Una breve historia del arte francés. Los mejores artistas franceses “Estudio de una mujer de azul”

En la cultura de la Francia del siglo XX, el humanismo y el realismo están progresando. Durante este período, Francia regaló a la humanidad a destacados compositores D. Milhaud, A. Honegerra, los escritores L. Aragon, R. Rolland, A. France, los escultores A. Maillol, A. Bourdelle, los artistas A. Marquet, A. Matisse y también se convirtió en el lugar de nacimiento de muchos movimientos formalistas en la literatura y el arte.

La arquitectura de Francia se está desarrollando hacia la construcción de nuevos tipos de edificios y complejos residenciales. El crecimiento de la industria y la aplicación de los logros científicos y tecnológicos predeterminan el uso. materiales de construcción- vidrio, acero, hierro. La arquitectura adquirió en esta época un carácter constructivo y funcional. Su desarrollo está influenciado por el uso del hormigón armado, puedes conocer más al respecto visitando el Foro de la Construcción. El edificio residencial de la calle Franklin de París, construido por Auguste Perret (1874 - 1945), fue una de las primeras estructuras de este tipo.

Le Corbusier (1887 - 1965) hizo verdaderos descubrimientos en arquitectura, fue uno de los primeros en utilizar el hormigón armado. Le Corbusier propuso la idea de crear una “Ciudad Solar”. Implementó sus propuestas en la ciudad africana de Nemours y en la India, en la capital del estado de Punjab, Chandigarsi.

EN años de posguerra La naturaleza de la arquitectura surgió de la necesidad de reconstruir los centros antiguos y restaurar los destruidos. Experiencia en construcción en. Le Havre (dirigida por O. Perret) tuvo una gran resonancia. Los cambios en el desarrollo de París se debieron al rápido crecimiento de la población. En los años 1950 y 1960 aparecieron varias estructuras originales, por ejemplo, un puente colgante en la desembocadura del Sena, una casa de radio y televisión (proyecto de A. Bernard) y una casa de la UNESCO (proyecto de M. Breuer).

Centro vida artística Francia era París. Aquí vivieron y trabajaron artistas pertenecientes a diversas escuelas de arte.

Uno de los críticos de arte en 1905, al ver fotos brillantes, que se exhibieron en el Salón de Otoño de París, los calificó de salvajes. La dirección artística de A. Derain (1880 - 1954), M. Vlaminac (1876 - 1958), A. Matisse (1869 - 1954), desde entonces se ha denominado fauvismo (fauve (francés) - salvaje). En las obras de los fauves no hay acción, pero sí una conexión interna de poses, líneas representadas y colores.

La pintura de A. Matisse "Los peces rojos" se conserva en el museo de Moscú. A. S. Pushkin. El acuario, la mesa redonda, las flores, los peces rojos entre la vegetación detrás del cristal: todo respira un ambiente luminoso y alegre, lleno de equilibrio sereno, claridad de líneas y un magnífico juego de colores.

El deseo de infundir alegría y juventud al arte era característico de Matisse. Pintó la gracia y la plasticidad del cuerpo humano, interiores con ventanas que se abren al jardines florecientes, paisajes del sur, transmitían el sonido de la música y claros ritmos de danza. Al artista le interesaba la percepción general de la vida, sus colores y formas, y no los detalles específicos. Esto se puede ver en las pinturas de A. Matisse "Música", "Gran interior rojo", "Danza", "Florero azul", "Asia", "Naturaleza muerta española". En las obras de Matisse el color predomina entre Artes visuales. El tono emocional general de sus pinturas se crea mediante la interpretación decorativa de las flores.

Albert Marquet (1875 - 1947) se convirtió en un cantante del paisaje francés del siglo XX. Pintó vistas de París (plazas, conjuntos arquitectónicos, barrios, el terraplén del Sena). A Marche también le encantaba pintar el mar con siluetas de veleros.

El famoso artista Fernand Léger (1881 - 1955) vio el futuro de las bellas artes en la síntesis con la arquitectura, así como en el desarrollo de formas monumentales. En la década de 1920 se formó el estilo del artista. La obra del artista estuvo influenciada por su relación con el arquitecto Le Corbusier. Léger experimenta en el campo de la síntesis de las artes; crea paneles decorativos. El artista aborda aquellos que revelan ideas humanas universales en el ciclo de obras “Descanso. Gloria a David." Los héroes de sus obras están llenos de optimismo, habilidad y vitalidad.

Estas son más que bonitas imágenes, son un reflejo de la realidad. En las obras de grandes artistas se puede ver cómo cambió el mundo y la conciencia de las personas.

El arte es también un intento de crear una realidad alternativa donde puedas esconderte de los horrores de tu tiempo o del deseo de cambiar el mundo. El arte del siglo XX ocupa con razón un lugar especial en la historia. Las personas que vivieron y trabajaron en aquellos tiempos experimentaron agitaciones sociales, guerras y avances científicos sin precedentes; y todo esto encontró su huella en sus lienzos. Los artistas del siglo XX participaron en la creación de la visión moderna del mundo.

Algunos nombres todavía se pronuncian con aspiración, mientras que otros se olvidan injustamente. Alguien tuvo un camino creativo tan controvertido que todavía no podemos darle una valoración inequívoca. Esta reseña está dedicada a los 20 más grandes artistas del siglo XX. Camille Pizarro- pintor francés. Un destacado representante del impresionismo. El trabajo del artista fue influenciado por John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Nacido el 10 de julio de 1830 en St. Thomas, fallecido el 13 de noviembre de 1903 en París.

Ermita de Pontoise, 1868

Pasaje de la ópera de París, 1898

Atardecer en Varengeville, 1899

Edgar Degas - Artista francés, uno de los más grandes impresionistas. La obra de Degas estuvo influenciada por la gráfica japonesa: nació el 19 de julio de 1834 en París y murió el 27 de septiembre de 1917 en París.

Absenta, 1876

Estrella, 1877

Mujer peinándose, 1885

Paul Cezanne - Artista francés, uno de los mayores representantes del postimpresionismo. En su obra se esforzó por revelar la armonía y el equilibrio de la naturaleza. Su obra tuvo una tremenda influencia en la cosmovisión de los artistas del siglo XX.
Nacido el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, Francia, fallecido el 22 de octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

Jugadores, 1893

Olimpia moderna, 1873

Naturaleza muerta con calaveras, 1900

Claude Monet- un destacado pintor francés. Uno de los fundadores del impresionismo. En sus obras, Monet buscó transmitir la riqueza y la riqueza del mundo circundante. Su última época se caracteriza por el decoracionismo y
El último período de la obra de Monet se caracterizó por el decorativismo, una disolución cada vez mayor de las formas de los objetos en sofisticadas combinaciones de manchas de color.
Nacido el 14 de noviembre de 1840 en París, fallecido el 5 de diciembre de 1926 en Jverny.

Acantilado de Welk en Pourville, 1882

Después del almuerzo, 1873-1876

Etretat, puesta de sol, 1883

Arkhip Kuindzhi - famoso artista ruso, maestro de la pintura de paisajes. Perdió a sus padres temprano. CON primeros años El amor por la pintura comenzó a manifestarse. La obra de Arkhip Kuindzhi ha tenido un gran impacto sobre Nicolás Roerich.
Nacido el 15 de enero de 1841 en Mariupol, fallecido el 11 de julio de 1910 en San Petersburgo.

"Volga", 1890-1895

"Norte", 1879

"Vista del Kremlin desde Zamoskvorechye", 1882

Pierre-Auguste Renoir Artista francés, artista gráfico, escultor, uno de los destacados representantes del impresionismo. También fue conocido como un maestro del retrato secular. Auguste Rodin fue el primer impresionista que se hizo popular entre los parisinos ricos.
Nacido el 25 de febrero de 1841 en Limoges, Francia, fallecido el 2 de diciembre de 1919 en París.

Puente de las Artes en París, 1867

Baile en el Moulin de la Galette, 1876

Juana Samary, 1877

Paul Gauguin- Artista, escultor, ceramista y artista gráfico francés. Junto con Paul Cezanne y Vincent van Gogh, es uno de los representantes más destacados del postimpresionismo. El artista vivía en la pobreza porque sus cuadros no tenían demanda.
Nacido el 7 de junio de 1848 en París, fallecido el 8 de mayo de 1903 en la isla de Hiva Oa, Polinesia Francesa.

