Enciclopedia escolar. Edgar Degas - Bailarines azules

El impresionismo es un movimiento artístico que surge en la década de los 70. siglo XIX en pintura francesa, y luego se manifiesta en la música, la literatura, el teatro.

El impresionismo en la pintura comenzó a tomar forma mucho antes de la famosa exposición de 1874. Edouard Manet es tradicionalmente considerado el fundador de los impresionistas. Se inspiró mucho en las obras clásicas de Tiziano, Rembrandt, Rubens, Velázquez. Manet expresó su visión de las imágenes en sus lienzos, agregando trazos “vibrantes” que creaban el efecto de lo incompleto. En 1863, Manet creó "Olympia", que provocó gran escándalo en una sociedad cultural.

A primera vista, la imagen está hecha de acuerdo con los cánones tradicionales, pero al mismo tiempo ya tenía tendencias innovadoras. Se escribieron alrededor de 87 reseñas sobre Olympia en varias publicaciones parisinas. Muchas críticas negativas cayeron sobre ella: la artista fue acusada de vulgaridad. Y solo unos pocos artículos podrían llamarse benévolos.

Manet en su trabajo utilizó la técnica de superponer una sola capa de pintura, lo que creó el efecto de manchas. Posteriormente, los artistas impresionistas adoptaron este método de superposición de pinturas como base para las imágenes en las pinturas.

Una característica distintiva del impresionismo fue la fijación más sutil de las impresiones fugaces, de una manera especial de reproducir el ambiente claro con la ayuda de un mosaico complejo de colores puros, trazos decorativos superficiales.

Es curioso que al comienzo de su búsqueda, los artistas usaron un cianómetro, un instrumento para determinar el azul del cielo. El color negro se excluyó de la paleta, se reemplazó por otros tonos de color, lo que permitió no estropear el ambiente soleado de las pinturas.

Los impresionistas se centraron en los últimos descubrimientos científicos de su época. La teoría del color de Chevrel y Helmholtz se reduce a lo siguiente: un rayo de sol se divide en sus colores constituyentes y, en consecuencia, dos pinturas colocadas en el lienzo mejoran el efecto pictórico, y cuando las pinturas se mezclan, pierden su intensidad.

La estética del impresionismo tomó forma, en parte, como un intento de liberarse decididamente de las convenciones del clasicismo en el arte, así como del persistente simbolismo y la reflexión de la pintura tardorromántica, que invitaba a todos a ver ideas encriptadas que requerían una cuidadosa interpretación. . El impresionismo reivindicó no solo la belleza de la realidad cotidiana, sino la fijación de una atmósfera colorida, sin detallar ni interpretar, representando el mundo como un fenómeno óptico en constante cambio.

Los artistas impresionistas desarrollaron un sistema plein air completo. Los precursores de este características estilísticas fueron paisajistas provenientes de la escuela de Barbizon, cuyos principales representantes fueron Camille Corot y John Constable.

Trabajar en espacios abiertos dio mas oportunidad capturar los más mínimos cambios de color en diferente tiempo días.

Claude Monet creó varias series de pinturas sobre el mismo tema, por ejemplo, la Catedral de Rouen (una serie de 50 pinturas), Pajares (una serie de 15 pinturas), Estanque con nenúfares, etc. El indicador principal de estas series fue un cambio de luz y colores en la imagen de un mismo objeto, escrito en diferentes momentos del día.

Otro logro del impresionismo es el desarrollo de un sistema de pintura original, donde los tonos complejos se descomponen en colores puros transmitidos por trazos separados. Los artistas no mezclaron colores en la paleta, sino que prefirieron aplicar trazos directamente sobre el lienzo. Esta técnica dotó a las pinturas de un especial temor, variabilidad y relieve. Las obras de los artistas se llenaron de color y luz.

La exposición del 15 de abril de 1874 en París fue el resultado del período de formación y presentación al público en general de una nueva tendencia. La exposición se desplegó en el estudio del fotógrafo Félix Nadar en el Boulevard des Capucines.

El nombre "Impresionismo" surgió después de la exposición, que presentaba la pintura de Monet "Impresión. Amanecer". El crítico L. Leroy, en su reseña en Sharivari, hizo una descripción lúdica de la exposición de 1874, citando la obra de Monet como ejemplo. Otro crítico, Maurice Denis, reprochó a los impresionistas su falta de individualidad, sentimiento y poesía.

Cerca de 30 artistas mostraron sus obras en la primera exposición. Este fue el mayor número en comparación con las exposiciones posteriores hasta 1886.

Es imposible no decir acerca de los comentarios positivos de la sociedad rusa. Artistas rusos y críticos democráticos, siempre muy interesados ​​en vida artistica Francia - I. V. Kramskoy, I. E. Repin y V. V. Stasov - apreciaron mucho los logros de los impresionistas desde la primera exposición.

La nueva etapa en la historia del arte, que comenzó con la exposición de 1874, no fue una repentina explosión de tendencias revolucionarias, sino la culminación de un desarrollo lento y constante.

A pesar de que todos los grandes maestros del pasado han contribuido al desarrollo de los principios del impresionismo, las raíces inmediatas del actual se encuentran más fácilmente en los veinte años que precedieron a la exposición histórica.

Paralelamente a las exposiciones en el Salón, cobraban impulso las exposiciones de los impresionistas. Sus obras demostraron nuevas tendencias en la pintura. Esto fue un reproche a la cultura del salón y las tradiciones de exhibición. En el futuro, los artistas impresionistas lograron atraer a su lado a los admiradores de las nuevas tendencias en el arte.

El conocimiento teórico y las formulaciones del impresionismo comenzaron a tomar forma bastante tarde. Los artistas prefirieron más práctica y sus propios experimentos con la luz y el color. El impresionismo, principalmente pictórico, rastrea el legado del realismo, expresa claramente la orientación e instalación antiacadémica, antisalón de la imagen de la realidad circundante de la época. Algunos investigadores señalan que el impresionismo se ha convertido en una rama especial del realismo.

Indudablemente, en el arte impresionista, como en todo movimiento artístico que surge durante el período de punto de inflexión y crisis de las viejas tradiciones, se entrelazaron diversas y hasta contradictorias tendencias, con toda su integridad exterior.

Las principales características estaban en la temática de las obras de los artistas, en los medios expresividad artistica. El libro de Irina Vladimirova sobre los impresionistas incluye varios capítulos: "Paisaje, naturaleza, impresiones", "Ciudad, lugares de encuentros y despedidas", "Aficiones como forma de vida", "Personas y personajes", "Retratos y autorretratos". , "Naturaleza muerta". También describe la historia de la creación y la ubicación de cada obra.

Durante el apogeo del impresionismo, los artistas encontraron un equilibrio armonioso entre la realidad objetiva y su percepción. Los artistas intentaron capturar cada rayo de luz, el movimiento de la brisa, la variabilidad de la naturaleza. Para preservar la frescura de las pinturas, los impresionistas crearon un sistema pictórico original, que luego resultó ser muy importante para el desarrollo del arte en el futuro. A pesar de las tendencias generales en pintura, cada artista ha encontrado su propio camino creativo y los principales géneros en pintura.

El impresionismo clásico está representado por artistas como Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Considere la contribución de algunos artistas a la formación del impresionismo.

Eduardo Manet (1832-1883)

Manet recibió sus primeras lecciones de pintura de T. Couture, gracias a este futuro artista adquirido muchas de las habilidades profesionales necesarias. Debido a la falta de atención adecuada del maestro a sus alumnos, Manet abandona el taller del maestro y se dedica a la autoeducación. Visita exposiciones en museos, en su formación creativa los viejos maestros, especialmente los españoles, tuvieron una gran influencia.

En la década de 1860, Manet escribió dos obras que muestran los principios básicos de su estilo artístico. Lola de Valencia (1862) y El flautista (1866) muestran a Manet como un artista que revela el carácter de la modelo a través de la interpretación del color.

Sus ideas sobre la técnica de la pincelada y la actitud hacia el color fueron adoptadas por otros pintores impresionistas. En la década de 1870, Manet se acercó a sus seguidores y trabajó al aire libre sin negro en la paleta. El advenimiento del impresionismo fue el resultado de la evolución creativa del propio Manet. Las pinturas más impresionistas de Manet son En un barco (1874) y Claude Monet en un barco (1874).

Manet también pintó muchos retratos de varios damas seculares, actrices, modelos, mujeres hermosas. En cada retrato, se transmitió la singularidad e individualidad del modelo.

