La escultura son momentos congelados tridimensionales. A

Volumen. Puede representarse como una síntesis de planos que se conectan y reemplazan entre sí. Los aviones no sólo tienen diferentes configuraciones, sino que también están ubicados de diferentes maneras en el espacio. Sin embargo, desde la distancia, el cambio de planos y formas se percibe como un todo.

Silueta- un cierto contorno de la forma de toda la obra escultórica. Es especialmente importante para la escultura monumental. Antes de instalar la obra en el lugar previsto, se realiza una maqueta de cartón en tamaño natural, lo que nos permite evaluar la relación de escala entre la parte principal del monumento y su pedestal, su interacción con el entorno. En una silueta es muy importante el contorno, que hay que tener en cuenta a la hora de crear una escultura. Cada material dibuja un contorno a su manera. Entonces, en bronce el contorno está claramente definido, pero en mármol es más suave. El contorno revela la esencia de la imagen y por eso resulta interesante.

Modelado de formas, según O. Rodin, esta es toda una ciencia, ya que el modelado es mayoría trabajar en la superficie de la escultura. Cuantas más protuberancias y depresiones se superpongan, aumentando artificialmente la superficie de la escultura, menos valiosa será. Los detalles no siempre logran revelar completamente la imagen y, por el contrario, un modelado demasiado general puede limitar el lado significativo de la escultura.

Plasticidad y plasticidad.- conceptos cercanos que pueden tener diferentes significados en diferentes áreas de la vida humana. En la teoría del arte, la plasticidad se entiende como la transición gradual y suave de un volumen y una superficie a otro. En escultura se explica como el resultado del modelado, debido al procesamiento escultórico de superficies volumétricas.

Textura- una de las propiedades emocionales y estéticas de la escultura, gracias a la cual el personaje se percibe más agudamente imagen plastica, su idea interior. La textura enfatiza la carga semántica de la obra, dándole significado, influyendo significativamente en la percepción de la forma.

Claroscuro hace que cualquier obra escultórica cobre vida. Cada superficie, cada material reacciona a la luz a su manera, esto hay que tenerlo en cuenta a la hora de trabajar en modelado y textura. Los reflejos que surgen de la relación entre la luz y la sombra pueden realzar o debilitar el efecto de la forma, el color y las líneas. El cambio de iluminación siempre afecta la percepción del volumen escultórico y su textura. Es importante tener en cuenta esta característica al instalar la escultura para poder crear efectos de iluminación.

Color en escultura actúa como un medio de expresividad, aunque en algunas esculturas puede destruir la integridad de la imagen plástica y su contenido, y en otras es necesario para revelar la idea plasmada en el plástico, hacerla visible y liberarla. la escultura del anonimato. La propia naturaleza ofrece una rica selección de colores que colorean ciertos materiales. Muy a menudo, el escultor prefiere los colores naturales debido a las propiedades naturales del material, sin recurrir a coloraciones adicionales.

Composición- el núcleo invisible de la obra. Y aunque no resulta claramente visible al percibir la escultura, sin ella es imposible crear ninguna obra. Construcciones compositivas las esculturas son las más cercanas a la arquitectura, ya que en las obras plásticas la composición interactúa con un volumen real, y no ilusorio. Al igual que en la arquitectura, se construye teniendo en cuenta las leyes de la tectónica.

Proporción Se considera con razón la “medida” de las partes en la escultura. Gracias a ello, el escultor equilibra lo principal y lo secundario, el todo y los detalles. La proporción en la escultura concierne no sólo a la imagen de la figura humana, sino también a cualquier objeto que se represente en plástico. Cada época tenía sus propias ideas sobre la proporción, según las cuales se creaban las imágenes plásticas.

Dinámica y estática- medios expresivos que se niegan y al mismo tiempo se complementan. Lo niegan porque donde hay postura estática no puede haber dinámica. Y añaden que en cualquier estática externa se esconde la dinámica interna de pensamientos, sentimientos, experiencias, y viceversa. Si consideramos la composición desde el punto de vista del movimiento, entonces podemos dividirla condicionalmente en dos tipos: 1) centrípeta “cerrada”, estática; 2) “abierto”, trepidante, dinámico. La estática en la escultura tiende a la paz y la simetría; en ella se observan repeticiones de formas, líneas y volúmenes. La dinámica, por el contrario, suele ser asimétrica, contrastante, hay un contraste de masas, una complicación de ritmos, lo que permite revelar la trama en plástico.

La escultura es multifacética y diversa. No es sólo una obra hecha por el hombre, es una especie de huella de una época cultural e histórica, sus puntos de vista y actitudes hacia las personas. La escultura existe según sus propias leyes, que tienen su propia especificidad, lo que permite revelar nuevas facetas del arte y de la existencia humana. El objetivo de la escultura es captar la esencia de la época y transmitirla a los descendientes, preservar las tradiciones y darles un nuevo significado. “El laconismo que distingue a la escultura no es una simplificación artificial primitiva, sino una concentración de ideas y ambigüedad de significado”1.

Preguntas de control

1. ¿Cuál es el motivo del surgimiento de la escultura como forma de arte?

2. Da una descripción medios expresivos esculturas.

3. Comparar diversidad de género pintura y escultura. Indique las particularidades de revelar los mismos géneros en pintura y escultura.

4. ¿El material afecta la expresividad de la imagen plástica? Revelar la originalidad visual de cada material.

