Clasicismo en la pintura europea, obra de Nicolas Poussin. Poussin Nicolas - biografía, hechos de la vida, fotografías, antecedentes

En la segunda mitad del siglo XVII en Francia, el clasicismo se convirtió en la dirección oficial del arte. Sin embargo, en escultura y pintura es más difícil que en arquitectura hay una influencia aún mayor del barroco. Sin embargo, el clasicismo ganó su posición.

Como ya se mencionó, el clasicismo surgió en la cima del ascenso social de la nación francesa y estado francés. La base de la teoría del clasicismo fue el racionalismo, y la antigüedad sirvió como ideal estético. Sólo lo bello y sublime, según los ideales antiguos, fueron proclamados obras de clasicismo.

El creador del movimiento del clasicismo en la pintura francesa del siglo XVII fue Nicolas Poussin. Ya en sus años de estudiante, Poussin se interesó por el arte del Renacimiento y la antigüedad. Fue a Italia para mejorar sus habilidades, tomó lecciones en Venecia y Roma, admirando involuntariamente la pintura barroca de Caravaggio.

Los temas de las pinturas de Poussin son variados: mitología, historia, Nuevo y Antiguo Testamento. Los héroes de Poussin son personas. personajes fuertes y hazañas majestuosas, un alto sentido del deber hacia la sociedad y el Estado. Sus pinturas son poéticamente sublimes; en todo reinan la medida y el orden. La coloración se basa en la consonancia de tonos fuertes y profundos. Sin embargo, las mejores obras de Poussin carecen de una fría racionalidad.

En el primer período de su creatividad escribió mucho sobre temas antiguos. La unidad del hombre y la naturaleza, una cosmovisión feliz y armoniosa son características de sus pinturas. de este periodo. Su elemento sensual se vuelve ordenado, racional, todo ha adquirido rasgos de belleza heroica y sublime.

En los años 40 se observa un punto de inflexión en su obra. Esto se debe a un traslado a París, a la corte de Luis XVIII, donde el modesto y profundo artista se sentía muy incómodo. En este momento, el tema de la muerte, la fragilidad y la inutilidad de lo terrenal irrumpe en las pinturas de Poussin. La espontaneidad lírica abandona las pinturas, y aparece cierta frialdad y abstracción.

En los últimos años de su vida, los mejores paisajes de Poussin fueron. Creó un maravilloso ciclo de pinturas "Las Estaciones", que tiene. significado simbolico y personificando períodos de la existencia humana terrenal.

Poussin tomó prestados los personajes de esta imagen del poema "Metamorfosis" del poeta romano Ovidio.
Polifemo es un cíclope, un gigante tuerto de aspecto aterrador que vivía en Sicilia, se distinguía por su mal genio y destruía todo lo que tenía a mano. No se dedicaba a la artesanía, sino que vivía de lo que le proporcionaba la naturaleza y cuidaba los rebaños. Un día se enamoró de la ninfa marina Galatea. Ella era todo lo contrario, y no sólo en apariencia. Los cíclopes en la mitología antigua personifican fuerzas destructivas y las ninfas, creativas, por lo que Polifemo no podía contar con la reciprocidad. Galatea amaba a Akidas, el hijo del dios del bosque Pan.
Domado por sus sublimes sentimientos, el gigante dejó de triturar rocas, romper árboles y hundir barcos. Sentado en una roca costera, comenzó a tocar su flauta de cien voces. Antes, la pipa hacía sonidos terribles. Ahora brotó de ella un hermoso canto, y las ninfas, encantadas por la melodía, dejaron de reírse de Polifemo, sus eternos pretendientes, los sátiros, deidades de la fertilidad con colas de caballo, cuernos y pezuñas, se calmaron; El dios del río escuchó, sentado sobre una piedra. La naturaleza misma se quedó en silencio, escuchando la música, y en ella reinaba la paz y la armonía. Ésta es la filosofía del paisaje de Poussin: el mundo parece tan maravilloso cuando el orden reemplaza al caos. (Por cierto, aunque los héroes son de mito, la naturaleza del lienzo es real, siciliana).
Mientras tanto, el cíclope, engañado en sus esperanzas, volvió a dar rienda suelta a su mal genio. Atacó a su oponente y lo aplastó con una piedra. La entristecida Galatea convirtió a su amado en un río transparente.

Una vez, mientras se encontraba en un estado de depresión, Poussin pintó una alegoría llamada "La danza de la vida humana".

El artista representó a cuatro mujeres representando placer, riqueza, pobreza y trabajo. Bailan en círculo con el acompañamiento de una lira tocada por un anciano. Este es Cronos, conocido por los romanos como Saturno. Según el mito griego, Cronos era el rey de los dioses antes que Zeus. Se predijo que su propio hijo lo derrocaría. No queriendo renunciar al poder, se le ocurrió una salida única a la situación: tan pronto como su esposa tuvo un hijo, Chronos se lo tragó. Un día su esposa lo engañó: en lugar del bebé Zeus, le dio a su marido una piedra envuelta en pañales. Zeus fue transportado en secreto a la isla de Creta, donde creció, después de lo cual derrocó a su padre y reinó en el Olimpo.

En este mito, Cronos simboliza el tiempo despiadado, absorbiendo lo que él mismo ha creado. Y Poussin lo necesitaba en la imagen para decir: el tiempo pasa, a él no le importa, y la riqueza es reemplazada por la pobreza, el placer por el trabajo.

A la izquierda en la imagen herma(pilar) con Jano de dos caras. Esta es una deidad exclusivamente romana. En su honor se nombró el mes de enero. Jano fue representado con dos caras mirando en diferentes direcciones, ya que se creía que conocía tanto el pasado como el futuro. “Así fue y será”, aparentemente pensó Poussin mientras escribía el herma.

El fondo de la danza circular es un paisaje llano y sereno. El dios del sol, Helios, cruza el cielo en un carro dorado. Hace este viaje todos los días (después de todo, el sol sale todos los días) y ve desde arriba los asuntos de los dioses y las personas, pero no interfiere en nada. Con su presencia en el lienzo, Helios pretende recordar que la naturaleza eterna es indiferente a las penas y alegrías humanas. Las líneas de Pushkin sobre este tema son notables:

Y nuevamente en la entrada de la tumba

El joven jugará con la vida.

Y naturaleza indiferente

Brilla con belleza eterna.

