Tendencias literarias de la posmodernidad. Postmodernismo en la literatura rusa

En general, se acepta en todo el mundo que el posmodernismo en la literatura es un estilo intelectual especial, cuyos textos están escritos como si estuvieran fuera de tiempo, y donde un cierto héroe (no el autor) verifica sus propias conclusiones, jugando juegos sin compromiso, meterse en diversas situaciones de la vida. Los críticos ven el posmodernismo como una reacción de élite a la comercialización generalizada de la cultura, como una oposición a la cultura general de oropel y brillo baratos. En general, esta es una dirección bastante interesante, y hoy presentamos a su atención las obras literarias más famosas en el estilo mencionado.

10. Samuel Beckett "Molloy, Malone Muere, El Innombrable"

Samuel Beckett es un maestro reconocido del minimalismo abstracto, cuya técnica de pluma nos permite ver objetivamente nuestro mundo subjetivo, teniendo en cuenta la psicología de un personaje individual. El trabajo inolvidable del autor, "Molloy, Malone Dies, The Unnamable", es reconocido como uno de los mejores; por cierto, la traducción se puede encontrar en lib.ru

9. Mark Danilewski "La casa de las hojas"

Este libro es una verdadera obra de arte literario, ya que Danilewski juega no solo con las palabras, sino también con el color de las palabras, combinando información textual y emocional. Las asociaciones causadas por la combinación de colores de varias palabras ayudan a imbuir la atmósfera de este libro, que contiene elementos tanto de mitología como de metafísica. El famoso test de color de Rorschach incitó la idea de colorear las palabras del autor.

8. Kurt Vonnegut "Desayuno de campeones"

Esto es lo que el propio autor dice sobre su libro: “Este libro es mi regalo para mí mismo por mi quincuagésimo cumpleaños. A los cincuenta, estoy tan programado que actúo como un niño; hablando irrespetuosamente del himno estadounidense, dibujando la bandera nazi con un rotulador, y las nalgas, y todo eso.

Creo que esto es un intento de sacar todo de mi cabeza para que quede completamente vacía, como aquel día hace cincuenta años en que aparecí en este planeta muy dañado.

En mi opinión, todos los estadounidenses deberían hacer esto, tanto los blancos como los no blancos que imitan a los blancos. En cualquier caso, otras personas llenaron mi cabeza con todo tipo de cosas: hay muchas cosas inútiles y feas, y una no encaja con la otra y no corresponde en absoluto a la vida real que sucede fuera de mí. fuera de mi cabeza.

7. Jorge Luis Borges "Laberintos"

Es imposible describir este libro sin recurrir a un análisis profundo. En general, esta característica es aplicable a la mayoría de las obras del autor, muchas de las cuales aún esperan una interpretación objetiva.

6. Hunter Thompson "Miedo y asco en Las Vegas"

El libro cuenta la historia de las aventuras de los amantes de las drogas psicotrópicas en Las Vegas. A través de situaciones aparentemente simples, el autor crea una sátira política compleja de su época.

5. Bret Easton Ellis "psicópata americano"

Ningún otro trabajo es capaz de mostrar la vida de un yuppie ordinario de Wall Street. Patrick Bateman, el protagonista de la obra, vive una vida corriente, a la que el autor impone un interesante enfoque para mostrar la realidad no disimulada de tal forma de ser.

4. Joseph Geller "Catch-22"

Esta es probablemente la novela más paradójica que se haya escrito jamás. El trabajo de Geller es ampliamente reconocido y, lo que es más importante, reconocido por la mayoría de los críticos literarios de nuestro tiempo. Es seguro decir que Geller es uno de los más grandes escritores de nuestro tiempo.

3. Thomas Pynchon "El arco iris de la gravedad"

Todos los intentos de describir la trama de esta novela obviamente fracasarán: es una simbiosis de paranoia, cultura pop, sexo y política. Todos estos elementos se fusionan de manera especial, creando una obra literaria insuperable de la nueva era.

2. William Burroughs "Almuerzo desnudo"

Se ha escrito demasiado sobre la influencia de este trabajo en las mentes de nuestro tiempo como para volver a escribir sobre ello. Este trabajo ocupa un lugar digno en el patrimonio literario de los contemporáneos de la época: aquí puede encontrar elementos de ciencia ficción, erótica y novela policíaca. Toda esta mezcla salvaje de alguna manera misteriosa cautiva al lector, obligándolo a leer todo, desde la primera hasta la última página; sin embargo, no es un hecho que el lector comprenda todo esto desde la primera vez.

1. David Foster Wallace "La broma infinita"

Esta obra es un clásico del género, por supuesto, si se puede decir así de la literatura de la posmodernidad. De nuevo, aquí puedes encontrar tristeza y diversión, inteligencia y estupidez, intriga y vulgaridad. La yuxtaposición de dos grandes organizaciones es la trama principal que conduce a la comprensión de algunos factores de nuestras vidas.

En general, estos trabajos son muy difíciles, y esto es lo que los hace extremadamente populares. Me gustaría escuchar de nuestros lectores, que han leído algunos de estos trabajos, reseñas objetivas; tal vez esto permita que otros presten atención a los libros de este género.

Panorama literario de la segunda mitad de los noventa. determinada por la interacción de dos tendencias estéticas: realista, arraigado en la tradición de la historia literaria anterior, y nuevo, posmoderno El posmodernismo ruso como movimiento literario y artístico a menudo se asocia con el período de la década de 1990, aunque de hecho tiene una prehistoria significativa de al menos cuatro décadas. Su surgimiento fue completamente natural y estuvo determinado tanto por las leyes internas del desarrollo literario como por una cierta etapa de conciencia social. El posmodernismo no es tanto estética como filosofía, tipo de pensamiento, una forma de sentir y pensar, que encontró su expresión en la literatura.

La pretensión de universalidad total de la posmodernidad, tanto en el ámbito filosófico como literario, se hizo patente a partir de la segunda mitad de la década de 1990, cuando esta estética y los artistas que la representaban, de parias literarios, se convirtieron en maestros del pensamiento del público lector. , que se había adelgazado mucho en ese momento. Fue entonces cuando Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein, Vladimir Sorokin, Viktor Pelevin, que sorprendieron deliberadamente al lector, fueron presentados en lugar de las figuras clave de la literatura moderna. La impresión de choque de sus obras en una persona criada en la literatura realista está asociada no solo con la parafernalia externa, una violación deliberada de la etiqueta del habla literaria y cultural general (el uso de lenguaje obsceno, la reproducción de la jerga del entorno social más bajo), la eliminación de todos los tabúes éticos (una imagen detallada deliberadamente subestimada de múltiples actos sexuales y manifestaciones fisiológicas antiestéticas), un rechazo fundamental de una motivación realista o al menos de alguna manera racional de vida del personaje o comportamiento del personaje. El impacto de la colisión con las obras de Sorokin o Pelevin fue causado por una comprensión fundamentalmente diferente de la realidad reflejada en ellas; las dudas de los autores sobre la existencia misma de la realidad, el tiempo privado e histórico, la realidad cultural y sociohistórica (novelas "Chapaev y el vacío", "Generación P" de V. O. Pelevin); destrucción deliberada de modelos literarios realistas clásicos, relaciones naturales de causa y efecto racionalmente explicables de eventos y fenómenos, motivaciones para las acciones de los personajes, desarrollo de colisiones en la trama ("Norma" y "Romano" de V. G. Sorokin). En última instancia, una duda sobre la posibilidad de explicaciones racionales del ser. Todo esto fue interpretado a menudo en los periódicos de crítica literaria de las publicaciones tradicionales de orientación realista como una burla al lector, la literatura y el hombre en general. Hay que decir que los textos de estos escritores, llenos de motivos sexuales o fecales, dieron pleno fundamento a tal interpretación crítica. Sin embargo, los críticos severos, sin saberlo, se convirtieron en víctimas de la provocación de los escritores, siguieron el camino de la lectura más obvia, simple y errónea del texto posmodernista.

Respondiendo a numerosos reproches de que no le gustan las personas, que se burla de ellas en sus obras, V. G. Sorokin argumentó que la literatura es “un mundo muerto”, y que las personas representadas en una novela o cuento “no son personas, son solo letras sobre papel”. papel. La declaración del escritor contiene la clave no solo para su comprensión de la literatura, sino también para la conciencia posmoderna en general.

La conclusión es que, en su base estética, la literatura del posmodernismo no solo se opone tajantemente a la literatura realista, sino que tiene una naturaleza artística fundamentalmente diferente. Las corrientes literarias tradicionales, que incluyen el clasicismo, el sentimentalismo, el romanticismo y, por supuesto, el realismo, están de una forma u otra centradas en la realidad, que actúa como sujeto de la imagen. En este caso, la relación del arte con la realidad puede ser muy diferente. Puede estar determinado por el deseo de la literatura de imitar la vida (mímesis aristotélica), de explorar la realidad, de estudiarla desde el punto de vista de los procesos sociohistóricos, típico del realismo clásico, de crear unos modelos ideales de relaciones sociales. (clasismo o realismo de N. G. Chernyshevsky, el autor de la novela "¿Qué hacer?"), influye directamente en la realidad, cambiando a una persona, "moldeándola", dibujando varias máscaras sociales-tipos de su época (realismo socialista). En cualquier caso, la correlación y correlación fundamental de la literatura y la realidad está fuera de toda duda. Exactamente

por lo tanto, algunos estudiosos proponen caracterizar tales movimientos literarios o métodos creativos como primario sistemas estéticos.

