo la mirada por las líneas de la doble visión? Alguna carta familiar. Lo mismo sucede en las imágenes. El cerebro busca imágenes familiares que ya están en la memoria, lo cual es muy diferente al almacenamiento de imágenes fotográficas. La memoria es una especie de "codificador" que captura las propiedades de la imagen, como la presencia de secciones de líneas rectas y curvas, los límites de cambio de brillo, color y similares.

Mirando los dos ojos más de cerca, encontramos las letras que no notamos inicialmente y agregamos la segunda palabra de ellas. Lo mismo sucede con la imagen oculta.

Hasta ahora, a nadie se le ocurrió la palabra "tres ojos", es decir, la imagen de tres palabras de diferentes significados en una sola entrada. Si tiene éxito, asegúrese de enviar su trabajo a la competencia de pintura misteriosa. Pero los trillizos pintorescos ya se han creado, y ahora hablaremos de ellos.

PINTURA DE DOS Y TRES CARAS

En el número anterior de la revista, en el artículo "Invisible-Visible" se encontró con la imagen de una cabeza femenina, que se ve joven o vieja, según la posición de la imagen. Ahora vamos a familiarizarnos con un retrato que no necesita ser volteado. A la pregunta: "¿Representa a una mujer joven o vieja?" Diferentes personas dan diferentes respuestas. Algunos dicen - una niña, otros - una anciana. La imagen se ha convertido durante mucho tiempo en un clásico. Pero para aquellos que la ven por primera vez, cada vez tienen que explicar cómo ver la segunda imagen: "El ojo de la dama es la oreja de la niña, y la nariz es el óvalo de un rostro joven". Según los fisiólogos, el espectador, al mirar el retrato, presta más atención a los ojos y la nariz. Por lo tanto, la primera impresión generalmente depende de en qué parte de la imagen se posaron sus ojos en el primer momento. Después de un poco de entrenamiento, puedes aprender a ordenarte a quién quieres ver.

En cuanto a la cantidad de publicaciones en libros y revistas, la trama con una mujer joven y una anciana está muy por delante de todas las demás imágenes ilusorias. El autor a veces se llama el dibujante estadounidense W. Hill, quien publicó el trabajo en 1915 en la revista "Pak" (traducido al ruso "Puck": un duende, un espíritu de cuento de hadas). A veces, la imagen se atribuye al psiquiatra E. Boring, quien utilizó el retrato en la década de 1930 como ilustración para su trabajo. En la comunidad científica, "Two Ladies" todavía se llama la "figura aburrida". De hecho, allá por los primeros años del siglo XX, se puso en circulación en Rusia una postal con la misma imagen y la inscripción: "Mi esposa y mi suegra". La postal alemana de 1880 le sirvió de prototipo (se desconoce el autor).

La imagen con dos damas se reproduce regularmente en libros de psicología. Pero aún se desconoce en gran medida cómo la mente humana percibe las imágenes dualistas. Los artistas simplemente continúan desarrollando una técnica ya conocida. En la primera mitad del siglo XX, apareció un retrato similar de un anciano y un joven. Luego, en 1968, el artista G. Fischer hizo un nuevo peinado para ambas damas y obtuvo un tercer personaje. De hecho, agregó solo un elemento y la imagen se conoció como "Mamá, papá e hija". El cabello de la mujer se convirtió en el perfil de un hombre, gracias a lo cual había tres personas en el retrato.

En una pintura moderna del artista moscovita Sergei Orlov (ver pág. 132), no solo hay dos rostros diferentes, sino también dos figuras femeninas que pertenecen tanto a la niña como a la anciana. La anciana mira la flor que tiene en la mano. La joven está sentada de espaldas a nosotros, alisándose el pelo y girando la cabeza hacia la izquierda.

Las obras de Sergei Orlov, Victor Bregeda y otros artistas que trabajan de esta manera se pueden ver en Internet. Hay un proyecto especial "Dualidades" http://hiero.ru/project/Dubl del sitio "Hieroglyph", donde los autores exponen sus trabajos para la discusión.

Ningún libro sobre pinturas ilusorias está completo sin una historia sobre la obra del español Salvador Dalí. 300 años después de Arcimboldo, revivió la dirección de cuadros ilusorios.

En la primera imagen, el espectador ve a dos mujeres ricamente vestidas. El hombre del turbante los conduce a la galería. El artista transforma esta escena en una segunda trama. El contorno de una cabeza humana se forma a partir del arco de la galería, una imagen de un retrato escultórico del filósofo francés Voltaire por Houdon.

La trama con Voltaire se encuentra repetidamente en las obras de Dalí. También utilizó dos veces la trama de la pintura "La cabeza de una mujer en forma de batalla" (arriba a la izquierda), donde las figuras de jinetes al galope y personas corriendo por un campo amarillo se suman al rostro de una mujer. Pero luego entró "La cabeza de una mujer en forma de batalla" como detalle de otro lienzo: "España". Este hecho muestra lo difícil que es encontrar una solución nueva y original para una imagen de dos caras.

Si me convirtiera en el organizador de una exposición de las mejores pinturas dualistas, junto a las obras de Dalí colocaría pinturas del artista contemporáneo de Volgogrado Vladislav Koval. Y ciertamente, la "Madonna de Stalingrado", en la que la imagen de una mujer con un bebé en brazos está tejida con ramas de abedul. En la pintura "Decomissioning to Shore", los distantes acantilados costeros visibles en el horizonte se convierten en la figura solitaria y caída de un marinero. En la pintura "Ícaro" se ve a su héroe volando o cayendo. En el siguiente lienzo, un soldado envuelto en un impermeable, helado, se convierte en una Virgen con un niño. En la obra "Pirámide" V. Koval por primera vez en la historia del arte combinó varias imágenes duales en una obra de arte integral. Y utilizó casi todas las técnicas de pintura de las que hablé. Aquí y la construcción de nuevas imágenes a partir de los detalles del paisaje y pinturas, cuyo contenido depende del ángulo de visión o la distancia. Hoy Koval es uno de los artistas rusos más famosos. Su fama tiene un comienzo curioso. Mientras estudiaba en Moscú, envió cartas a sus familiares en Volgogrado y no pegó sellos en los sobres, sino que dibujó. Todas las cartas enviadas llegaron a los destinatarios sin pago adicional. Cuando el ministerio de prensa anunció un concurso entre artistas, el estudiante Vladislav Koval llevó un paquete de sobres a los organizadores. Y se convirtió en el ganador, el más joven entre los participantes.

