Trabajo de curso: características innovadoras de la armonía en el ciclo de piano "Música infantil" S.S. Prokofiev
Institución educativa estatal regional de educación vocacional secundaria
Facultad de Música de Voronezh
trabajo de curso
Asunto: Armonía
en el tema: "Características innovadoras de la armonía en ciclo de piano
"Música Infantil" S.S. Prokofiev"
Realizado:
estudiante de 1er año
departamento teórico
Kondaurova Ekaterina
Supervisor
Mikhailova N. N.
Vorónezh 2010
Introducción
Identificación de medios innovadores en el ciclo de S. Prokofiev "Música infantil"
Conclusión
Bibliografía
Introducción
El mundo de la infancia con su ingenuidad, espontaneidad, curiosidad y energía indomable se refleja en la obra de muchos grandes compositores. JS Bach, J. Haydn, L. Mozart, R. Schumann, P. Tchaikovsky, M. Mussorgsky escribieron sobre niños y para niños. Al crear colecciones de repertorio infantil y obras de teatro individuales, establecieron varias tareas. J.S. Bach y L. Mozart en sus obras buscaron enseñar a los niños los trucos de tocar varios instrumentos; J. Haydn quería entretener y dar placer; en álbumes para niños de R. Schumann y P. Tchaikovsky, un intento de mirar el mundo a través de los ojos de un niño, y de M. Mussorgsky, para comprender el alma del niño y protegerlo de la injusticia.
En el siglo XX, S.S. Prokofiev recogió el "relevo" de la música infantil. Dmitry Kabalevsky dijo notablemente sobre esta faceta de su trabajo: "Muchos compusieron para pequeños amantes de la música ..., pero pocos prestaron tanta atención a esta área de creatividad, tanto pensamiento serio y calidez de corazón como Prokofiev prestó ” . Según V.Blok, gran compositor poseía un talento de un tipo especial para "recoger las llaves mágicas de los corazones de los niños, encontrar patrones que estén en consonancia con la cosmovisión infantil y, a su vez, enriquecer la percepción de los niños".
La música infantil de Prokofiev está representada por una amplia variedad de géneros. eso cuento sinfónico"Peter and the Wolf", suite "Winter Fire", canciones, ciclos de piezas para piano. Las imágenes de la infancia están impregnadas del ballet Cenicienta y la Séptima Sinfonía.
El tema de esta obra es el ciclo de miniaturas para piano "Música infantil" de S.S. Prokofiev. El creador del mencionado ciclo abordó su escritura como un compositor del siglo XX, un compositor innovador. El objetivo del trabajo es analizar técnicas innovadoras en el lenguaje armónico de estas piezas en comparación con la armonía clásica. La tarea del estudio es buscar colores de acordes específicos, revoluciones, comparaciones tonales.
El ciclo "Música infantil" fue escrito en 1935. Recordando la obra de este ciclo, el compositor escribió: “En el verano de 1935, en simultáneo con Romeo y Julieta, compuse piezas ligeras para niños, en las que despertó mi antiguo amor por las sonatas, que me pareció alcanzó su plenitud. infantilismo aquí.” Para el otoño, se había acumulado toda una docena de ellos, que luego ingresaron al ciclo denominado "Música infantil".
El compositor sintió con mucha precisión las imágenes y las entonaciones cerca de los niños. Y este, quizás, es el principal secreto de la popularidad de la "Música Infantil", que parece haberse asimilado a la percepción de los niños durante varias generaciones.
Todas las piezas incluidas en la colección tienen títulos de programa. Estos son bocetos de paisajes en acuarela ("Mañana", "Tarde", "Lluvia y arcoíris"), escenas en vivo de juegos infantiles ("Marzo", "Quince"), obras de baile ("Vals", "Tarantella"), sutil psico miniaturas, que transmiten experiencias infantiles ("Cuento de hadas", "Arrepentimiento").
Curiosamente, las doce piezas tienen una estructura de tres partes claramente definida. Está claro que la forma de tres partes, que combina el contraste y la repetición en la presentación de las principales ideas musicales, contribuye a la "conveniencia" de la percepción de la música destinada a los jóvenes oyentes e intérpretes.
Considerando la suite como un todo, uno puede notar una regularidad interesante de este ciclo: muchas de sus partes parecen tener algo en común en su contenido figurativo. Por lo tanto, la música de "Evenings" con su suave coloración "acuarela" se parece un poco a "Morning", "Fairy Tale" y "A Moon Walks Over the Meadows" sutil y discretamente introduce al pequeño oyente en el mundo mágico de lo fabuloso y canción. Este "pasar lista" de las partes extremas del ciclo (dos iniciales y dos finales) forma una especie de doble marco. Se sabe que técnica compositiva el encuadre existe no solo en la música, sino también en la literatura (enmarcar una historia con una narración "del autor"), en el folclore épico (el comienzo y el final de una epopeya por parte de un narrador), en el drama (prólogo y epílogo de una obra de teatro). ).
Las piezas de la suite de Prokofiev están relacionadas compositivamente, están unidas por línea de la historia una narración musical que describe los eventos del día de un niño, desde la mañana hasta la noche.
Identificación de medios innovadores en el ciclo C. Prokofiev "Para niños
música"
El ciclo se abre con la obra " Mañana". Este trabajo en miniatura le cuenta al oyente sobre el despertar de todo en la tierra: plantas, animales, personas, en una mañana brillante, tal vez de verano. Uno puede imaginar que el sol aún no ha salido, pero sus primeros rayos transparentes iluminan suavemente la naturaleza.
El compositor usa muchos trucos para encarnar un estado de ánimo matutino brillante: aquí hay una textura transparente, donde los registros altos y bajos están separados, y admirando los sonidos claros de las tríadas consonánticas, aquí hay una dinámica tranquila, desde diputado antes de páginas, mostrando todo el silencio y la tranquilidad de una mañana fresca. paso lento andante tranquilo crea la impresión de despertar después de un largo sueño: todo se despierta, tanto la naturaleza como las personas.
Como señala E. Trembovelsky, “Prokofiev no recurre aquí a medios de acción tan aguda como la poliacordia, la polifuncionalidad, la polimodalidad o la politonalidad, sino que inventa su propia versión de “poli”: el polirregistro. (…) El efecto “poli” se asegura mostrando cada una de las capas combinadas por separado de antemano.”
Considere algunos de los medios musicales de expresión utilizados por Prokofiev para transmitir el estado de ánimo de la mañana.
