Principios artísticos del impresionismo. El concepto de impresionismo y la historia de la ocurrencia Cómo se traduce la dirección en la pintura impresionista

"Exposición de los impresionistas", basada en el nombre del cuadro de Claude Monet "Impresión. Sol naciente" (fr. Impresión, soleil levant). Inicialmente, este término era algo despectivo, lo que indicaba una actitud correspondiente hacia los artistas que escribían de una nueva manera "descuidada".

Impresionismo en la pintura

orígenes

A mediados de la década de 1880, el impresionismo dejó de existir gradualmente como una sola dirección y se desintegró, dando un impulso notable a la evolución del arte. A principios del siglo XX, la tendencia a alejarse del realismo ganó impulso y una nueva generación de artistas se alejó del impresionismo.

La aparición del nombre

Han pasado décadas. Y una nueva generación de artistas llegará a un auténtico derrumbe de formas y empobrecimiento de contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron en los impresionistas condenados: los realistas y, un poco más tarde, los clásicos del arte francés.

La especificidad de la filosofía del impresionismo

El impresionismo francés no planteó problemas filosóficos y ni siquiera intentó penetrar la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo, siendo un arte hasta cierto punto cursi y manierista, se centra en la superficialidad, la fluidez de un momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Al igual que el arte del Renacimiento (Renacimiento), el impresionismo se basa en las características y habilidades de percepción de la perspectiva. Al mismo tiempo, la visión renacentista explota con la probada subjetividad y relatividad de la percepción humana, que hace del color y de la forma componentes autónomos de la imagen. Para el impresionismo no es tan importante lo que se muestra en la figura, sino cómo se muestra.

Las pinturas impresionistas no llevan crítica social, no tocan problemas sociales como el hambre, la enfermedad, la muerte, presentando solo los aspectos positivos de la vida. Esto más tarde condujo a una división entre los propios impresionistas.

Impresionismo y Sociedad

El impresionismo se caracteriza por la democracia. Por inercia, el arte en el siglo XIX era considerado un monopolio de los aristócratas, las capas altas de la población. Fueron ellos quienes actuaron como los principales clientes de murales, monumentos, fueron ellos quienes fueron los principales compradores de pinturas y esculturas. Parcelas con el trabajo duro de los campesinos, las páginas trágicas de nuestro tiempo, los aspectos vergonzosos de las guerras, la pobreza, la agitación social fueron condenados, no aprobados, no comprados. La crítica de la moralidad blasfema de la sociedad en las pinturas de Theodore Gericault, Francois Millet encontró una respuesta solo de los partidarios de los artistas y algunos expertos.

Los impresionistas en este asunto ocuparon posiciones intermedias bastante comprometidas. Se descartaron tramas bíblicas, literarias, mitológicas, históricas inherentes al academicismo oficial. Por otro lado, deseaban ardientemente el reconocimiento, el respeto, incluso los premios. Indicativa es la actividad de Edouard Manet, que durante años buscó reconocimientos y premios del Salón oficial y de su administración.

En cambio, apareció una visión de la vida cotidiana y la modernidad. Los artistas a menudo pintaban personas en movimiento, durante la diversión o la relajación, imaginaban una vista de un lugar determinado con una luz determinada, la naturaleza también era el motivo de su trabajo. Tomaron temas de coqueteo, baile, hospedaje en cafés y teatros, paseos en bote, en playas y en jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable (una serie de pinturas de Renoir, Manet y Claude Monet). Los impresionistas fueron de los primeros en pintar en el aire, sin finalizar su trabajo en el estudio.

Técnica

La nueva tendencia difería de la pintura académica tanto técnica como ideológicamente. En primer lugar, los impresionistas abandonaron el contorno, sustituyéndolo por pequeños trazos separados y contrastados, que aplicaron de acuerdo con las teorías cromáticas de Chevreul, Helmholtz y Rude. El rayo de sol se divide en sus componentes: violeta, azul, azul, verde, amarillo, naranja, rojo, pero como el azul es una variedad del azul, su número se reduce a seis. Dos colores colocados uno al lado del otro se refuerzan y, a la inversa, cuando se mezclan pierden su intensidad. Además, todos los colores se dividen en primarios o primarios y duales o derivados, siendo cada pintura dual adicional a la primera:

• Azul - Naranja
• rojo verde
• Amarillo - Púrpura

Por lo tanto, fue posible no mezclar pinturas en la paleta y obtener el color deseado aplicándolos correctamente al lienzo. Esto más tarde se convirtió en el motivo del rechazo del negro.

Luego los impresionistas dejaron de concentrar todo el trabajo sobre los lienzos en los talleres, ahora prefieren el aire libre, donde es más conveniente captar una fugaz impresión de lo que vieron, lo cual fue posible gracias a la invención de los tubos de acero para pintar, que, a diferencia de las bolsas de cuero, podía cerrarse para que la pintura no se secara.

Además, los artistas utilizaron pinturas opacas que no transmiten bien la luz y no son aptas para mezclar porque se vuelven grises rápidamente, esto les permitió crear pinturas no con " interno", a " externo» la luz se refleja en la superficie.

Las diferencias técnicas contribuyeron al logro de otros objetivos, en primer lugar, los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada tema según la iluminación y la hora del día, la encarnación más alta fueron los ciclos de pinturas de Monet "Almiares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres".

En general, muchos maestros trabajaron en el estilo impresionista, pero la base del movimiento fueron Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille y Berthe Morisot. Sin embargo, Manet siempre se llamó a sí mismo un "artista independiente" y nunca participó en exposiciones, y aunque Degas participó, nunca pintó sus obras al aire libre.

