Pinturas al estilo de Ukiyo-e (pintura japonesa). El arte de las impresiones japonesas ukiyo-e

Se considera que el fundador del ukiyo-e es el pintor y artista gráfico japonés Hishikawa Moronobu.

Inicialmente los grabados eran en blanco y negro, sólo se utilizaba tinta; a partir de principios del siglo XVIII, algunas obras fueron coloreadas a mano con un pincel. En el siglo XVIII, Suzuki Harunobu introdujo técnicas de impresión multicolor para producir nishiki-e (“imágenes de brocado”).

Las impresiones de Ukiyo-e eran asequibles debido a su capacidad de producción en masa. Estaban destinados principalmente a residentes urbanos que no podían permitirse gastar dinero en pinturas. Ukiyo-e se caracteriza por pinturas. la vida cotidiana, en consonancia con la literatura urbana de este período. Los grabados representaban hermosas geishas ( bijin-ga), grandes luchadores de sumo y populares actores de kabuki ( Yakusya-uh). Posteriormente se hizo popular el grabado de paisajes.

Historia

El estilo ukiyo-e surgió a raíz de la urbanización de finales del siglo XVI, lo que propició el surgimiento de una clase de comerciantes y pequeños artesanos que comenzaron a escribir cuentos o cuentos y a decorarlos con dibujos. Colecciones similares fueron llamadas eco(japonés: 絵本 - “libro de imágenes”?). Un ejemplo de este tipo de arte es la publicación de 1608 "Ise-monogatari" ("La historia de Ise") de Honami Koetsu. Estos libros hacían un uso extensivo del ukiyo-e como ilustraciones. Posteriormente, los grabados comenzaron a imprimirse como obras independientes. kakemono(japonés: 掛け物 - un pergamino con una imagen o un dicho?) y carteles para el teatro kabuki.

Proceso de creación

Recortar formulario de impresión

Para crear el ukiyo-e se necesitaba un artista, un tallador y un impresor. Ukiyo-e se hizo de la siguiente manera. El artista realizó con tinta un prototipo de un grabado sobre papel fino, el tallista pegó este dibujo boca abajo sobre una tabla de cerezo, peral o boj y recortó de ella las zonas en las que el papel era blanco, obteniendo así la primera plancha de impresión. , pero destruyendo el dibujo en sí. Luego se realizaron varias impresiones en blanco y negro, en las que el artista indicó los colores previstos. El tallista producía el número necesario (a veces más de treinta) de planchas de impresión, cada una de las cuales correspondía a un color o tono. El impresor, después de discutir la combinación de colores con el artista, aplicó pintura de origen vegetal o mineral al conjunto de formas resultante e imprimió manualmente el grabado sobre papel de arroz húmedo.

Artistas famosos

• Hishikawa Moronobu
• Torii Kiyonaga
• Kunitika
• Kunishida
• Toshusai Sharaku
• Toyokuni

Notas

Enlaces

• Imágenes de un mundo esquivo - ukiyo-e - artículo de Galina Shchedrina en el sitio web Artgalery.ru

Literatura

• A. Savelyeva arte mundial. Maestros del grabado japonés. - “Cristal”, 2007. - 208 p. - 10.000 ejemplares. -ISBN 5-9603-0033-8
• M. V. Uspensky Grabado japonés. - San Petersburgo: “Aurora”, “Amber Tale”, 2004. - 64 p. - (“Biblioteca Aurora”). - 5000 ejemplares. -ISBN 5-7300-0699-3

Fundación Wikimedia. 2010.

Vea qué es “Ukiyo-e” en otros diccionarios:

- (Imágenes japonesas del mundo cotidiano) escuela de pintura y xilografía japonesas de los siglos XVII al XIX. Heredó las tradiciones de la pintura de género de los siglos XV y XVI. Se distingue por el democratismo de sus tramas, en consonancia con la literatura urbana del período Edo (principios del siglo XVII - segunda mitad del siglo XIX).... ... Grande diccionario enciclopédico

Ukiyo-e- Ukiyo e UKIYO E (Imágenes japonesas del mundo cotidiano), escuela de pintura y xilografía japonesa (siglos XVII-XIX). Ukiyo e se caracteriza por retratos de actores y bellezas de los “barrios alegres”, escenas de la vida cotidiana, en consonancia con la literatura urbana... ... Diccionario enciclopédico ilustrado

- (Imágenes japonesas del mundo cotidiano), una dirección de la pintura y los grabados en madera japoneses de los siglos XVII al XIX, que refleja las tendencias democráticas en el arte que surgieron en relación con el rápido desarrollo de la vida urbana. Las historias de la vida se han generalizado... diccionario enciclopédico

- (Hishikawa Moronobu), artista japonés, el maestro más famoso de ukiyo e (ver UKIYE E) del período temprano. Hijo maestro famoso Telas decorativas de Hishikawa Kichizaemon. Después... ... diccionario enciclopédico

- (1753/1754 1806), maestro japonés de la xilografía en color y pintor. Representante de la escuela Ukiyo e. Retrato y género de imágenes femeninas exquisitamente poéticas creadas mediante una línea suave y fluida, el uso de polvo de mica, que da el efecto... ... diccionario enciclopédico

- (1760 1849), pintor y dibujante japonés, maestro de la xilografía en color. Representante de la dirección Ukiyo e. En las principales obras gráficas (la serie “36 vistas del monte Fuji”, 1823 29, “Viaje a las cascadas de varias provincias”, 1827 33), ... ... diccionario enciclopédico

- (Suzuki Harunobu) (1725?, Edo, ahora Tokio 8 de julio de 1770, ibid.), artista japonés, maestro del ukiyo e (ver Ukiyo e). Poco se sabe sobre su vida (como la de la mayoría de los maestros de ukiyo-e), pero su lugar en la historia del arte japonés está claramente definido por su... diccionario enciclopédico

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Fioletova Tatyana, estudiante de décimo grado de la escuela secundaria n.° 32, Rybinsk

La relevancia del tema de investigación está relacionada con el estudio de las características del grabado japonés. Quizás esta sea una de las pocas obras de arte que, habiendo visto mejores museos mundo, es imposible equivocarse sobre su origen. Podrás admirar los estampados japoneses durante horas, maravillándote de su elegancia y perfección de líneas, simplicidad de composición y complejidad de detalles.

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Avance:

institución educativa municipal

escuela secundaria No. 32 que lleva el nombre. Académico A.A. Ukhtomsky

ABSTRACTO

en el tema

“Características de las impresiones japonesas Ukiyo-e

y su influencia en la pintura europea"

Terminado

estudiante de décimo grado

Violetova Tatiana

Director científico

Shcherbak Ellina Yurievna

Rýbinsk

2012

Introducción. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3

1. El oscuro término Ukiyo-e. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. La historia del origen de Ukiyo-e. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.2. El proceso de creación de Ukiyo-e. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

2. Géneros del grabado Ukiyo-e. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

3. La influencia del Ukiyo-e en la pintura europea. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

3.1. La influencia del Ukiyo-e en la obra de artistas estadounidenses y Europa Oriental. . . . . . . . . .10

3.2. La influencia de Ukiyo-e en la obra de los artistas rusos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Conclusión. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . dieciséis

Literatura. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17

Introducción

Relevancia El tema de investigación está relacionado con el estudio de las características de los grabados japoneses. Quizás esta sea una de las pocas obras de arte que, habiendo vistoen los mejores museos del mundo, es imposible equivocarse sobre su origen. Podrás admirar los estampados japoneses durante horas, maravillándote de su elegancia y perfección de líneas, simplicidad de composición y complejidad de detalles.

La historia de Japón se remonta a más de 8.000 años. Debido a su lejanía del resto del mundo, formó una civilización propia, diferente a las demás. Tradicional pintura japonesa, como toda la cultura de Japón, es única.

El grabado, que surgió en el siglo XVII entre el creciente tercer estado, menos limitado por los cánones que la pintura, era la forma de arte más extendida y accesible para los residentes de la ciudad. Los temas de las impresiones Ukiyo-e eran a menudo temas historias de género Ukiyo-zoshi, obras de teatro Kabuki, poesía clásica y moderna.

Los grabados fueron creados por grandes artistas que llevaron este arte casi a la perfección. Maestros como Utagawa Toyoharu, Katsushika Hokusai y muchos otros supieron capturar los momentos más bellos de este mundo fugaz en sus creaciones.

El conocimiento del arte japonés resultó fructífero para los artistas europeos y rusos, no solo en el camino hacia la creación de un nuevo lenguaje plástico, sino que también sirvió para enriquecer la experiencia visual de los maestros, revelándoles la existencia de un tipo diferente. imaginación creativa, la posibilidad de puntos de vista fundamentalmente nuevos sobre lo familiar y lo cotidiano.

