Compositor musical impresionista. El impresionismo en la pintura y la música

El impresionismo musical se desarrolló sobre la base del curso pintoresco del impresionismo. Tradicionalmente, Claude Debussy y Maurice Ravel son considerados representantes del impresionismo en la música.

En la música de los compositores impresionistas, lo principal era la transmisión de estados de ánimo que adquieren el significado de símbolos, la fijación de sutiles estados psicologicos provocada por la contemplación del mundo exterior. El impresionismo musical también estuvo cerca del arte de los poetas simbolistas con su culto a lo "inexpresable".

El precursor del impresionismo musical fue el romanticismo tardío del siglo XIX. Muchos hallazgos musicales de compositores románticos se reflejaron en la música de los impresionistas.

Los compositores románticos han incrementado su interés en la poetización de la antigüedad y tierras lejanas, en el timbre y la brillantez armónica, la resurrección de los sistemas modales arcaicos, el género en miniatura, los descubrimientos coloristas de E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov, la libertad de la dirección de la voz y improvisación espontánea de M. P. Mussorgsky.

Uno de los críticos escribió: “Al escuchar a los compositores impresionistas, giras principalmente en un círculo de vagos sonidos iridiscentes, tiernos y frágiles hasta el punto de que la música está a punto de desmaterializarse repentinamente... solo en tu alma por un largo tiempo dejando ecos y reflejos de embriagadoras visiones etéreas” .

I. V. Nestyev en su artículo “Impresionismo” escribe: “El impresionismo musical contribuyó al desarrollo de muchos géneros musicales que reemplazaron al romanticismo. En música sinfónica, estos son bocetos sinfónicos, en música de piano, miniaturas de programas comprimidos, y en música vocal, miniaturas vocales. En la ópera, esto condujo a la creación de dramas musicales de contenido semilegendario, con una delicadeza encantadora de atmósfera sonora, avaricia y naturalidad de recitación vocal.

Los descubrimientos musicales y la improvisación en la música de los compositores impresionistas abrieron el camino a nuevos medios musicales expresividad La armonía inusual, el uso de paralelismos, la combinación de complejos complejos de acordes debilitaron la claridad de la conexión funcional. Todo esto permitió a los impresionistas saturar sus obras. colores inusuales y consonancias.

La primera mención del impresionismo en relación con la música de Debussy se hizo en la primavera de 1887, además, el término se utilizó más bien en un contexto negativo. Se trataba de la suite "Primavera" en dos partes para coro femenino y orquesta. Lamentablemente, la partitura de esta obra no ha sobrevivido hasta el día de hoy en su forma original, pero se sabe que su interpretación entusiasmó a la comunidad cultural.

El crítico, en su Informe del Secretario Permanente de la Academia de Bellas Artes, escribe sobre Debussy: “Se puede afirmar que tiene un sentido del color musical, sin embargo, el exceso de este sentimiento le hace olvidar fácilmente el significado del color. precisión de dibujo y forma. Debería evitar mucho este impresionismo indefinido, uno de los enemigos más peligrosos de la verdad en las obras de arte.

La comparación de la música del compositor con la corriente pictórica llevó a la crítica a analizar las innovaciones musicales de su obra. Otro crítico, Camille Mauclair, en su artículo "La pintura musical y la fusión de las artes" en el periódico Revue Blue en 1902, llamó a la música de Debussy un "impresionismo de puntos sonoros".

El término "impresionismo", utilizado por los críticos musicales de finales del siglo XIX. en un sentido crítico o irónico, más tarde se convirtió en una definición generalmente aceptada y comenzó a cubrir una amplia gama de fenómenos musicales vuelta del siglo XIX- Siglos XX. tanto en Francia como en otros lugares de Europa.

Consideremos con más detalle los descubrimientos musicales innovadores de los compositores impresionistas Claude Debussy y Maurice Ravel.

Claude-Achille Debussy (1862-1918)

Grigory Mikhailovich Schneerson en su libro “La música francesa del siglo XX” llama a Debussy “hasta la médula de sus huesos artista francés". Él escribe que ninguno influencias extranjeras no logró cambiar la imagen creativa nacional de Debussy: este compositor llevó la música francesa a uno de los lugares principales en la cultura musical mundial.

Desde 1872, estudiando en el Conservatorio Debussy de París, se destacó entre su clase como una individualidad artística bien formada. La clase de piano fue impartida por el famoso pianista y maestro Antoine Marmontel, estudió solfeo con Albert Lavignac. Sobre todo, al joven compositor no le gustaron las lecciones de armonía y acompañamiento de Emile Duran. El maestro educó al joven de acuerdo con las reglas clásicas de la armonía y no pudo hacer frente a los impulsos artísticos de su alumno. Otro maestro, O. Basil, fomentó la libertad de improvisación en el futuro compositor. La composición de Debussy estuvo dirigida por Ernest Guiraud a partir de 1880, y entonces comenzaron a aparecer las primeras obras del compositor.

Un poco antes, viajando por Suiza e Italia, Debussy conoció a una rica filántropa rusa, Nadezhda Filaretovna von Meck, quien le presentó la obra de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

En sus cartas a Pyotr Ilyich, Madame von Meck escribió sobre Debussy de la siguiente manera: “Es un parisino de pies a cabeza, un típico gamin (chico de la calle), muy ingenioso, un excelente imitador, representa de manera divertida y bastante característica a Gounod Ambroise Thomas y otros, siempre en el espíritu, siempre y se complace con todo y hace reír a toda la audiencia inimaginablemente; personaje encantador".

Cabe señalar que en 1883 Debussy recibió el segundo Premio Roma por la cantata "Gladiador". Y un año después, la Academia Francesa otorga al compositor el Gran Premio de Roma por la cantata El hijo pródigo.

Desde 1885, Debussy comenzó a buscar su original lenguaje musical. Luego se opuso a las tradiciones clásicas de la armonía. En este momento, el arte de Francia, con toda la variedad de tendencias artísticas, experimentó un estancamiento del academicismo y el conservadurismo respetable. Esto fue bien recibido por las instituciones oficiales: la Academia de Bellas Artes, exposiciones anuales, salones, el conservatorio.

La joven generación de artistas, escritores, músicos finales del siglo XIX siglo desafió las normas generalmente aceptadas en el arte y abrió nuevos horizontes estéticos en su obra. En este campo, surgió una corriente del simbolismo en la literatura francesa, el impresionismo en la pintura.

El estilo de Debussy tomó forma gradualmente desde 1884 hasta 1889. El compositor creó un lenguaje de piano completamente nuevo. Sus contemporáneos señalaron que el pianista Debussy estaba muy atento a los matices de sus piezas, le daba especial importancia al pedal, que creaba un color y efecto especial en las piezas. He aquí algunas declaraciones de musicólogos: “Debussy hizo por la literatura pianística del siglo XX lo que Chopin hizo por el siglo XIX. Abrió un nuevo sonido para el piano, hizo una revolución en la técnica pianística, ampliando las capacidades técnicas del instrumento.”

Al componer sus obras, el compositor podía improvisar en el instrumento durante mucho tiempo, y sus búsquedas compositivas pueden denominarse “improvisación controlada”. Este término fue introducido en el uso musical por J. Barrake.

El maestro R. Godet señaló: “Debussy solo comenzó a grabar música, al menos con mayor frecuencia, cuando pasó un largo período de incubación. Luego escribía como dictado y casi sin borrones.

En 1889, Debussy sucumbió a las nuevas tendencias del arte, dirigidas contra el academicismo, y cambió su círculo de amigos. Ahora el compositor estaba interesado en la ideología del simbolismo en la literatura y el impresionismo en la pintura. Conoció a los poetas S. Mallarmé, P. Verlaine, P. Renier, artistas: C. Monet, O. Renoir, P. Cezanne, E. Manet. Podemos decir que Debussy fue capaz de generalizar y expresar todas las ideas del simbolismo y el impresionismo en la música.

Al mismo tiempo, el compositor visitó la Exposición Universal de París, donde escuchó música rusa de A. P. Borodin, N. A. Rimsky-Korsakov, M. A. Balakirev y M. P. Mussorgsky.

Otro evento significativo en la vida del compositor fue su conocimiento de la cultura de Oriente. Debussy fue uno de los primeros que recurrió al tema de Oriente en su obra. Fuertemente impresionado por ella, Debussy escribió el ciclo "Grabados". La obra "Pagodas", que forma parte del ciclo, es un vivo reflejo de la cultura oriental.

A lo largo de su vida, las fuentes de inspiración del compositor fueron eventos culturales no sólo en Francia, sino en todo el mundo. Cabe señalar que la influencia mutua de las culturas musicales francesa y rusa se llevó a cabo en gran medida debido a las "Estaciones rusas" organizadas por Sergei Diaghilev.

Los resultados de las búsquedas musicales de Debussy dieron un fuerte impulso al desarrollo de nuevos estilos musicales. La principal diferencia fundamental entre el lenguaje musical de Debussy era la libertad de autoexpresión y la independencia de las formas clásicas de las obras musicales.

En la obra pianística de Debussy son visibles las influencias del romanticismo, así como del clavicémbalo francés. Casi todas las obras de Debussy están sujetas al principio de "improvisación controlada".

En la grabación de sus obras para piano, es el primero de los compositores en utilizar la tercera línea en el elogio común, en lugar de las dos tradicionales. Esta es una de las formas de transmitir la correspondencia de la imagen visual con la auditiva. La tercera línea se utilizó por primera vez en la obra "An Evening in Grenada" y en la obra "From the Sketchbook".

La innovación de las obras pianísticas de Claude Debussy está determinada por la expansión de las capacidades pianísticas del instrumento y la nueva topografía del texto musical.

Mauricio José Ravel (1875 -1937)

Ravel fue un compositor cuyo trabajo combinó dos culturas: España y Francia. Su padre era francés y su madre española. Toda su vida adulta Ravel vivió en París.

En 1889 Ravel ingresó al Conservatorio de París. Sus maestros fueron: en la clase de piano - Pessar, en la clase de contrapunto - Gedal, en la clase de composición, el destacado maestro de Francia Gabriel Foret. Durante los años de estudio, el joven compositor se destacó entre sus compañeros por la originalidad de su pensamiento como compositor. Fascinado por el modernismo, la obra de poetas simbolistas como S. Mallarmé, Vellier de Lille Adan y otros, los primeros pasos en el campo del compositor no fueron fáciles para Ravel.

Debutó en 1898 con Habanera para dos pianos. Más tarde, Ravel incluyó "Habanera" como uno de los movimientos de su "Spanish Rhapsody". Pero las críticas se encontraron con el nuevo compositor antipático. Los fracasos en la competencia en la Academia de Artes de 1901 a 1905 no brindan reconocimiento a la comunidad cultural del talento de compositor de Ravel.

Después de graduarse del conservatorio, Ravel se unió a un grupo de jóvenes escritores, músicos y artistas talentosos, donde encontró verdaderos camaradas y amigos. En este grupo, la idea principal fue la lucha contra la rutina, por la creación de un nuevo arte. Este grupo, con el irónico nombre de "apaches", incluía al excelente pianista Ricardo Viñes, los críticos musicales Emile Viyermoz y Mikhail Calvocoressi, el poeta Leon Paul Fargue y Tristan Klingsor, entre otros. concierto musical, expresaron su admiración por la música de Debussy y chocaron con los conservadores musicales.

La música rusa fue aceptada por los "Apaches" con entusiasmo y entusiasmo. Tristan Klingsor escribe: “A todos nos apasionaban los rusos. Borodin, Mussorgsky, Rimsky nos deleitaron…”.

Las primeras obras de Ravel "Pavana para la muerte de la infanta", la obra "El juego del agua", el ciclo vocal "Scheherazade" recibieron el reconocimiento de sus contemporáneos. La obra "El juego del agua" fue tomada como modelo para las obras del impresionismo musical. La crítica francesa se inclinaba a creer que Ravel es el sucesor de las ideas de Debussy. Luchando con la constante comparación de su música con la música de Debussy, Ravel tuvo que defender los hallazgos de su autor.

De 1905 a 1915, Ravel escribió la Sonatina y el ciclo de piezas para piano "Reflejos", la suite vocal "Historias naturales", "Rapsodia española" para orquesta, la ópera "La hora española", el ballet "Dafnis y Cloe", etc. En 1908 "Rapsodia Española" fue calurosamente recibida por el público y la prensa. Tras este estreno en París, Ravel recibió reconocimiento en amplios círculos musicales.