Poco antes de su muerte, Manet escribe una de sus obras maestras: "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Esta imagen combina varios géneros a la vez: retrato, naturaleza muerta, escena doméstica.

N. N. Kalitina escribe: “La magia del arte de Manet es tal que la niña resiste el entorno, gracias al cual su estado de ánimo se revela tan claramente, y al mismo tiempo es una parte, porque todo el fondo, vagamente adivinado, indefinido, agitado, también se resuelve en tonos azul-negro, azul-blanco, amarillo.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet fue el líder indiscutible y fundador del impresionismo clásico. El género principal de su pintura fue el paisaje.

En su juventud, Monet era aficionado a la caricatura y la caricatura. Los primeros modelos de su obra fueron sus maestros, compañeros. Como muestra, utilizó caricaturas en periódicos y revistas. Copió los dibujos en Golois de E. Karzh, poeta y caricaturista, amigo de Gustave Coubret.

En la universidad, Monet fue instruido por Jacques-Francois Hauchard. Pero es justo señalar la influencia sobre Monet de Boudin, que apoyó al artista, le dio consejos, le motivó a continuar con su obra.

En noviembre de 1862 en París, Monet continúa sus estudios en París con Gleyre. Gracias a esto, Monet conoció a Basil, Renoir, Sisley en su estudio. Los jóvenes artistas se preparaban para ingresar a la Escuela de Bellas Artes, respetando a su maestro, quien tomaba poco por sus lecciones y daba suaves consejos.

Monet creó sus pinturas no como una historia, no como una ilustración de una idea o tema. Su pintura, como la vida, no tenía objetivos claros. Vio el mundo sin centrarse en los detalles, en algunos principios, pasó a la "visión del paisaje" (el término del historiador del arte A. A. Fedorov-Davydov). Monet luchó por la ausencia de trama, una fusión de géneros en el lienzo. Los medios para implementar sus innovaciones fueron bocetos, que se suponía que se convertirían en pinturas terminadas. Todos los bocetos fueron extraídos de la naturaleza.

Pintó praderas y colinas y flores y rocas y jardines y calles de pueblos y el mar, playas y mucho más, recurrió a la imagen de la naturaleza en diferentes momentos del día. A menudo pintaba el mismo lugar en diferentes momentos, creando así ciclos completos a partir de sus obras. El principio de su trabajo no era la imagen de los objetos en la imagen, sino la transmisión exacta de la luz.

Aquí hay algunos ejemplos de las obras del artista: "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873), "Rana" (1869), "Estanque con nenúfares" (1899), "Pilas de trigo" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir es uno de los maestros destacados del retrato secular, además, trabajó en los géneros de paisaje, escena doméstica, naturaleza muerta.

La peculiaridad de su trabajo es el interés por la personalidad de una persona, la revelación de su carácter y alma. En sus lienzos, Renoir trata de enfatizar el sentimiento de plenitud del ser. El artista se siente atraído por el entretenimiento y las vacaciones, pinta bolas, camina con su movimiento y una variedad de personajes, bailes.

La mayoría obras notables artista - "Retrato de la actriz Jeanne Samary", "Paraguas", "Bañándose en el Sena", etc.

Es interesante que Renoir se distinguió por su musicalidad y de niño cantó en el coro de la iglesia bajo la dirección del destacado compositor y maestro Charles Gounod en París en la Catedral de Saint-Eustache. C. Gounod recomendó encarecidamente que el niño estudiara música. Pero al mismo tiempo, Renoir descubrió su talento artístico: desde los 13 años ya aprendió a pintar platos de porcelana.

Las lecciones de música influyeron en la formación de la personalidad del artista. Varias de sus obras están relacionadas con temas musicales. Reflejaron tocar el piano, la guitarra, la mandolina. Son los cuadros "Lección de guitarra", "Joven española con guitarra", "Joven al piano", "Mujer tocando la guitarra", "Lección de piano", etc.

Jean Frédéric Basile (1841-1870)

Según sus amigos artistas, Basil fue el impresionista más destacado y prometedor.

Su trabajo es brillante. colores y espiritualidad de las imágenes. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Claude Monet tuvieron una gran influencia en su trayectoria creativa. El apartamento de Jean Frederic para pintores novatos era una especie de estudio y vivienda.

Basil mayormente pintado al aire libre. La idea principal de su trabajo fue la imagen del hombre en el contexto de la naturaleza. Sus primeros héroes en las pinturas fueron sus amigos artistas; a muchos impresionistas les gustaba mucho pintarse unos a otros en sus obras.

Frédéric Bazille marcó el rumbo del impresionismo realista en su obra. Su pintura más famosa, Family Reunion (1867), es autobiográfica. El artista representa a miembros de su familia en él. Esta obra fue presentada en el Salón y recibió la aprobación del público.

En 1870, el artista murió en la guerra franco-prusiana. Tras la muerte del artista, sus amigos artistas organizaron la tercera exposición de los impresionistas, donde también se expusieron sus lienzos.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro es uno de los mayores representantes de los paisajistas después de C. Monet. Su obra fue expuesta constantemente en las exposiciones de los impresionistas. En sus obras, Pissarro prefirió representar campos arados, vida campesina y trabajo Sus pinturas se distinguieron por la estructura de las formas y la claridad de la composición.

Más tarde, el artista comenzó a pintar y pintar sobre temas urbanos. N. N. Kalitina anota en su libro: “Él mira las calles de la ciudad desde las ventanas pisos superiores o desde balcones, sin introducirlos en las composiciones.

Bajo la influencia de Georges-Pierre Seurat, el artista se dedicó al puntillismo. Esta técnica consiste en la imposición de cada trazo por separado, como si se pusieran puntos. Pero las perspectivas creativas en esta área no se realizaron y Pissarro volvió al impresionismo.

Las pinturas más famosas de Pissarro son Boulevard Montmartre. Por la tarde, soleado”, “Pasaje de la ópera en París”, “Plaza teatro francés en París”, “Jardín en Pontoise”, “Cosecha”, “Henificación”, etc.

Alfredo Sisley (1839-1899)

El principal género de pintura de Alfred Sisley fue el paisaje. En sus primeros trabajos, se puede ver principalmente la influencia de K. Corot. Poco a poco, en el proceso de trabajo conjunto con C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, comienzan a aparecer colores claros en sus obras.

El artista se siente atraído por el juego de luces, el cambio en el estado de la atmósfera. Sisley se dirigió varias veces al mismo paisaje, capturándolo en diferentes momentos del día. En sus obras, el artista dio prioridad a la imagen del agua y el cielo, que cambiaba cada segundo. El artista logró alcanzar la perfección con la ayuda del color, cada tono en sus obras conlleva una especie de simbolismo.

La más famosa de sus obras: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "Vista de Montmartre desde la isla de las flores" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge en Argenteuil" (1872).

Édgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas es un artista que comenzó su carrera creativa estudiando en la Escuela de Bellas Artes. Se inspiró en los artistas. Renacimiento italiano que influyó en su obra en general. Al principio, Degas escribió pinturas históricas, por ejemplo, “Las niñas espartanas desafían a los niños espartanos a una competencia. (1860). El género principal de su pintura es el retrato. En sus obras, el artista se basa en las tradiciones clásicas. Crea obras marcadas por un agudo sentido de su tiempo.

A diferencia de sus colegas, Degas no comparte la perspectiva alegre y abierta de la vida y las cosas inherentes al impresionismo. El artista está más cerca de la tradición crítica del arte: la compasión por el destino del hombre común, la capacidad de ver las almas de las personas, su mundo interior, la inconsistencia, la tragedia.

Para Degas, los objetos y el interior que rodea a una persona juegan un papel importante en la creación de un retrato. He aquí algunas obras a modo de ejemplo: "Desiree Dio con orquesta" (1868-1869), "Retrato de mujer" (1868), "La pareja Morbilli" (1867), etc.

El principio del retrato en las obras de Degas se puede rastrear a lo largo de toda su carrera. En la década de 1870, el artista representa la sociedad de Francia, en particular París, en sus obras en todo su esplendor. En interés del artista: la vida urbana en movimiento. “El movimiento era para él una de las manifestaciones más importantes de la vida, y la capacidad del arte para transmitirlo era la conquista más importante. pintura moderna”, - escribe N.N. Kalitina.

Durante este período de tiempo, se crearon pinturas como "Estrella" (1878), "La señorita Lola en el circo de Fernando", "Carreras de Epsom" y otras.