Propósito del estudio:Descripción de las características de las impresiones japonesas Ukiyo-e.

Investigar objetivos:

1. Explora el origen del término Ukiyo-e.
2. Identificar los géneros de las impresiones japonesas Ukiyo-e.
3. Determinar la influencia del Ukiyo-e en la pintura europea.

Significado práctico.Los resultados del estudio se pueden utilizar en lecciones sobre arte y cultura artística mundial.

1. El oscuro término Ukiyo-e

1.1. Origen del Ukiyo-e

Ukiyo-e es uno de los estilos de bellas artes japonesas más populares durante el período Edo. Apareció en la primera mitad del siglo XVII, en la segunda mitad del siglo XIX. cayó en mal estado. Se considera que el apogeo de Ukiyo-e es el siglo XVIII. Generalmente se entiende que el ukiyo-e fue popular y estaba muy extendido durante el período Edo. obras de genero- pintura y, en particular, grabado. El término Ukiyo, tomado de la filosofía budista, significa literalmente "el mundo del dolor": este es el nombre del mundo del samsara, el mundo de las ilusiones transitorias, donde la suerte del hombre es el dolor, el sufrimiento, la enfermedad y la muerte. Este mundo, desde el punto de vista de los japoneses de mentalidad tradicional, es tan ilusorio y transitorio como un sueño, y sus habitantes no son más reales que criaturas del mundo de los sueños. En el siglo XVII, las ideas sobre la variabilidad y la naturaleza ilusoria de este mundo, algo repensadas, dieron lugar a un tipo especial de estética: la impermanencia del ser se percibía no solo y no tanto como una fuente de sufrimiento, sino más bien como un llamado a los placeres que otorga esta impermanencia. El mundo de los placeres transitorios también comenzó a llamarse ukiyo, solo que estaba escrito con un jeroglífico diferente con el mismo sonido, que literalmente significa "flotando", "flotando". Ukiyo-e significa "imágenes del mundo flotante". Hay otro matiz de significado: artistas que trabajaron en el estilo ukiyo-e. estaban familiarizados con los principios del arte occidental y a menudo utilizaban en sus obras el conocimiento de las leyes de la perspectiva, lo cual era atípico de la pintura tradicional japonesa Yamato-e (“ pintura japonesa") o kara-e ("pintura china"). Por lo tanto, para los espectadores japoneses, acostumbrados a las imágenes planas, el mundo en las imágenes de Ukiyo-e era percibido como tridimensional, "flotando" en la superficie de la hoja o, por el contrario, "hundiéndose" en sus profundidades.

El estilo Ukiyo-e surgió a raíz de la urbanización tardía.siglo 16, lo que propició el surgimiento de una clase de comerciantes y pequeños artesanos que comenzaron a escribir cuentos o cuentos y a decorarlos con dibujos. Estas colecciones se llamaban ekhon (“libro de imágenes”). Un ejemplo de tal arte es la publicación de 1608 “Ise-monogatari"(El cuento de Ise)Honami Koetsu. Estos libros hacían un uso extensivo del Ukiyo-e como ilustraciones. Posteriormente, los grabados comenzaron a imprimirse como obras independientes: kakemono (un pergamino con una imagen o dicho) y carteles de teatro.kabuki.

En el centro siglo 18Se desarrolló una tecnología para producir impresiones multicolores, que se denominaronnishiki-e(“imágenes de brocado”, también conocido como edo-e). Despuésrevolución meijiEn 1868 y con la apertura de fronteras, los logros de la civilización occidental llegaron a Japón.

El ukiyo-e poco a poco va pasando de moda y está siendo sustituidofotografía. Al mismo tiempo, los estampados de estilo Ukiyo-e se hicieron muy populares en Occidente.Europa Y America, los críticos de arte están empezando a comprarlos en masa. También cabe señalar que en el Japón Tokugawa, el Ukiyo-e fue considerado durante mucho tiempo un género “bajo”; por lo tanto, se perdió una gran cantidad de trabajo.

1.2. El proceso de creación de impresiones Ukiyo-e.

En el proceso de creación del grabado Ukiyo-e participaron un artista, un tallador y un impresor. El editor jugó un papel importante, estudiando la demanda y determinando la circulación. A menudo fue él quien fijó el tema del grabado e influyó en la naturaleza de la publicación.

El proceso de creación del grabado se vio así. el artista hizo dibujo de contorno Prototipo de grabado a tinta sobre papel fino y transparente. El tallista pegaba el diseño boca abajo sobre una tabla de cerezo, peral o boj, y recortaba de ella las zonas en las que el papel era blanco, obteniendo así la primera plancha de impresión, pero destruyendo el diseño en sí. Luego se hicieron varias impresiones en blanco y negro, en las que el artista designó los colores previstos. El tallista producía el número necesario (a veces más de treinta) de planchas de impresión, cada una de las cuales correspondía a un color o tono. El impresor, después de discutir la combinación de colores con el artista, aplicó pintura de origen vegetal o mineral e imprimió manualmente el grabado sobre papel de arroz húmedo.

El método de trabajo colectivo del artista, el tallador y el impresor, la estrecha especialización de los artesanos y la organización gremial del proceso determinaron la originalidad de los grabados en madera japoneses.

2. Géneros de grabados Ukiyo-e

Bijin-ga – un nombre general para obras de pintura y gráficos que representan la belleza femenina en el arte tradicionalJapón, por ejemplo – en la impresión a partir de tablas de madera de dirección artísticaukiyo-e, que fue una especie de antecesor de la fotografía. Por tanto, la denominación "bijinga" también puede utilizarse para los medios artísticos modernos que representan aspecto clásico hermosa mujer japonesa, generalmente vestida conkimono.

Casi todos los maestros de ukiyo-e crearon pinturas del género bijinga, que fue uno de los temas centrales de esta dirección del arte japonés. Entre los artistas que crearon bijinga, cabe mencionar a maestros de la forma e innovadores de la pintura japonesa comoHishikawa Moronobu, Kitagawa Utamaro, Suzuki Harunobu, Toyohara Chikanobu, Torii Kiyonaga , Nishikawa Sukenobu, Ito Shinsui.

Yakusya-e – (japonés - representación de actores), un género de grabados japoneses de la dirección ukiyo-e, que reflejan la vida de los actores del teatro Kabuki. Se originó en estafa. siglo XII como diseño de cartel, cartelera, programa de teatro. Obras tempranas Yakusha-e (finales del siglo XII – mediados del siglo XIII), realizado con técnicas de grabado en madera con grabados de colores brillantes, creó una imagen heroica de un actor que desempeñaba papeles muy dramáticos. Llamaron la atención por la impresionante velocidad de la acción y el lujo del vestuario teatral (grabados de Torii Kiyonobu con la figura de un actor de cara al público, como volando en un baile, haciendo malabarismos con armas). En la segunda mitad del siglo XIII, aparecieron en los grabados de Yakusha-e escenas líricas y retratos de actores en el proceso de trabajo, en el camerino artístico. La etapa más alta en el desarrollo del género yakusha-e es la obra de Choshusay Syaraku (finales del siglo XIII y principios del XIX). Creó una galería de retratos en los que el actor aparece como una persona que sufre, odia y hambrienta, quemada por las pasiones. En las obras del siglo XIX. aumenta el ansia de decoración, el interés por mundo interior caracteres.

El grabado teatral japonés, en el proceso de su desarrollo, se convirtió en un arte valioso e independiente, cuyo apogeo se produjo entre los siglos XVII y XIX.

Katyo-e ( japonésKatyo-e, o kate-ga "pinturas de flores y pájaros") - un subgénero de grabados japonesesUkiyo-e, procedente de un género tradicional de pintura china dedicado al mismo tema. Hubo maestros que se especializaron exclusivamente en este género, aunque grandes maestros ukiyo-e, por ejemplo,Hiroshige, también se utilizó a veces.

Ohara Koson es una de las más artistas famosos en el género de "Kate-e" del siglo XX..

Fukei-ga – Grabado de paisaje, que se generalizó en la primera mitad del siglo XIX.El florecimiento del género paisajístico en los grabados en madera clásicos japoneses está asociado con los nombres de dos grandes artistas: Katsushika Hokusai (1760-1849) y Ando (Utagawa) Hiroshige (1797-1858).

Japón tiene muchos lugares maravillosos y paisajes magníficos. Pero el Monte Fuji, símbolo del País del Sol Naciente, ha ganado fama mundial. Los japoneses admiran a Fuji y lo consideran un santuario nacional.