Paisaje bretón, 1894

Pueblo bretón en la nieve, 1888

¿Estás celoso? 1892

Día de los Santos, 1894

Wassily Kandinsky- Artista, poeta y teórico del arte ruso y alemán. Considerado uno de los líderes de las vanguardias de la 1ª mitad del siglo XX. Es uno de los fundadores del arte abstracto.
Nacido el 22 de noviembre de 1866 en Moscú, fallecido el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, Francia.

Pareja montando a caballo, 1918

Una vida colorida, 1907

1 de Moscú, 1916

En gris, 1919

Henri Matisse- uno de los más grandes pintores y escultores franceses. Uno de los fundadores del movimiento fauvista. En su obra se esforzó por transmitir emociones a través del color. En su obra estuvo influenciado por la cultura islámica del Magreb occidental. Nacido el 31 de diciembre de 1869 en la ciudad de Le Cateau, falleció el 3 de noviembre de 1954 en la localidad de Cimiez.

Plaza de Saint-Tropez, 1904

Esquema de Notre Dame de noche, 1902

Mujer con sombrero, 1905

Danza, 1909

italiano, 1919

Retrato de Delectorskaya, 1934

nicolas roerich- Artista, escritor, científico y místico ruso. Durante su vida pintó más de 7.000 cuadros. Una de las figuras culturales más destacadas del siglo XX, fundador del movimiento “Paz a través de la cultura”.
Nacido el 27 de octubre de 1874 en San Petersburgo, fallecido el 13 de diciembre de 1947 en la ciudad de Kullu, Himachal Pradesh, India.

Invitados extranjeros, 1901

El gran espíritu del Himalaya, 1923

Mensaje de Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin - Artista, artista gráfico, teórico, escritor y profesor ruso. Fue uno de los ideólogos de la reorganización. Educación artística en la URSS.
Nacido el 5 de noviembre de 1878 en la ciudad de Khvalynsk, provincia de Saratov, fallecido el 15 de febrero de 1939 en Leningrado.

“1918 en Petrogrado”, 1920

"Niños jugando", 1911

Bañando al caballo rojo, 1912

Retrato de Anna Ajmátova

Kazimir Malevich- Artista ruso, fundador del suprematismo - tendencias en arte abstracto, educador, teórico del arte y filósofo
Nacido el 23 de febrero de 1879 en Kiev, fallecido el 15 de mayo de 1935 en Moscú.

Descanso (Sociedad con sombrero de copa), 1908

"Mujeres campesinas con baldes", 1912-1913

Plaza Suprematista Negra, 1915

Pintura suprematista, 1916

En el bulevar, 1903.

Pablo Picasso - artista español, escultor, escultor, diseñador cerámico. Uno de los fundadores del cubismo. La obra de Pablo Picasso tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la pintura en el siglo XX. Según una encuesta realizada a lectores de la revista Time
Nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, fallecido el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia.

Chica en una pelota, 1905

Retrato de Ambroise Vallors, 1910

tres gracias

retrato de olga

Danza, 1919

Mujer con flor, 1930

Amadeo Modigliani - artista italiano, escultor. Uno de los representantes más brillantes del expresionismo. Durante su vida sólo realizó una exposición en diciembre de 1917 en París. Nacido el 12 de julio de 1884 en Livorno, Italia, fallecido el 24 de enero de 1920 a causa de tuberculosis. Recibió reconocimiento mundial póstumamente Recibió reconocimiento mundial póstumamente.

Violonchelista, 1909

La pareja, 1917

Joan Hébuterne, 1918

Paisaje mediterráneo, 1918

Diego Rivera- Pintor, muralista, político mexicano. Era el marido de Frida Kahlo. León Trotsky encontró refugio en su casa por un corto tiempo.
Nacido el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato, fallecido el 21 de diciembre de 1957 en la Ciudad de México.

Notre Dame de París bajo la lluvia, 1909

Mujer en el pozo, 1913

Unión de Campesinos y Trabajadores, 1924

Industria de Detroit, 1932

Marc Chagall- Pintor, artista gráfico, ilustrador y artista de teatro ruso y francés. Uno de los mayores representantes de la vanguardia.
Nacido el 24 de junio de 1887 en la ciudad de Liozno, provincia de Mogilev, fallecido el 28 de marzo de 1985 en Saint-Paul-de-Provence.

Anyuta (Retrato de una hermana), 1910

Novia con abanico, 1911

Yo y el pueblo, 1911

Adán y Eva, 1912

Marcos Rothko(actual Mark Rothkovich) - Artista estadounidense, uno de los fundadores del expresionismo abstracto y fundador de la pintura de campo de color.
Las primeras obras del artista fueron creadas con un espíritu realista, pero a mediados de los años 40, Mark Rothko recurrió al surrealismo. En 1947, se produjo un punto de inflexión importante en la obra de Mark Rothko: creó su propio estilo: el expresionismo abstracto, en el que se alejó de los elementos objetivos.
Nacido el 25 de septiembre de 1903 en la ciudad de Dvinsk (actualmente Daugavpils), fallecido el 25 de febrero de 1970 en Nueva York.

Intitulado

Número 7 u 11

naranja y amarillo

Salvador Dalí- pintor, artista gráfico, escultor, escritor, diseñador, director. Quizás el representante más famoso del surrealismo y uno de los más grandes artistas del siglo XX.
Diseñado por Chupa Chups.
Nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España, fallecido el 23 de enero de 1989 en España.

Tentación de San Antonio, 1946

última cena, 1955

Mujer con cabeza de rosas, 1935

Mi esposa Gala, desnuda, mirando su cuerpo, 1945

Frida Kahlo - Artista y artista gráfico mexicano, uno de los más brillantes representantes del surrealismo.
Frida Kahlo comenzó a pintar después de un accidente automovilístico que la dejó postrada en cama durante un año.
Estaba casada con el famoso artista comunista mexicano Diego Rivera. León Trotsky encontró refugio en su casa por un corto tiempo.
Nacido el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México, fallecido el 13 de julio de 1954 en Coyoacán.

Abrazo del Amor Universal, Tierra, Yo, Diego y Coatl, 1949

Moisés (Núcleo de la Creación), 1945

Dos Fridas, 1939

Andy Warhol(actual Andrei Varhola) - artista, diseñador, director, productor, editor, escritor y coleccionista estadounidense. El fundador del arte pop, es una de las personalidades más controvertidas de la historia de la cultura. Se han realizado varias películas basadas en la vida del artista.
Nacido el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania, fallecido en 1963 en Nueva York.

Impresionismo.

Edouard Manet (francés: Édouard Manet, 23 de enero de 1832, París - 30 de abril de 1883, París) - artista francés, uno de los fundadores del impresionismo.

Entusiasmo pintura vieja motivó los numerosos viajes de Manet. Visitó repetidamente museos holandeses, donde admiró las pinturas de Frans Hals. En 1853 realizó el tradicional viaje a Italia de los artistas franceses, donde visitó Venecia y Florencia. Fue entonces cuando la influencia sobre el joven artista de las pinturas de los maestros de principios y Alto Renacimiento. Uno de los artistas que mayor influencia tuvo en Manet fue Velázquez. Quizás fueron sus obras posteriores, especialmente los famosos bodegones, las que tuvieron una gran influencia en la formación del movimiento impresionista. El viaje de regreso a Francia fue largo: Manet viajó mucho por Europa Central, visitando museos en Dresde, Praga, Viena y Munich.

En 1863 y 1864, Manet expuso tanto en el Salón de los Refugiados como en el salón oficial, donde sus nuevas pinturas, especialmente El almuerzo sobre la hierba, provocaron una fuerte indignación por parte de los críticos. El pico de rechazo se produjo en 1865, cuando Manet expuso en el salón su (ahora famosa) "Olympia", una pintura que sus contemporáneos encontraron extremadamente obscena y vulgar, y que provocó un gran escándalo en ese momento.

