Introducción

El impresionismo como fenómeno en el arte

Impresionismo en la pintura

Artistas - Impresionistas

3.1 Claude Monet

3.2 Édgar Degas

3.3 Alfredo Sisley

3.4 Camille Pissarro

Conclusión

lista bibliografica

Introducción

Este ensayo está dedicado al impresionismo en el arte - pintura.

El impresionismo es uno de los fenómenos más brillantes e importantes del arte europeo, que determinó en gran medida todo el desarrollo del arte contemporáneo. Actualmente, las obras de los impresionistas, que no fueron reconocidas en su momento, son muy valoradas y su mérito artístico es innegable. La relevancia del tema elegido se explica por la necesidad de que cada persona moderna comprenda los estilos del arte, conozca los principales hitos de su desarrollo.

Elegí este tema porque el impresionismo fue una especie de revolución en el arte que cambió la idea de las obras de arte como cosas integrales, monumentales. El impresionismo puso en primer plano la individualidad del creador, su propia visión del mundo, relegó a un segundo plano los temas políticos y religiosos, las leyes académicas. Es interesante que las emociones y las impresiones, y no la trama y la moralidad, jugaron papel principal en las obras de los impresionistas.

Impresionismo (Fr. impresionismo, de impresión- impresión) - dirección en el arte de este último tercios del XIX- el comienzo del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar la forma más natural e imparcial mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus fugaces impresiones. Por lo general, el término "impresionismo" significa una dirección en la pintura, aunque sus ideas también han encontrado su encarnación en la literatura y la música.

El término "impresionismo" se originó con mano ligera crítico de la revista "Le Charivari" de Louis Leroy, quien tituló su folletín sobre el Salón de los Miserables "Exposición de los impresionistas", tomando como base el nombre de este cuadro de Claude Monet.

augusto renoir piscina infantil, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

orígenes

Durante el Renacimiento, los pintores de la escuela veneciana intentaron transmitir la realidad viva utilizando colores vivos y tonos intermedios. Los españoles aprovecharon sus experiencias, esto lo expresan más claramente artistas como El Greco, Velázquez y Goya, cuyo trabajo posteriormente tuvo una gran influencia en Manet y Renoir.

Al mismo tiempo, Rubens colorea las sombras de sus lienzos con tonos intermedios transparentes. Según Delacroix, Rubens desplegó la luz con tonos sutiles y refinados, y las sombras con colores más cálidos y saturados, transmitiendo el efecto del claroscuro. Rubens no utilizó el negro, que luego se convertiría en uno de los principios fundamentales de la pintura impresionista.

Édouard Manet fue influenciado por el artista holandés Frans Hals, que pintaba con trazos nítidos y amaba el contraste. colores brillantes y negro.

La transición de la pintura al impresionismo también fue preparada por pintores ingleses. Durante guerra franco-prusiana(1870-1871) Claude Monet, Sisley y Pissarro viajaron a Londres para estudiar a los grandes paisajistas Constable, Bonington y Turner. En cuanto a este último, ya en sus obras posteriores se nota cómo desaparece la conexión con la imagen real del mundo y el repliegue en la transmisión individual de impresiones.

Eugène Delacroix tuvo una fuerte influencia, ya distinguía el color local y el color adquirido bajo la influencia de la luz, sus acuarelas pintadas en el norte de África en 1832 o en Etretat en 1835, y especialmente el cuadro "El mar en Dieppe" (1835) nos permiten hablar de él como un precursor de los impresionistas.

El último elemento que influyó en los innovadores fue el arte japonés. Desde 1854, gracias a las exposiciones celebradas en París, los jóvenes artistas han ido descubriendo a los maestros. grabado japonés como Utamaro, Hokusai y Hiroshige. Una disposición especial, hasta ahora desconocida en las bellas artes europeas, de una imagen en una hoja de papel: una composición desplazada o una composición con una inclinación, una transferencia esquemática de la forma, una inclinación por la síntesis artística, ganó el favor de los impresionistas y sus seguidores. .

Historia

Edgar Degas, bailarines azules, 1897, Museo Pushkin im. Pushkin, Moscú

El inicio de la búsqueda de los impresionistas se remonta a la década de 1860, cuando los jóvenes artistas ya no estaban satisfechos con los medios y fines del academicismo, por lo que cada uno de ellos busca de forma independiente otras formas de desarrollar su estilo. En 1863, Edouard Manet expuso la pintura “Almuerzo sobre la hierba” en el “Salón de los Rechazados” y habló activamente en las reuniones de poetas y artistas en el café Guerbois, a las que asistieron todos los futuros fundadores del nuevo movimiento. gracias a lo cual se convirtió en el principal defensor del arte moderno.

En 1864, Eugene Boudin invitó a Monet a Honfleur, donde vivió todo el otoño, observando a su maestro pintar bocetos en pasteles y acuarelas, mientras su amigo Jonkind aplicaba pintura a su trabajo con trazos vibrantes. Fue aquí donde le enseñaron a trabajar al aire libre ya escribir con colores claros.

En 1871, durante la guerra franco-prusiana, Monet y Pissarro parten hacia Londres, donde conocen la obra del precursor del impresionismo, William Turner.

Claude Monet. Impresión. Amanecer. 1872, Museo Marmottan Monet, París.

La aparición del nombre

La primera exposición importante de los impresionistas tuvo lugar del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Se presentaron 30 artistas, en total - 165 obras. Lienzo Monet - “Impresión. Sol naciente" ( Impresión, soleil levant), ahora en el Musée Marmottin, París, escrito en 1872, dio origen al término "Impresionismo": el poco conocido periodista Louis Leroy, en su artículo en la revista "Le Charivari", llamó al grupo "Impresionistas" para expresar su desdén. Los artistas, por un desafío, aceptaron este epíteto, luego echó raíces, perdió su significado negativo original y entró en uso activo.

El nombre "Impresionismo" es bastante vacío, a diferencia del nombre "Escuela de Barbizon", donde al menos hay una indicación de la ubicación geográfica del grupo artístico. Menos aún hay claridad con algunos artistas que no se incluyeron formalmente en el círculo de los primeros impresionistas, aunque sus técnicas y medios son completamente “impresionistas” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, etc.). Además, los medios técnicos de los impresionistas eran conocidos mucho antes del siglo XIX y fueron utilizados (parcialmente, de forma limitada) por Tiziano y Velásquez, sin romper con las ideas dominantes de su época.