La esencia de la literatura posmoderna es completamente diferente. No se fija en absoluto como tarea (al menos así se declara) el estudio de la realidad; además, la correlación misma de la literatura y la vida, la conexión entre ellos se niega en principio (la literatura es "este es un mundo muerto", los héroes son "solo cartas en papel"). En este caso, el sujeto de la literatura no es una genuina realidad social u ontológica, sino la cultura anterior: textos literarios y no literarios de diferentes épocas, percibidos fuera de la jerarquía cultural tradicional, que permite mezclar lo alto y lo bajo, lo sagrado y jerga vernácula, poesía y jerga profana, de alto estilo y semianalfabeta. La mitología, el realismo predominantemente socialista, los discursos incompatibles, los destinos repensados ​​del folclore y los personajes literarios, los clichés y estereotipos cotidianos, la mayoría de las veces irreflexivos, existentes a nivel del inconsciente colectivo, se convierten en el tema de la literatura.

Así, la diferencia fundamental entre el posmodernismo y, digamos, la estética realista es que es secundario un sistema artístico que explora no la realidad, sino ideas pasadas sobre ella, mezclándolas y replanteándolas de manera caótica, extraña y asistemática. El posmodernismo como sistema literario y estético o como método creativo es propenso a profundas autorreflexión Desarrolla su propio metalenguaje, un complejo de conceptos y términos específicos, forma a su alrededor todo un corpus de textos que describen su vocabulario y gramática. En este sentido, aparece como una estética normativa, en la que la obra de arte misma es precedida por las normas teóricas de su poética previamente formuladas.

Los fundamentos teóricos del posmodernismo se establecieron en la década de 1960. entre los científicos franceses, los filósofos posestructuralistas. El nacimiento del posmodernismo está iluminado por la autoridad de Roland Barthes, Jacques Derrida, Yulia Kristeva, Gilles Deleuze, Jean Francois Lyotard, quienes crearon una escuela científico estructural-semiótica en Francia a mediados del siglo pasado, que predeterminó el nacimiento y expansión de todo un movimiento literario tanto en la literatura europea como en la rusa. El posmodernismo ruso es un fenómeno bastante diferente del europeo, pero la base filosófica del posmodernismo se creó en ese momento y, sin embargo, el posmodernismo ruso no habría sido posible sin él, al igual que el europeo. Por eso, antes de pasar a la historia de la posmodernidad rusa, es necesario detenerse en sus términos y conceptos básicos desarrollados hace casi medio siglo.

Entre las obras que sientan las bases de la conciencia posmoderna, es necesario destacar los artículos de R. Barth "Muerte de un autor"(1968) y Y. Kristeva "Bakhtin, palabra, diálogo y novela"(1967). Fue en estas obras donde se introdujeron y fundamentaron los conceptos básicos del posmodernismo: el mundo como texto, la muerte del Autor y el nacimiento de un lector, guionista, intertexto y intertextualidad. En el corazón de la conciencia posmoderna se encuentra la idea de la integridad fundamental de la historia, que se manifiesta en el agotamiento de los potenciales creativos de la cultura humana, la integridad de su círculo de desarrollo. Todo lo que es ahora ya ha sido y será, la historia y la cultura se mueven en un círculo, en esencia, condenado a la repetición y al paso del tiempo. Lo mismo sucede con la literatura: todo ya está escrito, es imposible crear algo nuevo, el escritor moderno está, de cualquier manera, condenado a repetir e incluso citar los textos de sus predecesores lejanos y cercanos.

Es esta actitud de cultura la que motiva la idea muerte del Autor. Según los teóricos de la posmodernidad, el escritor moderno no es el autor de sus libros, porque todo lo que puede escribir fue escrito antes que él, mucho antes. Sólo puede citar, voluntaria o involuntariamente, consciente o inconscientemente, textos anteriores. En esencia, el escritor moderno es solo un compilador de textos creados previamente. Por lo tanto, en la crítica posmodernista, "el autor se vuelve más pequeño en estatura, como una figura en las profundidades mismas de la escena literaria". Los textos literarios modernos crean guionista(Inglés - guionista), recopilando sin miedo los textos de épocas anteriores:

"Su mano<...>hace un gesto puramente descriptivo (y no expresivo) y esboza un determinado campo de signos que no tiene un punto de partida -en todo caso, sólo procede del lenguaje como tal- y pone en duda incansablemente cualquier idea de punto de partida. punto.

Aquí nos encontramos con la presentación fundamental de la crítica posmoderna. La muerte del Autor pone en entredicho el contenido mismo del texto, saturado del sentido del autor. Resulta que el texto inicialmente no puede tener ningún significado. Es "un espacio multidimensional donde se combinan y discuten varios tipos de escritura, ninguna de las cuales es original; el texto se teje a partir de citas referidas a miles de fuentes culturales", y el escritor (es decir, el guionista) "solo puede imitar para siempre lo que se ha escrito antes y no se ha escrito por primera vez". Esta tesis de Barth es el punto de partida para tal concepto de estética posmoderna como intertextualidad:

“… Cualquier texto se construye como un mosaico de citas, cualquier texto es producto de la absorción y transformación de algún otro texto”, escribió Y. Kristeva, fundamentando el concepto de intertextualidad.

Al mismo tiempo, una infinidad de fuentes “absorbidas” por la prueba pierden su significado original, si es que alguna vez lo tuvieron, entablan entre sí nuevas conexiones semánticas, que sólo lector. Una ideología similar caracterizó a los postestructuralistas franceses en general:

“El escritor que sustituyó al Autor no lleva en sí mismo pasiones, estados de ánimo, sentimientos o impresiones, sino tan sólo un diccionario tan inmenso del que extrae su letra, que no conoce parada; la vida sólo imita al libro, y el libro mismo está tejido de los signos, imita él mismo algo ya olvidado, y así hasta el infinito.

Pero, ¿por qué, al leer una obra, nos convencemos de que todavía tiene un significado? Porque no es el autor quien le da sentido al texto, sino lector. Con lo mejor de su talento, reúne todos los principios y finales del texto, dándole así su propio significado. Por tanto, uno de los postulados de la cosmovisión posmoderna es la idea múltiples interpretaciones de la obra, cada uno de los cuales tiene derecho a existir. Así, la figura del lector, su significación, aumenta inmensamente. El lector que da sentido a la obra, por así decirlo, ocupa el lugar del autor. La muerte de un Autor es el pago de la literatura por el nacimiento de un lector.

En esencia, otros conceptos del posmodernismo también se basan en estas disposiciones teóricas. Asi que, sensibilidad posmoderna implica una crisis total de fe, la percepción del mundo por parte del hombre moderno como un caos, donde todas las orientaciones semánticas y de valor originales están ausentes. intertextualidad, sugerir una combinación caótica de códigos, signos, símbolos de textos anteriores en el texto, conduce a una forma posmoderna especial de parodia: pastiche expresando una total ironía posmoderna sobre la posibilidad misma de la existencia de un único significado fijo de una vez por todas. Simulacro se convierte en un signo que no significa nada, un signo de una simulación de la realidad, no correlacionada con ella, sino sólo con otros simulacros, que crean un mundo posmoderno irreal de simulaciones e inautenticidades.

La base de la actitud posmoderna hacia el mundo de la cultura anterior es su deconstrucción Este concepto se asocia tradicionalmente al nombre de J. Derrida. El término en sí, que incluye dos prefijos de significado opuesto ( Delaware- destrucción y estafa - creación) denota dualidad en relación con el objeto de estudio - texto, discurso, mitogema, cualquier concepto del subconsciente colectivo. La operación de deconstrucción implica la destrucción del significado original y su creación simultánea.

"El significado de la deconstrucción<...>consiste en revelar la inconsistencia interna del texto, en descubrir en él ocultos e inadvertidos no sólo para un lector inexperto, "ingenuo", sino también para eludir al propio autor ("dormido", en palabras de Jacques Derrida) significados residuales heredados de discurso, de lo contrario, prácticas discursivas del pasado, consagradas en el lenguaje en forma de estereotipos mentales inconscientes, que, a su vez, se transforman de manera inconsciente e independiente del autor del texto bajo la influencia de los clichés lingüísticos de la época. .

Ahora queda claro que el mismo período editorial, que reunió simultáneamente diferentes épocas, décadas, orientaciones ideológicas, preferencias culturales, la diáspora y la metrópoli, escritores que ahora viven y que fallecieron hace cinco o siete décadas, creó la terreno de la sensibilidad posmoderna, páginas de revista impregnadas de evidente intertextualidad. Fue bajo estas condiciones que se hizo posible la expansión de la literatura posmodernista de la década de 1990.

Sin embargo, en ese momento, el posmodernismo ruso tenía una cierta tradición histórica y literaria que se remontaba a la década de 1960. Por razones obvias, hasta mediados de los 80. fue un fenómeno marginal, subterráneo, catacumbo de la literatura rusa, tanto literal como figurativamente. Por ejemplo, el libro Walks with Pushkin (1966-1968) de Abram Tertz, que se considera una de las primeras obras del posmodernismo ruso, fue escrito en prisión y enviado a la libertad bajo la apariencia de cartas a su esposa. Una novela de Andrey Bitov "Casa Pushkin"(1971) estuvo a la par con el libro de Abram Tertz. Estas obras fueron reunidas por un tema común de la imagen: la literatura clásica rusa y los mitogemas, generados por más de un siglo de tradición de su interpretación. Fueron ellos quienes se convirtieron en objeto de la deconstrucción posmoderna. A. G. Bitov escribió, según su propia admisión, "el anti-libro de texto de la literatura rusa".