Aquí Poussin transmite reflexiones filosóficas sobre los temas de la muerte y la fragilidad de la existencia. La acción se desarrolla sólo en primer plano, como en relieve. Un joven y una niña encontraron accidentalmente una lápida con la inscripción "Y yo estaba en Arcadia", es decir. "Y yo era joven, guapo, feliz y despreocupado. ¡Recuerda la muerte!" Las cifras de jóvenes son similares a esculturas antiguas. Detalles cuidadosamente seleccionados, patrones en relieve, equilibrio de figuras en el espacio, incluso iluminación difusa: todo esto crea una cierta estructura sublime, ajena a todo lo vano y transitorio. La humildad estoica ante el destino y la sabia aceptación de la muerte hacen que la cosmovisión del clasicismo sea similar a la de la antigüedad.

La trama está tomada de Las Metamorfosis de Ovidio.
Sileno, educador y compañero del dios de la viticultura y la elaboración del vino, Baco, fue capturado por los campesinos y llevado ante Midas, rey de Frigia. Liberó a Sileno y Baco concedió al rey, a petición suya, la capacidad de convertir en oro todo lo que tocara. Pero cuando incluso la comida empezó a convertirse en oro, el rey se arrepintió de su codicia y suplicó clemencia.
Baco se apiadó de Midas y le ordenó que se lavara en el río Pactolus. Midas entró en el río e inmediatamente se deshizo del desafortunado regalo, y Pactolus se convirtió en aurífero.
La pintura representa el momento en que Midas arrodillado agradece a Baco por la liberación del regalo fatal. Al fondo, junto al río, se puede ver a un hombre arrodillado, aparentemente buscando oro en la arena del río.

La Confirmación es un Sacramento en el que, a través de la unción con mirra, se comunican al bautizado los poderes de la gracia de Dios para fortalecerlo en la vida espiritual.
Lo realiza un sacerdote u obispo ungiendo la frente y otras partes del cuerpo con mirra y pronunciando las palabras "Sello del don del Espíritu Santo. Amén". La Confirmación se realiza a una persona sólo una vez en la vida, generalmente después del Sacramento del Bautismo.
En la imagen, el Sacramento de la Confirmación tiene lugar en niños pequeños traídos por sus madres. Ahora el sacerdote unge la frente de un niño con mirra, y cerca una madre y una hija se preparan para el Sacramento, arrodilladas. El sacerdote convence a un niño de que no pasará nada malo, que todo estará bien. La imagen transmite un ambiente de emoción, solemnidad y un sentido de participación en un gran evento.

Meleagro es el hijo del gobernante del reino de Calidón en Etolia. Creció hasta convertirse en un joven valiente y apuesto y fue a Cólquida con los argonautas. Mientras estaba fuera, su padre se olvidó de llevar el tributo anual a Diana, y la diosa, como castigo por ello, envió un jabalí monstruoso a su reino, que devoró a la gente y devastó los campos. Al regresar de la campaña, Meleagro reunió a todos los valientes de Grecia y organizó una gran cacería, durante la cual iban a atrapar o matar un jabalí.
Muchos héroes respondieron al llamado de Meleagro, incluida la bella Atalanta. Esta princesa llevó una vida. lleno de aventura, porque cuando nació, su padre, molesto porque nacía una hija en lugar del hijo tan esperado, ordenó que la llevaran al monte Parteno y la entregaran para que la devoraran las fieras. Pero los cazadores que pasaban vieron a un oso alimentando a un bebé que no le tenía miedo en absoluto y, compadeciéndose de la niña, la llevaron a su casa y la criaron para que fuera una auténtica cazadora.
La Gran Caza de Calidón estuvo dirigida por Meleagro y Atalanta, quienes se enamoraron el uno del otro. Persiguieron valientemente a la bestia y otros cazadores galoparon tras ellos. El jabalí corrió, y luego Atalanta le infligió una herida mortal, pero, al morir, la bestia casi la mata ella misma si Meleagro no hubiera llegado a tiempo y rematado con él.

Cuando Moisés pasó cuarenta días y cuarenta noches en el monte Sinaí hablando con Dios, el pueblo de Israel se cansó de esperarlo. Necesitaban una nueva guía que les indicara el camino y les mostrara el camino hacia la Tierra Prometida. Y le pidieron a Aarón, el hermano mayor de Moisés, que creara una imagen. dios pagano para adorarlo.
Aarón recogió joyas de oro de todas las mujeres y las fundió en un becerro de oro.
Colocó un altar frente al cuerpo pulido que brillaba intensamente al sol. Todos lo miraron como si fuera un milagro. Aaron prometió arreglarlo para el día siguiente. gran celebración. Al día siguiente todos se vistieron con trajes de fiesta. Aarón hizo un holocausto sobre el altar. Después de esto, todos comenzaron a comer, beber, bailar alrededor del becerro de oro y alabar a Aarón por la aparición de un hermoso dios dorado entre ellos.
El Señor vio todo esto, se molestó mucho y ordenó a Moisés que descendiera donde el pueblo, porque estaban haciendo algo injusto. “Tu pueblo, que tú sacaste de la tierra de Egipto”, le dijo a Moisés, se ha corrompido.
Cuando Moisés vio la danza alrededor del becerro de oro, se encendió de ira, subió al altar y arrojó el becerro al fuego.
Luego separó a los que reconocen las leyes del Señor de los que no las reconocen. Los hijos de Leví mataron a los que querían servir al becerro de oro. Después de lo cual el Señor ordenó a Moisés que condujera al pueblo más lejos.