Había otro artículo (escrito por Emile Cardon) y otro título - "La Exposición Rebelde", absolutamente desaprobador y condenatorio. Fue ella la que reprodujo fielmente la actitud de desaprobación del público burgués y de crítica hacia los artistas (impresionistas), que dominó durante años. Los impresionistas fueron inmediatamente acusados ​​de inmoralidad, de rebeldía y de no ser respetables. A este momento esto es sorprendente, porque no está claro qué hay de inmoral en los paisajes de Camille Pissarro, Alfred Sisley, las escenas cotidianas de Edgar Degas, las naturalezas muertas de Monet y Renoir.

Han pasado décadas. Y una nueva generación de artistas llegará a un auténtico derrumbe de formas y empobrecimiento de contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron en los impresionistas condenados: los realistas y, un poco más tarde, los clásicos del arte francés.

El impresionismo como fenómeno en el arte

El impresionismo, una de las corrientes más llamativas e interesantes del arte francés del último cuarto del siglo XIX, nació en un entorno muy difícil, caracterizado por el abigarramiento y los contrastes, lo que impulsó el surgimiento de muchas tendencias modernas. El impresionismo, a pesar de su corta duración, tuvo un impacto significativo en el arte no solo de Francia, sino también de otros países: Estados Unidos, Alemania (M. Lieberman), Bélgica, Italia, Inglaterra. En Rusia, K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (los más cercanos en estética a los impresionistas), los primeros V. Serov y también I. Grabar experimentaron la influencia del impresionismo. El impresionismo fue el último gran movimiento artístico en Francia XIX siglo, allanando la línea entre el arte de los tiempos modernos y modernos.

Según M. Aplatov, “el impresionismo puro probablemente no existió. El impresionismo no es una doctrina, no podría tener formas canonizadas... Los pintores impresionistas franceses, en mayor o menor grado, tienen una u otra de sus características.” Por lo general, el término "impresionismo" significa una dirección en la pintura, aunque sus ideas han encontrado su encarnación en otras formas de arte, por ejemplo, en la música.

El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, transmitir o crear una impresión, que ha alcanzado un refinamiento sin precedentes, un arte en el que la trama no es importante. Esta es una nueva realidad artística subjetiva. Los impresionistas expusieron sus propios principios de percepción y visualización del mundo circundante. Borraron la línea entre los temas principales dignos arte alto y artículos secundarios.

Un principio importante del impresionismo fue la desviación de la tipicidad. La fugacidad, una mirada casual ha entrado en el arte, parece que los lienzos de los impresionistas los escribiera un simple transeúnte paseando por los bulevares y disfrutando de la vida. Fue una revolución en la visión.

La estética del impresionismo se configuró en parte como un intento de liberarse decididamente de las convenciones del arte clásico, así como del persistente simbolismo y la reflexión de la pintura tardorromántica, que ofrecía ver significados encriptados en todo aquello que requería una cuidadosa interpretación. El impresionismo afirma no solo la belleza de la realidad cotidiana, sino que también hace artísticamente significativa la variabilidad percibida del mundo circundante, la naturalidad de una impresión espontánea, impredecible y aleatoria. Los impresionistas se esfuerzan por capturar su atmósfera colorida sin detallarla ni interpretarla.

Como movimiento artístico, el impresionismo, en particular en la pintura, agotó rápidamente sus posibilidades. El impresionismo francés clásico era demasiado estrecho y pocos se mantuvieron fieles a sus principios durante toda su vida. En el proceso de desarrollo del método impresionista, la subjetividad de la percepción pictórica superó a la objetividad y se elevó a un nivel formal cada vez más alto, abriendo el camino a todas las corrientes del postimpresionismo, incluido el simbolismo de Gauguin y el expresionismo de Van Gogh. Pero, a pesar del estrecho marco de tiempo, unas dos décadas, el impresionismo llevó el arte a un nivel fundamentalmente diferente, teniendo un impacto significativo en todo: pintura moderna, la música y la literatura, así como el cine.

El impresionismo introdujo nuevos temas; las obras de un estilo maduro se distinguen por su vitalidad luminosa y espontánea, el descubrimiento de nuevas posibilidades artísticas del color, la estetización de una nueva técnica pictórica, la estructura misma de la obra. Son estas características que surgieron en el impresionismo las que se desarrollan aún más en el neoimpresionismo y el postimpresionismo. El impacto del impresionismo como aproximación a la realidad o como sistema de técnicas expresivas se encuentra en casi todos escuelas de arte principios del siglo XX, se convirtió en el punto de partida para el desarrollo de una serie de áreas, hasta el abstraccionismo. Algunos de los principios del impresionismo, la transmisión del movimiento instantáneo, la fluidez de la forma, se manifestaron en diversos grados en la escultura de la década de 1910, por E Degas, el padre. Rodin, M. Golubkina. El impresionismo artístico enriqueció en gran medida los medios de expresión en la literatura (P. Verlaine), la música (C. Debussy) y el teatro.

2. Impresionismo en la pintura

En la primavera de 1874, un grupo de jóvenes pintores, incluidos Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne y Berthe Morisot, abandonaron el Salón oficial y organizaron su propia exposición, convirtiéndose más tarde en las figuras centrales de la nueva dirección. Tuvo lugar del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar en París, en el Boulevard des Capucines. Se presentaron 30 artistas, en total - 165 obras. Tal acto fue en sí mismo revolucionario y rompió con los cimientos seculares, mientras que las pinturas de estos artistas a primera vista parecían aún más hostiles a la tradición. Pasaron años antes de que estos clásicos de la pintura, más tarde reconocidos, fueran capaces de convencer al público no solo de su sinceridad, sino también de su talento. Todos estos artistas tan diferentes estaban unidos por una lucha común contra el conservadurismo y el academicismo en el arte. Los impresionistas realizaron ocho exposiciones, la última en 1886.

Fue en la primera exposición en 1874 en París que apareció una pintura de Claude Monet, que representaba un amanecer. Atrajo la atención de todos principalmente con un título inusual: “Impresión. Amanecer". Pero la pintura en sí era inusual, transmitía ese juego de colores y luces casi esquivo y cambiante. Fue el nombre de esta pintura, "Impresión", gracias a la burla de uno de los periodistas, que marcó el comienzo de toda una tendencia en la pintura, llamada impresionismo (de la palabra francesa "impression" - impresión).

Tratando de expresar sus impresiones inmediatas de las cosas con la mayor precisión posible, los impresionistas crearon un nuevo método de pintura. Su esencia era transmitir la impresión externa de luz, sombra, reflejos en la superficie de los objetos con trazos separados de colores puros, que disolvían visualmente la forma en el entorno de luz y aire circundante.