En 1970, se creó un poema de Venedikt Erofeev. "Moscú - Petushki", que da un poderoso impulso al desarrollo del posmodernismo ruso. Mezclando cómicamente muchos discursos de la cultura rusa y soviética, sumergiéndolos en la situación cotidiana y del habla de un alcohólico soviético, Erofeev parecía estar siguiendo el camino del posmodernismo clásico. Combinando la antigua tradición de la necedad rusa, la cita abierta o encubierta de textos clásicos, fragmentos de las obras de Lenin y Marx memorizados en la escuela con la situación vivida por el narrador en un tren suburbano en estado de grave embriaguez, consiguió tanto el efecto del pastiche y la riqueza intertextual de la obra, poseyendo una inagotabilidad semántica verdaderamente ilimitada, sugiriendo una pluralidad de interpretaciones. Sin embargo, el poema "Moscú - Petushki" mostró que el posmodernismo ruso no siempre se correlaciona con el canon de una tendencia occidental similar. Erofeev rechazó fundamentalmente el concepto de la muerte del Autor. Fue la visión del autor-narrador la que formó en el poema un punto de vista único sobre el mundo, y el estado de embriaguez, por así decirlo, sancionó la ausencia total de la jerarquía cultural de las capas semánticas incluidas en él.

El desarrollo del posmodernismo ruso en las décadas de 1970 y 1980 fue principalmente en línea con conceptualismo. Genéticamente, este fenómeno se remonta a la escuela poética "Lianozovo" de finales de la década de 1950, a los primeros experimentos de V. N. Nekrasov. Sin embargo, como fenómeno independiente dentro del posmodernismo ruso, el conceptualismo poético de Moscú tomó forma en la década de 1970. Uno de los fundadores de esta escuela fue Vsevolod Nekrasov, y los representantes más destacados fueron Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein y, un poco más tarde, Timur Kibirov.

La esencia del conceptualismo fue concebida como un cambio radical en el sujeto de la actividad estética: una orientación no a la imagen de la realidad, sino al conocimiento del lenguaje en sus metamorfosis. Al mismo tiempo, el discurso y los clichés mentales de la era soviética resultaron ser objeto de una deconstrucción poética. Fue una reacción estética al realismo socialista tardío, muerto y anquilosado, con sus gastadas fórmulas e ideologemas, consignas y textos propagandísticos sin sentido. Fueron pensados ​​como conceptos, cuya deconstrucción fue llevada a cabo por los conceptualistas. El "yo" del autor estaba ausente, disuelto en "citas", "voces", "opiniones". En esencia, el lenguaje de la era soviética fue objeto de una deconstrucción total.

Con particular evidencia, la estrategia del conceptualismo se manifestó en la práctica creativa Dmitry Alexandrovich Prigov(1940-2007), creador de muchos mitos (incluido el mito de sí mismo como un Pushkin moderno), parodiando las ideas soviéticas sobre el mundo, la literatura, la vida cotidiana, el amor, la relación entre el hombre y el poder, etc. En su obra, los ideologemas soviéticos sobre el Gran Trabajo, el Poder omnipotente (la imagen de Militsaner) fueron transformados y profanados posmodernistamente. Imágenes de máscara en los poemas de Prigov, "la sensación parpadeante de la presencia - ausencia del autor en el texto" (L. S. Rubinshtein) resultó ser una manifestación del concepto de la muerte del Autor. La cita paródica, la eliminación de la oposición tradicional de lo irónico y lo serio determinó la presencia del pastiche posmodernista en la poesía y, por así decirlo, reprodujo las categorías de la mentalidad del "hombrecito" soviético. En los poemas "Aquí vuelan las grullas con una franja escarlata...", "Encontré un número en mi mostrador...", "Aquí voy a freír un pollo..." transmitían los complejos psicológicos del héroe, descubrió un cambio en las proporciones reales de la imagen del mundo. Todo esto fue acompañado por la creación de cuasi-géneros de la poesía de Prigov: "filósofos", "pseudo-versos", "pseudo-obituario", "opus", etc.

en creatividad Lev Semenovich Rubinstein(n. 1947) se realizó una "versión más dura del conceptualismo" (M. N. Epshtein). Escribió sus poemas en tarjetas separadas, mientras que un elemento importante de su trabajo se convirtió en actuación - presentación de poemas, actuación de su autor. Sosteniendo y clasificando las tarjetas en las que estaba escrita la palabra, solo una línea poética, no se escribió nada, él, por así decirlo, enfatizó el nuevo principio de la poética: la poética de los "catálogos", los "archivos de tarjetas" poéticos. La tarjeta se convirtió en una unidad elemental de texto, conectando poesía y prosa.

"Cada carta", dijo el poeta, "es a la vez un objeto y una unidad universal de ritmo, nivelando cualquier gesto del habla, desde un mensaje teórico detallado hasta una interjección, desde una dirección escénica hasta un fragmento de una conversación telefónica. Un paquete de cards es un objeto, un volumen, NO es un libro, es una creación de la existencia “extra-Gutenberg” de la cultura verbal.

Un lugar especial entre los conceptualistas lo ocupa Timur Yurievich Kibirov(n. 1955). Utilizando los métodos técnicos del conceptualismo, llega a una interpretación del pasado soviético diferente a la de sus camaradas mayores en el taller. Podemos hablar de una especie sentimentalismo crítico Kibirov, que se manifestó en poemas como "Al artista Semyon Faibisovich", "Solo di la palabra "Rusia"...", "Veinte sonetos a Sasha Zapoeva". Los temas y géneros poéticos tradicionales no están sujetos en absoluto a la deconstrucción total y destructiva de Kibirov. Por ejemplo, él desarrolla el tema de la creatividad poética en sus poemas: mensajes amistosos a "L. S. Rubinshtein", "Amor, Komsomol y Primavera. D. A. Prigov", etc. En este caso, no se puede hablar de la muerte del autor. : la actividad del autor "se manifiesta en el peculiar lirismo de los poemas y poemas de Kibirov, en su colorido tragicómico. Su poesía encarnó la visión del mundo de un hombre al final de la historia, que se encuentra en una situación de vacío cultural y lo padece ("Proyecto de respuesta a Gugolev").

La figura central del posmodernismo ruso moderno puede considerarse Vladímir Georgievich Sorokin(n. 1955). El inicio de su obra, acaecido a mediados de la década de 1980, vincula firmemente al escritor con el conceptualismo. Esta conexión no la perdió en sus obras posteriores, aunque la etapa actual de su obra, por supuesto, es más amplia que el canon conceptualista. Sorokin es un gran estilista; el tema de la representación y la reflexión en su obra es precisamente estilo - tanto la literatura clásica rusa como la soviética. L. S. Rubinshtein describió con mucha precisión la estrategia creativa de Sorokin:

"Todas sus obras -diversas temáticas y géneros- están construidas, en esencia, sobre la misma técnica. Designaría esta técnica como "histeria de estilo". Sorokin no describe las llamadas situaciones de la vida: lenguaje (principalmente lenguaje literario), su estado y movimiento en el tiempo es el único drama (genuino) que ocupa la literatura conceptual<...>El lenguaje de sus obras.<...>como si se volviera loco y comenzara a comportarse de manera inapropiada, que de hecho es la adecuación de un orden diferente. Es tan ilegal como lícito".

De hecho, la estrategia de Vladimir Sorokin consiste en un choque despiadado de dos discursos, dos lenguajes, dos capas culturales incompatibles. El filósofo y filólogo Vadim Rudnev describe esta técnica de la siguiente manera:

"La mayoría de las veces, sus historias se construyen de acuerdo con el mismo esquema. Al principio, hay un texto de Sotsart paródico ordinario, un poco demasiado jugoso: una historia sobre una cacería, una reunión de Komsomol, una reunión del comité del partido, pero de repente sucede completamente inesperado y desmotivado<...>un avance hacia algo terrible y terrible que, según Sorokin, es la realidad real. Como si Pinocho perforara un lienzo con un hogar pintado con la nariz, pero no encontrara allí una puerta, sino algo parecido a lo que se muestra en las películas de terror modernas.

Los textos de V. G. Sorokin comenzaron a publicarse en Rusia solo en la década de 1990, aunque comenzó a escribir activamente 10 años antes. A mediados de la década de 1990 se publicaron las principales obras del escritor, creado en la década de 1980. y ya conocidas en el extranjero: las novelas "Cola" (1992), "Norma" (1994), "El trigésimo amor de Marina" (1995). En 1994, Sorokin escribió la historia "Hearts of Four" y la novela "Roman". Su novela "Blue Fat" (1999) obtiene una fama bastante escandalosa. En 2001, se publicó una colección de nuevos cuentos "Feast", y en 2002, la novela "Ice", donde el autor supuestamente rompe con el conceptualismo. Los libros más representativos de Sorokin son Roman y Feast.

literatura posmoderna

Término "literatura posmoderna" describe los rasgos característicos de la literatura de la segunda mitad del siglo XX (fragmentación, ironía, humor negro, etc.), así como la reacción a las ideas de la Ilustración inherentes a la literatura modernista.

El posmodernismo en la literatura, así como el posmodernismo en general, es difícil de definir: no existe una opinión inequívoca sobre las características exactas del fenómeno, sus límites y su significado. Pero, como ocurre con otros estilos artísticos, la literatura posmoderna puede describirse comparándola con el estilo anterior. Por ejemplo, al negar la búsqueda modernista de significado en un mundo caótico, el autor de una obra posmodernista evita, a menudo de manera lúdica, la posibilidad misma de significado, y su novela es a menudo una parodia de esta búsqueda. Los escritores posmodernos anteponen el azar al talento y, a través de la autoparodia y la metaficción, cuestionan la autoridad y el poder del autor. También se cuestiona la existencia de una diferencia entre el arte elevado y el de masas, que el autor posmodernista desdibuja al utilizar el pastiche y combinar temas y géneros que antes se consideraban no aptos para la literatura.