Excelente músico y cantante, Orfeo conquistó con su talento no solo a las personas, sino también a los dioses y a la naturaleza misma. Estaba casado con la bella ninfa Eurídice, a quien amaba inmensamente. Pero la felicidad no duró mucho. Eurídice fue mordida por una serpiente venenosa y Orfeo se quedó solo.
Por el dolor que le sobrevino, Orfeo cayó en una profunda depresión. Cantó canciones tristes en honor a su difunta esposa. Árboles, flores y hierbas lloraron a Eurídice con él. Desesperado, Orfeo se dirigió al reino subterráneo de los muertos del dios Hades, donde iban las almas de los muertos, para intentar rescatar de allí a su amada.
Al llegar al terrible río subterráneo Styx, Orfeo escuchó los fuertes gemidos de las almas de los muertos. El transportista Caronte, que transportaba las almas al otro lado, se negó a llevárselo con él. Entonces Orfeo acarició las cuerdas de su cítara dorada y comenzó a cantar. Caronte escuchó y, sin embargo, transportó al cantante al Hades.
Sin dejar de tocar y cantar, Orfeo se inclinó ante Dios reino subterráneo. En la canción, habló de su amor por Eurídice; la vida sin ella ha perdido su sentido.
Todo el reino de Hades se quedó paralizado, todos escucharon la triste confesión del cantante y músico. Todos quedaron conmovidos por la tristeza de Orfeo. Cuando el cantante guardó silencio, el silencio reinó en el reino del lúgubre Hades. Entonces Orfeo se volvió hacia Hades pidiéndole que le devolviera a su amada Eurídice, prometiendo regresar aquí con su esposa a la primera solicitud. Cuando llegue el momento.
Hades escuchó a Orfeo y accedió a cumplir su pedido, aunque nunca antes había hecho tal cosa. Pero al mismo tiempo puso una condición: Orfeo no debe mirar atrás y volverse hacia Eurídice durante todo el viaje, de lo contrario Eurídice desaparecerá.
La pareja de enamorados emprendió el camino de regreso. Hermes mostró el camino con una linterna. Y entonces apareció el reino de la luz. De alegría porque pronto volverían a estar juntos, Orfeo se olvidó de su promesa a Hades y miró a su alrededor. Eurídice le tendió las manos y empezó a alejarse.
Orfeo quedó petrificado de dolor. Durante mucho tiempo estuvo sentado en la orilla del río subterráneo, pero nadie acudió a él. Vivió durante tres años en profundo dolor y tristeza, y luego su alma fue al reino de los muertos a su Eurídice.

Narciso es un joven maravilloso cuyos padres predijeron que viviría hasta una edad avanzada. pero nunca veré su rostro. Narciso creció hasta convertirse en un joven de extraordinaria belleza; muchas mujeres buscaban su amor, pero él era indiferente a todas. Cuando Narciso rechazó el amor apasionado de la ninfa Eco, ella se secó de dolor y solo quedó su voz. Las mujeres rechazadas exigieron que la diosa de la justicia castigara a Narciso. Némesis escuchó sus súplicas.
Un día, al regresar de una cacería, Narciso miró hacia una fuente despejada y vio por primera vez su reflejo, y quedó tan encantado con él que se enamoró apasionadamente de él, de su reflejo. No pudo apartarse de verse a sí mismo y murió de amor propio.
Los dioses convirtieron a Narciso en una flor llamada narciso.

La pintura se basa en una trama del Antiguo Testamento. El rey Salomón se distinguió por su buen juicio, excelente memoria, amplio conocimiento y considerable paciencia. Escuchó atentamente a la gente y ayudó con sabios consejos. Consideraba que el arbitraje era su responsabilidad más importante. Y la fama de su justo juicio se extendió por toda Jerusalén.
Vivían en Jerusalén dos mujeres jóvenes, cada una con niño. Vivían juntos y dormían juntos. Un día, en un sueño, una mujer aplastó accidentalmente a su hijo y éste murió. Luego tomó al bebé vivo de manos de su vecino dormido, lo puso en su cama y le puso encima al muerto. Por la mañana, la segunda mujer vio a su lado bebe muerto y se negó a aceptarlo como uno de los suyos, viendo inmediatamente que era un extraño. Acusó a su vecina de engaño y falsificación.
Sin embargo, la otra mujer no quiso admitirlo e insistió por su cuenta, no queriendo renunciar al bebé vivo. Discutieron durante mucho tiempo y finalmente acudieron a Salomón para que los juzgara.
Salomón escuchó a cada uno. Después de eso, ordenó al criado que trajera una espada y dijo: "Mi decisión es ésta. Son ustedes dos, un niño vivo. Córtenlo por la mitad, y que cada uno se consuele con su mitad. .” Uno dijo: “Que no sea ni para mí ni para ti, córtalo”. Y el otro dijo: “Dale el niño, pero no lo cortes”.
Salomón inmediatamente se dio cuenta de quién era la madre del niño vivo y quién era el engañador. Les dijo a sus guardias: "Denle el niño a la madre que no quería que muriera. Ella verdadera madre niño",

El Templo de Jerusalén es un edificio religioso, centro de la vida religiosa del pueblo judío entre el siglo X a.C. y siglo I d.C. Era objeto de peregrinación para todos los judíos tres veces al año.
En 66 - 73 hubo un levantamiento antirromano. Mientras reprimía este levantamiento, el ejército romano liderado por Tito sitió Jerusalén. Desde el comienzo del asedio, las hostilidades se concentraron alrededor del templo.
El asedio y los combates duraron cinco meses, sin embargo, los repetidos intentos de los romanos de capturar el muro del patio del templo fueron infructuosos hasta que Tito ordenó que se prendiera fuego a las puertas del templo. El templo estaba en llamas. Los rebeldes que controlaban el templo lucharon hasta el final, cuando las llamas envolvieron el edificio. muchos de ellos se arrojaron al fuego. El templo ardió durante 10 días y luego Jerusalén quedó reducida a ruinas. El Monte del Templo, en el que se encontraba el templo, fue arado. Casi 100.000 mil habitantes fueron capturados por los romanos.

Según los relatos de los historiadores romanos, en Roma vivían principalmente hombres, porque... Las tribus vecinas no querían casar a sus hijas con novios romanos pobres. Luego Rómulo organizó unas vacaciones e invitó a los vecinos de los sabinos junto con sus familias. Durante las vacaciones, los romanos se abalanzaron repentinamente sobre los invitados desarmados y secuestraron a sus chicas.
Los vecinos indignados iniciaron una guerra. Los romanos derrotaron fácilmente a los latinos que atacaron Roma. Sin embargo, la guerra con los sabinos fue mucho más difícil. Con la ayuda de la hija del jefe de la fortaleza del Capitolio, Tarpeia, los sabinos tomaron posesión del Capitolio. La lucha continuó durante mucho tiempo.
Los sabinos, bajo el mando del rey Tito Tacio, finalmente derrotaron a los romanos y los pusieron en fuga. Rómulo apeló a los dioses y prometió construir un templo a Júpiter Estator (el Fundador) si detenía la huida. Sin embargo, la situación fue salvada por las sabinas previamente secuestradas, quienes, junto con sus hijos recién nacidos, con el pelo suelto y la ropa rota, se precipitaron entre los combatientes y comenzaron a suplicar que detuvieran la batalla.
Los sabinos estuvieron de acuerdo y los romanos también. fue concluido paz eterna, según el cual los dos pueblos se unieron en un solo estado bajo el liderazgo supremo de Tito Tacio y Rómulo. Los romanos tuvieron que llevar, además de su nombre, el nombre sabino: Quirites, la religión se volvió común.