Se sacrificó la credibilidad a la percepción personal: los impresionistas, dependiendo de su visión, podían escribir el cielo verde y la hierba azul, las frutas en sus bodegones eran irreconocibles, las figuras humanas eran vagas y esquemáticas. Lo importante no era lo que se representaba, sino el "cómo" era importante. El objeto se convirtió en una ocasión para resolver problemas visuales.

La brevedad, la naturaleza de estudio del método creativo del impresionismo es característica. Después de todo, solo un breve estudio hizo posible registrar con precisión los estados individuales de la naturaleza. Lo que antes solo estaba permitido en los estudios ahora se ha convertido en caracteristica principal lienzos terminados. Los artistas impresionistas intentaron con todas sus fuerzas superar la naturaleza estática de la pintura, para capturar para siempre todo el encanto de un momento esquivo. Comenzaron a usar composiciones asimétricas para resaltar mejor aquellos que les interesaban. actores y artículos. En algunos métodos de construcción impresionista de la composición y el espacio, la influencia de la pasión por la época es tangible: no la antigüedad como antes, el grabado japonés (de maestros como Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) y en parte la fotografía, sus primeros planos y nuevos puntos de vista.

Los impresionistas también actualizaron la coloración, abandonaron las pinturas y barnices oscuros y terrosos y aplicaron colores puros y espectrales al lienzo, casi sin mezclarlos primero en la paleta. La negrura condicional, de "museo", en sus lienzos da paso al juego de sombras coloreadas.

Gracias a la invención de los tubos metálicos de pintura listos para llevar, que sustituyeron a las antiguas pinturas hechas a mano a base de aceite y pigmentos en polvo, los artistas pudieron salir de sus estudios para trabajar al aire libre. Trabajaron muy rápido, porque el movimiento del sol cambiaba la iluminación y el color del paisaje. A veces, exprimían la pintura sobre el lienzo directamente del tubo y obtenían colores puros y brillantes con un efecto de pincelada. Al colocar un toque de una pintura junto a otra, a menudo dejaban la superficie de las pinturas áspera. Para preservar la frescura y la variedad de colores de la naturaleza en la imagen, los impresionistas crearon un sistema pictórico que se distingue por la descomposición de tonos complejos en colores puros y la interpenetración de trazos separados de color puro, como si se mezclaran en el ojo. del espectador, con sombras coloreadas y percibidas por el espectador según la ley de los colores complementarios.

Buscando la máxima inmediatez en el traslado del mundo circundante, por primera vez en la historia del arte, los impresionistas comenzaron a pintar mayoritariamente al aire libre y plantearon la importancia de un estudio de la naturaleza, que casi desplazó al tipo de pintura tradicional. , cuidadosa y lentamente creada en el estudio. En virtud del propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. El tema principal para ellos fue la luz temblorosa, el aire, en el que las personas y los objetos están, por así decirlo, inmersos. En sus pinturas se podía sentir el viento, la tierra húmeda y calentada por el sol. Intentaron mostrar la asombrosa riqueza de color en la naturaleza.

Impresionismo introdujo nuevos temas en el arte: la vida cotidiana de la ciudad, los paisajes callejeros y el entretenimiento. Su abanico temático y argumental era muy amplio. En sus paisajes, retratos y composiciones de múltiples figuras, los artistas se esfuerzan por preservar la imparcialidad, la fuerza y ​​la frescura de la “primera impresión”, sin entrar en detalles individuales, donde el mundo es un fenómeno en constante cambio.

El impresionismo se distingue por su vitalidad brillante e inmediata. Se caracteriza por la individualidad y el valor estético de los lienzos, su deliberada aleatoriedad e incompletitud. En general, las obras de los impresionistas se distinguen por la alegría, la pasión por la belleza sensual del mundo.

El impresionismo (impresionismo) es un estilo de pintura que apareció a finales del siglo XIX en Francia y luego se extendió por todo el mundo. La idea misma del impresionismo radica en su nombre: impresión - impresión. Los artistas que estaban cansados ​​​​de las técnicas tradicionales de pintura academicista, que, en su opinión, no transmitían toda la belleza y la vivacidad del mundo, comenzaron a utilizar técnicas y métodos de representación completamente nuevos, que se suponía que debían expresar de la manera más accesible. No forme una mirada "fotográfica", sino una impresión de lo que ve. En su pintura, el artista impresionista, utilizando la naturaleza de los trazos y la paleta de colores, intenta transmitir la atmósfera, el calor o el frío, viento fuerte o el silencio pacífico, una mañana lluviosa con niebla o una tarde soleada brillante, así como sus experiencias personales de lo que vieron.

El impresionismo es un mundo de sentimientos, emociones e impresiones fugaces. No es el realismo externo o la naturalidad lo que se valora aquí, sino el realismo de las sensaciones expresadas, el estado interno del cuadro, su atmósfera, la profundidad. Inicialmente estilo dado fue fuertemente criticado. Las primeras pinturas impresionistas se exhibieron en el Salon des Les Misérables de París, donde se exhibieron obras de artistas rechazados por el Salón de Arte oficial de París. Por primera vez el término "impresionismo" fue utilizado por el crítico Louis Leroy, quien escribió una crítica despectiva en la revista "Le Charivari" sobre la exposición de artistas. Como base para el término, tomó la pintura de Claude Monet “Impresión. Sol naciente". Llamó a todos los artistas impresionistas, lo que se puede traducir aproximadamente como "impresionistas". Al principio, las pinturas fueron de hecho criticadas, pero pronto comenzaron a llegar al salón más y más fanáticos de la nueva dirección en el arte, y el género en sí pasó de ser un paria a ser reconocido.

Cabe señalar que los artistas finales del siglo XIX siglos en Francia, se les ocurrió un nuevo estilo no desde cero. Tomaron como base las técnicas de los pintores del pasado, incluidos los artistas del Renacimiento. Pintores como El Greco, Velázquez, Goya, Rubens, Turner y otros, mucho antes del surgimiento del impresionismo, trataron de transmitir el estado de ánimo de la imagen, la vivacidad de la naturaleza, la expresividad especial del clima con la ayuda de varios tonos intermedios. , trazos brillantes o viceversa que parecían cosas abstractas. En sus pinturas, lo usaban con bastante moderación, por lo que técnica inusual no visible para el espectador. Los impresionistas, por otro lado, decidieron tomar estos métodos de representación como base para sus obras.

