Pintura - géneros principales. Características y diferencias de la pintura monumental, de caballete y en miniatura. Pinturas de caballete.

Material de Wikipedia: la enciclopedia libre

pintura de caballete- uno de los tipos de pintura cuyas obras tienen un significado independiente y se perciben independientemente del entorno. Literalmente, pintura creada sobre un caballete.

Trabajar pintura de caballete- pintura - se crea sobre una base no estacionaria (a diferencia de la pintura monumental) y no utilitaria (a diferencia de la pintura decorativa) (lienzo, cartón, cartón, papel, seda) y presupone una percepción independiente no condicionada por el entorno.

Los principales materiales para la pintura de caballete son pinturas al óleo, témpera y acuarela, gouache, pastel y acrílico. En el Lejano Oriente se generalizó la pintura con tinta (principalmente monocromática), a menudo integrando caligrafía.

La formación en pintura de caballete se lleva a cabo en escuelas de arte y estudios, en escuelas secundarias de arte e institutos de arte, el más grande de los cuales en Rusia se encuentra en San Petersburgo, la Escuela de Arte de Ryazan. G.K. Wagner en Riazán y Moscú.

Escribe una reseña sobre el artículo "Pintura de caballete"

Un extracto que caracteriza la pintura de caballete.

Y en respuesta al hecho de que hay más de doscientas iglesias, dijo:
– ¿Por qué tal abismo de iglesias?
"Los rusos son muy piadosos", respondió Balashev.
- Sin embargo, un gran número de Los monasterios y las iglesias son siempre un signo del atraso del pueblo”, dijo Napoleón, mirando a Caulaincourt para evaluar su sentencia.
Balashev respetuosamente se permitió estar en desacuerdo con la opinión del emperador francés.
"Cada país tiene sus propias costumbres", dijo.
"Pero en ningún lugar de Europa hay algo así", dijo Napoleón.
"Pido disculpas a Su Majestad", dijo Balashev, "además de Rusia, también está España, donde también hay muchas iglesias y monasterios".
Esta respuesta de Balashev, que insinuaba la reciente derrota de los franceses en España, fue muy apreciada más tarde, según las historias de Balashev, en la corte del emperador Alejandro y muy poco apreciada ahora, en la cena de Napoleón, y pasó desapercibida.
Por las caras indiferentes y perplejas de los señores mariscales se veía claramente que no sabían cuál era la broma que insinuaba la entonación de Balashev. “Si la hubo, entonces no la entendimos o no es nada ingeniosa”, decían las expresiones en los rostros de los mariscales. Esta respuesta fue tan poco apreciada que Napoleón ni siquiera se dio cuenta e ingenuamente preguntó a Balashev sobre qué ciudades hay una carretera directa a Moscú desde aquí. Balashev, que estuvo alerta todo el tiempo durante la cena, respondió que comme tout chemin mene a Rome, tout chemin mene a Moscú, [así como todo camino, según el proverbio, conduce a Roma, todos los caminos conducen a Moscú, ] que hay muchos caminos, y cuál entre estos diferentes caminos Hay un camino a Poltava, que fue elegido por Carlos XII, dijo Balashev, sonrojándose involuntariamente de placer ante el éxito de esta respuesta. Balashev no tuvo tiempo de terminar su frase. ultimas palabras: “Poltawa”, como ya Caulaincourt empezó a hablar de los inconvenientes del camino de San Petersburgo a Moscú y de sus recuerdos de San Petersburgo.
Después del almuerzo fuimos a tomar un café al despacho de Napoleón, que cuatro días antes había sido el despacho del emperador Alejandro. Napoleón se sentó, tocó el café en una taza de Sevres y señaló la silla de Balashev.

La principal ventaja de la pintura al óleo de caballete es que es fácil de trasladar de un lugar a otro.

Toda obra artística necesita una base. La base sobre la que los pintores pintaban era originalmente madera: álamo, fresno, nogal, sauce. Luego, en la antigüedad, la madera reemplazó al lienzo. Primero, se pega el lienzo y luego se imprima con una capa densa de una mezcla especial. Se pinta una imagen sobre un lienzo imprimado. A partir de la segunda mitad del siglo XVI aparecieron las tablas de cobre. Su ventaja era que no permitían la penetración del aire, que era perjudicial para las pinturas al óleo.

Cada base requiere una imprimación especial. La finalidad de la imprimación es nivelar y alisar la superficie de la base para evitar que las sustancias aglutinantes sean absorbidas por la base y, además, participar con su tono en el color del cuadro.

La pintura al óleo es una de las técnicas pictóricas que utiliza pinturas con aceite vegetal como aglutinante principal. Las pinturas al óleo se componen de pigmentos secos y aceite secante. Utilice aceite de linaza, aceite de amapola o aceite de nuez. La base puede ser madera, contrachapado, cartón, papel, lienzo. No diluir ni lavar con agua. Se tarda mucho en secarse, las capas se secan a diferentes velocidades. los colores se mezclan fácilmente, la capacidad de crear transiciones de color complejas y colores desarrollados.

Billete número 12. Pintura de caballete. Pastel

Una pintura de caballete es una obra de pintura independiente, libre de funciones decorativas y realizada en caballete o máquina.

La pintura de caballete es un tipo de pintura que, a diferencia de la monumental,

no relacionado con la arquitectura, tiene un carácter independiente.

El término “pintura de caballete” proviene de la máquina (caballete) en la que se crean las pinturas.

Pastel

Pocos aglutinantes ( Carpetas:

Sustancia que forma parte de la pintura y determina sus propiedades básicas, a excepción del tono de color, que se debe al pigmento.

El objetivo principal es unir partículas de pigmento y imprimación para crear una capa de pintura estable y cohesiva, garantizando así la seguridad de la pintura).

Alto poder cubriente

Libertad en el trabajo

ALGORITMO PARA LA CREACIÓN DE PINTURA DE CABALLETE

Características de la obra de viejos maestros y artistas de los nuevos tiempos.