Cronología por artistas

impresionistas

Exposiciones

• Primera exposición(15 de abril - 15 de mayo)

• Segunda exposición(Abril )

Dirección: S t. Lepeletier, 11 (Galería Durand-Ruel). miembros: Basil (póstumamente, el artista murió en 1870), Beliar, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouar, Sisley, Tillo, Francois

• Tercera exposición(Abril )

Dirección: S t. Lepelletier, 6. miembros: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordeil, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Rouard, Cezanne, Sisley, Tillo, Francois.

• Cuarta exposición(10 de abril - 11 de mayo)

Dirección: Avenida de la Ópera, 28. miembros: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• Quinta exposición(1 de abril - 30 de abril)

Dirección: S t. Pirámides, 10. miembros: Bracquemont, Sra. Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebour, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouart, Tillo, Forain.

• Sexta Exposición(2 de abril - 1 de mayo)

Dirección: Boulevard des Capucines, 35 (estudio del fotógrafo Nadar). miembros: Vidal, Vignon, Guillaume, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouar, Tillo, Forain.

• Séptima exposición(Marzo )

Dirección: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (en Durand-Ruel). miembros: Vignon, Guillaume, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

• Octava Exposición(15 de mayo - 15 de junio)

Dirección: S t. Laffitt, 1. miembros: Madam Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassette, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouart, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

Impresionismo en la literatura

En la literatura, el impresionismo no se desarrolló como una tendencia separada, sino que sus características se reflejaron en el naturalismo y el simbolismo.

En primer lugar, se caracteriza por la expresión de la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad, la descripción de cada momento, lo que debería haber implicado la ausencia de trama, historia y la sustitución del pensamiento por la percepción. y razonar con el instinto. Las principales características del estilo impresionista fueron formuladas por los hermanos Goncourt en su obra "Diario", donde aparece la célebre frase " Ver, sentir, expresar: todo esto es arte se ha convertido en una posición central para muchos escritores.

En el naturalismo, el principio principal era la veracidad, la fidelidad a la naturaleza, pero está sujeto a la impresión y, por lo tanto, la apariencia de la realidad depende de cada persona individual y su temperamento. Esto se expresa más plenamente en las novelas de Emile Zola, sus detalladas descripciones de olores, sonidos y percepciones visuales.

El simbolismo, por el contrario, exigió un rechazo del mundo material y un retorno al ideal, pero la transición es posible solo a través de impresiones fugaces, que revelan una esencia secreta en las cosas visibles. Un ejemplo sorprendente de impresionismo poético - una colección

IMPRESIONISMO(fr. impressionnisme, de impresión - impresión) - una tendencia en el arte de finales de la década de 1860 - principios de la de 1880, cuyo objetivo principal era transmitir impresiones fugaces y cambiantes. El impresionismo se basó en los últimos descubrimientos en óptica y teoría del color; en esto está en sintonía con el espíritu de análisis científico característico de finales del siglo XIX. El impresionismo se manifestó más claramente en la pintura, donde se prestó especial atención a la transferencia de color y luz.

El impresionismo apareció en Francia a fines de la década de 1860. Sus principales representantes son Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley y Jean Frederic Bazille. Edouard Manet y Edgar Degas exhibieron sus pinturas con ellos, aunque el estilo de sus obras no puede llamarse impresionista. La palabra "impresionismo" proviene del nombre de la pintura de Monet. Impresión. Sol naciente(1872, París, Museo Marmottan), presentado en la exposición de 1874. El nombre implicaba que el artista transmite solo su fugaz impresión del paisaje. Ahora el término "impresionismo" se entiende más que la visión subjetiva del artista: como un estudio cuidadoso de la naturaleza, principalmente en términos de color e iluminación. Tal concepto es esencialmente lo contrario de la comprensión tradicional, que se remonta al Renacimiento, de la tarea principal de la pintura como la transferencia de la forma de los objetos. El objetivo de los impresionistas era representar situaciones y movimientos instantáneos, por así decirlo, "aleatorios". Esto fue facilitado por la asimetría, la fragmentación de las composiciones, el uso de ángulos complejos y cortes de figuras. La imagen se convierte en un marco separado, un fragmento del mundo en movimiento.

Los paisajes y escenas de la vida urbana -quizás los géneros más característicos de la pintura impresionista- se pintaban "en plein air", es decir, directamente del natural, y no sobre la base de bocetos y bocetos preparatorios. Los impresionistas observaron atentamente la naturaleza, notando colores y sombras que normalmente son invisibles, como el azul en las sombras. Su método artístico consistía en descomponer los tonos complejos en sus colores puros constituyentes del espectro. Se obtuvieron sombras coloreadas y pintura temblorosa de luz pura. Los impresionistas aplicaron pintura en trazos separados, a veces usando tonos contrastantes en un área de la imagen, el tamaño de los trazos variaba. A veces, por ejemplo, para representar un cielo despejado, se suavizaron con un pincel en una superficie más uniforme (pero incluso en este caso, se enfatizó un estilo de pintura libre y descuidado). La característica principal de las pinturas impresionistas es el efecto de un vivo parpadeo de colores.

Camille Pissarro, Alfred Sisley y Claude Monet en su obra prefirieron paisajes y escenas urbanas. Auguste Renoir pintó personas en el seno de la naturaleza o en el interior. Su obra ilustra a la perfección la tendencia característica del impresionismo a desdibujar las líneas entre géneros. Fotos como Baile en el Moulin de la Galette(París, Museo D "Orsay) o Desayuno de remeros(1881, Washington, Phillips Gallery), son coloridos recuerdos de las alegrías de la vida, urbana o rural.