Una nueva etapa de la creatividad de Degas es su interés por el ballet. Muestra la vida entre bastidores de las bailarinas, habla sobre su arduo trabajo y su duro entrenamiento. Pero, a pesar de esto, el artista logra encontrar ligereza y ligereza en la transferencia de sus imágenes.

En la serie de pinturas de ballet de Degas, los logros en el campo de la transmisión de luz artificial desde la candileja son visibles, hablan del talento colorístico del artista. La mayoría Pinturas famosas « bailarines azules"(1897)," Clase de baile"(1874), "Bailarina con ramo" (1877), "Bailarinas de rosa" (1885) y otras.

Al final de su vida, debido al deterioro de su vista, Degas prueba suerte con la escultura. Las mismas bailarinas, mujeres, caballos se convierten en sus objetos. En la escultura, Degas intenta transmitir movimiento, y para apreciar la escultura, debes considerarla desde diferentes ángulos.

Existe la opinión de que la pintura en el impresionismo no ocupa un lugar tan importante. Pero el impresionismo en la pintura es todo lo contrario. La afirmación es muy paradójica y contradictoria. Pero esto es sólo a primera vista, superficial.

Quizás, durante todos los milenios de existencia en el arsenal de la humanidad de las bellas artes artísticas, no ha aparecido nada más nuevo y revolucionario. El impresionismo está en cualquier lienzo de arte moderno. Se puede ver claramente tanto en los fotogramas de la película del famoso maestro como entre el brillo de una revista femenina. Penetró en la música y los libros. Pero una vez todo fue diferente.

Orígenes del impresionismo

En 1901, en Francia, en la cueva de Combarel, se descubrieron accidentalmente pinturas rupestres, la más joven de las cuales tenía 15.000 años. Y fue el primer impresionismo en la pintura. Porque el artista primitivo no se propuso leer moralidad al espectador. Simplemente pintó la vida que lo rodeaba.

Y luego este método fue olvidado por muchos, muchos años. La humanidad ha inventado otras y la transmisión de emociones por el método visual ha dejado de ser tópico para él.

De alguna manera, los antiguos romanos estaban cerca del impresionismo. Pero parte de sus esfuerzos quedaron cubiertos de cenizas. Y donde el Vesubio no llegó, llegaron los bárbaros.

Se conservó la pintura, pero se pasó a ilustrar textos, mensajes, mensajes, saberes. Dejó de ser un sentimiento. Se ha convertido en una parábola, una explicación, una historia. Mira el tapiz de Bayeux. Él es maravilloso y no tiene precio. Pero esto no es una imagen. Son setenta metros de tebeos de lino.

La pintura en el impresionismo: el comienzo

Lenta y majestuosamente se desarrolló la pintura en el mundo durante miles de años. Aparecieron nuevos colores y técnicas. Los artistas aprendieron la importancia de la perspectiva y el poder de un colorido mensaje dibujado a mano en la mente humana. La pintura se convirtió en una ciencia académica y adquirió todas las características del arte monumental. Se volvió torpe, remilgada y moderadamente pretenciosa. Al mismo tiempo, refinado e inquebrantable, como un postulado religioso canónico.

Parábolas religiosas, literatura, escenas de género escenificadas sirvieron como fuente de tramas para las pinturas. Los trazos eran pequeños y discretos. El acristalamiento se introdujo en el rango de dogma. Y el arte del dibujo en un futuro previsible prometía osificarse como un bosque primitivo.

La vida estaba cambiando, la tecnología se desarrollaba rápidamente y solo los artistas continuaban produciendo retratos remilgados y bocetos suavizados de parques rurales. Este estado de cosas no convenía a todos. Pero la inercia de la conciencia de la sociedad fue superada con dificultad en todo momento.

Sin embargo, el siglo XIX ya estaba en el patio, habiendo pasado hace mucho tiempo su segunda mitad. Procesos sociales que antes tomaban siglos, ahora tuvieron lugar ante los ojos de una generación. La industria, la medicina, la economía, la literatura y la sociedad misma se desarrollaron rápidamente. Fue entonces cuando la pintura se manifestó en el impresionismo.

¡Feliz cumpleaños! Impresionismo en la pintura: pinturas

El impresionismo en la pintura, como las pinturas, tiene una fecha exacta de su nacimiento: 1863. Y su nacimiento no estuvo exento de curiosidades.

El centro del arte mundial entonces, por supuesto, era París. Anualmente albergaba grandes salones parisinos: exposiciones mundiales y ventas de pinturas. El jurado, que seleccionaba obras para los salones, estaba sumido en mezquinas intrigas internas, riñas inútiles y obstinadamente orientado hacia los gustos seniles de las entonces academias. Como resultado, los nuevos no entraron en el salón de la exposición, artistas brillantes, cuyo talento no correspondía a los anquilosados ​​dogmas académicos. Durante la selección de participantes en la exposición de 1863, más del 60% de las solicitudes fueron rechazadas. Estos son miles de pintores. Se estaba gestando un escándalo.

Emperador-galería

Y estalló el escándalo. La imposibilidad de exhibir privó a un gran número de artistas de su sustento y del acceso al público en general. Entre ellos se encuentran nombres ahora conocidos en todo el mundo: Monet y Manet, Renoir y Pissarro.

Está claro que esto no les convenía. Y hubo un gran revuelo en la prensa. Llegó al punto de que el 20 de abril de 1893, Napoleón III visitó el Salón de París y, además de la exposición, examinó deliberadamente algunas de las obras rechazadas. Y no encontré nada reprobable en ellos. E incluso hizo esta declaración en la prensa. Por eso, en paralelo al gran Salón de París, se inauguró una exposición alternativa de pinturas con obras rechazadas por el jurado del salón. Pasó a la historia con el nombre de "Exposición de marginados".

Entonces, el 20 de abril de 1863 puede considerarse el cumpleaños de todos arte contemporáneo. Arte que se ha independizado de la literatura, la música y la religión. Además, la pintura misma comenzó a dictar sus términos a los escritores y compositores, deshaciéndose por primera vez de los roles subordinados.

Representantes del impresionismo

Cuando hablamos de impresionismo, en primer lugar nos referimos al impresionismo en la pintura. Sus representantes son numerosos y multifacéticos. Baste nombrar a los más famosos: Degas, Renouan, Pissarro, Cezanne, Morisot, Lepic, Legros, Gauguin, Renoir, Thilo, Forain y muchos, muchos otros. Por primera vez, los impresionistas se dieron a la tarea de capturar no solo una imagen estática de la vida, sino arrebatarle un sentimiento, una emoción, una experiencia interior. Fue un corte instantáneo, una fotografía de alta velocidad del mundo interior, el mundo emocional.

De ahí los nuevos contrastes y colores, hasta entonces no utilizados en pintura. De ahí los trazos grandes y audaces y la búsqueda constante de nuevas formas. No hay ni claridad ni astucia anteriores. La imagen es borrosa y fugaz, como el estado de ánimo de una persona. Esto no es historia. Estos son sentimientos que son visibles a simple vista. Míralos, todos están un poco cortados a mitad de la oración, un poco fugaces. Estas no son pinturas. Estos son bocetos llevados a una ingeniosa perfección.

El surgimiento del postimpresionismo

Fue el deseo de traer un sentimiento a primer plano, y no un fragmento temporal congelado, lo que fue revolucionario e innovador para ese momento. Y luego solo quedaba un paso para el postimpresionismo: una tendencia del arte que no puso en primer plano la emoción, sino los patrones. Más precisamente, la transferencia por parte del artista de su realidad interior y personal. Este es un intento de hablar no sobre el mundo exterior, sino sobre el interior, a través de la forma en que el artista ve el mundo. percepción.

Impresionismo y postimpresionismo en pintura son muy cercanos. Y la división en sí es muy condicional. Ambas corrientes están cercanas en el tiempo, y los propios autores, a menudo los mismos, por regla general, se movieron de un estilo a otro con bastante libertad.

Y todavía. Mira el trabajo de los impresionistas. Colores ligeramente antinaturales. Un mundo familiar para nosotros, pero al mismo tiempo un poco ficticio. Así lo vio el artista. No nos da una naturaleza contemporánea a él. Él simplemente desnuda su alma un poco para nosotros. El alma de Bonnard y Toulouse-Lautrec. Van Gogh y Denis. Gauguin y Seurat.

impresionismo ruso

La experiencia del impresionismo, que capturó a todo el mundo, tampoco dejó de lado a Rusia. Mientras tanto, en nuestro país, acostumbrado a una vida más mesurada, sin entender el bullicio y las aspiraciones de París, el impresionismo no pudo deshacerse del academicismo. Es como un pájaro que despegó en el despegue, pero se congeló a mitad de camino en el cielo.