ICONOS INUSUALES

Se encuentran ejemplos de pinturas misteriosas incluso en una forma de arte tan estricta y canónica como los íconos. El ícono "Jesús en el calabozo" fue llevado una vez al Museo de Arte Ruso Antiguo en Moscú. En el anverso se representa a Jesús con grilletes en los pies, y alrededor están los instrumentos de la Pasión, es decir, de tortura. Cada uno tiene un nombre al lado. Con base en las peculiaridades de escribir palabras, los críticos de arte determinaron que el autor era un Viejo Creyente. La singularidad del icono era que la imagen estaba atravesada por estrechas franjas verticales. Se ha sugerido que estos son rastros de un enrejado que alguna vez cubrió la imagen de Cristo. Sin embargo, la pista de las rayas oscuras resultó ser mucho más interesante y pertenece al jefe del taller de pintura de iconos de Canon, el historiador del arte y artista Alexander Renzhin.

Resulta que el ícono alguna vez contenía no una, sino tres imágenes. Las rayas no son más que trazos de placas verticales que se adhirieron al marco (escenario) del icono. Se adhirieron estrechamente a su superficie y, por lo tanto, dejaron huellas. En ambos lados de cada placa se dibujaron (es costumbre decir, se escribieron) partes de dos íconos más. De pie frente al ícono, podía ver una imagen, moviéndose hacia la izquierda, otra, hacia la derecha, la tercera. Las placas del ícono se perdieron, pero Renzhin logró encontrar exactamente el mismo ícono completo. Resultó que partes de las imágenes de la Madre de Dios y Juan Bautista estaban escritas en ambos lados de 12 placas. Cuando miras el ícono desde el costado, las partes de la imagen se combinan en un solo todo.

Los almacenes del Museo de Historia de las Religiones de San Petersburgo contienen iconos de este tipo, pero con una trama diferente. En uno de ellos en primer plano hay una paloma, símbolo del Espíritu Santo. Pero tan pronto como te muevas a la derecha, aparecerá la imagen de Dios Padre, a la izquierda, el rostro de Dios Hijo. Es difícil para un espectador moderno, mimado por los efectos de luz, imaginar el poder de la impresión de los íconos tripartitos en los creyentes de los siglos pasados, e incluso en el crepúsculo de una iglesia iluminada solo por velas. Además, en el siglo XX, se utilizó una técnica similar en la publicidad y, por lo tanto, perdió su originalidad.

Hay iconos cuya superficie no es plana, sino perfilada, con surcos triangulares verticales. En un lado de cada ranura está escrita una imagen, visible a la izquierda, y en el otro lado, visible a la derecha. Cuando miras de frente, ves una "mezcla" de las dos imágenes. Por lo tanto, en la iglesia, se colocó un gran candelabro frente a dicho ícono para que solo se pudiera ver desde dos lados.

En la iglesia de San Mitrofan de Voronezh en Moscú en la calle 2nd Khutorskaya hay un museo de la iglesia. Allí, entre otras exhibiciones interesantes, se puede ver una imagen tripartita. Este no es un ícono, sino un retrato de la familia real. De pie frente al retrato, ves al emperador Alejandro III. Mover a la derecha: aparece la imagen de la emperatriz María Feodorovna. Los espectadores, de pie a la izquierda, ven al joven heredero, el futuro emperador Nicolás II. Una característica curiosa de la imagen ayudó a establecer el momento de su creación. En la sien derecha de Nikolai, se ve una mancha de sangre. Esta es la huella de una espada japonesa. En 1890-1891, el heredero viajó por todo el mundo y se realizó un intento de asesinato en Japón. Un policía japonés golpeó a Nikolai con una espada, pero el joven heredero se desvió y recibió solo una herida leve. La segunda vez que el atacante no tuvo tiempo de atacar, fue derribado, pero no por los anfitriones que recibieron al distinguido invitado, sino por el príncipe griego Jorge que acompañaba a Nicolás.

LA LEYENDA DE SANTA VERONICA

En 1879, se llevó a cabo una exposición de artistas alemanes en San Petersburgo. Uno de ellos, Gabriel von Max, presentó el cuadro "El pañuelo de Santa Verónica" con la imagen de un lienzo en bruto clavado en la pared con el rostro de Cristo en el centro. La peculiaridad de la imagen era que la audiencia podía ver los ojos del Salvador cerrados o abiertos. Los periódicos de esa época escribieron que los organizadores tuvieron que poner sillas en el salón, ya que algunas de las damas se desmayaron y exclamaron: "¡Mira! ¡Mira!"

Por supuesto, la misteriosa imagen llamó la atención de los artistas de la capital que intentaron desentrañar el secreto, y el artista Ivan Kramskoy escribió un artículo al respecto para la revista Novoe Vremya, donde reveló la técnica con la que el autor alemán logró el efecto deseado. .

La leyenda de Santa Verónica se extendió por toda Europa en la Edad Media. Más tarde, se convirtió en la Tradición oficial de la Iglesia, es decir, se reconoció como verdadera como las registradas en el Evangelio. Cuando Jesucristo fue llevado al Monte Calvario para ser crucificado allí, una mujer compasiva llamada Verónica secó el sudor de su rostro con un pañuelo que le había tapado los ojos. Al mismo tiempo, el rostro del Salvador en la corona de espinas quedó grabado milagrosamente en el pañuelo. La tradición formó la base del icono ortodoxo "Salvador no hecho a mano". Es más fácil para nosotros, no especialistas, reconocer este ícono por la imagen de un pañuelo en el que está escrito el rostro de Jesús, aunque el pañuelo en sí (más a menudo dicen "plats") está dibujado de manera diferente y bastante convencional. Entre los cristianos occidentales, una imagen similar se llama "Bufanda de Santa Verónica".