Uno mas característica específica obras de los impresionistas es una especie de cotidianidad superficial, que, sin embargo, contiene una profundidad increíble. No intentan expresar temas filosóficos profundos, tareas mitológicas o religiosas, históricas y eventos importantes. Las pinturas de los artistas de esta dirección son inherentemente simples y cotidianas: paisajes, naturalezas muertas, personas caminando por la calle o haciendo sus propias cosas. lo de siempre y así. Son precisamente esos momentos en los que no hay una temática excesiva que distraiga a una persona, los sentimientos y las emociones de lo que ven surgir. Además, los impresionistas, al menos al comienzo de su existencia, no representaron temas "pesados": pobreza, guerras, tragedias, sufrimiento, etc. Las pinturas impresionistas suelen ser las obras más positivas y alegres, donde hay mucha luz, colores brillantes, claroscuros suavizados, contrastes suaves. El impresionismo es una impresión agradable, la alegría de vivir, la belleza de cada momento, el placer, la pureza, la sinceridad.

por la mayoría impresionistas famosos se convirtieron en grandes artistas como Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro y muchos otros.

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Alfred Sisley - Céspedes en primavera

Camille Pissarro - Bulevar Montmartre. Tarde, soleado.

El impresionismo es una corriente en el arte que surgió en la segunda mitad del siglo XIX. Su objetivo principal era la transmisión de impresiones fugaces y cambiantes.

El surgimiento del impresionismo está asociado con la ciencia: con los últimos descubrimientos de la óptica y la teoría del color.

Esta dirección afectó a casi todos los tipos de arte, pero se manifestó más claramente en la pintura, donde la transferencia de color y luz fue la base del trabajo de los artistas impresionistas.

Significado del término

Impresionismo(fr. Impressionnisme) de impresión - impresión). Este estilo de pintura apareció en Francia a fines de la década de 1860. Estuvo representado por Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Pero el término en sí apareció en 1874, cuando la pintura de Monet “Impresión. Sol naciente (1872). En el título de la pintura, Monet quiso decir que transmite solo su impresión fugaz del paisaje.

C. Monet “Impresión. Amanecer" (1872). Museo Marmottan Monet, París
Más tarde, el término "impresionismo" en pintura comenzó a entenderse de manera más amplia: un estudio cuidadoso de la naturaleza en términos de color e iluminación. El objetivo de los impresionistas era representar situaciones y movimientos instantáneos, por así decirlo, "aleatorios". Para ello utilizaron diversas técnicas: ángulos complejos, asimetría, fragmentación de composiciones. La imagen de los artistas impresionistas se vuelve, por así decirlo, momento congelado mundo en constante cambio.

El método artístico de los impresionistas

Los géneros más populares de los impresionistas son los paisajes y las escenas de la vida urbana. Siempre se escribieron "al aire libre", es decir, directamente de la naturaleza, en la naturaleza, sin bocetos ni bocetos preliminares. Los impresionistas notaron y pudieron transmitir sobre lienzo colores y matices que generalmente son invisibles. con un simple ojo y un espectador desatento. Por ejemplo, transferir de color azul en las sombras o rosa - al atardecer. Descompusieron tonos complejos en sus colores puros constituyentes del espectro. A partir de esto, su pintura resultó ser ligera y temblorosa. Los pintores impresionistas aplicaron la pintura en trazos separados, de manera libre e incluso descuidada, por lo que sus pinturas se ven mejor desde la distancia; es con esta mirada que se crea el efecto de un vivo parpadeo de colores.
Los impresionistas abandonaron el contorno, reemplazándolo con pequeños trazos separados y contrastados.
K. Pissarro, A. Sisley y C. Monet preferían los paisajes y las escenas urbanas. A O. Renoir le gustaba representar a las personas en el seno de la naturaleza o en el interior. El impresionismo francés no planteó cuestiones filosóficas y problemas sociales. No recurrieron a temas bíblicos, literarios, mitológicos, históricos, inherentes al academicismo oficial. En vez de pinturas apareció una imagen de cotidianidad y modernidad; la imagen de personas en movimiento, mientras se relajan o se divierten. Sus temas principales son el coqueteo, el baile, la gente en cafés y teatros, paseos en barco, playas y jardines.
Los impresionistas intentaron captar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada tema, dependiendo de la iluminación y la hora del día. En este sentido, los ciclos de pinturas de Monet "Pajares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres" pueden considerarse el mayor logro.

C. Monet "Catedral de Rouen bajo el sol" (1894). Musée d'Orsay, París, Francia
"Catedral de Rouen" es una serie de 30 pinturas de Claude Monet, que representan vistas de la catedral según la hora del día, el año y la iluminación. Este ciclo fue escrito por el artista en la década de 1890. La catedral le permitió mostrar la relación entre la estructura constante y sólida del edificio y la luz cambiante, fácilmente lúdica, que modifica nuestra percepción. Monet se concentra en fragmentos individuales de la catedral gótica y elige el portal, la torre de San Martín y la torre de Albane. Sólo le interesa el juego de luces sobre la piedra.

C. Monet "Catedral de Rouen, Portal Oeste, Tiempo brumoso" (1892). Museo de Orsay, París

C. Monet “Catedral de Rouen, portal y torre, efecto mañana; armonía blanca" (1892-1893). Museo de Orsay, París

C. Monet "Catedral de Rouen, portal y torre al sol, armonía de azul y oro" (1892-1893). Museo de Orsay, París
Después de Francia, los artistas impresionistas aparecieron en Inglaterra y Estados Unidos (James Whistler), en Alemania (Max Lieberman, Lovis Corinth), en España (Joaquín Sorolla), en Rusia (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).

Sobre la obra de algunos artistas impresionistas

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, fotografía 1899
Pintor francés, uno de los fundadores del impresionismo. Nacido en París. Fue aficionado al dibujo desde pequeño, a los 15 años demostró ser un talentoso dibujante. A pintura de paisaje fue presentado por Eugene Boudin - artista francés, precursor del impresionismo. Monet ingresó más tarde a la universidad en la Facultad de Artes, pero se desilusionó y lo dejó, inscribiéndose en el estudio de pintura de Charles Gleyre. En el estudio conoció a los artistas Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Eran prácticamente iguales, tenían puntos de vista similares sobre el arte y pronto formaron la columna vertebral del grupo impresionista.
La fama de Monet fue traída por el retrato de Camille Donsier, escrito en 1866 ("Camille, o un retrato de una dama con un vestido verde"). Camilla en 1870 se convirtió en la esposa del artista.