Ravel colaboró ​​activamente con Russian Seasons. Por orden de Sergei Diaghilev, el compositor escribió el ballet Dafnis y Cloe. Contrariamente a lo esperado, el 8 de junio de 1912 se llevó a cabo con gran triunfo el estreno del ballet y estuvo acompañado de un homenaje al compositor. La prensa francesa, admirada por el ballet, escribió sobre la imposibilidad de interpretar esta música fuera del escenario. Uno de los críticos escribió: “Sin danza, sin actores, sin luz, sin escenografía, Dafnis parecerá insoportablemente larga…”.

Afortunadamente, la opinión de muchos críticos resultó ser errónea. Algunas piezas de este ballet todavía se interpretan por separado. orquestas sinfónicas y se incluyen en su repertorio permanente.

En 1913, Ravel sigue las tendencias estilísticas de la música de Europa occidental. En su música, se puede rastrear una simplificación de la textura musical, sobre todo se refiere al área. música de cámara. A lo largo de su vida, Ravel no se desvió de las formas clásicas de la música, sus obras se caracterizan por melodías prolongadas, observancia de la claridad del ritmo y la métrica.

El lenguaje musical de Ravel revela al mundo una especie de "neoclasicismo". Durante los años de la guerra, Ravel abandona las ideas del impresionismo, en su obra se tocan problemas sociales, temas cotidianos, su música se llena de reflexiones filosóficas.

La mayoría obra famosa Ravel - "Bolero". Inicialmente, el compositor concibió la obra, pero su estreno fue un fracaso. La audiencia no aceptó el nuevo trabajo del compositor, pero el tema musical "Bolero" fue recogido fácilmente.

Ravel fue uno de los primeros compositores en aceptar una oferta para escribir música para una película: fue Don Quijote. El compositor escribió tres canciones para el bajo ruso Fyodor Chaliapin, estas canciones forman un pequeño ciclo, al que llamó "Don Quijote a Dulcinea".

A. A. Alshvang señala que el trabajo de Ravel contribuyó a la definición de las principales tendencias de la cultura musical de Europa occidental. La característica principal del trabajo de Ravel fue encontrar una variedad de soluciones musicales armónicas, el uso de armonías más complejas, el uso frecuente de acordes con retardo, con lo que el compositor actualizó el sistema armónico tradicionalmente establecido.

El arte de Ravel, imbuido de humanismo, está imbuido del sabor nacional francés. Sergei Sergeevich Prokofiev identificó correctamente el lugar de Ravel en la historia de la música mundial. Escribió: “En un momento, después de la guerra, apareció en Francia un grupo de jóvenes músicos: Honegger, Milhaud, Poulenc y otros, quienes, en el calor del entusiasmo juvenil, afirmaron que la música de Ravel había sobrevivido a su tiempo, llegó gente nueva. , llegó un nuevo lenguaje musical. Pero con el paso de los años, dicho grupo ocupó el lugar que le corresponde en la música francesa, y Ravel sigue siendo uno de los más grandes compositores franceses y uno de los músicos más importantes de nuestro tiempo.

De vuelta atras

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Tipo de lección: lección-inmersión en el tema.

Objetivos de la lección:

• revelar los vínculos entre las artes musicales y visuales;
• motivar a los estudiantes a profundizar el desarrollo independiente de la obra de los impresionistas.

Objetivos de la lección:

• actualizar los conocimientos de los estudiantes;
• profundizar ideas sobre la interacción de las artes;
• desarrollo de la esfera emocional, la capacidad de escuchar música, de expresar la propia actitud hacia ella;
• penetración en la estructura emocional de las obras de los impresionistas.

Equipo de lección:

• grabaciones de audio de obras impresionistas;
• presentación multimedia sobre el tema "Impresionismo";
• películas animadas "Hedgehog in the Fog" (dir. Yu.Norshtein), "Bolero" (dir. I.Maksimov);
• notas: M. Ravel "Bolero", C. Debussy "La niña de los cabellos color lino", "Serenata interrumpida", "Paseo del pastel de marionetas".

durante las clases

Organizando el tiempo.[Diapositivas 1,2,3]

U .: Hoy nos familiarizaremos con una tendencia interesante en el arte, cuyo nombre es impresionismo. Intentaremos penetrar en la esencia de este fenómeno, para revelar el grado de su influencia en la música. Al comienzo de la lección, traigo a su atención un fragmento de la película animada dirigida por Yuri Norshtein "Hedgehog in the Fog". [diapositiva 4]

"Erizo en la niebla" - caricatura

Sumérgete en el tema.

U.: Quién no conoce “El erizo en la niebla” es una maravillosa película animada de Yuri Norshtein. ¿Alguna vez te has preguntado cuál es la idea detrás de esta película? En primer lugar, la idea está en la niebla, gracias a lo cual la habitual visita del Erizo al Oso se convierte en una auténtica aventura. Se convierte en una aventura porque la niebla dota al pequeño espacio que los separa de complejidad, de misterio, de misterio. Un perro, un caballo, un árbol viejo, un búho que ulula, todo aquí se vuelve como visto por primera vez, como recreado por la visión del erizo. Así, resulta que la niebla le permite al Erizo descubrir un nuevo mundo. Y es por eso que el final de la película trae tanto alivio, cuando el erizo y el oso en el cielo despejado de la noche comienzan a contar las estrellas. Con toda la poesía e independencia de esta situación, lo principal aquí es la liberación de la tensión creada por la niebla. Gracias a la niebla, el Erizo obtiene nuevas impresiones de objetos familiares. La palabra "impresionismo" se traduce del francés como "impresión".

Repetición de material.

[Diapositivas 5,6,7,8] Claude Monet “Impresión. Amanecer”, Camille Pissarro “Pasaje de la ópera en París”, Auguste Renoir “Gran jarrón de flores”, Edgar Degas “Bailarines verdes”.

Respuestas de los alumnos a las preguntas del profesor:

1. ¿Conoces algunas de estas pinturas? (el nombre del estudiante).
2. ¿Qué puedes decir de la pintura impresionista a partir de tus sensaciones visuales? (siluetas difuminadas, colores puros, uso de medios tonos).
3. ¿Hay algo en común en las obras de los artistas impresionistas con la película animada "Hedgehog in the Fog"?
4. ¿Cuándo y en qué país surgió este movimiento, el impresionismo? (Francia, último tercio del siglo XIX).
5. ¿En qué forma de arte se manifestó originalmente el impresionismo? (En pintura).
6. Nombra algunos pintores impresionistas que conozcas. (C. Monet, E. Manet, E. Degas, K. Pissarro, P. Cezanne, O. Renoir).
7. ¿Qué significa el término "impresionismo"? ¿Cómo ocurrió? (“Impresión”, del nombre del cuadro de C. Monet “Impresión. Amanecer”).
8. Enumera los géneros a los que se dirigieron los artistas. (Paisaje, retrato lírico, género cotidiano).
9. Cuáles son las características de la técnica de la pintura (el trabajo al aire libre como condición indispensable para la creatividad, la luz como principal medio de expresión, el rechazo a la técnica de mezclar tonos coloridos en la paleta y aplicar pintura al lienzo con solo tonos puros, la técnica de escritura con pequeños trazos).
10. En qué tipos de arte, además de la pintura, se manifestó el impresionismo (escultura, literatura, música).
11. Nombre los medios expresivos de la pintura y la música [Diapositiva 9].

[Diapositivas 10,11]

Claude Monet "Catedral de Rouen al mediodía", Claude Monet "Catedral de Rouen al atardecer".

Ejercicio. Imagínate a ti mismo como un compositor. Cuéntame qué medios expresivos de la música usarías para crear obras basadas en estas pinturas.

W.: El impresionismo pictórico tuvo una influencia significativa en la música. Tarea: averiguar a partir de la descripción verbal de cuál de los compositores impresionistas estamos hablando.

a) Compositor francés. Se graduó en el Conservatorio de París (1884) y recibió el Premio de Roma. Como pianista en casa del filántropo ruso N.F. von Meck la acompañó en sus viajes por Europa, en 1881 y 1882. visitó Rusia. Se desempeñó como director de orquesta y pianista, interpretando principalmente sus propias obras, además de crítico musical. Autor de 24 preludios para pianoforte, suite "El rincón de los niños", "Nocturnos" orquestales, "Preludios a la siesta de un fauno". _________________ (Claude Debussy). [Diapositiva 12].

b) compositor francés. Graduado en el Conservatorio de París (1905). Tres veces participó en el concurso por el Premio de Roma, luego lo rechazó voluntariamente. Actuó como pianista y director de orquesta. En 1929 recibió un doctorado honorario de la Universidad de Oxford. Un brillante representante del impresionismo, pero se distingue por una atracción consciente por estilo clásico. Actúa como intérprete de las obras de otros compositores. Autor de "Bolero", ballet "Mother Goose", "Spanish Rhapsody". ___________________ (Maurice Ravel). [Diapositiva 13].

W.: El impresionismo musical tomó forma en un ambiente de constante lucha entre lo tradicional y lo nuevo. Se afirmó en oposición a las tradiciones "académicas" obsoletas, pero tenazmente mantenidas. arte musical Francia a principios del siglo XX. El joven Debussy y Ravel lo sintieron al máximo. Sus primeros experimentos creativos se encontraron con la misma actitud hostil de la dirección del Conservatorio de París y la Academia de Bellas Artes, así como las pinturas de los artistas impresionistas. Hubo críticas negativas para obras de Debussy como la oda sinfónica "Zuleima", la suite sinfónica "Primavera", la cantata "La Virgen Elegida". El compositor fue acusado de un deseo deliberado de "hacer algo extraño, incomprensible, imposible". La obra de Ravel The Play of Water también fue desaprobada por los profesores del conservatorio y no recibió el Premio de Roma en 1903. Debussy y Ravel tuvieron que abrirse camino en el arte solos, porque casi no tenían personas ni asociados de ideas afines. Toda su vida y trayectoria creativa estuvo llena de búsquedas y audaces experimentos en el campo de los géneros musicales y medios del lenguaje musical.

Trabajar con texto musical, escuchando música.

Maestra: Pasemos a la música de Debussy y Ravel. Los compositores explican el contenido de sus obras dándoles títulos. Escucharemos la música, nombraremos las obras, seguiremos su desarrollo con notas, miraremos las pinturas de los impresionistas. Después de eso, responderá a la pregunta: ¿con cuál de estas obras, en términos de estado de ánimo interno, la música está más en línea?

[Diapositiva 14].

Preludio de Claude Debussy "La joven de los cabellos rubios" <Приложение 2>.

Acciones de los estudiantes:

A) nombrar la obra;

B) del rango visual, elija una imagen correspondiente a las impresiones auditivas, explique su elección;

Los alumnos responden a las preguntas del profesor.

Preguntas:

1. ¿Cuántos preludios se incluyen en ciclo de piano?
2. ¿Qué compositores antes de Debussy recurrieron al género de los preludios?
3. ¿Qué atrajo al compositor de este género?
4. ¿Por qué el compositor indica el título solo al final de la pieza? (No queriendo “imponer” su idea al intérprete y al oyente, pone títulos al final de la pieza, encerrándolos entre paréntesis y rodeándolos con puntos suspensivos).
5. ¿Qué es el círculo de imágenes preludio?
6. ¿En qué formas musicales están escritas la mayoría de los preludios?

[Diapositiva 15]. Preguntas:

1. ¿Por qué el compositor no se sintió atraído por la creación de retratos de personas cercanas a él?
2. ¿Qué impresión produce el preludio “La muchacha de los cabellos rubios”?
3. ¿Qué instrumento suena como una melodía?
4. ¿Qué hace que una melodía sea pentatónica?
5. Nombra los rasgos característicos del lenguaje armónico del preludio.
6. ¿En qué forma está escrito el preludio? ¿Cuáles son las características de la última parte?

[Diapositiva 16]. Sonidos preludio Claude Debussy "Serenata Interrumpida" <Приложение 3>

Acciones de los estudiantes:

A) nombrar la obra;

B) del rango visual elegimos una imagen correspondiente a las impresiones auditivas, explique nuestra elección.

[Diapositiva 17]. Preguntas:

1. ¿Cuál es la intención programática de este preludio?
2. ¿Qué papel asigna el compositor al acompañamiento instrumental?
3. Háblame de la melodía del preludio.
4. ¿Qué medios expresivos utiliza el compositor para transmitir la idea?
5. ¿Qué es el "impresionismo" del preludio?