El impresionismo en la pintura rusa no recibió el dinamismo del pincel francés. Por otro lado, adquirió un dominante semántico disfrazado, lo que lo convirtió en un fenómeno brillante y algo aislado en el mundo del arte.

El impresionismo es un sentimiento expresado en forma de pintura. No educa, no exige. El reclama.

El impresionismo sirvió de punto de partida para el Art Nouveau y el expresionismo, el constructivismo y la vanguardia. Todo el arte moderno, de hecho, comenzó su informe el 20 de abril de 1863. La pintura impresionista es un arte nacido en París.

IMPRESIONISMO (francés impressio-n-nisme, de impresión - vpe-chat-le-tion) - on-right-le-tion en is-kus-st-ve (pre-zh-de de todo en la vida -pi-si ) en el siguiente tercio del siglo XIX - 1er cuarto del siglo XX.

Rise-nick-but-ve-nie ter-mi-en relación con el primer you-stav-coy francés hu-doge-no-kov-edi-but-mouse-len-ni-kov (bajo el nombre de “Ano- nim-noe coo-pe-ra-tiv-noe community-of-st-vo hu-doge-ni-kov ...”), aprobada en el taller parisino G. Na-da-ra en 1874. Una de las pinturas presentadas por K. Mo-ne ("Vpe-chat-le-nie. Sunrise"; on-pi-sa-na en Gav-re en la primavera de 1873; ahora - no en el Musee Mar -mot-tan, París) yes-la-water cri-ti-ku L. Le-roy de la revista "Le Charivari" para llamar a su artículo de resumen "You-stav-ka-im-press-sio-ni- estufa”. Sa-mo-palabra "vpe-chat-le-nie" en el sentido de spo-so-ba-conocimiento artístico de la acción-st-vi-tel-no-sti se encuentra con -sya y antes: estos in-nya-ti -em fueron utilizados por los poetas Ch. T. Russo, Sh.F. Do-bi-ny (ya en la década de 1860, cri-ti-ka na-zy-va-la de su “director de la escuela vpe-chat-le-ny”), E. Mane. Ucha-st-ni-ka-mi you-sta-wok im-press-sio-ni-stov (después, el 8 fue en 1886), en mi opinión Mono, sería L.E. Bu-den, A. Guy-au-men, E. De-gas, G. Kai-bott, M. Cassette, B. Mo-ri-zo, C. Pis-sar-ro, O. Re- nu- ar, A. Sis-ley, así como P. Se-zann, P. Gauguin y otros

Las condiciones para la historia del impresionismo en live-wee-si se pueden dividir en períodos: pre-preparación (co-maduración del nuevo -go me-to-yes) - 1860; raza-color y lucha por el arte nuevo - década de 1870 (período de "clase-si-che-impresionismo"); na-chi-nayu-shche-go-sya kri-zi-sa (década de 1880); Tarde: desde la década de 1890 hasta la década de 1920. Las no-va-ciones del impresionismo estarían listas para el descubrimiento en el campo de la op-ti-ki y la fisiología de la visión, la teoría de los contrastes de color M. Shev-re-la, E El arte de De-lac-rua en el campo de los tonos hasta llenos, Pei-zazh-noy live-in-pee-sue K. Ko-ro y ma-te-ditch de la escuela bar-bi-zone, us-pe-ha-mi en la región de pho-to -graphics. También desempeñó un papel importante el acercamiento de los futuros periodistas con E. Mane (desde finales de la década de 1860), ojo-gerente que tuvo un gran impacto en el joven hu-dozh-ni-kov (que no participó en el exposiciones de los impresionistas, el propio hombre les rindió homenaje-prensa -Sio-ni-stic ma-not-re writing), familiaridad con el arte inglés (W. Turner, R. Bo-ning-ton, J. Con-stable) en 1870-1871 (durante la pre-by-va-niya en Lon-do-not por K. Mo-ne y K. Pis-sar-ro) y el “descubrimiento” de ev-ro-pei-tsa-mi arte japonés en mediados del siglo XIX siglo. El deseo de atrapar la “vena-instantánea” del estado de la at-mo-esfera y el entorno natural se puede notar ya en el iluminado creative-che-st-ve master-ditch del llamado pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), pero solo en el marco del impresionismo, estos dispositivos se transformaron en un sistema artístico completo. El más-bo-le-después-antes-va-tel-pero mantenemos este sistema-el-nosotros-nosotros en nuestro creative-che-st-ve K. Mo-ne; en las obras de otros europeos (incluido el ruso) y estadounidenses hu-doge-ni-kov-im-press-sio-ni-stov, varias técnicas de impresionismo en-ho-di- si en cada caso no hay-en- segunda-ri-mo-in-di-vi-du-al-ny inter-pre-ta-ción.

Im-press-sio-ni-sta sería prin-qi-pi-al-ny-mi contra-contra-no-ka-mi de all-to-theo-re-ti-zi-ro-va-nia; la teoría del impresionismo surgió solo a principios del siglo XX, se basó en los descubrimientos artísticos de los maestros de esta nia, en el impresionismo inherente en un mouse-le-nii diferente e incomprensible. En la base del impresionismo, había una visión no tradicional del mundo como una especie de “sustancia en movimiento ma-te-ri-al-noy” (B.A. Zer-nov), esforzándose por-pe-chat -volando alrededor del mundo en su movilidad y de-men-chi-in-sti, “instantly-ven-no-sti” de si-tua-ciones aleatorias, movimientos, estados de la naturaleza. Im-press-sio-ni-stam estaría cerca de sfor-mu-li-ro-van-noe E. Zo-la in-no-ma-nie pro-of-ve-de-niya art como “rincón de el world-ro-building, see-den-no-go through tem-pe-ra-ment ”(es decir, en lo subjetivo pre-lom-le-nii hu-dozh -Nika); se esforzaron por ot-ra-zit en la conexión "mic-ro-kos-me" one-nothing-no-go about-from-ve-de-niya not-ras-tor-zhi-muyu at-ro -dy y el entorno che-lo-ve-ka, in-di-vi-duu-ma y ok-ru-zhayu-schey.

Impresionismo en la pintura

El desarrollo de aka-de-micic can-no-new en live-in-pee-si por los impresionistas franceses co-ver-sha-moose en varios on-right-le-ni-yah: rechazo de todos a- ro-da, si-te-ra-tour-no-sti, “parcela-no-sti”, mo-ra-li-zi-ro-va-nia, own- st-ven-nyh sa-lon-no -mu is-kus-st-vu de esa época-me-ni, from-is-kov from-vle-chen-noy "ra-fa-elevsky" belleza del francés tardío class-si-cis-ma (J.O.D. Ingres y su after-before-va-te-li), la no aceptación como programa -no-sti y pa-fo-sa del arte ro-mántico, y for-ost-ryon-no-go so-chi- al-no-go real-liz-ma G. Kur-be. Para una rara excepción, el arte del impresionismo es sobre-ra-sche-pero al tiempo presente: es pre-ob-la-da-yut esos-nos-vamos-ro-sí, “cha-st-noy” vida (vida cotidiana, descanso, entretenimiento), belleza de los paisajes rurales. El impresionismo destruyó todas las ideas tradicionales sobre la ie-rar-chia de los géneros y su especial-ci-fi-ke ra con port-re-tom, port-re-ta con paisaje o in-ter-e-rum, etc. ), sobre quién-por-zi-ción como un castillo-bien-que toda-lo- st-th estructura-tu-re ob-ra-llamada. El siguiente en el life-in-pee-si del impresionismo for-me-not-on-no-ma-no-eat car-ty-ny como un fragmento-men-ta on-tu-ry, word-but see -den-no-go en la ventana-no (o sí, "bajo-mirar-ren-no-ir a través de la orina-bien-zhe-bien", según op-re-de-le- nyu E. Deha ). Para imágenes im-press-sio-ni-stov ha-rak-ter-na "no-perdón" del marco, descentr-tra-li-za-ción de la imagen-sujetador-mismo- niya (desde el día-st-vie-central-system-te-we-re-call y el punto de vista estático, single-st-ven-noy), no-usual- la calidad del bi-rai-my ra -cursos, el desplazamiento de los ejes compositivos, las secciones "pro-of-free" de las partes de la com-po-zi-tion, antes de -me-tov y fi-gur ra-my car-ti-ny.