Búsquedas similares para la transmisión del entorno luz-aire, la descomposición de tonos complejos en colores puros del espectro solar tuvo lugar no solo en Francia. Los impresionistas incluyen a James Whistler (Inglaterra y EE. UU.), Max Lieberman, Lovis Corinth (Alemania), Joaquín Sorolla (España), K.A. Korovin, IE Grabar (Rusia).

El impresionismo en la escultura implica un modelado vivo y libre de formas suaves y fluidas que crea un complejo juego de luces en la superficie del material y una sensación de incompletitud. En las poses se capta con precisión el momento del movimiento, el desarrollo; las figuras parecen haber sido tomadas con una cámara oculta, como, por ejemplo, en algunas obras de E. Degas y O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Rusia).

A principios del siglo XX en la pintura se perfilaron nuevas tendencias, expresadas en el rechazo al realismo y la apelación a la abstracción; hicieron que los artistas más jóvenes se alejaran del impresionismo. Sin embargo, el impresionismo dejó un rico legado: principalmente un interés por las cuestiones cromáticas, así como un ejemplo de ruptura audaz con la tradición.

Impresionismo(impresionismo francés, de impresión - impresión) - una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar más naturalmente el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus fugaces impresiones.

1. Liberación de las tradiciones del realismo (sin pinturas mitológicas, bíblicas e históricas, solo vida moderna).

2. Observación y estudio de la realidad circundante. No lo que ve, sino cómo ve desde la posición de la "esencia visual de las cosas" percibida.

3. Vida cotidiana de una ciudad moderna. Psicología del habitante de la ciudad. La dinámica de la vida. El ritmo, el ritmo de la vida.

4. "Efecto de un momento estirado"

5. Busque nuevos formularios. Pequeños tamaños de obras (estudios, enmarcaciones). No es típico, sino aleatorio.

6. Serialización de pinturas (los "Hacks" de Monet)

7. La novedad del sistema de pintura. Color puro abierto. Alivio, la más rica colección de reflejos, estremecimiento.

8. Mezcla de géneros.

Eduardo Manet - innovador. De los tonos densos sordos a la pintura ligera. Fragmentación de composiciones.

"Olimpia" - se basa en tiziano, giorgione, goya. Posado por Victoria Muran. Venus se representa como una cocotte moderna. A los pies de un gato negro. Una mujer negra presenta un ramo. El fondo es un tono oscuro y cálido del cuerpo de la mujer como una perla sobre sábanas azules. El volumen está roto. No hay modelado en blanco y negro.

"Desayuno en la hierba"- modelo y dos artistas + paisaje + naturaleza muerta. Las levitas negras contrastan con el cuerpo desnudo.

"Flautista"- la impresión de la música.

"Bar Folies-Bergère" - la chica es camarera. La emoción de un momento mirado. La soledad de una ciudad bulliciosa. La ilusión de la felicidad. Lo puse en todo el lienzo (inaccesible en mis pensamientos, pero accesible para los clientes del bar). Una sala llena de visitantes es una imagen del mundo.

Claude Monet - abandonó la secuencia tradicional (capa base, veladura, etc.) - ala prima

"Impresión. Sol naciente" - Fieria amarillo, naranja, verde. El barco es un acento visual. Paisaje escurridizo, inacabado, sin contornos. Variabilidad del ambiente de aire ligero. Los rayos de luz cambian la visión.

"Desayuno en la hierba" - borde del bosque, experiencia de picnic , gamma verde oscuro intercalado con marrón y negro. Las hojas están mojadas. La ropa de la mujer y el mantel se iluminan, se llenan de aire, de luz a través del follaje.

Boulevard des Capucines en París fragmentario. Interrumpe a dos personas que miran al bulevar desde el balcón. La multitud de gente es la vida de la ciudad. Mitad a la luz del sol poniente y mitad a la sombra del edificio. Sin centro visual, impresión instantánea.

"Rocas en Belle-Ile"- domina la masa de agua en movimiento (trazos gruesos). Tonos iridiscentes aplicados vigorosamente. Las rocas se reflejan en el agua, y el agua se refleja en las rocas. Sintiendo el poder de los elementos, hirviendo agua verde-azul. Composición de horizonte alto.

"Gare Saint-Lazare" - se muestra el interior de la estación, pero la locomotora de vapor y el vapor que está por todas partes son más interesantes (fascinación por la niebla, neblina lila).

Pedro Auguste Renoir- un artista de la alegría, conocido principalmente como un maestro de un retrato secular, no exento de sentimentalismo.

"Ritmo"- Imbuido de colores cálidos, se muestra la juventud, la niña queda impresionada.

"Baile en el Moulin de la Gallette" - escena de genero Día. Jóvenes, estudiantes, dependientes de comercio, etc. En las mesas bajo las acacias, una pista de baile. Desbordamientos de luz (conejitos solares en la espalda).

"Retrato de Jeanne Samary" - mujeres flor. Actriz encantadora, femenina, graciosa, conmovedora y directa. Ojos profundos, una leve sonrisa soleada.

"Retrato de Madame Charpentier con niños"- una mujer secular elegante con un vestido negro con un tren y dos niñas en azul. Tapiz de mesa, perro, parquet: todo habla de la riqueza de la familia.

Edgar Degas- no escribía al aire libre, el culto a la línea y al dibujo. Composiciones en diagonal (de abajo hacia arriba)); En forma de S, formas en espiral + una ventana desde la que se ilumina + iluminación de focos. Aceite, luego cama.