5. ¿Qué importancia daba O. Rodin al modelado de formas?

6. ¿El color afecta la expresividad de una imagen plástica? ¿Qué papel jugó el color en la escultura?

Golovin V.P. De amuleto a monumento: un libro sobre la capacidad de ver y comprender la escultura. - M., 1999. - P. 117.

Percepción de obras de arte por parte de niños en edad preescolar.

Tipos de percepción

Percepción- este es un proceso complejo de múltiples niveles que depende semánticamente de los sistemas socioculturales, incluidos el sujeto y el objeto de percepción. Al percibir una obra de arte se produce una transición del pensamiento emocional-imaginativo al plano estético, siendo los mecanismos de transición la contemplación y la imaginación productiva. Dependiendo del tipo de percepción artística y de la situación concreta, la actitud emocional activa la experiencia. Poco a poco, la capacidad de contemplar estéticamente una obra contribuye a la formación de una determinada dirección del pensamiento figurativo y la imaginación, que contribuyen a la manifestación de la imaginación productiva. Así, la contemplación de una obra activa propia creatividad niños, como resultado de lo cual nacen varias imágenes. Lo más destacado de J. Gibson cuatro tipos de percepción obras de arte.

situacional- el propósito de la percepción se limita a una actitud momentánea hacia un objeto en una determinada situación (Dima, 3 años 2 meses, vio grupos escultóricos de personajes de diferentes cuentos de hadas y exclamó: “¡Genial! ¡Guau!..").

estetizado- correlación del objeto percibido con un ideal estético, al tiempo que enfatiza el valor del proceso de percepción en sí, que no depende de las preferencias personales (Masha, 2 años y 5 meses, vio una vidriera en el metro, la miró en silencio durante mucho tiempo, luego dijo: “Qué lindas frases son de red (brillan) como bajo el sol (sol).

Pragmático asociado a una actitud hacia un objeto, principalmente desde la posición de satisfacer determinadas necesidades, destacando el aspecto del beneficio (Gosha, 4 años 6 meses, vio varios tipos de espadas en la Armería y dijo fascinado: “¡Eso es genial! Me gustaría una espada así, entonces yo sería el más fuerte."

Profesional es lo opuesto a pragmático, ya que no está asociado a la posesión de un objeto, sino que se caracteriza por un análisis visual de la obra desde el punto de vista de la “terminación”. Con este tipo de percepción, el tema de evaluación se convierte en la técnica, técnica de ejecución de la obra, y también la compara con el contexto cultural (Alina, 5 años 9 meses, en la exposición, después de haber visto las obras de Fabergé, miró durante mucho tiempo, y luego concluyó: “Sí, creo que es muy difícil hacerlos, no entiendo cómo se pueden unir las piedritas para que se peguen tan fuerte y además queden tan hermosas”.

Estos tipos de percepción pueden manifestarse en grupos sociales de diferentes tipos psicológicos. Es por eso que las obras de arte suelen tener un carácter específico y están diseñadas para la percepción de determinadas subculturas, y en el entorno subcultural surgen y se forman gustos artísticos, que luego adquieren un carácter subcultural grupal.

En cada subcultura se pueden identificar obras que son aceptadas por sus miembros como modelo estético. En el curso del desarrollo cultural e histórico del pueblo o grupo social Se forma una actitud hacia los tipos, géneros y estilos de arte, que sirve como predeterminación en las orientaciones estéticas de los individuos. Un niño, al comprender los conceptos básicos de la subcultura en la que nació, se enfrenta a un sistema de valoraciones y gustos artísticos ya establecidos. Y una obra de arte sólo es valiosa para él si Características generales las obras corresponden a las normas de gusto aceptadas en su subcultura.

Un niño nacido en un pueblo donde se valoran principalmente diversas artesanías y donde no había oportunidad de estudiar muchas formas arquitectónicas, escultóricas y pinturas, se muda con su familia a una gran ciudad. Aquí encuentra muchos tipos de arte que ciertamente lo sorprenden, pero que aún no logra relacionar con su experiencia artística. Esto requiere no sólo tiempo, sino también la ayuda de los padres, quienes pueden controlar el flujo de información que llega al niño y facilitar su adaptación estética.

Así, la formación de una actitud estética de los niños en edad preescolar hacia las obras de arte es proceso difícil, que involucra muchos factores de carácter social e individual-personal. Para comprender la esencia de la interacción entre el arte y la personalidad de un niño en edad preescolar, es importante el proceso de la experiencia artística, cuya efectividad está determinada por el impacto emocional de las imágenes artísticas.

Uno de los investigadores más sutiles del problema de la psicología del arte, L. S. Vygotsky, señaló que el arte es un instrumento de la sociedad a través del cual atrae a las personas a un círculo. vida social los aspectos más íntimos y personales del ser de una persona. Tiene un importante arsenal de herramientas específicas que ninguna otra forma tiene. conciencia pública. Los aspectos ideológicos de una obra de arte, al estar orgánicamente entretejidos en el tejido de imágenes artísticas vivas y visibles, influyen en la conciencia del niño de manera imperceptible, pero profunda. Lo que se experimenta pasa a formar parte del mundo interior del individuo.

Al transmitirle a un niño una experiencia social sensorial concreta y holística, el arte influye en su memoria emocional, que es mucho más fuerte que la memoria racional. Cuando las imágenes artísticas son percibidas y asimiladas, pasan a formar parte de la experiencia artística y estética.