Fuji es magnífico en todas las épocas del año; cambia de colores según el clima. Siempre que veas este volcán activo, te evocará sentimientos especiales, no solo por su belleza, sino también por su grandeza.

La leyenda japonesa dice que los dioses crearon el "Monte Fuji" en una noche. El terreno fue tomado cerca de Kioto, en el lugar donde más tarde surgió el lago natural más grande de Japón, Biwa. Estos hechos tuvieron lugar en el año 286 a.C.

Los japoneses ven una belleza única en todo. El monte Fuji, cubierto de nieve, evoca asombro y admiración sagrados entre los habitantes de Japón. El volcán tiene una forma cónica clásica y sorprende por su perfección. Las laderas ligeramente truncadas y simétricas del Fuji destacan contra el cielo azul. Todo esto trae paz al alma, habla del orden del universo y de la armonía en la naturaleza.

La altura del Fuji es de 3776 metros. La montaña se eleva por encima de los alrededores y atrae la atención de todo Japón. Es Fuji y uno de los santuarios. religión antigua Japón - Sintoísmo. Los japoneses tradicionalmente se adhieren a la fe de sus antepasados ​​y por eso las peregrinaciones a la montaña son muy populares entre ellos. Los japoneses creen que todo el mundo debería escalar una montaña al menos una vez en la vida.

Musya-e- género histórico-heroico; Representación de samuráis, famosos en la historia de Japón, escenas de batalla. Género tradicional ukiyo-e.

3. La influencia del Ukiyo-e en la pintura europea

Es de destacar que los extranjeros ayudaron a los propios japoneses a considerar el Ukiyo-e como una obra de arte en toda regla.Después de la apertura de Japón al mundo exterior en 1855, los productos y obras de arte japoneses se importaron a Europa en grandes cantidades y rápidamente encontraron allí a los conocedores. Durante la Exposición Universal de Londres y la Exposición Universal de París, los japoneses grabado en color Y varios artesanías: porcelana, kimonos, biombos, lacados.

EN finales del XIX v. Muchos diseñadores de Art Nouveau buscaron inspiración en Oriente, especialmente Japón. Después de 200 años de aislamiento, Japón abrió sus puertas a Occidente, y la artesanía japonesa (desde la cerámica y la orfebrería hasta la arquitectura, la pintura y el dibujo) tuvo una enorme influencia en los coleccionistas occidentales. En la Exposición Mundial de París de 1867, el arte y la cultura japoneses se presentaron al público occidental en toda su diversidad. El crítico francés Philippe Burty describió un nuevo estilo que surgió bajo la influencia del arte japonés, al que llamó japonismo.

Japonismo (del francés Japonisme): una dirección en arte europeo Siglo XIX, formado bajo la influencia de los grabados en madera japoneses Ukiyo-e y artesanías artísticas. Los motivos, técnicas y presentación del color en el arte japonés se reflejaron en el trabajo de los artistas impresionistas. El japonismo también tuvo una influencia significativa en el Art Nouveau y el cubismo.

Las principales características del japonés son los temas naturales (animales, insectos, plantas), bidimensionales. patrones complejos en superficies, colores simples.

El interés del público occidental por la decoración y el arte japonés. Artes Aplicadas, especialmente los grabados japoneses, fueron impulsados ​​por tiendas de arte, exposiciones en museos, ferias internacionales y, por supuesto, numerosos debates en la prensa. Con un creciente énfasis en los grabados en madera, la porcelana y otras obras de arte de Japón, los productos de los artesanos europeos comenzaron a presentar un número cada vez mayor de motivos naturales, incluidos animales, insectos y plantas. Los patrones complejos y bidimensionales que se encuentran en los grabados en madera de artistas japoneses como Hiroshige impresionaron a muchos diseñadores occidentales de la época. Su influencia también se puede ver en las líneas sinuosas y los motivos naturales del Art Nouveau.

3.1. La influencia del Ukiyo-e en la obra de artistas estadounidenses y

Europa Oriental

Los estadounidenses James Whistler y Mary Cassatt se sintieron atraídos por la moderación de las líneas y las manchas de colores brillantes de los grabados y pinturas Ukiyo-e.

J. Whistler fue el primero entre los artistas europeos en sentir pasión por el arte japonés. En las xilografías japonesas en color le atraía lo inesperado y nítido de la solución compositiva, la expresividad de los ángulos y los colores alegres. Se esfuerza por transmitir su pasión por el exótico Oriente en sus obras “La princesa de la tierra de la porcelana”, “Caprice in Purple and Gold”. Pantalla Dorada", "Pueblo".

La experimentación de Mary Cassatt con una variedad de métodos a menudo conducía a resultados inesperados. Por ejemplo, inspirándose en el maestro grabador japonés, en 1891 Mary Cassatt produjo una serie de diez grabados en color de estilo japonés que se exhibieron en la Galería Durand-Ruel, incluidos Woman Washing y The Visit.

El estilo gráfico del ilustrador de libros infantiles Walter Crane fue un reflejo de su interés por el arte de los grabados japoneses con su linealidad y combinación de colores local. La gracia de los contornos negros claros y delicados. combinaciones de colores, según el artista, correspondía absolutamente a las características de la percepción de los niños. W. Crane intentó comprender qué es exactamente lo que atrae a los niños en las ilustraciones y en el arte en general. Creía que los niños preferían ver líneas precisas, formas y figuras claramente definidas y colores brillantes y saturados. El artista opinaba que los niños no prestan mucha atención a la luz y las sombras y a la representación tridimensional de los objetos. Con sus ilustraciones buscaba sorprender y fomentar la imaginación de los niños de todas las formas posibles, utilizando colores vivos y diseños claros.

Se sabe que muchos postimpresionistas se inspiraron en los grabados japoneses. A partir de copiar a período temprano creatividad, y terminando con constantes ecos y reminiscencias en las obras más famosas. Un ejemplo de esto es el cuadro “Retrato del padre Tanguy” de Van Gogh y los grabados de Hiroshige.

Ando Hiroshige es un destacado artista gráfico japonés, el mayor representante del movimiento Ukiyo-e, un maestro de la xilografía en color, que desarrolló para el arte japonés un nuevo tipo de paisaje de cámara, imbuido de un sutil sentimiento lírico del paisaje. Muchas de sus técnicas fueron adoptadas más tarde por los impresionistas y postimpresionistas europeos, y también anticiparon la fotografía de vanguardia del siglo XX. Para transmitir espacio, Hiroshige a menudo representaba un detalle que sobresalía marcadamente en primer plano, mientras interpretaba suavemente planos distantes; También utilicé la perspectiva lineal. Los paisajes de Hiroshige, marcados por un exquisito lirismo de imágenes, suelen incluir imágenes de personas inmersas en sus actividades cotidianas.

Las técnicas compositivas y coloristas utilizadas por Hiroshige en esta serie tuvieron una gran influencia en artistas como E. Degas, Van Gogh y James Tissot.

En la obra de Vincent van Gogh, la influencia de la gráfica japonesa es enorme. en su tres pinturas Van Gogh copia grabados en color japoneses o los reproduce en pintura al óleo. Estas obras demuestran el deseo del artista de penetrar en los secretos del arte japonés. Basándose en grabados a pluma japonesa, Van Gogh, después de estudiar el manga (colección de bocetos) de 15 volúmenes de Hokusai, desarrolló su estructura pictórica rítmica de “puntos y rayas”, que luego transfirió a la pintura al óleo.

Sin embargo, incluso antes de Van Gogh, los impresionistas buscaban en el grabado en color japonés los medios de representación necesarios. Adoptaron diversas formas de composición, por ejemplo, una imagen independiente, como si estuviera “recortada” por el marco de un objeto; una figura de pie en el primer plano del lienzo; construcción asimétrica de la imagen; diagonales extremadamente profundas en la distancia; “salvando” la imagen con la ayuda de árboles. La serie de gráficos en color de Hokusai sirvió de modelo para las obras en serie de Paul Cézanne y Claude Monet.

La técnica más característica, extraída de grabados japoneses y directamente de la serie “Cien” de Hiroshige. especies famosas Edo” consiste en cortes inesperados de objetos y figuras en primer plano. Esto fragmenta el panorama completo. Fue utilizado artistas franceses todas las direcciones. Se sabe que Vincent van Gogh copió los grabados "Plum Garden at Kameido" y "Lluvia en el puente Ohashi" de la serie "Cien vistas de Edo", estudiando las técnicas de composición y la estructura de los grabados japoneses. Haciendo hincapié en los orígenes de los préstamos, Van Gogh enmarca sus composiciones con jeroglíficos japoneses, que copió de hojas de otras series de Hiroshige. Crea obras en las que utiliza técnicas características del grabado japonés: un punto de vista elevado, una clara división en dos planos, aparente aleatoriedad de la estructura compositiva, fragmentación. En el uso por parte de los artistas europeos de finales del siglo XIX y principios del XX de motivos de lirios, flores de ciruelo, crisantemos, cascadas, en la linealidad, así como en otras técnicas de representación, se pueden encontrar analogías directas con los grabados japoneses y el obras de Hiroshige. El lenguaje gráfico de Hiroshige es único: dinámico y lírico al mismo tiempo. La composición, línea, color, ritmo de los grabados están en armonía. Conocimiento y dominio varias técnicas presuponía la necesidad de la misma maestría y habilidad por parte del impresor y del tallador. En este sentido, cabe señalar que el grabado en color japonés se creó mediante un método especial, fundamentalmente diferente de la tecnología europea.