"Chicas de ballet", "Bailarines"- invade la vida de las bailarinas. Los trazos conectan el dibujo y la pintura. Ritmo constante de entrenamiento.

"Bailarines azules"- ninguna individualidad - una sola corona de cuerpos. En un rincón aún se ve la luz de las rampas, y en el otro la sombra de las alas. El momento sigue siendo actrices y gente común. Siluetas expresivas, vestidos azul aciano. Fragmentación: los personajes no miran al espectador.

"ausente" - hombre y mujer están sentados en un café. Ceniza gama. Un hombre con una pipa mira en una dirección, y una mujer borracha con una mirada distante: soledad dolorosa.

Camille Pissarro - aficionado a los paisajes, incluidas las personas, los carros en ellos. El motivo del camino con el caminar. Me encantaba la primavera y el otoño.

"Entrada al pueblo de Voisin» - un paisaje tenue y suave, árboles a lo largo del camino - enmarcan la entrada, sus ramas se mezclan, disolviéndose en el cielo. Lentamente, con calma, el caballo camina. Las casas no son solo objetos arquitectónicos, sino viviendas para las personas (nidos cálidos).

"Pasaje de la ópera en París"(serie) - un día nublado gris. Los techos están ligeramente empolvados de nieve, el pavimento está mojado, los edificios se sumergen en un velo de nieve, los transeúntes con paraguas se convierten en sombras. El color del aire húmedo envuelve. Tonos lila-azul, oliva. Pequeños trazos.

alfredo sisley- buscó notar la belleza de la naturaleza, la tranquilidad épica inherente al paisaje rural.

"Helada en Louveciennes" - mañana, estado fresco, los objetos están bañados en luz (fusión). Sin sombras (matices finos), colores amarillo-naranja. Rincón tranquilo, ciudad sin prisas. El sentimiento de pureza, fragilidad, amor por este lugar.

Impresionismo en Rusia. se desarrolla más tarde y a un ritmo acelerado que en Francia

V. A. Serov - indiferente al dibujo académico quiere mostrar la belleza de la naturaleza en color.

"Niña con melocotones"- un retrato de Verochka Mamontova. Todo es natural y sin restricciones, cada detalle está conectado entre sí. El encanto del rostro de una niña, la poesía de una imagen viva, una pintura colorida saturada de luz. El encanto y la frescura del estudio, combinaban orgánicamente dos tendencias, dos fuerzas que formaban una sola forma de visión pictórica. ¡Todo parece tan simple y natural, pero hay tanta profundidad y totalidad en esta simplicidad! Con la máxima expresividad, V. Serov transmitió la luz que se derramaba en un chorro plateado desde la ventana y llenaba la habitación. La niña está sentada a la mesa y no está ocupada con nada, como si realmente se hubiera sentado por un momento, automáticamente tomó un melocotón y lo sostuvo, mirándolo con sencillez y franqueza. Pero esta paz es solo momentánea, y la pasión por el movimiento juguetón se asoma a través de ella.

"Niños"- muestra el mundo espiritual de los niños (hijos). El mayor mira la puesta de sol y el menor mira al espectador. Una visión diferente de la vida.

"Mika Morozov"- se sienta en una silla, pero rueda hacia abajo sobre el espectador. Se transmite entusiasmo infantil.

"Corista"- estudio. Pinta con jugosos trazos de pincel, trazos amplios en el follaje, trazos verticales u horizontales y diferentes en textura ⇒ dinamismo, aire y luz. La combinación de naturaleza y chicas, frescura, inmediatez.

"París. Bulevar des Capucines" - colorido caleidoscopio de colores. Iluminación artificial - entretenimiento, teatralidad decorativa.

IE Grabar - comienzo volitivo, emocional.

« febrero azul»- Vi un abedul desde el nivel del suelo y me sorprendió. Las campanadas del arco iris están unidas por el azul del cielo. El abedul es monumental (en todo el lienzo).

"Nieve de marzo"- la niña lleva cubos en el yugo, la sombra del árbol en la nieve derretida.

El impresionismo abrió un nuevo arte: es importante cómo ve el artista, nuevas formas y formas de presentar. Ellos tienen un momento, nosotros tenemos un tramo en el tiempo; tenemos menos dinámica, más romanticismo.

Mane Desayuno en la hierba Mane Olympia

Manet "Bar Folies-Bergère" Manet Flautista"

monet "Impresión. Sol naciente Monet "Desayuno sobre la hierba" - "Boulevard des Capucines en París"

Monet "Rocas en Belle-Ile"» monet Gare Saint-Lazare

Monet Boulevard des Capucines en ParísRenoir"Ritmo"

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Renoir "Retrato de Madame Charpentier con niños"

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Pisarro -"Pasaje de la ópera en París"(serie) Pisarro "Entrada al pueblo de Voisin»

Sisley "Escarcha en Louveciennes" Serov "Niña con melocotones"

Serov "Niños" Serov "Mika Morozov"

Korovin "Corista" Korovin "París. Bulevar de los Capuchinos»

Grabar "Febrero azul" Grabar "Marzo de nieve"