[Diapositiva 18]. Suena la obra "Puppet Cake Walk" de Claude Debussy del álbum de piano "Children's Corner" (interpretada por la estudiante de quinto grado Arina Stolyarova) <Приложение 4>

Preguntas:

1. Nombra la obra.
2. ¿Qué es el "Rincón de los niños" de Claude Debussy?
3. Nombra las piezas que se incluyen en el ciclo.
4. Háblanos de la pieza "Puppet Cake Walk" ¿Cuáles son las características del ritmo de esta pieza? [Diapositiva 19].

[Diapositiva 20]. Suena un fragmento de "Bolero" de Maurice Ravel <Приложение 5>

Preguntas:

1. Nombra la pieza que se acaba de tocar.
2. ¿Qué es "Bolero"?
3. ¿Cuándo se creó Bolero?
4. ¿Qué explica la larga vida sinfónica de esta obra?
5. ¿Cuáles son las características del tema de la obra? [Diapositiva 21].
6. Cuéntanos sobre la colorida orquestación de Bolero. [Diapositiva 22].
7. ¿Cuál es el papel del grupo de instrumentos de cuerda?
8. ¿Qué medios expresivos utiliza el compositor al acercarse al clímax?

Usando la tabla de estados emocionales, caracterice este trabajo. [Diapositiva 23].

Trabajo de prueba: Prueba<Приложение 6>.

Resumiendo la lección. Respuestas a las preguntas del profesor.

• Nombre los compositores impresionistas cuyo trabajo conocimos en las lecciones de literatura musical.

Claude Debussy, Maurice Ravel.

• ¿Qué características de la música impresionista conoces?

Las imágenes son esquivas, inestables, vagas, esquivas. Los compositores se esfuerzan por transmitir sus impresiones de día y de noche, en verano e invierno, con niebla o lluvia. De ahí viene la atracción de los compositores impresionistas no por las formas grandes, sino por las miniaturas. Facilitan la transmisión de impresiones fugaces de varios fenómenos, un cambio de humor.

El valor de la melodía, como principal elemento expresivo de la música, se debilita, se disuelve en el fondo armónico. No hay melodías amplias y brillantes, solo frases melódicas cortas que parpadean.

El papel de la armonía crece, su colorido significado pasa a primer plano. Las armonías complejas e inestables son características: tríadas aumentadas, acordes de séptima disminuidos, no acordes.

Los trastes juegan un papel importante en la creación de un sonido colorido. Debussy y Ravel a menudo recurren a modos folk antiguos: dórico, frigio, mixolidio, pentatónico.

La orquestación juega el principal papel expresivo en las obras de los impresionistas. El grupo de cuerdas pierde su importancia dominante, los instrumentos de viento-madera pasan a primer plano. Ravel utiliza combinaciones inusuales de instrumentos.

Los compositores recurren a ritmos modernos.

La música de los compositores impresionistas es programática, es decir, los autores explican su contenido dando títulos a sus obras.

• ¿Qué opinas, hay algo en común entre los pintores impresionistas y los compositores impresionistas?

La música puede pintar con sonidos, vemos estas imágenes. La música recrea imágenes de la naturaleza y bocetos en vivo de escenas urbanas domésticas. En la música, como en las pinturas impresionistas, hay una sensación de luz. El trabajo de artistas y compositores tiene mucho en común. En primer lugar, este es un tema relacionado. El paisaje se convierte en el tema principal. El retrato lírico también se convirtió en un tema típico. los atrae y género doméstico. La variedad de modos entre los músicos impresionistas es análoga al enriquecimiento de la paleta de colores de los artistas impresionistas.

W.: Ahora podemos encontrar la respuesta a la pregunta que se planteó al principio de la lección: ¿qué es el impresionismo? El impresionismo es un nuevo mundo abierto a la gente por artistas y compositores. El arte de Debussy y Ravel, como los lienzos de los artistas impresionistas, canta el mundo de las experiencias humanas naturales, transmite un sentimiento alegre de vida, revela a los oyentes un maravilloso mundo poético de la naturaleza, pintado con sutiles colores de sonido originales. Los artistas buscaron reflejar en sus obras no el mundo circundante, sino su impresión personal de este mundo. Muchas tendencias en el arte del siglo XX posterior aparecieron gracias a los nuevos métodos del impresionismo.

Tareas para el hogar(a elección del estudiante):

1) escribir un breve ensayo sobre el tema: "¿Qué siento al escuchar la música de los impresionistas";

2) elegir el medio expresivo de la música para la imagen: Auguste Renoir. “Mujer con abanico” [Diapositiva 24].

Al final de la lección, traigo a su atención un fragmento de la película animada dirigida por Ivan Maksimov "Bolero". Recordamos la insólita decisión de "Bolero" como un espectáculo de ballet: un baile en una taberna y un baile contra el telón de fondo de una pared de fábrica (según el plan de Ravel). Los artistas del siglo XX tienen su propia visión de la música de los impresionistas. Como dijo Maksimov sobre su personaje: “Él es su propia estrella guía que brilla y no necesita nada”.

“Bolero” - caricatura (fragmento) <Приложение 8>

Hoy hablamos del impresionismo en la pintura y en la música. Espero que nuestra lección no te haya dejado indiferente, y cuando te encuentres en el museo, te detendrás en la sala de los impresionistas, descubriendo algo nuevo e interesante para ti en su arte, quizás similar a tus sentimientos. Piensa en lo hermoso que nos dejó el momento de los artistas. Espero que tengas el deseo de conocer más profundamente la música de Debussy y Ravel. ¡Lección terminada, gracias!

Literatura

1. Bryantseva V. N. Literatura musical de países extranjeros: un libro de texto para la escuela de música infantil: el segundo año de enseñanza de la materia. - M.: - Música. - 2001. - 183 p., not., il.
2. compositores extranjeros. Biografías, cuestionarios, crucigramas / O. K. Razumovskaya. – M.: Iris-press, 2008. – 176 p. - (Metodología).
3. Impresionismo en música y pintura / Shemyakina Svetlana Yurievna/ http://festival.1september.ru/articles/101447/
4. Literatura musical: el desarrollo de la música de Europa occidental: el segundo año de estudio: libro de texto. tolerancia / M. Shornikova. – Ed. 12 - Rostov n/D: Phoenix, 2010. _ 281, (1) p.: il. + CD. - (Material didáctico para escuelas de música).
5. Osovitskaya Z., Kazarinova A. En el mundo de la música. proc. manuales para literatura musical para profesores de escuela de música. – M.; San Petersburgo: Música, 1997. - 200 p.: il.
6. Lección abierta sobre los fundamentos del conocimiento musical. Tema: "Impresionismo en la música" / Smorodina Natalya Alekseevna / http://festival.1september.ru/articles/524906/
7. Lección de música moderna: técnicas y tareas creativas. / E. A. Smolina. - Yaroslavl: Academia de Desarrollo, 2007. - 128 p. (Para ayudar al profesor).
8. Lección "Conferencia de prensa con los impresionistas" / Young Antonina Vitalievna/ http://festival.1september.ru/articles/531756/

Plan
Introducción
1 origen
2 características de estilo
3 Representantes
Bibliografía

Introducción

impresionismo musical (fr. impresionismo, del fr. impresión- impresión) - una dirección musical similar al impresionismo en la pintura y paralela al simbolismo en la literatura, que se desarrolló en Francia en el último cuarto del siglo XIX - principios del siglo XX, principalmente en el trabajo de Eric Satie, Claude Debussy y Mauricio Ravel.

El punto de partida del "impresionismo" en la música se puede considerar 1886-1887, cuando se publicaron en París las primeras obras impresionistas de Erik Satie. ("Sylvia", "Ángeles" y "Tres Sarabandes")- y como resultado, cinco años después, las primeras obras de Claude Debussy en el nuevo estilo, que recibieron resonancia en el ambiente profesional. (sobre todo, La siesta de un fauno).

1. Origen

El impresionismo musical tiene como antecesor, sobre todo, al impresionismo en la pintura francesa. No solo tienen raíces comunes, sino también relaciones de causa y efecto. Y el principal impresionista de la música, Claude Debussy, y especialmente Eric Satie, su amigo y antecesor en este camino, y Maurice Ravel, quien tomó el relevo de Debussy, buscaron y encontraron no solo analogías, sino también medios expresivos en la obra de Claude Monet. , Paul Cezanne , Puvis de Chavannes y Henri de Toulouse-Lautrec.

El término “impresionismo” en sí mismo en relación con la música es enfáticamente condicional y especulativo (en particular, el propio Claude Debussy lo objetó repetidamente, sin embargo, sin ofrecer nada definitivo a cambio). Está claro que los medios de la pintura, asociados con la visión y los medios del arte musical, basados ​​principalmente en el oído, pueden conectarse entre sí solo con la ayuda de paralelos asociativos sutiles y especiales que existen solo en la mente. En pocas palabras, la imagen borrosa de París "bajo la lluvia de otoño" y los mismos sonidos "ahogados por el ruido de las gotas que caen" ya tienen la propiedad imagen artistica pero no un mecanismo real. Las analogías directas entre los medios de la pintura y la música sólo son posibles a través de personalidad del compositor que experimentaron la influencia personal de los artistas o de sus pinturas. Si un artista o compositor niega o no reconoce tales conexiones, al menos se vuelve difícil hablar de ellas. Sin embargo, tenemos las confesiones como un artefacto importante y, (Cuál es el más importante) las obras de los principales actores impresionismo musical. Fue Erik Satie quien expresó esta idea con más claridad que el resto, centrándose constantemente en cuánto le debe a los artistas en su trabajo. Atrajo a Debussy a sí mismo con la originalidad de su pensamiento, carácter independiente, grosero e ingenio cáustico, que no perdonó a ninguna autoridad. Además, Satie interesó a Debussy con sus innovadoras composiciones para piano y voz, escritas con una mano audaz, aunque no del todo profesional. Aquí, a continuación, están las palabras con las que en 1891 Satie se dirigió a su nuevo amigo, Debussy, incitándolo a pasar a la formación de un nuevo estilo:

Cuando conocí a Debussy, estaba lleno de Mussorgsky y buscaba persistentemente caminos que no son tan fáciles de encontrar. En este sentido, lo he superado durante mucho tiempo. No me agobiaba ni el Premio Romano ni ningún otro, pues yo era como Adán (del Paraíso), que nunca recibió ningún premio - definitivamente perezoso!… En ese momento estaba escribiendo "Hijo de las estrellas" al libreto de Péladan y explicándole a Debussy la necesidad del francés de liberarse de la influencia principios wagnerianos que no satisfacen nuestras aspiraciones naturales. También dije que aunque no soy en absoluto antiwagnerista, sigo pensando que deberíamos tener nuestra propia música y, si es posible, sin "col agria alemana". Pero ¿por qué no usar el mismo medios visuales, que vemos en Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec y otros? ¿Por qué no transferir estos fondos a la música? No hay nada más fácil. ¿No es eso lo que es la verdadera expresividad?

- (Erik Satie), "Claude Debussy", París, 1923).

Pero si Satie derivó su impresionismo transparente y tacaño de la pintura simbólica de Puvis de Chavannes, entonces Debussy (a través del mismo Satie) experimentó la influencia creativa de los impresionistas más radicales, Claude Monet y Camille Pissarro.

Basta con enumerar los títulos de las obras más llamativas de Debussy o Ravel para tener una imagen completa del impacto en su obra como Imágenes visuales, y paisajes de artistas impresionistas. Entonces, en los primeros diez años, Debussy escribió "Nubes", "Estampas" (la más figurativa de las cuales, un boceto sonoro de acuarela - "Jardines bajo la lluvia"), "Imágenes" (la primera de las cuales, una de las obras maestras de impresionismo de piano, "Reflejos en el agua", evoca asociaciones directas con la famosa pintura de Claude Monet "Impresión: Amanecer")… Por expresión famosa Mallarmé, compositores impresionistas estudiados "escuchar la luz", transmiten en sonidos el movimiento del agua, la fluctuación del follaje, la respiración del viento y la refracción de los rayos del sol en el aire de la tarde. La suite sinfónica "El mar del amanecer al mediodía" resume adecuadamente los bocetos de paisajes de Debussy.