Durante el asedio de París en 1870, Manet, como republicano acérrimo, permaneció en la capital. Después de la guerra franco-prusiana y la Comuna de París, el artista se acercó aún más a los jóvenes impresionistas. Así lo demuestran, por ejemplo, numerosos cuadros pintados al aire libre, al lado de Claude Monet en Argenteuil en 1874. Sin embargo, Manet no quiso participar en exposiciones de grupos impresionistas. Prefería conseguir el reconocimiento del jurado de los Salones oficiales a cualquier precio. En 1874 surgió otro revuelo en torno a su nombre. " Ferrocarril"De nuevo despertó una aguda antipatía por parte del jurado. Y sólo en 1879 el Salón apreció la tenacidad del artista: los lienzos de Manet "En el invernadero" y "En el barco" fueron recibidos con gran calidez.

"El bebedor de absenta", 1858-1859, Nueva Glyptotek Carlsberg

"Música en las Tullerías", 1862, National Gallery, Londres

"Olimpia", 1863, Museo de Orsay, París

Músico español (Gitarrero). 1860 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Ejecución del emperador Maximiliano de México. 1867, Kunsthalle, Mannheim.

Edgar-Germain-Hilaire de Gas, o Edgar Degas (Francés Edgar Degas) (19 de julio de 1834, París - 27 de septiembre de 1917) - Pintor francés, uno de los representantes más destacados y originales del movimiento impresionista.

A la edad de 20 años (1854), Degas entró como aprendiz en el estudio del otrora famoso artista Lamothe, quien a su vez fue alumno del gran Ingres. Degas vio a Ingres en una familia que conocía, y conservó su apariencia en su memoria durante mucho tiempo, y durante toda su vida conservó su amor por la línea melodiosa y la forma clara de Ingres. Degas también amaba a otros grandes dibujantes: Nicolas Poussin, Hans Holbein, y copió sus obras en el Louvre con tal diligencia y habilidad que era difícil distinguir la copia del original.

Las obras de Degas con su composición estrictamente verificada y al mismo tiempo dinámica, a menudo asimétrica, dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa las figuras y los espacios combinan la aparente imparcialidad y aleatoriedad del motivo y la arquitectura de la pintura con un cuidadoso pensamiento y cálculo. “No hubo arte menos directo que el mío”, así valora el propio artista su propia obra. Cada una de sus obras es el resultado de observaciones de largo plazo y de un trabajo persistente y minucioso para traducirlas en imagen artística. No hay nada improvisado en la obra del maestro. La integridad y consideración de sus composiciones a veces hacen recordar las pinturas de Poussin. Pero como resultado, aparecen en el lienzo imágenes que no sería exagerado llamar la personificación de lo instantáneo y aleatorio. En el arte francés finales del XIX Siglo, las obras de Degas a este respecto son diametralmente opuestas a las de Cézanne. La pintura de Cezanne lleva en sí toda la inmutabilidad del orden mundial y parece un microcosmos completamente completo. En Degas, contiene sólo una parte del poderoso flujo de vida cortado por el marco. Las imágenes de Degas están llenas de dinamismo; encarnan los ritmos acelerados de la era contemporánea del artista. Fue precisamente la pasión por transmitir movimiento lo que, según él, determinó los temas favoritos de Degas: imágenes de caballos al galope, bailarinas ensayando, lavanderas y planchadoras trabajando, mujeres vistiendo o peinándose.

Edgar Degas. Caballos de carreras frente a las gradas. 1869-1872 Louvre, París.

Bailarines azules. Museo que lleva el nombre Pushkin, Moscú.

Oficina comercial de algodón en Nueva Orleans. 1873

El lavado. 1886 Museo Hill Stand, Farmington, Connecticut, Estados Unidos.

Absenta, 1876, Museo de Orsay, París

Antes del comienzo, 1862-1880, Museo de Orsay, París

Presentación de ballet- Vista del escenario desde un palco, 1885, Museo de Arte, Filadelfia

Escuela de ballet.

Miss Lala en el Circo de Fernando.

Lavanderías con ropa blanca.

En la modista.

planchadoras

Pierre Auguste Renoir (francés) Pierre-Auguste Renoir; 25 de febrero de 1841, Limoges - 2 de diciembre de 1919, Cagnes-sur-Mer) - pintor, artista gráfico y escultor francés, uno de los principales representantes del impresionismo. Renoir es conocido principalmente como un maestro del retrato secular, no exento de sentimentalismo; Fue el primero de los impresionistas que tuvo éxito entre los parisinos ricos. A mediados de la década de 1880. De hecho rompió con el impresionismo, volviendo a la linealidad del clasicismo, al engrismo. Padre del famoso director.

"Ramo de primavera" (1866). Museo de la Universidad de Harvard

"Baile en Le Moulin de la Galette" (1876). Museo de Orsay

"Grandes bañistas" (1887). Museo de Arte, Filadelfia.

"Chicas al piano" (1892). Museo de Orsay.

"Gabriel con una blusa roja" (1910). Colección de M. Wertham, Nueva York.

Oscar Claude Monet (francés: Oscar-Claude Monet, 1840-1926) - pintor francés, uno de los fundadores del impresionismo.

Cuando el niño tenía cinco años, la familia se mudó a Normandía, a Le Havre. En la costa de Normandía, Monet conoció a Eugene Boudin, un famoso paisajista y uno de los precursores del impresionismo. Boudin mostró al joven artista algunas técnicas para pintar del natural

A orillas del Sena (Bennecourt, 1868), es un ejemplo temprano de impresionismo al aire libre, en el que el uso hábil y evocador de los óleos se presentaba como una obra de arte terminada.

Desilusionado con el arte tradicional que se enseñaba en las escuelas de arte, Monet asistió a la Universidad Charles Gleyre de París en 1862, donde conoció a Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille y Alfred Sisley. Compartieron entre sí nuevos enfoques del arte, el arte de representar los efectos de la luz en un estilo plein air con violación. gama de colores y pinceladas rápidas, lo que más tarde se conoció como impresionismo. El retrato de Monet de Camille, o La femme a la robe verte, pintado en 1866, le valió reconocimiento y fue una de las muchas obras que lo representaron. futura esposa, Camille Doncieux; un año después posó para los cuadros Mujeres en el jardín y A orillas del Sena (Bennecourt, 1868).

Tras el estallido de la guerra franco-prusiana (19 de julio de 1870), Monet se refugió en Inglaterra en septiembre de 1870, donde estudió las obras de John Constable y Joseph Mallord William Turner, cuyas pinturas de paisajes inspirarían las innovaciones de Monet en el estudio del color. .

"Impresión. Sol naciente", 1872, Museo Marmottan-Monet, París

"Bulevar de los Capuchinos", 1873

"Puerto"

"Lily Pond", 1899, Galería Nacional, Londres

“Regata en Arzateil”, 1872, Museo de Orsay, París

“Splash Pool”, 1869, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, EE.UU.

"Mujeres en el jardín", 1866-1867, Museo de Orsay, París, Francia

"Playa de Purwil", 1882, Museo Nacional de Polonia, Poznan, Polonia

"Nenúfares", 1915

Jacob Abraham Camille Pissarro (francés: Jacob Abraham Camille Pissarro, 10 de julio de 1830, St. Thomas - 12 de noviembre de 1903, París) - pintor francés, uno de los primeros y más consistentes representantes del impresionismo.

Pizarro comenzó como alumno de Camille Corot. Esta elección de maestro ya reflejaba el amor innato del artista por la pintura de paisajes. Pero no menos atención al principio. camino creativo Camille Pizarro también se dedica al dibujo. Ya en sus primeras obras, el artista prestó especial atención a la representación de objetos iluminados en el aire. Desde entonces, la luz y el aire se han convertido en el tema principal de la obra de Pizarro.

Poco a poco, Pizarro empezó a liberarse de la influencia de Corot y su propio estilo maduró. Desde 1866, la paleta del artista se ha vuelto más clara, el espacio impregnado de luz solar y aire ligero se convierte en el rasgo dominante de su tema, y ​​los tonos neutros característicos de Corot desaparecen.

Las obras que hicieron famoso a Pizarro fueron una combinación de temas paisajísticos tradicionales y técnicas inusuales para representar la luz y los objetos iluminados. Las pinturas del Pizarro maduro están pintadas con trazos densos y llenos de esa sensación física de luz que buscaba expresar.