Henri de Toulouse-Lautrec replanteó brillantemente el estilo del grabado en madera y creó su propio estilo, libre de las ideas occidentales sobre la perspectiva y la composición.

A los artistas gráficos, incluido Toulouse-Lautrec, les gustaba especialmente el Ukiyo-e, y Christopher Dresser lo estudió durante su viaje a Japón, donde fue a comprar productos para la tienda Liberty de Londres. Esta tienda abrió sus puertas en 1875 y vende telas, joyas y arte importados de Oriente, particularmente de Japón. La tienda también encargó artículos para el hogar de estilo japonés a diseñadores occidentales. Desde la década de 1860 Dresser tenía un profundo interés por el arte japonés e hizo esfuerzos considerables para popularizarlo, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. La fascinación de Occidente por el arte y el diseño japoneses dio lugar al desarrollo del estilo japonés, que se convirtió en un movimiento importante en el arte occidental. Esto, a su vez, también influyó en los artistas y espectadores japoneses.

3.2. La influencia de los grabados japoneses en la obra de los artistas rusos.

La influencia de la tradición cultural japonesa en la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX. – un ejemplo vívido de diálogo de culturas, cuando una cultura “diferente” se procesa creativamente, se refracta a través del prisma de su propia tradición cultural y conduce al enriquecimiento de esta última, dando impulso a su desarrollo fructífero.

“Japanismos” en el arte ruso de finales del siglo XIX y principios del XX. se puede representar en las obras de Y. Dobuzhinsky mediante los grabados "Canal de circunvalación en San Petersburgo", I. Bilibin, V. Borisov-Musatov y P. Kuznetsov. También se pueden encontrar signos de "japonismo" en la versión europea en las obras de K. Somov, E. Lanseray, L. Bakst, M. Vrubel. La pasión por la pintura japonesa sirvió de impulso para el estudio de la tradición teatral japonesa para el innovador del teatro ruso V.E. Meyerhold. Para captar la atención del público y expresar lo grotesco, utilizó los principios del teatro Noh japonés.

La naturaleza de la influencia japonesa en esta área se puede representar en forma de estilización, cuando los artistas recurrieron a las técnicas creativas de los japoneses para representar la realidad. En este caso, los préstamos se reducen a técnicas para representar el cielo, las olas, la coloración de los contornos de la imagen y las cualidades decorativas de los grabados japoneses. Entre los motivos de origen japonés, el tema del agua jugó un papel más importante que todos los demás. La imagen del agua y las olas se asoció con la idea de crecimiento, desarrollo, transición de un estado a otro, es decir, con la idea de continuidad. Numerosas variaciones de ondas en los grabados de Hokusai e Hiroshige cautivaron la imaginación de los artistas. La ola no sólo apareció en forma "natural" en I. Bilibin, sino que también se convirtió en la parte más importante de las construcciones ornamentales, lo que se expresó en la organización rítmica del espacio de la mansión Ryabushinsky en Moscú, del arquitecto Shekhtel.

La influencia de los grabados japoneses en los gráficos rusos de este período es especialmente fuerte. Esto se puede ver en las ilustraciones del artista Ivan Yakovlevich Bilibin.

Y YO. Bilibin desarrolló un sistema de técnicas gráficas que permitió combinar ilustraciones y diseños en un estilo, subordinándolos a planos. página de libro. Rasgos característicos del estilo Bilibin: la belleza de los diseños estampados, exquisitas combinaciones de colores decorativos, sutil encarnación visual del mundo. El artista buscó una solución conjunta. Destacó la planitud de la página del libro con una línea de contorno, la falta de iluminación, la unidad colorística, la división convencional del espacio en planos y la combinación de diferentes puntos de vista en la composición.

Una de las obras más importantes de I. Bilibin fueron las ilustraciones de "El cuento del zar Saltan" de A. S. Pushkin. Se notan varias fuentes de estilización entre las hojas de la serie. La ilustración que muestra a Saltan mirando hacia la pequeña habitación recuerda los paisajes invernales de I.Ya. Bilibin de la vida. Las escenas de recepción de invitados y fiestas son ricas en motivos de ornamentación rusa. Una hoja con un barril flotando en el mar recuerda a la famosa "Ola" de Hokusai.

En las ilustraciones, la composición, por regla general, se desarrolla paralela al plano de la hoja. Grandes figuras aparecen en poses majestuosas y congeladas. La división condicional del espacio en planos y la combinación de diferentes puntos de vista en una composición permiten mantener la planitud. La iluminación desaparece por completo, el color se vuelve más convencional, la superficie sin pintar del papel juega un papel importante, la forma de marcar una línea de contorno se vuelve más complicada y se forma un estricto sistema de trazos y puntos.

El proceso de realización de un dibujo gráfico por parte de un artista recordaba el trabajo de un grabador. Después de hacer un boceto en papel, aclaró la composición en todos los detalles en papel de calco y luego la tradujo a papel Whatman. Después de esto, usando un cepillo central con un extremo cortado, comparándolo con un cincel, lo pasé a lo largo dibujo a lápiz contorno de alambre claro en tinta. En su etapa madura de creatividad, I. Bilibin abandonó el uso de la pluma, a la que a veces recurría en sus primeras ilustraciones. Por su impecable firmeza de línea, sus camaradas lo apodaron en broma "Iván la Mano Firme".

El trabajo de Viktor Borisov-Musatov fue experiencia exitosa Interpretación independiente y fructífera de las nuevas búsquedas pictóricas del arte europeo y ruso. El artista es comparable a los maestros japoneses en la correspondencia orgánica de todos los elementos de la composición de sus pinturas entre sí, las figuras y el fondo natural, los atuendos de las heroínas. Las figuras de mujeres silenciosas, inmersas en sueños y casi inmóviles en el cuadro “El collar de esmeraldas” recuerdan a los impresionistas y al mismo tiempo a las imágenes del artista japonés Utamaro. Los rostros de las mujeres de V. Musatov en "El collar de esmeraldas" son similares entre sí, al igual que los rostros de las bellezas de Utamaro. El contenido de sus obras no está determinado por la profundidad de las imágenes humanas individuales, sino por sus relaciones en sistema figurativo pinturas.

Los pintorescos descubrimientos de V. Borisov-Musatov adquirieron un significado especial para Pavel Kuznetsov. La obra de Pavel Varfolomeevich Kuznetsov “Naturaleza muerta con grabado japonés” es un descubrimiento del arte japonés. En una naturaleza muerta, Kuznetsov revela la esencia no solo experiencia personal percepción del arte japonés, pero también la historia de su descubrimiento por parte de toda una generación de artistas rusos. Para Kuznetsov, la “naturaleza muerta” y el grabado de Utamaro son al mismo tiempo el tema de la imagen y el tema de la interpretación pictórica. Kuznetsov no intentó reproducir las técnicas y métodos de trabajo de “Naturaleza muerta con grabado japonés”. maestros japoneses, al que recurrieron muchos de sus contemporáneos. Sin copiar los grabados de Utamaro, pero intentando penetrar en su arte desde dentro, Kuznetsov da una interpretación pictórica de la obra gráfica. Podemos decir que el trabajo de dos artistas rusos V.E. Borisov-Musatov y P. Kuznetsov, también se dedicó a la búsqueda de nuevas formas de expresión de los medios del arte. El trabajo de los maestros japoneses influyó en los métodos y técnicas artísticos de estos artistas, al representar al hombre en inextricable conexión con la naturaleza.

Un ejemplo sorprendente del "japonismo" único de Georgy Bogdanovich Yakulov es el diseño general y el cartel del café "Pittoresk" (1917). El salón principal de la cafetería, y composición general, y los detalles del diseño recuerdan a un antiguo teatro japonés. Esto se puede comprobar fácilmente observando un grabado japonés de finales del siglo XV que representa el interior del teatro.