De un conocedor del arte ruso, el sacerdote Valentin Dronov, escuché una historia que cito aquí textualmente: “Dos o tres veces en mi vida tuve que ver el ícono del Salvador No hecho a mano, que mostraba una propiedad milagrosa. los ojos de Jesús parecían abiertos o cerrados. Dependía del estado espiritual de la persona que oraba. Si estaba tranquilo, el Salvador parecía dormir. Si estaba agitado, sus ojos se abrían". En casa, el padre Valentín guardaba una fotografía de esta imagen, que se entrega aquí.

Todavía no he podido encontrar nada similar en nuestros museos. En una guía de Belén, ciudad donde, según la leyenda, nació Cristo, se dice que uno de los frescos de la columna de la Iglesia de la Natividad tiene la misma propiedad: "el rostro del icono abre y cierra su ojos."

El ícono que se describe es muy raro, por lo que cualquier evidencia de personas que hayan visto o al menos oído hablar de tales imágenes es importante. Pedimos a los lectores que informen a los editores de la revista sobre esto.

Estos lienzos son conocidos incluso por aquellos que están lejos del mundo del arte, porque son verdaderas obras maestras. Y cada uno de ellos esconde algún secreto que no se puede ver a simple vista.

Y parece que cada trazo ya ha sido estudiado de arriba a abajo, sin embargo, los científicos están constantemente descubriendo algo nuevo en estas pinturas antiguas. ¡Sus autores dejaron a sus descendientes acertijos insólitos que lograron resolver!

¡Los editores de InPlanet han preparado una lista de 12 pinturas legendarias que han guardado secretos durante muchos años e incluso siglos!

Retrato de los Arnolfini / Jan van Eyck (1434)

Este retrato fue el primero en la historia de Europa, que representa a una pareja. Es un excelente ejemplo de principios del Renacimiento. Los historiadores todavía discuten quién está representado en el lienzo y qué está sucediendo allí. Muchos están seguros de que se trata de una boda, como indican algunos carteles en la imagen.

Pero el fragmento más curioso está prácticamente oculto a la vista: en el reflejo del espejo en la pared, puedes ver los contornos de cuatro personas. Está vagamente claro que hay un hombre y una mujer, y la firma: "Jan van Eyck estuvo aquí". Los críticos de arte creen que el artista se representó a sí mismo y a su esposa.

La Última Cena / Leonardo da Vinci (1495-1498)

Este fresco es una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci y también está lleno de muchos secretos. El misterio más interesante está oculto en la superficie: en las imágenes de Jesús y Judas.

El artista pintó el resto de las imágenes con facilidad, pero estas dos caras fueron las más difíciles para él. Para el rostro de Jesús, estaba buscando la encarnación de la bondad, y tuvo suerte: conoció a un joven cantante en el coro de la iglesia. Pero el último lugar no escrito fue Judas, y da Vinci pasó horas en los restaurantes para encontrar la encarnación perfecta del mal. Y, finalmente, tuvo suerte: en una zanja encontró a un borracho que apenas podía mantenerse en pie. De él pintó la imagen de Judas, pero al final quedó sorprendido.

Este hombre se le acercó y le dijo que ya se habían conocido. Hace unos años era cantante de coro y ya había posado para Leonardo para esta foto. Entonces, un hombre comenzó a personificar el bien y el mal.

Retrato de Doña Lisa del Giocondo / Leonardo da Vinci (1503-1505)

Quizás la pintura más misteriosa jamás pintada es la Mona Lisa. Desde hace varios siglos, ha perseguido a historiadores e historiadores del arte, dando lugar a ideas cada vez más salvajes e intrigantes sobre su creación.

¿Quién es esta mujer de sonrisa misteriosa y sin cejas? Tradicionalmente, se considera que esta es la esposa del comerciante Francesco Giocondo. Pero hay varias teorías más que tienen derecho a existir. Por ejemplo, que la Mona Lisa es un autorretrato del propio Leonardo. También existe la posibilidad de que esta pintura haya sido pintada por da Vinci para sí mismo, y el lienzo real fue descubierto en Aizerlut hace 100 años. Esta Gioconda es más adecuada para la descripción de la pintura de los contemporáneos de Leonardo.

Más recientemente, los científicos han sugerido que la misteriosa sonrisa de la niña en el lienzo se debe a que no tenía dientes. Por cierto, la radiografía mostró que tenía cejas, solo que las restauraciones las habían dañado significativamente.

Creación de Adán / Miguel Ángel (1511)

Otro genio del Renacimiento, Miguel Ángel, creó su fresco para la Capilla Sixtina, donde permanece hasta el día de hoy. La trama de esta parte del mural fue una escena del Génesis llamada la creación de Adán. Y en el fresco hay muchos símbolos encriptados.

Por ejemplo, vale la pena echar un vistazo más de cerca al Creador que crea a Adán, y puedes ver... el cerebro humano. Los expertos creen que de esta manera el artista dibujó una analogía del Creador con la fuente de la mente, pero simplemente el cerebro. Esta teoría se ve confirmada por el hecho de que a Miguel Ángel le gustaba la anatomía y constantemente realizaba experimentos con cadáveres.

Madonna Sixtina / Rafael (1513-1514)

Este enorme lienzo, pintado por Rafael, es un ejemplo del arte supremo del Renacimiento. La pintura fue encargada por el Papa Julio II y estaba en el monasterio de Piacenza. Algunos historiadores del arte creen que esta obra maestra fue pintada para el funeral del Papa.

Rafael cifró muchos signos sobre lienzo que los historiadores lograron descubrir. Uno de los secretos obvios de la Madonna Sixtina: en el fondo, el artista representó los rostros de la nube en forma de rostros de ángeles. Algunos historiadores creen que se trata de almas no nacidas.

Escena de la orilla / Hendrick van Antonissen (1641)

El lienzo del famoso pintor marino holandés Hendrik van Antonissen ha atraído durante mucho tiempo la atención de los críticos de arte. Esta pintura del siglo XVII representa un paisaje marino aparentemente ordinario. Pero los especialistas se sintieron avergonzados por la gran cantidad de personas que se habían congregado en la orilla sin motivo aparente.