A pesar de su rechazo personal a menudo publicitado del término "impresionismo", Claude Debussy se ha pronunciado repetidamente como un verdadero artista impresionista. Así, hablando de la primera de sus célebres obras orquestales, Nocturnos, Debussy admitió que la idea de la primera de ellas (Nubes) le vino a la mente en uno de los días nublados en que miraba el Sena desde el Pont de la Concorde… Pues en cuanto a la procesión en la segunda parte (“Celebraciones”), esta idea nació de Debussy: “… mientras contemplaba pasar a lo lejos el destacamento ecuestre de soldados de la Guardia Republicana, cuyos cascos centelleaban bajo los rayos del sol poniente... en nubes de polvo dorado.” De manera similar, las obras de Maurice Ravel pueden servir como una especie de evidencia material de los vínculos directos entre la pintura y la música que existieron dentro del movimiento impresionista. El famoso sonido visual "Juego de agua", el ciclo de piezas "Reflejos", la colección de piano "Rustle of the Night": esta lista está lejos de ser completa y puede continuar. Sati se destaca un tanto aparte, como siempre, una de las obras que se puede denominar en este sentido es, quizás, “El Heroico Preludio a las Puertas del Cielo”.

El mundo circundante en la música del impresionismo se revela a través de una lupa de sutiles reflejos psicológicos, sutiles sensaciones que nacen de la contemplación de pequeños cambios que se producen a su alrededor. Estas características hacen que el impresionismo se relacione con otro movimiento artístico que existió en paralelo: el simbolismo literario. Eric Satie fue el primero en recurrir a las obras de Josephine Péladan. Un poco más tarde, el trabajo de Verlaine, Mallarmé, Louis y especialmente Maeterlinck encontró una implementación directa en la música de Debussy, Ravel y algunos de sus seguidores.

A pesar de la evidente novedad del lenguaje musical, el impresionismo recrea a menudo algunas técnicas expresivas propias del arte de la época anterior, en particular, la música de los clavecinistas franceses del siglo XVIII, época del rococó. Basta recordar obras pictóricas tan famosas de Couperin y Rameau como "Pequeños molinos de viento" o "La gallina".

En la década de 1880, antes de conocer a Eric Satie y su obra, Debussy estaba fascinado por la obra de Richard Wagner y estaba completamente en la estela de su estética musical. Después de conocer a Satie y desde el momento de crear sus primeras obras impresionistas, Debussy se movió con sorprendente agudeza hacia las posiciones del antiwagnerismo militante. Esta transición fue tan repentina y abrupta que uno de los amigos íntimos (y biógrafo) de Debussy, el famoso musicólogo Émile Vuyermeaux, expresó directamente su desconcierto:

El antiwagnerismo de Debussy está desprovisto de grandeza y nobleza. Es imposible comprender cómo un joven músico, cuya juventud entera está embriagada por la embriaguez de Tristán, y que, en la formación de su lenguaje, en el descubrimiento de una melodía interminable, sin duda debe tanto a esta partitura innovadora, ridiculiza con desdén el genio que tanto le dio!

- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussi”, Ginebra, 1957.)

Al mismo tiempo, Vuyermeaux, conectado internamente por una relación de hostilidad y enemistad personal con Eric Satie, no lo mencionó específicamente y lo presentó como el eslabón perdido en la creación de una imagen completa. En efecto, el arte francés de finales del siglo XIX, aplastado por los dramas musicales wagnerianos, se afirmó a través del impresionismo. Durante mucho tiempo, fue precisamente esta circunstancia (y el creciente nacionalismo entre las tres guerras con Alemania) la que hizo difícil hablar de la influencia directa del estilo y la estética de Richard Wagner en el impresionismo. Quizás, el famoso compositor francés del círculo de Cesar Franck, Vincent d'Andy, un contemporáneo mayor y amigo de Debussy, fue el primero en plantear esta pregunta a quemarropa. En su célebre obra "Richard Wagner y su influencia en el arte musical de Francia", diez años después de la muerte de Debussy, expresó su opinión de forma categórica:

“El arte de Debussy es indiscutiblemente del arte del autor de Tristán; descansa sobre los mismos principios, se basa en los mismos elementos y métodos de construcción del todo. La única diferencia es que Debussy interpretó los principios dramáticos de Wagner..., por así decirlo, a la francesa ».

- (Vincent d'Indy. Richard Wagner et son influence sur l'art musical francais.)

En el ámbito de la pintura colorista y oriental, la fantasía y el exotismo (interés por España, los países de Oriente), los impresionistas tampoco fueron pioneros. Aquí continuaron las más brillantes tradiciones del romanticismo francés, en la persona de Georges Bizet, Emmanuel Chabrier y las coloridas partituras de Leo Delibes, al mismo tiempo (como verdaderos impresionistas) evitando picante historias dramáticas y temas sociales.

El impresionismo en la pintura y la música

Los impresionistas creían que la tarea del arte es reflejar correctamente las impresiones del mundo circundante, uno vivo y en constante cambio. La vida es una serie de momentos únicos. Por eso la tarea del artista es reflejar la realidad en su incesante variabilidad. Los objetos y las criaturas deben representarse no como son, sino como se ven en este momento. Pueden tener un aspecto diferente debido a la distancia o el ángulo de visión, debido a los cambios en el entorno del aire, la hora del día, la iluminación. Para reflejar correctamente sus impresiones, el artista debe trabajar no en el estudio, sino en la naturaleza, es decir, al aire libre. Y para transmitir correctamente los rápidos en el paisaje circundante, debe escribir rápidamente y completar la imagen en unas pocas horas o incluso minutos, y no, como en los viejos tiempos, en unas pocas semanas o meses. Dado que la realidad circundante aparece ante el artista bajo una nueva luz, el momento capturado por él es un documento del minuto.

La nueva dirección, que se manifestó tan claramente en la pintura, también influyó en otros tipos de arte: la poesía y la música. El impresionismo musical se materializó más plenamente en la obra de dos compositores franceses: Claude Debussy y Maurice Ravel.

El impresionismo musical surgió de las tradiciones nacionales. arte francés. Colorido, decorativo, interés por el arte popular, cultura antigua, un gran papel de la programación siempre ha sido característico de la música francesa. Todo esto se manifestó claramente en la obra de Debussy y Ravel. Pero la influencia más directa y fructífera en la nueva dirección de la música, por supuesto, fue el impresionismo pictórico.

Hay mucho en común en el trabajo de los artistas y compositores impresionistas. En primer lugar, este es un tema relacionado. El tema principal espaisaje».

El enfoque de los pintores es el paisaje urbano, donde la ciudad atrae a los artistas en interacción con los procesos naturales generales, los matices de la atmósfera. En el cuadro “Boulevard de los capuchinos en París” de C. Monet, la composición se construye sobre el contraste del movimiento continuo de los peatones y las formas estáticas de las casas y los troncos de los árboles; en el contraste de colores cálidos y fríos; en un contraste temporal expresivo: dos figuras congeladas están, por así decirlo, desconectadas del tiempo que fluye rápidamente. La imagen se muestra borrosa y esquiva, hay una sensación de superposición de varias imágenes tomadas desde un punto en un cuadro. Se prestó mucha atención a los artistas y las imágenes de la naturaleza. Pero tienen un paisaje de este tipo en el que el sujeto mismo retrocede al fondo, y el personaje principal de la imagen se convierte en una luz cambiante e inconstante. Claude Monet introdujo la práctica de trabajar en una serie de lienzos que representan el mismo motivo con diferente iluminación. Cada cuadro de la serie es único, porque se transforma al cambiar la luz. Actitud inusual hacia el paisaje y los compositores impresionistas.

Ninguno de los compositores del pasado encarnó tal variedad y riqueza de temas asociados con imágenes de la naturaleza. Además, Debussy y Ravel en las imágenes de la naturaleza se sienten atraídos, en primer lugar, por lo que se mueve: la lluvia, el agua, las nubes, el viento, la niebla y similares. Por ejemplo, tales obras de Debussy: "Viento en la llanura", "Jardines bajo la lluvia", "Nieblas", "Velas", "Lo que vio el viento del oeste", "Brezo", "El juego del agua" de Ravel . En tales obras, se manifestaron claramente algunas técnicas de representación sonora, características de la música de los impresionistas. Pueden ser descritos como “corridas de olas” (“Playing water” de Ravel, “Sails” de Debussy), “hojas que caen” (“Dead Leaves” de Debussy), “parpadeo de luz” (“Moonlight” de Debussy) , "aliento de la noche" ("Preludio de la noche" de Ravel, "Fragancias de la noche" de Debussy), "Susurro de hojas" y "Soplo del viento" ("Viento en la llanura" de Debussy).

Características comunes en la obra de los artistas y compositores impresionistas se encuentran no solo en el campo del contenido, los temas, sino también en el método artístico.

Una visión inusual del mundo que lo rodea determinó la técnica de pintura de los impresionistas. Plein air es la clave principal de su método. No pasaron por alto los principales descubrimientos científicos en óptica sobre la descomposición del color. El color de un objeto es la impresión de una persona, que cambia constantemente de iluminación. Los impresionistas aplicaron pinturas al lienzo solo de aquellos colores que están presentes en el espectro solar, sin tonos neutros de claroscuro y sin mezclar previamente estos colores en la paleta. Aplicaron pintura en pequeños trazos separados, que a distancia causan la impresión de vibración, mientras que los contornos de los objetos pierden su nitidez.

Los impresionistas actualizaron no solo el sistema de pintura de colores claros, sino también técnicas de composición. En los impresionistas, vemos los más diversos puntos de contemplación: desde arriba, desde lejos, desde adentro y otros. Frente a los cánones del arte académico, que incluían la colocación obligatoria de los personajes principales en el centro del cuadro, la tridimensionalidad del espacio, el uso de tramas históricas, los impresionistas propusieron nuevos principios para la percepción y la reflexión de el mundo circundante. Dejaron de dividir los objetos en principales y secundarios. Los impresionistas se centraron en el estudio de la naturaleza de la luz, la observación cuidadosa de la luz de colores específicos. Los impresionistas entraron por primera vez en el terreno de las transformaciones de la realidad, apenas perceptibles para el ojo ordinario, que se producen tan rápidamente que solo pueden ser percibidas por un ojo entrenado y se llevan a cabo a un ritmo incomparablemente mayor que el ritmo de creación de un imagen.

El impresionismo pintoresco ha influido mucho en la música en el campo de los medios de expresión. La búsqueda abordó el modo, la armonía, la melodía, el metro-ritmo, la textura, la instrumentación. Debussy y Ravel crean un nuevo lenguaje musical impresionista.

El valor de la melodía, como principal elemento expresivo de la música, se debilita, se disuelve en un fondo armónico. No hay melodías amplias y brillantes, solo frases melódicas cortas que parpadean. Pero el papel de la armonía está aumentando inusualmente.

El arte de Debussy y Ravel, como los lienzos de los artistas impresionistas, canta el mundo de las experiencias humanas naturales, transmite un sentimiento alegre de vida, revela a los oyentes un maravilloso mundo poético de la naturaleza, pintado con sutiles colores de sonido originales.

Desde la antigüedad, la estética mundial estuvo dominada por la teoría de la imitación en el arte, los impresionistas aprobaron un nuevo concepto, según el cual el artista debe plasmar en sus lienzos no el mundo objetivo que lo rodea, sino su impresión subjetiva de este mundo. Muchas tendencias en el arte del siglo XX posterior aparecieron gracias a los nuevos métodos del impresionismo.

Hagamos un mini cuestionario.

En la primera etapa, se propone elegir: de tres pianos, y luego de tres sinfónicos fragmentos musicales obras de compositores impresionistas. En el segundo - de las tarjetas propuestas con fragmentos. análisis artístico pinturas, debe elegir las que pertenecen a los artistas: impresionistas.

1. El encanto de la joven modelo parece más expresivo en el contexto de las claras distancias verdosas del paisaje y el suave cielo azul. Este paisaje interminable parece fabuloso, evocando una sensación de la inmensidad del mundo.

2. Un sentido de escala, un sentido de la inmensidad y el alcance de lo que está sucediendo. La figura alegórica es el centro semántico del cuadro: un perfil antiguo clásico, un poderoso torso escultórico. La idea de libertad parece estar visiblemente encarnada en una bella mujer.

3. Con pequeños trazos de pintura, el artista recrea en el lienzo el juego del sol del mediodía, generando múltiples matices cromáticos. Las flores brillantes tiemblan a la luz, las largas sombras fluctúan. El vestido blanco de la dama está escrito en un tono azul, el color de la sombra que cayó sobre él desde un paraguas amarillo. Breve momento de la vida jardín floreciente vive en este lienzo.