El cartel se muestra en tamaño completo. figura femenina de apariencia europea y con ropa europea, rodeado a derecha e izquierda por una inscripción con el nombre, dirección y fecha de apertura del café. Comparemos el cartel con un grabado de un artista japonés del siglo XV. Suzuki Harunobu "Geisha". Es difícil decir si conocía la existencia de este grabado, al que tanto recuerda su cartel, tanto por la disposición de la figura como por las inscripciones, como si estuvieran suspendidas en el aire. Pero esto no indica copia o estilización. Estamos hablando de la similitud del pensamiento artístico. El propio Yakulov dijo que el sistema simbólico oriental está más cerca de él que el realista europeo.Los artistas rusos se enfrentaron a la tarea de preservar toda la riqueza de la cultura rusa adquirida a lo largo de los siglos y, al mismo tiempo, recuperar la espontaneidad de la percepción y, sobre esta base, lograr una nueva perfección estética.

Conclusión

Con base en los materiales de investigación, podemos observar:

1. El término Ukiyo, tomado de la filosofía budista, significa literalmente "mundo de dolor". El mundo de los placeres transitorios también pasó a denominarse ukiyo, que literalmente significa "flotar", "flotar". Ukiyo-e significa "imágenes del mundo flotante".
2. Una característica especial del grabado es la diferencia de géneros: la imagen de la belleza femenina, un reflejo de la vida de los actores del teatro Kabuki, pinturas sobre flores y pájaros,paisajes, acontecimientos históricos y heroicos. Otra característica sonpatrones complejos bidimensionales en las superficies, una combinación de colores simple, la idea de armonía entre el cielo, la tierra y el hombre, en la comprensión de la cosmovisión y el triste encanto de una vida pasajera.
3. La naturaleza de la influencia japonesa se puede representar en forma de dos técnicas principales para utilizar la tradición artística japonesa:

1) la técnica de la estilización, cuando los artistas recurrieron a las técnicas creativas de los japoneses para representar la realidad. En estos casos, los préstamos se reducen a técnicas de representación del cielo, olas, coloración de los contornos de la imagen y cualidades decorativas de los grabados japoneses. La técnica de la estilización se manifestó claramente en las obras de los artistas rusos I. Bilibin, A. Ostroumova-Lebedeva, M. Kassatt, J. Dobuzhinsky, W. Crane.

2) el uso de motivos japoneses dentro de su propia creatividad, cuando un artista transforma la cultura japonesa en relación con sus tareas, interpreta el lenguaje del arte japonés, entretejiéndolo en el tejido de su propio método artístico en las obras de V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, V. Van Gogh.

Al absorber la estilización occidental de Oriente, los artistas basados ​​​​en ella buscaron y crearon su propia imagen de Oriente, una imagen basada en la capacidad de una persona para ver el mundo directamente. El conocimiento del arte japonés resultó fructífero para los artistas europeos y rusos, no solo en el camino hacia la creación de un nuevo lenguaje plástico, sino que también sirvió para enriquecer la experiencia visual de los maestros, revelándoles la existencia de un tipo diferente de creatividad. imaginación, la posibilidad de puntos de vista fundamentalmente nuevos sobre lo familiar y lo cotidiano.

Una comparación de los maestros occidentales y rusos con los gráficos japoneses nos da todas las razones para hablar de un diálogo libre entre diferentes culturas, del contacto con la cultura espiritual del Japón del siglo XX, que enriqueció significativamente fundación cultural, lo que influyó en su gama de intereses.

Literatura

1. Ukiyoe-Gallery [recurso electrónico] // Bellas impresiones en madera japonesas. -http://www.ukiyoe-gallery.com/index.htm

La impresión en madera japonesa se generalizó en Edo (Tokio). Durante los siglos XVII y XIX, Edo fue la residencia principal de los shogun; aquí atrajeron a científicos, escritores y artistas, lo que proporcionó a la ciudad un poderoso impulso económico y cultural. En 1868, tras el derrocamiento del shogunato y la restauración del poder imperial, la capital de Japón se trasladó de Kioto a Edo. Aquí nació la dirección de las bellas artes, designada con el término "ukiyo-e" (traducido del japonés como "imágenes de un mundo cambiante"). Este concepto fue tomado de la filosofía del budismo zen, para el cual es importante darse cuenta de la fragilidad de la existencia humana en comparación con la eternidad. Por lo tanto, en la escuela Zen, la comprensión de la vida "aquí y ahora" pasó a primer plano. Admirar los momentos fugaces del presente se ha convertido en una parte integral de la estética japonesa y una de las formas de cercanía natural a la naturaleza y meditación en el espíritu del budismo zen.

"... Vive sólo el momento que te ha sido dado, disfruta admirando la luna, los cerezos en flor, las hojas de arce otoñales, canta canciones, bebe vino y diviértete, sin importarte en absoluto la pobreza que nos mira desafiante a la cara, sin pensar. Ríndete al flujo, como una calabaza, desapasionadamente atraída por el fluir del río. Esto es lo que llamamos ukiyo-e..." (Asai Ryoi, escritor del siglo XVII)

El bello arte del ukiyo-e se asoció con la poesía tanka y haiku (hoku), que también buscaba transmitir el momento del presente de una forma extremadamente simple y al mismo tiempo acomodar todo el espacio y el mundo entero.

en la copa de una flor
El abejorro está dormitando. no lo toques
¡Amigo gorrión!

Las impresiones coloreadas de ukiyo-e eran más asequibles que los pergaminos pintados y fueron compradas por una variedad de segmentos de la población urbana para decorar sus hogares. Con la llegada de las cámaras, el fenómeno del ukiyo-e empezó a desaparecer, a medida que la fotografía se convirtió en una forma más avanzada de capturar un momento.

En las xilografías japonesas había una división en géneros:
KATO-GA - imágenes de flores y pájaros
FUKEI-GA - paisajes naturales y vistas de la ciudad
BIJIN-GA - imágenes de gente guapa
YAKUSYA-E - retratos actores populares teatro kabuki
MUSYA-E - imágenes de samuráis famosos
SYUN-GA (“imágenes de primavera”) - grabados eróticos

KATYO-GA
Casi todos los tipos de flores de jardín llegaron a Japón desde China, incluido el crisantemo (en japonés "kiku" - "flor del sol"), que pronto se convirtió en la flor nacional del país. Los nombres de los tonos de los crisantemos japoneses eran de naturaleza poética: "amanecer", "atardecer", "lluvia del norte", "mañana brumosa", "melena de león", "brillo de espada".
En 1496, se publicó en Kioto un libro con una descripción botánica de más de 10 variedades de crisantemos, que diferían mucho entre sí en la forma y el color de las flores. En aquella época no existía la impresión en color, por lo que los tonos de las variedades se describían con palabras. Con la llegada del grabado en color, comenzaron a aparecer álbumes de colección de varios volúmenes, en los que no pasaba a primer plano el aspecto descriptivo, sino el artístico y visual.
En el siglo XVIII, se fundó en Kioto, en la “calle de los artistas” de Shijo, la escuela Maruyama-Shijo de pintura naturalista clásica japonesa. Su fundador, el artista Maruyama Okyo, combinó el naturalismo, el claroscuro y la perspectiva de la escuela occidental con técnicas pictóricas tradicionales orientales.

Uno de los estudiantes de Maruyama-Shijo se convirtió Kono Bayrei- famoso maestro de kate-ga. Creó una gran cantidad de grabados de caballete, varios libros y álbumes. Un lugar especial en su obra lo ocupa el “Álbum de pájaros y flores” (1883), en el que el artista representa pájaros y flores en determinadas épocas del año. Los grabados se publicaron en ediciones separadas y combinadas en bloques: primavera-verano, otoño-invierno. El álbum con grabados "Cien pájaros" pasó por tres ediciones en 1891, 1892 y 1896. El álbum "Cien plantas con flores" se publicó por primera vez de forma póstuma en 1901.

BIDZIN-GA
Con el desarrollo de los grandes centros urbanos de Edo y Osaka, aparecen en rollos y pantallas escenas de fiestas tradicionales y entretenimiento de la gente del pueblo. Los personajes centrales de estas pinturas son jóvenes amantes de la moda y dandies metropolitanos con trajes llamativos. Se generalizaron los retratos de cortesanas, que servían como publicidad del "divertido" barrio de Yoshiwara. A pesar de su naturaleza publicitaria, el bijin-ga rara vez permitía evaluar la verdadera apariencia de una belleza en particular. Más bien, era un retrato colectivo que reflejaba las tendencias de la moda en vestuario, maquillaje y peinado.