Primeros 2 acordes pieza musical son muy reveladores en su posición. El contraste entre los registros alto y bajo le da al oyente una sensación extraordinaria de que se enfrenta a los símbolos del día y la noche, la luz y la oscuridad, el sueño y el despertar. A pesar de que ambos acordes son iguales en su estructura, tonalidad y función (tríadas mayores tónicas en do-dur), sin embargo, suenan completamente diferentes. Por el contraste de los registros, parecen pertenecer a diferentes timbres: uno de ellos es ligero, suave, apacible, mientras que el otro absorbe con su color oscuro, densidad y alerta.
Estos acordes, así como 2 submotivos más, componen la frase, que es la base de toda la obra. Durante los primeros ocho compases, su variación rítmica y funcional se da tres veces. Con cada etapa de variación, hay una "clarificación" de la coloración funcional. Habiendo escuchado el motivo por primera vez, no podemos reconocer con precisión sus funciones armónicas (T-SII-T o T-D-T), solo gradualmente, en tres "variaciones", estas funciones se nos explican agregando matices en la melodía, creando armonía más completa. La última opción de armonización temática: T–S–DD–D–T. Es de destacar que la "clarificación" del significado funcional de los acordes es muy similar al efecto del despertar, cuando la conciencia se aclara y los objetos que tienen contornos borrosos en la oscuridad adquieren ciertas formas con el amanecer.
La nueva sección de la obra se abre con un tema "rastrero" con movimientos cromáticos en la voz más baja, que simboliza el sol naciente. Comenzando en un registro bajo, el tema sube más y más con cada compás.
Sobre su fondo, aparece una figuración de acordes en la voz superior, construida según los sonidos de la tríada de Do mayor y al mismo tiempo incluyendo las sextas entonaciones de la frase inicial. Da una sensación de luz y volumen. Si consideramos la base funcional de la nueva sección, podemos ver un cierto patrón en el uso de acordes en los primeros cuatro compases. Las funciones se ordenan estrictamente por tercios (T–III–D). Después del sonido del primer acorde de tónica, cada siguiente se diferencia del anterior por un sonido, formando un renacimiento gradual de armonías. En el quinto compás, tras el sonido de la armonía dominante, le sigue de repente la función subdominante (SII). Se sabe que tal movimiento armónico en la armonía clásica es inaceptable, pero es bastante apropiado para un compositor del siglo XX, el movimiento suena fresco y moderno. El acorde SII finaliza la primera frase de la nueva sección.
El comienzo de la siguiente construcción se basa en armonías subdominantes (acordes II y VI). La plagalidad de esta rotación le da al sonido suavidad y no conflicto. Esta secuencia conduce a una culminación de un tipo especial: un "clímax silencioso" (en lugar del habitual f el compositor presenta páginas y dulce). La nitidez de la armonía está dada por el acorde introducido por el propio Prokofiev, el llamado "dominante de Prokofiev" (no acorde dominante con una séptima aumentada), que se resuelve con éxito en la tónica.
La segunda sección de la sección central representa la nueva fase de "despertar". El compositor utiliza los mismos medios melódicos, solo con algunos cambios: las voces superior e inferior ahora se intercambian - la figuración armónica sobre los sonidos de la tríada en do mayor aparece en el bajo, y una melodía descendente ligera pasa en la soprano, similar a la que tuvo lugar por primera vez en voz baja. La solución funcional del tramo es algo similar a la anterior, sin embargo, también existen diferencias (T3 5 –D3 5 →VI 7 –S3 5 –D6 5 –SII3 5 –D 7). La construcción también termina en la “dominante de Prokofiev”, pero esta vez el compositor no usa D 9, sino D 7 con una séptima partida.
La repetición nos devuelve al estado de ánimo anterior.
Resumiendo las técnicas innovadoras utilizadas por Prokofiev en la primera obra del ciclo, enumeramos las principales:
1) El compositor utiliza la coloración fónica de las consonancias como un poderoso medio expresivo: al revelar el colorido de los registros, es posible crear el efecto del sonido de diferentes timbres (claro, transparente y grueso, oscuro) como símbolos del día. y noche, sueño y despertar;
2) El uso de la técnica del “quiet clímax”, poco utilizada en la música de los siglos XVIII-XIX (sobre páginas y dulce);
3) "Aclaración" de la coloración funcional: una técnica musical y artística, gracias a la cual el compositor se da cuenta de la intención artística de la obra;
4) El compositor utiliza principalmente acordes clásicos, pero a pesar de esto, a menudo se encuentran en la obra armonizaciones nuevas, no clásicas, que se generalizaron en el siglo XIX, en la era del romanticismo, por ejemplo, revoluciones elípticas. Prokofiev también agrega mucho propio, individual, a la música, por ejemplo: el dominante "Prokofiev" (dominante con una séptima aumentada).
Los últimos acordes de "Morning", como el resplandor del sol, son reemplazados por una pisada mesurada y suave. "Camina ».
"Caminar" trae alegría y alegría matutina. Todo a su alrededor se iluminó y animó. Entonces escuchas el andar infantil elástico y la canción matutina sin pretensiones.
Desde los primeros compases de la obra, el compositor da un ambiente alegre. Una pequeña introducción, construida sobre los sonidos de una tríada tónica (C-dur), y luego una escala escalonada sobre la función dominante transmiten toda la ferviente intención del compositor. A partir del 4º compás, la melodía ligera, sinuosa, ligeramente astuta, atrae al oyente, como si lo invitara a dar un paseo.
Prestemos atención a la técnica utilizada por el compositor: en lugar de una escala gradual, Prokofiev utiliza movimientos expresivos descendentes a la séptima. Esta técnica innovadora en la literatura musicológica se llama " pasos abiertos". La primera oración se basa en acordes clásicos (T3 5 -SII 2 -D3 5 -T3 5 -D3 5 -SII 2 -D4 3 -T3 5). Sin embargo, aquí el compositor también usa transiciones no clásicas, una elipsis de las armonías dominantes a las subdominantes (en la pieza anterior "Morning" esto ya se ha observado). La segunda oración tiene una similitud funcional con la primera, sin embargo, en ella el compositor usa las brillantes posibilidades del sistema mayor-menor, "mezclando" las tonalidades del mismo nombre: el Do mayor principal es repentinamente "invadido" por acordes de Do menor – Pasos VI y III. Para una clave mayor, estos pasos se reducen (esta técnica puede considerarse una de las favoritas de Prokofiev, ya que el compositor usó armonías inusuales tan brillantes en sus otras obras, por ejemplo, en el cuento de hadas sinfónico "Peter and the Wolf"). La oración termina de manera bastante tradicional: en las funciones DD–D–T.
La parte central de la pieza tiene un carácter ligero y bailable. Las armonías segunda y tercera se alternan en la textura del vals.