Origen

Influencias significativas

Los autores posmodernos señalan que algunas obras de la literatura clásica influyeron en sus experimentos con la narrativa y la estructura: estos son Don Quijote, 1001 y Night, The Decameron, Candide y otros Shandy, Gentleman (1759), con su fuerte énfasis en la parodia y la la experimentación con la narración de cuentos, a menudo se cita como un precursor temprano del posmodernismo. La literatura del siglo XIX también contiene ataques a las ideas, parodias y juegos literarios de la Ilustración, incluida la sátira de Byron (especialmente su "Don Juan"); "Sartor Resartus" de Thomas Carlyle, "King Uby" de Alfred Jarry y su propia patafísica; La obra de Lewis Carroll experimenta con significados y significados; obras de Lautreamont, Arthur Rimbaud, Oscar Wilde. Los dramaturgos activos a fines del siglo XIX y principios del XX que influyeron en la estética posmoderna incluyeron al sueco August Strindberg, el italiano Luigi Pirandello y el dramaturgo y teórico alemán Bertolt Brecht. A principios del siglo XX, los artistas dadaístas comenzaron a glorificar el azar, la parodia, el chiste y fueron los primeros en desafiar la autoridad del artista. Tristan Tzara argumentaba en el artículo "Por un poema dadaísta": para hacerlo, solo necesitas escribir palabras al azar, ponerlas en un sombrero y sacarlas una por una. La influencia dadaísta en la posmodernidad también se manifestó en la creación de collages. El artista Max Ernst utilizó en su trabajo recortes publicitarios e ilustraciones de novelas populares. Los artistas surrealistas, sucesores de los dadaístas, continuaron experimentando con el azar y la parodia, celebrando las actividades del subconsciente. André Breton, el fundador del surrealismo, argumentó que la escritura automática y la descripción de los sueños deberían desempeñar un papel fundamental en la creación de la literatura. En la novela Nadia, utilizó la escritura automática, así como fotografías, con las que reemplazó las descripciones, superando así irónicamente a los novelistas demasiado prolijos. Los experimentos con los significados del artista surrealista René Magritte fueron abordados en sus obras por los filósofos posmodernistas Jacques Derrida y Michel Foucault. Foucault recurrió a menudo a Jorge Luis Borges, un escritor que tuvo un impacto significativo en la literatura posmoderna. A veces se considera a Borges un posmodernista, aunque comenzó a escribir en la década de 1920. Sus experimentos con los recursos de la metaficción y el realismo mágico solo fueron apreciados con el advenimiento del posmodernismo.

Comparación con la literatura modernista

Tanto la corriente modernista como la posmodernista en la literatura rompen con el realismo del siglo XIX. En la construcción del carácter, estas direcciones son subjetivas, se alejan de la realidad externa al estudio de los estados internos de conciencia, utilizando la "corriente de conciencia" (una técnica llevada a la perfección en las obras de los escritores modernistas Virginia Woolf y James Joyce) o combinando letras y filosofía en "poesía exploratoria" como The Waste Land de Thomas Eliot. La fragmentación -en la estructura de la narrativa y los personajes- es otra característica común de la literatura moderna y posmoderna. The Waste Land se cita a menudo como un ejemplo límite entre la literatura modernista y posmodernista. La fragmentación del poema, partes del cual no están formalmente conectadas entre sí, el uso del pastiche lo acercan a la literatura posmoderna, sin embargo, el narrador de La tierra baldía dice que “estos fragmentos los he apuntalado contra mis ruinas”. En la literatura modernista, la fragmentación y la subjetividad extrema reflejan una crisis existencial o un conflicto interior freudiano, un problema que necesita ser resuelto, y el artista es muchas veces quien puede y debe hacerlo. Los posmodernistas, sin embargo, muestran lo insuperable de este caos: el artista está indefenso y el único refugio de las "ruinas" es jugar entre el caos. La forma de juego está presente en muchas obras modernistas (en Finnegans Wake de Joyce, en Orlando de Virginia Woolf, por ejemplo), que pueden parecer muy cercanas al posmodernismo, pero en este último la forma de juego se vuelve central y el logro real del orden. y el significado es indeseable.

El erudito literario Brian McHale, hablando de la transición del modernismo al posmodernismo, señala que las cuestiones epistemológicas están en el centro de la literatura modernista, mientras que los posmodernistas están interesados ​​principalmente en cuestiones ontológicas.

Transición al posmodernismo

Como en el caso de otras épocas, no hay fechas exactas que puedan marcar el auge y la caída de la popularidad del posmodernismo. El año 1941, en el que murieron el escritor irlandés James Joyce y la escritora inglesa Virginia Woolf, a veces se cita como un límite aproximado para el comienzo del posmodernismo.

El prefijo "post-" indica no solo oposición al modernismo, sino también continuidad en relación con él. El posmodernismo es una reacción al modernismo (y los resultados de su era), que siguió a la Segunda Guerra Mundial con su irrespeto a los derechos humanos, recién aprobado por la Convención de Ginebra, después de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki, los horrores de los campos de concentración y el Holocausto, el bombardeo de Dresde y Tokio. También se puede considerar una reacción a otros eventos de la posguerra: el comienzo de la Guerra Fría, el movimiento de derechos civiles de EE. UU., el poscolonialismo, el advenimiento de la computadora personal (cyberpunk y literatura hipertexto).

Se puede intentar indicar el comienzo del posmodernismo literario a través de publicaciones y eventos significativos en la literatura. Algunos investigadores citan entre ellos el estreno de "Cannibal" de John Hawkes (1949), la primera representación de la obra "Waiting for Godot" (1953), la primera publicación de "Scream" (1956) o "Naked Lunch" (1959). ). Los acontecimientos de la crítica literaria también pueden servir como punto de partida: la conferencia "Estructura, signo y juego" de Jacques Derrida en 1966 o el ensayo "Desmembramiento de Orfeo" de Ihab Hassan en 1971.

Período de posguerra y cifras clave

Aunque el término "literatura posmoderna" no se refiere a todo lo escrito en el período posmoderno, algunas corrientes de la posguerra (como el teatro del absurdo, los beatniks y el realismo mágico) comparten similitudes significativas. Estas corrientes a veces se denominan colectivamente posmodernismo, ya que las figuras clave de estas corrientes (Samuel Beckett, William Burroughs, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar y Gabriel García Márquez) hicieron contribuciones significativas a la estética del posmodernismo.

Las obras de Jarry, los surrealistas, Antonin Artaud, Luigi Pirandello y otros escritores de la primera mitad del siglo XX, a su vez, influyeron en los dramaturgos del teatro del absurdo. El término Teatro del Absurdo fue acuñado por Martin Esslin para describir el movimiento teatral de la década de 1950; se basó en el concepto del absurdo de Albert Camus. Las obras del teatro del absurdo son en muchos sentidos paralelas a la prosa posmodernista. Por ejemplo, The Bald Singer de Eugene Ionesco es, de hecho, un conjunto de clichés de un libro de texto de inglés. Una de las figuras más importantes que se clasifican como absurdos y posmodernistas es Samuel Beckett. Sus obras a menudo se consideran una transición del modernismo al posmodernismo. Beckett estuvo estrechamente relacionado con el modernismo a través de su amistad con James Joyce; sin embargo, fue su obra la que ayudó a la literatura a superar el modernismo. Joyce, una de las representantes del modernismo, glorificó las habilidades del lenguaje; Beckett decía en 1945 que para salir de la sombra de Joyce debía centrarse en la pobreza del lenguaje, abordar el tema del hombre como un malentendido. Su trabajo posterior muestra personajes atrapados en situaciones desesperadas, tratando de comunicarse entre sí y dándose cuenta de que lo mejor que pueden hacer es jugar. El investigador Hans-Peter Wagner escribe:

Más relacionado con lo que él consideraba las imposibilidades de la literatura (la individualidad de los personajes, la certeza de la conciencia, la confiabilidad del lenguaje mismo y la división de la literatura en géneros), la experimentación de Beckett con la forma y la desintegración de la narrativa y el personaje en prosa y dramaturgia ganó él el Premio Nobel de Literatura de 1969. Sus escritos publicados después de 1969 son, en su mayor parte, esfuerzos metaliterarios para ser leídos a la luz de sus propias teorías y escritos anteriores; son intentos de deconstruir formas y géneros literarios. ‹…› El último texto de Beckett publicado en vida, Stirrings in Still (1988), desdibuja los límites entre drama, prosa y poesía, entre los propios textos de Beckett, estando compuesto casi en su totalidad por ecos y repeticiones de su obra anterior. ‹…› Sin duda fue uno de los padres del movimiento posmoderno en prosa, que sigue sacudiendo las ideas de secuencia narrativa lógica, trama formal, secuencia temporal regular y personajes psicológicamente explicables.

Fronteras

El posmodernismo en la literatura no es un movimiento organizado con líderes y figuras clave; por esta razón, es mucho más difícil decir si ha terminado o si terminará (como, por ejemplo, el modernismo terminó con la muerte de Joyce y Woolf). Quizás el posmodernismo alcanzó su apogeo en las décadas de 1960 y 1970, cuando Catch-22 (1961), Lost in the Fun Room de John Bart (1968), Slaughterhouse Five (1969), Rainbow gravity” de Thomas Pynchon (1973) y otros. apuntan a la muerte del posmodernismo en la década de 1980, cuando apareció una nueva ola de realismo, introducida por Raymond Carver y sus seguidores. Tom Wolfe, en el artículo de 1989 "Hunting the Billion-Legged Monster", anuncia un nuevo énfasis en el realismo en prosa para reemplazar el posmodernismo. Con este nuevo enfoque en mente, algunos han llamado White Noise (1985) y The Satanic Verses (1988) de Don DeLillo como las últimas grandes novelas de la era posmoderna.