Sin embargo, el impacto específico de las obras Artes visuales No se deben simplificar los pensamientos, sentimientos y comportamientos de los niños en edad preescolar. Para un niño, una obra puede tener inmediatamente un impacto emocional y estético; para otro, esta influencia se propaga gradualmente, sólo después de mucha reflexión. Para algunos, la misma obra de arte dejará sólo una huella apenas perceptible en el alma, mientras que otros permanecerán completamente indiferentes.

Como argumentó acertadamente L. S. Vygotsky, el arte nunca da lugar directamente a esto o aquello. acción práctica, sólo dirige la personalidad a esta acción. En otras palabras, el arte es un instrumento de influencia tanto directa (inmediata) como indirecta (retrasada, retrasada) sobre el individuo.

El impacto del arte se puede observar ya en el mismo acto de percibirlo. Sin embargo, la consecuencia de la percepción es mucho más profunda y poderosa, lo que, con el tiempo, puede intensificar la actividad creativa independiente de un niño en edad preescolar.

Olya (2 años 7 meses), después de mirar trabajos con sus compañeros durante clase pintura de paisaje, lo recordé repetidamente bosque de otoño, representada por F. Sychkov, compartió sus impresiones con profesores y padres. Al día siguiente, Olya vino al grupo por la mañana con un dibujo, se lo entregó a la maestra y dijo: "Tina Vasilievna, yo también dibujé un bosque, resultó divertido, ¿verdad?". ¿Soy artista ahora también? La madre de Olya explicó que pasó toda la noche contándoles a todos que había un hermoso bosque en la imagen, que era dorado y brillaba al sol, después de lo cual pidió pintura y comenzó a pintar con entusiasmo.

Las obras de arte pueden tener un impacto incluso en niños de tan solo dos o tres años. A partir de este período, los niños en edad preescolar son capaces de expresar experiencias estéticas. El niño se regocija al ver juguetes dymkovo, admira adornos para árboles de navidad, frutas jugosas representadas en una naturaleza muerta. A menudo, siguiendo a los adultos, repite: "¡Qué belleza!..." A esta edad, los niños pueden dar su propia valoración de la belleza, independientemente del adulto, distinguiendo lo feo de lo bello, razonando y justificando su punto de vista en la medida de lo posible.

Anya (2 años 8 meses) y su madre estaban en la tienda eligiendo un jarrón como regalo para su abuela. Cuando mi madre eligió uno de los jarrones, Anya inmediatamente dijo: “Mamá, no puedes regalarle este jarrón a tu abuela, es feo. Mira, tiene orejas grandes, como Cheburashka”. Al hacer tal evaluación del jarrón, Anya notó la falta de armonía en su forma, que consistía en la desproporción del cuerpo del jarrón y sus asas decorativas.

En el tercer año de vida, el sentimiento de asombro da paso a la curiosidad. El niño domina el habla y hace muchas preguntas. El uso activo de las palabras y la expresión verbal de los sentimientos experimentados conducen a que el bebé sea consciente de sus experiencias emocionales y a la formulación verbal de sus propias impresiones. A esta edad, el niño en edad preescolar también experimenta sentimientos como resentimiento, vergüenza y envidia, que se manifiestan de forma elemental. Al final de la edad preescolar, se puede observar el desarrollo de una actitud emocional hacia las obras de bellas artes. En temprana y junior edad preescolar Las reacciones emocionales, los sentimientos, junto con las características relacionadas con la edad, se caracterizan por características tipológicas individuales.

Caracterizando Desarrollo emocional y estético de un niño en edad preescolar. a la edad de siete años, se pueden distinguir los siguientes indicadores:

a) una vívida respuesta emocional al percibir varias obras de arte, compararlas entre sí, compararlas con objetos y fenómenos del mundo circundante;

b) manifestación de diversas formas de curiosidad;

c) la presencia de sentimientos morales y estéticos (sentimientos de empatía por los personajes representados en las obras, justicia, ayuda mutua, respeto, etc.);

d) disposición emocional y estética para percibir la belleza en sus diversas manifestaciones.

El niño adquiere el conocimiento más amplio y profundo sobre el mundo que lo rodea a través de la percepción. Él componente cognición sensorial y está directamente relacionada con las sensaciones. Las sensaciones y percepciones tienen sus propias características distintivas. Si, como resultado de la sensación, los niños adquieren ciertos conocimientos sobre las propiedades y cualidades individuales de los objetos, entonces, como resultado de la percepción, los niños en edad preescolar forman una imagen holística de un objeto o fenómeno. Esta característica de la percepción se debe a que tiene una serie de características esenciales.

Base fisiológica de la percepción., causado por la interacción de varios analizadores o sus componentes individuales, lo que contribuye a la formación de estereotipos dinámicos necesarios para la evaluación y actividad creativa preescolares. Como resultado, el niño desarrolla una imagen artística y visual. La percepción, que es una determinada combinación de diferentes sensaciones, no puede reducirse a una simple suma de estas sensaciones.