Resumamos las técnicas innovadoras:
1) "Gradación abierta": una técnica "inventada" por el propio Prokofiev, se convierte en una característica individual del estilo del compositor;
2) Utilizando los medios del sistema mayor-menor (del mismo nombre). Esta técnica no puede llamarse completamente nueva, fue utilizada intensamente por los compositores del siglo XIX, en el romanticismo. El de Prokofiev es uno de sus favoritos. El compositor usa todas sus variedades: el mismo nombre, paralelo y uno-terts (el más innovador de ellos, uno-terts, lo encontraremos en este ciclo, en las obras "Tarantella" y "Arrepentimiento").
"Cuento de hadas". Prokofiev nos presenta uno de los temas más misteriosos e interesantes para los niños: el reino de lo fabuloso. Solo en dos obras del ciclo, un sentimiento brillante y alegre da paso a la reflexión y la narrativa: en "El cuento" y "El arrepentimiento".
El carácter épico de la obra se revela desde las primeras notas. Una introducción lenta y tranquila de dos compases se arremolina dentro tercera menor en la voz más baja. La melodía conmovedora y sencilla recuerda a una canción rusa, sombreada expresivamente por el sobretono de las repeticiones de ostinato en la voz que la acompaña.
A lo largo de la primera sección de la obra se utiliza el La menor melódico, con sus manifestaciones típicas, cuando el movimiento melódico ascendente capta los pasos elevados VI y VII, y al descender, la naturalidad de la escala. Los segmentos con movimiento tipo gamma a lo largo de la escala natural son bastante numerosos. En este momento, la música parece adquirir un carácter épico ruso. Las características rusas también se manifiestan en la textura de la composición, donde se reemplazan una voz, dos voces contrastantes, una línea de dos voces que se duplica en una tercera o sexta. En el espíritu de un cuento de hadas ruso, la aparición de un episodio con una textura contrastante y un material temático (los ecos de los segundos que suenan nítidos crean la imagen de un personaje misterioso y tal vez incluso aterrador).
En cuanto al colorido funcional de la pieza, aquí el compositor usa muchas armonías "rusas" - dominante natural y VII grado, mediantes, frases plagales (t3 5 -SII 7 -t 6 -VII 6 -t 6 -III3 5 - t 6 -t3 5 - VII 6 –t 6 –t3 5 –D6 4 –t 6 –t3 5 –VII 6 –III3 5 –t3 5 –d 6 –VI 7 –d3 5 –S3 5 –d3 5 –d 2 –t 6).
La innovación radica aquí en la capacidad de Prokofiev para estilizar la música rusa de una manera nueva, muy original y moderna. Por un lado, el compositor implementa con éxito en la obra todas las características de la canción folclórica rusa, pero la música se percibe como una creación del nuevo siglo XX. Al mismo tiempo, es bastante difícil encontrar técnicas innovadoras distintivas. En primer lugar, no de inmediato, sino solo después de un análisis riguroso, resulta que el rango de esta "canción rusa" no es cantar en absoluto (undécima), no todos los cantantes pueden manejarlo.
En segundo lugar, los dibujos de texturas utilizados por Prokofiev no son comunes en la música instrumental europea de los siglos XVIII-XIX. Son típicos del folclore de la canción popular rusa. Su uso en una pieza para piano puede considerarse una técnica bastante audaz.
"Tarantela"- Danza italiana con movimientos rápidos. Para transmitir el carácter de un baile dinámico, el compositor usa muchos acentos agudos, cambios inesperados en las tonalidades. ¡Todo aquí es divertido, colorido, como en un carnaval!
La música de las secciones extremas de la Tarantella está marcada por la elasticidad del ritmo y la rapidez inherentes a la temperamental danza italiana. Desde las primeras notas, el continuo movimiento de tresillos da una pulsación a toda la pieza.
El primer motivo de cuatro compases se basa en la armonía tónica, pero el oyente no se aburre, ya que la naturaleza de la obra marca el paso y el ritmo. Estas 4 medidas pasan ante nosotros brillantemente y con la velocidad del rayo. El siguiente motivo es similar al primero en casi todo: en términos de número de compases, y en armonía, y en melodía.
Pero fijémonos en la tonalidad de estos dos motivos: d-moll y Des-dur. Una fuerte yuxtaposición de estas dos claves no relacionadas introduce inusualidad en la capa armónica de la sección. La yuxtaposición de tonalidades de una tercera es una de las técnicas innovadoras que utiliza el compositor en esta obra. Prestemos atención al plan tonal de la primera sección, donde hay una modulación desde la tonalidad de d-moll a Es-dur (compases 1-16). Su primera fase, como ya se señaló, es la comparación de claves de un tercio. Entonces la modulación se acumula de forma gradual: Des-dur - As-dur - Es-dur. Una nueva oración de c-moll (a través de desviaciones en la tonalidad Es-dur - B-dur) vuelve nuevamente a la tonalidad original de d-moll. Se llama especial atención a la naturaleza inusual de estas desviaciones. Por ejemplo, c-moll y Es-dur son tonalidades que están relacionadas en el grado I, sin embargo, el compositor se desvía hacia una nueva tonalidad muy de una manera inusual- a través de una tríada aumentada. Una situación similar se desarrolla con la transición de Es-dur a la tonalidad de B-dur (a través de un acorde de séptima reducido del 7° grado).
Las encantadoras melodías de la sección central, llenas de humor amable y una sonrisa, aportan un sorprendente contraste a la música de esta pieza. Al mismo tiempo, el pulso del movimiento vivo sigue siendo el mismo continuo, incansablemente enérgico. Sin embargo, no es solo la melodía lo que aporta tal contraste a la nueva sección. También está dado por la tonalidad que apareció por primera vez en este trabajo: D-dur. No fue casualidad que Prokofiev lo eligiera precisamente; después de todo, la tonalidad principal del trabajo es d-moll. Estos tonos son idénticos entre sí. Gracias a esta técnica, el compositor pudo encarnar vívidamente el cambio de humor, pero a pesar de esto, todavía hay una conexión entre las secciones (rítmica y textural).
Innovaciones:
1) El plan tonal, los métodos de transición a otras tonalidades, su comparación y la velocidad de los cambios de tonalidad en su conjunto pasan a primer plano del trabajo.
2) El uso de los medios del sistema de un tercio (relativo a lo nuevo, dando lugar a una tonalidad extendida).
"Arrepentimiento"- la más "seria" de las 12 piezas. El compositor está tratando de transmitir los sentimientos de un niño, quizás por primera vez en su vida pensando en algún tema muy importante y por primera vez reaccionando con severidad a sus fechorías. La obra está dominada por el psicologismo de la narración musical, la profunda revelación del mundo interior del niño.