Luchando por-pe-chat-flying en life-in-pee-si en cien-yan-pero cambiando-sya (debido a-vi-si-mo-sti de os-ve-sch-niya) hermosa raz-no -ob-ra-zie vi-di-mo-go mi-ra with-ve-lo im-press-sio-n-stov (por ex-key-che- ni-em E. De-ha) a su clase de co-lo-ri-istic re-form-me - from-ka-zu from complex (mixed) to-news, times -lo-nium en colores espectrales puros, en el lienzo con manchas separadas, algunas deberían optar -ti- che-ski mix-shi-va-sya a los ojos del espectador-te-la. El color en la vida-en-pee-si del impresionismo le da-ob-re-ta-et no-su-st-ven-nuyu a él antes av-to-no-miya, hasta from-de-le- niya de pre-me-ta, y yav-la-et-sya but-si-te-lem de light-of-the-rows, pro-no-za-vayu-shchih todo de la misma manera -tion. Ple-ner pre-la-ha-et-gran sutileza de gradación de luz-a-la-no, color-a-fuera-de-no-cuellos y re-re-ho-dov, cuidadosamente raz-ra-bot -ku sis-te-we va-le-zanja.

La os-lab-le-tion del plástico on-cha-la en el live-in-pee-si del impresionismo está conectada con el rechazo de la pro-ti-in-staging luz y oscuridad como una forma de-mo -ob-ra-zuyu-go fak-to-ra. La luz se está convirtiendo, pero es casi el principal "héroe" de la vida de los impresionistas, el componente más importante de toda la imagen estructura-tu-ry, sub-stan-qi-su forma; La brillante luz solar-nech-ny no amplifica el sonido del color, sino que lo ilumina, des-creando de las sombras. Te-no ut-ra-chi-va-yut no-sobre-no-tsae-puente y negro-pero-que, devenir-pero-floreciente color-nosotros y transparente-nosotros; en las sombras, el color solo te-rya-ems su light-si-lu y se enriquece con full-full-then-on-mi-ho-lod-ny parte del espectro. Na-chi-naya desde la década de 1870 de zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov casi windows-cha-tel-pero de-gna-na ah-ro-ma-ti- che-sky colors (negro, gris y blanco abierto), cuadros ko-lo-rit ple-ner-nyh os-no-van en co-pos-tav-le-ni-yah de colores espectrales cálidos y fríos, utilizan la posibilidad de “ pro-país-st-ven-no-go "color-ta - image-bra-ing de los elementos del agua, no-ba, ob-la-kov, tu-ma-na, air-du-ha, en -lu- mascar té ok-ra-sku debido a races-se-yan-no-go y from-ra-wives-no-go sun-no-no-go light. Us-lie-non-live-in-write-no-th-language, preste atención a los efectos re-re-da-che de os-ve-shche-tion y color- vyh ref-leks-owls traen a su especie -sí de-ma-te-ria-li-za-ción del sujeto-met-no-go mundo-ra, ut-ra-ellos a ellos no-sti, mutuamente-pro-nick-pero-ve-niyu elementos de iso-bra-zhe-niya. Encontrados en el proceso de trabajar en el pr-ro-de, estos trucos, pronto comenzamos a usar-pol-zo-vat-sya no solo en el paisaje -noy live-in-pee-si; similar sys-te-mu time-ra-ba-you-val E. De-ga, de-ri-tsav-shi en general no-sobre-ho-di-puente de ra-bo-you en Ple-ne- re.

Otra no-va-ción del impresionismo - after-before-va-tel-naya "re-vision" del tradicional per-spec-ty-you, rechazo del no-movimiento no-go y uni-kal-no-go centro-tra proyecto-ción, pro-ti-vo-re-cha-sche-go es-te-st-ven-no-mu (bi-fo-kal -no-mu y de-parte de la esfera-ri -che-sko-mu) percepción de pro-país-st-va; ten-den-tion a for-tu-she-you-va-tion de profundidad-ser-nosotros, fuerza-le-ción de bidimensionalidad; en algunos casos, el uso de ak-so-no-met-rii, los efectos de direct-my direct-bo-cri-vo-li-ne-noy per-spec-ty-you, más tarde-convertido- tiv-she-sya en P. Se-zan-n en un sistema completo-te-mu “per-chain-tiv-noy "per-spec-ti-you. El rechazo sucesivo del impresionismo del concepto antrocéntrico del arte europeo (man-age no es el centro de la construcción del mundo, sino su hora -ti-tsa) pro-iso-fue en un grado significativo bajo la influencia del arte japonés y apareció en igual-pero-pra-vii de todos los elementos de com-po-zi-ción, igual a la imagen principal y el segundo grado-pen-noy de-ta-li, hasta casi la mitad pero-th “glos-sche-niya” de la imagen principal, trago-para-nosotros-bo-bo-re-re-bebemos, trago-para-madre en el humo de un resbalón-de-la-tu-ma-on; en general, en términos éticos, no-dos-ka-zan-no-sti y “silence-cha-ny”.

Esforzarse por-pe-chat-letting a “single moving-ma-ter-riyu” es-te-st-ven-but with-ve-lo im-press-sio-ni -stov (también no sin la influencia del japonés gra-vu-ra) a la creación de series y ciclos de trabajo, de una manera dedicada al mismo pre-me -esa imagen-bra-zhe-niya y fi-si-ruyu-shchih-bo di-na- imagen de mi-ku (im-bra-zhe-tion "that-po-lei", "in-kza -loving" de K. Mo-net, "bailarines" de E. Degas, mucha gente en los bulevares de París, etc. ), más efecto cambiante-usted os-ve-shche-tion y color-no-sti en su conexión mutua, move im-ma-te-ri-al-noy versos de luz ("cien ha se-na", "tan-bo-ry" Mo-ne). Cada uno de los ra-bots de tal se-ri (o ciclo) ras-kry-va-es algún tipo de aspecto de la imagen-bra-zhae-mo-go, y su co-in-kup-ness crea una imagen entera-lo-st-ny, syn-the-tic en el pre-de-lah del general para-el-pensamiento-la hu-doge-no-ka.

On-cha-lu, el impresionismo provocó un feroz rechazo de la mayoría de los cri-ti-ki y del público; apoyo para el nuevo is-ka-ni-yam en el arte de eye-for-li E. Zo-la, S. Mal-lar-me, J.K. Gyu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, collec-cio-ne-ry P. Du-ran-Ryu-el, G. Kaibotte, J. B. Fore y V. Sho-ke. Shi-ro-ko-go El reconocimiento de ellos-prensa-sio-ni-sta no llegó hasta la década de 1890, cuando el impresionismo entró en su última fase. Impresionismo tardío from-marked on-ras-ta-ni-em de-ko-ra-tiv-nyh ten-den-tions (común para el arte de la época de la modernidad), todo es dolor -shay iso-shren-no -styu de un juego co-lo-rístico de-tin-kov y tonos completos, en un enjambre con color inusual-vi-de-no-eat (bebida-para-zhi E. De-gas de finales de la década de 1890 , una serie de “sauces pla-ku-chih” de K. Mon-ne, biografía tardía de O. Re-noy -ra y otros), ak-tsen-ti-ro-va-ni-em sa- mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-artistic ma-ne-ry, estilo “lich-but-st-no-go”.

En estos años, ya se aprobaron nuevas direcciones en el arte, sin embargo, el impacto de las innovaciones del impresionismo de una forma u otra re is-py-ta-li muchos hu-doge-ni-ki del francés sa-lon-no- go art, post-im-press-sio-niz-ma y las primeras vanguardias europeas dis-ma. Entonces, el principio de la mezcla óptica de colores formó la base de la teoría de neo-im-press-sio-niz-ma (di-visio-niz-ma); escritura de vida con “puro color”, función sugerente del color (que le da emotividad y poder de sugestión) en co-che-ta-nii con libre ex-press-si-her smear-si-le-antes-va -na V. Van Go-gom, P. Go-ge-nom, mas-te-ra-mi fo-vis-ma y el grupo “na-bi”, así como ab-st-rak-tsio-niz -mamá.