Base psicológica de la percepción. determinado por la interacción, combinaciones individuales de diferentes sensaciones. En el proceso de percepción, junto con las sensaciones, se activa la experiencia artística, visual y estética en forma de conocimientos e ideas de los niños sobre el arte. Es sobre esta experiencia que se construye el proceso de cognición, ya que su implementación requiere el momento de correlacionar las obras percibidas con las previamente estudiadas. Esto se debe a que la cognición no es un proceso único, sino una acumulación, por lo que es importante que cada obra percibida sea un paso para el niño en el estudio del arte. La base psicológica también se caracteriza por una estrecha conexión entre percepción y pensamiento, expresada en el hecho de que las imágenes formadas en el proceso de percepción se comprenden, concretan y generalizan a través de conceptos. operaciones mentales, juicios e inferencias.

Así, la percepción ocupa una posición intermedia entre la sensación y el pensamiento en un único proceso de cognición.

Reino espiritual. Al percibir cualquier obra, no siempre es posible explicar el grado de su impacto estético únicamente desde el punto de vista de la fisiología y la psicología. Hay momentos en la percepción que no se prestan a un análisis racional. Si hablamos de un niño en edad preescolar, entonces utiliza muchas de las leyes del arte de forma intuitiva e inconsciente. Lo mismo sucede en el proceso de percepción de las obras. Los niños explican algunas imágenes con especial pasión, intentando sentirlas desde dentro. En este caso podemos hablar de una especie de catarsis en la que el niño participa junto con el autor.

Las esculturas no sólo agradan a la vista, sino que también educan, crean la atmósfera del espacio y, hasta cierto punto, determinan el futuro de las personas. Esto es lo que piensa Tatyana Kholuyova, profesora, Artista de Honor de la Federación Rusa, autora de numerosos monumentos instalados en Nizhny Novgorod y la región.

Belleza y armonía

Albina Makarova, AiF-NN: Tatyana Georgievna, no hay duda de que las esculturas influyen en el espacio que las rodea. Pero ¿cómo puede educar un monumento?

Tatiana Kholueva

Tatyana Kholueva: Incluso cuando estudiábamos en la Academia de Arte e Industria de Leningrado que lleva su nombre. Stieglitz, a nosotros, futuros escultores, nos dijeron que teníamos en nuestras manos un arma poderosa, similar a un bisturí quirúrgico, con la que podíamos realizar una operación compleja y salvar una vida, o podíamos apuñalar y quitar una vida. Una persona recibe el 95% de la información sobre este mundo a través de sus ojos. Por tanto, todo maestro que crea esculturas tiene una responsabilidad.

Por ejemplo, en Italia hay muchos monumentos hermosos; gente de todo el mundo viene a verlos. Más de una generación de italianos vive en esta armonía y belleza. Quizás es por eso que hay tantos diseñadores y diseñadores de moda famosos aquí...

Cada escultura debe tener tres principios: moral, estético, emocional. Los psicólogos dicen que el sonido y la música tienen el efecto más poderoso en una persona, seguidos del color. Las esculturas no tienen una actividad tan poderosa, pero viven mucho tiempo y tienen un efecto constante; no se pueden “apagar”. La gente ni siquiera nota este impacto. Hasta cierto punto, cualquier arte es un arma, puede ser bueno o puede tener consecuencias negativas.

- ¿Cómo afectan a la gente las esculturas de Nizhny Novgorod? ¿Son todos nuestros monumentos “correctos”?

Algún tiempo después de obtener mi diploma, me enviaron a Gorky para una misión. Me gustó mucho la ciudad, al igual que mi Torzhok natal, está ubicada en dos orillas del río, igual de antigua y con una rica historia. Pero me entristeció que haya pocas artes plásticas en la ciudad. Cuando no hay suficientes esculturas en un espacio, el ojo del ciudadano no está “educado”, no está acostumbrado a la belleza. He vivido aquí toda mi vida, Nizhny es ahora mi hogar y es doblemente ofensivo que todavía no haya suficientes esculturas aquí.

En mi opinión, el monumento más armonioso y poderoso es el obelisco en honor a Minin y Pozharsky en el Kremlin de Nizhny Novgorod, obra de Ivan Martos y el arquitecto Abraham Melnikov. Encaja perfectamente en el espacio de la orilla alta sobre el ancho Volga. También es hermoso el monumento a Maxim Gorky en la plaza del mismo nombre, obra de la escultora Vera Mukhina, los arquitectos Viktor Lebedev y Pavel Steller.

Monumento a Gorki en Nizhny Novgorod. Foto de : AiF-Nizhny Novgorod

La gente en su mayor parte se siente atraída por lo bello, por lo bello, le perdonan muchos errores al maestro. Y esta confianza duplica la responsabilidad del escultor por lo que aporta a la ciudad.

El monumento a Lenin de 17 metros de altura en la plaza que lleva el nombre del líder provocó el rechazo de la población el día de su inauguración en 1970. Y esto no es una cuestión de ideología: los residentes de Gorki asistieron a limpiezas comunitarias y donaron dinero para la creación de esta escultura. Recuerdo bien el día de la inauguración, todo Kanavino estaba lleno de columnas de gente, así que solo fueron a la manifestación. El monumento estaba bajo una manta. Lo habíamos visto antes y, como profesionales, entendimos que se hacía sobre la marcha, según el principio “en provincias les irá bien”.

Junto a nosotros caminaba una columna de trabajadores e ingenieros de alguna fábrica. Cuando se quitó la cubierta, muchos trabajadores de la fábrica no pudieron contener sus malas palabras. Y uno dijo en voz alta: “Hagamos otra jornada de limpieza, ganemos dinero para una excavadora, traigamosla hasta aquí, atemos esta monstruosidad por la pierna, arranquémosla y tírela al río”.