Apriete un cinturón estrecho.
De la mirada de una joven belleza.
Se siente frío.
Considerado un reconocido maestro del género. Kitagawa Utamaro.La imagen femenina en sus obras estuvo sujeta a una mayor tipificación. El ideal de la belleza femenina en las obras del maestro es un rostro ovalado alargado y proporciones corporales, un peinado alto tradicional, ojos delineados con un número mínimo de trazos, líneas finas en los labios y una nariz recta. Además, para representar un detalle, ¡Utamaro podría utilizar varias docenas de tablas! Gracias a la búsqueda constante del maestro, la paleta del ukiyo-e se ha enriquecido con muchos tonos matizados. Por ejemplo, el artista fue el primero en mezclar polvo de oro y plata para conseguir un efecto de fondo brillante.

El grabado representa a tres bellezas de Edo: Nanbai O-Kita, Takashima O-Hisa y Tomimoto Toyohina. O-Kita trabajaba como camarera en una casa de té ubicada frente a la puerta Zuishinmon en Asakusa, Toyohina era geisha en Yoshiwara. Takashima O-Hisa (foto de la derecha) provenía de una familia adinerada, era hija del dueño de varias casas de té en el área de Ryogoku Yagenbori. En el libro "Mizutaya Hyakunin Issho" (1793), que comparó a cien chicas de casas de té, O-Kita ocupaba el puesto 16 y O-Hisa el 17.

Concurso de arreglos florales entre Takashima O-Hisa y O-Kita

El ideal de belleza femenina creado por Utamaro inspiró tanto a sus contemporáneos como a artistas más jóvenes. Entre los seguidores del maestro, cabe mencionar a Eisho Chokasaya. La serie más significativa de sus grabados, "Concurso de bellezas de barrios alegres", demuestra la progresiva complicación del género: el desarrollo composiciones de varias figuras y llenando retratos de numerosos detalles.

Utagawa Kunisada

Toyohara Kunichika, estudiante de Utagawa Kunisada, representa a cortesanas del más alto rango, cuya habilidad distintiva era crear la impresión de lujo e inaccesibilidad. Tayu (como los llamaban en Osaka y Kyoto) y oiran (en Edo) hacían peinados muy complejos con muchas decoraciones, vestían un kimono de tres o más capas con una larga cola y un enorme lazo decorativo al frente. En las obras de Kunichika, la composición se vuelve compleja y de múltiples capas, como las túnicas y los peinados de las geishas, ​​​​perforados con docenas de horquillas: "kanzashi".
"Tres cortesanas famosas"

MUSYA-E
Durante muchos milenios, la historia de Japón es una historia de guerras irreconciliables entre clanes y luchas por el poder entre shogun. Según los legendarios Registros de Asuntos Antiguos (708) y los Anales de Japón (720), los emperadores son descendientes directos de la diosa del sol Amaterasu. La dinastía continuó ininterrumpidamente desde el siglo VI a.C. hasta el actual emperador reinante Akihito. Desde el siglo XII escudo de armas de la familia("mon") es un crisantemo de 16 hojas.
Para mantener el poder, la familia imperial entró en alianzas con otros grandes clanes. Como resultado, en 1192, Minamoto Yoritomo se convirtió en el primer gobernante militar del país: el shogun. El título apareció como una abreviatura del título temporal de seii-taishogun ("comandante en jefe"). A diferencia del emperador, su figura no era sagrada, pero se convirtió en el jefe de facto del gobierno: el bakufu.
Los samuráis (“bushi”) no son sólo guerreros, sino también funcionarios, guardaespaldas y sirvientes de su señor supremo. La "edad de oro" de los samuráis llegó durante la era Edo, cuando recibieron muchos privilegios. Y se permitía llevar dos espadas, una grande y otra pequeña, mientras que el resto sólo podía llevar una espada pequeña. Tokugawa Ieyasu llamó a la espada el "alma" del samurái. Era un tesoro familiar y un objeto sagrado.
Cada samurái desarrolló fortaleza a través de la práctica del budismo zen, guiado por un conjunto de reglas éticas y normas de comportamiento en la sociedad y en el hogar: Bushido o "Camino del Guerrero".
En 1868 se restableció el poder del emperador. Se inició la rápida modernización del país, siguiendo el modelo de Inglaterra y Estados Unidos, en 1873 las tropas samuráis fueron disueltas. En 1876 se aprobó una ley que prohibía el uso de espadas y abolió la clase misma.

Hierbas de verano
Donde los héroes desaparecieron
Como un sueño.
(Matsuo Basho)

Yoshikatsu Utagawa
Takeda Shingen (serie "Comandantes famosos de nuestro país")
Utagawa Kuniyoshi
Yamamoto Kansuke (Haruyuki) en la batalla de Kawanakajima (serie "Valientes comandantes de la provincia de Kai y Echigo - 24 comandantes del clan Takeda")

Takeda Sama-no-suke Nobushige (serie "Cien generales valientes de la batalla de Kawanakajima en la provincia de Shinano")

FUKEI-GA

Hokusai(1760 - 1849)
El destacado maestro del grabado en madera, según confesó en su propio diario, no creó nada significativo hasta los 70 años y sólo más tarde empezó a desarrollarse de forma continua. A lo largo de su dilatada vida utilizó nada menos que 30 seudónimos, superando notablemente a otros autores en este aspecto. Ahora los investigadores consideran que estos seudónimos periodizan las etapas de la creatividad del maestro. En 1800, a la edad de 41 años, comenzó a llamarse a sí mismo Gakejin Hokusai - "Obsesionado con el dibujo de Hokusai".
El artista recurrió a varios géneros de grabados en madera: entre ellos se encuentran retratos de actores, tarjetas de felicitación en surimono y manga. Pero fue en el género paisajístico "fukei-ga" donde se combinaron todos los descubrimientos del maestro. El paisaje clásico del Lejano Oriente ignoraba la apariencia real del objeto, tratando de encarnar ideas filosóficas de la existencia a través de formas naturales, mientras que en Hokusai siempre se asocia con un área específica, cuyas características topográficas a menudo se especifican con la ayuda de inscripciones. También fue el primero en combinar en una unidad armoniosa las leyes de la construcción perspectiva del espacio y el ritmo lineal del ukiyo-e, vistas de paisajes y motivos cotidianos, integrando activamente la vida de las personas en un único orden universal.

Hokusai creó su serie de obras más famosa durante su período de madurez, de 1823 a 1831. La serie tuvo un éxito sin precedentes que el editor Nishimura Yohachi pronto anunció planes para ampliarla a 100 copias. Sin embargo, sólo 10 nuevas obras vieron la luz en 1831-32.
En las primeras 36 vistas, el sagrado Monte Fuji está representado desde el lado de Edo, por lo que estos grabados se llaman "omote Fuji" ("Fuji desde el frente"). Contrariamente a la tradición establecida, los contornos originales de las obras no están impresos en negro, sino en azul, índigo, que realza el contraste de los tonos fríos y cálidos del cielo, el agua y la piedra de la montaña. En los diez grabados siguientes, la imagen se presenta predominantemente desde el lado occidental, por lo que se les llama “ura Fuji” (“Fuji desde el reverso”).

Gatea en silencio, en silencio
Caracol, por la ladera del Fuji
¡Hasta las mismas alturas!
(Kobayashi Issa)

1. "La gran ola frente a Kanagawa"

Hiroshige(1787 - 1858)
Ando Hiroshige es el seguidor más exitoso de Hokusai. Como muestra de respeto por la obra de su maestro, Hiroshige creó tras su muerte la serie del mismo nombre, “36 Vistas del Monte Fuji”. Hiroshige mejoró activamente las técnicas de impresión en madera. Las características distintivas de sus grabados fueron el uso del relieve y el método de gradación de tonos de color, "bokashi", para transmitir niebla, crepúsculo o un bosque detrás de un velo de lluvia.
Habiendo nacido y vivido la mayor parte de su vida en Edo, el maestro dedicó casi una quinta parte de todas las láminas que creó a vistas de su ciudad natal. ultima serie La obra se llamó "100 vistas famosas de Edo" y fue completada por el maestro durante el período en que ya se había retirado del mundo a un monasterio budista en 1856.
Hiroshige viajó mucho por todo Japón y creó varios cuadernos de bocetos con vistas de las provincias.

Episodio "53 estaciones de Tokaido"
Tokaido o "Ruta del Mar del Este": una de las principales carreteras de Japón, de unos 514 km de longitud, conectaba la capital del shogunato, Edo, con la ciudad imperial de Kioto y luego con Osaka. Ninguno de los temas, con la excepción del Fuji, fue tan popular como la imagen de este antiguo tratado. Hiroshige lo cruzó en 1832 como parte de una procesión solemne que se dirigía a Kioto con regalos para el emperador. La serie consta de 55 grabados, porque... Se han añadido vistas de Edo y Kioto a 53 estaciones.