En el centro de la imagen está la Nereida Anfitrite, la esposa de Neptuno. Está sentada sobre un toro, cuyo cuerpo termina en una cola de pez, rodeada por un gran séquito. Dos Nereidas sostienen respetuosamente el codo y el velo rosa de Anfitrite, y dos Tritones pregonan su gloria.
La figura de Neptuno está desplazada hacia el borde izquierdo de la imagen. Con una mano controla tres veloces caballos y con la otra sostiene un tridente, atributo tradicional del dios de los mares. Su mirada se dirige a la bella Anfitrite.
Aún más a la izquierda, encima de la figura de Neptuno, vemos el carro de la diosa del amor Afrodita, acompañada de cupidos y sosteniendo una antorcha encendida.
Otros cupidos bañan a los personajes principales con flores de rosas y mirto, simbolizando la atracción amorosa y el matrimonio de Neptuno y Anfitrite.
Uno de los cupidos apunta con su arco a Neptuno, y las flechas del segundo ya han alcanzado al hombre, que lleva sobre sus hombros a una bella ninfa. ¿Pero quién está representado en esta escena de secuestro? El rostro del hombre no es visible, está cubierto con su mano, por lo que podemos suponer que aquí están representados la Nereida Galatea y el cíclope Polifemo, considerado el hijo de Neptuno, enamorado de ella. Y su gesto se vuelve claro para nosotros: el cíclope era exteriormente feo y el artista evitó representar la fealdad en su cuadro.

Nicolas Poussin (19 de noviembre de 1665, Roma) es un artista francés que estuvo en los orígenes de la pintura del clasicismo. Vivió y trabajó en Roma durante mucho tiempo. Casi todas sus pinturas se basan en temas históricos y mitológicos. Maestro de la composición rítmica y martillada. Fue uno de los primeros en apreciar la monumentalidad del color local.

Nicolas Poussin nació en el pueblo de Villers, cerca de Les Andelys, en Normandía. Su padre Jean es de familia de notarios y veterano del ejército del rey Enrique IV; le dio a su hijo una buena educación. Su madre, Marie de Laisement, era viuda de un fiscal de Vernon y ya tenía dos hijas, René y Marie. No hay evidencia sobre la infancia del artista, sólo se supone que estudió con los jesuitas en Rouen, donde aprendió latín.

Fue allí, en su tierra natal, donde Poussin recibió su inicial Educación artística: en 1610 estudió con Quentin Varin (¿Quentin Varin? francés; ca. 1570-1634), en ese momento trabajaba en tres lienzos para la Iglesia de la Virgen María de Andelyse, y ahora decoraba la iglesia (Collegiale francesa Notre-Dame des Andelys ? ).

En 1612, Poussin partió hacia París, donde primero pasó varias semanas en el estudio del pintor histórico Georges Lallemant (fr. Georges Lallemant?; ca. 1575-1636), y luego, nuevamente por un corto tiempo, con el retratista. Ferdinand van Elle (fr. Ferdinand Elle?; 1580-1649).

Hacia 1614-1615, después de un viaje a Poitou, conoció en París a Alexandre Courtois, ayuda de cámara de la reina viuda María de Medici, guardián de las colecciones de arte y de la biblioteca reales, y tuvo la oportunidad de visitar el Louvre y copiar allí pinturas. . artistas italianos. Alexandre Courtois poseía una colección de grabados de pinturas de los italianos Rafael y Giulio Romano, que deleitó a Poussin. Una vez enfermo, Poussin pasó algún tiempo con sus padres antes de regresar a París.

En septiembre de 1618, Poussin vivía en la rue Saint-Germain-l'Auxerrois (¿fr. rue Saint-Germain-l "Auxerrois?) con el orfebre Jean Guillemen, quien también cenaba. Se mudó de su domicilio el 9 de junio de 1619. Hacia 1619-1620 , Poussin creó el lienzo "San Denis el Areópago" (ver Dionisio el Areopagita) para la iglesia parisina de Saint-Germain-l'Auxerrois.

En 1622, Poussin emprendió nuevamente el camino hacia Roma, pero se detuvo en Lyon para cumplir un encargo: el colegio jesuita parisino encargó a Poussin y a otros artistas pintar seis pinturas grandes Basado en escenas de las vidas de San Ignacio de Loyola y San Francisco Javier. Las pinturas realizadas con la técnica a la detrempe no han sobrevivido.

En 1623, probablemente por orden del arzobispo parisino de Gondi (francés: Jean-Francois de Gondi?; 1584-1654), Poussin representa “La muerte de la Virgen María” (La Mort de la Vierge) para el altar. Catedral de París Notre Dame. Esta pintura fue considerada Siglos XIX-XX perdido, fue encontrado en una iglesia de la ciudad belga de Sterrebeek. El caballero Marino, con quien Poussin tenía una estrecha amistad, regresó a Italia en abril de 1623.

En 1624, ya un artista bastante conocido, Poussin fue a Roma y, con la ayuda de un amigo, el Cavalier Marino, comenzó a entrar en la corte del sobrino papal, el cardenal Barberini y del consejero papal Marcello Sacchetti. Durante este período, Poussin realizó dibujos y lienzos sobre temas mitológicos. En Roma, el caballero Marino inculcó en Poussin el amor por el estudio de los poetas italianos, cuyas obras proporcionaron al artista abundante material para sus composiciones. Fue influenciado por Carracci, Domenichino, Rafael, Tiziano, Miguel Ángel, estudió tratados de Leonardo da Vinci y Alberto Durero, esbozó y midió estatuas antiguas, estudió anatomía y matemáticas, lo que se refleja en pinturas, principalmente sobre temas de la antigüedad antigua y la mitología, que proporcionaron ejemplos insuperables de composición geométricamente precisa y relaciones reflexivas entre grupos de colores.