Sin embargo, una nueva generación de escritores en todo el mundo continúa escribiendo, si no un nuevo capítulo de posmodernismo, algo que podría llamarse posposmodernismo.

Temas Generales y Técnicas

Ironía, juego, humor negro

La erudita literaria canadiense Linda Hutcheon llama a la prosa posmoderna "comillas irónicas" porque gran parte de esta literatura es paródica e irónica. Esta ironía, así como el humor negro y la forma lúdica (asociada con el concepto de juego de Derrida y las ideas expresadas por Roland Barthes en El placer del texto) son las características más reconocibles del posmodernismo, aunque los modernistas fueron los primeros en utilizarlas.

Muchos escritores posmodernos estadounidenses fueron clasificados por primera vez como "humoristas negros": estos fueron John Bart, Joseph Heller, William Gaddis, Kurt Vonnegut, etc. Es típico que los posmodernistas traten temas serios de una manera lúdica y humorística: por ejemplo, Heller , Vonnegut y Pynchon hablan sobre los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Thomas Pynchon a menudo usa juegos de palabras ridículos dentro de un contexto serio. Así, en su "Screaming Lot 49" hay personajes llamados Mike Fallopiev y Stanley Koteks, y también se menciona la emisora ​​de radio KCUF, mientras que el tema de la novela es serio y él mismo tiene una estructura compleja.

intertextualidad

Dado que el posmodernismo representa la idea de un universo descentrado en el que la obra de un individuo no es una creación aislada, la intertextualidad tiene una gran importancia en la literatura del posmodernismo: la relación entre textos, la inevitable inclusión de alguno de ellos en el contexto. de la literatura mundial. Los críticos del posmodernismo ven esto como una falta de originalidad y una dependencia de los clichés. La intertextualidad puede ser una referencia a otra obra literaria, una comparación con ella, puede provocar su larga discusión o tomar prestado el estilo. En la literatura posmoderna, las referencias a los cuentos de hadas y los mitos (véanse las obras de Margaret Atwood, Donald Barthelemy y otros) juegan un papel importante, así como a géneros populares como la ciencia ficción o la novela policiaca. Un giro temprano a la intertextualidad en el siglo XX que influyó en los posmodernos posteriores es el cuento de Borges "Pierre Ménard, autor del Quijote", cuyo protagonista reescribe el Quijote de Cervantes, un libro que a su vez deriva de la tradición de los romances medievales. Los posmodernistas a menudo se refieren a Don Quijote (ver, por ejemplo, la novela de Kathy Acker Don Quijote: Which Was a Dream). Otro ejemplo de intertextualidad en el posmodernismo es Dope Dealer de John Barth, en referencia al poema del mismo nombre de Ebenezer Cook. A menudo, la intertextualidad adopta una forma más compleja que una sola referencia a otro texto. Pinocho en Venecia de Robert Coover conecta a Pinocho con Muerte en Venecia de Thomas Mann. El nombre de la rosa de Umberto Eco toma la forma de una novela policiaca y hace referencia a textos de Aristóteles, Arthur Conan Doyle y Borges.

pastiche

Metaficción

metaficción histórica

Linda Khachen acuñó el término "metaficción histórica" ​​para referirse a obras en las que se piensan y cambian hechos y figuras reales; ejemplos notables son El general en su laberinto de Gabriel Márquez (sobre Simón Bolívar), El loro de Flaubert de Julian Barnes (sobre Gustave Flaubert) y Ragtime de E. L. Doctorow, que presenta figuras históricas como Harry Houdini, Henry Ford, el archiduque Franz Ferdinand, Booker T. Washington, Sigmund Freud, Carl Jung. Mason and Dixon de Thomas Pynchon también utiliza esta técnica; por ejemplo, hay una escena en el libro donde George Washington fuma marihuana. John Fowles hace lo mismo con la época victoriana en La mujer del teniente francés.

Distorsión temporal

La fragmentación y la narrativa no lineal son las características principales de la literatura tanto moderna como posmoderna. La distorsión temporal se usa en varias formas en la literatura posmoderna, a menudo para agregar un toque de ironía. Las distorsiones del tiempo aparecen en muchas de las novelas no lineales de Kurt Vonnegut; el ejemplo más famoso es el "fuera de tiempo" Billy Pilgrim de Slaughterhouse Five. En el cuento "Nanny" de Robert Coover de la colección "Pricksongs & Descants", el autor muestra varias versiones del evento que ocurren simultáneamente: en una versión, la niñera es asesinada, en otra, no le sucede nada, etc. las versiones de la historia no es la única correcta.

realismo mágico

Tecnocultura e hiperrealidad

Paranoia

Maximalismo

La sensibilidad posmoderna exige que el trabajo de parodia parodie la idea misma de la parodia, y que la narrativa sea consistente con lo que se está representando (es decir, la sociedad de la información moderna), que se expande y se fragmenta.

Algunos críticos, como B. R. Myers, culpan a las novelas maximalistas de escritores como Dave Eggers por su falta de estructura, la esterilidad del lenguaje, el juego del lenguaje por jugar y la falta de implicación emocional del lector. Todo esto, en su opinión, reduce a cero el valor de tal novela. Sin embargo, hay ejemplos de novelas contemporáneas donde la narración posmoderna coexiste con la implicación emocional del lector: Mason and Dixon de Pynchon y La broma infinita de D. F. Wallace.

minimalismo

El minimalismo literario se caracteriza por una descriptividad superficial, gracias a la cual el lector puede tomar parte activa en la narración. Los personajes de las obras minimalistas tienden a no tener rasgos distintivos. El minimalismo, a diferencia del maximalismo, representa solo las cosas básicas más necesarias; la economía de palabras es específica para él. Los autores minimalistas evitan adjetivos, adverbios y detalles sin sentido. El autor, en lugar de describir cada detalle y minuto de la historia, da solo el contexto principal, ofreciendo la imaginación del lector para "terminar" la historia. Muy a menudo, el minimalismo se asocia con el trabajo de Samuel Beckett.

Varias vistas

El escritor posmoderno John Barth, quien habló extensamente sobre el fenómeno del posmodernismo, escribió un ensayo en 1967, "A Literature of Exhaustion"; en 1979 publicó un nuevo ensayo, "Literatura de reposición", en el que aclaraba su artículo anterior. "Literature of Exhaustion" trataba sobre la necesidad de una nueva era en la literatura después de que el modernismo se hubiera agotado. En Literatura Complementaria, Barthes escribió:

“A mi entender, el escritor posmoderno ideal no copia ni rechaza a sus padres del siglo XX ni a sus abuelos del XIX. Lleva la primera mitad del siglo no en la joroba, sino en el estómago: logró digerirla. ‹…› Puede que no espere sacudir a los fanáticos de James Michener e Irving Wallace, sin mencionar a los ignorantes lobotomizados por la cultura de masas. Pero debe tener la esperanza de poder penetrar y cautivar (al menos algún día) a cierta capa del público, más amplia que el círculo de aquellos a quienes Mann llamó los primeros cristianos, es decir, que el círculo de ministros profesionales del arte elevado. . ‹…› La novela ideal del posmodernismo debe elevarse de algún modo por encima de la lucha entre realismo e irrealismo, formalismo y contentismo, arte puro versus prosa sesgada, elitista versus prosa de masas. ‹…› Según tengo entendido, aquí es apropiada una comparación con el buen jazz o la música clásica. Escuchando repetidamente, siguiendo la partitura, te das cuenta de lo que se deslizó la primera vez. Pero esta primera vez debería ser tan asombrosa -y no solo a los ojos de un especialista- que querrás repetirla.

Muchas novelas posmodernas tratan sobre la Segunda Guerra Mundial. Uno de los ejemplos más famosos es Catch-22 de Joseph Heller. Sin embargo, Heller argumentó que su novela, como muchas otras obras estadounidenses de la época, estaba más conectada con la situación de posguerra en el país:

“El sentimiento contra la guerra y el gobierno en el libro proviene del período posterior a la Segunda Guerra Mundial: la Guerra de Corea, la Guerra Fría de la década de 1950. La guerra fue seguida por un declive general en la fe, y afectó a Catch-22 en el sentido de que la novela en sí misma casi se desmorona. Catch-22 era un collage: si no en la estructura, sí en la ideología de la novela misma... Sin saberlo, yo era parte de un casi movimiento en la literatura. Cuando estaba escribiendo Catch-22, Dunleavy estaba escribiendo The Fireman, Jack Kerouac estaba escribiendo On the Road, Ken Kesey estaba escribiendo One Flew Over the Cuckoo's Nest, Thomas Pynchon estaba escribiendo V. y Kurt Vonnegut estaba escribiendo Cradle for cats ". No creo que ninguno de nosotros supiera el uno del otro. Al menos yo no conocía a nadie. Cualesquiera que sean las fuerzas que formaron tendencias en el arte, no solo me afectaron a mí, sino a todos nosotros. El sentimiento de impotencia, el miedo a la persecución, es igualmente fuerte en Catch-22, Pynchon y Cat's Cradle.