La verdad se estableció con la ayuda de un estudio de rayos X, que estableció que en realidad la imagen representaba una ballena. Pero el artista decidió que sería aburrido para la gente ver el cadáver de una ballena, así que rehizo la imagen. ¡Y con una ballena, el lienzo se ve mucho más impresionante!

El último día de Pompeya / Karl Bryullov (1830-1833)

El artista ruso Karl Bryullov quedó impresionado por la historia de Pompeya mientras visitaba el Vesubio en 1828. Era una persona muy restringida por naturaleza, pero luego Karl simplemente estaba abrumado por las emociones, permaneció en la ciudad en ruinas durante cuatro días y después de un par de años comenzó a pintar su famosa pintura.

Hay un secreto especial en el lienzo: si miras de cerca, en la esquina izquierda puedes ver un autorretrato del propio artista. También capturó a su amada, la condesa Yulia Samoilova, con quien tuvo una larga relación al menos tres veces, posiblemente más. Se la puede ver en forma de madre abrazando a sus hijas contra su pecho, en forma de niña con un cántaro en la cabeza y en forma tendida en el suelo.

Autorretrato con pipa / Vincent van Gogh (1889)

Todo el mundo conoce la historia de la oreja cortada del extravagante artista Vincent van Gogh. Incluso pintó su autorretrato con una oreja vendada, lo que provocó un acalorado debate entre los historiadores del arte. Todavía no se sabe con certeza si le cortó la oreja por completo o si la lastimó.

Durante mucho tiempo, los expertos se sintieron avergonzados por el hecho de que en la imagen se representa a Van Gogh con una venda en la oreja derecha y se lesionó la izquierda. Pero se reveló el secreto: el artista holandés pintó autorretratos, mirándose en el espejo, por lo que había confusión en la imagen debido a la imagen del espejo.

Habitación Azul / Pablo Picasso (1901)

Ahora todos conocen los nombres de estos artistas, y al comienzo de su carrera tuvieron que pintar varias pinturas en un lienzo; no podían permitirse comprar tela. Es por eso que muchas obras maestras tienen el llamado doble fondo, por ejemplo, la pintura de Pablo Picasso "La habitación azul".

Con la ayuda de rayos X, fue posible descubrir que debajo de la imagen se pintó un retrato de un hombre. Los historiadores del arte determinan quién era este hombre. Según una versión, Picasso pintó un autorretrato.

El viejo pescador / Tivadar Kostka Chontvari (1902)

El artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari creó muchas pinturas durante su vida, pero fue poco conocido. Sufrió episodios de esquizofrenia, pero aún soñaba con la gloria de Rafael. Tivadar se hizo famoso después de su muerte, cuando se descifró la pintura "El viejo pescador", que ahora se ha vuelto muy popular. Fue creada en 1902 y es considerada una de las obras más misteriosas del artista.

A primera vista, el lienzo representa a un anciano, como se creía desde hace muchos años. Hasta que un día a alguien se le ocurrió mirar en el espejo las dos mitades del rostro del anciano. Luego se reveló el secreto principal de este lienzo: en él, el maestro representó a Dios y al Diablo, que están en cada persona.

Retrato de Adele Bloch-Gower / Gustav Klimt (1907)

Esta pintura es una de las obras más famosas de Gustav Klimt. En 2006, Golden Adele fue comprada por la fabulosa suma de 135 millones de dólares. La hermosa mujer representada en él en realidad fue escrita por el bien de... la venganza.

En 1904, toda Viena, incluido su esposo Ferdinand, habló sobre la novela de Adele Bloch-Gower y Gustav Klimt. Se le ocurrió una venganza inusual y le encargó al artista un retrato de su amada esposa. Ferdinand era muy exigente y Klimt hizo más de 100 bocetos. Durante este tiempo, la amante, cuya imagen fue tan difícil, se aburrió del artista y su romance terminó.

Cuadrado negro / Kazimir Malevich (1915)

Una de las pinturas rusas más famosas y controvertidas es el Cuadrado negro de Kazemir Malevich. Pocos entienden el significado oculto de este provocativo lienzo. ¡Pero vale la pena comenzar, tal vez, con el hecho de que el cuadrado no es del todo cuadrado y ni siquiera negro!

La radiografía ayudó a determinar que debajo del "Cuadrado negro" hay otra obra de Malevich, encima de la cual escribió su obra maestra. Para él, preparó una composición especial de pinturas mate y brillante, entre las cuales, por cierto, no había tinte negro. Y, a pesar de que los lados del llamado cuadrado miden 79,5 cm, la figura no tiene un solo ángulo recto.

De una forma u otra, Mona Lisa sigue siendo una de las pinturas más misteriosas de nuestro tiempo. Quizá nunca sabremos qué nos quiso decir tal o cual artista, o tal vez del todo, todas las señales son solo una coincidencia...

Científicos italianos dicen que han encontrado restos que pueden pertenecer a Lisa del Giocondo. Quizás se revele el misterio de la Mona Lisa. En honor a esto, recordamos las pinturas más misteriosas de la historia.

1. Mona Lisa
Lo primero que viene a la mente cuando se trata de pinturas misteriosas, o pinturas de misterio, es la Mona Lisa, pintada por Leonardo da Vinci en 1503-1505. Gruyet escribió que esta imagen puede volver loco a cualquiera que, habiendo visto lo suficiente, comience a hablar de ella.
Hay muchos "misterios" en esta obra de da Vinci. Los historiadores del arte escriben disertaciones sobre la inclinación de la mano de Mona Lisa, los especialistas médicos hacen diagnósticos (desde que Mona Lisa no tiene dientes frontales hasta que Mona Lisa es un hombre). Incluso hay una versión de que Gioconda es un autorretrato del artista.
Por cierto, la pintura ganó particular popularidad solo en 1911, cuando fue robada por el italiano Vincenzo Perugio. Lo encontré por huella dactilar. Así que la Mona Lisa también se convirtió en el primer éxito de la toma de huellas dactilares y en un gran éxito del marketing del mercado del arte.