1. Dibujo a tinta

2. Pintura base

3. Acristalamiento

Billete número 13. Pintura de caballete. Acuarela y aguada

La pintura de caballete es un tipo de pintura que, a diferencia de la pintura monumental, no está relacionada con la arquitectura y tiene un carácter independiente. El término “pintura de caballete” proviene de la máquina (caballete) en la que se crean las pinturas.

ALGORITMO PARA LA CREACIÓN DE PINTURA DE CABALLETE

Viejos maestros – trabajan en tres etapas:

· Dibujo a tinta

· Pintura de base

· Acristalamiento

Artistas de los tiempos modernos (del siglo XVII) – indivisibilidad proceso de pintura(pasta).

Gouache
El gouache es una pintura realizada con pinturas adhesivas opacas, densas y cubrientes mezcladas con blanco. La palabra gouache proviene del italiano guazzo, que significa "mojado".

Fuentes del siglo XVI mencionan la pintura gouache. Durante el Renacimiento, el gouache se utilizaba para crear ilustraciones, resaltar dibujos, pintar abanicos, tabaqueras, etc.

Desde el siglo XVIII pintura aguada mejora y se convierte en un tipo de pintura muy extendida. Se utiliza para escribir cartulinas preparatorias, bocetos decorativos, ilustraciones y trabajos de caballete. A diferencia de las acuarelas, el gouache es opaco porque las pinturas contienen blanco.

Acuarela
La acuarela se conocía en la antigüedad, pero hasta el siglo XVII no tenía un significado independiente; se utilizaba para colorear dibujos, bocetos, etc.

La acuarela adquirió un significado independiente en la pintura a partir del siglo XVII. Las pinturas realizadas con acuarelas son obras de bellas artes completamente terminadas con una forma y una técnica de pintura bastante desarrolladas. Entre los acuarelistas rusos, son famosos K. Bryullov, Sokolov, Benois, Vrubel, Savinsky y otros.

Billete número 14. Pintura de caballete. Pintura al temple

Del estilo de plano lineal a la ilusión del espacio. El papel de la perspectiva directa y luminosa.
Fácil de mover de un lugar a otro. La base era originalmente madera: álamo, fresno, nogal, sauce. Entonces el árbol reemplaza al lienzo. Primero, se pega el lienzo y luego se imprima con una capa densa de una mezcla especial. Se pinta una imagen sobre un lienzo imprimado.
La pintura de caballete tiene muchos géneros. Los más importantes son la pintura temática, el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta.
Se dividirán en lineal-planar y volumétrico-espacial, pero no existen límites claros entre ellos. La pintura de plano lineal se caracteriza por manchas planas de color local, delineadas por contornos expresivos, líneas claras y rítmicas; En este tipo de pintura, las relaciones espaciales se pueden reproducir con el color, se puede crear la ilusión de un espacio tridimensional profundo, el plano pictórico se puede destruir visualmente con la ayuda de gradaciones tonales, perspectiva aérea y lineal, distribuyendo calor y frío. colores; Las formas volumétricas se modelan con color y luces y sombras.
En las imágenes volumétrico-espaciales y lineales-planares se utiliza la expresividad de la línea y el color, y el efecto de volumen, incluso escultórico, se logra mediante la gradación de tonos claros y oscuros distribuidos en una mancha de color claramente limitada; Al mismo tiempo, el colorido es a menudo abigarrado, las figuras y los objetos no se fusionan con el espacio circundante en un solo todo.
La perspectiva de la luz está determinada por la distancia a la fuente de luz y la posición del objeto con respecto a ella.
Perspectiva directa: diseñada para un punto de vista fijo y asumiendo un único punto de fuga en la línea del horizonte (los objetos disminuyen proporcionalmente a medida que se alejan del primer plano).
La perspectiva luminosa caracteriza la distancia de los objetos a una fuente de luz. Ocurre en condiciones de iluminación desigual.

Billete número 15. color en pintura

Color- una característica subjetiva cualitativa de la radiación electromagnética en el rango óptico, determinada sobre la base de la sensación visual fisiológica emergente y dependiendo de una serie de factores físicos, fisiológicos y psicológicos.

es visible radiación electromagnética, una onda de cierta longitud.

Opciones de color:

1. Tono (nombre del color: rojo, azul, amarillo, etc.)

1. Saturación

3. Ligereza

4.Temperatura: colores cálidos y fríos.

Círculo de colores:

Incluye todos los colores visibles del espectro y está construido como un sistema de transición de color continua.

Colores primarios- rojo, amarillo, azul.
colores compuestos- colores de segundo orden: verde, morado, naranja. Se obtienen mezclando pares de colores primarios: rojo, amarillo y azul.
Colores complejos Se obtienen mezclando tres colores componentes con colores primarios adyacentes. Por ejemplo: naranja + amarillo = amarillo-naranja. Hay seis de esos colores.
La tríada de colores compleja puede ser una de estas combinaciones:
rojo anaranjado, amarillo verdoso y azul violeta;
azul verdoso, amarillo anaranjado y rojo violeta.
En el círculo cromático, todos están a la misma distancia entre sí, ocupando una posición intermedia entre los colores que los componen.

Colores relacionados- pertenecer a cualquier cuarto del círculo.

Colores contrastantes (complementarios)- están ubicados en lados diametralmente opuestos del círculo.

Matiz- gradación de tono; la diferencia de color a medida que pasa de frío a cálido y viceversa.

Matiz- una tonalidad de color muy sutil o una transición muy ligera de luz a sombra, etc.

Saturación (intensidad) – caracteriza el grado de pureza de un tono de color. El concepto opera en la división de un tono, donde el grado de saturación se mide por el grado de diferencia con el gris. Este concepto también está relacionado con el brillo., ya que el tono más saturado de su línea será el más brillante.