Pissarro tuvo una fuerte influencia en los impresionistas, desarrollando de forma independiente muchos de los principios que formaron la base de su estilo pictórico. Era amigo de artistas como Degas, Cezanne y Gauguin. Pizarro- único participante las ocho exposiciones impresionistas.

"Bulevar Montmartre. Tarde soleada." 1897

Autorretrato, 1873

Neoimpresionismo.

Paul Signac (francés Paul Signac, 11 de noviembre de 1863, París - 15 de agosto de 1935, París) - Artista postimpresionista francés, representante del movimiento del puntillismo.

En 1882, en París y Bretaña, comenzó a pintar bajo la influencia de los impresionistas, principalmente Monet. En 1884 participó en la creación de la “Sociedad de Artistas Independientes”, donde conoció a Georges Seurat, con quien desarrolló tecnica de pintura puntillismo, aunque ya en la última exposición de los impresionistas sus pinturas reflejaban la estética del divisionismo.

Ya en vida el artista era un clásico reconocido. En 1911 recibió la Legión de Honor.

Los Andelys (1886)

Femme lisant (1887), Museo de Orsay, París. aceite, madera

Castillo de Comblat (1887), Museo de Lieja, Bélgica

La bouée rouge (1895) Museo de Orsay

L'orage, (1895) Museo de la Annonciade,

El faro de Antibes, (1909)

Post impresionismo.

Paul Cézanne (francés Paul Cézanne) es un artista francés, destacado representante del postimpresionismo.

Paul Cezanne nació en Francia el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence en la familia de un rico burgués. En el Bourbon College, donde estudió, Paul se hizo amigo del futuro. escritor famoso Emilio Zola. Paul estudió derecho en la Universidad de Aix, pero no completó la carrera y decidió dedicarse por completo a la pintura.

Después de un breve estudio en la Escuela de Bellas Artes de Aix-en-Provence, Cézanne viajó a París, donde conoció a Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet y Alfred Sisley. Junto a ellos participó en la primera exposición de los impresionistas en 1874 en el estudio fotográfico de Nadar en París.

Las obras de Cezanne llevan la huella de la vida interior del artista. Están llenos de energía interna de atracción y repulsión. Inicialmente, las contradicciones eran inherentes tanto al mundo mental del artista como a sus aspiraciones artísticas. En la vida cotidiana de Cezanne, el temperamento sureño se combinaba con el aislamiento y el ascetismo, la piedad, con intentos de liberarse de las limitaciones de su temperamento. tradiciones religiosas. Confiado en su genio, Cézanne estaba, sin embargo, eternamente obsesionado por el temor de no encontrar los medios exactos para expresar lo que veía y quería expresar en un cuadro a través de la pintura. Siempre hablaba de su incapacidad para "realizar" su propia visión, siempre dudaba de poder hacerlo, y cada nueva imagen se convertía al mismo tiempo en una refutación y una confirmación de esto.

Chica al piano (Obertura de Tannhäuser). DE ACUERDO. 1868. Ermita, San Petersburgo

Ramo de flores en un jarrón azul. 1873-1875. Ermita, San Petersburgo

Puente sobre el Marne en Creteil (Orillas del Marne). 1888-1894. Museo Pushkin im. A. S. Pushkin, Moscú

Fumador. 1890-1892. Ermita, San Petersburgo

Monte San Victoria. 1897-1898. Ermita, San Petersburgo

Vicente Willem Van Gogh van Gogh(30 de marzo de 1853, Grote-Zundert, cerca de Breda, Países Bajos - 29 de julio de 1890, Auvers-sur-Oise, Francia) es un artista postimpresionista holandés de fama mundial.

En la década de 1880, Van Gogh se dedicó al arte, asistió a la Academia de las Artes de Bruselas (1880-1881) y de Amberes (1885-1886), siguió los consejos del pintor A. Mauwe en La Haya y pintó con entusiasmo mineros, campesinos, y artesanos. En una serie de pinturas y bocetos de mediados de la década de 1880. (“Mujer campesina”, 1885, Museo Kröller-Müller, Otterlo; “Comedores de patatas”, 1885, Museo Estatal Vincent Van Gogh, Ámsterdam), pintado con una paleta pictórica oscura, marcada por una percepción dolorosamente aguda del sufrimiento humano y los sentimientos de depresión, el artista recreó una atmósfera opresiva de tensión psicológica.

En 1886-1888, Van Gogh vivió en París, visitó el prestigioso estudio de arte privado del famoso maestro P. Cormon en toda Europa, estudió pintura impresionista, grabado japonés y obras sintéticas de Paul Gauguin. Durante este período, la paleta de Van Gogh se volvió clara, el tono terroso de la pintura desapareció, aparecieron tonos azul puro, amarillo dorado y rojo, su característica pincelada dinámica y fluida (“El puente sobre el Sena”, 1887, Museo Estatal Vincent Van Gogh , Ámsterdam; “Père Tanguy”, 1887, Museo Rodin, París).

En 1888, Van Gogh se trasladó a Arlés, donde finalmente se determinó su originalidad. manera creativa. Un temperamento artístico ardiente, un doloroso impulso hacia la armonía, la belleza y la felicidad y, al mismo tiempo, el miedo a las fuerzas hostiles al hombre, se encarnan en los paisajes que brillan con los colores soleados del sur (“Cosecha. Valle de La Croe”, 1888, Vincent Museo Estatal Van Gogh, Amsterdam ), luego en siniestro, que recuerda pesadilla imágenes (“Night Café”, 1888, Museo Kröller-Müller, Otterlo); La dinámica del color y la pincelada llena de vida espiritual y movimiento no sólo la naturaleza y las personas que la habitan (“Viñedos Rojos en Arles”, 1888, Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin, Moscú), sino también objetos inanimados (“Van El dormitorio de Gogh en Arle", 1888, Rijksmuseum Vincent van Gogh, Ámsterdam). En la última semana de su vida, Van Gogh pintó su último y famoso cuadro: Campo de cereales con cuervos. Era evidencia de la trágica muerte del artista.

Eugene Henri Paul Gauguin (7 de junio de 1848 - 8 de mayo de 1903) fue un pintor, escultor cerámico y artista gráfico francés.

Junto con Cézanne y Van Gogh, fue el mayor representante del postimpresionismo.

A principios de la década de 1870 empezó a pintar como aficionado. El primer período de creatividad (bajo la influencia de Pissarro) se asocia con el impresionismo. Desde 1880 participó en exposiciones impresionistas. Desde 1883, artista profesional.

Habiendo experimentado desde la infancia un deseo por lugares exóticos, pasado en Perú (en la tierra natal de su madre) y considerando la civilización como una "enfermedad", Gauguin, ansioso por "fusionarse con la naturaleza", partió hacia Tahití en 1891, donde vivió en Papeete y donde escribió en 1892 hasta 80 cuadros. Después de un breve regreso a Francia (1893-1895), debido a una enfermedad y falta de fondos, se fue para siempre a Oceanía, primero a Tahití y desde 1901 a la isla de Hiva Oa (Islas Marquesas), donde llevó a un joven tahitiano. mujer como su esposa y trabaja con toda su fuerza: escribe paisajes, cuentos, trabaja como periodista. En esta isla muere. A pesar de la enfermedad, la pobreza y la depresión, que lo llevaron a intentar suicidarse, Gauguin escribió allí sus mejores obras. Las observaciones de la vida real y el modo de vida de los pueblos de Oceanía se entrelazan con los mitos locales.

Mujer cosiendo (1880)

Cristo amarillo (1889)

Mujer con flor (1891)

El espíritu de los muertos no duerme (1892)

¿Estás celoso? (1892)

Divertido Espíritu maligno (1894)

¿De dónde vinimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898)

Nunca más (1897)

François Auguste René Rodin (François-Auguste-René Rodin) (12 de noviembre de 1840 - 17 de noviembre de 1917) - famoso escultor francés, uno de los fundadores del impresionismo en la escultura.

Auguste Rodin nació en París. Estudió en la Escuela de Dibujo y Matemáticas de París, ingresando allí en contra de los deseos de su padre, y con Antoine Bari en el Museo de Historia Natural.