No quiero entrar en el aspecto político y darle la vuelta a los hechos, diciendo que la gente quería demoler el monumento a Lenin. No, la gente del pueblo quería que hubiera un monumento a Ilich aquí, pero querían ver una verdadera obra de arte. Pero el maestro tenía prisa. Quizás tuvo trabajo en otras ciudades: en la década de 1970 hubo un verdadero auge en la inauguración de monumentos al líder de la revolución.

Código de vestimenta para “invitados de piedra”

Ahora casi todos los años aparecen nuevas esculturas en la calle principal de Nizhny Novgorod. Pero están constantemente sujetos a ataques de hooligans. El arco del violinista fue robado muchas veces. Recientemente, al “Cartero” le “quitaron” una rueda de bicicleta; una noche le cortaron las manos a la “Pareja Noble”. Recientemente echaron pintura verde sobre el “Jolly Goat”. ¿Cómo proteger las esculturas?

Esto es vandalismo, burla, destrucción, esto es vandalismo. Es necesario educar a los ciudadanos, tanto jóvenes como mayores. Este es un proceso complejo que depende de muchos factores.

Es triste, pero la "reposición" de la familia de esculturas en Bolshaya Pokrovskaya no contribuye a la educación de la gente del pueblo. Tengo una actitud ambigua hacia estas obras. La gente se fotografía junto a ellos, los turistas se trasladan a otras ciudades. ¿Pero son estas esculturas originales? Los hay en casi todas las ciudades y llenamos toda la calle principal con ellos.

Todavía recordamos al difunto arquitecto jefe de nuestra ciudad, Alexander Kharitonov. Dijo que Bolshaya Pokrovka es un área relicta y protegida de la ciudad, que debe tratarse con cuidado, "no permitió" tales esculturas en la calle principal.

No digo que estas obras no tengan derecho a la vida: esta es una escultura de parque. Pero en los monumentos reales, además del exterior, debe haber contenido interior. Manos, piernas, rasgos faciales: esto es importante. Pero si el maestro no transmitió el carácter de la persona, ¡entonces se trata de una muñeca barata, no de un monumento!

El arco del violinista fue robado muchas veces. Foto de : AiF-Nizhny Novgorod

Mientras trabajaba en el busto de Pushkin (y amo mucho a este poeta), no revisé tanto los retratos de su vida como leí manuscritos escaneados del poeta. Imagínate la página. Estaba cubierto de escritura, la mitad del texto fue tachado y reescrito, y así varias veces. Intenté imaginar cómo sucedió esto, cómo escribía cada vez que era blanco y volvía al principio. También leo las memorias de los contemporáneos. Algunos escribieron que Pushkin era "terrible, un mono", otros que era encantador y encantador. Sólo pasando todo esto a través de sí mismo puede un artista recrear la imagen de una persona.

De todas las esculturas que ahora se ubican en la calle principal, en mi opinión, “Policía” es la más orgánica de este espacio.

- ¿Por qué ponen esculturas?

Pero a la pregunta "¿Por qué?" tienes que responder cada vez que decides agregar algo al espacio urbano. Érase una vez aquí un hecho o una persona vivió aquí; este momento ya pasó, pero dejó huella. La gente quiere que vuelva este componente emocional, estético e histórico de la crónica de la ciudad y erigen un monumento.

Un artista siempre expresa su tiempo. Es decir, monumentos incluso a la misma persona, creados en diferente tiempo, Será diferente. Pero a la hora de expresar su época, el escultor debe recordar que el siglo del monumento es largo, por lo que la obra debe crearse al más alto nivel de su siglo.

En la escultura la imagen no existe en un plano, como en la pintura, sino en volumen. Su carácter también está influenciado por el hecho de que el entorno y el espacio en la escultura existen de manera bastante realista. La escultura no representa todos los objetos que es capaz de representar. Así, el espectador se sorprendería al ver en la exposición, por ejemplo, un motor esculpido detalladamente en arcilla. Combustión interna. El objeto del arte de la escultura es, ante todo, el hombre. De ahí el reducido número de sus géneros: grupo, estatua, busto, genero animal.