4. Una bola rosada sin rayos sale flotando de la nube, coloreando el cielo y la bahía, reflejándose en un aleteo sobre la superficie del agua. La niebla húmeda suaviza las siluetas de los objetos. Alrededor todo es inestable, los límites entre el cielo y el río son apenas perceptibles. Un minuto más: la niebla de la mañana se disipará y todo tendrá un aspecto diferente.

5. Realizado por el artista en este exquisito lienzo. variación musical manchas de colores brillantes de la cara, el peinado, el vestido, el fondo, repetidos en un abanico desplegado, se suman a la imagen de una niña soñadora y tierna, como una hermosa flor.

6. El espacio del paisaje, en el que se enfatiza una ligera asimetría, está formado por líneas de árboles, contornos de figuras y manchas de color de sombras blancas, verdes, azules y temblorosas en el suelo. La luz del sol cegadora priva de volumen a las figuras, que se convierten en siluetas. La libertad del trazo, la deslumbrante frescura de la paleta, la ilusión de la luz, la tranquilidad del estado de ánimo se convierten en las principales características del nuevo estilo pictórico. El cuadro, dotado del encanto único de la atmósfera, parece inusualmente decorativo y mayor.

7. Cortado por el marco, en un ligero desplazamiento diagonal, aparece como un fantasma misterioso del pasado. El sol del mediodía enciende el plano de la fachada con una ligera llama dorada, pero el resplandor también proviene, por así decirlo, del interior de la piedra.

Jean Auguste Dominique Ingres, retrato de Mademoiselle Riviere, 1805, París, Louvre.

E. Delacroix, "La libertad guía al pueblo", 1831, París, Louvre.

C. Monet, Dama en el jardín, 1867, San Petersburgo, Hermitage estatal.

C. Monet, “Impresión. Amanecer”, 1873, París, Museo Marmotan.

O. Renoir, "Niña con abanico", 1881, San Petersburgo, State Hermitage.

C. Monet, "Mujeres en el jardín", 1886, París, Museo d'Orsay.

C. Monet, "Catedral de Rouen al mediodía", 1892, Moscú, GIII im. COMO. Pushkin.

C chirrido literatura

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El impresionismo es todavía un fenómeno poco estudiado en la historia de la vida artística de Rusia. Mientras tanto, fue una de las tendencias más distintivas del arte ruso de finales del siglo XIX y principios del XX y estuvo estrechamente asociada con una serie de procesos culturales e históricos de esa época. En la mayoría de las obras musicológicas nacionales, aunque el impresionismo no se considera como una tendencia que tuvo un impacto significativo en el desarrollo de la música rusa, sin embargo, la incorporación de "colores impresionistas" en obras individuales de compositores rusos de finales del siglo XIX y principios del XX es señalado. Se pueden ver en los últimos trabajos de N. Rimsky-Korsakov y A. Lyadov, los trabajos de I. Stravinsky, Nikolai Cherepnin, S. Vasilenko, algunos trabajos de S. Prokofiev, S. Rakhmaninov, A. Skryabin, N. Miaskovski y otros.

La cultura de Rusia a finales del siglo XIX y XX está inscrita en la historia como una de las páginas más controvertidas y, al mismo tiempo, más hermosas. La saturación de eventos, una variedad de tendencias artísticas predeterminaron la naturaleza ambigua de muchos fenómenos artísticos. período determinado. A pesar de los profundos fenómenos de crisis socioeconómica y política (revolución de 1905, ruso-japonesa y Primera Guerra Mundial), el arte experimentó un nuevo florecimiento. El impresionismo fue una de las diversas corrientes artísticas. Un poderoso estímulo para su aparición en Rusia fue el desarrollo de los lazos culturales ruso-franceses: en 1891, se concluyó una alianza político-militar ruso-francesa, seguida de la popularización del arte ruso en Francia (conciertos de música rusa, empresas de S. P. Diaghilev, etc.) y francés - en Rusia (exposiciones de artistas impresionistas franceses, empresas de S. A. Koussevitzky y A. I. Siloti, donde se realizaron obras de C. Debussy, M. Ravel, etc.). La formación del impresionismo en Rusia está asociada con procesos destinados a actualizar las tradiciones. Si en Francia se expresaron en la oposición de los artistas progresistas al arte del Salón, entonces en Rusia, en un esfuerzo por revisar las ideas de los Wanderers debido a la aparición de un número significativo de sus epígonos (Lyadov, S.K. Makovsky, D.S. Merezhkovsky y otros escribieron sobre esto). El progreso científico y tecnológico también contribuyó al descubrimiento de nuevas posibilidades en el arte (la invención de la fotografía por L. Dager, el descubrimiento de la teoría de la mezcla de colores y la percepción del color por el ojo humano por M. Chevreul, la investigación de O Rud y G. von Helmholtz en el campo de la óptica, etc.). Al mismo tiempo, el progreso científico y tecnológico también tuvo un lado negativo, expresado en la crisis de los ideales positivistas: los descubrimientos que aparecían iban acompañados de una revisión de las ideas establecidas sobre el mundo circundante. La conciencia pública no tuvo tiempo de comprender un avance tan poderoso: se cuestionó el papel mismo de la ciencia. El ambiente artístico de esos años (no solo en Rusia) estuvo dominado por la decepción por la capacidad del hombre para influir en la naturaleza. Aparecieron "llamadas" a la existencia armoniosa del hombre en la naturaleza. Estas ideas resultaron ser cercanas al impresionismo.

Desde la década de 1870, los artistas (I. N. Kramskoy, I. E. Repin y otros) han estado discutiendo formas de implementar el impresionismo francés en la escuela rusa. Las tradiciones del impresionismo ruso en las artes visuales se establecieron en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (principalmente debido a la enseñanza de K. A. Korovin, I. I. Levitan, V. D. Polenov, V. A. Serov y otros). Los maestros, graduados y estudiantes de esta institución educativa formaron la base de la "Unión de Artistas Rusos" (1903-1923), una asociación de pintores de paisajes cuyo trabajo abrió la "etapa del impresionismo ruso". Las fuentes primarias documentales, que incluyen memorias, cartas de artistas, compositores de la época, permiten designar la "versión rusa del impresionismo" como un concepto estético. En el "espejo de letras" de las figuras del arte ruso, esas procesos historicos y culturales, que se convirtió en la base de la estética emergente del impresionismo. Designémoslos: este es el deseo de "cerrar" del mundo circundante en la creatividad, reemplazando la realidad actual con el mundo idealizado o irreal de la obra; el deseo de renovar las tradiciones, de “respirar nueva vida» en los aspectos decadentes de la vida artística; el impacto de pensar en el significado; progreso científico y tecnológico para el arte. También es obvio que la razón más importante para el fortalecimiento del impresionismo en Rusia fue el intercambio cultural mutuo con Francia, que floreció a finales de los siglos XIX y XX.

eran ambiguos puntos de vista de los compositores rusos sobre el impresionismo- De entusiasta a cauteloso, ya veces una actitud muy crítica hacia él. Representantes de la generación anterior, reconociendo la importancia de los medios de expresión cultivados en el impresionismo, enfatizaron los "pobres pensamientos" de su estética ( S.Taneev). La percepción negativa de las tendencias modernas, incluido el impresionismo, era inherente a CA Cui(una parodia de "La tarde de un fauno" de Debussy llamada "Reverie d"un Faune, apres la conference de son journal", una broma musical "Himno al futurismo", dedicada a "innumerables supergenios modernos", y también " Breve instrucción cómo, sin ser músico, llegar a ser un brillante compositor moderno”). A diferencia de la generación anterior, los autores jóvenes ( Cherepnin, Stravinsky, Vasilenko, Prokofiev y otros) encontraron la manifestación de las tendencias impresionistas como una etapa natural en el desarrollo del arte musical. Entonces, Vasilenko consideró sus poemas sinfónicos El jardín de la muerte y El vuelo de las brujas, las suites En los rayos de sol y Quejas nocturnas como impresionistas. El único compositor que no solo no ocultó su interés por el impresionismo, sino que se reconoció a sí mismo como impresionista, fue VI Rebikov. A fines de noviembre de 1901, en una carta a V. Ya. Bryusov, escribió: “Por alguna razón me llaman un 'decadente'. Soy un impresionista". Vieja generación buscaba preservar la inviolabilidad de los cánones establecidos ("la finalidad social del arte"), mientras que los jóvenes cuestionaban la idea misma de la influencia del arte en los procesos sociales como una "ley moral" ("el arte por el arte"). Como muchos representantes de la intelectualidad artística rusa, los compositores aceptaron principalmente descubrimientos lingüísticos (técnicos). Al comprender el desarrollo del arte ruso en su conjunto tanto en el siglo XIX como a principios del XX, las figuras de la cultura rusa vieron en él un proceso único e indivisible en el que las innovaciones del siglo XX fueron una continuación del siglo XIX. .

Como tendencia, el impresionismo en Rusia se desarrolló en San Petersburgo. el se alinea con tradición "exótico-romántica", pronunciado en petersburgo escuela de compositores y se centró en el esteticismo, la sofisticación y el colorido. Por lo tanto, los orígenes del comienzo impresionista "brillan" mucho antes de su aparición y ya se notan en obras como "Noche en Madrid" de M. Glinka, "En Asia Central" de A. Borodin, "Cuadros de una exposición" y "Noche en la montaña calva" M. Mussorgsky, "Capriccio español" y "Scheherazade" de N. Rimsky-Korsakov y muchos otros. Contienen propiedades cercanas a los métodos de absolutización del momento y del color. No es casualidad que el pintoresquismo, la instrumentación magnífica y lujosa, un lenguaje armónico inusualmente "delicioso" sean las propiedades de la música rusa que se ganaron los corazones de los impresionistas franceses. En esta línea, se ve una "conexión estilística" con el impresionismo, que anticipó características especiales de la versión rusa del impresionismo: estéticamente refinado; especiada y hasta empalagosa "dulce" ya la vez casi épica contemplativa. Se puede decir que en tales condiciones, el impresionismo recibió los requisitos previos para su interpretación no como algo elusivo y misterioso (como en la versión francesa), sino como una “criatura” muy cercana y querida, como si los compositores, gracias al impresionismo, logró “atrapar el pájaro de fuego” y transferir toda su belleza a tu música.

Especial atención merece la obra "Estética del arte musical" de N. Rimsky-Korsakov. Las ideas y disposiciones establecidas en él no son solo la visión del autor del compositor sobre la naturaleza del arte. Podrían convertirse en un programa impresionista en Rusia. El pensamiento del compositor está en contacto directo con la visión artística de tipo impresionista. Las ideas clave de su obra sirven como peculiares “puntos” de intersección: el sentido de la belleza es decisivo tanto en la vida como en el arte; El mundo de la belleza se percibe sólo subjetivamente, a través de la imaginación y la contemplación; El Hombre y el Mundo son uno, es decir, el Hombre, sus pensamientos son inseparables de "la naturaleza y la vida". El compositor analiza las características del lenguaje musical que se ha establecido en la música rusa desde la época de Glinka. Al mismo tiempo, los medios musicales de expresión que él llama resultan estar cerca del impresionismo (incluso en relación con la expansión de las propiedades fónicas y coloristas que pueden crear el efecto de la pintura sonora pictórica y colorida).