En 1627, Poussin pintó el cuadro “La muerte de Germánico” basado en la trama del antiguo historiador romano Tácito, que se considera una obra programática del clasicismo; Muestra la despedida de los legionarios a un comandante moribundo. La muerte de un héroe se percibe como una tragedia. importancia pública. El tema se interpreta en el espíritu del heroísmo tranquilo y severo de la narrativa antigua. La idea del cuadro es el servicio al deber. El artista dispuso figuras y objetos en un espacio poco profundo, dividiéndolo en varios planos. Esta obra reveló las principales características del clasicismo: claridad de acción, arquitectura, armonía de composición, oposición de grupos. El ideal de belleza a los ojos de Poussin consistía en la proporcionalidad de las partes del todo, en el orden exterior, la armonía, la claridad de la composición, que se convertiría en rasgos característicos estilo maduro del maestro. Una de las características método creativo Poussin tenía un racionalismo que se reflejaba no sólo en las tramas, sino también en la consideración de la composición. En esta época Poussin crea pinturas de caballete principalmente de tamaño mediano, pero con un alto sonido cívico, que sentó las bases del clasicismo en pintura europea, composiciones poéticas sobre temas literarios y mitológicos, marcadas por una estructura sublime de imágenes, emotividad de coloración intensa y suavemente armonizada “La inspiración de un poeta”, (París, Louvre), “Parnassus”, 1630-1635 (Prado, Madrid) . El claro ritmo compositivo dominante en las obras de Poussin de la década de 1630 se percibe como un reflejo del principio racional que da grandeza a las nobles obras del hombre: "La salvación de Moisés" (Louvre, París), "Moisés purificando las aguas de Mara". , “Madonna apareciéndose a St. A Santiago el Viejo" (“Madonna sobre una columna”) (1629, París, Louvre).

En 1628-1629, el pintor trabajó en el templo principal. Iglesia Católica- Catedral de San Pedro; recibió el encargo de pintar “El tormento de San Pedro”. Erasmo" para el altar de la capilla catedralicia con el relicario del santo.

En 1629-1630, Poussin creó el Descendimiento de la Cruz, notable por su poder de expresión y el más vitalmente veraz (San Petersburgo, Hermitage).

En el período 1629-1633, los temas de las pinturas de Poussin cambiaron: pintó con menos frecuencia cuadros sobre temas religiosos, recurriendo a temas mitológicos y literarios: "Narciso y Eco" (c. 1629, París, Louvre), "Selene y Endymion" (Detroit, Instituto de Arte); y un ciclo de pinturas basado en el poema “Jerusalén liberada” de Torquatto Tasso: “Rinaldo y Armida”, 1625-1627, (Museo Pushkin, Moscú); "Tancred y Erminia", década de 1630, ( Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo).

A Poussin le interesaban las enseñanzas de los antiguos filósofos estoicos, que pedían valentía y preservación de la dignidad ante la muerte. Las reflexiones sobre la muerte ocuparon un lugar importante en su obra. La idea de la fragilidad del hombre y el problema de la vida y la muerte formaron la base de una primera versión del cuadro "Los pastores arcadianos", alrededor de 1629-1630, (colección del duque de Devonshire, Chatsworth), a la que Regresó en los años 50 (1650, París, Louvre). Según la trama de la imagen, los habitantes de Arcadia, donde reinan la alegría y la paz, descubren una lápida con la inscripción: "Y yo estoy en Arcadia". Es la Muerte misma la que se vuelve hacia los héroes y destruye su serenidad, obligándolos a pensar en el inevitable sufrimiento futuro. Una de las mujeres pone su mano sobre el hombro de su vecino, como si intentara ayudarlo a aceptar la idea de un final inevitable. Sin embargo, a pesar del contenido trágico, el artista habla con calma del choque entre la vida y la muerte. La composición de la imagen es simple y lógica: los personajes están agrupados cerca de la lápida y están conectados mediante movimientos de las manos. Las figuras están pintadas con claroscuros suaves y expresivos, que recuerdan un poco a esculturas antiguas. En las pinturas de Poussin predominaban los temas antiguos. el represento Antigua Grecia como un mundo idealmente hermoso habitado por personas sabias y perfectas. Incluso en episodios dramáticos historia antigua trató de ver el triunfo del amor y de la justicia suprema. En el lienzo “Venus durmiente” (c. 1630, Dresde, Pinacoteca), la diosa del amor está representada como una mujer terrenal, sin dejar de ser un ideal inalcanzable. Uno de mejores trabajos sobre un tema antiguo “El Reino de la Flora” (1631, Dresde, Pinacoteca), escrito a partir de los poemas de Ovidio, sorprende por la belleza de la encarnación pintoresca de imágenes antiguas. Se trata de una alegoría poética del origen de las flores, donde se representan los héroes. mitos antiguos, convertidos en flores. En la pintura, el artista recopiló personajes de la épica "Metamorfosis" de Ovidio, que después de la muerte se convirtieron en flores (Narciso, Jacinto y otros). Flora danzante está en el centro, y el resto de las figuras están dispuestas en círculo, sus poses y gestos están subordinados a un solo ritmo, gracias a esto, toda la composición está impregnada. en un movimiento circular. El paisaje, de color suave y humor amable, está pintado de forma bastante convencional y se parece más a escenografía teatral. La conexión entre pintura y arte teatral era natural para artista XVII Siglos: siglos del apogeo del teatro. La imagen revela una idea importante para el maestro: los héroes que sufrieron y murieron prematuramente en la tierra encontraron paz y alegría en jardín mágico Flora, es decir, renacida de la muerte. nueva vida, el ciclo de la naturaleza. Pronto se pintó otra versión de este cuadro: "El triunfo de la flora" (1631, París, Louvre).

El nuevo superintendente de los edificios reales de Francia, Francois Sublet de Noyers?; 1589-1645; en el cargo 1638-1645), se rodea de especialistas como Paul Freart de Chantelou?; 1609-1694 ) y Roland Freart de Chambray (francés : Roland Freart de Chambray?; 1606-1676), quienes tienen la tarea de facilitar por todos los medios posibles el regreso de Nicolas Poussin de Italia a París. Para Fleard de Chantloup, el artista pintó el cuadro “Maná del cielo”, que el rey adquiriría más tarde (1661) para su colección.

Unos meses más tarde, Poussin aceptó la propuesta real - "nolens volens" y llegó a París en diciembre de 1940. Poussin recibió el estatus de primero. artista real y, en consecuencia, la dirección general de la construcción de los edificios reales, para gran disgusto del pintor de la corte Simon Vouet.