El investigador Hans-Peter Wagner ofrece el siguiente enfoque para definir la literatura posmoderna:

“El término 'posmodernismo'... se puede utilizar de dos maneras: en primer lugar, para referirse al período posterior a 1968 (que cubrirá todas las formas de literatura, tanto innovadora como tradicional), y en segundo lugar, para describir una literatura altamente experimental. que comenzó con los escritos de Lawrence Durrell y John Fowles en la década de 1960 y que se atragantó con los escritos de Martin Amis y la Generación Química Escocesa de principios de siglo. De ello se deduce que el término “literatura posmodernista” (postmodernist) se utiliza para autores experimentales (especialmente Darrell, Fowles, Carter, Brooke-Rose, Barnes, Ackroyd y Martin Amis), mientras que el término “literatura [de los] postmodernistas” (post -moderno) se aplica a autores menos innovadores.”

Obras significativas de la literatura posmoderna

posmodernismo

El final de la Segunda Guerra Mundial marcó un giro importante en la cosmovisión de la civilización occidental. La guerra no fue solo un choque de estados, sino también un choque de ideas, cada una de las cuales prometía hacer el mundo perfecto y, a cambio, trajo ríos de sangre. De ahí - el sentimiento de la crisis de la idea, es decir, la incredulidad en la posibilidad de cualquier idea para hacer del mundo un lugar mejor. También hubo una crisis de la idea de arte. Por otro lado, el número de obras literarias ha llegado a tal cantidad que parece que ya todo está escrito, cada texto contiene enlaces a textos anteriores, es decir, es un metatexto.

En el curso del desarrollo del proceso literario, la brecha entre la élite y la cultura pop se hizo demasiado profunda, apareció el fenómeno de las "obras para filólogos", para leer y comprender que necesita tener una muy buena educación filológica. El posmodernismo se ha convertido en una reacción a esta división, conectando ambas áreas del trabajo de múltiples capas. Por ejemplo, "Perfumista" de Suskind se puede leer como una historia de detectives, o tal vez como una novela filosófica que revela los problemas del genio, el artista y el arte.

El modernismo, que exploraba el mundo como la realización de ciertos absolutos, verdades eternas, dio paso al posmodernismo, para el cual el mundo entero es un juego sin final feliz. Como categoría filosófica, el término "posmodernismo" se ha difundido gracias a los trabajos de los filósofos Zhe. Derrida, J. Bataille, M. Foucault y especialmente el libro del filósofo francés J.-F. Lyotard, La condición posmoderna (1979).

Los principios de repetición y compatibilidad se transforman en un estilo de pensamiento artístico con sus rasgos inherentes de eclecticismo, tendencia a la estilización, la cita, la reescritura, las reminiscencias y las alusiones. El artista no trata con material "puro", sino culturalmente asimilado, porque la existencia del arte en las formas clásicas anteriores es imposible en una sociedad post-industrial con su potencial ilimitado para la reproducción y replicación en serie.

La Enciclopedia de corrientes y movimientos literarios proporciona la siguiente lista de características del posmodernismo:

1. El culto a una personalidad independiente.

2. Ansia por lo arcaico, por el mito del inconsciente colectivo.

3. El deseo de combinar, complementar mutuamente las verdades (a veces polos opuestos) de muchas personas, naciones, culturas, religiones, filosofías, la visión de la vida real cotidiana como un teatro del absurdo, un carnaval apocalíptico.

4. El uso de un estilo enfáticamente lúdico para enfatizar la anormalidad, la falta de autenticidad, la antinaturalidad de la forma de vida que prevalece en la realidad.

5. Entretejido deliberadamente extraño de diferentes estilos de narración (altamente clásico y sentimental o más o menos naturalista y fabuloso, etc.; los estilos científico, periodístico, de negocios, etc. a menudo se entretejen en el estilo artístico).

6. Una mezcla de muchas variedades de géneros tradicionales.

7. Tramas de obras: estas son alusiones fácilmente disfrazadas (pistas) a tramas conocidas de la literatura de épocas anteriores.

8. Los préstamos, los ecos se observan no solo en la composición de la trama, sino también en los niveles figurativos y lingüísticos.

9. Por regla general, en una obra posmoderna hay una imagen de un narrador.

10. Ironía y parodia.

Las principales características de la poética del posmodernismo son la intertextualidad (crear el propio texto a partir del de otros); collage y montaje (“pegado” de fragmentos iguales); uso de alusiones; atracción por la prosa de forma complicada, en particular, con composición libre; bricolaje (logro indirecto de la intención del autor); saturación del texto con ironía.

El posmodernismo se desarrolla en los géneros de parábolas fantásticas, novelas confesionales, distopías, cuentos, novelas mitológicas, novelas sociofilosóficas y sociopsicológicas, etc. Las formas de los géneros se pueden combinar, abriendo nuevas estructuras artísticas.

Günter Grass (El tambor de hojalata, 1959) es considerado el primer postmodernista. Destacados representantes de la literatura posmoderna: V. Eco, H.-L. Borges, M. Pavic, M. Kundera, P. Suskind, V. Pelevin, I. Brodsky, F. Begbeder.

En la segunda mitad del siglo XX. se activa el género de la ciencia ficción, que en sus mejores ejemplos se combina con la prognosis (pronósticos del futuro) y la distopía.

En el período anterior a la guerra, surgió el existencialismo, y después de la Segunda Guerra Mundial, el existencialismo se desarrolló activamente. El existencialismo (lat. existentiel - existencia) es una dirección en la filosofía y una corriente del modernismo, en la que la fuente de una obra de arte es el artista mismo, expresando la vida del individuo, creando una realidad artística que revela el secreto del ser. en general. Las fuentes del existencialismo estaban contenidas en los escritos del pensador alemán del siglo XIX. De Kierkegaard.

El existencialismo en las obras de arte refleja el estado de ánimo de la intelectualidad, desilusionada con las teorías sociales y éticas. Los escritores buscan comprender las causas del trágico desorden de la vida humana. Se plantean en primer lugar las categorías del absurdo de la vida, el miedo, la desesperación, la soledad, el sufrimiento, la muerte. Los representantes de esta filosofía argumentaron que lo único que tiene una persona es su mundo interior, el derecho a elegir, el libre albedrío.

El existencialismo se difunde en francés (A. Camus, J.-P. Sartre y otros), alemán (E. Nossak, A. Döblin), inglés (A. Murdoch, V. Golding), español (M. de Unamuno), Literatura estadounidense (N. Mailer, J. Baldwin), japonesa (Kobo Abe).

En la segunda mitad del siglo XX. se está desarrollando una “nueva novela” (“anti-novela”), un género equivalente a la novela moderna francesa de los años cuarenta y setenta, que surge como una negación del existencialismo. Representantes de este género son N. Sarrot, A. Robbe-Grillet, M. Butor, K. Simon y otros.

Un fenómeno significativo de la vanguardia teatral de la segunda mitad del siglo XX. es el llamado teatro del absurdo. La dramaturgia de esta dirección se caracteriza por la ausencia de un lugar y tiempo de acción, la destrucción de la trama y la composición, el irracionalismo, las colisiones paradójicas, una aleación de lo trágico y lo cómico. Los representantes más talentosos del "teatro del absurdo" son S. Beckett, E. Ionesco, E. Albee, G. Frisch y otros.

Un fenómeno notable en el proceso mundial de la segunda mitad del siglo XX. se convirtió en "realismo mágico", una dirección en la que se combinan orgánicamente elementos de lo real y lo imaginario, lo real y lo fantástico, lo cotidiano y lo mitológico, lo probable y lo misterioso, la vida cotidiana y la eternidad. Adquirió el mayor desarrollo en la literatura latinoamericana (A. Karpent "єp, J. Amado, G. García Márquez, G. Vargas Llosa, M. Asturias, etc.). Un papel especial en la obra de estos autores lo desempeña el mito, que es la base de la obra.Un ejemplo clásico del realismo mágico es la novela Cien años de soledad de G. García Márquez (1967), donde se recrea la historia de Colombia y de toda América Latina en formas mítico-reales. imágenes

En la segunda mitad del siglo XX. También se desarrolla el realismo tradicional, que va adquiriendo nuevos rasgos. La imagen del ser individual se combina con el análisis histórico, que se debe al deseo de los artistas de comprender la lógica de las leyes sociales (G. Belle, E.-M. Remarque, V. Bykov, N. Dumbadze y otros).

Proceso literario de la segunda mitad del siglo XX. está determinada principalmente por el tránsito del modernismo al posmodernismo, así como por el poderoso desarrollo de la corriente intelectual, la ciencia ficción, el “realismo mágico”, los fenómenos de vanguardia, etc.

El posmodernismo fue ampliamente discutido en Occidente a principios de la década de 1980. Algunos investigadores consideran que la novela de Joyce Finnegans Wake (1939) es el comienzo del posmodernismo, otros consideran la novela preliminar de Joyce Ulises, otros consideran la "nueva poesía" estadounidense de las décadas de 1940 y 1950, otros piensan que el posmodernismo no es un fenómeno cronológico fijo y el estado espiritual y “cada época tiene su propio posmodernismo” (Eko), el quinto generalmente habla del posmodernismo como “una de las ficciones intelectuales de nuestro tiempo” (Yu. Andrukhovych). Sin embargo, la mayoría de los estudiosos creen que la transición del modernismo al posmodernismo tuvo lugar a mediados de la década de 1950. En los años 60 y 70, el posmodernismo abarcó diversas literaturas nacionales, y en los años 80 se convirtió en la tendencia dominante en la literatura y la cultura modernas.

Las primeras manifestaciones del posmodernismo pueden considerarse tendencias como la escuela estadounidense de "humor negro" (W. Burroughs, D. Wart, D. Barthelm, D. Donlivy, K. Kesey, K. Vonnegut, D. Heller, etc. ), la "nueva novela" francesa (A. Robbe-Grillet, N. Sarrot, M. Butor, C. Simon, etc.), el "teatro del absurdo" (E. Ionesco, S. Beckett, J. Gonit, F. Arrabal, etc.) .