Riqueza vivaz, fuerte y profunda.

Los colores insaturados son apagados, débiles y descoloridos.

El grado de diferencia de color entre el blanco y el negro. Si la diferencia entre el color detectado y el negro es mayor que entre este y el blanco, entonces el color es claro. Si es al revés, está oscuro. Si la diferencia entre el blanco y el negro es igual, entonces el color tiene una luminosidad promedio.

Billete número 16. Perspectiva

P. perspectiva desde lat. perspicere - mirar a través - una técnica para representar objetos espaciales en un plano o cualquier superficie de acuerdo con esas aparentes reducciones en sus tamaños, cambios en la forma y relaciones de luces y sombras que se observan en el mundo circundante (real).

Tipos de perspectiva

1. Perspectiva directa: un tipo de perspectiva diseñada para un punto de vista fijo y que supone un único punto de fuga en la línea del horizonte (los objetos disminuyen proporcionalmente a medida que se alejan del primer plano).

Punto de fuga: un punto en una imagen en perspectiva en el que se cruzan las proyecciones de líneas paralelas en el espacio del sujeto.

2. Perspectiva inversa: un tipo de perspectiva utilizada en la pintura bizantina y rusa antigua, en la que los objetos representados parecen aumentar de tamaño a medida que se alejan del espectador, la imagen tiene varios horizontes y puntos de vista, y otras características, como si el centro de convergencia de las líneas no está en el horizonte, sino en el interior del propio espectador.

3. Perspectiva panorámica: una imagen construida sobre una superficie interna cilíndrica (a veces esférica).

4. Perspectiva aérea: caracterizada por la desaparición de la claridad y la claridad de los contornos de los objetos a medida que se alejan de los ojos del observador (efecto sfumato-neblina). Al mismo tiempo, el fondo se caracteriza por una disminución de la saturación del color (el color pierde su brillo, los contrastes de claroscuro se suavizan), por lo que la profundidad parece más oscura que el primer plano. La perspectiva aérea se asocia con cambios de tonos, por lo que también se le puede llamar perspectiva tonal.

5. La perspectiva esférica es un tipo de perspectiva en la que los ojos del espectador están siempre como en el centro del "reflejo" de la pelota. Esta es la posición Punto principal, que en realidad no está ligado ni al nivel del horizonte ni a la vertical principal. Al representar objetos en perspectiva esférica, todas las líneas de profundidad tendrán un punto de fuga en el punto principal y permanecerán estrictamente rectas. La vertical principal y la línea del horizonte también serán estrictamente rectas. Todas las demás líneas se doblarán cada vez más a medida que se alejan del punto principal, transformándose en un círculo. Cada recta que no pasa por el centro, al estar extendida, es una semielipse.

Tipos Caballete Monumental Pintura de Iconos Decorativos Monumentales Pintura en Miniatura Géneros Estilos Batalla Mitológica Paisaje Histórico Retrato Naturaleza Muerta Animal Hogar Desnudo

¡Mira a tu alrededor qué hermoso es! La gente siempre ha buscado formas de preservar y recordar lo que vieron. Puedes tomar fotografías del mundo que te rodea, pero antes no había cámaras, ¡y dibujar es mucho más divertido!

Un pintor puede crear milagros: mostrar eventos del pasado lejano, presentarnos héroes épicos y héroes de cuentos de hadas, viajan al futuro y nos presentan personajes inexistentes.

El principal medio expresivo de la pintura es el color. El artista generalmente compone un color en una paleta y luego transfiere la pintura al lienzo del cuadro, creando un orden de color: la coloración.

El color puede ser cálido y frío, alegre y triste, tranquilo y tenso, claro y oscuro. El color crea el ambiente de una pintura.

Para crear una imagen, además del color, es necesaria la composición, es decir, la disposición de los detalles de la imagen. El artista comienza a trabajar en el lienzo con bocetos.

La pintura se divide en caballete y monumental. El artista pinta sobre un caballete, también llamado banco. De ahí el nombre de “pintura de caballete”.

Y la palabra “monumental” habla de algo grande y significativo. La pintura monumental son grandes pinturas en las paredes de edificios en el metro, aeropuertos e iglesias. También son significativos los temas elegidos para las pinturas monumentales: eventos históricos, hechos heroicos, cuentos populares.

La pintura monumental incluye mosaicos y vidrieras, que también pueden clasificarse como Artes Decorativas. Un mosaico es un diseño formado por pequeñas piezas o diversos materiales.

La vidriera es una imagen sobre vidrio o hecha de trozos de vidrio multicolor. Se instalan vidrieras en lugar de ventanas o puertas.

El fresco es una técnica de pintura con pinturas al agua sobre yeso húmedo en las paredes; requiere un trabajo muy rápido hasta que el yeso se haya secado.

¡Pintaron cuadros de muchas maneras! Las pinturas se elaboraban con clara de huevo, cola o savia de higuera. Luego aparecieron las pinturas al óleo, a base de aceite vegetal.

A base de pintura yema o ardilla se llama témpera. En la técnica de la tempera, el artista no debe mezclar pinturas; deben aplicarse en una capa muy fina, una al lado de la otra, sin transiciones. Los tonos mezclados sólo se pueden lograr superponiendo una capa encima de otra.

Pintura con cera La pintura a base de pegamento se llama gouache. Las pinturas gouache son densas y mate. Se utilizan para dibujar sobre papel, cartón, lino, seda y hueso.

El pastel es una técnica de pintar y dibujar sobre la superficie rugosa de papel o cartón con lápices especiales. En este caso, empiezan con lápices duros y terminan con lápices suaves, y frotan el polvo de colores con los dedos.

La acuarela es una técnica de pintura con acuarelas. Por lo general, las acuarelas se pintan sobre papel disolviendo pinturas en agua. Pintura de acuarela transparente y suave.