Inmediatamente después del regreso de Poussin a París en diciembre de 1940, Luis XIII le encargó que pintara una representación a gran escala de la "Eucaristía" (L'Institution de l'Eucharistie) para el altar de la capilla real del Palacio de Saint-Germain. Al mismo tiempo, en el verano de 1641, Poussin dibujó el frontispicio de la publicación "Biblia Sacra", donde representa a Dios eclipsando a dos figuras: a la izquierda, un ángel femenino que escribe en un enorme folio, mirando a alguien invisible, y a la derecha, una figura completamente velada (excepto los dedos de los pies) con una pequeña esfinge egipcia en las manos.

Llega un encargo de François Sublet de Noye para el cuadro “El milagro de San Pedro”. Francis Xavier" (Le Miracle de saint Francois-Xavier) para las instalaciones del noviciado del colegio de los jesuitas. El Cristo de esta imagen fue criticado por Simon Vouet, quien dijo que Jesús “parecía más un Júpiter atronador que un Dios misericordioso”.

El normativismo fríamente racional de Poussin obtuvo la aprobación de la corte de Versalles y fue continuado por artistas de la corte como Charles Le Brun, quien vio en la pintura clasicista el lenguaje artístico ideal para alabar al estado absolutista. Luis XIV. Fue en esta época cuando Poussin pintó su famoso cuadro “La generosidad de Escipión” (1640, Moscú, Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes). La pintura pertenece al período de madurez de la obra del maestro, donde se expresan claramente los principios del clasicismo. Responden a una composición estricta y clara y al contenido mismo, que glorifica la victoria del deber sobre el sentimiento personal. La trama está tomada del historiador romano Tito Livio. El comandante Escipión el Viejo, que se hizo famoso durante las guerras entre Roma y Cartago, devuelve al comandante enemigo Allucio a su esposa Lucrecia, capturada por Escipión durante la toma de la ciudad, junto con el botín militar.

En París, Poussin tenía muchos encargos, pero formó un partido de oponentes en las personas de los artistas Vouet, Brequier y Philippe Mercier, que habían trabajado anteriormente en la decoración del Louvre. La escuela Vouet, que gozaba del patrocinio de la reina, resultaba especialmente intrigante contra él.

En septiembre de 1642, Poussin abandonó París, alejándose de las intrigas de la corte real, con la promesa de regresar. Pero la muerte del cardenal Richelieu (4 de diciembre de 1642) y la posterior muerte de Luis XIII (14 de mayo de 1643) permitieron al pintor permanecer en Roma para siempre.

En 1642, Poussin regresó a Roma, con sus mecenas: el cardenal Francesco Barberini y el académico Cassiano dal Pozzo, y vivió allí hasta su muerte. A partir de ahora, el artista trabaja únicamente con formatos de tamaño medio, encargados por grandes amantes de la pintura: Dal Pozzo, Chantelou, Jean Pointel o Serizier. La década de 1640 - principios de la de 1650 - uno de los períodos fructíferos en la obra de Poussin: pintó los cuadros "Eliazar y Rebeca", "Paisaje con Diógenes", "Paisaje con un camino real", "El juicio de Salomón", "Pastores arcadios". , el segundo autorretrato. Los temas de sus pinturas de este período fueron las virtudes y el valor de gobernantes, héroes bíblicos o antiguos. En sus lienzos mostró héroes perfectos, fieles al deber cívico, desinteresados, generosos, al tiempo que demostraba el ideal universal absoluto de ciudadanía, patriotismo y grandeza espiritual. Creando imagenes ideales Basándose en la realidad, corrigió conscientemente la naturaleza, aceptando de ella lo bello y descartando lo feo.

Hacia 1644, pintó el lienzo “El niño Moisés pisoteando la corona del faraón” (Moise enfant foulant aux pieds la couronne de Pharaon), el primero de los 23 destinados a su amigo y filántropo parisino Jean Pointel. El Moisés bíblico ocupa un lugar importante en la obra del pintor. Para el bibliófilo, Jacques-Auguste II de Thou (1609-1677) trabajó en “La Crucifixión” (La Crucifixion), admitiendo en correspondencia la dificultad de este trabajo, que lo llevó a un estado doloroso.

EN Último periodo creatividad (1650-1665) Poussin recurrió cada vez más al paisaje, sus héroes se asociaron con la literatura, historias mitologicas: “Paisaje con Polifemo” (Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin). Pero sus cifras héroes míticos Pequeño y casi invisible entre las enormes montañas, nubes y árboles. Los personajes de la mitología antigua aparecen aquí como símbolo de la espiritualidad del mundo. La composición del paisaje expresa la misma idea: simple, lógica y ordenada. En las pinturas, los planos espaciales están claramente separados: el primer plano es una llanura, el segundo son árboles gigantes, el tercero son montañas, el cielo o la superficie del mar. La división en planos también se acentuó por el color. Así surgió un sistema, más tarde llamado “paisaje tricolor”: en la pintura del primer plano predominan los colores amarillo y marrón, en el segundo plano los colores cálidos y verdes, en el tercero los colores fríos y, sobre todo, el azul. . Pero el artista estaba convencido de que el color es sólo un medio para crear volumen y espacio profundo; no debe distraer la atención del espectador del dibujo fiel a la joyería y de la composición armoniosamente organizada. Como resultado, nació la imagen de un mundo ideal, organizado según las leyes más elevadas de la razón. Desde la década de 1650, el patetismo ético y filosófico se ha intensificado en la obra de Poussin. Refiriéndose a las tramas de la historia antigua, comparando los personajes bíblicos y evangélicos con los héroes de la antigüedad clásica, el artista logró la plenitud del sonido figurativo y una clara armonía del conjunto (“Descanso en la huida a Egipto”, 1658, Hermitage, San Petersburgo ).

En el período 1660-1664, creó una serie de paisajes "Las cuatro estaciones" con escenas bíblicas que simbolizan la historia del mundo y de la humanidad: "Primavera", "Verano", "Otoño" e "Invierno". Los paisajes de Poussin son multifacéticos, la alternancia de planos se acentuó con franjas de luces y sombras, la ilusión de espacio y profundidad les dio poder y grandeza épicos. Como en pinturas históricas, los personajes principales suelen situarse en primer plano y se perciben como parte inseparable del paisaje. Habiendo estudiado los paisajes de la escuela de pintura boloñesa y los que viven en Italia. pintores holandeses, Poussin creó el llamado “paisaje heroico”, que, compuesto de acuerdo con las reglas de una distribución equilibrada de las masas, con sus formas agradables y majestuosas, le sirvió de escenario para representar una idílica edad de oro. Los paisajes de Poussin están imbuidos de un estado de ánimo serio y melancólico. En la representación de figuras, se adhirió a las antigüedades, a través de las cuales determinó el camino que le seguía. escuela francesa cuadro. Como pintor de historia, Poussin tenía un profundo conocimiento del dibujo y un don para la composición. En el dibujo se distingue por una estricta coherencia de estilo y corrección.