C. Monet "Camilla" ("La dama de verde") (1866). Kunsthalle, Bremen

C. Monet "Paseo: Camille Monet con su hijo Jean (Mujer con paraguas)" (1875). Galería Nacional de Arte, Washington
En 1912, los médicos le diagnosticaron a K. Monet una doble catarata, tuvo que someterse a dos operaciones. Habiendo perdido la lente en su ojo izquierdo, Monet recuperó la vista, pero comenzó a ver el ultravioleta como azul o azul. color púrpura, por lo que sus pinturas han adquirido nuevos colores. Por ejemplo, al pintar los famosos "Nenúfares", Monet vio lirios azulados en el rango ultravioleta, para otras personas eran simplemente blancos.

C. Monet "Nenúfares"
El artista murió el 5 de diciembre de 1926 en Giverny y fue enterrado en el cementerio de la iglesia local.

Camille Pissarro (1830-1903)

C. Pissarro "Autorretrato" (1873)

Pintor francés, uno de los primeros y más consistentes representantes del impresionismo.
Nacido en la isla de Santo Tomás (Antillas), en el seno de una familia burguesa de origen judío sefardí y oriundo de la República Dominicana. Hasta los 12 años vivió en las Indias Occidentales, a los 25 años se mudó a París con toda su familia. Estudié en la escuela aquí Bellas Artes y en la Academia de Suiz. Sus maestros fueron Camille Corot, Gustave Courbet y Charles-Francois Daubigny. Empezó desde paisajes rurales y vistas de París. Pissarro tuvo una fuerte influencia en los impresionistas, desarrollando de forma independiente muchos de los principios que formaron la base de su estilo de pintura. Fue amigo de los artistas Degas, Cezanne y Gauguin. Pizarro fue único miembro las 8 exposiciones impresionistas.
Murió en 1903 en París. Fue enterrado en el cementerio Pere Lachaise.
Ya estoy en eso trabajo temprano el artista prestó especial atención a la imagen de los objetos iluminados en el aire. La luz y el aire se han convertido desde entonces en el tema principal de la obra de Pissarro.

C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Tarde soleada" (1897)
en 1890, Pizarro se interesó por la técnica del puntillismo (aplicación separada de trazos). Pero después de un tiempo volvió a su forma habitual.
A últimos años La vista de Camille Pissarro se deterioró notablemente. Pero siguió trabajando y creó una serie de vistas de París, llenas de emociones artísticas.

K. Pissarro "Calle en Rouen"
El ángulo inusual de algunas de sus pinturas se explica por el hecho de que el artista las pintó desde habitaciones de hotel. Esta serie fue uno de los mayores logros del impresionismo en la transferencia de luz y efectos atmosféricos.
Pissarro también pintó en acuarela y creó una serie de grabados y litografías.
Aquí hay algunos de sus refranes interesantes sobre el arte del impresionismo: "Impresionistas en la direccion correcta, su arte es sano, se basa en los sentimientos y es honesto".
“¡Feliz es aquel que puede ver la belleza en las cosas ordinarias, donde otros no ven nada!”

C. Pissarro "La primera helada" (1873)

impresionismo ruso

El impresionismo ruso se desarrolló desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. Fue influenciado por el trabajo de los impresionistas franceses. Pero el impresionismo ruso tiene un pronunciado especificidades nacionales y en muchos aspectos no coincide con las ideas de los libros de texto sobre el clásico impresionismo francés. La objetividad y la materialidad predominan en la pintura de los impresionistas rusos. Tiene mayor carga de significado y menor dinamización. El impresionismo ruso está más cerca que el impresionismo francés del realismo. impresionistas franceses enfatizaron la impresión de lo que vieron, y los rusos también agregaron un reflejo del estado interior del artista. El trabajo debía completarse en una sola sesión.
Cierta incompletitud del impresionismo ruso crea el "asombro de la vida" que era característico de ellos.
El impresionismo incluye el trabajo de artistas rusos: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov y otros.

V. Serov "Chica con melocotones" (1887)

Esta imagen se considera el estándar del impresionismo ruso en el retrato.

Valentin Serov "Chica con melocotones" (1887). Lienzo, óleo. 91×85 cm Galería Estatal Tretyakov
El cuadro fue pintado en la finca de Savva Ivanovich Mamontov en Abramtsevo, que adquirió de la hija del escritor Sergei Aksakov en 1870. El retrato representa a Vera Mamontova, de 12 años. La niña está dibujada sentada a la mesa; lleva una blusa rosa con un lazo azul oscuro; sobre la mesa hay un cuchillo, melocotones y hojas.
“Todo lo que quería era frescura, esa frescura especial que siempre se siente en la naturaleza y que no se ve en las fotos. Escribí durante más de un mes y la agoté, pobrecita, hasta la muerte, realmente quería preservar la frescura de la pintura con total integridad, así es como los viejos maestros ”(V. Serov).

Impresionismo en otras formas de arte.

En literatura

En la literatura, el impresionismo como una tendencia separada no tomó forma, pero sus características se reflejaron en naturalismo y simbolismo .

Edmond y Jules Goncourt. Foto
Principios naturalismo se puede rastrear en las novelas de los hermanos Goncourt y George Eliot. Pero Emile Zola fue el primero en utilizar el término "naturalismo" para referirse a su propia obra. En torno a Zola se agruparon los escritores Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans y Paul Alexis. Tras la publicación de la colección Medan Evenings (1880) con historias francas sobre los desastres de la guerra franco-prusiana (incluida la historia de Maupassant "Dumpling"), se les asignó el nombre del "grupo Medan".

emilio zola
El principio naturalista en la literatura a menudo ha sido criticado por su falta de arte. Por ejemplo, I. S. Turgenev escribió sobre una de las novelas de Zola que "hay mucho que cavar en los orinales". Gustave Flaubert también fue crítico con el naturalismo.
Zola apoyado relaciones amistosas con muchos pintores impresionistas.
simbolistas símbolos usados, eufemismo, insinuaciones, misterio, misterio. El estado de ánimo principal capturado por los simbolistas fue el pesimismo, llegando a la desesperación. Todo lo “natural” parecía ser solo “apariencia”, que no tenía valor artístico independiente.
Así, el impresionismo en la literatura se expresó por la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad, la imagen de cada momento. De hecho, esto condujo a la ausencia de argumento e historia, al reemplazo del pensamiento por la percepción y de la razón por el instinto.

G. Courbet "Retrato de P. Verlaine" (hacia 1866)
Un ejemplo sorprendente de impresionismo poético es la colección de Paul Verlaine Romances Without Words (1874). En Rusia, la influencia del impresionismo la experimentaron Konstantin Balmont e Innokenty Annensky.

V. Serov "Retrato de K. Balmont" (1905)

Innokenty Annensky. Foto
Estos sentimientos también afectaron a la dramaturgia. En las obras hay una percepción pasiva del mundo, un análisis de los estados anímicos, mentales. Los diálogos concentran impresiones fugaces dispares. Estos rasgos son característicos de la obra de Arthur Schnitzler.