La melodiosa melodía de esta miniatura no está exenta de expresiva declamación. Si presta atención a la capa armónica de la sección inicial, puede notar de inmediato que no difiere en complejidad.
La función tónica tiene una duración de cuatro compases, solo múltiples retrasos en la voz superior agregan variedad. Las segundas entonaciones descendentes, como en los tiempos lejanos de la formación de “figuras retóricas” en la música, crean un sentimiento de llanto y suspiro de un niño arrepentido. La voz inferior se basa en los sonidos de la tríada tónica. Con la aparición del giro frigio en el quinto compás (VII 6 -VI 6 -d 6 -S 6 -D), se produce un cambio, el desarrollo de una figura melódica, tanto en la voz superior como en la inferior. La línea descendente de ambas voces también se puede tomar como " figura retorica- el estado de ánimo caído de un niño pensativo. Con la segunda oración, cuya voz superior se encuentra una octava más alta, hay una variación: la aparición de cantos, cantos, la voz inferior ahora "canta" al unísono con la superior. La construcción remata en la función dominante, lo que dota a la obra de una clara tensión.
La sección corta del medio, que consta de solo ocho compases, es un ligero contraste con las entonaciones "llorosas" de la primera sección. La voz más baja conduce su propia melodía, a base de movimientos cromáticos, llena de reflejo y reflexión. La voz superior, que se presenta en movimientos arpegiados, como si desencadenara largas reflexiones, da rienda suelta para abrirse paso entre otros pensamientos brillantes que interesan al niño. Pero, al final, los pensamientos serios siguen prevaleciendo sobre los brillantes y alegres.
En cuanto a la coloración funcional, el compositor utiliza armonías que no son características de la música clásica (VI-III-DDVII 7 con un tercio aumentado - D). Como veis, el tramo empieza inestable, a partir de la etapa VI, lo que requiere un cierto desarrollo. Este episodio se puede comparar hasta cierto punto con la sección intermedia "Mañana", pero no en términos de carácter, no en términos de funciones, sino en términos de estructura melódica (la voz más baja lidera su tema, por lo que pasa a primer plano. El la voz alta en estos casos es un acompañamiento).
En la repetición, el tema inicial vuelve a ser variado. En la primera frase, en lugar de estirar cuartos, aparecen octavas duraciones, dando desarrollo a la obra. En la segunda frase tiene lugar el clímax de toda la obra. A pesar de que actualmente se está utilizando páginas, la culminación se logra por una fuerte yuxtaposición - en lugar de VII 6, aparece un nuevo acorde, no utilizado previamente ni en esta pieza ni en otra obra de este ciclo, - un acorde de VI elevado (recepción de un tono mayor- sistema menor) Esta técnica de un cambio brusco es claramente innovadora. Se puede suponer que el compositor tomó este acorde de la tonalidad de D-dur para transmitir claridad y contraste. En cuanto a la técnica del clímax silencioso, Prokofiev ya la utilizó en este ciclo (en la obra "Mañana"). Pero el compositor no se detiene allí, en conclusión, utiliza otra de las técnicas que ya nos son familiares, de las que probablemente se enamoró: una combinación de teclas de un tercio (después de usar un acorde en sol moll (S), usa un acorde en la tonalidad de Ges-dur, que es para la tonalidad principal d-moll IV con un paso más bajo).
Innovaciones:
1) Uso de un sistema mayor-menor de una altura.
"Vals". El gracioso vals nos hace recordar inmediatamente las mejores páginas de los ballets de Prokofiev.
Un vuelo especial, la ligereza de la melodía da un movimiento ascendente. El comienzo fuera de ritmo de las frases cortas crea la impresión de un giro suave y arremolinado.
Incluso una disonancia brillante en un tiempo fuerte (séptima mayor en A-Sharp) no da una sensación de agudeza debido a la armonía tónica repetida en el acompañamiento y la técnica de retrasar el tono principal en la melodía. Gracias a estos retrasos, la melodía se vuelve aún más expresiva. Los tercios que caen completan suavemente la construcción inicial. Los próximos verticilos elípticos son D→(II); SII6 5 →(II); D2→(D); D6 5 →(S) - dar al tema del vals cierta subestimación, emoción, impetuosidad.
La cadena de desviaciones (cis→fis→h→E→A) devuelve el vals a su tonalidad original. El primer tema del vals vuelve a sonar, sin embargo, con un ligero cambio: se incluye una gradación abierta en el proceso de modelado (ya conocemos esta técnica del compositor, fue utilizada por Prokofiev en The Walk). "Amplía las posibilidades espaciales de la música".
El segundo tema del vals se asemeja a un pequeño solo de ballet. Es grácil y algo caprichoso gracias a las insistentes figuras rítmicas del acompañamiento.
“Los vuelos de registro en registro de la melodía y el acompañamiento se superponen, violan el campo libre del sonido y otras reglas de la dirección de voz clásica”. Esta técnica, junto con el "paso abierto", es una característica innovadora del estilo pianístico de Prokofiev.
"Procesión de Saltamontes"- un scherzo en miniatura con características de marcha. Las entonaciones de fanfarria enérgicas prevalecen aquí. La pieza alegre se asemeja a un galope alegre, algo angular.
el principal remedio expresividad musical, utilizado por Prokofiev en esta obra, es un ritmo punteado con breves pausas, creando la imagen de saltamontes saltando sobre patas largas y angularmente curvadas. Desde los primeros compases, el compositor plasma ingeniosamente la idea de su obra. La aproximación de Prokofiev al lado armónico de la obra es muy interesante.
El acorde agudo en el tercer compás confunde un poco a los oyentes e intérpretes. A primera vista, pertenece a la clave principal de B-dur, donde es un terzquartakchord introductorio reducido (mind DVII4 3), que consiste en los sonidos de E-bemol-G-bemol-A-C. Sin embargo, surge la pregunta, ¿por qué Prokofiev usa fa sostenido en lugar de sol bemol en el texto musical? De hecho, en la tonalidad de B-dur, según las reglas de la escala cromática, no se utiliza tal nota. La respuesta puede ser el siguiente acorde, en el que se resuelve esta mente misteriosa DVII4 3 . El acorde se resuelve en SII 6, lo que cambia por completo su propósito. Ahora podemos decir con certeza que este colorido acorde es un segundo acorde de doble dominante disminuido en la tonalidad de do-mol. Y aquí es fa sostenido, no sol bemol, eso es parte de este acorde.
Con la segunda oración, cambia la designación de las voces superior e inferior.
Ahora el tema de los ágiles saltamontes se traslada a línea de bajo. En cuanto al plan funcional de esta oración, no cambia con respecto a la primera (T-mind DDVII 2 →SII 6 −D−T).