Rimsky-Korsakov, a pesar de que el compositor mantuvo una profunda conexión con la tradición, desempeñó un papel principal en la formación de métodos impresionistas de absolutización del momento y el color en la música rusa. Su cristalización se puede ver en escenas individuales de las óperas The Snow Maiden, Sadko, Kashchei the Immortal, The Legend of the Invisible City of Kitezh y Maiden Fevronia. Entonces, si las escenas del derretimiento de la doncella de nieve y la apelación princesa del mar en el río son resueltos por el compositor en la tradición "exótico-romántica": están precedidos por la historia de las heroínas sobre lo que está sucediendo y están acompañados por un dispositivo sonoro-visual (el arpa se derrama sobre los sonidos de una tríada reducida ), entonces la transformación de Kashcheevna en un sauce llorón puede llamarse impresionista. En esta escena, hay una disminución del papel de la palabra: la heroína solo insinúa su transformación. Sin embargo, al mismo tiempo, se realza el papel de los medios orquestales con propiedades colorísticas (el movimiento tembloroso descendente de las cuerdas a lo largo de los sonidos de la "escala Rimsky-Korsakov", enfatizado por los movimientos tritonales de los bajos, contra los cuales el movimiento ascendente sonidos del acorde de séptima reducido del arpa con el corno inglés, y luego con el oboe). Las características del impresionismo en Rimsky-Korsakov tienen cimientos profundos, lo que se logra mediante el uso de temáticas musicales concentradas creadas en el "espíritu popular". En particular, en la escena de la Tormenta de nieve ("Kashchei the Deathless"), el "tematicismo del folclore" tiene una naturaleza de canto. Las técnicas de imitación son muy utilizadas por el compositor. En la escena, se escuchan signos de géneros tales como canciones rituales mágicas y mágicas, en parte trepak. Al mismo tiempo, la solución armónica de la escena está relacionada con la confianza en las revoluciones tritonales, así como en el "modo Rimsky-Korsakov" simétrico, que contribuye a la creación de una sonoridad impresionista de un paisaje fantástico de invierno. El precursor de "Kashchei" en la obra del compositor es el tercer acto de "Mlada" - "Noche en el monte Triglav" - una escena fantástica en el reino de Chernobog (en el mismo lugar, por cierto, algunos presagios de "The Golden Gallo" se ven). Rimsky-Korsakov a menudo amplía su paleta de colores atrayendo sonidos orientales. Los métodos de absolutización del momento y el color se manifiestan, por ejemplo, al exponer las características musicales de los héroes "orientales": la Reina de Shemakhan y el Astrólogo en la Introducción a la ópera "El gallo dorado", en la escena IV " La aparición de la reina Cleopatra" de III accionesópera-ballet "Mlada" En el último ejemplo, el primer tema de la heroína es especialmente indicativo. Es una melodía instrumental de improvisación que suena en el clarinete pequeño, la flauta piccolo y, a veces, el glissando de las cuerdas sobre el fondo del "bamboleo" medido de las cuerdas. El compositor utiliza una variedad de colores armónicos (variabilidad mayor-menor, pasajes basados ​​en los sonidos del modo lidio, cromatismos exquisitos, armonías disminuidas). Esto crea una atmósfera impresionista lánguida, fantasmal-fantástica.
N. Rimsky-Korsakov, mientras enseñaba en San Petersburgo, no pudo sino influir en sus colegas y estudiantes. Sin embargo, en las obras de este último, el impresionismo fue "refractado" a través del prisma de los estilos del autor, dando ejemplos de sus decisiones individuales.

foto fabulosa "Lago mágico" (1909) A. K. Lyadov se convirtió en la encarnación más sorprendente de los detalles del impresionismo musical ruso, creado de acuerdo con la cosmovisión centrada en la naturaleza. En particular, tanto las declaraciones de Lyadov sobre la historia de la creación de El lago mágico como la música misma dan testimonio del deseo del compositor no solo de representar el paisaje, sino también de transmitir sus impresiones. Todos los elementos temáticos musicales de "Magic Lake" crecen a partir del fondo vibrante. La quinta, tercera y segunda declaradas en la introducción se convierten en los granos de entonación más importantes. De ellos nacen micromotivos (“naturaleza”, “estrellas”, “salpicaduras de agua”, etc.) y motivos (“ naturaleza muerta”, “amanecer”, etc.). Sus cambios de variantes y combinaciones forman una especie de relieve desplegado, desapareciendo en la sonoridad de fondo. La unidad de entonación de la miniatura, con la constante modificación de los elementos temáticos, contribuye a la creación de una imagen de un paisaje estático en la obra, que cambia constantemente. Los elementos temáticos de Magic Lake tienen su propia pintura. Sin embargo, en ocasiones, de acuerdo con la intención creativa del compositor, adquieren diferentes matices (por ejemplo, por cambio de variante o transformación tímbrica). Así, el micromotivo de "estrellas" pasa por la celesta y la flauta, luego por la celesta y el arpa; el tema “sobre las ramas” es escuchado por el oboe, y luego trasladado a la flauta. Junto con un grupo de cuerdas de viento de madera, contribuyen a la creación de varias pinturas coloridas dentro de la miniatura: la transformación de un lago mágico, su vida misteriosa. Celesta y el arpa realzan la fabulosa imaginería. El compositor también concede gran importancia al pedal, que le da paisaje musical profundidad especial. En el "Lago Mágico" se distinguen tres etapas de transformación del paisaje: desde el atardecer hasta la noche y la madrugada. Cada una de sus próximas pinturas aparece bajo la influencia de una nueva impresión observada por el compositor. El trabajo de Lyadov es similar al "Mar" de Debussy, donde el paisaje también se muestra en un estado diferente. Sin embargo, el compositor francés encarna en marina impresiones de una persona que observa la naturaleza desde un lado. La naturaleza, a su vez, despierta en su alma estados de ánimo cercanos a este paisaje. Aquí la unidad se forma sólo entre el Hombre y su visión del Mundo. La naturaleza del “Lago Mágico” se percibe como un organismo vivo que tiene su propia alma, que Lyadov busca revelar a los oyentes al “disolver” al Hombre (y a sí mismo, y a cada oyente) en el Mundo contemplado. Es en esto en lo que radica la importante diferencia entre la visión del mundo centrada en la naturaleza y la centrada en el ser humano. Absolutizando los momentos de todas las transformaciones, el compositor encarna épicamente el tema impresionista de la naturaleza, contando los secretos de su vida. Una imagen de cuento de hadas se compara con un boceto. escenografía teatral: "atrapó" y transfirió al "lienzo" musical la belleza del paisaje de un lago misterioso perdido en el desierto, contra el cual puede comenzar la acción. El compositor transmite al oyente un esbozo de sus propias fantasías, obligando al oyente a fantasear, realizando así el tema de un sueño. Al mismo tiempo, Lyadov está infantilmente sorprendido por este Mundo, no se cansa de regocijarse con él y admirarlo. Se le compara con un camarógrafo, tratando de capturar cada cuadro de la transformación del paisaje, o un mago, queriendo dar vida a este paisaje y “disolverse” en él.

Fantasía "Fuegos artificiales" (1908) SI. Stravinsky- uno de los hitos notables del impresionismo ruso. La asociatividad de esta obra es tan grande que no solo se transmite al oyente la sensación de un estado entusiasta. Él, por así decirlo, se convierte en cómplice de toda la "acción", construyendo en su mente línea completa"pinturas" asociadas a diferentes tipos de fuegos artificiales. Todo tipo de fuegos artificiales: tocadiscos, fuentes, cascadas, cohetes, bolas, los efectos de explosiones, aplausos se "escuchan" en una variedad de técnicas de interpretación, colores de timbre, métodos de extracción de sonido. Entre ellos se encuentran coloridos pases de lista, pizzicato, jete, técnicas de divisi para cuerdas, sonidos cerrados para trompetas, tocar címbalos con baquetas de timbales. Gran valor adquiere el uso de timbres chispeantes: campanas, triángulo, arpa, címbalos, celesta en un registro alto (tal representación sonora se acerca a los colores del poema sinfónico "Las fuentes de Roma" de O. Respighi). La vívida asociatividad de la Fantasía de Stravinsky se logra por medios dinámicos, de tempo y armónicos. Hechizante con armonías disminuidas (principal elemento estructural"Fuegos artificiales"), las caprichosas "torceduras" de los temas en una tonalidad extendida, la "torsión" de pasajes cromáticos, el compositor crea una acción colorista sorprendente. Su fluidez hace que las tres secciones de la obra parezcan borrosas. Incluso los cambios de tempo y textura contrastantes no son capaces de distinguirlos en la percepción del oyente. Las coloridas "manchas-trazos" de "Fuegos artificiales", la fluidez, la fantasía, la imprevisibilidad de las asociaciones de imágenes emergentes crean una imagen impresionista de un festival de fuegos artificiales. Al mismo tiempo, Stravinsky, a diferencia de Lyadov, no busca "disolverse" en las coloridas cascadas de la acción del fuego. Más bien, se caracteriza por la unidad entre el Mundo y la visión del Mundo. En el centro de la atención del compositor está el Hombre regocijado: él mismo, ya sea el héroe de la multitud, presente en silencio en su obra, o el oyente, admirando, admirando y disfrutando de la interpretación. El impresionismo de I. Stravinsky, en mayor medida, se caracteriza por el pensamiento occidental. La confirmación vívida de esto es su ópera El ruiseñor, el ballet El pájaro de fuego. En las coloridas imágenes del ballet "El pájaro de fuego" las líneas contrastantes de personas (folklore) y criaturas de hadas(Impresionista) no son compatibles. Y aunque el compositor resuelve la segunda línea en el espíritu de las tradiciones de Rimsky-Korsakov, y la primera línea no carece de brillo, no se fusionan entre sí y la persona no se "disuelve" en los paisajes encantados de El reino de Kashcheev. Tal vez esta sea la raíz de la razón de la apertura de Igor Fedorovich a las más diversas corrientes de la época: a lo largo de su vida, en su obra, aparece como un Hombre Ruso que comparte con nosotros sus impresiones, incluidas las impresiones de las últimas técnicas compositivas. .

en muchas obras Nikolái Tcherepnin del período ruso, se puede rastrear una combinación armoniosa de la tradición "exótico-romántica" con la influencia de los impresionistas franceses (un boceto para orquesta para el cuento de hadas sobre el pájaro de fuego "El reino encantado", "Cuentos de hadas", seis ilustraciones musicales para el cuento de hadas "Sobre el pescador y el pez" de A. Pushkin, ballet "Narcissus and Echo", piezas de "14 Sketches for the Russian "ABC in Pictures" de Alexandre Benois"). El boceto para orquesta del cuento de hadas sobre el pájaro de fuego "El reino encantado" (1910) está en consonancia en muchos aspectos con el "Lago mágico". Al igual que Lyadov, Cherepnin centra su atención en los momentos de los paisajes vespertinos y nocturnos, en su transformación y estado de encantamiento, que nadie ni nada puede interrumpir. Absolutizándolos, el compositor se asemeja a un artista-decorador, luego a un camarógrafo, que acerca o aleja la imagen general, y en otros casos, a un artista de iluminación, que muestra el paisaje en diferentes puntos destacados. La "germinación" de todos los elementos temáticos de un solo "grano", inmerso en un timbre brillante y colores armónicos, crea el efecto de un movimiento estático. La mezcla variable y el resaltado del fondo con el relieve demuestran las asombrosas impresiones de una contemplación impresionista e infantilmente ingenua de lo fabuloso. La atmósfera de contemplación (somnolencia) la logra el compositor a través del método del colorido. Una imagen musical estática se "pinta" con admiración prolongada de un color (la mayoría de las veces, estos colores se asocian con el uso de un traste de tono completo y una tríada aumentada). Los medios de timbre, como ningún otro, contribuyen a fortalecer el lado fónico de la composición. Numerosos métodos de hacer sonar cuerdas (con sordinas, divisi, solo, col legno, etc.), instrumentos de viento e instrumentos tan coloridos como campanas, celesta, xilófono, arpa, piano, dan una "sensación" impresionista de sonido cercano al sonoro. Son ellos a quienes se les asigna una función importante: mostrar luces, luces y sombras, juegos de colores, etc. La implementación de métodos impresionistas de Tcherepnin destinados a realizar los temas de los cuentos de hadas, la naturaleza y los sueños revela no solo una visión del mundo centrada en la naturaleza, sino también centrada en el ser humano. En particular, no siempre se mantiene la asociatividad en miniatura, sujeta a la “disolución” del Hombre en el Mundo (como en Lyadov). Un ejemplo es el tema de “las tonadas del pájaro de fuego”, donde se puede hablar del dominio del Yo subjetivo sobre el Mundo (como en Debussy). La partitura del ballet "Narcissus and Echo", escrita para las "Estaciones rusas" de Diaghilev, pertenece a los logros más altos de Cherepnin como sinfonista y a un nuevo tipo de partitura de ballet, cuyo estilo musical fue determinado por el pictórico-pictórico. principio. Aquí no hay más números redondeados de ballet clásico. La plasticidad impresionista, la impresión visual, el pintoresquismo, una especie de estática de un panel decorativo pasaron a primer plano. En "Fairy Tales", continuando la tradición de "Children's Songs" de Lyadov, Cherepnin presenta sus propios elementos nuevos, que combinan libremente elementos del folclore y técnicas musicales y visuales contemporáneas: armonía caprichosa, ritmos caprichosos, melodías incompletas, etc. tiempo utilizó ingeniosa y sutilmente asociaciones con las obras de Debussy. En las ilustraciones musicales para el ABC, Benoit Tcherepnin creó una galería de dibujos e imágenes que entretienen la imaginación de los niños, entre las cuales las más llamativas fueron imágenes de la naturaleza ("Bosque"), países lejanos ("Egipto") y cuentos de hadas ( "Arap", "Baba Yagá"). En la obra "Arap", el personaje de las ferias rusas se recrea vívidamente: Arap bailando con un organillo falso, en cuya apariencia se adivinan elementos individuales del estilo de "Petrushka" de Stravinsky. La obra "Baba Yaga" también es efectiva. La naturaleza fantástica de las imágenes - el vuelo de Baba Yaga en un palo de escoba y su elegante silbato - se enfatizan mediante la técnica de una presentación "orquestal" de tres líneas, por así decirlo.