Al mismo tiempo, detrás del pre-de-la-mi de Francia, la influencia del impresionismo se manifestó en el-im-st-in-va-nii de técnicas individuales (ef-fek-you ple-ne -riz- ma, you-light-le-ne-pa-lit-ry, es-kiz-nost y freedom of life-in-pis-noy ma-ne-ry), en a-ra-schen- nii a la te moderna -ma-ti-ke - en la creación-che-st-ve hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta-nii (W. Sikkert, W. Steer), Ger -mania (M. Lie-ber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), Italia (J. De Nit-tis), Nor-ve-gie (F. Tau-lov), Polonia (L. Vy-chul- kovsky), EE. UU. (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sard-zhent, J. G. Tu-ok-t-men) y otros. En Rusia, la influencia del impresionismo se ha sentido desde finales de la década de 1880, al aire libre de I.E. Re-pi-na, VA Se-ro-va, I. I. Levi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bow-th; casi tse-si-viene-sobre-le-vive este-mu-a-la-derecha-le-niyu arte de K.A. Ko-ro-wee-na, IE Graba-rya; “im-press-sio-ni-st-sky” pe-riod can-but you-de-vert de la misma manera a los futuros maestros de la vanguardia rusa (K.S Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no-va, A.D. Dre-vi-na).

El término “impresionismo” también se aplica a la escultura de los años 1880-1910. (el deseo de re-re-da-che instantaneous-vein-no-go movimiento, flujo de formas, on-ro-chi-taya plastic not-over-ver-shen-nost, mutualmente-mo-de-st- compite esculpir-tu-ry con luz); los rasgos más destacables del impresionismo en el recorrido escultórico del arte de O. Ro-de-na y E. De-ga (Francia), M. Rosco (Italia), P.P. Tru-bets-ko-go y A.S. Go-lub-ki-noy (Rusia).

Los principios de programación de la vida-en-la-pintura-no-impresionismo después del arte comenzaron a re-re-no-sit en otro art-art-st-va: muse -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-gra-fia, ki-no, fo-to-is-kus-st-vo. La aplicación del término “impresionismo” en relación con ellos es-la-es-dos-que-precisamente condicional y os-pa-ri-va-et-sya parte del estudio-después-de-va-te-lei .

impresionismo en la musica

Del impresionismo en la música, alguien que no representa una analogía directa del impresionismo en la vida y no co-pa-da-em con él chro-no-lo-gi-che-ski (tiempo carrera-color-ta impresionismo musical- 1890-1900), generalmente conectado-zy-va-yut pe-re-da-chu de-men-chi-out-a-estructuras, sutiles desnudos psico-ho-lógicos-an-búhos, ty-go -te-nie al programa de paisaje ético-no-sti (incluida la visualización en los sonidos del juego de las olas, bl -kov light on the water, wind-ra, ob-la-kov y similares), el compositor mayor en-te-res al bro-aullido y armonioso colorido -pero-sti. Pero los medios vis-on-artísticos no rara vez coincidieron con pre-your-re-no-em de imágenes escaneadas de arte antiguo ( zhi-vo-pi-si style-la ro-ko-ko, mu-zy-ki de los clanes franceses-ve-si-ni-stov).

Las preformas del impresionismo musical - en el sonido-a-pi-si en el zd-no-go F. Lis-ta, el co-lo-ri-stic en los paseos de A.P. Bo-ro-de-na, E. Gri-ga, N.A. Rome-ko-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya y element-hiy-noy im-pro-vi-for-qi-on-no- sti MP Mu-sorg-sko-go. El impresionismo encontró la expresión clásica en la música francesa, pre-f-de todo en la obra de K. De-bus-si; el diablo que apareciste en la música de M. Ra-ve-la, P. Du-ka, F. Schmitt, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa. Impresionismo musical unas-le-do-val muchos especialmente-ben-no-sti de tardío ro-man-tiz-ma y musical nacional escuelas XIX siglo. Al mismo tiempo tormentoso pa-te-tik, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, tenso cha-go-te-ni-yam hro-ma-ti -che-ski us-loose- nyon-noy to-nal-noy gar-mo-nii de finales de ro-man-ti-kov (especialmente ben-no R. Vag-ne-ra) im-press-sio -ni-sta pro-ti-vo- pos-ta-vi-si emo-tsio-nal-moderación, brevedad y no-perceptible-de-hombres-chi-vost-cien-yang-pero vari-y-rue-my mo-ti-vov, dia-to -no-ku, mod-rango de trastes simétricos (incluido todo -pero-en-go), fact-tu-ru transparente. La creación-che-st-in-com-po-zi-to-ditch del impresionismo en muchos sentidos ambos-ha-ti-lo medios expresivos de la música, especialmente ben-nosphere -ru gar-mo-nii, dos- tig-shey gran uton-chen-no-sti. Us-false-non-ac-kor-do-vy complexes-owls co-che-ta-et-sya en armonía con el impresionismo con ar-hai-for-qi-her la-do-vo th mouse-le-tion ; rit-somos inestables, bajo la hora ost-ro-ha-rak-ter-ny. Fortalecer-si-va-et-sya fónico you-ra-zi-tel-ness de ka-zh-do-go ak-kor-da (ver Fonismo), debido a la introducción de non-se-niya en new- aullido os-no-ve elemento-hombre-tov mod-distante gar-mo-nii ras-shi-rya-et-sya la-do-va esfera-ra, en or-ke-st-ditch- ke pre-ob -la-da-yut puros timbres. Yo especialmente-compro la frescura de la música de los impresionistas franceses con-yes-wa-ya sea de los géneros pe-sen-but-tang-tse-val-ny, a los element-men- hay un lenguaje musical de na-ro-dov Vos-to-ka, Is-pa-nii, sti-li-for-tion de las primeras formas de jazz. Para el pre-de-la-mi de Francia, los principios del impresionismo musical, ori-gi-nal-pero raz-vi-va-li M. de Fa-lya en Is-pa-nii, O. Res-pi -gi, de-cha-ty A. Ka-zel-la y J.F. Ma-lip-e-ro en Italia, F. Di-li-us y S. Scott en Ve-li-ko-bri-ta-nii, K. Shi-ma-nov-sky en Polonia, A.K. Lyadov, N. N. Che-rep-nin (ver Che-rep-nin), de-part-ty I.F. Stra-Vinsky en Rusia.

Impresionismo en la literatura

Su-shche-st-in-va-ing del impresionismo como un au-to-nome-no-go-right-le-niya en li-te-ra-tu-re - el tema de largas discusiones esto. El impresionismo literario no es-raramente-boo-o-zhde-st-in-la-et-xia con on-to-ra-liz-mom, o se considera pro-me-zhu- exacto yav-le- ni-em me-zh-du on-tu-ra-liz-mom y sim-liz-mom, ya sea más cercano a sim-liz-mom. Como una dirección literaria independiente, el impresionismo suele ser you-de-la-et-xia en francés, así como la literatura austriaca (la llamada mo-turf vienesa) de la era-chi de-ka-dan-. sá. Dicen lo mismo de ellos-pulsa-sio-ni-stich-no-sti como un sti-le-aullido especialmente-ben-no-sti, con-su-schey a muchos pi-sa-te-lyam 2º mitad del XIX- principios del siglo XX. El impresionismo literario no creó un programa teórico, pero fue influenciado, en mi opinión, por los franceses im-press-sio-ni-sts, muen-chen-sko-go y ven-sko-go se-ces-sio-nov. , fi-lo-so-fii time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-logi U. James-sa (la idea de a-so-so-s-on-niya ), uh-pi-ri-ok-ri-ti-cis-ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -Sí. Desde el impresionismo en la literatura, suelen centrarse en sug-gestivo-no-sti, la construcción de una imagen-de-una-no-fila según el principio de las as-so-cia-ciones qi-pu-bod, denominadas para inspirar a chi-ta-te-lu not-op-re-de-len-noe “mu-zy-kal-noe” en sintonía, atrayéndolo-gi-vayu-ella al mundo de la lírica per-re -zhi-va-niy av-to-ra - es-te-ta-ge-do-ni-hundred, co-zero-tsa -te-la mi-ra en su cien-yan-noy from-men-chi -en-sti.