La sección central de la pieza es muy cautelosa y reservada. ¡Quizás nuestros saltamontes ahora están jugando al escondite con niños curiosos que los observan con gran interés y les encantaría atraparlos! ¡Pero los saltamontes son muy diestros y no es tan fácil lidiar con ellos!
Para transmitir un mayor misterio, el compositor utiliza el tempo poco yo no mosso, así como un patrón melódico muy peculiar con muchos saltos. Ambas voces están al unísono, lo que sugiere una cautela aún mayor. Para transmitir este carácter, el compositor vuelve a utilizar armonías bastante interesantes (T–DD +1 –T–VI–D–S–T). Como ya hemos advertido, una de las más llamativas es la doble dominante con prima aumentada, que dota a la pieza de mayor misterio.
"Lluvia y arcoiris" percibido como un pequeño intermezzo, que es un ejemplo interesante de la grabación de sonido colorista de Prokofiev. Al comienzo de la obra, la música dibuja un tono aburrido, humor triste¡No puedes salir a la calle por la lluvia! Y entonces patrones caprichosos melodías iluminaron de repente este paisaje aburrido con sus reflejos iridiscentes. La melodía amplia y melodiosa se asocia involuntariamente con el arco iris.
Las gotas de lluvia que caen se representan utilizando acordes compuestos por segundos, repetición de sonidos, una combinación de armonías cromáticas nítidas y diatónicas claras y transparentes. Tales acordes, que constan de tres o cuatro notas, se llaman racimos. Se mezclan a la perfección entre sí, dejando la impresión de borrosa pinturas de acuarela. Los artistas impresionistas utilizaron tales técnicas porque sus pinturas no tienen claridad, sino que, por el contrario, parecen consistir en trazos brillantes separados. Es de destacar que el plan tonal de la obra también se desdibuja. Desde las primeras notas, el tono de la obra es completamente confuso para el oyente. Tal vez aquí d-moll? Después de todo, es con la nota "re" que comienza la obra. ¿O tal vez G-dur? El primer compás se puede tomar como dominante de esta clave. Y otro oyente, tal vez, dirá que aquí no hay tonalidad en absoluto. Y recién en el cuarto compás de esta obra en miniatura, finalmente, llega una aclaración, tanto en cuanto a la tonalidad como en la idea misma de la pieza. Podemos escuchar claramente todos los sonidos de un acorde de do mayor. ¡Uno puede imaginar que la lluvia finalmente ha cesado y los rayos del sol ahora iluminan todo a su alrededor!
Tanto aquí como en la obra "Morning" el compositor utiliza el juego de registros pianísticos lejanos. Esto crea un sentimiento gran espacio entre la tierra y el cielo, los árboles y las nubes.
Como se señala en el estudio de E.B. Trembovelsky, en la pieza "Lluvia y arcoíris", junto con los racimos, "hay signos originales de otras técnicas modernas - reposición de la escala, economía de tonos, complementariedad de consonancias... que sirven como medios para ampliar y modificar las tradicionales do mayor".
"Quince"- una de las obras más divertidas y enérgicas del ciclo. Se puede comparar con una carrera incontrolablemente juguetona. Por la naturaleza de la música y el patrón melódico, así como por la textura de la presentación, "Fifteen" se hace eco de la "Tarantella". Pero si en "Tarantella" el baile captura a todos, entonces en "Fifteen" podemos imaginar cómo corren los niños, tratando de alcanzarse y cambiando constantemente de dirección. Hay muchas travesuras alegres, humor, sonrisas, giros melódicos inesperados y acentos en esta obra: "pinchazos" (en este caso, "Quince" tiene algunas similitudes con "Procesión de saltamontes").
El personaje de "Quince" permanece sin cambios a lo largo de la obra. Esto se ve facilitado por el ritmo dinámico del "triol", que le da a la pieza una cierta pulsación (la sensación de tresillos surge del hecho de que la pieza en compás de 6/8 suena a un ritmo muy rápido). Las figuraciones rítmicas en voz alta se repiten a lo largo de la pieza, pero al final de cada frase todavía hay un “stop”, donde se utilizan pausas o duraciones más largas. Surge un momento sonoro-pictórico, dibujando con la ayuda del ritmo un correteo infantil quisquilloso, interrumpido por breves pausas. Rápido vivos le da a "Quince" el carácter de un juego divertido.
La forma de esta pieza es una combinación de tripartito y rondalidad. El tema principal aparece 3 veces en la obra. El último cuatro compases también está construido sobre su material. La variabilidad, la inconstancia de los juegos infantiles lúdicos que Prokofiev transmite con la ayuda de numerosas modulaciones y comparaciones agudas.
En casi todas las piezas del ciclo, Prokofiev utiliza tonalidades con un número mínimo de signos de tonalidad, pero las enriquece con la introducción de dominantes mayores-menores, alteradas y dobles dominantes, y agudizando la gravedad de los acordes. Fenómenos similares se pueden encontrar en esta obra.
La primera parte de "Quince" está escrita en forma de un período de construcción repetida de una estructura cuadrada (A). Ya en la frase inicial de la primera oración, hay una modulación de la tonalidad de F-dur a C-dur a través de DDVII4 3 ; la segunda frase, como respuesta, nos devuelve a la clave original. En la siguiente oración, el plan tonal se enriquece con una yuxtaposición de contraste de C-dur - Es-dur y la posterior modulación en B-dur.
La segunda sección consta de varios episodios contrastantes e introducciones del tema principal en C-dur (con su modulación habitual en la dominante). El primer episodio (B) es un período de 8 compases, cuyo tema se basa en la armonía inestable de la mente DVII 2 a la clave principal.
El próximo episodio del personaje de la marcha (C) combina elementos de mayor y menor con la tónica C. Los acentos brillantes, desplazados a la segunda parte, se ven reforzados por la multifuncionalidad (combinación de S y D). Al final de la construcción, ambos diversos acordes se resuelven simultáneamente en la tónica, y varias veces, enfatizando la cadencia de la rotación. Esta es la primera vez que se utiliza esta técnica en este ciclo.
La siguiente sección de la sección central es el regreso del tema principal. Para equilibrar la forma, Prokofiev lo sigue con el episodio ai (C), pero en un registro más alto. Al mismo tiempo, la resolución de los acordes acentuados se produce en violación de las reglas de conducción de voces, a distancia.
La tercera parte de repetición de la forma es la celebración del tema (A) en la tonalidad principal, pero la estructura de la repetición difiere de la estructura de la parte I, ya que Prokofiev introduce 2 episodios nuevos más en ella. El primer episodio (D) se construye sobre la armonía del acorde bajo de séptima del VI y su resolución a la dominante.