2. Cuadrado negro


Todo el mundo sabe que el "Cuadrado negro" no es en realidad negro, ni un cuadrado. Realmente no es un cuadrado. En el catálogo de la exposición, Malevich lo declaró como un "cuadrilátero". Y realmente no negro. El artista no usó pintura negra.
Menos conocido es que Malevich consideraba El cuadrado negro como su mejor obra. Cuando el artista fue enterrado, "Black Square" (1923) estaba en la cabecera del ataúd, el cuerpo de Malevich estaba cubierto con un lienzo blanco con un cuadrado cosido, también se dibujó un cuadrado negro en la tapa del ataúd. Incluso el tren y la parte trasera del camión tenían cuadrados negros.

3. Gritar

Lo misterioso de la pintura “El Grito” no es que supuestamente tenga un efecto duro en las personas, obligándolas a casi suicidarse, sino que esta pintura es, de hecho, realismo para Edvard Munch, quien al momento de escribir esto obra maestra sufría de psicosis maníaco depresiva. Incluso recordó exactamente cómo vio lo que escribió.
“Estaba caminando por el sendero con dos amigos, el sol se estaba poniendo, de repente el cielo se volvió rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca, miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y el ciudad - prosiguieron mis amigos, y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza.

4. Guernica


Picasso pintó "Guernica" en 1937. El cuadro está dedicado al bombardeo de la ciudad de Guernica. Cuentan que cuando Picasso fue citado a la Gestapo en 1940 y le preguntaron por el Guernica: “¿Tú hiciste eso?”, el artista respondió: “No, tú lo hiciste”.
Picasso pintó un enorme fresco durante no más de un mes, trabajando de 10 a 12 horas al día. "Guernica" se considera un reflejo de todo el horror del fascismo, la crueldad inhumana. Quienes han visto la imagen con sus propios ojos aseguran que genera ansiedad y en ocasiones pánico.

5. Iván el Terrible y su hijo Iván


Todos conocemos el cuadro "Iván el Terrible y su hijo Iván", llamándolo habitualmente "Iván el Terrible mata a su hijo".
Mientras tanto, el asesinato de su heredero por Ivan Vasilyevich es un hecho muy controvertido. Entonces, en 1963, se abrieron las tumbas de Iván el Terrible y su hijo en la Catedral del Arcángel del Kremlin de Moscú. Los estudios han permitido afirmar que Tsarevich John fue envenenado.
El contenido de veneno en sus restos es muchas veces superior a la norma permitida. Curiosamente, se encontró el mismo veneno en los huesos de Ivan Vasilyevich. Los científicos han concluido que la familia real había sido víctima de envenenadores durante varias décadas.
Iván el Terrible no mató a su hijo. A esta versión se adhirió, por ejemplo, el Fiscal Jefe del Santo Sínodo, Konstantin Pobedonostsev. Al ver la famosa pintura de Repin en la exposición, se indignó y le escribió al emperador Alejandro III: "No puedes llamar histórica a la pintura, ya que este momento es... puramente fantástico". La versión del asesinato se basó en las historias del legado papal Antonio Possevino, a quien difícilmente se le puede llamar una persona desinteresada.
Hubo una vez un intento real en la pintura.
El 16 de enero de 1913, Abram Balashov, pintor de íconos del Viejo Creyente de veintinueve años, la apuñaló tres veces con un cuchillo, después de lo cual las caras de los Ivanov representadas en la pintura de Ilya Repin tuvieron que pintarse prácticamente de nuevo. Después del incidente, el entonces curador de la Galería Tretyakov Khruslov, al enterarse del vandalismo, se arrojó debajo del tren.

6. Las manos le resisten


La imagen de Bill Stoneham, escrita por él en 1972, se hizo famosa, francamente, no la mejor fama. Según información de E-bay, la pintura fue encontrada en un vertedero tiempo después de la compra. La primera noche, cuando la pintura terminó en la casa de la familia que la encontró, la hija corrió hacia sus padres llorando, quejándose de que "los niños de la foto están peleando".
Desde ese momento, la imagen tiene muy mala reputación. Kim Smith, quien lo compró en 2000, recibe constantemente cartas enojadas que exigen que se queme la pintura. Además, los periódicos escribieron que a veces aparecen fantasmas en las colinas de California, como dos guisantes en una vaina, como los niños del cuadro de Stoneham.

7. Retrato de Lopukhina


Finalmente, la "mala imagen": un retrato de Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky en 1797, después de un tiempo comenzó a tener mala reputación. El retrato representaba a Maria Lopukhina, quien murió poco después de que se pintara el retrato. La gente comenzó a decir que la imagen "quita la juventud" e incluso "reduce a la tumba".
No se sabe con certeza quién inició tal rumor, pero después de que Pavel Tretyakov adquirió "sin miedo" el retrato para su galería, las conversaciones sobre el "misterio de la pintura" disminuyeron.

Las pinturas de los grandes artistas no solo pueden deleitar y dar placer estético, sino también causar asombro místico e incluso miedo. Muchas pinturas de maestros están llenas de misterios. Nuestra historia es sobre ellos.

Las pinturas talentosas siempre evocan asombro y admiración entre los amantes del arte. Los lienzos de los grandes maestros fascinan y cautivan, porque las bellas pinturas despiertan lo más íntimo de las almas, algo que muchas veces una persona busca esconder incluso de sí misma. Carl Jung lo llamó el inconsciente.

Por lo tanto, las pinturas de artistas famosos se perciben como mensajes misteriosos en los que se revelan los secretos del mundo. Para resolverlos, debes estar lo más atento posible a los detalles y símbolos de las pinturas.

Más de una generación de críticos de arte intentará desentrañar las cifras de Hieronymus Bosch, pensar en el código de las pinturas de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Botticelli, congelarse de placer frente a las pinturas de los holandeses. ¿Qué podemos decir de la pintura de la era del modernismo y posmodernismo, donde la belleza, la espiritualidad y la precisión de las líneas han dado paso a símbolos culturales, entrelazamiento de líneas y formas cúbicas?