Introducción………………………………………………………………...…….3

1 El impresionismo, como una de las direcciones del arte del siglo XIX…………5

1.1 La historia del desarrollo del impresionismo…………..………………..…….5

1.2 Los principales rasgos característicos del impresionismo…………...…….7

2 El trabajo de los artistas - impresionistas……..………………...……9

2.1 Eduardo Manet……………………………….…………………….……9

2.2 Edgar Degas……………………………….…………………….……..11

2.3 Augusto Renoir………………………….………………………….…….13

2.4 Claude Monet……………….…………………………………….……..15

2.5 Alfred Sisley…………………………………………………….…….16

2.6 Camille Pissarro…………………………………………………………...17

2.7 Paul Cézanne………………………………………………………….……18

3 El valor cultural del impresionismo………………………………....19

Conclusión……………………………………………………………………20

Lista de literatura utilizada……………………………………21

Introducción

En el siglo XIX, el desarrollo industrial acortó las distancias y condensó el tiempo. Los paisajes han cambiado y aparecieron ante una persona en una forma nueva e inusual para él. El florecimiento del paisaje fue preparado por todo el desarrollo de la cultura y el arte franceses. El anhelo por la naturaleza, por todo lo natural, el deseo de oponerse a la tendencia académica de sentimientos simples y sin pretensiones, se realizó claramente incluso en vísperas de la Revolución Francesa. A principios de los años 70, un grupo de jóvenes artistas comenzó a trabajar en Francia. Por primera vez en la historia del arte, los artistas se impusieron la regla de no pintar en su estudio, sino al aire libre: a orillas de un río, en un campo, en un claro de un bosque. Estos fueron los futuros impresionistas. Un principio importante del impresionismo fue la desviación de la tipicidad. La fugacidad, una mirada casual ha entrado en el arte, parece que los lienzos de los impresionistas los escribiera un simple transeúnte paseando por los bulevares y disfrutando de la vida.

Actualmente, las obras de los impresionistas son muy valoradas. El grupo impresionista, por regla general, incluye a aquellos artistas que participaron en las exposiciones impresionistas en las décadas de 1870 y 1880 en París. Estos son Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley y otros.

La relevancia del tema elegido se explica por la necesidad de estudiar esta área del arte francés para comprender el valor cultural del impresionismo y evaluar su patrimonio cultural (pinturas y lienzos que han sobrevivido hasta nuestros días) desde un punto de vista moderno. vista.

El objetivo de la obra es explorar el impresionismo como una de las tendencias del arte francés del siglo XIX. De acuerdo con esto, se resolvieron las siguientes tareas:

▬ explorar la historia del desarrollo del impresionismo;

▬ estudiar la obra de los principales representantes del impresionismo;

El objeto de estudio de esta obra es el arte francés del siglo XIX. El tema de estudio es el impresionismo como una de las corrientes del arte francés del siglo XIX.

El estudio del tema - "El impresionismo, como una de las direcciones del arte francés del siglo XIX" se llevó a cabo utilizando los siguientes métodos:

▬método dialéctico - la implementación de un conocimiento integral del objeto y tema de estudio de este trabajo;

▬ método de análisis y síntesis: un análisis separado de las partes constituyentes (creatividad, lienzos, pinturas de artistas destacados de esta dirección);

▬ método estructural-funcional: determinar el papel del impresionismo en el arte del siglo XIX y su significado;

▬ método sistémico: análisis del arte francés en su conjunto e identificación del papel y la importancia del impresionismo en él;

▬ método analítico: análisis del trabajo de varios artistas destacados de esta dirección;

▬ un método para resumir todo el conocimiento adquirido sobre el tema.

La base teórica del trabajo presentado fueron trabajos científicos sobre estudios culturales, que afectan el estudio del arte francés del siglo XIX, en particular, el trabajo de los impresionistas. Estos son los trabajos de autores como Gurevich P.S., Stolyarov D.Yu., Kortunov V.V., Markaryan E.S., Radugin A.A., Schweitzer A., ​​​​Dmitrieva N.A. y etc.

Los objetivos establecidos y ciertas tareas determinaron la estructura del trabajo presentado. El trabajo consta de una introducción, parte principal y conclusión, incluye una lista de referencias y aplicaciones.

La parte principal incluye tres secciones: la primera sección está dedicada al estudio de la historia del surgimiento del impresionismo, la segunda sección está dedicada al estudio del trabajo de los representantes más destacados de esta corriente, la tercera sección está dedicada a La valoración cultural del impresionismo.

El trabajo se presenta en 21 páginas, incluye 2 apéndices, se utilizaron 13 fuentes científicas para redactar el trabajo.

1 El impresionismo, como una de las direcciones del arte. XIX siglo

1.1 Historia del desarrollo del impresionismo

En la cresta de las ideas de la Revolución Francesa, se están produciendo cambios serios en el arte francés. Para muchos artistas, la tendencia realista deja de ser un estándar, y en principio se niega la visión muy realista del mundo. Los artistas están cansados ​​de las exigencias de objetividad y tipificación. Nace una nueva realidad artística subjetiva. Ahora bien, lo que importa no es cómo cada uno ve el mundo, sino cómo lo ve yo, lo ve usted, lo ve él. En esta ola, se forma una de las direcciones del arte: el impresionismo.

A principios de los 70. Siglo 19 un grupo de jóvenes artistas comenzó a trabajar en Francia. Por primera vez en la historia del arte mundial, los artistas establecieron la regla de no pintar en un estudio, sino al aire libre: a orillas de un río, en un campo, en un claro en un bosque. Gracias a la invención de los tubos metálicos de pintura listos para llevar, que sustituyeron a las antiguas pinturas hechas a mano a base de aceite y pigmentos en polvo, los artistas pudieron salir de sus estudios para trabajar al aire libre. Trabajaron muy rápido, porque el movimiento del sol cambiaba la iluminación y el color del paisaje. A veces, exprimían la pintura sobre el lienzo directamente del tubo y obtenían colores puros y brillantes con un efecto de pincelada. en la década de 1870 muchos de estos artistas se sintieron atraídos por París. Estos fueron los futuros "impresionistas".