La melodía del segundo episodio (E) se basa en un movimiento gamma descendente, que nuevamente conduce a la polifuncionalidad (combinación de D y DD +1).
Esta construcción es abierta, a través de ella el compositor devuelve el tema a la tonalidad principal. Su última ejecución tiene lugar en versión comprimida (4 x medida).
Las principales características innovadoras de esta pieza son las modulaciones múltiples, el uso de acordes polifuncionales mayores-menores y brillantes en los giros de cadencia. En la forma de la obra, se viola una estructura clara de tres partes, hay signos de una forma rondó (el tema basado "Quince" se ejecuta no solo en las partes extremas, sino también en el medio, representando un estribillo). La estructura de la obra se puede representar mediante un esquema condicional:
"Marzo". La música clásica mundial y rusa tiene muchas marchas de títeres de juguete (por ejemplo, Tchaikovsky tiene una marcha del ballet El cascanueces, Marcha de los soldados de madera del Álbum infantil, Marcha de los soldados de Schumann). Desarrollando estas tradiciones, Prokofiev no pierde las cualidades únicas de su propio estilo.
La marcha combina una especie de colorido "juguete" (especialmente en la sección central) con entonaciones sutilmente transformadas de la canción de un soldado atrevido. El estado de ánimo de la marcha está marcado por una pulsación continua e ininterrumpida y los ritmos y trazos correspondientes a este género (uso de una línea punteada, énfasis en los tiempos fuertes), así como un tempo moderado. La tonalidad más accesible para los niños: C-dur, notas de adorno traviesas y angulares. sonidos no acordes, repitiendo persistentemente movimientos cromáticos.
La marcha está escrita en forma de repetición en dos partes. La parte I de la obra es un período de reconstrucción. La segunda oración del período comienza con una fuerte yuxtaposición (F-dur), como si se incluyeran nuevos personajes en el juego. La alternancia de Tónica y Dominante con una quinta partida le da a la marcha torpeza y entusiasmo al mismo tiempo.
En la secuencia armónica, hay una gran variedad de acordes del grupo dominante, entre ellos: D, D 6, D 7, D -5, D -5 +5, DVII 2. Al final del movimiento I, el C-dur original regresa con un giro de cadencia inusual (un acorde III más bajo se superpone al bajo dominante, lo que puede considerarse como una especie de retraso colorista a D 7).
La parte II de la pieza comienza con la formación gradual de A-dur. La melodía principal está cubierta de segundos "grupos". Cuando se repite, se agregan movimientos de octava de barrido. El clímax cae en la segunda oración, que actúa como una recapitulación. El tema principal ahora suena más insistente gracias a un cambio de registro (en comparación con la construcción inicial) y una nueva figuración rítmica en el bajo.
Una característica innovadora de esta pieza es una combinación orgánica de diatónica y cromática, una variedad de armonías dominantes, incluidas las dominantes con una quinta dividida, la transformación gradual de una nota en un grupo de varias capas, un retraso inusual a D 7 usando III- 5 pasos
"Tardecita" recuerda a un pequeño nocturno poético, caracterizado por la ternura de los colores musicales de la acuarela. La música de "Evening" no se parece en nada a la música de "Morning", pero claramente se cruza con ella. Allí, los primeros rayos del sol dispersaron las sombras nocturnas, aquí, el crepúsculo vespertino viene a reemplazar los últimos rayos del sol vespertino.
Prokofiev en esta obra se esfuerza por lograr la máxima claridad. Se basa en el tripartito. Pero el principal medio expresivo es la yuxtaposición tonal de partes: F-dur-As-dur-F-dur.
La transparencia del sonido en la parte I se logra utilizando los registros medio y superior y la dinámica amortiguada. La diatónica del período inicial solo se rompe ocasionalmente por consonancias agudas con un tono bifurcado.
El ritmo par, con carácter de narración, es sustituido por figuraciones de acordes polifuncionales (T y DDVII; SVI y DDVII).
La tonalidad del II grado de parentesco As-dur se introduce en la parte media por comparación contrastante. Aquí también hay un contraste de registro: aparece un punto de órgano tónico en el registro inferior. Luego hay otro cambio brusco en la tonalidad: el As-dur saturado se reemplaza por un C-dur ligero. Los compases finales de la sección central están abiertos. Hay una parada en el dominante a moll, como si el autor nos estuviera haciendo una pregunta, o es una exclamación de sorpresa.
En la repetición, la melodía vuelve a su forma original, pero la textura del acompañamiento cambia ligeramente. Se vuelve como un vals.
A diferencia de otras piezas, Prokofiev no busca aquí saturar el tejido musical con acordes alterados, multifuncionalidad y relaciones complejas dentro del modo. Las disonancias brillantes aparecen aquí solo esporádicamente, como reservadas por el compositor para el momento de detención en la melodía. Todos los medios expresivos tienen como objetivo mostrar las características nacionales de la melodía y la armonía rusas.
"La luna camina sobre los prados"- esta es una imagen maravillosa de la naturaleza, tranquila y poética, durmiendo tranquilamente, ligeramente iluminada por el brillo frío de la luna que flota en el cielo nocturno. En términos de pureza del patrón melódico y ritmo tranquilo y suave, esta pequeña pieza está cerca de las canciones rusas de baile redondo.
En la obra "La luna camina sobre los prados", el compositor creó una imagen que está cerca de las canciones persistentes populares rusas, hay un color ligero, fabuloso y mágico. La naturaleza soñadora y reflexiva de la música es creada por una melodía suave y melodiosa, un acompañamiento suave y viscoso. Al comienzo de la composición, debido a los medios expresivos musicales, el compositor crea una imagen ligera y suave de la obra, pero luego la atención de los oyentes es captada por una música triste, triste y seria. La segunda parte de la pieza comienza en un registro bajo, misteriosamente, con cautela. Probablemente, el mes se escondió en la niebla o las nubes, solo quedó su reflejo, y la melodía se volvió más triste, fruncida, oscurecida. Pero luego la música se iluminó por un momento, sonó alta, tranquila, transparente, como si la luz de la luna iluminara nuevamente la naturaleza y las estrellas brillaran en el cielo.
La música de S. Prokofiev también es muy ligera, pausada, tranquila, soñadora, hechizada.
Una pequeña introducción de un compás suena muy simple: el compositor usa una tríada tónica extendida. El tema de la obra se basa en la armonía tónico-subdominante (T–S–S–T). Tales frases plagales son en gran medida características de la música rusa. Si comparamos tal estructura armónica con la clásica, entonces podemos encontrar algo en común, pero los clásicos usan la estructura pregunta-respuesta (T-D-D-T), y el giro inicial de esta pieza es, según E. Trembovelsky, su plagal modificación, que es una característica innovadora del estilo de Prokofiev. El primer período de la obra se basa en otras funciones armónicas, tan sencillas y ligeras como en tema principal, pero más propio de la música clásica (T–D–VI–D–T–D).