Pinturas con el significado de Pablo Picasso y Frida Kahlo, Jackson Pollock y Salvador Dalí revelan los aspectos trágicos y místicos de ser una persona moderna. Para leerlos, es necesario tener amplios conocimientos e intuición creativa.

Te invitamos a visitar la galería virtual y descubrir qué pinturas famosas de artistas están llenas de acertijos o qué historias dramáticas están asociadas con:

La Última Cena (Leonardo da Vinci)

Muchos notarán que esta obra maestra no es exactamente una pintura, sino un fresco. Sin embargo, un fresco es el mismo lienzo, solo que realizado sobre yeso húmedo. Comenzaron a hablar sobre el misterio de esta imagen en el siglo XIX, cuando las mentes de la aristocracia fueron cautivadas por varias enseñanzas místicas, las logias masónicas y varias sociedades secretas florecieron en Europa. En el siglo XXI, el interés por el fresco revivió gracias al libro de Dan Brown El código Da Vinci y la serie Los demonios de Da Vinci.

De hecho, esta creación del más grande artista del Renacimiento contiene muchos signos secretos que forman el subtexto del fresco. En primer lugar, cabe señalar que el artista trabajó en su creación durante tres años, hasta 1498 (obviamente, Leonardo no escribió sobre suelo húmedo; esta es una razón para considerar La última cena como una pintura, no como un fresco). La composición fue encargada por el Dux de Venecia, Ludovico Sforza, famoso libertino, místico, comerciante e intrigante.

Los conceptos de fidelidad en la vida familiar eran ajenos a Sforza, era infatigable en sus pasiones, de las que sufría su piadosa esposa, la duquesa Beatrice d'Este. A pesar de que fue una de las mujeres más bellas del Renacimiento, Ludovico la engañó con una constancia asombrosa con los mejores captadores de Venecia.

Solo la muerte de Beatrice obligó a Sforza a replantearse sus prioridades y dejar de buscar los placeres amorosos. Para perpetuar su memoria, el duque de Venecia encargó La última cena de da Vinci.

El primer enigma del lienzo está relacionado con este trasfondo: el apóstol Juan, sentado a la diestra de Cristo, exteriormente parece más una mujer que un hombre. Así nació la conjetura de que se trataba de María Magdalena, la esposa de Jesús. También lo confirmó la señal que crean las inclinaciones de estos dos personajes. Resulta una figura que se asemeja a una combinación de dos triángulos, que en las enseñanzas místicas significaba la conexión de los principios femenino y masculino como base del universo.

El segundo acertijo es la imagen de Judas. Al comienzo del trabajo en la pintura, Leonardo encontró rápidamente una niñera para la imagen de Jesús. Se convirtieron en un joven cantante del coro de la iglesia. Su belleza y buena apariencia impresionaron al artista.

Pero para Judas, la naturaleza tuvo que ser buscada durante casi tres años. Una vez, en una zanja, Leonardo vio descender a un borracho. Lo llevó al refectorio y en cuestión de días escribió las antípodas de Cristo. Después de hablar con la modelo, el artista supo que su vida fue cuesta abajo desde el momento en que posó para la imagen de Jesús da Vinci. Así, Cristo y el que lo traicionó son dados de baja de una persona con una diferencia de tres años.

El tercer acertijo es que hay un autorretrato de Leonardo en la pintura. Este es el Apóstol Tadeo, sentado segundo desde la derecha.

El cuarto código es el número tres repetido. Eche un vistazo más de cerca al lienzo, todos los personajes están agrupados en grupos de tres. Esto muestra la cifra simbólica de la Santísima Trinidad: el Hijo, el Espíritu y Dios.

La creación de Adán (Miguel Ángel)

Un fresco del siglo XVI de uno de los famosos maestros del Renacimiento muestra a Dios extendiendo su mano hacia Adán. Esta es la cuarta de las nueve escenas del Génesis, que el autor representó en la Capilla Sixtina. La pintura representa cómo Dios insufla alma en un hombre recién creado.

Los anatomistas han establecido que el manto púrpura del Creador, bajo el cual se reúnen los ángeles, se asemeja al contorno del cerebro humano. Miguel Ángel, como todos los artistas de la época, estudió la anatomía al detalle, por lo que conocía perfectamente cómo es este órgano. Pero, ¿por qué lo representó en una pintura con una trama religiosa?

Los críticos de arte sugirieron que de esta manera el artista y pensador progresista señaló que la fuerza que mueve y desarrolla a una persona es la mente. Además, hay una serie de otros matices a los que debe prestar atención:

1. La postura de Adán es simétrica a la postura de Dios. Sin embargo, el primer hombre está relajado y sólo la mente divina es capaz de llenarlo de energía.
2. Los héroes, envueltos en el manto del Creador, crean el contorno del cerebro humano. Además, Miguel Ángel delineó con líneas la glándula pituitaria, el puente varolii (transmite los impulsos del cerebro a la médula espinal) y las arterias vertebrales.

La pintura es un mensaje elocuente de un artista humanista progresista que creía en el poder de la mente humana.

"Proverbios flamencos" (Peter Brueghel el Viejo)

La pintura fue creada por un pintor holandés a mediados del siglo XVI. A primera vista, su trama es simple: un día cualquiera en la plaza del mercado. Sin embargo, hay 112 componentes compositivos separados en el lienzo que encarnan giros fraseológicos populares.

Mire de cerca la imagen y vea ilustraciones de expresiones idiomáticas: golpee su cabeza contra la pared; ata al diablo a la almohada; colgarle un cascabel a un gato (un acto irrazonable); hablar con dos bocas; freír arenque para huevos, etc.

Esta imagen es de gran interés no solo para los historiadores del arte y los culturólogos, sino también para los filólogos.

Dánae (Rembrandt Harmens van Rijn)

El artista holandés pintó este cuadro durante 11 años (1636-1647). A primera vista, el lienzo representa a la heroína del antiguo mito griego Dánae, que fue escondida en la mazmorra por su propio padre. La razón de esto es la profecía, según la cual el rey de Argos caerá a manos de su nieto.