En musica

El impresionismo musical se desarrolló en Francia en los últimos cuarto XIX en. - principios del siglo XX. Se expresó más claramente en las obras de Eric Satie, Claude Debussy y Maurice Ravel.

eric satie
El impresionismo musical se acerca al impresionismo en pintura francesa. No solo tienen raíces comunes, sino también relaciones de causa y efecto. Los compositores impresionistas buscaron y encontraron no solo analogías, sino también medios expresivos en las obras de Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes y Henri de Toulouse-Lautrec. Por supuesto, los medios de pintar y los medios arte musical pueden conectarse entre sí solo con la ayuda de paralelos asociativos especiales y sutiles que existen solo en la conciencia. Si miras la imagen borrosa de París "bajo la lluvia de otoño" y los mismos sonidos, "amortiguados por el ruido de las gotas que caen", entonces aquí solo puedes hablar de la propiedad. imagen artistica pero no la imagen real.

Claude Debussy
Debussy escribe "Nubes", "Estampas" (la más figurativa de las cuales, un boceto sonoro de acuarela - "Jardines bajo la lluvia"), "Imágenes", "Reflejos en el agua", que evocan asociaciones directas con pintura famosa Impresión de Claude Monet: Amanecer. Según Mallarmé, los compositores impresionistas aprendieron a “oír la luz”, a transmitir en sonidos el movimiento del agua, la vibración de las hojas, el soplo del viento y la refracción de la luz del sol en el aire de la tarde.

Mauricio Ravel
M. Ravel tiene conexiones directas entre la pintura y la música en su obra sonora-pictórica "El juego del agua", el ciclo de piezas "Reflejos", la colección pianística "Susurro de la noche".
Los impresionistas crearon obras de arte refinadas y al mismo tiempo claras en los medios expresivos, emocionalmente contenidas, libres de conflictos y estrictas en estilo.

en escultura

O. Rodin "El beso"

El impresionismo en la escultura se expresó en la plasticidad libre de formas suaves, lo que crea un complejo juego de luces en la superficie del material y una sensación de incompletitud. En las poses de los personajes escultóricos se captura el momento de movimiento y desarrollo.

O. Rodín. Fotografía 1891
Esta dirección incluye las obras escultóricas de O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Rusia).

V. Serov "Retrato de Paolo Trubetskoy"

Pavel (Paolo) Trubetsköy(1866-1938) - escultor y artista, trabajó en Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Rusia y Francia. Nacido en Italia. El hijo ilegítimo de un emigrante ruso, el príncipe Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Desde niño, he estado esculpiendo y pintando por mi cuenta. No tenía educación. En el período inicial de su obra, realiza bustos retratos, obras de pequeñas artes plásticas y participa en concursos para la creación de grandes esculturas.

P. Trubetskoy "Monumento a Alejandro III", San Petersburgo
La primera exposición de las obras de Paolo Trubetskoy tuvo lugar en los EE. UU. en 1886. En 1899, el escultor llegó a Rusia. Participa en el concurso para la creación de un monumento a Alejandro III y, inesperadamente para todos, recibe el primer premio. Este monumento provocó y sigue provocando valoraciones contradictorias. Es difícil imaginar un monumento más estático y pesado. Y solo una evaluación positiva de la familia imperial permitió que el monumento tomara el lugar apropiado: encontraron similitudes con el original en la imagen escultórica.
Los críticos creían que Trubetskoy trabajaba con el espíritu del "impresionismo obsoleto".

La imagen de Trubetskoy del brillante escritor ruso resultó ser más "impresionista": aquí hay claramente movimiento: en los pliegues de la camisa, la barba suelta, el giro de la cabeza, incluso hay una sensación de que el escultor logró captar la tensión del pensamiento de L. Tolstoy.

P. Trubetskoy "Busto de León Tolstoi" (bronce). Galería Estatal Tretyakov

A mediados de la década de 1880, el impresionismo dejó de existir gradualmente como una sola dirección y se desintegró, dando un impulso notable a la evolución del arte. A principios del siglo XX, la tendencia de abandonar el realismo ganó impulso y una nueva generación de artistas se alejó del impresionismo.

La aparición del nombre

La primera exposición importante de los impresionistas se celebró del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Se presentaron 30 artistas, 165 obras en total. Lienzo Monet - “Impresión. Sol naciente " ( Impresión, soleil levant), ahora en el Musée Marmottin, París, escrito en 1872, dio origen al término "impresionismo": el poco conocido periodista Louis Leroy, en su artículo en la revista Le Charivari, llamó al grupo "impresionistas" para expresar su desdén . Los artistas, por un desafío, aceptaron este epíteto, luego echó raíces, perdió su significado negativo original y entró en uso activo.

El nombre "Impresionismo" es bastante insignificante, en contraste con el nombre "Escuela de Barbizon", donde al menos hay una indicación de la ubicación geográfica del grupo artístico. Hay aún menos claridad con algunos artistas que no se incluyeron formalmente en el círculo de los primeros impresionistas, aunque sus métodos y medios técnicos son completamente "impresionistas" - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, etc. Además, los medios técnicos de los impresionistas eran conocidos mucho antes del siglo XIX y fueron (parcialmente, limitadamente) utilizados por Tiziano y Velásquez, sin romper con las ideas dominantes de su época.

Había otro artículo (escrito por Emile Cardon) y otro título - "Exhibición Rebelde", absolutamente desaprobador y condenatorio. Fue ella la que reprodujo fielmente la actitud de desaprobación del público burgués y de crítica hacia los artistas (impresionistas), que dominó durante años. Los impresionistas fueron inmediatamente acusados ​​de inmoralidad, de rebeldía y de no ser respetables. Por el momento, esto es sorprendente, porque no está claro qué hay de inmoral en los paisajes de Camille Pissarro, Alfred Sisley, las escenas cotidianas de Edgar Degas, las naturalezas muertas de Monet y Renoir.

Han pasado décadas. Y una nueva generación de artistas llegará a un auténtico derrumbe de formas y empobrecimiento de contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron en los impresionistas condenados: los realistas y, un poco más tarde, los clásicos del arte francés.