Conclusión
piano armónico pionero de Prokofiev
En la literatura musicológica, se reconoce que la armonía de Prokofiev es un vívido ejemplo del estilo armónico moderno, que utiliza ampliamente nuevos posibilidades expresivas y al mismo tiempo manteniendo una clara línea de sucesión.
En el ciclo “Música Infantil” S.S. Prokofiev utiliza muchas de las últimas técnicas, que incluyen:
1) El uso de la coloración fónica de las consonancias como poderoso medio de expresión;
2) Utilizando la técnica del "clímax silencioso";
3) "Aclaración" de la coloración funcional - implementación intención artística obras;
4) El uso de la armonización no clásica, incluida la introducción de la dominante "Prokofiev";
5) Recepción de "graduación abierta";
6) Utilizando los medios del sistema mayor-menor (del mismo nombre);
7) Estilización peculiar y moderna de la música rusa;
8) Modos de transición a otras claves, su comparación y la velocidad de cambios de claves;
9) Uso de los medios del sistema de un tercio;
10) Recepción de un sistema mayor-menor de una altura.
Según Y. Kholopov, “Prokofiev demostró de manera convincente que la nueva armonía nos permite expresar el nuevo contenido del arte de nuestro tiempo con mayor fuerza emocional e inmediatez, con mayor agudeza y penetración que la antigua armonía. Rechazando las convenciones de las formas de la vieja armonía, música nueva alcanza la perfección que alcanzó la antigua armonía, habiendo abandonado en un momento las normas y restricciones convencionales de la era que la precedió. La nueva armonía en la persona de Prokofiev también demostró que, habiendo abandonado el sistema armonioso de medios de la organización lógica de la vieja armonía, encuentra en sí mismo nuevas posibilidades para tal organización, logrando la lógica musical y la belleza con nuevos medios.
Bibliografía
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7. Jolopov Yu. Características modernas Las armonías de Prokofiev. - M.: Música, 1967.
8. Kholopov Yu. Ensayos sobre la armonía moderna. − M.: Muzyka, 1973.
Desarrollo metódico
"Música Infantil"
Interpretado por Tikhonova I. M.,
profesor de piano
"Música infantil" de S. Prokofiev
Las obras para piano de S. Prokofiev son unas de las más paginas interesantes su creatividad Se caracterizan por la luz y la alegría, el entusiasmo y la energía juvenil, así como rasgos profundamente líricos.
El ciclo de Música Infantil, opus 65, creado en 1935, consta de 12 piezas fáciles. “Música Infantil” son imágenes de la naturaleza y la diversión de los niños, un boceto de un día de verano desde la mañana hasta la noche. Siguiendo el ejemplo de las obras infantiles de R. Schumann y P. Tchaikovsky, todas tienen títulos de programa que ayudan a comprender mejor el contenido de las obras. La música atrae con la novedad del estilo, cautiva con la estructura de entonación de las melodías, los colores armónicos, las modulaciones, las características compositor maduro. Todas las piezas están escritas en forma de tres partes con elementos de sonatinidad.
S. Prokofiev es muy inventivo en la creación de una presentación de piano. Utiliza saltos, cruces, clusters, punto de órgano, figuras rítmicas de ostinato.
Todo el ciclo está impregnado de color de canción rusa, giros de entonación popular.
La música infantil mundial para piano tiene una rica tradición de larga data, por lo que Prokofiev se enfrentó a tareas de gran complejidad artística. Los manejó brillantemente. S. Prokofiev logró transmitir la cosmovisión del niño mismo y no crear música sobre él o para él.
Nº 1. "Mañana".
El cuadro de la jornada, plagado de paseos y juegos, cuentos y canciones que componen el contenido del ciclo Música Infantil, se abre con la obra La mañana. S. Prokofiev crea una imagen musical expresiva a través de armonías claras y melodías ligeras. El silencio, la paz, la alegría de encontrarse con un niño que se ha despertado con un nuevo día: este es el contenido de esta hermosa obra.
Aquí se logra una sensación de perspectiva sónica mediante el uso de los registros extremos del piano. El pedal derecho juega un papel importante en esto. Debe recordarse que el pedal debe presionarse después de escuchar un sonido o acorde, y el pedal debe retirarse exactamente junto con la eliminación del sonido o acorde.
Las tríadas de do mayor en ambas manos deben sonar suaves pero profundas; en el bajo, se enfatiza el sonido inferior, en la parte de la mano derecha, se enfatiza el sonido superior.
Los comentarios expresivos en la segunda mitad de los compases 1, 3, 5, 7 se realizan estrictamente en legato.
El episodio central se divide en dos partes. El primero se basa en una yuxtaposición colorista de la melodía de gravemente que fluye lentamente y con un sonido completo en el bajo y el suave balanceo de fondo de las octavas suaves en los registros medio y alto. Estos octavos se pueden representar como en un sonido de violín. Las ligas de dos notas no deben romper el hilo melódico continuo del acompañamiento: crear un movimiento ondulatorio y medido es el objetivo de la interpretación.
La mano derecha en este episodio debe moverse suave y flexiblemente. A Chopin le gustaba decir en tales casos: "El pincel debe respirar". Los dedos tocan suavemente las teclas sin profundizar en ellas. Por el contrario, los dedos de la mano izquierda, que conducen la melodía principal, penetran profundamente en el teclado, sintiendo la parte inferior de la tecla.
Es necesario asegurarse de que cada nota larga no se acentúe, el intérprete debe tener suficiente "aliento" para los segmentos melódicos grandes (están marcados con ligas).
En la segunda parte del medio, las manos derecha e izquierda cambian de rol. A pesar del registro bajo y el pedaleo constante, se debe evitar un sonido pesado.
Nº 2. "Caminar".
¡Qué maravilla dar un paseo en una mañana cálida y soleada! Puede caminar por los senderos durante mucho, mucho tiempo, ver muchas cosas nuevas e interesantes, incluso puede perderse un poco y perderse en lugares desconocidos, pero luego regresar a casa de manera segura y contar sus aventuras con una risa.
La obra está impregnada de un ritmo vivo que crea una sensación de movimiento.
Todas las notas negras que no pertenecen a la liga se cantan sin legato, y los tresillos de corcheas que no están ligados se cantan sin embargo legato.