La Dánae de Rembrandt es un símbolo de la impermanencia masculina. Al estudiar la imagen, los historiadores del arte han establecido que Dánae tiene un anillo de bodas en el dedo anular, aunque, según la leyenda, era una joven soltera cuando fue encarcelada. Además, no había lluvia dorada en la imagen, que Zeus derramó para dar a luz a la vida en Danae.

El segundo punto que confundió a los investigadores es que el rostro de la heroína no se parecía al de Saskia van Uylenbürch, la joven esposa de Rembrandt, quien sirvió de modelo para todas sus pinturas de la década de 1630. Esto es tanto más extraño cuanto que "Danae" fue pintada por el artista para decorar su propia casa. Entonces, ¿a quién, en lugar de a su esposa, capturó en el lienzo?

La respuesta llegó en la década de 1950, cuando los historiadores del arte comenzaron a utilizar rayos X para estudiar pinturas. Resultó que inicialmente Danae, sin embargo, se eliminó de Saskia, y luego el artista reescribió su imagen, dando las características de la enfermera de su hijo Gertje Dirks. Tras la muerte de Saskia, se convirtió en su amante, cohabitante y nueva musa.

"Dormitorio en Arly" (Vincent van Gogh)

Incapaz de resistir la persecución del beau monde parisino, Vincent van Gogh escapa de la capital de Francia. En la primavera de 1888, se retira a un pequeño edificio anexo en Arly, comprado con el dinero de la herencia. El artista finalmente ha encontrado su hogar y su propio taller. En Arly, vivió durante algún tiempo a la espera de otro fugitivo parisino, Paul Gauguin. Junto a él, Van Gogh quiso crear una hermandad de artistas.

El cuadro "Dormitorio en Arly", o "Dormitorio amarillo", es una prueba documental de la enfermedad mental del pintor. Según él, los psiquiatras pueden estudiar los cambios en una persona que sufre de esquizofrenia. Estos son los signos a tener en cuenta:

1. Color amarillo saturado, e incluso intrusivo. Se ve antinatural en el interior de la habitación. Se trata de la dedalera, con la que Vincent van Gogh luchó contra los ataques epilépticos. El uso regular de este medicamento conduce a un cambio en la percepción del color. La gente ve el mundo en color amarillo verdoso.
2. El emparejamiento de objetos en la habitación: dos sillas, dos almohadas, dos retratos, un par de grabados de Van Gogh. Por lo tanto, el autor trató de encontrar la paz mental, para hacer frente a la soledad.
3. Las persianas cerradas son un símbolo del aislamiento interior del artista y una sensación de seguridad.
4. El espejo de la pared fue comprado por Van Gogh para autorretratos. La gente se negaba a posar para él porque no percibía sus pinturas como arte.
5. La manta roja sobre la cama jugó un papel dramático en la vida del pintor. Durante uno de los ataques, se cortó el lóbulo de la oreja y, envolviéndose en esta manta, trató de vencer el miedo que se había apoderado de él.

La imagen es un reflejo del mundo interior del artista. En el caso de Van Gogh, "Dormitorio en Arly" es la historia de su soledad y locura.

"Grito" (Edvard Munch)

El Grito es una de las pinturas más místicas del siglo XX. Encarnó la premonición de una tragedia universal que se apoderó del artista durante uno de sus paseos. Munch vio una puesta de sol sangrienta resplandeciendo en el cielo e interiormente escuchó el grito del sufrimiento de la naturaleza. Esto es lo que quería mostrar en su lienzo.

El hombre sin pelo, que se asemeja a un esqueleto en el contorno, abre la boca y cierra los oídos con horror: así es como lo golpea el aullido penetrante de la naturaleza. El sentimiento vivido por el artista y plasmado en el lienzo se volvió profético. "El Grito" se ha convertido en un símbolo del siglo XX, un siglo de violencia, guerras, crueldad, odio al hombre y tortura del medio ambiente.

Varias historias místicas están asociadas con la imagen. Entonces, todos los propietarios del "Scream" sufrieron desgracias: ruina, muerte, accidentes. Cuando la imagen llegó al museo, varios trabajadores mostraron negligencia al trabajar con ella: dejaron caer el lienzo. Después de un tiempo, uno se suicidó y el otro se quemó en un accidente automovilístico. Estas desgracias se asociaron con la acción fatal de la obra maestra.

Los científicos están seguros de que, como en el caso de Van Gogh, el lienzo es la encarnación del trastorno mental de su creador, Edvard Munch.

"Viejo pescador" ( Tivadar Kostka Chontvari )

Un farmacéutico de Hungría, habiendo visto un sueño profético, vendió la farmacia, compró todo lo necesario para dibujar y fue a aprender la habilidad de los pintores libaneses.

Al regresar a su tierra natal a principios del siglo XX, presentó una obra original: la pintura "El viejo pescador". Parecía que no tenía nada de especial: el público no sabía qué había de misterioso en este lienzo. Se trata del subtexto, que no es tan fácil de leer. Fue posible resolverlo solo después de 50 años.

Chontwari pintó cuadros extraños y un poco aterradores, por lo que no eran populares. Como resultado, murió en la pobreza y sus lienzos terminaron en el basurero. Solo unas pocas pinturas del maestro sobrevivieron y terminaron en el museo de la ciudad de Pec. Entre ellos estaba el "Viejo Pescador".

Uno de los empleados del museo pensó en usar un espejo para revelar el subtexto de la obra maestra. Resultó que si divides la imagen por la mitad con un espejo, se forman dos tramas antagonistas: la primera representa a Dios navegando en un bote en un mar en calma, y ​​la segunda representa al diablo en un mar embravecido. Esta es una metáfora de la complejidad de ser creada por un artista húngaro.

Esta es solo una pequeña parte de esas pinturas famosas que causan admiración mística y adoración. Las creaciones de Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt y Kazemir Malevich evocan deleite, horror y adoración. Se resuelven, se admiran, se necesitan años para comprender su contenido. El conocimiento de los misterios de los grandes lienzos es un paso hacia el conocimiento del hombre y del mundo.

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17:56

Existe la superstición de que pintar un retrato puede traer desgracias al modelo. En la historia de la pintura rusa, hubo varias pinturas conocidas que desarrollaron una reputación mística.