Un gran número de artistas diferentes están unidos por este nombre y cada uno de ellos tenía su propio estilo de dibujo. Así, el grupo Impresionista reúne a aquellos artistas que participaron en exposiciones impresionistas en las décadas de 1870 y 1880. Estos son Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Henri Toulouse-Lautrec y otros.

Las nuevas técnicas de pintura de los jóvenes artistas, la apariencia inusual de las pinturas llevaron al hecho de que sus obras no fueron aceptadas en el Salón de París, donde los pintores tuvieron la única oportunidad de presentar sus obras al público. Luego se opusieron audazmente al hostil jurado del Salón, que año tras año se negaba obstinadamente a exhibir sus obras. Juntos en 1874, organizaron su propia exposición independiente. La exposición se inauguró en el estudio del fotógrafo Nadar, que estaba ubicado en París en el Boulevard des Capuchins. Después de esta exposición, los artistas comenzaron a llamarse impresionistas. Este nombre nació gracias al crítico Louis Leroy. Ese fue el nombre de la pintura de Claude Monet, que se muestra en la exposición - “Impresión. Sol Naciente” (“Impresión. Levant soleil”).

Esta palabra era adecuada para sus obras, porque en ellas los artistas transmitían su impresión directa de lo que veían. Los artistas abordaron la imagen del mundo de una manera nueva. Lo principal para ellos era la luz temblorosa, el aire, en el que las figuras de personas y objetos están, por así decirlo, inmersas. En sus pinturas se podía sentir el viento mojado después de la lluvia, la tierra calentada por el sol. Intentaron discernir y mostrar la asombrosa riqueza de color en la naturaleza. El impresionismo fue el último gran movimiento artístico en Francia en el siglo XIX.

No se puede decir que el camino de los artistas impresionistas haya sido fácil. Al principio no fueron reconocidos, la prensa o ignoró a los artistas o se burló de ellos; su pintura parecía demasiado audaz e inusual, se reían de ellos. Nadie quería comprar sus cuadros. Pero obstinadamente siguieron su propio camino. Ni la pobreza ni el hambre pudieron obligarlos a abandonar sus creencias.

Los artistas no aceptaron de inmediato el nombre de "impresionistas", que un periodista hostil les pegó. Pero retomaron la experiencia de exposiciones independientes a partir de 1876. El público comenzó a aceptarlos solo a fines del siglo XIX, gracias al apoyo de historiadores del arte y varios comerciantes de arte. Pasaron muchos años, algunos de los artistas impresionistas ya no vivían, cuando, por fin, su arte fue reconocido.

Entonces, el impresionismo es un fenómeno de un nuevo enfoque de la pintura, una nueva mirada, una sed de detener un momento de la vida real, para capturarlo en una imagen durante mucho tiempo. Esta dirección en el arte abrió los ojos de los artistas y espectadores al color y la luz en la naturaleza, puso patas arriba la rutina de las reglas académicas.

1.2 Los principales rasgos característicos del impresionismo

Ahora que el acalorado debate sobre el significado y el papel del impresionismo es cosa del pasado, casi nadie se atreverá a discutir que el movimiento impresionista fue un paso más en el desarrollo de la pintura realista europea. "El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, que ha alcanzado un refinamiento sin precedentes".

Buscando la máxima inmediatez y precisión en la transmisión del mundo circundante, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y plantearon la importancia de un estudio de la naturaleza, que casi suplantó el tipo de pintura tradicional, cuidadosa y lentamente creada en el estudio.

Los impresionistas mostraron la belleza del mundo real, en el que cada momento es único. Aclarando constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura condicional, de "museo", en sus lienzos da paso a un juego infinitamente variado de reflejos y sombras coloreadas. Ampliaron enormemente las posibilidades de las bellas artes, descubriendo no solo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas londinenses, la atmósfera inquieta de la vida de una gran ciudad, la dispersión de sus luces nocturnas y el ritmo de incesante movimiento.

El impresionismo es una dirección de la pintura que se originó en Francia en la década de 1860 y determinó en gran medida el desarrollo del arte en el siglo XIX. Los maestros registraron sus impresiones fugaces, buscaron capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. Las figuras centrales de esta corriente fueron Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir y Siley, y la contribución de cada uno de ellos a su desarrollo es única. Los impresionistas se opusieron a las convenciones del clasicismo, el romanticismo y el academicismo, afirmaron la belleza de la realidad cotidiana, los motivos simples y democráticos, lograron una viva autenticidad de la imagen, trataron de captar la "impresión" de lo que el ojo ve en un momento particular. El tema más típico de los impresionistas es el paisaje, pero también tocaron muchos otros temas en su trabajo. Degas, por ejemplo, representó carreras, bailarinas, lavanderas, y Renoir representó mujeres y niños encantadores. En los paisajes impresionistas creados al aire libre, un motivo simple y cotidiano a menudo se transforma con una luz en movimiento que lo impregna todo, lo que aporta una sensación de fiesta a la imagen. En algunos métodos de construcción impresionista de la composición y el espacio, se nota la influencia del grabado japonés y en parte de la fotografía. Los impresionistas fueron los primeros en crear una imagen multifacética de la vida cotidiana de una ciudad moderna, capturando la originalidad de su paisaje y la apariencia de las personas que la habitan, su forma de vida, trabajo y entretenimiento.