La especificidad de la filosofía del impresionismo

El impresionismo francés no planteó problemas filosóficos y ni siquiera trató de penetrar la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo, siendo arte en hasta cierto punto campy y manierista, centrándose en la superficialidad, la fluidez del momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Al igual que el arte del Renacimiento (Renacimiento), el impresionismo se basa en las características y habilidades de percepción de la perspectiva. Al mismo tiempo, la visión renacentista explota con la probada subjetividad y relatividad de la percepción humana, que hace del color y de la forma componentes autónomos de la imagen. Para el impresionismo no es tan importante lo que se muestra en la figura, sino cómo se muestra.

Las pinturas impresionistas no llevan crítica social, no tocan problemas sociales como el hambre, la enfermedad, la muerte, presentando solo los aspectos positivos de la vida. Esto más tarde condujo a una división entre los propios impresionistas.

Impresionismo y Sociedad

El impresionismo se caracteriza por la democracia. Por inercia, el arte en el siglo XIX era considerado un monopolio de aristócratas, estratos superiores población. Fueron ellos quienes actuaron como los principales clientes de murales, monumentos, fueron ellos quienes fueron los principales compradores de pinturas y esculturas. Parcelas con el arduo trabajo de los campesinos, páginas trágicas la modernidad, los aspectos vergonzosos de las guerras, la pobreza, la agitación social fueron condenados, desaprobados, no comprados. La crítica de la moral blasfema de la sociedad en las pinturas de Theodore Géricault, Francois Millet encontró una respuesta solo de los partidarios de los artistas y algunos expertos.

Los impresionistas en este asunto ocuparon posiciones intermedias bastante comprometidas. bíblicos, literarios, mitológicos, tramas históricas inherentes al academicismo oficial. Por otro lado, deseaban ardientemente el reconocimiento, el respeto, incluso los premios. Indicativa es la actividad de Edouard Manet, que durante años buscó reconocimientos y premios del Salón oficial y de su administración.

En cambio, apareció una visión de la vida cotidiana y la modernidad. Los artistas a menudo pintaban personas en movimiento, durante la diversión o la relajación, imaginaban una vista de un lugar determinado con una luz determinada, la naturaleza también era el motivo de su trabajo. Tomaron temas de coqueteo, baile, hospedaje en cafés y teatros, paseos en bote, en playas y en jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable (una serie de pinturas de Renoir, Manet y Claude Monet). Los impresionistas fueron de los primeros en pintar en el aire, sin finalizar su trabajo en el estudio.

Técnica

La nueva tendencia difería de la pintura académica tanto técnica como ideológicamente. En primer lugar, los impresionistas abandonaron el contorno, sustituyéndolo por pequeños trazos separados y contrastados, que aplicaron de acuerdo con las teorías cromáticas de Chevreul, Helmholtz y Rude. El rayo de sol se divide en sus componentes: violeta, azul, azul, verde, amarillo, naranja, rojo, pero como el azul es una variedad del azul, su número se reduce a seis. Dos colores colocados uno al lado del otro se refuerzan y, a la inversa, cuando se mezclan pierden su intensidad. Además, todos los colores se dividen en primarios o primarios y duales o derivados, siendo cada pintura dual adicional a la primera:

• Azul - Naranja
• rojo verde
• Amarillo - Púrpura

Así se hizo posible no mezclar colores en la paleta y obtener color deseado superponiéndolos correctamente en el lienzo. Esto más tarde se convirtió en el motivo del rechazo del negro.

Luego los impresionistas dejaron de concentrar todo el trabajo sobre los lienzos en los talleres, ahora prefieren el aire libre, donde es más conveniente captar una fugaz impresión de lo que vieron, lo cual fue posible gracias a la invención de los tubos de acero para pintar, que, a diferencia de las bolsas de cuero, podía cerrarse para que la pintura no se secara.

Además, los artistas utilizaron pinturas opacas que no transmiten bien la luz y no son aptas para mezclar porque se vuelven grises rápidamente, esto les permitió crear pinturas no con " interno", a " externo» la luz se refleja en la superficie.

Las diferencias técnicas contribuyeron al logro de otros objetivos, en primer lugar, los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada tema según la iluminación y la hora del día, la encarnación más alta fueron los ciclos de pinturas de Monet "Almiares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres".

En general, muchos maestros trabajaron en el estilo del impresionismo, pero la base del movimiento fue Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederic Basil y Berthe Morisot. Sin embargo, Manet siempre se llamó a sí mismo un "artista independiente" y nunca participó en exposiciones, y aunque Degas participó, nunca pintó sus obras al aire libre.

Cronología por artistas

impresionistas

Exposiciones

• Primera exposición(15 de abril - 15 de mayo)

Dirección: Boulevard Capuchinok, 35 (estudio del fotógrafo Nadar). Miembros: Astruc, Attendu, Beliar, Bracquemont, Brandon, Boudin, Bureau, Guillaumin, Debra, Degas, Kals, Colin, La Touche, Lever, Lepic, Lepin, Meyer, de Molin, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, Giuseppe De Nittis , A. Otten, L. Otten,

fr. impresión - impresión) - una dirección en el arte del último tercio del siglo XIX - temprano. del siglo XX, cuyos representantes comenzaron a pintar paisajes y escenas de género directamente del natural, tratando de transmitir el resplandor del sol, el soplo del viento, el susurro de la hierba, el movimiento de la multitud de la ciudad con colores muy limpios e intensos. Los impresionistas se esforzaron por capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial, para transmitir sus fugaces impresiones.

Gran definición

Definición incompleta ↓

IMPRESIONISMO

Francés impresionismo, de impresión - impresión), dirección en el arte de la estafa. 1860 - principios. 1880 Más claramente manifestado en la pintura. Representantes destacados: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte y J. F. Basile. Junto a ellos, E. Manet y E. Degas exhibieron sus pinturas, aunque el estilo de sus obras no puede llamarse completamente impresionista. El nombre de "impresionistas" se asignó a un grupo de jóvenes artistas tras su primera exposición conjunta en París (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, etc.), lo que provocó una furiosa indignación de público y crítica. Una de las pinturas presentadas por C. Monet (1872) se llamó “Impresión. Sunrise "(" L'impression. Soleil levant "), y el crítico llamó burlonamente a los artistas "impresionistas" - "impresionistas". Los pintores actuaron bajo este nombre en la tercera exposición conjunta (1877). Al mismo tiempo, comenzaron a publicar la revista Impresionista, cada número de la cual estaba dedicado a la obra de uno de los miembros del grupo.