Los escritores posmodernos más destacados incluyen al inglés John Fowles ("El coleccionista", "La mujer del teniente francés"), Julian Barnes ("La historia del mundo en nueve capítulos y medio") y Peter Ackroyd ("Milton en América" ), el alemán Patrick Suskind ("Perfumista"), el austriaco Karl Ransmayr ("El último mundo"), los italianos Italo Calvino ("La lentitud") y Umberto Eco ("El nombre de la rosa", "El péndulo de Foucault"), los estadounidenses Thomas Pinchon ("Entropía", "Se vende No. 49") y Vladimir Nabokov (novelas en inglés Pálido fuego y otras), los argentinos Jorge Luis Borges (novelas y ensayos) y Julio Cortazar (El juego de la rayuela).

Un lugar destacado en la historia de la última novela posmoderna lo ocupan también sus representantes eslavos, en particular el checo Milan Kundera y el serbio Milorad Pavić.

Un fenómeno específico es el posmodernismo ruso, representado tanto por los autores de la metrópoli (A. Bitov, V. Erofeev, Ven. Erofeev, L. Petrushevskaya, D. Prigov, T. Tolstaya, V. Sorokin, V. Pelevin), como representantes de la emigración literaria ( V. Aksenov, I. Brodsky, Sasha Sokolov).

El posmodernismo pretende expresar la "superestructura" teórica general del arte, la filosofía, la ciencia, la política, la economía y la moda contemporáneos. Hoy se habla no solo de “creatividad posmoderna”, sino también de “conciencia posmoderna”, “mentalidad posmoderna”, “mentalidad posmoderna”, etc.

La creatividad posmoderna implica pluralismo estético en todos los niveles (trama, composición, figurativo, caracterológico, cronotópico, etc.), integridad de presentación sin evaluación, lectura del texto en un contexto cultural, co-creación del lector y el escritor, pensamiento mitológico, una combinación de categorías históricas y atemporales, diálogo, ironía.

Las características principales de la literatura posmoderna son la ironía, el "pensamiento de citas", la intertextualidad, el pastiche, el collage y el principio del juego.

La ironía total reina en el posmodernismo, el ridículo general y el ridículo de todos lados. Numerosas obras de arte posmodernas se caracterizan por una actitud consciente hacia una yuxtaposición irónica de varios géneros, estilos y movimientos artísticos. Una obra de posmodernismo es siempre una burla de formas previas e inaceptables de experiencia estética: realismo, modernismo, cultura de masas. Así, la ironía vence a la grave tragedia modernista inherente, por ejemplo, a las obras de F. Kafka.

Uno de los principios fundamentales del posmodernismo es la cita, y los representantes de esta tendencia se caracterizan por el pensamiento de cita. El investigador estadounidense B. Morrissett llamó a la prosa posmoderna "literatura de citas". La cita posmoderna total viene a sustituir a la elegante reminiscencia modernista. Bastante posmoderno es un chiste estudiantil estadounidense sobre cómo un estudiante de filología leyó Hamlet por primera vez y quedó decepcionado: nada especial, una colección de consignas y expresiones comunes. Algunas obras del posmodernismo se convierten en libros de citas. Entonces, la novela del escritor francés Jacques Rivet "Las señoritas de A". es una colección de 750 citas de 408 autores.

Un concepto como el de intertextualidad también está asociado con el pensamiento de citas posmoderno. La investigadora francesa Julia Kristeva, quien introduce este término en la circulación literaria, señaló: “Todo texto se construye como un mosaico de citas, todo texto es producto de la absorción y transformación de algún otro texto”. El semiólogo francés Roland Karaulov escribió: “Cada texto es un intertexto; otros textos están presentes en él en varios niveles en formas más o menos reconocibles: textos de la cultura anterior y textos de la cultura circundante. Cada texto es un tejido nuevo tejido a partir de citas antiguas”. El intertexto en el arte de la posmodernidad es la principal forma de construir un texto y consiste en que el texto se construye a partir de citas de otros textos.

Si numerosas novelas modernistas también fueron intertextuales (Ulysses de J. Joyce, The Master and Margarita de Bulgakov, Doctor Faustus de T. Mann, The Glass Bead Game de G. Hesse) e incluso obras realistas (como demostró Y. Tynyanov, la novela de Dostoievski "The Village de Stepanchikovo y sus habitantes" es una parodia de Gogol y sus obras), es el logro de la posmodernidad con hipertexto. Este es un texto construido de tal manera que se convierte en un sistema, una jerarquía de textos, constituyendo al mismo tiempo una unidad y una multitud de textos. Su ejemplo es cualquier diccionario o enciclopedia, donde cada entrada se refiere a otras entradas en la misma edición. Puede leer dicho texto de igual manera: de un artículo a otro, ignorando los enlaces de hipertexto; leer todos los artículos seguidos o pasar de un enlace a otro, realizando una "navegación de hipertexto". En consecuencia, un dispositivo tan flexible como el hipertexto puede manipularse a discreción propia. En 1976, el escritor estadounidense Raymond Federman publicó una novela, que se llama "A su discreción". Puede leerse a petición del lector, desde cualquier lugar, barajando páginas sin numerar y encuadernadas. El concepto de hipertexto también está asociado con las realidades virtuales informáticas. Los hipertextos de hoy son literatura informática, que solo se puede leer en un monitor: al presionar una tecla, te transportas a la historia de fondo del héroe, al presionar otra, cambias el final malo por uno bueno, etc.

Un signo de la literatura posmoderna es el llamado pastish (del italiano pasbiccio, una ópera compuesta de extractos de otras óperas, una mezcla, popurrí, estilización). Es una variante específica de la parodia, que cambia sus funciones en la posmodernidad. El pastish se diferencia de la parodia en que ahora no hay nada que parodiar, no hay ningún objeto serio que pueda ser ridiculizado. O. M. Freudenberg escribió que solo se puede parodiar lo que es “vivo y santo”. Para un día de no posmodernismo, nada "vive", y más aún nada es "santo". Pastish también se entiende como parodia.

El arte posmoderno es por naturaleza fragmentario, discreto, ecléctico. De ahí su característica de collage. El collage posmoderno puede parecer una nueva forma de montaje modernista, pero difiere significativamente de él. En el modernismo, el montaje, aunque estaba compuesto de imágenes incomparables, estaba sin embargo unido en un todo por la unidad de estilo y técnica. En el collage posmoderno, por el contrario, varios fragmentos de los objetos reunidos permanecen inalterables, no transformados en un todo único, cada uno de ellos conserva su aislamiento.

Importante para la posmodernidad con el principio del juego. Los valores morales y éticos clásicos se traducen en un plano de juego, como señala M. Ignatenko, “la cultura clásica y los valores espirituales de ayer viven muertos en la posmodernidad: su época no vive con ellos, juega con ellos, juega con ellos, juega con ellos.”

Otras características del posmodernismo incluyen incertidumbre, decanonización, carialización, teatralidad, hibridación de géneros, co-creación de lectores, saturación con realidades culturales, “disolución del personaje” (destrucción completa del personaje como un personaje social y psicológicamente determinado), actitud hacia la literatura como a la “primera realidad” (el texto no refleja la realidad, sino que crea una nueva realidad, incluso muchas realidades, a menudo independientes entre sí). Y las imágenes-metáforas más comunes del posmodernismo son centauro, carnaval, laberinto, biblioteca, locura.

Un fenómeno de la literatura y la cultura modernas es también el multiculturalismo, a través del cual la nación estadounidense de múltiples componentes naturalmente se dio cuenta de la incertidumbre inestable del posmodernismo. Un culto múltiple más "conectado a tierra") previamente "expresado" miles de voces estadounidenses vivas únicas y uniformes de representantes de diversas corrientes raciales, étnicas, de género, locales y otras corrientes específicas. La literatura del multiculturalismo incluye afroamericanos, indios, chicanos (mexicanos y otros latinoamericanos, un número significativo de los cuales vive en los Estados Unidos), literatura de varios grupos étnicos que habitan América (incluidos los ucranianos), americanos descendientes de inmigrantes de Asia, Europa, literatura de minorías de todos los colores.

En un amplio sentido posmodernismo- esta es una tendencia general en la cultura europea, que tiene su propia base filosófica; es una actitud peculiar, una percepción especial de la realidad. En sentido estricto, el posmodernismo es una tendencia en la literatura y el arte, expresada en la creación de obras específicas.

El posmodernismo entró en la escena literaria como una tendencia ya hecha, como una formación monolítica, aunque el posmodernismo ruso es la suma de varias tendencias y corrientes: conceptualismo y neobarroco.

Conceptualismo o arte social.

conceptualismo, o arte borracho- esta tendencia amplía constantemente la imagen posmodernista del mundo, involucrando cada vez más nuevos lenguajes culturales (desde el realismo socialista hasta varias tendencias clásicas, etc.). Tejiendo y comparando lenguajes autoritarios con marginales (obscenidades, por ejemplo), sagrados con profanos, semioficiales con rebeldes, el conceptualismo revela la cercanía de varios mitos de la conciencia cultural, destruyendo igualmente la realidad, reemplazándola con un conjunto de ficciones. y al mismo tiempo imponiendo totalitariamente al lector su idea del mundo, la verdad, el ideal. El conceptualismo se centra principalmente en repensar los lenguajes del poder (ya sea el lenguaje del poder político, es decir, el realismo social, o el lenguaje de una tradición moralmente autorizada, por ejemplo, los clásicos rusos o varias mitologías de la historia).