Monet Claude Óscar Uno de los fundadores del impresionismo, en sus pinturas, el artista Monet, de la segunda mitad de la década de 1860, buscaba transmitir la variabilidad de la luz y el aire del entorno, la riqueza cromática del mundo, manteniendo la frescura de la primera visual. impresión de la naturaleza. Del nombre del paisaje de Monet “Impresión. Rising Sun” (“Impresión. Soleil levant”; 1872, Musée Marmottan, París) fue el nombre del impresionismo. En sus composiciones paisajísticas (“Boulevard de los capuchinos en París”, 1873, “Rocas en Etretat”, 1886, ambas en el Museo Pushkin, Moscú; “Campo de amapolas”, década de 1880, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), Monet recrea la vibración de luz y aire con la ayuda de pequeños trazos separados de color puro y tonos adicionales del espectro principal, contando con su alineación óptica en el proceso de percepción visual. En un esfuerzo por capturar los diversos estados de transición de la naturaleza en diferentes momentos del día y en diferentes climas, Monet creó en la década de 1890 una serie de pinturas-variaciones sobre un motivo de trama (la serie de lienzos de las Catedrales de Rouen, el Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú, y otras colecciones). El período tardío de la obra de Monet se caracteriza por el decorativismo, la creciente disolución de formas objetivas en sofisticadas combinaciones de manchas de color.

edgar degas Comenzando con pinturas y retratos históricos estrictos (La familia Bellelli, alrededor de 1858), en la década de 1870 Degas se acercó a los representantes del impresionismo y se dedicó a representar la vida urbana moderna: calles, cafés, representaciones teatrales (Concorde Square, alrededor de 1875; "Absinthe" , 1876). En muchas obras, Degas muestra el comportamiento y la apariencia característicos de las personas, generados por las peculiaridades de su vida, revela el mecanismo de un gesto profesional, la postura, el movimiento de una persona, su belleza plástica ("Ironers", 1884). En la afirmación del significado estético de la vida de las personas, de sus actividades cotidianas, se refleja el peculiar humanismo de la obra de Degas. El arte de Degas es inherente a la combinación de lo bello, a veces fantástico, y lo prosaico: transmitir el espíritu festivo del teatro en muchas escenas de ballet (“Estrella”, pastel, 1878). El artista, como observador sobrio y sutil, capta a la vez el tedioso trabajo cotidiano que se esconde tras el elegante espectáculo (“Examen de danza”, pastel, 1880). Las obras de Degas, con su composición estrictamente ajustada y al mismo tiempo dinámica, a menudo asimétrica, dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa de figura y espacio, combinan la aparente imparcialidad y aleatoriedad del motivo y la arquitectura de la imagen con una cuidadosa consideración y cálculo. Las obras tardías de Degas destacan por su intensidad y riqueza cromática, que se complementan con los efectos de la iluminación artificial, las formas ampliadas, casi planas, y la constricción del espacio, que les confiere un carácter tenso y dramático (“Blue Dancers”, pastel). Desde finales de la década de 1880, Degas ha estado esculpiendo mucho, logrando expresividad en la transferencia del movimiento instantáneo ("Bailarín", bronce).

Renoir Pierre Auguste En 1862-1864, Renoir estudió en París en la Ecole des Beaux-Arts, donde se acercó a sus futuros colegas del impresionismo, Claude Monet y Alfred Sisley. Renoir trabajó en París, visitó Argelia, Italia, España, Holanda, Gran Bretaña, Alemania. En las primeras obras de Renoir se deja sentir la influencia de Gustave Courbet y las obras del joven Édouard Manet (“La taberna de la madre Antonio”, 1866). A finales de las décadas de 1860 y 1870, Renoir pasó a pintar al aire libre, incluyendo orgánicamente figuras humanas en un ambiente cambiante de luz y aire ("Bañarse en el Sena", 1869). La paleta de Renoir se ilumina, un trazo ligero y dinámico se vuelve transparente y vibrante, la coloración se satura con reflejos de perlas plateadas ("Lodge", 1874). Representando episodios arrebatados de la corriente de la vida, situaciones aleatorias de la vida, Renoir prefirió escenas festivas de la vida de la ciudad: bailes, bailes, paseos, como si tratara de encarnar en ellos la plenitud sensual y la alegría de ser (Moulin de la Galette, 1876). Un lugar especial en la obra de Renoir lo ocupan las imágenes femeninas poéticas y encantadoras: internamente diferentes, pero externamente ligeramente similares entre sí, parecen estar marcadas por un sello común de la época ("Después de la cena", 1879, "Paraguas ”, 1876; retrato de la actriz Jeanne Samary, 1878). En la representación del desnudo, Renoir logra una rara sofisticación de los claveles, basada en una combinación de cálidos tonos de piel con ligeros reflejos verdosos y gris azulados que se deslizan, dando una superficie suave y sin brillo al lienzo ("Mujer desnuda sentada en un sofá ”, 1876). Un notable colorista, Renoir a menudo logra la impresión de pintura monocromática con la ayuda de las mejores combinaciones de tonos cercanos en color ("Chicas de negro", 1883). A partir de la década de 1880, Renoir gravitó cada vez más hacia la claridad clásica y la generalización de las formas; en su pintura van creciendo rasgos de decoratividad e idílica serena (“Grandes bañistas”, 1884-1887). Numerosos dibujos y grabados ("Bañistas", 1895) de Renoir se distinguen por el laconismo, la ligereza y la ligereza del trazo.