Tipo y técnica de escultura.
El grupo une varias figuras conectadas por una trama común y una plasticidad común. A veces los artistas comparan la plasticidad de los humanos y los animales. Veamos uno de los cuatro. bandas famosas Puente Anichkov en San Petersburgo, realizado por P. Klodt. Un joven desnudo, arrodillado sobre una rodilla, tirando de las riendas, domestica al caballo acalorado. No se conocen el momento, ni el lugar, ni los motivos, ni las consecuencias de la acción representada, pero no añadirían nada al contenido del grupo. Porque lo principal aquí es el motivo de la colisión de dos energías diferentes: elemental, poder salvaje caballo y la energía restrictiva, inteligente y volitiva de una persona, transmite la tensión muscular de la pelea. La peculiaridad de percibir una escultura es sentir casi físicamente el poder de esta presión y resistencia. Las sensaciones de una forma escultórica pueden ser muy diversas dependiendo de la naturaleza del movimiento, el procesamiento del material, las proporciones y el tamaño de la escultura. Algunas imágenes están llenas de paz, otras de gracia, otras de un poder explosivo oculto, etc. Estas características de percepción de la escultura no limitan, sin embargo, su ámbito temático. Al igual que un cuadro temático pictórico, un grupo escultórico puede contener tanto imágenes generalizadas como una escena cotidiana en estrecho contacto con la realidad.
Una estatua es la imagen de una figura individual, a veces con la introducción de elementos de la trama. Todo lo dicho respecto a la percepción del grupo se aplica a la estatua y otros géneros. Un escultor puede resolver tanto problemas temáticos amplios como problemas de representación de una persona específica en una estatua. Dentro de este último destacan un monumento y un retrato. En algunos casos se fusionan, como, por ejemplo, en el famoso monumento a Gogol del escultor N. Andreev, que revela con perspicacia psicológica mundo complejo escritor. Sin embargo, en general, las tareas de un monumento y un retrato en el arte de la escultura son diferentes.
El busto es una imagen de una persona hasta el busto. Este es principalmente un género de retratos. El movimiento de la figura aquí está limitado por la posición de la cabeza; La relación de masas también es bastante uniforme. Y, sin embargo, a pesar de la inactividad externa y la inmovilidad del busto, al trabajar en este género, el escultor puede transmitir personajes complejos y su actitud hacia ellos. Al igual que en el retrato pictórico, aquí conviven varios tipos: retrato heroico, psicológico, íntimo, etc.
animalista género - imágenes animales. Un papel importante aquí lo juega la capacidad del escultor para notar el patrón general de los movimientos del animal, su gracia, destreza o rapidez características. Al igual que la pintura, estos géneros no agotan toda la variedad de obras escultóricas. Los ejemplos incluyen la forma de un monumento ecuestre común en los siglos XV-XIX o composiciones de escultores modernos, donde a menudo se representa no sólo a una persona, sino también los objetos que la rodean, lo que influye significativamente en la apariencia de la forma escultórica. Sus dimensiones influyen significativamente en la percepción de una escultura. Una gran forma en escultura es una encarnación directa de la grandeza y grandeza del tema abordado por el autor, y generalmente se identifica con escultura monumental. La escultura de caballete suele ser proporcional a una persona, por lo que la atención no se centra tanto en sus dimensiones externas, sino en los sutiles matices de los movimientos que reflejan el mundo interior del modelo y las impresiones del artista. En la pequeña plástica los motivos definitorios son la gracia, la elegancia, la ironía y la sofisticación del trabajo.
El arte plástico es una combinación rítmica de formas volumétricas y masas, así como una representación expresiva de poses, movimientos, gestos y, en general, de todos los elementos de la obra. La plasticidad, de hecho, es la vitalidad especial de una obra escultórica. La escultura se relaciona de manera diferente con el espacio. La voluminosa escultura redonda permite rodearla por todos lados. Hay que decir, sin embargo, que antiguamente los escultores no utilizaban todo el espacio que rodeaba la escultura, sino que consideraban verla sólo de frente. Si se miran estas esculturas de lado o desde atrás, resultan mucho menos impresionantes; Llama la atención su carácter estático y el relieve esquemático de sus formas. Pero más tarde, en la Grecia clásica y luego a partir del Renacimiento, se estableció la escultura diseñada para ser contemplada desde todos los ángulos. El mismo movimiento, forma, visto desde lados diferentes, producen impresiones desiguales que no se niegan, sino que se complementan. A diferencia de escultura redonda el relieve está situado en un plano y tiene mucho en común con los gráficos. En función de la altura de los volúmenes que sobresalen del plano, se distingue entre altorrelieve, bajorrelieve y relieve inverso cóncavo. En alto relieve, los volúmenes sobresalen del plano a más de la mitad, su redondez es más pronunciada y el contraste entre las partes iluminadas y sombreadas del relieve es más fuerte que en bajo relieve, donde los volúmenes se elevan ligeramente por encima del plano. En general, una imagen escultórica surge de dos maneras fundamentalmente diferentes: durante la escultura y durante el tallado (tallado) de un monolito. El modelado es la forma más flexible de realizar escultura. La arcilla cruda se coloca en capas sobre el marco de alambre o tabla del trabajo futuro. Este método fomenta la exploración y la reelaboración, por lo que suele utilizarse como boceto para grandes composiciones. El método de dar forma y la posibilidad de modificaciones son sus principales características distintivas. Según estos importantes indicadores, tallar a partir de un monolito es lo opuesto a modelar: la forma surge como resultado de eliminar el exceso de material; el trabajo se realiza con cortadores cortando la forma; Queda prácticamente excluido el retrabajo en caso de error. Junto con materiales duros, madera, arcilla, yeso, varias técnicas cerámica
La escultura decorativa está destinada a decorar paredes e interiores de edificios, calles, plazas, parques, fuentes, etc. Su cualidad valiosa más importante es la naturalidad con la que se integra en el entorno arquitectónico y natural que lo rodea. Los productos de plástico para el hogar son de tamaño pequeño. Complementan la decoración de la habitación; Se pueden examinar sosteniéndolos en las manos. La belleza de la superficie, la finura del acabado y el color son de gran importancia para estos productos. Se utilizan materiales que tienen un efecto estético sorprendente: porcelana pintada, cerámica, madera, piedras y metales preciosos, marfil, etc. Para los conocedores de las pequeñas artes plásticas, la coherencia general de las formas y el contenido figurativo no son tan importantes como el estilo, la manera. de ejecución y riqueza de la superficie del producto.
Artista Vladislav Protasov 2008 sitio web www.v-protasov.ru

Escultura - momentos volumétricos congelados

Escultura(del latín sculpo - tallar, tallar) escultura, plástico, un tipo de bellas artes basado en el principio de una imagen tridimensional, físicamente tridimensional.