En 1864, la primera obra de Rodin, El hombre de la nariz rota, fue rechazada en el Salón de París porque desafiaba los cánones académicos de belleza. Rodin tampoco fue aceptado en la Escuela. Bellas Artes, y de 1864 a 1870 trabajó en el taller de A. Carrier-Belleuse en la fábrica de Sèvres, ganando dinero creando esculturas decorativas.

escultura "El Pensador"

"Ciudadanos de Calais". Museo Rodin en Filadelfia

Estatua de Honoré de Balzac. Museo Rodin en Filadelfia

"Las puertas del infierno" Museo Rodin de Filadelfia

Un hombre con la nariz rota. Museo Rodin en Filadelfia

Théophile-Alexandre Steinlen (francés: Théophile-Alexandre Steinlen; 10 de noviembre de 1859, Lausana - 14 de diciembre de 1923, París) fue un artista, artista gráfico e ilustrador francés y suizo que trabajó tanto en estilos realistas como art nouveau.

EJÉRCITO DE RESERVA. Steinlen se hizo famoso por sus carteles parisinos creados alrededor de 1900, sus escenas de la vida nocturna de Montmartre y, por supuesto, sus pinturas y gráficos de "gatos" que le dieron un nombre. Otras facetas del talento del artista son menos conocidas: su pintura, escultura y gráfica están dedicadas a los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, especialmente los acontecimientos en Serbia y Bélgica. Steinlen fue autodidacta y, sin embargo, heredero de una rica tradición artística. Sus obras están influenciadas por las obras de Delacroix, Daumier, Doré y Manet. La distribución y popularidad que tuvieron las obras de Steinlen en París durante la Belle Epoque convirtieron al artista en una figura central del arte europeo de principios del siglo XX; Se convirtieron en fuente de inspiración para numerosos maestros de vanguardia, incluido Picasso.

Aristide Bruant: A la Villette

anatole francia

Susanna Valadon

Georges Courtelain: Una canaille

¡Salva a Serbia!

¡Bebe leche hervida!

Portada del libro de Eugenie Buffet "Mi vida, mi amor, mis aventuras" de Steinlen

Ilustración de Steinlen para el diario Le Gil Blas

arte de pintar fin XIX- Siglo XX

Impresionismo

(fr. impresionismo , de impresión - impresión)

- La dirección de la pintura apareció en el último tercio del siglo XIX. en Francia y luego se extendió por todo el mundo.

Sus representantes buscaron desarrollar métodos y técnicas que permitieran capturar de la manera más natural y vívida el mundo real en su movilidad y variabilidad, y transmitir sus impresiones fugaces.

Representantes: Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille y Berthe Morisot.

Claude Monet « Impresión, soleil levant ", 1872-73

Simbolismo

- apareció a finales del siglo XIX. como protesta contra el naturalismo y el realismo.

gustavo moreau « Hésiode y la musa », 1891

Características del simbolismo.

• - rechazo de la realidad;
• - partida vida real, imagen de lo místico, desconocido;
• - el problema de la personalidad en las condiciones de la civilización burguesa;
• - sed de paz interior y equilibrio mental;
• - exótico, decorativo, simbólico;
• - nostalgia de tiempos pasados;
• - inmersión en un mundo fantástico e irreal.
• Representantes: Gustave Moreau, Henri Fantel-Latour, Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Eugène Carriere, Edgar Maxence, Elisabeth Sonrel.

Pierre-Cécile Puvis de Chavannes "La canción del pastor" , 1891

Isabel Sonrel « joven mujer auxiliar hortensianos ", 1900

Puntillismo

• (fr. Puntillismo , literalmente "punto", punto - punto) es un movimiento estilístico de la pintura neoimpresionista surgido en Francia hacia 1885, que se basa en la manera de pintar con trazos separados de forma regular, punteada o rectangular. Se caracteriza por el rechazo a mezclar físicamente colores en aras de un efecto óptico (“mezclar” en la retina del ojo del espectador).

Representantes: Paul Signac, Henri Cross, Lucien Pissarro.

Georges Seurat Un día después del mediodía en la "Île de la Grande" Jatte.

Alberto Dubois Pillet « La Merne a laube Sol » , 1899-90

Maximiliano Luce El muelle Saint-Michel y Notre-Dameen 1901

Fauvismo

estilo los fauves (en francés "animales salvajes"), un grupo informal de principios del siglo XX, los lienzos de los artistas se distinguían por una pincelada aparentemente salvaje y colores chirriantes, mientras que su temática tenía un alto grado de simplificación y abstracción.

anri matisse Señora Matisse 1907

André Derain "Barcazas en el Sena", 1903

futurismo

Movimientos literarios y artísticos en el arte de la década de 1910. Llamándose a sí mismo el arte del futuro, el futurismo destruyó los estereotipos culturales y ofreció, en cambio, una apología de la tecnología y el urbanismo como principales signos del presente y del futuro.

Gino Severini « Recuerdo de viaje »

Vladimir Evgrafovich Tatlin "Retrato de un artista", 1914

Pavel Nikolaevich Filonov "Bateristas", 1935

Expresionismo

(de la expresión francesa - expresividad) - fluir hacia el oeste arte europeo, principalmente extendido en Alemania y formado en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica era una protesta individualista contra un mundo feo, la creciente alienación de una persona del colapso, el colapso de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía apoyarse con tanta firmeza.

Técnicas artísticas: rechazo del espacio ilusorio, deseo de una interpretación plana de los objetos, deformación de los objetos, amor por las disonancias coloridas y agudas, un colorido especial que contiene drama apocalíptico.

Ernst Luis Kirchner "Dos mujeres en la calle" 1914

Hay dos períodos en el expresionismo: antes de la Primera Guerra Mundial y después.

• Primer período o temprano. El primer período incluye la obra de los artistas alemanes Paul Klee, Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, así como las asociaciones “Bridge” y “Blue Rider”.
• Segundo período: expresionismo del período de la Primera Guerra Mundial y en los años de la posguerra.

OTTO DIX . RETRATO DE SYLVIA VON HARDEN , 1926

PAUL KLEE . BUQUES DE ADVERTENCIA, .1917

Cubismo

• mas influyente dirección artística siglo 20.

El cubismo lanzó la vanguardia y revolucionó la pintura y la escultura europeas, e infundió movimientos relacionados en la música, la literatura y la arquitectura.

Los fundadores fueron Georges Braque y Pablo Picasso. Posteriormente se sumaron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Juan Gris.

Pablo Picasso "Aviñón niñas", 1907. La primera obra del cubismo.

jorge Braque El parque de Carrières-Saint-Denis, 1909

Cubismo. Escultura

raimon

Duchamp-Villon el chat , 1913

Cubismo Orfismo u Órfico

(término acuñado por el poeta francés Guillaume Apolinaire en 1912), una rama del cubismo, que se centraba en la abstracción pura y los colores brillantes, influenciado por el fauvismo.

Frantisek Kupka " MADAME KUPKA ENTRE VERTICALES ", 1911

Robert De Launay Mujer portuguesa 1915

cubofuturismo

– una tendencia local en el arte ruso (pintura y poesía), que surgió bajo la influencia del cubismo. Las principales obras fueron escritas en el período 1911-15.

Las obras presentadas son composiciones semiobjetivas formadas por formas volumétricas huecas cilíndricas, cónicas, de matraz y de concha, a menudo con un brillo metálico.

Lentulov A.V. "Catedral de San Basilio", 1913

Kazimir Malevich "Vaca y violín", 1913“La lógica siempre ha puesto una barrera a los nuevos movimientos subconscientes, y para liberarse de los prejuicios se adelantó la corriente del alogismo”, escribió el autor sobre esta imagen.

suprematismo

- (del latín supremus - más alto, más alto) - una dirección de arte de vanguardia, cuyo creador, principal representante y teórico fue Kazimir Malevich.

En opinión de Malevich, el suprematismo es nivel más alto el desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo extraartístico, en el camino de la identificación última de lo no objetivo como esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich consideraba suprematista (o “supremacista”) el arte ornamental primitivo.