Una espátula es una herramienta en forma de cuchillo o espátula con mango curvo. Los artistas utilizan una espátula para quitar la pintura sin secar de una pintura. A veces se utiliza una espátula en lugar de un pincel para aplicar pintura en una capa uniforme o en un trazo en relieve.

Los géneros de pintura aparecieron cuando los artistas comenzaron a representar diferentes temas en sus pinturas. La principal tarea de un paisajista es mostrar la naturaleza en toda su belleza.

Traducido del francés, la palabra "naturaleza muerta" significa "naturaleza muerta". Una naturaleza muerta es una imagen de las cosas que rodean a una persona: platos, telas, flores, verduras y frutas, mariscos y caza.

Un retrato es una imagen de una persona o grupo de personas. En un retrato, el artista no sólo transmite un parecido externo, sino que también intenta contar la vida y las actividades de la persona.

En la antigüedad, el hombre buscaba representar el mundo en imágenes tal como él mismo lo veía. La pintura sirvió para decorar templos, viviendas y tumbas.

Durante el Renacimiento aparecieron géneros pictóricos que ya hemos comentado: paisaje, naturaleza muerta, retrato, animal, cotidiano, mitológico, histórico, batalla.

El clasicismo es un estilo artístico centrado en las formas de la antigüedad, principalmente los clásicos griegos. Los artistas prestaron especial atención al claroscuro. Preste atención a la precisión con la que el autor utilizó las sombras para representar los pliegues de las telas. Los artistas clasicistas también utilizaron sólo tres colores en sus pinturas (rojo, azul y amarillo) y los mezclaron para obtener otros colores.

La palabra "barroco" significa "extraño", "extraño". Las pinturas barrocas son caprichosas y exuberantes. A menudo combinan detalles muy grandes y, por el contrario, muy pequeños, y la luz y las sombras no se mezclan suavemente entre sí, sino que se delinean nítidamente.

La pintura del romanticismo a menudo representaba eventos históricos y modernos, utilizaba el contraste de luces y sombras y colores ricos.

Una revolución en la pintura fue la aparición del impresionismo, que buscaba transmitir una impresión fugaz, evitando cualquier detalle en el dibujo. Tales pinturas fueron pintadas en aire fresco, y es mejor observarlos alejándose unos pasos.

Si los artistas impresionistas estaban interesados ​​en todo lo fugaz y aleatorio, los representantes del movimiento postimpresionista buscaban lo permanente y estable. Los cuadros no fueron pintados basándose en una impresión inmediata, sino teniendo en cuenta la trayectoria de los rayos de luz y el cálculo de las sombras.

El modernismo buscó establecer sus bases del arte. El modernismo unió muchos movimientos artísticos: expresionismo, cubismo, constructivismo, surrealismo, arte abstracto, arte pop. El expresionismo es una dirección de arte caracterizada por lo llamativo y lo grotesco.

Las pinturas de estilo cubista representan objetos reales en forma de muchos planos semitranslúcidos que se cruzan (cuadrángulos, triángulos, semicírculos).

Pintura abstracta, a veces llamado vanguardista, abstracto o underground, utiliza colores atrevidos e inusuales y figuras regulares en forma de líneas.

Mire el trabajo de un autor que trabaja en el estilo fauvista. Utiliza algunos colores, como en tu caja de pinturas. También utiliza contornos claros, como si primero dibujara con un lápiz y luego solo con pinturas. Las figuras de la imagen no tienen sombras ni volumen.

Primitivismo: una dirección en Bellas Artes, cuyas pinturas se asemejan a obras de arte primitivo, medieval, popular e infantil.

¡Tantos “-ismos”! ¡Incluso da miedo coger un pincel o un lápiz! Pero no tengas miedo, cada uno de los artistas cuyos cuadros acabas de ver una vez tomaron pintura y papel por primera vez. Y tampoco tuvo éxito en todo de inmediato. ¡Sé audaz: fantasea, crea, dibuja!

Las imágenes del cuadro son muy visuales y convincentes. Es capaz de transmitir volúmenes y espacios, naturaleza, encarnar ideas humanas universales, acontecimientos del pasado histórico y vuelos de fantasía, revelando mundo complejo sentimientos humanos y carácter. La pintura puede ser de una sola capa (realizada inmediatamente) o de varias capas, incluyendo pinturas base Y pesimización capas de pintura transparentes y translúcidas aplicadas a la capa de pintura seca.
De esta forma se consiguen los matices y matices de color más finos.
La construcción de volumen y espacio en la pintura está asociada a lineal y Perspectiva aérea , propiedades espaciales de colores cálidos y fríos, modelado de formas con luces y sombras, transferencia del fondo de color general del lienzo. Para crear una imagen, además del color, necesitas buen dibujo y composición expresiva. El artista, por regla general, comienza a trabajar en el lienzo buscando la solución más exitosa en los bocetos. Luego, en numerosos bocetos pictóricos de la naturaleza, él trabaja elementos necesarios composiciones.

PINTURA DE CABALLETE .
Los cuadros de caballete son cuadros que tienen un significado independiente (están pintados a máquina). La pintura de caballete tiene muchos géneros.

Género (Francés "manera", "apariencia", "gusto", "costumbre", "género") - un tipo de obra de arte históricamente emergente y en desarrollo.
El género puede indicarse en el título del cuadro (nota: “El comerciante de pescado”).

Géneros de pintura de caballete.:

Según lo que se muestra en la imagen.:
1.Retrato
2.Escenario
3.Naturaleza muerta
4.Hogar (género)
5.Histórico
6.Batalla
7.animalista
8.Bíblico
9.Mitológico
10.Cuento de hadas

1.Retrato - una imagen de una persona o grupo de personas que existen o existieron en la realidad.
tipos de retrato : medio cuerpo, hasta los hombros, de cuerpo entero, retrato de cuerpo entero, retrato sobre fondo paisajístico, retrato en el interior (habitación), retrato con accesorios, autorretrato, retrato doble, retrato de grupo, retrato de compañero, retrato de vestuario, retrato en miniatura.