Como regla general, el objeto de la imagen en la escultura es una persona, con menos frecuencia un animal (género animal) y menos aún la naturaleza (paisaje) y las cosas (naturaleza muerta). La colocación de una figura en el espacio, la transmisión de su movimiento, postura, gesto, modelado de luces y sombras, que realza el relieve de la forma, la textura de la escultura o el procesamiento del material, la organización arquitectónica del volumen, el efecto visual de su masa, las relaciones de peso, la elección de las proporciones, el carácter de la silueta específica en cada caso son los principales factores expresivos a través de la escultura.

La forma escultórica volumétrica se construye en el espacio real de acuerdo con las leyes de armonía, ritmo, equilibrio, interacción con el entorno arquitectónico o entorno natural basado en lo anatómico (características escultóricas de un modelo en particular. Hay 2 tipos principales de escultura: redonda (estatua, grupo escultórico, figurilla, torso, busto, etc.), que se coloca libremente en el espacio y generalmente requiere una completa vista, y relieve, donde se sitúa la imagen sobre el plano que forma su fondo.

• monumental, monumental-decorativo,
• caballete
• escultura de pequeñas formas.

Al desarrollarse en estrecha interacción, estos tipos de escultura tienen sus propias características.

Monumental y monumental-decorativo. la escultura está diseñada para un entorno arquitectónico-espacial o natural específico y está dirigida a las masas de espectadores, ubicados principalmente en en lugares públicos- en las calles y zonas de la ciudad, en parques, en las fachadas e interiores de edificios públicos. Está diseñado para concretar la imagen arquitectónica, complementar la expresividad de las formas arquitectónicas con nuevos matices y es capaz de resolver grandes problemas ideológicos y figurativos, lo que se revela con particular plenitud en los monumentos, monumentos y edificios conmemorativos de la ciudad, que generalmente se caracterizan. por la majestuosidad de las formas y la durabilidad del material, la elevada estructura figurativa y la amplitud de generalización.

Escultura de caballete, que no está directamente relacionado con la arquitectura, es de naturaleza más íntima y suele ubicarse en salas de exposiciones, museos e interiores residenciales. Esto determina las características del lenguaje plástico de la escultura, sus dimensiones, géneros favoritos (retrato, género cotidiano, desnudo, género animal). Escultura de caballete Más que monumental, hay un interés inherente en mundo interior humano, psicologismo sutil, narrativa.

Pequeña escultura incluye amplio círculo obras destinadas principalmente a interiores residenciales y, en muchos aspectos, están estrechamente relacionadas con las artes decorativas y aplicadas. La escultura de pequeña forma también incluye obras de arte de medallas y glípticas.

Material de escultura

El propósito y el contenido de las obras escultóricas determinan la naturaleza de su estructura plástica y esto, a su vez, influye en la elección del material escultórico. De características naturales y los métodos de procesamiento de este último dependen en gran medida de la técnica de la escultura.

Para modelar se utilizan sustancias blandas (arcilla, cera, plastilina, etc.).

Las sustancias sólidas (varios tipos de piedra, madera, etc.) se procesan cortando (tallando) o tallando, eliminando partes innecesarias del material y revelando gradualmente una forma tridimensional escondida en él.

Para la fundición de esculturas se utilizan sustancias que pueden pasar del estado líquido al sólido (diversos metales, yeso, hormigón, plástico, etc.) utilizando moldes especialmente fabricados. Para reproducir en metal, también recurren a la galvanoplastia. En su forma no fundida, el metal utilizado en la escultura se procesa mediante forjado, estampado, soldadura y corte.

Para crear una escultura de cerámica se utilizan tipos especiales de arcilla, que generalmente se cubren con pintura o esmalte de colores y se cuecen en hornos especiales.

El color se ha utilizado en la escultura desde la antigüedad: la escultura pintada de la antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento es bien conocida.

Una pequeña historia

La aparición de la escultura se remonta a era primitiva, directamente relacionado con actividad laboral Creencias humanas y mágicas. En yacimientos paleolíticos (Montespan en Francia, Willendorf en Austria, etc.) se descubrieron imágenes de animales y mujeres, los antepasados ​​​​del clan, que se distinguían por la agudeza de las observaciones de la vida con la generalidad y aspereza de las formas. La escultura sirvió a menudo como medio para decorar utensilios, herramientas de trabajo y caza, y se utilizó como amuletos. Mayor desarrollo Escultura recibida durante el período de descomposición del sistema comunal primitivo, los monumentos más llamativos de esta etapa son los relieves dorados de los escitas, las cabezas de terracota de la cultura Nok y las esculturas talladas en madera tipológicamente diversas de los pueblos de Oceanía.

Antiguo Oriente

Escultura de los antiguos estados orientales, que tenían rituales y significado mágico, sirvió para perpetuar una estricta jerarquía social, el poder de los dioses y los reyes, que se estableció en obras de escala grandiosa y de estilo lacónico y estricto.

en escultura Antiguo Egipto, que se distinguía por un sistema único de representación convencional de la figura humana: un canon, esfinges, majestuosas estatuas de faraones, retratos de nobles, resumidos en volumen, conservaba la idea del bloque de material original.