Kazimir Malevich

"Mujeres campesinas en la iglesia", 1913

"Suprematismo", 1915

Purismo

(Latín purus – limpio) – fluir durante pintura francesa 1910-20

Los puristas se esforzaron por lograr una transferencia racionalistamente ordenada de formas objetivas estables y lacónicas, como si estuvieran "limpias" de detalles, a la representación de elementos "primarios". Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas luminosas y los contornos de objetos similares.

Amédée Ozanfan " EL PICHET BLANCO ", 1926

Amédée Ozanfan " MATERNIDAD ", 1941

Amédée Ozanfan " VOLANTE ", 1963

Neoplasticismo

• un tipo de arte abstracto.

Creado a finales de los años 20. pintor holandés Piet Mondrian y otros artistas de la asociación “Style”.

La característica principal del neoplasticismo fue el uso. medios expresivos. Para construir un formulario, sólo se permiten líneas horizontales y verticales. La intersección en ángulo recto es el primer principio. Posteriormente se le añadió una segunda que, quitando la pincelada y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir. Tres colores primarios a los que sólo se les puede añadir el blanco y el negro.

Piet Mondrian

“Composición con celosía”, 1919

"Composición con rojo y azul", 1938

Uno de los más fervientes admiradores de su talento fue el gran Yves Saint Laurent, fue él quien creó la colección otoño-invierno de 1965-1966. Esta colección incluía famosos. vestidos mondrian- vestidos sencillos

sin cuello y mangas hechas de tejido de punto, que tenía una decoración en forma de grandes celdas de colores: "citas" de las pinturas del famoso artista que en la década de 1960. volvió a ponerse de moda.

El dadaísmo es un movimiento artístico de la vanguardia europea de principios del siglo XX.

Georg Grosz recordó más tarde que su arte dadaísta pretendía ser una protesta "contra este mundo de destrucción mutua".

Según Hans Richter, el dadaísmo no era arte: era “antiarte”.

Francisco picabia Danza en la fuente (1912)

1921 – Jean Crotty realizó la primera exposición de obras dadaístas en el Salón de los Indépedants de París. Jean Crotti « A Atentos aux voix interieures" 1920

Surrealismo

Un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es mejor conocido por sus obras de arte y escritos visuales. El objetivo era "resolver las condiciones previamente conflictivas del sueño y la realidad".

André-Aimé-René Masson Mesa pedestal en el estudio. , 1922

Man Ray La Fortuna , 1938

Rene Magritte La Voix des Airs, 1931

En 1947 tuvo lugar Exposición Internacional surrealistas en la Galerie Maeght, París - la principal exposición de artistas surrealistas de la posguerra Una de las obras: Jacques Herold Personajes surrealistas-1947

Expresionismo abstracto

La corriente surgió en Estados Unidos en los años 1940. y representado principalmente por la obra de artistas de la llamada Escuela de Nueva York.

Después del surrealismo, el expresionismo abstracto continuó “liberando” el arte de cualquier control de la razón y de las leyes lógicas, fijándose como objetivo la expresión espontánea. mundo interior artista

En un entorno acelerado, los artistas recurrían a menudo al goteo. Este método expresivo de pintar se consideraba tan importante como la obra misma, por lo que el proceso de creación de una pintura a menudo se llevaba a cabo en público.

Jackson Pollock « paisaje de otoño", 1950

Willem de Kooning: BODEGÓN, 1945

Mark Rothko "Centro Blanco", 1955

tachismo

(Tachisme francés, de Tache - mancha) - estilo francés pintura abstracta Década de 1940-60. Se trata de pintar con manchas que no recrean imágenes de la realidad, sino que expresan la actividad inconsciente del artista.

Jean Dubuffet “Palmeras árabes” 1948 . Lumbrera

Nicolás de Staël "Improvisación", 1948

Abstracción lírica - un movimiento artístico nacido en París después de la Segunda Guerra Mundial.

Pedro Souiages

« LITOGRAFÍA », 1957

Camille Bryen « heperil ", 1951. Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París, Francia Algunos críticos de arte consideraron la nueva abstracción como un intento de restaurar la imagen del París artístico.

El siglo XX es la era del establecimiento de valores de vanguardia.

Jean Dubuffet apoya activamente "arte outsider"(literalmente arte en bruto): que se divide en varias direcciones:

• arte de los enfermos mentales;
• arte popular: cualquier producto de artesanía práctica y habilidad decorativa, por regla general, encarna formas tradicionales y valores sociales;
• Arte intuitivo/Arte fantasma: imágenes de naturaleza espiritual o religiosa.
• arte extremo: se refiere a artistas que se encuentran en los límites del mundo del arte;
• Arte ingenuo: el término suele referirse a artistas sin formación que aspiran a un estatus artístico "normal", es decir. tienen una interacción mucho más consciente con el mundo del arte dominante que los artistas externos.

Pierre Vuitton (1880 - 1962), Artista francés. Conmocionado por la Primera Guerra Mundial, Vuitton abandonó su vida anterior. Después de varias estancias en sanatorios y hospitales psiquiátricos, se trasladó a París en 1920, conociendo a varios artistas de la escena bohemia parisina, entre ellos Dubuffet, Cocteau, Picasso, de Chiricot, Picabia.

Op art o arte óptico

(término acuñado en 1964 por la revista Time) es un estilo de arte visual que utiliza ilusiones ópticas. Las obras de op art son abstractas y tienen muchas más piezas familiares.

Cuando el espectador los mira, da la impresión de movimiento, imágenes ocultas, destellos y vibraciones, patrones o, alternativamente, hinchazón o deformación.

Victor Vasarly- fundador del op art

Neoexpresionismo Es un estilo de pintura y escultura del modernismo tardío o posmodernista temprano que surgió a finales de la década de 1970. A los neoexpresionistas a veces se les llamaba Neue Wilden("El nuevo salvaje"). Se caracteriza por una intensa subjetividad y un manejo rudo de los materiales.

El neoexpresionismo se desarrolló como reacción contra el arte conceptual y el arte minimalista.

Roberto combas » San Sebastián » , 1991

Hervé Di Rosa « Medios de concierto », 1984.

Arte pop -(abreviatura en inglés de arte popular) - dirección en Bellas Artes Europa Oriental y los Estados Unidos de finales de los años 50 y 60. De hecho, esta dirección reemplazó las bellas artes tradicionales con la demostración de ciertos objetos de la cultura de masas o del mundo material.

Richard Hamilton “¿Qué hace que nuestros hogares hoy sean tan diferentes y tan atractivos?” (1956) - una de las primeras obras del arte pop

Hiperrealismo

(Inglés: Hiperrealismo - superrealismo; otros nombres - superrealismo, fotorrealismo, realismo frío, realismo radical) es un movimiento artístico en pintura y escultura que surgió en los Estados Unidos en los años 1960 y se extendió en los años 1970.

Un estilo en pintura y escultura basado en la fotorrealización de un objeto.

Don Eddie

Richard Estes

Chuck Close "Linda", 1976

Ralph Goings "El almuerzo de Ralph", 1982

La escuela de arte francesa de principios de los siglos XVII y XVIII puede considerarse la principal escuela europea; fue en Francia en ese momento donde surgieron estilos artísticos como el rococó, el romanticismo, el clasicismo, el realismo, el impresionismo y el postimpresionismo.

Rococó (Rococó francés, de rocaille - motivo decorativo en forma de concha): un estilo del arte europeo de la primera mitad del siglo XVIII. El rococó se caracteriza por el hedonismo, un retiro al mundo de las obras teatrales idílicas y una predilección por los temas pastorales y sensuales-eróticos. El carácter de la decoración rococó adquirió formas enfáticamente elegantes y sofisticadas.

François Boucher, Antoine Watteau y Jean Honoré Fragonard trabajaron en estilo rococó.

Clasicismo - un estilo en el arte europeo del siglo XVII y principios del XIX, cuyo rasgo característico era la apelación a las formas del arte antiguo como estándar estético y ético ideal.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres y Jacques-Louis David trabajaron en el estilo del clasicismo.

Romanticismo - un estilo de arte europeo de los siglos XVIII y XIX, cuyos rasgos característicos eran la afirmación del valor intrínseco de la vida espiritual y creativa del individuo, la imagen de pasiones y personajes fuertes y a menudo rebeldes.