En octubre de 1664 murió la esposa de Poussin, Anne-Marie: fue enterrada el 16 de octubre en la basílica romana de San Lorenzo en Lucina. El último cuadro inacabado del maestro es “Apolo y Dafne” (1664; adquirido por el Louvre en 1869). El 21 de septiembre de 1665, Nicolas Poussin redacta un testamento para enterrarlo modestamente, sin honores, junto a su esposa. La muerte se produjo el 19 de noviembre.

Nicolás Poussin(Nicolas Poussin) es un gran artista francés, conocido como un maestro de la pintura de estilo. Pintó cuadros de géneros históricos y mitológicos. Nicolas Poussin nació en 1594 en la ciudad de Les Andelys en Normandía. Empecé a interesarme por la pintura en mi juventud. Recibió su formación artística inicial en Normandía. Después de cumplir 18 años, se fue a París, donde continuó estudiando el arte de la pintura. Aquí sus maestros fueron artistas como Ferdinand Van Elle, Keten Varen, Georges Lallemand. Visitó con frecuencia el Louvre, donde copió pinturas. artistas famosos, adoptó el estilo de escritura, estudió las sutilezas y secretos de la pintura.

El arte de Nicolas Poussin se divide en el primer y segundo período parisino, y el primer y segundo período italiano. La primera etapa parisina del artista duró de 1612 a 1623. Este es el período de estudio y formación del artista. Las únicas obras que se conservan de este período de Poussin son los dibujos a pluma y pincel del poema de Marino.

De 1623 a 1640 comienza el primer período italiano o primer romano. Habiendo ido a Italia en 1623, permaneció aquí por el resto de su vida, regresando a París sólo dos años por orden del rey de Francia. Segundo período parisino 1640-1642 Terminó tan rápidamente porque muchos artistas locales, así como cortesanos, se opusieron a su pintura, que era tan diferente de la aceptada en Francia. Como resultado de la hostilidad hacia sí mismo, se vio obligado a regresar a Italia. El segundo período italiano (1643-1665) es la última parte de la vida del artista.

El gran artista, que hizo una valiosa contribución al desarrollo del clasicismo, murió el 19 de noviembre de 1665. Actualmente, sus pinturas se encuentran en los museos más grandes del mundo, incluido el Louvre de París, Moscú. Museo Estatal Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin y el Hermitage de San Petersburgo.

Auto retrato

La inspiración del poeta

La generosidad de Escipión

Venus le muestra a Eneas un arma.

Marcus Furius Camillus libera a los niños de Faleria con su maestro que los traicionó

Midas y Baco

Narciso y Eco

Pastores de Arcadia

Adoración del Becerro de Oro

El rapto de las sabinas

Normando de nacimiento, Nicolas Poussin (1594-1665) nació en Les Andelys, una pequeña ciudad a orillas del Sena. El joven Poussin recibió una buena educación y la oportunidad de estudiar las etapas iniciales del arte del artista. Aprendió más sobre los secretos de la artesanía después de mudarse a París, donde estudió con maestros.

El retratista Ferdinand Van Elle se convirtió en el primer mentor del joven pintor, y más tarde Poussin estudió con el maestro que pintaba iglesias, Quentin Varenne, y con el artista de la corte Georges Lallemand, que se adhirió al estilo relativamente nuevo del manierismo en ese momento. Copiar cuadros de reconocidos maestros de la pintura también le ayudó a “mejorar”; podía hacerlo libremente en el Louvre.

El primer período de creatividad en Italia.

En 1624, el nombre de Poussin ya era conocido entre los conocedores de la pintura, y él mismo estaba cada vez más fascinado por las obras de los maestros italianos. Poussin decidió que había aprendido todo lo que podía de sus mentores franceses y se mudó a Roma. Además pintura italiana Poussin también valoraba mucho la poesía, en gran parte debido a su relación con Giambattista Marino, representante de la poesía galante. Se hicieron amigos en París y Nikola ilustró el poema "Adonis" de su amigo. Desde el primer período parisino de la obra del artista, hasta el día de hoy sólo han sobrevivido ilustraciones.

Poussin estudió matemáticas y anatomía, las esculturas de la antigüedad le sirvieron de modelo para sus bocetos y trabajos científicos Durero y da Vinci ayudaron a comprender cómo funcionan las proporciones. cuerpo humano debe ser transferido a Artes visuales. Adquirió conocimientos teóricos en geometría, óptica y leyes de la perspectiva.

Carracci, Tiziano, Rafael y Miguel Ángel: las obras de estos maestros impresionaron profundamente al pintor francés. Los primeros años de su vida en Roma fueron una época de búsqueda de un estilo propio, y su obra se caracterizó entonces por ángulos agudos, tonos oscuros y abundancia de sombras. Más tarde él Estilo de Arte Cambió, la combinación de colores se volvió más cálida y los elementos de las pinturas quedaron subordinados a un solo centro. El tema de la creatividad de esa época eran las historias y acciones heroicas de la mitología antigua.

Por encargo de uno de los mecenas romanos de Poussin, Cassiano del Pozzo, el artista creó una serie de pinturas llamadas "Los siete sacramentos", y "La destrucción de Jerusalén" y "El rapto de las sabinas" le dieron una fama más amplia. Añadió tendencias modernas a los temas mitológicos de sus pinturas, simplificando la composición y trasladando la acción al primer plano de la imagen. Poussin buscó lograr la naturalidad de las posiciones. caracteres y dar un significado claro a sus gestos y expresiones faciales. La armonía y la unidad con la naturaleza, características de los mitos antiguos, inspiraron al artista; esto se puede ver en las pinturas "Venus y las sátiras", "Diana y Endimión", "La educación de Júpiter".