Antigua Grecia

La escultura tiene un carácter diferente y humanista. Antigua Grecia y en parte de la Antigua Roma, dirigida a la masa de ciudadanos libres y siendo en muchos sentidos una materialización plástica de la mitología antigua. En las imágenes de dioses y héroes, atletas y guerreros, los escultores de la antigua Grecia encarnaron el ideal de una personalidad desarrollada armoniosamente, afirmando sus ideas éticas y estéticas (maestros clásicos: Mirón, Fidias, Policleto, Escopas, Praxíteles, Lisipo).

Antigua Roma

El realismo de la escultura romana antigua se reveló especialmente en el arte del retrato, que sorprende con la nitidez de la representación individual y social de los personajes. Se desarrollaron relieves con temas histórico-narrativos, decorando columnas y arcos triunfales; Se desarrolló una especie de monumento ecuestre (la estatua de Marco Aurelio).

cristiandad

La religión cristiana como forma principal de cosmovisión determinó en gran medida el carácter de la escultura medieval europea. Como vínculo necesario, la escultura entra en el tejido arquitectónico de las catedrales románicas, subordinada a la dura solemnidad de su estructura tectónica. En el arte gótico, donde relieves y estatuas de apóstoles, profetas, santos, criaturas fantásticas y, a veces, imágenes idealizadas de personas reales llenan literalmente los portales de las catedrales, las galerías de los niveles superiores, los nichos de las torretas y las proyecciones de las cornisas, la escultura desempeña un papel especial. papel notable. Parece “humanizar” la arquitectura, realzando su riqueza espiritual.

Renacimiento

En los siglos XV-XVI. La escultura italiana, basada en la tradición antigua, gravita cada vez más hacia la expresión de los ideales del humanismo renacentista (Renacimiento). Su tarea principal se convierte en la encarnación de personajes humanos brillantes, imbuidos del espíritu de afirmación de la vida (las obras de Donatello, Jacopo della Quercia, A. Verrocchio). Uno de los pináculos del arte renacentista fueron las obras escultóricas de Miguel Ángel, llenas de poder titánico e intenso drama. En la escultura barroca, la armonía y la claridad del Renacimiento dan paso a elementos de formas cambiantes, enfáticamente dinámicas, a menudo llenas de pompa solemne. Las tendencias decorativas crecen rápidamente: la escultura está literalmente entrelazada con la arquitectura de iglesias, palacios, fuentes y parques.

Barroco

Durante la época barroca también se crearon numerosos retratos y monumentos ceremoniales. Los mayores representantes de la escultura barroca son L. Bernini en Italia, A. Schlüter en Alemania y P. Puget en Francia. Los principios del clasicismo, repensados ​​durante la Ilustración, jugaron un papel importante en el desarrollo de la escultura de Europa occidental del siglo II. mitad del siglo XVIII- 1er tercios del XIX siglos, en los que, junto a temas históricos, mitológicos y alegóricos gran importancia adquirió un retrato (J.B. Pigalle, E.M. Falconet, J.A. Houdon en Francia).

Romanticismo

La tensión emocional y la búsqueda de nuevos medios de expresión son características de la escultura de la época romántica (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Rude en Francia). El monumento a Pedro I en San Petersburgo obra de Falcone se convirtió en un símbolo de las nuevas aspiraciones históricas de Rusia. En la segunda mitad del siglo XVIII - primera mitad del siglo XIX. Está surgiendo una escuela académica de escultura rusa, representada por una galaxia de maestros destacados. El patetismo patriótico, la majestuosidad y la claridad clásica de las imágenes caracterizan la obra de F. I. Shubin, M. I. Kozlosky, F. F. Shchedrin, I. P. Martos, V. I. Demut-Malinovsky, F. P. Tolstoi, S. S. Pimenova.

Clasicismo

En la segunda mitad del siglo XIX. escultura europea es reflejado proceso general democratización del arte. Al clasicismo, que degeneraba en arte de salón, se opuso la dirección realista con su orientación social abiertamente expresada, su reconocimiento. La vida cotidiana, digno de la atención del artista, abordando el tema del trabajo, los problemas de la moral pública (J. Dalou en Francia, C. Meunier en Bélgica, etc.).

Moderno

Los intentos de superar la crisis de la escultura han surgido en finales del XIX- principios del siglo XX, cuando, en el marco del estilo Art Nouveau, revivió el deseo de una síntesis de las artes, en el que la escultura (especialmente asociada al interior, el diseño de fachadas, es decir, relieve, caballete y escultura decorativa) ocupan lugar importante. Estrechamente relacionado con el estudio de la naturaleza y la reflexión. naturaleza controvertida su era de las artes plásticas de O. Rodin, quien creó obras vívidas en su impacto emocional y significativas en su concepto ideológico.

Siglo XX

En el siglo XX, el desarrollo de la escultura adquirió un carácter contradictorio. El experimentalismo de los movimientos pictóricos modernistas del siglo XX penetró en la escultura; Fue especialmente fuerte la influencia del cubismo (P. Picasso), que propició la inclusión de una amplia variedad de materiales no tradicionales en las obras escultóricas. Los dadaístas, y después los artistas del arte pop, introdujeron el principio de transformar un objeto cotidiano en una obra de escultura, el llamado objeto, negando el significado de la forma artística y plástica. Los creados a partir de los últimos materiales formas decorativas (I. Noguchi, EE. UU.) o figuras gigantes estilizadas de personas (G. Moore, Gran Bretaña).

La escultura es un puente del pasado al futuro