Francisco de Goya, Eugène Delacroix, Theodore Géricault y William Blake trabajaron al estilo del romanticismo.

Édouard Manet. Desayuno en el taller. 1868

Realismo - un estilo de arte cuya tarea es capturar la realidad de la manera más precisa y objetiva posible. Estilísticamente, el realismo tiene muchas caras y muchas opciones. Varios aspectos del realismo en la pintura son el ilusionismo barroco de Caravaggio y Velázquez, el impresionismo de Manet y Degas y las obras de Nynen de Van Gogh.

El nacimiento del realismo en la pintura se asocia más a menudo con la obra del artista francés Gustave Courbet, quien inauguró su exposición personal "Pabellón del Realismo" en París en 1855, aunque incluso antes que él, los artistas de la escuela de Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet y Jules Breton trabajaron de manera realista. En la década de 1870. El realismo se dividió en dos direcciones principales: el naturalismo y el impresionismo.

La pintura realista se ha generalizado en todo el mundo. Los Itinerantes trabajaron en el estilo del realismo con una fuerte orientación social en la Rusia del siglo XIX.

Impresionismo (de la impresión francesa - impresión): un estilo en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, cuyo rasgo característico era el deseo de capturar de la manera más natural el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir su fugaz impresiones. El impresionismo no planteó cuestiones filosóficas, sino que se centró en la fluidez del momento, el estado de ánimo y la iluminación. Los temas de los impresionistas se convierten en la vida misma, como una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, agradables picnics en la naturaleza en un ambiente agradable. Los impresionistas fueron de los primeros en pintar al aire libre, sin terminar su trabajo en el estudio.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley y otros trabajaron en el estilo del impresionismo.

Post impresionismo Es un estilo artístico que surgió a finales del siglo XIX. Los postimpresionistas buscaron transmitir libre y generalmente la materialidad del mundo, recurriendo a la estilización decorativa.

El postimpresionismo dio lugar a movimientos artísticos como el expresionismo, el simbolismo y el modernismo.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne y Toulouse-Lautrec trabajaron en el estilo postimpresionista.

Echemos un vistazo más de cerca al impresionismo y al postimpresionismo utilizando el ejemplo de las obras de maestros individuales de Francia en el siglo XIX.

Edgar Degas. Auto retrato. 1854-1855

Edgar Degas (vida 1834-1917) - Pintor, artista gráfico y escultor francés.

Comenzando con pinturas y retratos históricos de composición estricta, en la década de 1870 Degas se acercó a los representantes del impresionismo y se dedicó a representar la vida urbana moderna: calles, cafés, representaciones teatrales.

En las pinturas de Degas, se piensan y verifican cuidadosamente una composición dinámica, a menudo asimétrica, un dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados y una interacción activa entre figura y espacio.

E. Degas. Baño. 1885

En muchas obras, Edgar Degas muestra el comportamiento y la apariencia característicos de las personas, generados por las peculiaridades de su vida, revela el mecanismo del gesto profesional, la postura, el movimiento humano, su belleza plástica. El arte de Degas se caracteriza por una combinación de lo bello y lo prosaico; el artista, como observador sobrio y sutil, captura simultáneamente el tedioso trabajo cotidiano que se esconde detrás de la elegante espectacularidad.

La técnica favorita del pastel permitió a Edgar Degas demostrar plenamente su talento como dibujante. Los tonos ricos y los trazos de pastel "brillantes" ayudaron al artista a crear esa atmósfera colorida especial, esa ligereza iridiscente que tanto distingue a todas sus obras.

En su madurez, Degas abordó a menudo el tema del ballet. Frágiles e ingrávidas figuras de bailarinas aparecen ante el espectador ya sea en el crepúsculo de las clases de baile, ya sea bajo los focos del escenario, o en breves minutos de descanso. La aparente aleatoriedad de la composición y la posición imparcial del autor crean la impresión de estar espiando la vida de otra persona; el artista nos muestra un mundo de gracia y belleza, sin caer en un excesivo sentimentalismo.

A Edgar Degas se le puede llamar un colorista sutil; sus pasteles son sorprendentemente armoniosos, a veces suaves y ligeros, a veces construidos sobre fuertes contrastes de color. El estilo de Degas se destacó por su asombrosa libertad; aplicó pasteles con trazos audaces y quebrados, a veces dejando ver el tono del papel a través del pastel o agregando trazos de óleo o acuarela. El color en las pinturas de Degas surge de un resplandor iridiscente, de una corriente fluida de líneas de arco iris que dan origen a la forma.

Las últimas obras de Degas se distinguen por la intensidad y riqueza del color, que se complementan con los efectos de la iluminación artificial, formas ampliadas, casi planas y espacios reducidos, lo que les confiere un carácter intensamente dramático. En eso

período Degas escribió uno de sus mejores trabajos- “Bailarines azules”. El artista trabaja aquí con grandes manchas de color, dando importancia primordial a la organización decorativa de la superficie del cuadro. En términos de la belleza de la armonía del color y el diseño compositivo, el cuadro "Bailarines azules" puede considerarse la mejor encarnación del tema del ballet de Degas, quien logró en este cuadro la máxima riqueza de texturas y combinaciones de colores.

P. O. Renoir. Auto retrato. 1875

Pierre Auguste Renoir (vida 1841-1919) - Pintor, artista gráfico y escultor francés, uno de los principales representantes del impresionismo. Renoir es conocido principalmente como un maestro del retrato secular, no exento de sentimentalismo. A mediados de la década de 1880. De hecho, rompió con el impresionismo, volviendo a la linealidad del clasicismo durante el período de creatividad de Ingres. Renoir, un colorista notable, a menudo logra la impresión de una pintura monocromática con la ayuda de sutiles combinaciones de valores, similares en tonos de color.

P.O. Renoir. Piscina infantil. 1869

Como la mayoría de los impresionistas, Renoir elige episodios fugaces de la vida como temas de sus pinturas, dando preferencia a escenas festivas de la ciudad: bailes, bailes, paseos ("New Bridge", "Splash Pool", "Moulin da la Galette" y otros). En estos lienzos no veremos ni negro ni marrón oscuro. Sólo una gama de claros y colores brillantes fusionándose cuando miras las pinturas desde cierta distancia. Las figuras humanas de estas pinturas están pintadas con la misma técnica impresionista que el paisaje que las rodea, con el que a menudo se fusionan.

P. O. Renoir. Retrato de la actriz Zhanna Samary. 1877

Un lugar especial en la obra de Renoir lo ocupan las imágenes femeninas poéticas y encantadoras: internamente diferentes, pero externamente ligeramente similares entre sí, parecen estar marcadas por el sello común de la época. Renoir pintó tres retratos diferentes de la actriz Jeanne Samary. En uno de ellos, la actriz aparece con un exquisito vestido azul verdoso sobre un fondo rosa. En este retrato, Renoir logró resaltar los mejores rasgos de su modelo: belleza, mente vivaz, mirada abierta, sonrisa radiante. El estilo de trabajo del artista es muy libre, en algunos lugares hasta el descuido, pero esto crea una atmósfera de extraordinaria frescura, claridad espiritual y serenidad. En la representación de desnudos, Renoir logra la rara sofisticación de los claveles (pintando en el color de piel humana), construida sobre una combinación de cálidos tonos carnales con ligeros reflejos verdosos y gris azulados, dando una superficie suave y mate al lienzo. En el cuadro "Desnudo a la luz del sol", Renoir utiliza principalmente colores primarios y secundarios, excluyendo por completo el negro. Las manchas de color obtenidas mediante pequeños trazos de colores dan un efecto de fusión característico cuando el espectador se aleja de la imagen.

Cabe señalar que el uso de tonos verdes, amarillos, ocres, rosas y rojos para representar la piel conmocionó al público de la época, que no estaba preparado para percibir que las sombras debían estar coloreadas y llenas de luz.

En la década de 1880 se inició en la obra de Renoir el llamado “período Ingres”. Mayoría obra famosa de este período - "Grandes Bañistas". Para construir una composición, Renoir comenzó a utilizar bocetos y bocetos por primera vez, las líneas del dibujo se volvieron claras y definidas, los colores perdieron su brillo y saturación anteriores, la pintura en su conjunto comenzó a verse más sobria y fría.