Eduardo Manet Una influencia significativa en la formación de Manet como artista fue ejercida por el trabajo de Giorgione, Tiziano, Hals, Velásquez, Goya, Delacroix. En las obras de finales de la década de 1850 y principios de la de 1860, que formaban una galería de tipos y personajes humanos nítidamente transmitidos, Manet combinó la autenticidad viva de la imagen con la romantización de la apariencia externa de la modelo ("Lola de Valencia", 1862) . Usando y repensando las tramas y motivos de las pinturas de los viejos maestros, Manet buscó llenarlos de contenido relevante, a veces introduciendo de manera sorprendente la imagen de una persona moderna en composiciones clásicas famosas ("Desayuno en la hierba", "Olimpia" - ambos 1863). En la década de 1860, Edouard Manet recurrió a los temas de la historia moderna ("La ejecución del emperador Maximiliano", 1867), pero la penetrante atención de Manet a la modernidad se manifestó principalmente en escenas que parecían arrebatadas del flujo cotidiano de la vida, llenas de espiritualidad lírica y significado interior (" Desayuno en el taller ", "Balcón" - ambos 1868), así como en retratos cercanos a ellos en términos de instalación artística (retrato de Emile Zola, 1868, retrato de Berthe Morisot, 1872) . Con su obra, Edouard Manet anticipó el surgimiento y luego se convirtió en uno de los fundadores del impresionismo. A finales de la década de 1860, Manet se acerca a Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, pasa de los tonos apagados y densos, el color intenso con predominio de los colores oscuros a la pintura clara y libre al aire libre (“En un barco”, 1874 , Museo Metropolitano de Arte; “En la taberna de papa Latuille, 1879). Muchas de las obras de Manet se caracterizan por la libertad pictórica impresionista y la composición fragmentaria, la escala vibrante de colores saturados de luz ("Argenteuil"). Al mismo tiempo, Manet conserva la claridad del dibujo, los tonos grises y negros en color, prefiere no el paisaje, sino la trama cotidiana con un pronunciado apuntalamiento socio-psicológico (la colisión de los sueños y la realidad, la naturaleza ilusoria de la felicidad en un mundo chispeante y festivo - en una de las últimas pinturas de Manet "Bar en el Folies Bergère", 1881-1882). En las décadas de 1870-1880, Manet trabajó mucho en el campo del retrato, ampliando las posibilidades de este género y convirtiéndolo en una suerte de estudio del mundo interior de un contemporáneo (retrato de S. Mallarmé, 1876), pintaba paisajes y bodegones (“Ramo de lilas”, 1883), actuó como dibujante, maestro del grabado y la litografía.

pissarro camille fue influenciado por John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet. Uno de los principales maestros del impresionismo, Pissarro, en numerosos paisajes rurales, reveló la poesía y el encanto de la naturaleza de Francia, con la ayuda de una suave gama pictórica, una sutil transferencia del estado del ambiente del aire ligero, dio el encanto de frescura a los motivos más sin pretensiones ("Tierra arada", 1874; "Carretilla", 1879,) . Posteriormente, Pissarro recurrió a menudo al paisaje urbano ("Montmartre Boulevard", 1897; "Opera Passage in Paris", 1898). En la segunda mitad de la década de 1880, Pissarro utilizó en ocasiones la técnica pictórica del neoimpresionismo. Pissarro desempeñó uno de los papeles principales en la organización de exposiciones de los impresionistas. En sus obras, Camille Pissarro logró evitar la manifestación extrema del aire libre, cuando los objetos materiales parecen disolverse en el parpadeo de la luz y el espacio aéreo ("Nieve en Louveciennes"; "Calle en Louveciennes", 1873). Muchas de sus obras se distinguen por el interés por la expresividad característica, incluso retratística, inherente al paisaje urbano (“Vista de Rouen”, 1898)

sisley alfredo Fue influenciado por Camille Corot. Uno de los principales maestros del impresionismo, Sisley pintó paisajes sin pretensiones de los alrededores de París, marcados por un sutil lirismo y sostenidos en una gama lumínica fresca y sobria. Los paisajes de Sisley, que transmiten la verdadera atmósfera de Ile-de-France, conservan la transparencia y la suavidad especiales de los fenómenos naturales de todas las estaciones ("Pequeña plaza en Argenteuil", 1872, "Inundación en Marly", 1876; "Escarcha en Louveciennes", 1873, "El borde del bosque en Fontainebleau", 1885).

Las encantadoras imágenes de la naturaleza del artista Alfred Sisley con un ligero matiz de tristeza cautivan con una asombrosa transferencia de humor en un momento dado ("Orilla del Sena en Bougival", 1876). Desde mediados de la década de 1880, las características del colorido decorativo han ido creciendo en el trabajo de Sisley.

Conclusión: los maestros del impresionismo registraron sus impresiones fugaces, se esforzaron por capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. E. Manet (que no pertenecía formalmente al grupo impresionista), O. Renoir, E. Degas aportaron frescura e inmediatez a la percepción de la vida en el arte, convertida en la imagen de situaciones instantáneas arrebatadas al torrente de la realidad, la vida espiritual de una persona, la imagen de fuertes pasiones, la espiritualización de la naturaleza, el interés

al pasado nacional, el deseo de formas sintéticas de arte se combinan con los motivos del dolor mundial, el deseo de explorar y recrear el lado "sombra", "noche" del alma humana, con la famosa "ironía romántica", que permitió a los románticos comparar e igualar audazmente lo alto y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo real y lo fantástico. uso fragmentario, situaciones de la realidad, uso fragmentario, a primera vista, construcciones compositivas desequilibradas, ángulos inesperados, puntos de vista, cortes de figuras. En las décadas de 1870 y 1880, se estaba formando el paisaje del impresionismo francés: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley desarrollaron un sistema consistente al aire libre, crearon en sus pinturas una sensación de luz solar brillante, riqueza de colores de la naturaleza, disolución. de las formas en la vibración de la luz y el aire.