Según la naturaleza de la imagen, todos los retratos se pueden dividir en 3 grupos.:
A ) retratos ceremoniales , por regla general, involucran la imagen de una persona en altura completa(a caballo, de pie o sentado), generalmente sobre un fondo paisajístico o arquitectónico;
b) retratos medio vestido (quizás no del todo completo, no hay antecedentes arquitectónicos);
V ) cámara Retratos (íntimos) en los que se utiliza una imagen hasta los hombros, hasta el pecho y hasta la cintura, a menudo sobre un fondo neutro.

Retratistas rusos: Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Escenario (En francés “lugar”, “país”, “patria”): representa la naturaleza, la apariencia del área, el paisaje.
tipos de paisaje : rural, urbano, marino (marina), urbano arquitectónico (veduta), industrial.
El paisaje puede ser de naturaleza lírica, heroica, épica, histórica, fantástica..

Paisajistas rusos: Shchedrin, Aivazovsky, Vasiliev, Levitan, Shishkin, Polenov, Savrasov, Kuindzhi, Grobar y otros.

3.Naturaleza muerta (en francés “naturaleza muerta”): representa retratos peculiares de las cosas, su vida tranquila. Los artistas representan las cosas más comunes, mostrando su belleza y poesía.

Artistas: Serebryakova, Falk

4.Género cotidiano (pintura de género) - describe la vida cotidiana de una persona y nos introduce en la vida de personas de tiempos pasados.

Artistas: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin y otros.

5.Género histórico - representa acontecimientos históricos importantes, acontecimientos del pasado, épocas épicas. Este género a menudo se entrelaza con otros géneros: la vida cotidiana, la batalla, el retrato, el paisaje..

Artistas: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge y otros.
Surikov, un destacado maestro de la pintura histórica: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Boyaryna Morozova", "Menshikov en Berezovo", "El cruce de los Alpes de Suvorov", "La conquista de Siberia por Ermak".

6.Género de batalla - representa campañas militares, batallas, hazañas de armas, operaciones militares.

7.género animal - representa el mundo animal.

PINTURA MONUMENTAL.

Siempre conectado con la arquitectura. Decora paredes y techos, suelos, aberturas de ventanas.

Tipos de pintura monumental(varía según la técnica utilizada):

1.Fresco (Italiano: “sobre mojado”): escrito sobre yeso de cal húmedo con pinturas (pigmento seco, tinte en polvo) diluidas con agua. Al secarse, la cal libera una fina película de calcio, que fija las pinturas de debajo, haciendo que la pintura sea indeleble y muy duradera.

2.Pintura al temple - pinturas diluidas en huevo, cola de caseína o aglutinante sintético. Este es un tipo de pintura mural independiente y muy extendido. A veces se utiliza témpera para pintar sobre un fresco ya seco. La témpera se seca rápidamente y cambia de color a medida que se seca.

3.Mosaico (lat. “dedicado a las musas”): pintura hecha de pequeños trozos de piedras de colores o esmalte (vidrio de color opaco especialmente soldado)

4. Vitral (Francés "vidriado", del latín "vidrio") - pintura hecha de piezas de vidrio de color transparente conectadas entre sí por tiras de plomo (soldadura de plomo)

5.Panel (Francés "tablero", "escudo")
- a) parte de una pared o techo (plafón), resaltada con un marco de estuco o un adorno de cinta y rellena con pintura;
b) realizado con pinturas sobre lienzo y luego pegado a la pared. Para las paredes exteriores, los paneles pueden estar hechos de baldosas cerámicas.

ARQUITECTURA

Arquitectura - el arte de crear edificios y sus complejos que formen un entorno para que viva la gente. Se diferencia de otros tipos de arte en que cumple no sólo tareas ideológicas y artísticas, sino también prácticas.

Tipos de arquitectura:
público (palacio);
residencial público;
planificación urbana;
restauracion;
jardinería (paisaje);
industrial.

Medios expresivos de la arquitectura.:
composición del edificio;
escala;
ritmo;
claroscuro;
color;
naturaleza y edificios circundantes;
pintura y escultura.

1. Composición del edificio - disposición de sus partes y elementos principales en una secuencia determinada . La composición de un edificio es muy importante porque determina la impresión que produce.. A la hora de crear una composición arquitectónica, el arquitecto utiliza diversas técnicas: alternancia y combinación de diferentes espacios (abiertos y cerrados, iluminados y oscurecidos, conectados y aislados, etc.); varios volúmenes (altos y bajos, rectos y curvos, pesados ​​y ligeros, simples y complejos); elementos de superficies envolventes (planas y en relieve, macizas y caladas, monofónicas y coloridas). La elección de la composición depende del destino del edificio.

Tipos de composición:
- Simétrico . La misma disposición de los elementos constructivos con respecto al eje de simetría, que marca el centro de la composición. Estos edificios eran característicos de la arquitectura de la época clásica.
- Asimétrico . La parte principal del edificio se aleja del centro. Se utilizan varios volúmenes que contrastan en forma, material y color, lo que conduce a una imagen arquitectónica dinámica. . Típico de la construcción moderna.
Recepción de simetría y asimetría en la composición de elementos individuales, disposición de columnas, ventanas, escaleras, puertas, etc.

2. Ritmo .Gran importancia organizativa en una composición arquitectónica pertenece al ritmo, es decir, una distribución clara de los volúmenes y detalles de un edificio que se repiten en un intervalo determinado (enfiladas de habitaciones y pasillos, cambios sucesivos en los volúmenes de las habitaciones, agrupación de columnas, ventanas , esculturas)

tipos de ritmo:
-Ritmo vertical . Alternancia de elementos individuales en dirección vertical. Da al edificio la impresión de ligereza y dirección ascendente.
- Ritmo horizontal . Elementos alternos en dirección horizontal Hace que el edificio sea achaparrado y estable.
Al recopilar y condensar detalles individuales en un lugar y descargarlos en otro, el arquitecto puede enfatizar el centro de la composición y darle al edificio un carácter dinámico o estático.