Interesantes tendencias impresionistas, manifestadas en la obra sergei prokofiev. Así que ya "Otoño" resucita bien imágenes famosas, que surgió antes en "Kashchei the Immortal" de Rimsky-Korsakov, pero el sombrío impresionismo de la obra (proveniente de "La isla de los muertos" de Rachmaninov), con todas sus características atractivas, es, de hecho, poco característico de Prokofiev. En musica " patito feo" y "Cinco poemas a los versos de Anna Akhmatova", algunos "Fleeting" hay algo de acuarela, proveniente de un brillo suave e impresionista, en el que se manifestó el creciente anhelo del compositor por las letras. En la partitura de la "Suite escita" Prokofiev puso todo el dominio de la escritura orquestal, que se formó sobre la base de las tradiciones clásicas rusas, pero en cierta medida se enriqueció con las influencias del impresionismo (percibido principalmente a través de Stravinsky), en particular, "discordancia, superponiendo un dibujo sobre un fondo sin mucho emparejándolos entre sí" (V .Karatygin).

A diferencia de las obras de los compositores de la escuela de San Petersburgo, en las obras de los autores de Moscú, los métodos impresionistas están presentes junto con otros no impresionistas, y están sujetos a los conceptos estéticos de los estilos de los autores individuales (y en mucha mayor medida). que en las obras de sus colegas de San Petersburgo). Sin embargo, en cierta medida también pueden considerarse en la esfera de influencia del impresionismo. Entre tales ejemplos se encuentran algunas páginas de creatividad. S.Rachmaninov("The Bright Holiday" de la Primera Suite para 2 pianos, el poema vocal-sinfónico "The Bells", muchos romances (Lilac, Ostrovok, etc.), Etudes-paintings), A. Scriabin(Preludios op. 11, "Poema-Nocturno" op. 61, 4ª, 5ª y 10ª sonatas, Prometeo), A. Stanchinski(algunos números de los Doce Bocetos, Nocturno), algunas composiciones M. Gnesina, G. Catuara.

en escritos Rachmaninov Los rasgos impresionistas aparecen sólo a nivel de la expresividad musical, en particular cuando se ejecuta el tema de las campanadas, cuya repetición en ostinato sobre el fondo de dos acordes de séptima (pequeña mayor y pequeña disminuida) reproduce un colorido impresionista, cercano a la campanada de campanas de diferentes tamaños. Sin embargo, detrás de la imitación externa de las campanadas, hay complejas procesos psicologicos Hombre pensante, destinado a ganar algún significado y esencia, un Hombre que se esfuerza por encontrar respuestas a las difíciles preguntas de la Existencia. Esto se ve como una tradición de M. P. Mussorgsky, quien logró encarnar, a través de las campanadas en la escena de la coronación de Boris Godunov, las dudas y sentimientos del zar al ascender al trono. El enfoque de Rachmaninoff es un Hombre que, bajo la influencia del sonido de una campana audible, encuentra las emociones apropiadas en sí mismo, y esto está en consonancia con el impresionismo en la tradición de una cosmovisión centrada en la naturaleza. Sin embargo, tales emociones son dotadas por el compositor de significados adicionales, por lo que no se forma la unidad inversa entre el Mundo y la visión del Mundo. El hombre, esforzándose por “disolverse” en el Mundo, no se fusiona con él, sino que sigue siendo un vagabundo en busca eterna que se ha dedicado al servicio. alto propósito. Como resultado, para Rachmaninoff, el método impresionista de colorear resulta ser una forma de transmitir el concepto-idea simbolista. Tal interpretación del impresionismo (solo a nivel de medios de expresión musical) en las composiciones. compositores de la escuela de Moscú es dominante Esto se debe en gran parte a las tradiciones de P. I. Tchaikovsky y S. I. Taneyev, en los conceptos de cuyas obras predominan la intelectualidad, una tendencia a la comprensión filosófica y una profunda experiencia de trastornos emocionales. Esto también se observa en las obras de sus seguidores: los músicos se sienten atraídos por imágenes subjetivas cargadas de psicologismo interior. No es de extrañar que la implementación de la tradición "exótico-romántica" en las obras de los moscovitas ocurra solo esporádicamente y esté sujeta a otras tareas estéticas.
Sin embargo, algunos autores, por ejemplo, I. Golubenko en el artículo "Levitan y Rachmaninov: el "paisaje de humor" lírico y el impresionismo ruso", llegan a la conclusión de que el contenido del trabajo de los dos maestros está dotado de un "sonido impresionista". ”. Además, el "sonido" del impresionismo precisamente ruso, cuya especificidad está determinada, en su opinión, por el lirismo de sus "paisajes de estados de ánimo", que se convierten no solo en un momento fijo de la primera impresión, sino que también actúan como “un medio para conocer el mundo que nos rodea y el lugar de una persona en él, un medio de “diálogo” con la naturaleza y esa “morada tranquila” en la que el alma encuentra paz y descanso”

En particular, tal apelación a los medios impresionistas es característica de AN Scriabin. Poco a poco convencido de su suprema misión como creador del Misterio, el compositor recurrió a su uso únicamente para enfatizar propiedades magicas Arte. La pintura sonora impresionista, sujeta a un impulso extático, fue “traducida” por él a la perspectiva de dimensiones místicas, extraterrestres, Universales. El uso del colorido impresionista en el marco de otros “escenarios” estéticos también es característico de las obras de G. L. Catoire (por ejemplo, el romance “Crepúsculo”), algunos "Cuentos" de N. K. Medtner, obras individuales de los "Doce bocetos" de A. V. Stanchinsky y otros.

Al mismo tiempo, en algunas obras de representantes de la escuela de compositores de Moscú, también se observa la influencia del impresionismo de Petersburgers. Así, cercano a la tradición "exótico-romántica" se encuentra VS Kalinnikov(introducción al segundo movimiento de la Primera Sinfonía). La creatividad es una excepción. Serguéi Vasilenko, que también absorbió las tradiciones y principios del trabajo de los compositores de San Petersburgo. La encarnación no solo de las técnicas técnicas del impresionismo, sino también de su estética se puede rastrear en sus poemas sinfónicos El jardín de la muerte, El vuelo de las brujas y La suite china. Particularmente indicativa es su obra "Echo of the Golden Lakes" de la VI parte de la "Suite China". A pesar de su cercanía con las “Bright Holiday”, la interpretación del sonido de la campana aquí no tiene un “subtexto” simbolista: el concepto de la obra parece ser similar al impresionismo de los autores de San Petersburgo (su visión del mundo centrada en la naturaleza). ). Absolutizando los momentos de imitación de los sonidos de las campanas y las piedras sagradas, Vasilenko busca transmitir al oyente el aliento mismo de la naturaleza: viento ligero, luz solar, agua clara, eco de un sonido melódico. Este paisaje se percibe como un boceto de una escenografía teatral, que el compositor “ve” con su mirada imparcial y demuestra armonía. cultura china conectando todo con tu estado de contemplación y ensoñación. Los medios coloristas también están destinados a esto (el uso de timbres resonantes y de sonido suave; la repetición ostinato de la figuración de acuerdo con los sonidos individuales de la escala pentatónica del arpa y el piano). Un estudio de obras individuales de compositores de la escuela de Moscú muestra que también poseen rasgos de impresionismo. Los métodos de absolutización del momento y la colorística manifestada en ellos traen una sensación de espacio, un estado de contemplación, ensoñación. Sin embargo, estos métodos no siempre son utilizados por los compositores de la escuela de Moscú en toda su extensión, ya que a menudo se imponen tareas de una estética completamente no impresionista.

Los procesos de transición de la historia rusa (no solo entre los siglos XIX y XX, sino a lo largo de todo el siglo XX) predeterminaron el impresionismo como un desarrollo mixto y rápido en un corto tiempo (alrededor de diez a quince años en total), y su sufrida suerte posterior (desde la exaltación admirativa hasta la negación desdeñosa). Es difícil imaginar cómo se habría desarrollado el destino de la corriente del impresionismo si no se hubieran producido en Rusia fatales acontecimientos revolucionarios; si I. Stravinsky (1914), S. Rachmaninov (1917), N. Cherepnin (1921) no hubieran dejado su tierra natal; si N. Rimsky-Korsakov y A. Lyadov hubieran vivido más, así como G. Catoire, V. Rebikov, A. Skryabin, A. Stanchinsky. Y, sin embargo, amigos, estudiantes, adherentes, seguidores de estos compositores permanecieron en Rusia. Por lo tanto, no sorprende que los métodos impresionistas se puedan rastrear en las obras de los maestros rusos y en otras condiciones estéticas. El impresionismo continúa manifestándose más tarde en el trabajo de varios compositores: estos son A. Alexandrov, S. Vasilenko, V. Deshevov, A. Dzegelyonok, L. Knipper, A. Crane, N. Rakov, A. Khachaturyan, S Feinberg, A. Shenshin, B. Shekhter. Los representantes de la "primera ola" de la vanguardia no pasaron por alto las aficiones del impresionismo en sus periodo temprano (A. Mosolov, N. Roslavets y etc.). En su obra, el principio impresionista está presente en otras condiciones estéticas: como parte de la búsqueda de nuevos medios de expresión. La influencia del impresionismo se puede rastrear en obras maduras. S. Prokófiev a (Escenas de la ópera "El amor de las tres naranjas", algunas técnicas armónicas y orquestales de "El ángel de fuego", Cinco melodías para violín y piano, incluso en una composición tan tardía como la 8ª sonata para piano). En las primeras sinfonías N. Miaskovski(8, 12, etc.) notable técnicas armónicas, característico de Debussy, hasta citas explícitas, como el tema de "Nubes" al comienzo de la 12ª sinfonía. Gueorgui Sviridov en las obras de los años 50-60 ("El poema en memoria de Sergei Yesenin", "Canciones de Kursk", etc.), continuando la búsqueda de Mussorgsky, Borodin (en parte también Debussy y Stravinsky) en el campo de la armonía en modo natural , libre de la funcionalidad tradicional de la mayor-menor europea, utilizó una variedad de cuartas y segundas armonías, complejos bi y polifuncionales, que tienen un significado puramente colorista. En estas composiciones de Sviridov, la estática colorida y la sofisticación del timbre, el comienzo impresionista, se fusionaron orgánicamente con el folk.

La aplicación específica de los métodos impresionistas se puede observar en la obra de los compositores de la segunda mitad del siglo XX: R. Shchedrin, A. Eshpay, R. Ledenev, N. Sidelnikov, E. Denisov. El predominio del método de absolutización del momento es evidente en el concierto para orquesta "Anillos" de R. Shchedrin. Las influencias y el apego de Andrey Eshpay a la escuela francesa de composición determinaron en parte características de su estilo como el colorido, la presentación pintoresca y el refinamiento del lenguaje armónico. La influencia impresionista también se siente en los cuentos de hadas rusos de N. Sidelnikov. El predominio del método del color se rastrea aquí. Para el compositor, el deseo de una representación sonora colorida de los bocetos característicos de "historias" está más cerca. Una combinación armoniosa de ambos métodos impresionistas se encuentra en el trabajo de R. Ledenev. Quizás por eso los investigadores llaman al estilo de su autor "neoimpresionista". En general, la encarnación del método de absolutización del momento se puede encontrar en técnicas de composición como la música espacial, el minimalismo. La capacidad de meditación inherente a este método también contribuye a su penetración en las técnicas dodecafónicas y aleatorias. El método de la colorística fue uno de los fundamentales para el desarrollo de la sonorística. Como resultado, la "vida" del impresionismo se extiende hasta nuestros días, que conserva su atractivo para futuras investigaciones.