Las "Metamorfosis" de Ovidio sirvieron de base para "El Reino de la Flora", la imagen se convirtió en una especie de himno al renacimiento y la renovación primaveral de la naturaleza. Comprado previamente conocimientos teóricos le permitió seguir estrictamente las leyes de composición aceptadas, y los colores cálidos y claros hicieron que las pinturas estuvieran verdaderamente vivas ("Tancred y Erminia", "Venus y los pastores"). Las imágenes recibieron mayor precisión mediante una preparación preliminar: hizo modelos de figuras de cera y, antes de comenzar a trabajar en la pintura, experimentó con el juego de luces y la posición de estas figuras.

Intrigas parisinas y regreso a Roma

Los años más exitosos en la carrera de Poussin fueron los que pasó trabajando en la decoración de la Galería del Louvre por invitación del cardenal Richelieu (segunda mitad de los años 30). Habiendo recibido el título de primer pintor real, trabajó tanto en la galería como en muchos otros encargos. Tal éxito no aumentó su popularidad entre sus colegas pintores, y aquellos que también solicitaron trabajo en el Louvre quedaron especialmente insatisfechos.

Las intrigas de los malvados obligaron al artista a abandonar París y en 1642 trasladarse nuevamente a Roma. Durante este período de creatividad (hasta los años 50), la Biblia y el Evangelio se convirtieron en la fuente de temas para las pinturas de Poussin. si en obras tempranas Reinaba la armonía natural, ahora los héroes de las pinturas son personajes bíblicos y mitológicos que han vencido sus pasiones y poseían fuerza de voluntad (Coriolano, Diógenes). La pintura icónica de ese período es "Los pastores arcadianos", que habla compositivamente de la inevitabilidad de la muerte y la aceptación pacífica de esta conciencia. Esta pintura se convirtió en un ejemplo de clasicismo; el estilo del artista adquirió un carácter más sobrio, no tan emocionalmente lírico como en las obras del primer período romano. El contraste de varios colores se volvió predominante en la combinación de colores.

El artista no tuvo tiempo de completar su última obra, "Apolo y Dafne", pero fue en sus pinturas donde se formó el clasicismo francés.

Nicolas Poussin (francés Nicolas Poussin; en Italia se llamaba Niccolo Pussino (italiano Niccolò Pussino); 1594, Les Andelys, Normandía - 19 de noviembre de 1665, Roma) - artista francés, uno de los fundadores de la pintura clasicista. Pasó una parte importante de su activa vida creativa en Roma, donde permaneció desde 1624 y contó con el patrocinio del cardenal Francesco Barberini. Habiendo atraído la atención del rey Luis XIII y del cardenal Richelieu, recibió el título de primer pintor del rey. En 1640 llegó a París, pero no pudo adaptarse a la situación de la corte real y experimentó una serie de conflictos con los principales. artistas franceses. En 1642, Poussin regresó a Italia, donde vivió hasta su muerte, cumpliendo órdenes de la corte real francesa y de un pequeño grupo de coleccionistas ilustrados. Murió y fue enterrado en Roma.

El catálogo de Jacques Thuillier de 1994 identifica 224 pinturas de Poussin cuya atribución está fuera de toda duda, así como 33 obras cuya autoría puede ser discutida. Las pinturas del artista se basan en historias históricas, mitológicas y historias bíblicas, están marcados por un estricto racionalismo en la composición y elección de los medios artísticos. El paisaje se convirtió para él en un importante medio de expresión. Poussin, uno de los primeros artistas, apreció la monumentalidad del color local y fundamentó teóricamente la superioridad de la línea sobre el color. Después de su muerte, sus declaraciones se convirtieron bases teóricas academicismo y actividades de la Real Academia de Pintura. Su manera creativa cuidadosamente estudiado por Jacques-Louis David y Jean Auguste Dominique Ingres.
A lo largo de los siglos XIX y XX, las valoraciones sobre la cosmovisión de Poussin y las interpretaciones de su obra cambiaron radicalmente.

La fuente principal más importante de la biografía de Nicolas Poussin es la correspondencia conservada: un total de 162 mensajes. 25 de ellos, escritos en italiano, fueron enviados desde París a Cassiano dal Pozzo -mecenas romano del artista- y datados del 1 de enero de 1641 al 18 de septiembre de 1642. Casi toda la demás correspondencia, desde 1639 hasta la muerte del artista en 1665, es un monumento a su amistad con Paul Fréart de Chanteloup, consejero de la corte y jefe de camareros real. Estas cartas están escritas en francés y no pretenden ser altas. estilo literario, siendo una fuente importante de las actividades diarias de Poussin. La correspondencia con Dal Pozzo fue publicada por primera vez en 1754 por Giovanni Bottari, pero en una forma ligeramente revisada. Las cartas originales se conservan en francés. Biblioteca Nacional. La edición de las cartas del artista, publicada por Didot en 1824, fue calificada de “falsificada” por el biógrafo de Poussin, Paul Desjardins.

Las primeras biografías de Poussin fueron publicadas por su amigo romano Giovanni Pietro Bellori, que sirvió como bibliotecario de la reina Cristina de Suecia, y por André Felibien, que conoció al artista en Roma, mientras se desempeñaba como secretario de la embajada francesa (1647), y luego como historiógrafo real. El libro de Bellori Vite de "Pittori, Scaltori ed Architetti moderni estuvo dedicado a Colbert y se publicó en 1672. La biografía de Poussin contiene breves notas manuscritas sobre la naturaleza de su arte, que se conservaron manuscritas en la biblioteca del cardenal Massimi. Sólo en el medio del siglo XX quedó claro que las “Notas sobre la pintura”, es decir, los llamados “modos” de Poussin, no son más que extractos de los tratados antiguos y renacentistas Vita di Pussino del libro de Bellori, publicado en francés. sólo en 1903.

El libro de Felibien Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excelents peintres anciens et modernes se publicó en 1685. Contiene 136 páginas en cuarto dedicadas a Poussin. Según P. Desjardins, se trata de una “auténtica hagiografía”. El valor de esta obra estuvo dado por las cinco largas cartas publicadas en su composición, incluida una dirigida al propio Felibien. Esta biografía de Poussin también es valiosa porque contiene los recuerdos personales de Felibien sobre su apariencia, modales y hábitos cotidianos. Felibien esbozó la cronología de la obra de Poussin, basándose en los relatos de su cuñado, Jean Duguay. Sin embargo, tanto Bellori como Felibien fueron apologistas del clasicismo académico. Además, el italiano intentó demostrar la influencia de la escuela académica italiana en Poussin.

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