3. Escala . relación proporcional edificio y sus partes. Determina el tamaño de las partes individuales y los detalles de un edificio en relación con el tamaño de todo el edificio en su conjunto, con una persona, el espacio circundante y otros edificios. La escala de un edificio no depende del tamaño del edificio, sino de la impresión general que causa en una persona.

4. Claroscuro . Propiedad que revela la distribución de áreas claras y oscuras en la superficie de una forma. Fortalece y facilita la percepción visual de la forma arquitectónica, dándole un aspecto más pintoresco. La iluminación artificial de los volúmenes de los edificios se utiliza a nivel de calles, autopistas y retroiluminación. La luz reflejada en el interior crea la ilusión de ligereza de las formas.

La peculiaridad de la arquitectura como arte es crear la unidad de una composición arquitectónica a partir de una variedad de formas arquitectónicas. La forma más sencilla de crear unidad es darle al volumen del edificio una forma geométrica simple. En un conjunto de edificios complejo, la unidad se logra mediante la subordinación: el volumen principal (centro compositivo) está subordinado a las partes secundarias del edificio. La tectónica es también una herramienta de composición.

Tectónica-estructura estructural artísticamente revelada del edificio.

5. Color . A menudo se utiliza en estructuras arquitectónicas, especialmente en espacios interiores (especialmente en edificios en estilo clásico y barroco). Para interior moderno caracterizado por colores brillantes y claros.

6. Pintura y escultura .Los medios artísticos para crear la unidad compositiva de un edificio incluyen monumentales y Artes Aplicadas, en particular la escultura y la pintura, cuya combinación con la arquitectura se denominó "síntesis de las artes".

7. Naturaleza y edificios circundantes. .La arquitectura tiende al conjunto. Para sus estructuras es importante encajar en el paisaje natural (natural) o urbano (ciudad). Las formas de la arquitectura están determinadas: naturalmente (dependen de las condiciones geográficas y climáticas, de la naturaleza del paisaje, intensidad luz de sol); socialmente (dependiendo del personaje orden social, ideales estéticos, necesidades utilitarias y artísticas de la sociedad).

La arquitectura está estrechamente relacionada con el desarrollo de las fuerzas productivas y la tecnología. Ningún arte requiere tal concentración de esfuerzos colectivos y recursos materiales, por ejemplo: La Catedral de San Isaac fue construida por 500 mil personas durante 40 años.

La trinidad de la arquitectura: utilidad, fuerza, belleza. En otras palabras, estos son los componentes más importantes del conjunto arquitectónico: función, diseño, forma (Vitruvio, siglo I d.C., teórico de la arquitectura romana antigua). La construcción se convirtió en arquitectura cuando los edificios prácticos adquirieron una apariencia estética.

La arquitectura se originó en la antigüedad. En el Antiguo Egipto, se crearon estructuras grandiosas en nombre de propósitos espirituales y religiosos.(tumbas, templos, pirámides). EN Antigua Grecia la arquitectura adquiere un aspecto democrático y los edificios religiosos (templos) ya afirman la belleza y la dignidad del ciudadano griego. Están surgiendo nuevos tipos de edificios públicos: teatros, estadios, escuelas. Y los arquitectos siguen principio humanista La belleza, tal como la formuló Aristóteles: “Lo bello no debe ser ni demasiado grande ni demasiado pequeño”. ". EN Antigua Roma Los arquitectos utilizan ampliamente estructuras abovedadas arqueadas hechas de hormigón. Nuevos tipos de edificios, foros, arcos triunfales y las columnas reflejan las ideas de estadidad y poder militar.. En la Edad Media, la arquitectura se convirtió en la principal y más en forma masiva arte. En las catedrales góticas, orientadas hacia el cielo, se expresaba un impulso religioso hacia Dios y el apasionado sueño terrenal de felicidad del pueblo. . La arquitectura renacentista desarrolla los principios y formas de los clásicos antiguos sobre una nueva base, introduciendo una nueva forma arquitectónica: el clasicismo canoniza. técnicas de composición antigüedad.

La unidad de composición arquitectónica implica la unidad de estilo, que se crea mediante un conjunto de características típicas del arte de una época determinada. El estilo de cada época estuvo influenciado por varios factores: ideológico y vistas esteticas, materiales y técnicas constructivas, nivel de desarrollo productivo, necesidades cotidianas, formas artísticas.

Estilo - la suma de elementos que revelan las características de una época determinada.
Estilo - conjunto históricamente establecido medios artísticos y técnicas que caracterizan los rasgos del arte de una determinada época.
El estilo está presente en todo tipo de arte, pero se forma principalmente en la arquitectura. Estilo arquitectónico se forma durante décadas, o incluso siglos, por ejemplo, en el Antiguo Egipto, el estilo se conservó durante 3 años y, por lo tanto, recibió el nombre canónico (canon (norma, regla): un conjunto de reglas desarrolladas en el proceso de la práctica artística y consagrado en la tradición).

Principios básicos del estilo egipcio, característico de todo el arte del Antiguo Egipto:
- unidad de imágenes e inscripciones jeroglíficas;
- imagen vertical de objetos y personas (los menos significativos se muestran en el plano de arriba);
- imagen línea por línea escenas complejas cinturones horizontales;
- diferentes escalas de figuras, cuyo tamaño depende no de su ubicación en el espacio, sino del significado de cada una de ellas;
- representación de una figura humana como desde diferentes puntos de vista (perfil frontal) - el principio de extender la figura en un plano (cuando la cabeza y las piernas estaban representadas de perfil, y el torso y los ojos al frente).