Como aparato terminológico, que caracteriza las propiedades de la estética de este estilo, se pueden tomar formulaciones figurativas, pero acertadas y espaciosas, "lanzadas" una vez por L. Leroy: "impresión", "incompletitud", "libertad" y "suavidad". El impresionismo tiene dos métodos: "absolutización del momento" y "colorismo". El primero está asociado con el nivel semántico de las obras musicales (tema e imágenes), sus formas y géneros, y tiene como objetivo realizar propiedades estéticas tales como el deseo de transmitir una impresión y el principio de incompletitud. El segundo con los medios de expresividad musical (tematismo, textura, armonía, etc.) y revela las propiedades de "libertad" y "suavidad" de la encarnación. El estudio del impresionismo musical en las obras de los compositores rusos, teniendo en cuenta la cosmovisión y posiciones estéticas le permite determinar algunas de sus características. En las obras creadas en los primeros veinte años del siglo pasado, se realizan métodos impresionistas de absolutización del momento y el color, afines a las propiedades paneuropeas de las composiciones impresionistas. En la mente del oyente, también se crea una atmósfera de coloración colorida de las impresiones del mundo circundante, el tiempo se detiene, aparecen vibraciones de aire y agua apenas perceptibles, y cada pintura siguiente está inspirada por el compositor con una nueva impresión.

Reconstrucción" del impresionismo como tipo de visión artística y su comparación con mentalidad rusa destaca los aspectos ideológicos de este movimiento en Rusia.

Estética del impresionismo se basa en una tendencia destinada a expresar la posición ideal de una persona en el mundo. De acuerdo con esto, el proceso creativo también toma forma: mientras trabaja en una obra, el compositor prefiere encarnar las impresiones optimistas del mundo circundante. En los conceptos de las obras impresionistas, tales impresiones están determinadas por una serie de disposiciones estéticas: la unidad del Mundo y la visión del Mundo; un sentimiento de alegría de un Hombre en relación con el Mundo; inmediatez (infancia) percepción del Mundo; la belleza del mundo. La interpretación de estas disposiciones en diferentes escuelas nacionales es diferente. Así, para la tradición europea occidental, en particular, la francesa, está predeterminada por el dominio pronunciado del Yo subjetivo sobre el mundo, la visión del mundo centrada en el ser humano. En la tradición rusa, la interacción entre el hombre y el mundo suele ir acompañada de la "disolución" del yo subjetivo en el mundo y se define como visión del mundo centrada en la naturaleza. Esto resulta estar en consonancia con tales propiedades características de la mentalidad de una persona rusa como un sentimiento especial de las expansiones espaciales de la Tierra rusa, la capacidad de percibir y espiritualizar poéticamente el mundo casi pagano, pero al mismo tiempo idealizado. alrededor. Al mismo tiempo, hubo procesos de "intercambio cultural" entre Rusia y Francia. Esto nos permitió concluir que la cultura rusa, independientemente de la influencia francesa, podría desarrollar de forma independiente un concepto estético cercano al impresionismo.
Analizando las obras impresionistas de los compositores rusos y franceses, uno puede identificarlos similitudes. Esta es la falta de una trama narrativa consistente y un contraste pronunciado; preferencia por lo pintoresco (a menudo con rasgos incompletos) en las interpretaciones de género; el deseo de "oscurecer" los límites de la forma, su personal. A nivel del método de coloración, este es el uso, junto con temáticas concentradas, dispersas; compensación de relieve y fondo; manifestación de interés en armonías coloridas (aumentadas, reducidas), trastes con un color especial (tonos enteros, simétricos, pentatónicos), timbres que traen ambiente fabuloso(campanas, celesta, arpa, etc.) y contribuyendo a la asociatividad y, en ocasiones, a la representación sonora.

Sin embargo, enfatizan caracteristicas nacionales impresionismo. En particular, en la escuela de composición rusa se forman dentro de su tradición “exótico-romántica”, saturada de un color especial: entorno de entonación del folclore de la canción rusa, características de la épica y el orientalismo. En la implementación del método de absolutización instantánea, se puede rastrear el predominio de los siguientes temas: fabulosidad o mitología, sueños, vacaciones, naturaleza. Las tradiciones de la encarnación de la fabulosidad fueron establecidas por M.I. Glinka ("Ruslan y Lyudmila" - la escena del secuestro de Lyudmila) y encontró su continuación lógica en el "Lago mágico" de Lyadov, "El reino encantado" de Cherepnin, "Pájaro de fuego" de Stravinsky y otros. En la interpretación del tema mitológico, los temas de los sueños y la naturaleza, también se ve la proximidad a un cuento de hadas, que se manifiesta en la participación de elementos de transformación figurativa como la aparición, transformación y desaparición (el momento en que Narciso se convierte en una flor en Narciso y eco de Tcherepnin). Además, las obras para niños y sobre niños (La guardería de Mussorgsky, cuyas tradiciones continuó Tcherepnin en el ciclo vocal Fairy Tales), así como la mayoría de las novelas de amor de compositores rusos, están asociadas con el tema de los sueños.
En el ejemplo de la interpretación del tema de la naturaleza, se puede ver la diferencia en los enfoques de las tradiciones impresionista y no impresionista. Si en la estética del siglo XIX la naturaleza desempeñó el papel de trasfondo de los trastornos emocionales del Hombre (la escena de la ventisca en el final del Acto IV de la ópera Ivan Susanin de Glinka), o aparecía como un contraste con las experiencias humanas (el nocturno a la luz de la luna en el acto de la ópera Pan Voivode de Rimsky-Korsakov), entonces la estética impresionista, con su visión centrada en la naturaleza, asumió que el compositor, transmitiendo las impresiones del hermoso mundo circundante, parecía "disolverse" en él, inspirándolo y encontrando en él, una vida interior, a menudo fabulosa ("Narcissus and Echo" de Cherepnin, "Magic Lake" Lyadov, "Echo of the Golden Lakes" de la VI parte de la "Chinese Suite" de Vasilenko y otros).

Así que vamos a traer resultados. El impresionismo en Rusia a fines de los siglos XIX y XX no solo fue el resultado de la influencia de la cultura francesa, sino que también tuvo Propia manera desarrollo. Su base genética se puede rastrear en la tradición "exótico-romántica" de Rusia música XIX siglo, que predetermina la especificidad nacional. Como resultado, el impresionismo en Rusia resultó en un movimiento artístico holístico, cuyos signos fueron:
la presencia en Rusia de los primeros veinte años del siglo XX de un grupo de compositores relativamente unido, en sus visiones estéticas cercanas al impresionismo, incluidos Stravinsky, Cherepnin, Vasilenko, Lyadov, Prokofiev y otros;
la manifestación en la obra musical de estos compositores no sólo de métodos técnicos, sino también de una estética afín al impresionismo musical francés;
la formación del impresionismo, su formación en la música rusa está directamente relacionada con el trabajo de Rimsky-Korsakov (literario, musical), que tiene las características del impresionismo;
a pesar de la ausencia de un manifiesto anunciado que pudiera servir como factor de cimentación para unir a los músicos en una dirección, es obvio que se formó un análogo de tal asociación gracias a las actividades pedagógicas y sociales de Rimsky-Korsakov.
- los orígenes del impresionismo en Rusia se encuentran en la tradición "exótico-romántica";
- el camino del desarrollo del impresionismo en la música rusa tuvo dos "tendencias: la primera estuvo determinada por una visión del mundo específicamente rusa, la llamada centrada en la naturaleza, y estuvo asociada con la tradición" exótico-romántica ", desarrollada principalmente en el St. centrado en el ser humano: acumuló las tradiciones de los compositores de la escuela de Moscú;
- las características estilísticas del impresionismo musical tienen como objetivo transmitir la primera impresión y están asociadas con la implementación de métodos impresionistas de absolutización del momento (a nivel de temas, ideas e imágenes, género y forma) y color (con la ayuda de expresividad musical);
- Las características estilísticas mencionadas anteriormente del impresionismo musical en Rusia son específicas, ya que resaltan el color del folclore y el orientalismo de la canción rusa, las características épicas y las propiedades que recuerdan el esbozo teatral.
- la sinceridad, la actitud contemplativa hacia la naturaleza, un sentimiento especial del espacio - las extensiones de la Tierra rusa, características de una persona rusa, así como la capacidad de casi pagano, pero al mismo tiempo idealizado, percibir poéticamente y espiritualizar el mundo alrededor, se aproximan a la visión artística impresionista. La implementación de los principios estéticos del impresionismo en las obras de los compositores rusos se lleva a cabo con la ayuda de ciertos temas: fabulosidad o mitología, sueños, vacaciones, naturaleza.

Estudiar impresionismo en Rusia nunca ha sido sistémico. Aunque a principios de siglo en breves observaciones sobre el impresionismo como parte de notas críticas sobre conciertos ( V. G. Karatygin, V. I. Sokalsky, Yu. D. Engel), nuevo publicaciones musicales (B. V. Asafiev, V. V. Derzhanovsky), artículos dedicados al trabajo de compositores individuales (B. V. Asafiev, V. G. Karatygin), se expresa la idea de que los gérmenes de las búsquedas impresionistas de los compositores rusos están enraizados en el trabajo de los representantes de la Nueva Escuela Rusa, en el impresionismo que vieron principalmente signos de decadencia, en los años 1930 - formalismo, en los años de la posguerra - cosmopolitismo. Por razones objetivas, en la era soviética durante unos cincuenta años, los investigadores fueron extremadamente cautelosos con los temas que de alguna manera estaban relacionados con la manifestación del impresionismo. Hasta 1956 (XX Congreso del PCUS), la percepción negativa del impresionismo en todas las formas de arte dominó en el trabajo de investigación (S. P. Varshavsky, D. B. Kabalevsky, P. I. Lebedev, J. Reinhardt, etc.). Su valoración positiva ( B. V. Asafiev, Yu. V. Keldysh, Kremlev etc.) es condenado, y a veces juega un papel fatal en el destino de los investigadores (despido D. V. Zhitomirsky del Conservatorio de Moscú;). El punto de inflexión en la historia del pensamiento ruso sobre el impresionismo fue la discusión en marzo de 1957, donde se revisan "evaluaciones unilaterales e indiscriminadamente negativas del impresionismo que tuvieron lugar en la historia del arte soviético". Antes de esta discusión, I. Néstiev publicó en el periódico del conservatorio "Soviet Musician" el 4 de marzo un resumen de su discurso de apertura, en el que expuso los temas clave que requieren revisión. Una de las disposiciones importantes del artículo es la comprensión del impresionismo como tendencia en la música rusa. Como resultado, los estudios sobre la obra de los compositores impresionistas franceses comenzaron a fines de la década de 1950. Pero las características del impresionismo en la música rusa quedan fuera de la atención de los investigadores. Aparentemente, el recuerdo de las difíciles circunstancias de las actividades de los científicos bajo presión ideológica fue el motivo de su cautela: solo mencionan rasgos impresionistas en las obras "rusas" de I. F. Stravinsky V. V. Smirnov y B. M. Yarustovsky, S. S. Prokófiev - IV Nestiev; se indica la manifestación del impresionismo en el "Lago Mágico" de A. K. Lyadov N. V. Zaporozhets y M. K. Mikhailov; previsión del impresionismo en las obras de M. I. Glinka notas O. E. Levasheva, M. P. Mussorgsky - V. P. Bobrovsky, M. D. Sabinina etc. Un evento histórico para el estudio del impresionismo en Rusia fue la defensa de la disertación de V. A. Filippov (1974), cuyo tema fue el impresionismo ruso en la pintura. El crítico de arte trazó la historia del desarrollo del impresionismo en Rusia, incluido el trabajo de artistas de la primera mitad del siglo XIX y el período soviético. El período postsoviético estuvo marcado por la aparición de una serie de estudios de culturólogos nacionales (O. Yu. Astakhov, M. G. Dyakova), historiadores del arte (N. S. Dzhumaniyazova, O. I. Selivestrova), filólogos (V. E. Fedotova), filósofos (Yu. A . Griber), musicólogos ( TN Levaya), que gradualmente llenan los vacíos en el estudio de los detalles del impresionismo.

Se utilizaron materiales de la disertación de Aliya Saduova. 2002

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