Hogar portátil.
Entonces, corazón de andanzas, y para ti.
No hay paz en ninguna parte.
(Matsuo Basho)

Estación 15 - Kambara

FUZOKU-GA
Fuzoku-ga ("imágenes de moral y costumbres") en la tradición occidental suelen denominarse género cotidiano. Se representaron muelles concurridos, distritos comerciales y artesanales en diferentes momentos del día y en diferentes estaciones. Hiroshige dedicó las primeras 10 hojas de su serie “36 Vistas de Fuji”, así como la serie posterior “100 vistas famosas de Edo”, a vistas de la capital oriental y sus habitantes.

Con estrépito las sedas se rasgan
En la tienda de Echigoya...
¡Ha llegado el horario de verano!
(Takarai Kikaku)

Hiroshige "Vista nocturna de Saruwakacho" (serie "100 vistas famosas de Edo y sus alrededores")

Hiroshige "Distrito de Suruga en Edo" (serie "36 vistas del monte Fuji")

Hiroshige "Flores de cerezo en Asukayama en Edo" (serie "36 vistas del monte Fuji")

Hiroshige "Vista invernal desde Sukiyagashi en Edo" (serie "36 vistas del Monte Fuji")

Los paisajes urbanos en los dibujos de los maestros del ukiyo-e son enfáticamente realistas, sin embargo, a menudo contienen motivos de misticismo y creencias populares. Por ejemplo, una imagen de zorros de fuego, que, según la leyenda, poseen magia y sirven a la diosa sintoísta Inari, y también se reúnen en bandada en Nochevieja bajo el árbol enoki.
Ando Hiroshige "Fox Lights at the Iron Dressing Tree en Oji" (serie "100 vistas famosas de Edo y sus alrededores")

También hay historias simplemente humorísticas. Hiroshige incluso tenía un seudónimo separado para esas hojas: "Hiroshige con un pincel juguetón". Las obras del propio Hiroshige se convirtieron en objeto de ironía por parte de su propio alumno. Hirokage Utagawa. Su serie "Vistas cómicas de lugares famosos de Edo" se refiere directamente a la famosa serie del maestro, con la única diferencia de que en ella los habitantes de la ciudad se encuentran en todo tipo de situaciones incómodas, lo que hace reír al espectador.

YAKUSYA-E

La palabra "kabuki" se compone de tres caracteres "canción", "danza" y "habilidad", este es uno de los tipos teatro tradicional Japón, que es una síntesis compleja de canto, música, danza y teatro.
A diferencia del aristocrático teatro NO, el kabuki se considera un arte para los habitantes de las ciudades y gente común. El teatro donde todo roles femeninos Realizada exclusivamente por hombres, fue creada por una mujer. Se considera que el fundador del kabuki es el legendario bailarín del templo Izumo no Okuni, quien fue el primero en mostrar danzas rituales con el acompañamiento de instrumentos musicales fuera del santuario. En 1629, el gobierno del tercer shogunato, Iemitsu, prohibió todas las actuaciones en las que participaran mujeres por considerar que socavaban los fundamentos morales de la sociedad.
En kabuki, todos los elementos, desde el maquillaje de los actores, el vestuario y las poses, tienen un gran significado. La obra es mucho más larga que las producciones europeas: ¡las representaciones individuales pueden durar todo el día! El escenario de las producciones cambia a menudo en mitad del acto: los cambian trabajadores vestidos con trajes negros, lo que significa que son “invisibles”.
Kabuki tiene una estrecha relación con lo tradicional. teatro de títeres bunraku. Las muñecas están hechas en tamaños de 1/2 y 2/3 de tamaño humano y están controladas por tres operadores. Casi todas las partes del cuerpo de la muñeca son muy móviles, incluida la cabeza, donde los ojos parpadean y se mueven, las cejas y los labios se mueven y la lengua sobresale. los dos mas obras famosas El teatro japonés, "47 Faithful Ronin" y "Yoshitsune and the Thousand Sakura Branches", fueron escritos originalmente para bunraku y solo luego adaptados para teatro kabuki.

Utagawa Kunisada
Escenas del teatro Kabuki.

El surgimiento y desarrollo del ukiyo-e.

Uno de los tipos de arte japonés más famosos es el grabado, llamado ukiyo-e (浮世絵). Literalmente, “ukiyo-e” se traduce como “mundo flotante”, lo que nos remite a la filosofía budista, en la que la palabra “ukiyo” significaba “mundo fugaz”. Pero con la llegada de los “barrios gay” (burdeles) en la era Edo, el concepto fue repensado y pasó a significar “el mundo de los fenómenos fugaces”. La palabra "ukiyo-e" fue mencionada por primera vez por el escritor Asai Ryoi en 1661.

El estilo ukiyo-e se refiere a grabados en madera, grabados en madera o grabados en papel. Se considera que el creador del ukiyo-e es el pintor y artista gráfico Hishikawa Moronobu (菱川 師宣).

Los predecesores del ukiyo-e fueron ekhon (絵本), colecciones de historias acompañadas de imágenes. Luego las estampas ganaron independencia y se utilizaron como carteles para producciones de teatro kabuki o pergaminos con dichos de kakemono (掛け物), colocados en nichos de tokonoma (床の間), una especie de santuarios hogareños.

Las pinturas Ukiyo-e surgieron originalmente a finales del siglo XVII. Los primeros grabados fueron en blanco y negro, ya que se utilizaba tinta para crearlos, y a partir del siglo XVIII los cuadros pasaron a ser de color, ya que los artesanos comenzaron a pintarlos con cinabrio a mano y con un pincel. Luego apareció la técnica de impresión policromada, llamada nishiki-e (錦絵), "imágenes de brocado".

Los grabados eran muy baratos, ya que la técnica era bastante sencilla y permitía realizar grandes “tiradas”, y estaban destinados a un público amplio, principalmente a la población urbana. Y sólo cuando los europeos comenzaron a comprar pinturas en masa, los japoneses se dieron cuenta del valor total de estas obras y tuvieron que comprar pinturas producidas en su propio país a extranjeros. Debido a que con una impresión se pueden crear más de cien cuadros idénticos, se puede ver la misma obra en varios puntos globo, y todos serán genuinos.

Dado que los principales consumidores de las pinturas eran habitantes de la ciudad, los temas reflejaban el estilo de vida típico de una ciudad japonesa: bellas damas, situaciones cotidianas, luchadores de sumo, actores de kabuki, escenas de leyendas. Posteriormente se empezaron a representar paisajes y temas militares. En consecuencia, las pinturas ukiyo-e no son sólo obras de arte, sino también importantes fuentes históricas, del cual podemos aprender mucho sobre la vida en el período Edo.

Las impresiones estaban destinadas a ser admiradas horizontalmente, por lo que no se colgaban en la pared excepto como kakemono. Por eso, algunas obras tienen su propio “secreto”. Por ejemplo, el kimono del héroe podría tener un patrón que solo se podría ver cuando la imagen estaba horizontal o mirándola desde abajo si estaba colgada en la pared.

Técnica de ejecución

Para crear una estampa japonesa se necesitaban tres personas: un artista, un tallador y un impresor. La calidad y belleza del trabajo dependía de todos tres maestros. El primero entintó el prototipo del cuadro sobre papel transparente, el tallista lo pegó sobre una tabla de madera de cerezo, peral o boj y recortó las zonas que quedaron en blanco. Esta fue la primera forma impresa y el dibujo fue destruido. Luego se hicieron varias impresiones con diferentes colores (cada color o tono tiene su propia forma), y el impresor, habiendo discutido previamente la combinación de colores con el artista, aplicó pintura al conjunto de formas e imprimió el grabado en papel de arroz.

Géneros principales

Bijin-ga(美人が) - imagen de bellezas. Como su nombre lo indica, el tema principal de la imagen. Este género incluía mujeres hermosas. La mayoría de las veces, en los grabados se podía ver a los habitantes del alegre barrio de Yoshiwara: geishas, ​​cortesanas y hermosas mujeres simplemente famosas. La belleza típica de aquella época tenía una cara ovalada, un cuello curvo y una boca pequeña. Las escenas en las que aparecían las bellezas eran cotidianas: una ceremonia del té, un baño, paseos, juegos. En este género, el estilo okubi-e (お首絵) - "cabezas grandes", que representaba de cerca cabeza de niña.

Maestros: Suzuki Harunobu, Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro.