CALENDARIO Y PLANIFICACIÓN DE CLASES TEMÁTICAS.

Calendario planificación temática Depende de la edad de los estudiantes. La opción ideal es recibir clases en los grados 5(6)-11; para esto está diseñado el programa estatal de Yu A. Solodovnikov y L. N. Predchetenskaya. Es necesario tener en cuenta que las características específicas del trabajo en los niveles medio y superior son diferentes. . Los estudiantes de secundaria ya son capaces de percibir conceptos generalizados contenidos, por ejemplo, en el concepto de estilo, donde predomina el fenómeno del principio “de lo general a lo específico”. Los estudiantes de secundaria, especialmente en los grados 5 y 6, no siempre están preparados para comprender el estilo, es decir, todavía no tienen la capacidad de ver un patrón general en muchos fenómenos específicos. Esta habilidad se desarrolla gradualmente, por lo que en el nivel medio se obtendrán mayores resultados de las lecciones de “inmersión” en cualquier obra, evento, fenómeno, vida o camino creativo autor, por ejemplo, "Mitos de la antigua Grecia", "El nacimiento de la ópera", "El comercio florentino". Estas clases pueden adoptar la forma de dramatizaciones, juegos de negocios, cuestionarios, debates, etc. Al mismo tiempo, los estudiantes reciben información relacionada con personajes específicos, características medios expresivos arte específico. La capacidad de ver detrás de estos momentos “privados” patrones generales ocurre a nivel subconsciente. Pero las imágenes y situaciones específicas se recuerdan bien, vívidamente y durante mucho tiempo.
Posteriormente, los estudiantes que han acumulado experiencia en la comunicación con obras de arte individuales y fenómenos culturales adquieren la capacidad de realizar, formular y expresar un juicio generalizado. Este momento llega cuando el alumno se acerca al noveno grado, o menos frecuentemente al octavo grado. Los estudiantes de octavo y noveno grado tienen percepciones diferentes. 8vo grado - etapa de transición periodo de edad, que se manifiesta de diferentes maneras. En un caso, los alumnos de octavo grado ya están preparados para un nivel de percepción más complejo, en el otro, no. Esta situación la decide el profesor en cada caso concreto.
Si en la escuela se estudia MHC desde el quinto al undécimo grado, entonces un enfoque que consta de dos etapas puede ser el más eficaz. Las lecciones en los grados 5-7(8) son “inmersiones” fascinantes en el mundo de fenómenos específicos de la cultura, el arte, etc., utilizando formas de trabajo activas y prácticas. Esto puede ser puesta en escena, juegos, disputas, uso. programas de computador, Investigación en Internet, trabajo de proyectos, cuestionarios, etc. Al mismo tiempo, se conserva el principio del historicismo: el profesor incluye en la planificación temática trabajos clave y fenómenos culturales que reflejan diversas etapas de su desarrollo. Sería muy bueno si esto se combina con un curso de historia que los estudiantes tomen en paralelo. Posible conexión con lecciones de arte, literatura, música, etc.
El concepto elegido por el profesor como base puede determinar diversos materiales y actividades. Solodovnikov ofrece como principio posible Las organizaciones del sujeto se basan en la mitología. Pero también son posibles otros principios.
Habiendo llegado a la segunda etapa, teniendo conocimiento sobre un fenómeno cultural específico, los estudiantes de los grados 9-11 pueden volver a recorrer este camino, pero desde el punto de vista de estilos, características. imagen artística en una época u otra. Las ideas individuales obtenidas anteriormente se combinan en sistema unificado Las relaciones, causa y efecto se vuelven claras.

Al elaborar un programa para los grados 6 a 8, un maestro puede tomar como base el contenido de la materia optativa. curso MHC Danilova, donde a partir de un vasto y variado material el docente puede elegir lo que más se acerque a él y se ajuste a las condiciones de su trabajo.
Esta opción de planificación también es posible. lecciones de MHC en el nivel medio, cuando el principio concéntrico opera en cada clase, es decir En cada clase, los estudiantes abordan secuencialmente temas relacionados con el arte. Mundo antiguo, Edad Media, Oriente, Rusia, Renacimiento, etc.

como dice leyenda antigua- la pintura surgió de una niña en la antigüedad, cuando delineaba la sombra de su amado hombre en la pared. Bueno, en esta leyenda yace significado profundo, porque el inicio de la pintura estuvo dado precisamente por la necesidad de un retrato de una persona.

Retrato, naturaleza muerta, paisaje, tema: estos son géneros relacionados con la pintura de caballete. ¿Por qué exactamente “pintar de caballete”? Esto se debe a que el nombre proviene de la palabra “máquina”, es decir Esta es una pintura realizada sobre un caballete.

Por cierto, la palabra caballete (de "Malbrett") tiene raíces alemanas y significa "tablero de dibujo".

La pintura de caballete es un tipo de pintura independiente de cualquier objeto y es un arte completamente autónomo. Por ejemplo, hay pintura monumental, que está ligado a estructuras arquitectónicas. Se trata de decorar paredes, techos y otros edificios. Comer pintura decorativa- pintura de vidrios, ropa, vajilla, muebles, etc. Pero la pintura de caballete se percibe como una unidad independiente. Es como una ventana a otra realidad o tiempo.

lo mas artistas famosos Esta pintura es considerada: Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Ivan Aivazovsky, Mikhail Vrubel, Diego Velázquez y otros.

4 géneros principales de pintura de caballete

¡El mundo de la pintura es enorme! Y para diferenciarlo de alguna manera, comenzaron a aparecer géneros de pintura de caballete, que ayudaron a los artistas a navegar en su campo y generalizar las características artísticas.

Interesante! Érase una vez una época en la que cada género tenía su propio rango. Los géneros paisaje y retrato fueron considerados los más bajos, y el género temático de variedad histórica fue el más valorado. Ya entonces, el famoso Voltaire consideraba injustas estas directrices. Para él todos los géneros eran buenos, incluidos los aburridos.