En poesía, im-press-sio-ni-stic-ness se manifiesta-la-et-sya en el os-lab-le-nii de la métrica y semántica-palabra-de-one-st-va stro-ki ( el llamado you-svo-bo-g-de-nie sti-ha), pre-heaven-re-same-ni re-gu-lyar-no-stu rhythm-ma y exacto riff-my (hasta hasta a half-but-from-ka-za de riff-we en ver-lib-re), con-hot-li-vy an-jamb-ma-nah (P. Ver-len, A. Rem-bo en Francia , D. von Li-li-en-kron en Alemania, G. von Hoff-mann-steel, R. M. Ril-ke en Austria, K. D. Balmont, I.F. An-nensky en Rusia y otros); en pro-se - en general a formas pequeñas (fragmento, un ciclo de ko-vye débilmente relacionado para-pi-si, es-sei-static on-bro-juice), demon-plot-no-sti, use-zo -va-nii word-weight-but-about-raz- nyh leit-mo-ti-vov, estilo de-ko-ra-tiv-no-sty (J.K. Hu-is-mans, M. Proust, A. Gide en Francia, P. Al-tenberg en Austria, O. Wilde en Gran Bretaña, G. D'Annunzio en Italia, K. Gam-sun en Noruega, A. Be-ly en Rusia, y otros). Im-press-sio-ni-stic-ness en cri-ti-ke está conectado con el género-ra-mi "etyu-da", "si-lu-this", "pro-fi-la" con su aforístico , sujeto-ek-tiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. Francia, R. de Gour-mon, A. de Re-nier en Francia, D.S. Merezhkov-sky, Y.I. Ai-khen-wald, M.A. Kuz-min en Rusia).

El impresionismo en la dramaturgia

Hoy en día, el impresionismo se percibe como un clásico, pero en la era de su formación, fue un verdadero avance revolucionario en el arte. La innovación y las ideas de esta dirección han cambiado por completo. percepción artística arte de los siglos XIX y XX. PERO impresionismo moderno en la pintura hereda principios ya canónicos y continúa su búsqueda estética en la transmisión de sensaciones, emociones y luz.

requisitos previos

Hay varias razones para la aparición del impresionismo, este es todo un complejo de requisitos previos que condujeron a una verdadera revolución en el arte. En el siglo XIX se estaba gestando una crisis en la pintura francesa, se debió a que la crítica "oficial" no quiso darse cuenta y dejó entrar en las galerías diversas formas emergentes. Por tanto, la pintura en el impresionismo se convirtió en una especie de protesta contra la inercia y el conservadurismo de las normas generalmente aceptadas. Asimismo, los orígenes de esta corriente hay que buscarlos en las tendencias inherentes al Renacimiento y asociadas a los intentos de transmitir la realidad viva. Pintores escuela veneciana Se consideran los primeros progenitores del impresionismo, luego los españoles tomaron este camino: El Greco, Goya, Velásquez, quienes influyeron directamente en Manet y Renoir. El progreso tecnológico también jugó un papel en la formación de esta escuela. Así, el advenimiento de la fotografía dio lugar a Idea Nueva en el arte sobre la captura de emociones y sensaciones momentáneas. Es esta impresión instantánea que los artistas de la dirección que estamos considerando se esfuerzan por "agarrar". Además, esta tendencia estuvo influenciada por el desarrollo de la escuela plein-air, que fue fundada por representantes de la escuela Barbizon.

Historia del impresionismo

En la segunda mitad del siglo XIX durante arte francés surge una situación crítica. Representantes escuela clasica no aceptan las innovaciones de los jóvenes artistas y no les permiten entrar al Salón, la única exposición que abre el camino a los clientes. Un escándalo estalló cuando el joven Édouard Manet presentó su obra Almuerzo sobre la hierba. El cuadro despertó la indignación de la crítica y del público, y se prohibió al artista exhibirlo. Por ello, Manet participa en el llamado “Salón de los Rechazados” junto a otros pintores a los que no se les permitió participar en la exposición. El trabajo recibió una gran respuesta y comenzó a formarse un círculo de jóvenes artistas alrededor de Manet. Se reunían en cafés, discutían los problemas del arte contemporáneo, discutían sobre nuevas formas. Aparece una sociedad de pintores, que serán llamados los impresionistas por una de las obras de Claude Monet. Esta comunidad incluía a Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. La primera exposición de artistas de esta corriente tuvo lugar en 1874 en París y acabó, como todas las posteriores, en un fracaso. En realidad, el impresionismo en música y pintura abarca un período de tan solo 12 años, desde la primera exposición hasta la última, celebrada en 1886. Más tarde, la dirección comienza a dividirse en nuevas tendencias, algunos de los artistas mueren. Pero este período hizo una verdadera revolución en la mente de los creadores y el público.

Principios ideológicos

A diferencia de muchas otras áreas, la pintura en el impresionismo no se asoció con puntos de vista filosóficos profundos. La ideología de esta escuela era la experiencia momentánea, la impresión. Los artistas no se propusieron tareas sociales, buscaron transmitir la plenitud y la alegría del ser en la cotidianidad. Por lo tanto, el sistema de géneros del impresionismo era generalmente muy tradicional: paisajes, retratos, naturalezas muertas. Esta dirección no es una asociación de personas basadas en puntos de vista filosóficos, sino una comunidad de personas de ideas afines, cada una de las cuales realiza su propia búsqueda en el estudio de la forma de ser. El impresionismo radica precisamente en la singularidad de la vista de los objetos ordinarios, se centra en la experiencia individual.

Técnica

Es bastante fácil reconocer la pintura en el impresionismo por algunos rasgos característicos. En primer lugar, vale la pena recordar que los artistas de esta dirección eran amantes furiosos del color. Evitan el negro y el marrón casi por completo en favor de una paleta rica y vibrante, a menudo muy resaltada. La técnica impresionista se caracteriza por trazos cortos. Se esfuerzan por la impresión general, en lugar de un dibujo cuidadoso de los detalles. Los lienzos son dinámicos, intermitentes, lo que corresponde a la percepción humana. Los pintores se esfuerzan por disponer los colores en el lienzo de tal manera que obtengan intensidad o afinidad colorística en el cuadro, no mezclan los colores en la paleta. Los artistas trabajaban a menudo al aire libre, y esto se reflejaba en la técnica, en la que no había tiempo para secar las capas anteriores. Las pinturas se aplicaron una al lado de la otra o una encima de la otra, utilizando un material opaco que permitía crear el efecto de un "brillo interior".

Los principales representantes de la pintura francesa

patria esta direccion es Francia, fue aquí donde el impresionismo apareció por primera vez en la pintura. Los artistas de esta escuela vivieron en París en la segunda mitad del siglo XIX. Presentaron sus obras en 8 exposiciones impresionistas, y estos lienzos se convirtieron en clásicos de la dirección. Son los franceses Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot y otros los progenitores de la tendencia que estamos considerando. El impresionista más famoso, por supuesto, es Claude Monet, cuyo trabajo encarnó completamente todas las características de esta tendencia. Asimismo, la corriente se asocia acertadamente con el nombre de Auguste Renoir, quien consideraba su principal tarea artística la transmisión del juego del sol; además, fue un maestro del retrato sentimental. El impresionismo también incluye tales artistas destacados como Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresionismo en otros países

Poco a poco, la dirección se está extendiendo en muchos países, la experiencia francesa se ha recogido con éxito en otras culturas nacionales, aunque tienen que hablar más sobre trabajos y técnicas individuales que sobre la implementación consistente de ideas. La pintura alemana en el impresionismo está representada principalmente por los nombres de Lesser Uri, Max Liebermann, Lovis Corinth. En los EE. UU., las ideas fueron implementadas por J. Whistler, en España, por J. Sorolla, en Inglaterra, por J. Sargent, en Suecia, por A. Zorn.

Impresionismo en Rusia

El arte ruso del siglo XIX estuvo significativamente influenciado por la cultura francesa, por lo que los artistas rusos tampoco pudieron evitar dejarse llevar por la nueva tendencia. El impresionismo ruso en la pintura está representado de manera más consistente y fructífera en el trabajo de Konstantin Korovin, así como en los trabajos de Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Las peculiaridades de la escuela rusa consistían en la naturaleza de estudio de las obras.

¿Qué fue el impresionismo en la pintura? Los artistas fundadores buscaron capturar las impresiones momentáneas del contacto con la naturaleza, y los creadores rusos también intentaron transmitir un significado filosófico más profundo de la obra.

Impresionismo hoy

A pesar de que han pasado casi 150 años desde la aparición de la dirección, el impresionismo moderno en la pintura no ha perdido su relevancia en la actualidad. Debido a la emotividad y la facilidad de percepción, las pinturas de este estilo son muy populares e incluso comercialmente exitosas. Por lo tanto, muchos artistas de todo el mundo están trabajando en esta dirección. Así, el impresionismo ruso en la pintura se presenta en el nuevo museo de Moscú del mismo nombre. Hay exposiciones periódicas. autores contemporáneos, por ejemplo, V. Koshlyakova, N. Bondarenko, B. Gladchenko y otros.