Yakusya-e(役者絵) - retratos de actores de teatro populares. El artista tuvo que cumplir con ciertas reglas estrictas en la imagen: por ejemplo, los ojos rasgados, agrupados, denotaban ira; si el héroe mordía su pañuelo, mostraba una pasión desenfrenada, y la vellosidad hacía referencia al salvajismo y la incontrolabilidad animal. Los grabados Yakusha-e tienen característica interesante: Puedes ver una mancha violeta en las cabezas de los héroes. De hecho, esta mancha denotaba una gorra, que simbolizaba una frente alta y afeitada, como todos los hombres de Edo, que llevaban en la cabeza los actores que interpretaban a mujeres (y como saben, en kabuki todos los papeles, incluidos los femeninos, eran interpretados por hombres). .

Maestros: Torii Kiyonobu, Katsukawa Shunsho, Toshusai Sharaku, Utagawa Toyokuni.

Shunga(春画 “imágenes de primavera”) - impresiones eróticas.

Cuando un japonés escucha la palabra "ukiyo-e", primero le viene a la cabeza la imagen de una pintura del género shunga, y luego todas las demás. Shunga es un género que representaba escenas íntimas muy explícitas con detalles anatómicos exagerados, impactando a los europeos criados en estrictas costumbres cristianas. Pero la conmoción dio paso a la popularidad: imágenes similares nunca podrían haber existido en Occidente y los extranjeros las compraron de manera muy activa.

Nuevamente, no sobre todo a la vez, sino específicamente sobre grabados. ukiyo-e. Una hermosa palabra, pero ¿qué significa? Leemos sitios especiales. Por ejemplo, Enciclopedia de Japón de la A a la Z
- y descubrimos que:

Técnica de xilografía, o impresión de tablas de madera, apareció en Japón allá por el período Heian (794-1185) junto con la llegada del budismo. Principios del siglo XVII Se caracteriza por la aparición de libros xilográficos ilustrados publicados en ediciones masivas. En estas ediciones, el texto y las ilustraciones se imprimieron en negro.

Los primeros grabados de caballete también eran en blanco y negro, luego comenzaron a teñirse ligeramente a mano con cinabrio (tan-e), posteriormente los grabados se teñían con pintura roja oscura (beni-e) o se sombreaban con pintura negra espesa, lo que creaba el efecto de estar cubierto con barniz negro (urusi-e). e).

Las primeras impresiones en rojo (benizuri-e) aparecieron a mediados del siglo XVIII. Poco a poco, el número de tablas para impresión en color aumentó y en 1765 aparecieron los primeros grabados multicolores, llamados "pinturas de brocado" (nishiki-e).

Ukiyo-e(que traducido literalmente del japonés significa "imágenes del mundo mortal") encarna la contemplación filosófica y la plenitud emocional de admirar la plenitud de la existencia mortal.

Técnicamente, el arte del ukiyo-e es un proceso complejo que requiere la máxima profesionalidad en todas las etapas de ejecución. El resultado final del trabajo dependía no sólo de la habilidad de los artistas que dibujaron los bocetos, sino también de las habilidades virtuosas de los grabadores e impresores. Para crear una imagen multicolor, era necesario grabar de dos a tres a ocho tablas. La impresión se realizó a mano, lo que permitió crear un pintoresco efecto de semitonos. Las tablas fueron pintadas a mano, pulidas y sopladas con polvo de oro o plata.

Los estampados japoneses se han convertido en sinónimo de sofisticación y buen gusto. A finales del siglo XIX, las impresiones del ukiyo-e ganaron popularidad en todo el mundo; fueron recopiladas por Whistler, Manet, Degas, Goncourt y Zola. En San Petersburgo, la primera exposición de grabados ukiyo-e se celebró en 1898. Existen ricas colecciones de este tipo de grabados en el Hermitage Estatal y en la Kunstkamera.

La palabra "ukiyo" en la antigüedad denotaba una de las categorías budistas y podría traducirse como "el mundo mortal y cambiante". A finales del siglo XVII. Ukiyo empezó a significar el mundo de las alegrías y placeres terrenales. Ukiyo-e - pinturas La vida cotidiana clase urbana del período Edo.

Originario del siglo XVII. Entre el creciente tercer poder, menos limitado por los cánones que la pintura, el grabado era la forma de arte más extendida y accesible para la gente de la ciudad. Los temas de las impresiones de ukiyo-e eran a menudo tramas de historias del género ukiyo-zoshi, obras de teatro Kabuki y poesía clásica y moderna.
El proceso de creación de impresiones ukiyo-e involucró a un artista, un tallador y un impresor. El editor jugó un papel importante, estudiando la demanda y determinando la circulación. A menudo fue él quien fijó el tema del grabado e influyó en la naturaleza de la publicación.

El proceso de creación del grabado se vio así. Artista Hice un dibujo en tinta sobre papel fino y transparente. Grabador Después de pegar el dibujo boca abajo sobre una tabla de cerezo, peral o boj, recorté la primera forma impresa. Luego se hicieron varias impresiones en blanco y negro, en las que el artista designó los colores previstos. Cortador produjo el número requerido (a veces más de treinta) de formularios de impresión, cada uno de los cuales correspondía a un color o tono. Impresora, habiendo discutido con artista combinación de colores, aplicó pintura de origen vegetal o mineral e imprimió manualmente el grabado sobre papel de arroz húmedo.

El método de trabajo colectivo del artista, el tallador y el impresor, la estrecha especialización de los artesanos y la organización gremial del proceso determinaron la originalidad de los grabados en madera japoneses.

El fundador de la dirección es considerado. Moronobu Hishikawa, Kichibe (alrededor de 1618 - alrededor de 1694; según otras fuentes 1625 - alrededor de 1694, 1638-1714), pintor y artista gráfico japonés. Vivió en Edo. Incluso los mayores representantes del ukiyo-e fueron Katsushika Hokusai, quien también es conocido como el fundador del género paisajístico en los grabados japoneses, Ando Hiroshige(1797-1858): uno de los artistas gráficos japoneses más importantes.
Hiroshige Nacido en Edo en la familia de un pequeño samurái, Ando Genemon. Gracias a la temprana formación en escritura jeroglífica de Tokutaro (el primer nombre del bebé artista) también conocía bien las propiedades del papel, el pincel y la tinta, los principales materiales de la pintura oriental.

El primer cuadro, "El monte Fuji en la nieve", que ha llegado hasta nuestros días (Museo Suntory, Tokio), fue pintado por el artista cuando tenía diez años. Tenía catorce años cuando se convirtió en aprendiz. Toyohiro, fundador de la escuela Utagawa. Basado en los primeros trabajos de Hiroshige: eventos reales, escenas vistas en las calles.

La segunda etapa de la creatividad estuvo marcada por la aparición de grabados de paisajes. La primera serie, "Ocho vistas de Omi", publicada en 1825, dedicada a la belleza del lago Biwa, situado en la provincia de Omi, fue representada por Hiroshige sin salir de Edo. La siguiente serie, "Diez vistas de la capital del Este", lanzada dos años después, está dedicada a ciudad natal artista - Edo.

A continuación, el artista centra toda su atención en paisajes y series del género katega (“flores y pájaros”). Una de las más famosas es la lámina “Gorriones sobre una camelia nevada” de una serie de 25 grabados.

En agosto de 1832, el artista recorrió toda la carretera costera oriental: Tokaido. El resultado del viaje fue una gran serie de grabados de paisajes que publicó, “Las cincuenta y tres estaciones de la carretera Tokaido”, que marcó el comienzo del florecimiento de su obra.
El próximo período de creatividad. Hiroshige difiere en muchos aspectos del anterior. A menudo cambia de lugar de residencia, realiza viajes repetidos y bastante largos por el país, pero al mismo tiempo no crea grandes series de paisajes. Mayoría Dedica su tiempo a ilustrar libros con poemas satíricos.

En la última década de su vida, el artista no abandonó sus temas favoritos: los paisajes de Tokaido y Edo, representándolos en grabados individuales, abanicos y libros. Hiroshige crea la serie "Treinta y seis vistas del monte Fuji". Durante estos mismos años, el artista se dedicó a representar rocas extrañas, cuevas, cascadas, desfiladeros y cruces sobre ellos. Hiroshige dio a su última serie de paisajes, compuesta por tres trípticos, el antiguo título poético “Nieve, Luna, Flores”. Durante los últimos tres años de la vida de Hiroshige, se fueron publicando gradualmente copias de su serie más grande, Cien vistas de Edo.

Paisajes Hiroshige junto con obras Hokusai hizo un grabado ukiyo-e Forma de arte líder de la primera mitad del siglo XIX.

Muchas obras de Hiroshige y Hokusai, así como de otros autores diversos, se pueden ver en el sitio web Ukiyoe Japanese Prints. Pero tenga cuidado: hay 9 galerías de pinturas de 500 cada una. ¡Puedes quedarte por mucho tiempo!