Los impresionistas intentaron capturar el mundo en su constante variabilidad, fluidez, expresa imparcialmente sus impresiones inmediatas. El impresionismo se basó en los últimos descubrimientos de la óptica y la teoría del color (descomposición espectral del rayo solar en los siete colores del arco iris); en esto está en consonancia con el espíritu análisis científico, característica de con. Siglo 19 Sin embargo, los impresionistas mismos no intentaron definir bases teóricas su arte, insistiendo en la espontaneidad, la intuición de la creatividad del artista. principios artísticos Los impresionistas no estaban unidos. Monet pintó paisajes solo en contacto directo con la naturaleza, al aire libre (en plein air) e incluso construyó un taller en un barco. Degas trabajaba en el taller a partir de recuerdos o utilizando fotografías. A diferencia de representantes de movimientos radicales posteriores, los artistas no fueron más allá del sistema ilusorio-espacial renacentista basado en el uso de la perspectiva directa. Se adhirieron firmemente al método de trabajo de la naturaleza, que erigieron en principio fundamental creatividad. Los artistas se esforzaron por "pintar lo que ves" y "como ves". La aplicación consecuente de este método supuso la transformación de todos los fundamentos del sistema pictórico existente: color, composición, construcción espacial. Se aplicaron colores puros al lienzo en pequeños trazos separados: "puntos" multicolores yacían uno al lado del otro, mezclándose en un espectáculo colorido no en la paleta ni en el lienzo, sino en el ojo del espectador. Los impresionistas lograron una sonoridad de color sin precedentes, una riqueza de matices sin precedentes. La pincelada se convirtió en un medio de expresión independiente, llenando la superficie de la imagen con una vibración brillante y viva de partículas de color. El lienzo se comparó con un mosaico que brillaba con colores preciosos. La pintura anterior estaba dominada por negro, gris, tonos marrones; en los lienzos de los impresionistas, los colores brillaban intensamente. Los impresionistas no utilizaron el claroscuro para transmitir volúmenes, abandonaron las sombras oscuras, las sombras en sus pinturas también se colorearon. Los artistas utilizaron ampliamente tonos adicionales (rojo y verde, amarillo y morado), cuyo contraste aumentó la intensidad del color. En las pinturas de Monet, los colores se aclaraban y se disolvían en el resplandor de los rayos. luz de sol, los colores locales tomaron muchos matices.

Los impresionistas representaron el mundo circundante en movimiento perpetuo, la transición de un estado a otro. Comenzaron a pintar una serie de cuadros, queriendo mostrar cómo un mismo motivo cambia según la hora del día, la iluminación, las condiciones climáticas, etc. (ciclos Boulevard Montmartre de C. Pissarro, 1897; Catedral de Rouen, 1893–95, y "Parlamento de Londres", 1903-04, C. Monet). Los artistas han encontrado formas de reflejar en las pinturas el movimiento de las nubes (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), el juego de resplandor de la luz del sol (O. Renoir. "Columpio", 1876), ráfagas de viento (C. Monet. “Terraza en Sainte-Adresse”, 1866), chorros de lluvia (G. Caillebotte. “Jer. Efecto de la lluvia”, 1875), nieve que cae (C. Pissarro. “Pasaje de la ópera. Efecto nieve”, 1898), rápida carrera de caballos (E. Manet "Carreras en Longchamp", 1865).

Los impresionistas desarrollaron nuevos principios para construir la composición. Anteriormente, el espacio de la imagen se asemejaba a un escenario, ahora las escenas capturadas se asemejaban a una instantánea, un marco de fotos. Inventado en el siglo XIX. la fotografía tuvo un impacto significativo en la composición de la pintura impresionista, especialmente en la obra de E. Degas, quien era un fotógrafo apasionado y, en sus propias palabras, buscaba tomar por sorpresa a las bailarinas representadas, verlas “como si por el ojo de una cerradura”, cuando sus poses, líneas corporales naturales, expresivas y auténticas. Al crear pinturas al aire libre, el deseo de capturar la iluminación que cambia rápidamente obligó a los artistas a acelerar el trabajo, escribir "alla prima" (en un solo paso), sin bocetos preliminares. La fragmentación, la "aleatoriedad" de la composición y la forma pictórica dinámica crearon una sensación de frescura especial en las pinturas de los impresionistas.

El género impresionista favorito fue el paisaje; el retrato era también una especie de “paisaje del rostro” (O. Renoir, “Retrato de la actriz J. Samary”, 1877). Además, los artistas ampliaron significativamente la gama de temas de pintura, recurriendo a temas que antes se consideraban indignos de atención: festividades, carreras de caballos, picnics de bohemia artística, la vida tras bambalinas de los teatros, etc. Sin embargo, sus cuadros no tienen una trama detallada, una narración detallada; la vida humana se disuelve en la naturaleza o en la atmósfera de la ciudad. Los impresionistas no escribieron hechos, sino estados de ánimo, matices de sentimientos. Los artistas rechazaron fundamentalmente la historia y temas literarios, evitó retratar dramático, lados oscuros vida (guerras, desastres, etc.). Buscaban liberar al arte del cumplimiento de tareas sociales, políticas y morales, de la obligación de evaluar los fenómenos representados. Los artistas cantaban la belleza del mundo, siendo capaces de convertir el motivo más cotidiano (renovación de una habitación, niebla gris londinense, humo de locomotoras a vapor, etc.) en un espectáculo encantador (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet. "Estación de Saint-Lazare", 1877).

En 1886 tuvo lugar la última exposición de los impresionistas (O. Renoir y K. Monet no participaron en ella). En ese momento, se revelaron importantes desacuerdos entre los miembros del grupo. Se agotaron las posibilidades del método del impresionismo, y cada uno de los artistas comenzó a buscar el suyo propio. Propia manera En arte.

El impresionismo en general metodo creativo Fue un fenómeno del arte predominantemente francés, pero la obra de los impresionistas tuvo un impacto en toda la pintura europea. Luchando por la renovación lenguaje artistico, iluminando la paleta de colores, exponiendo técnicas pictóricas ahora están firmemente incluidas en el arsenal de los artistas. En otros países, J. Whistler (Inglaterra y EE. UU.), M. Lieberman, L. Corinth (Alemania), J. Sorolla (España) estuvieron cerca del impresionismo. Muchos artistas rusos (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar y otros) experimentaron la influencia del impresionismo.

Además de la pintura, el impresionismo se materializó en la obra de algunos escultores (E. Degas y O. Rodin en Francia, M. Rosso en Italia, P. P. Trubetskoy en Rusia) en un modelado vivo y libre de formas suaves y fluidas que crea un juego complejo. de luz en la superficie del material y una sensación de incompletud de la obra; en las poses se capta el momento del movimiento, del desarrollo. En música, la cercanía al impresionismo se encuentra en las obras de C. Debussy ("Velas", "Nieblas", "Reflejos en el agua", etc.).

Gran definición

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