Obras maestras

Los amantes de las bellas artes modernas a menudo llaman al impresionismo en la pintura su dirección favorita. Las pinturas de los artistas de esta escuela se venden en subastas a precios fabulosos, y las colecciones de los museos gozan de una gran atención del público. Se considera que las principales obras maestras del impresionismo son las pinturas de C. Monet "Aguas" y "Sol naciente", O. Renoir "Baile en el Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre de noche" y "Puente de Bouldieu". en Rouen en un día lluvioso", Degas "Absenta", aunque esta lista puede continuar casi hasta el infinito.

La palabra "impresionismo" se deriva del francés "impression" - impresión. Esta es una dirección de pintura que se originó en Francia en la década de 1860. y determinó en gran medida el desarrollo del arte en el siglo XIX. Las figuras centrales de esta corriente fueron Cézanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir y Sisley, y la contribución de cada uno de ellos a su desarrollo es única. Los impresionistas se opusieron a las convenciones del clasicismo, el romanticismo y el academicismo, afirmaron la belleza de la realidad cotidiana, motivos sencillos y democráticos, lograron una viva autenticidad de la imagen, intentaron captar la “impresión” de lo que el ojo ve en un momento determinado, sin centrándose en dibujar detalles específicos.

En la primavera de 1874, un grupo de jóvenes pintores, entre los que se encontraban Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne y Berthe Morisot, abandonaron el Salón oficial y organizaron su propia exposición. Tal acto fue en sí mismo revolucionario y rompió con los cimientos seculares, mientras que las pinturas de estos artistas a primera vista parecían aún más hostiles a la tradición. La reacción a esta innovación por parte de visitantes y críticos estuvo lejos de ser amistosa. Acusaron a los artistas de escribir simplemente para llamar la atención del público, y no en la forma en que lo hacen los maestros reconocidos. Los más condescendientes consideraban su trabajo como una burla, como un intento de jugar una mala pasada a la gente honesta. tomó años la lucha más feroz antes estos, más tarde reconocidos, clásicos de la pintura fueron capaces de convencer al público no sólo de su sinceridad, sino también de su talento.

Tratando de expresar sus impresiones inmediatas de las cosas con la mayor precisión posible, los impresionistas crearon un nuevo método de pintura. Su esencia era transmitir la impresión externa de luz, sombra, reflejos en la superficie de los objetos con trazos separados de colores puros, que disolvían visualmente la forma en el entorno de luz y aire circundante. En sus géneros favoritos (paisaje, retrato, composición de varias figuras) buscaban transmitir sus fugaces impresiones del mundo que los rodeaba (escenas en la calle, en cafés, bocetos de paseos dominicales, etc.). Los impresionistas retrataron una vida llena de poesía natural, donde una persona está en unidad con ambiente, siempre cambiante, impactante con la riqueza y el brillo de lo puro, colores brillantes.

Después de la primera exposición en París, estos artistas comenzaron a llamarse impresionistas, de la palabra francesa "impresión" - "impresión". Esta palabra era adecuada para sus obras, porque en ellas los artistas transmitían su impresión directa de lo que veían. Los artistas abordaron la imagen del mundo de una manera nueva. tema principal para ellos se convirtió en una luz temblorosa, aire, en el que las personas y los objetos están, por así decirlo, sumergidos. En sus pinturas se podía sentir el viento, la tierra húmeda y calentada por el sol. Intentaron mostrar la asombrosa riqueza de color en la naturaleza. El impresionismo fue el último gran movimiento artístico en Francia XIX siglo.

Esto no quiere decir que el camino de los artistas impresionistas fuera fácil. Al principio no fueron reconocidos, su pintura era demasiado atrevida e inusual, se rieron de ellos. Nadie quería comprar sus cuadros. Pero obstinadamente siguieron su propio camino. Ni la pobreza ni el hambre pudieron obligarlos a abandonar sus creencias. Pasaron muchos años, muchos de los pintores impresionistas ya no vivían cuando finalmente se reconoció su arte.

Todos estos son muy diferentes artistas unidos por una lucha común contra el conservadurismo y el academicismo en el arte. Los impresionistas realizaron ocho exposiciones, la última en 1886. De hecho, esto pone fin a la historia del impresionismo como tendencia en la pintura, después de lo cual cada uno de los artistas siguió su propio camino.

Uno de los cuadros presentados en la primera exposición de los "independientes", como preferían llamarse los artistas, pertenecía a Claude Monet y se llamaba "Impresión. Amanecer". En apareció al día siguiente reseña periodística En la exposición, el crítico L. Leroy se burló de todas las formas posibles de la falta de “forma maquillada” en las pinturas, inclinando irónicamente la palabra “impresión” en todos los sentidos, como reemplazando el verdadero arte en las obras de los jóvenes artistas. . Contra las expectativas, la nueva palabra, pronunciada en burla, arraigó y sirvió como nombre de todo el movimiento, ya que expresaba perfectamente el común que unía a todos los participantes en la exposición: la experiencia subjetiva del color, la luz, el espacio. Tratando de expresar sus impresiones inmediatas de las cosas con la mayor precisión posible, los artistas se liberaron de las reglas tradicionales y crearon un nuevo método de pintura.

Los impresionistas expusieron sus propios principios de percepción y visualización del mundo circundante. Borraron la línea entre los temas principales dignos arte alto, y objetos secundarios, estableciéndose entre ellos una línea recta y retroalimentación. El método impresionista se convirtió así en la máxima expresión del principio mismo de la pintura. El acercamiento pictórico a la imagen implica únicamente la identificación de la relación del sujeto con el mundo que lo rodea. El nuevo método obligaba al espectador a descifrar no tanto las vicisitudes de la trama como los secretos de la propia pintura.

La esencia de la visión impresionista de la naturaleza y su imagen radica en el debilitamiento de la percepción activa y analítica del espacio tridimensional y su reducción a la bidimensionalidad original del lienzo, determinada por un escenario visual plano, en palabras de A. Hildebrand, "mirada distante a la naturaleza", que lleva a la distracción del objeto representado de sus cualidades materiales, fusionándose con el entorno, convirtiéndolo casi por completo en una "apariencia", una apariencia que se disuelve en la luz y el aire. No es casualidad que P. Cezanne llamara más tarde al líder de los impresionistas franceses Claude Monet "solo un ojo". Este "desapego" de la percepción visual también condujo a la supresión del "color de la memoria", es decir, la conexión del color con las representaciones y asociaciones habituales del sujeto, según las cuales el cielo es siempre azul y la hierba es verde. Los impresionistas podían, según su visión, pintar el cielo de verde y la hierba de azul. La "plausibilidad objetiva" fue sacrificada a las leyes de la percepción visual. Por ejemplo, J. Seurat contó con entusiasmo a todos cómo descubrió que la arena costera anaranjada en la sombra es azul brillante. Así, el principio de percepción contrastante de colores complementarios se puso en la base del método pictórico.

Para un artista impresionista, en su mayor parte, no es lo que representa lo que importa, sino el "cómo". El objeto se convierte sólo en una ocasión para resolver tareas puramente pictóricas, “visuales”. Por lo tanto, el impresionismo originalmente tenía otro nombre, luego olvidado: "cromantismo" (del griego Chroma - color). Los impresionistas actualizaron la coloración, abandonaron los colores oscuros y terrosos y aplicaron colores puros y espectrales al lienzo, casi sin mezclarlos primero en la paleta. El naturalismo del impresionismo consistía en el hecho de que lo más aburrido, ordinario, prosaico se convertía en hermoso, tan pronto como el artista veía allí los sutiles matices de gris y azul.

Caracterizado por la brevedad, estudio metodo creativo impresionismo. Después de todo, solo un breve estudio hizo posible registrar con precisión los estados individuales de la naturaleza. Los impresionistas fueron los primeros en romper con los principios tradicionales de la pintura espacial que datan del Renacimiento y el Barroco. Usaron composiciones asimétricas para resaltar mejor aquellos que les interesaban. actores y artículos. Pero la paradoja fue que, habiendo abandonado el naturalismo del arte académico, destruyendo sus cánones y declarando valor estético fijándolo todo en fugaz, azaroso, los impresionistas quedaron cautivos del pensamiento naturalista, e incluso, además, en muchos sentidos fue un paso atrás. Uno puede recordar las palabras de O. Spengler que "el paisaje de Rembrandt se encuentra en algún lugar de los espacios infinitos del mundo, mientras que el paisaje de Claude Monet está cerca de la estación de tren".