1. Retrato.

Un artista de este género se enfrenta a una tarea difícil. Para pintar un retrato de una persona, es necesario tener experiencia y habilidad madura. Parece que esto es fácil, pero el retrato no sólo debe ser similar al original, sino también estar vivo.

Como dijo Kramskoy, "debe escribirse como si estuviera sonriendo, de lo contrario, no, ahora los labios temblaron, en una palabra, Dios sabe qué, ¡vivo!"

Recuerde, probablemente haya visto retratos que representan a una persona con un parecido exacto. Pero algo andaba mal en él, como si lo hubieran reemplazado. Parecidos, pero no parecidos. ¿Suena familiar?

Esto se debe a que no sólo es necesario dibujar con precisión la forma del rostro de una persona, sino que también es necesario sentir su mundo interior y, mejor aún, conocer bien a la persona. Entonces puedes transferir completamente al lienzo a una persona "viva", lo que se llama personalidad. Puedes convencerte de estas palabras mirando los retratos de Velázquez, Serov, Rembrandt o Repin.

2. Paisaje.

En este género, el artista transmite al espectador la plenitud de experiencias y emociones provenientes de la percepción de la naturaleza: vistas marinas, paisajes, edificios, etc. El artista no solo representa la naturaleza de un lugar determinado, sino que también plasma en la imagen su visión del mundo, su estado de ánimo y sus pensamientos asociados con el objeto.

Interesante! Si recordamos la famosa "Vladimirka" de I. Levitan, la imagen inmediatamente evoca algún sentimiento de dolor, tristeza y pesadez. Pero la pintura representa el camino por el que los prisioneros eran conducidos a trabajos forzados en la época zarista.

Es imposible no mencionar a los maestros del paisaje soviético:

• M. Saryan;
• G. Nissky;
• S. Gerasimov.

3. Trama

Existen 5 subtipos de pintura narrativa: histórica, cotidiana, mitológica, religiosa y de batalla. Este género requiere que el artista restaure la totalidad de los acontecimientos: la atmósfera, la gente, prioridades de vida, tiempo, sentimientos, etc. Es como si el pintor estuviera retomando un fragmento del pasado, pero muy brillante y preciso.

Algunas pinturas de este género pueden ser percibidas fácilmente por una persona. Y otros pueden requerir cierto conocimiento de la zona y atención especial (por ejemplo, pinturas religiosas o mitológicas).

Las subespecies históricas y de batalla están interconectadas. El pintor representa el primer subtipo como si la pintura fuera un portal al pasado, que muestra todos los problemas de esa época: la vida, los prejuicios y las creencias. En el segundo subtipo, el artista intenta transmitir una atmósfera hostil, vida militar, la batalla por la patria, el coraje de los soldados y el patriotismo del pueblo.

En cuanto a las subespecies cotidianas, aquí el maestro centra nuestra atención en las cosas cotidianas en La vida cotidiana para que en la imagen se perciban de una manera nueva e inusual.

Recuerdo a los personajes de Anatoly Kozelsky con una sonrisa: ¡guau, tanto humor e imaginación, increíble!

4. Naturaleza muerta.

Este Palabra francesa significa "naturaleza muerta". Un pintor de este género representa objetos inanimados: comida, interiores, flores, etc. Pero esto no es en modo alguno una repetición ciega de la forma y el color de un objeto; el artista también deja en la imagen sus pensamientos, estados de ánimo y experiencias.

En sus naturalezas muertas "Comida de Moscú. Carne, caza" y "Comida de Moscú. Pan", I. Mashkov transmite su admiración y júbilo por los dones de la naturaleza, así como la actitud de afirmación de la vida y el optimismo que siempre ha caracterizado a la Unión Soviética. gente.

¿Cómo pintan los maestros un cuadro de caballete?

Pintura de caballete clásica: lienzo, óleo o témpera. A veces se utilizan pasteles pinturas de acuarela, gouache e incluso tinta (en Lejano Oriente). Bueno, en ninguna parte sin un buen caballete. Ya han pasado los siglos y sigue siendo el mismo instrumento de tres o cuatro patas.

Por cierto, ¿sabías que en siglos pasados ​​la madera se utilizaba como base para pintar de caballete? En Occidente, los artistas utilizaban papel de arroz, seda y pergamino. Pero ahora, por supuesto, es un lienzo pegado e imprimado.

Históricamente sucedió que los cuadros se pintan con mayor frecuencia al óleo. Las pinturas conservan su brillo y color durante mucho tiempo.

Las pinturas al temple también se utilizan con no menos frecuencia. Se secan uniformemente y no se agrietan (craquelado), como puede ocurrir con algunos pinturas de aceite. La tempera es una técnica estricta y dura. Por ejemplo, para la transición de tonos, el pintor aplica una capa a otra y el volumen se revela cambiando el tono del pigmento o matizando.

Finalmente

¡Un maestro experimentado no toma inmediatamente un pincel y comienza a crear obras maestras! Primero, el artista comienza con un boceto, luego trabaja en los contornos del entorno, las formas de los objetos y la construcción. pintura futura(composición).

Cuando esto está listo, el artista comienza a estudiar a las personas, el entorno, las poses deseadas, la luz, el estado de ánimo psicológico, etc. Todo esto permite al artista armar pintura terminada en su cabeza, después de lo cual comienza a escribir. Sólo así la imagen cobra vida y se convierte en objeto de nuestra admiración.

PAG. S. Algunas palabras sobre la enseñanza de la pintura de caballete.

En Rusia, la formación en pintura de caballete se lleva a cabo en escuela de Arte que lleva el nombre de G.K. Wagner (Ryazan), en el Instituto que lleva el nombre de V. Surikov (Moscú) y en el Instituto que lleva el nombre de E. Repin (San Petersburgo).