Iván el Terrible y su hijo Iván el 16 de noviembre de 1581. Ilya Repin

Ilya Repin tenía fama de "pintor fatal": muchos de aquellos cuyos retratos pintó murieron repentinamente. Entre ellos se encuentran Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, el actor italiano Mercy d'Argento y Fyodor Tyutchev.

La imagen más oscura de Repin se reconoce como "Iván el Terrible mata a su hijo". Un dato interesante: aún se desconoce si Iván IV mató a su hijo o si esta leyenda realmente fue compuesta por el enviado vaticano Antonio Possevino.

La imagen causó una impresión deprimente en los visitantes de la exposición. Se registraron casos de histeria, y en 1913 el pintor de iconos Abram Balashov abrió la pintura con un cuchillo. Más tarde fue declarado loco.

Una extraña coincidencia: el artista Myasoedov, de quien Repin pintó la imagen del rey, pronto casi mata a su hijo Iván en un ataque de ira, y el escritor Vsevolod Garshin, quien se convirtió en modelo para el zarevich Iván, se volvió loco y se suicidó.

"Retrato de M. I. Lopukhina". Vladímir Borovikovsky

Maria Lopukhina, descendiente de la familia del Conde Tolstoi, se convirtió en modelo del artista a los 18 años, poco después de su propio matrimonio. La niña increíblemente hermosa estaba sana y llena de fuerza, pero murió 5 años después. Años más tarde, el poeta Polonsky escribió "Borovikovsky salvó su belleza...".

Hubo rumores sobre la conexión de la imagen con la muerte de Lopukhina. Nació una leyenda urbana de que uno no puede mirar un retrato durante mucho tiempo: el triste destino del "modelo" sufrirá.

Algunos afirmaron que el padre de la niña, el maestro de la logia masónica, concluyó el espíritu de su hija en el retrato.

Después de 80 años, la pintura fue adquirida por Tretyakov, quien no temía la reputación del retrato. Hoy la pintura está en la colección de la Galería Tretyakov.

"Desconocido". Ivan Kramskoy

La pintura "Desconocido" (1883) despertó gran interés entre el público de Petersburgo. Pero Tretiakov se negó rotundamente a comprar un cuadro para su colección. Así, “The Stranger” inició su andadura por colecciones privadas. Pronto comenzaron a suceder cosas extrañas: el primer propietario fue abandonado por su esposa, la casa del segundo se incendió, el tercero quebró. Todas las desgracias se atribuyeron al cuadro fatal.

El propio artista no escapó a los problemas, poco después de pintar el cuadro, murieron dos hijos de Kramskoy.

Las pinturas se vendieron en el extranjero, donde continuó trayendo solo desgracias a los propietarios, hasta que el lienzo regresó a Rusia en 1925. Cuando el retrato terminó en la colección de la Galería Tretyakov, las desgracias cesaron.

"Troica". Vasili Perov

Perov no pudo encontrar una niñera para el niño central durante mucho tiempo, hasta que conoció a una mujer que viajaba por Moscú en una peregrinación con su hijo Vasya de 12 años. El artista logró persuadir a la mujer para que dejara que Vasily posara para la foto.

Unos años más tarde, Perov volvió a encontrarse con esta mujer. Resultó que un año después de la pintura, Vasenka murió y su madre acudió al artista a propósito para comprar la pintura con el último dinero.

Pero el lienzo ya fue comprado y exhibido en la Galería Tretyakov. Cuando la mujer vio la Troika, cayó de rodillas y comenzó a orar. Conmovida, la artista pintó un retrato de su hijo para la mujer.

"Demonio derrotado" Mijaíl Vrubel

El hijo de Vrubel, Savva, murió repentinamente poco después de que el artista completara el retrato del niño. La muerte de su hijo fue un duro golpe para Vrubel, por lo que se concentró en su último cuadro, Demonio derrotado.

El deseo de terminar el lienzo se convirtió en una obsesión. Vrubel continuó terminando la imagen incluso cuando se envió a la exposición.

Ignorando a los visitantes, el artista llegó a la galería, sacó los pinceles y siguió trabajando. Los familiares preocupados contactaron al médico, pero ya era demasiado tarde: la tasca de la médula espinal llevó a Vrubel a la tumba, a pesar del tratamiento.

"Sirenas". Ivan Kramskoy

Ivan Kramskoy decidió pintar un cuadro basado en la historia de N.V. Gogol "La noche de mayo o la mujer ahogada". En la primera exposición en la Asociación de los Caminantes, la pintura se colgó junto a la pastoral "Han llegado los grajos" de Alexei Savrasov. En la primera noche, la imagen "Torres" se cayó de la pared.

Pronto, Tretyakov compró ambas pinturas, "Han llegado las torres" ocupó un lugar en la oficina y se exhibieron "Sirenas" en la sala. A partir de ese momento, los sirvientes y los miembros de la casa de Tretyakov comenzaron a quejarse del canto lúgubre que salía del salón por la noche.

Además, las personas comenzaron a notar que al lado de la imagen experimentan un colapso.

El misticismo continuó hasta que la anciana niñera aconsejó sacar a las sirenas del mundo hasta el otro extremo del pasillo. Tretyakov siguió el consejo y las rarezas cesaron.

"Sobre la muerte de Alejandro III". Iván Aivazovski

Cuando el artista se enteró de la muerte del emperador Alejandro III, se sorprendió y pintó un cuadro sin ningún orden. Tal como lo concibió Aivazovsky, se suponía que la pintura simbolizaba el triunfo de la vida sobre la muerte. Pero, habiendo terminado la imagen, Aivazovsky la escondió y no se la mostró a nadie. Por primera vez, la pintura se exhibió públicamente solo después de 100 años.

La pintura está dividida en fragmentos, el lienzo representa una cruz, la Fortaleza de Pedro y Pablo y la figura de una mujer vestida de negro.

El extraño efecto es que en cierto ángulo la figura femenina se convierte en un hombre riendo. Algunos ven a Nicolás II en esta silueta, mientras que otros ven a Pakhom Andreyushkin, uno de esos terroristas que no lograron asesinar al emperador en 1887.