El conceptualismo en la literatura está representado principalmente por autores como D. A. Pigorov, Lev Rubinstein, Vladimir Sorokin y, en forma transformada, por Evgeny Popov, Anatoly Gavrilov, Zufar Gareev, Nikolai Baitov, Igor Yarkevich y otros.

El posmodernismo es una corriente que se puede definir como neobarroco. El teórico italiano Omar Calabrese, en su libro Neobarroco, esbozó las principales características de esta corriente:

estética de la repetición: la dialéctica de lo único y lo repetible: policentrismo, irregularidad regulada, ritmo irregular (temáticamente batido en "Moscú-Petushki" y "Casa Pushkin", los sistemas poéticos de Rubinstein y Kibirov se basan en estos principios);

estética del exceso– experimentos sobre la extensión de las fronteras hasta los últimos límites, monstruosidad (corporalidad de Aksenov, Aleshkovsky, monstruosidad de los personajes y, sobre todo, el narrador en “Palisandria” de Sasha Sokolov);

cambiar el énfasis del todo a un detalle y/o fragmento: redundancia de detalles, "en la que el detalle se convierte realmente en un sistema" (Sokolov, Tolstaya);

aleatoriedad, discontinuidad, irregularidad como principios compositivos dominantes, conectando textos desiguales y heterogéneos en un solo metatexto ("Moscú-Petushki" de Erofeev, "Escuela de tontos" y "Entre un perro y un lobo" de Sokolov, "Pushkin House" de Bitov, "Chapaev y el vacío" de Pelevin , etc.).

imposibilidad de resolver las colisiones(formando, a su vez, un sistema de "nudos" y "laberintos"): el placer de resolver el conflicto, las colisiones argumentales, etc. se sustituye por el "gusto de la pérdida y el misterio".

El surgimiento de la posmodernidad.

El posmodernismo surgió como un movimiento radical y revolucionario. Se basa en la deconstrucción (el término fue introducido por J. Derrida a principios de los años 60) y la descentración. La deconstrucción es el rechazo total de lo viejo, la creación de lo nuevo a expensas de lo viejo, y la descentración es la disipación de los significados sólidos de cualquier fenómeno. El centro de cualquier sistema es una ficción, se elimina la autoridad del poder, el centro depende de varios factores.

Así, en la estética de la posmodernidad, la realidad desaparece bajo un torrente de simulacros (Deleuze). El mundo se convierte en un caos de textos, lenguajes culturales, mitos que coexisten y se superponen simultáneamente. Una persona vive en un mundo de simulacros creados por ella misma o por otras personas.

En este sentido, también debemos mencionar el concepto de intertextualidad, cuando el texto creado se convierte en un tejido de citas extraídas de textos previamente escritos, una especie de palimpsesto. Como resultado, surge un número infinito de asociaciones y el significado se expande hasta el infinito.

Algunas obras del posmodernismo se caracterizan por una estructura rizomática, donde no hay oposiciones, ni principio ni fin.

Los conceptos principales del posmodernismo también incluyen remake y narrativa. Un remake es una nueva versión de una obra ya escrita (cf.: textos de Furmanov y Pelevin). La narrativa es un sistema de ideas sobre la historia. La historia no es un cambio de eventos en su orden cronológico, sino un mito creado por la conciencia de las personas.

Entonces, el texto posmoderno es la interacción de los lenguajes del juego, no imita la vida, como lo hace el tradicional. En la posmodernidad también cambia la función del autor: no crear creando algo nuevo, sino reciclar lo viejo.

M. Lipovetsky, basándose en el principio posmoderno básico de la paralogía y en el concepto de "paralogía", destaca algunas características del posmodernismo ruso en comparación con el occidental. La paralogía es “destrucción contradictoria diseñada para cambiar las estructuras de la inteligencia como tal”. La paralogía crea una situación opuesta a una situación binaria, es decir, aquella en la que hay una oposición rígida con la prioridad de algún principio, además, se reconoce la posibilidad de la existencia de un contrario. La paralógica radica en el hecho de que ambos principios existen simultáneamente, interactúan, pero al mismo tiempo, la existencia de un compromiso entre ellos está completamente excluida. Desde este punto de vista, el posmodernismo ruso difiere del occidental:

centrándose precisamente en la búsqueda de compromisos e interfaces dialógicas entre los polos de las oposiciones, en la formación de un “punto de encuentro” entre lo fundamentalmente incompatible en la conciencia clásica, modernista, así como dialéctica, entre categorías filosóficas y estéticas.

al mismo tiempo, estos compromisos son fundamentalmente “paralógicos”, conservan un carácter explosivo, son inestables y problemáticos, no eliminan las contradicciones, pero dan lugar a una integridad contradictoria.

La categoría de simulacros es algo diferente. Los simulacros controlan el comportamiento de las personas, su percepción y, en última instancia, su conciencia, lo que finalmente conduce a la "muerte de la subjetividad": el "yo" humano también está compuesto por un conjunto de simulacros.

El conjunto de simulacros en la posmodernidad no se opone a la realidad, sino a su ausencia, es decir, al vacío. Al mismo tiempo, paradójicamente, los simulacros se convierten en una fuente de generación de realidad solo bajo la condición de realizar su simulacro, es decir, naturaleza imaginaria, ficticia, ilusoria, sólo bajo la condición de la incredulidad inicial en su realidad. La existencia de la categoría de simulacro obliga a su interacción con la realidad. Así, aparece un cierto mecanismo de percepción estética, que es característico del posmodernismo ruso.

Además de la oposición Simulacro - Realidad, en la posmodernidad se fijan otras oposiciones, como Fragmentación - Integridad, Personal - Impersonal, Memoria - Olvido, Poder - Libertad, etc. Oposición Fragmentación - Integridad según la definición de M. Lipovetsky: “... incluso las variantes más radicales de la descomposición de la integridad en los textos del posmodernismo ruso están desprovistas de significado independiente y se presentan como mecanismos para generar algunos modelos de integridad “no clásicos” .”

La categoría de Vacío también adquiere una dirección diferente en el posmodernismo ruso. Según V. Pelevin, el vacío “no refleja nada, y por lo tanto nada puede destinarse sobre él, una cierta superficie, absolutamente inerte, y tanto que ninguna herramienta que haya entrado en una confrontación puede sacudir su serena presencia”. Por eso, el vacío de Pelevin tiene supremacía ontológica sobre todo lo demás y es un valor independiente. El vacío siempre seguirá siendo el vacío.

Oposición Personal - Impersonal se realiza en la práctica como persona en la forma de una integridad fluida cambiante.

Memoria - Olvido- directamente de A. Bitov se realiza en la disposición sobre cultura: "... para salvar, es necesario olvidar".

Basado en estas oposiciones, M. Lipovetsky deduce otra más amplia: la oposición Caos - Espacio. “El caos es un sistema cuya actividad es opuesta al desorden indiferente que reina en un estado de equilibrio; ninguna estabilidad asegura ya la corrección de la descripción macroscópica, todas las posibilidades se actualizan, coexisten e interactúan entre sí, y el sistema resulta ser al mismo tiempo todo lo que puede ser. Para designar este estado, Lipovetsky introduce el concepto de "Caosmos", que toma el lugar de la armonía.

En el posmodernismo ruso, también hay una falta de pureza de dirección, por ejemplo, utopismo de vanguardia (en la utopía surrealista de la libertad de la "Escuela de tontos" de Sokolov) y ecos del ideal estético del realismo clásico, ya sea " dialéctica del alma" de A. Bitov, coexisten con el escepticismo posmoderno. o "misericordia para los caídos" de V. Erofeev y T. Tolstoy.

Una característica del posmodernismo ruso es el problema del héroe, el autor, el narrador, que en la mayoría de los casos existen independientemente el uno del otro, pero su afiliación permanente es el arquetipo del tonto santo. Más precisamente, el arquetipo del santo tonto en el texto es el centro, el punto donde convergen las líneas principales. Además, puede realizar dos funciones (al menos):

Una versión clásica de un tema límite que flota entre códigos culturales diametrales. Así, por ejemplo, Venichka en el poema "Moscú - Petushki" intenta, estando ya del otro lado, reunir en sí mismo a Yesenin, Jesucristo, cócteles fantásticos, amor, ternura, la editorial de Pravda. Y esto resulta ser posible sólo dentro de los límites de la conciencia necia. El héroe de Sasha Sokolov se divide por la mitad de vez en cuando, y también se encuentra en el centro de los códigos culturales, pero sin detenerse en ninguno de ellos, sino como si pasara su flujo a través de él. Esto se corresponde estrechamente con la teoría del posmodernismo sobre la existencia del Otro. Es gracias a la existencia del Otro (u Otros), es decir, de la sociedad, que en la mente humana se entrecruzan todo tipo de códigos culturales, formando un mosaico impredecible.

Al mismo tiempo, este arquetipo es una versión del contexto, una línea de comunicación con una poderosa rama del arcaísmo cultural, que se ha extendido desde Rozanov y Kharms hasta el presente.

El posmodernismo ruso también tiene varias opciones para saturar el espacio artístico. Aquí hay algunos de ellos.

Por ejemplo, un trabajo puede basarse en un rico estado de cultura, que corrobora en gran medida el contenido ("Casa Pushkin" de A. Bitov, "Moscú - Petushki" de V. Erofeev). Hay otra versión del posmodernismo: el estado saturado de la cultura es reemplazado por un sinfín de emociones por cualquier motivo. Se ofrece al lector una enciclopedia de emociones y conversaciones filosóficas sobre todo en el mundo, y en especial sobre la confusión postsoviética, percibida como una terrible realidad negra, como un completo fracaso, un callejón sin salida (“Endless Dead End” de D. Galkovsky, obras de V. Sorokin).