A principios de la década de 1890 se produjeron nuevos cambios en el arte de Renoir. De manera pictórica, aparece una iridiscencia de color, por lo que a este período a veces se le llama “perla”, luego este período da paso al “rojo”, llamado así por la preferencia por los tonos de colores rojizos y rosados.

Eugène Henri Paul Gauguin (vida 1848-1903) - Pintor, escultor y artista gráfico francés. Junto con Cézanne y Van Gogh, fue el mayor representante del postimpresionismo. Comenzó a pintar en la edad adulta; su primer período de creatividad está asociado con el impresionismo. Las mejores obras de Gauguin fueron escritas en las islas de Tahití y Hiva Oa en Oceanía, donde Gauguin abandonó la “civilización viciosa”. Los rasgos característicos del estilo de Gauguin incluyen la creación en grandes lienzos planos de composiciones de colores estáticas y contrastantes, profundamente emocionales y al mismo tiempo decorativas.

En el cuadro "Cristo amarillo", Gauguin representó la crucifixión en el contexto de un paisaje rural típico francés, el Jesús sufriente está rodeado por tres campesinas bretonas. La paz en el aire, las poses tranquilas y sumisas de las mujeres, el paisaje saturado de color amarillo soleado con árboles con follaje rojo otoñal, el campesino ocupado con sus asuntos en la distancia, no pueden dejar de entrar en conflicto con lo que está sucediendo en la cruz. El entorno contrasta marcadamente con el de Jesús, cuyo rostro muestra esa etapa de sufrimiento que raya en la apatía, la indiferencia hacia todo lo que le rodea. La contradicción entre los tormentos ilimitados aceptados por Cristo y el carácter “inadvertido” de este sacrificio por parte de las personas es el tema principal de esta obra de Gauguin.

P. Gauguin. ¿Estás celoso? 1892

Pintar “Oh, ¿estás celoso?” Pertenece al período polinesio de la obra del artista. La pintura está basada en una escena de la vida, observada por el artista:

en la orilla, dos hermanas - acaban de nadar y ahora sus cuerpos están tendidos sobre la arena en poses voluptuosas e informales - hablando de amor, un recuerdo provoca discordia: “¿Cómo? ¡Estás celoso!".

Al pintar la exuberante belleza de la naturaleza tropical, gente natural intacta por la civilización, Gauguin describió un sueño utópico de un paraíso terrenal, de la vida humana en armonía con la naturaleza. Las pinturas polinesias de Gauguin se parecen a paneles por su color decorativo, su planitud y monumentalidad de composición y la generalidad del diseño estilizado.

P. Gauguin. ¿De dónde vinimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos? 1897-1898

El cuadro “¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?" Gauguin lo consideró la culminación sublime de sus reflexiones. Según el plan del artista, el cuadro debe leerse de derecha a izquierda: tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. El grupo de mujeres con un niño en el lado derecho de la imagen representa el comienzo de la vida; el grupo medio simboliza la existencia cotidiana de la madurez; en el grupo de extrema izquierda, Gauguin representó la vejez humana, acercándose a la muerte; el ídolo azul al fondo simboliza el otro mundo. Esta pintura es el pináculo del innovador estilo postimpresionista de Gauguin; su estilo combinaba un uso claro de colores, color decorativo y composición, planitud y monumentalidad de la imagen con expresividad emocional.

La obra de Gauguin anticipó muchas características del estilo Art Nouveau que estaba surgiendo durante este período e influyó en el desarrollo de los maestros del grupo "Nabi" y otros pintores de principios del siglo XX.

V. Van Gogh. Auto retrato. 1889

Vincent Van Gogh (vida 1853-1890) - Artista postimpresionista francés y holandés, comenzó a pintar, como Paul Gauguin, ya en la edad adulta, en la década de 1880. Hasta ese momento, Van Gogh trabajó con éxito como comerciante, luego como profesor en un internado, y más tarde estudió en una escuela misionera protestante y trabajó durante seis meses como misionero en un barrio minero pobre de Bélgica. A principios de la década de 1880, Van Gogh se dedicó al arte y asistió a la Academia de las Artes de Bruselas (1880-1881) y Amberes (1885-1886). En el período inicial de su obra, Van Gogh escribió bocetos y pinturas en una paleta pictórica oscura, eligiendo como temas escenas de la vida de mineros, campesinos y artesanos. Las obras de Van Gogh de este período ("Los comedores de patatas", "La antigua torre de la iglesia en Nynen", "Zapatos") marcan una percepción dolorosamente aguda del sufrimiento humano y los sentimientos de depresión, una atmósfera opresiva de tensión psicológica. En sus cartas a su hermano Theo, el artista escribió lo siguiente sobre uno de los cuadros de este período, “Los comedores de patatas”: “En él, intenté enfatizar que estas personas, comiendo patatas a la luz de una lámpara, iban cavando la tierra con las mismas manos que extendían al plato; Así, el cuadro habla del trabajo duro y del hecho de que los personajes se ganaban honestamente su comida." En 1886-1888. Van Gogh vivió en París, visitó el prestigioso estudio de arte privado del famoso maestro P. Cormon en toda Europa, estudió pintura impresionista, grabado japonés y obras sintéticas de Paul Gauguin. Durante este período, la paleta de Van Gogh se volvió más clara, el tono terroso de la pintura desapareció, aparecieron tonos azules puros, amarillos dorados y rojos, su característica pincelada dinámica y fluida (“Agostina Segatori en el café Tambourine”, “El puente sobre el Sena, " "Père Tanguy", "Vista de París desde el apartamento de Theo en la Rue Lepic").

En 1888, Van Gogh se mudó a Arles, donde finalmente se determinó la originalidad de su estilo creativo. Un temperamento artístico ardiente, un doloroso impulso hacia la armonía, la belleza y la felicidad y, al mismo tiempo, el miedo a las fuerzas hostiles al hombre, se encarnan en los paisajes que brillan con los colores soleados del sur (“La Casa Amarilla”, “La Cosecha. La Croe Valley”), o en siniestras imágenes que recuerdan a una pesadilla (“Cafe Terrace at Night”); dinámica del color y la pincelada

V. Van Gogh. Terraza del café nocturno. 1888

llena de vida espiritual y movimiento no solo la naturaleza y las personas que la habitan ("Viñedos rojos en Arles"), sino también los objetos inanimados ("El dormitorio de Van Gogh en Arles").

El intenso trabajo de Van Gogh en los últimos años estuvo acompañado de episodios de enfermedad mental, que lo llevaron a un hospital psiquiátrico en Arles, luego a Saint-Rémy (1889-1890) y a Auvers-sur-Oise (1890), donde se suicidó. . Creatividad de dos años recientes La vida del artista está marcada por una obsesión extática, una expresión extremadamente intensificada de combinaciones de colores, cambios repentinos de humor, desde una desesperación frenética y un visionario sombrío ("Camino con cipreses y estrellas") hasta un sentimiento trémulo de iluminación y paz ("Paisaje en Auvers después de la lluvia").

V. Van Gogh. Iris. 1889

Durante el período de tratamiento en la clínica Saint-Rémy, Van Gogh pintó el ciclo de cuadros "Iris". Su pintura de flores carece de mucha tensión y muestra la influencia de los estampados japoneses ukiyo-e. Esta similitud se manifiesta en la selección de los contornos de los objetos, ángulos inusuales, la presencia de áreas detalladas y áreas llenas de un color sólido que no se corresponde con la realidad.

V. Van Gogh. Campo de trigo con cuervos. 1890

“Campo de trigo con cuervos” es un cuadro de Van Gogh, pintado por el artista en julio de 1890 y es una de sus obras más famosas. La pintura supuestamente se completó el 10 de julio de 1890, 19 días antes de su muerte en Auvers-sur-Oise. Existe una versión de que Van Gogh se suicidó mientras pintaba este cuadro (saliendo al aire libre con materiales para pintar, se pegó un tiro en la zona del corazón con una pistola comprada para ahuyentar bandadas de pájaros y luego llegó de forma independiente al hospital, donde murió por la pérdida de sangre).