Una condición importante para una buena interpretación de esta pieza es el sentido de la naturaleza de dos compases. material musical. Específicamente, esto significa que el primer tiempo en los compases 1, 3, 5 y otros se acentúa ligeramente, mientras que en los compases 2, 4, 6 y similares, es fácil de tocar. Notas largas acentuadas en mano derecha debe ser cantado A partir del compás 20, aparece una voz a dos en la mano derecha; la primera declaración del tema, que suena a piano, es interrumpida en el compás 24 por la introducción de una voz imitadora, que suena a mezzo forte. Ambas voces se tocan extremadamente legato con la observancia exacta de las instrucciones dinámicas.
Se debe llamar la atención del estudiante sobre el hecho de que el episodio a tempo (compases 32-33) suena verdaderamente orquestal, donde las suaves señales de los violonchelos responden a las melodiosas frases expresivas de las violas.
La sonoridad de la parte de la mano izquierda en la primera parte de la obra es suave, voladora, los dedos del ejecutante juegan con facilidad sobre la superficie de las teclas. Se debe desarrollar un sentimiento completamente diferente para ejecutar la línea melódica en la parte de la mano derecha. Los pads deben fusionarse con las teclas y no golpear, sino hundirse junto con las teclas hasta que sea posible presionar con la máxima profundidad.
No. 3. "Cuento de hadas".
Uno de mis pasatiempos favoritos de la infancia es escuchar historias. ¡Qué agradable es sentarse al lado de tu abuela y dejarse llevar en sueños a otro mundo mágico, como en la realidad, experimentando eventos asombrosos, convirtiéndose en uno de los héroes de los cuentos de hadas!
"Fairy Tale" de Prokofiev es realmente un cuento de hadas en el sentido de los niños. Las melodías rusas dominan aquí, desarrollándose en el contexto de un movimiento claramente rítmico. ¡Cuán tacaños y lacónicos son los trazos, y cuán correctamente se representa en la música la amenaza creciente que irrumpe en la narrativa mundana!
Al trabajar en un trabajo, debe lograr la ejecución correcta de la figura rítmica dos dieciseisavos y octavos. Debe tener un ritmo claro, pero suave, discreto. Cada grupo debe estar separado por un retiro casi imperceptible de la mano. En los compases 9, 10, 14, 22, 26, 27, legato se aplica a todas las notas. La mano no se puede quitar por ninguna parte.
En los compases 15 y 16, los segundos en las partes de ambas manos se tocan suavemente y sobre el pedal. Las notas marcadas con un guión suenan especialmente profundas y llenas.
Los dos últimos acordes que completan la pieza se tocan non legato y piano.
Nº 4. "Tarantela".
Como P. Tchaikovsky, quien incluyó en su “ album infantil» bailes y canciones pueblos diferentes, S. Prokofiev dedica un lugar en su colección "Música infantil" a la tarantela, una danza folclórica napolitana.
El carácter enérgico, soleado y alegre de este número se transmite por la pulsación rítmica elástica de tresillos en octavas y un ritmo acelerado.
El énfasis en todas partes pertenece al autor; innecesarios, se deben evitar los acentos adicionales. Después del sonido acentuado, debe reducir inmediatamente el volumen del sonido y realizar el resto de los sonidos con facilidad. Los acentos a menudo no coinciden en las partes de ambas manos, lo que supone cierta dificultad para el intérprete. Los octavos, marcados con un signo de staccato, se eliminan bruscamente, pero con facilidad.
Las figuras de la parte izquierda presentan una dificultad importante, cuando en la mano derecha hay una figuración continua de tresillos (en los compases 6, 18, 22, 26 y otros). Estos lugares deben enseñarse por separado, siguiendo el emparejamiento exacto de los octavos en ambas manos.
En ningún caso se debe ralentizar la parte media, se debe mantener un solo tempo a lo largo de la pieza.
La parte final - el final solemne fiesta Nacional; fanfarrias jubilosas suenan alegremente.
Numero 5. "Arrepentimiento".
“Arrepentimiento” es, quizás, la única obra del ciclo que toca el terreno de los sentimientos serios, tristes e incluso sombríos. Esta miniatura dibuja de manera sutil y expresiva un drama psicológico, un momento difícil en la vida de un niño. Está avergonzado y amargado por su fechoría, pero el arrepentimiento sincero trae el perdón y la obra termina en paz y ternura.
Tenga cuidado de no ir demasiado lento. La interpretación expresiva de esta pieza, calentada por un sentimiento cálido, no implica sentimentalismo ni movimiento prolongado. En los compases 9-12, la melodía suena en octavas dobladas a una distancia de dos octavas. Esta técnica fue amada por Schumann. En tales casos, la selección de la voz más baja suena hermosa.
La repetición es algo variada. A través del movimiento de las octavas, el tema debe aparecer claramente.
Los últimos ocho compases expresan paz. Los movimientos de arpa en la parte de la mano izquierda se alternan con comentarios expresivos en la parte de la mano derecha.
Nº 6. "Vals".
Este vals cautivador y lírico está imbuido de una gracia y una libertad extraordinarias. Esto es alta poesía. Sorprendente en su belleza, la melodía golpea con un rango enorme. La parte media se distingue por una mayor tensión, emoción, la melodía se vuelve más fraccionada, en forma de secuencias en el contexto de octavos activos de acompañamiento.
El estudiante no solo recibe tareas de sonido, sino también técnicas. La fórmula característica del acompañamiento del vals debe elaborarse cuidadosamente: el sonido del bajo siempre se toma con el movimiento de la mano de arriba hacia abajo y, por así decirlo, sostenido por el dedo, y los acordes se toman con un ligero movimiento de la mano. desde el teclado hacia arriba.
El sentimiento de fraseo melódico nos hace considerar el primer sonido del sexto compás como el final de la primera frase, y el segundo sonido del duodécimo compás como el final de la segunda frase. Los sonidos de la melodía, marcados con un guión, deben ser especialmente melodiosos y persistentes.
Se debe prestar gran atención a las cesuras. En la parte media, es deseable frasear en segmentos grandes, sintiendo la longitud de ocho compases de las frases.
Nº 7. "Procesión de saltamontes".
El compositor pinta un cuadro de una fabulosa procesión de saltamontes. Las partes extremas son como una marcha masiva rápida; en el medio, el rápido movimiento general se convierte en una solemne procesión.
Brillo, brillantez, energía, humor: todas estas cualidades características de Prokofiev se presentan aquí en su totalidad.
Al interpretar el primer tema, es necesario sentir la atracción por el cuarto compás de cada frase y no enfatizar los golpes fuertes anteriores.
La atención del maestro también debe incluir el seguimiento de la transmisión precisa del estudiante del patrón rítmico agudo del tejido musical; es especialmente importante tocar semicorcheas brevemente en los compases 1-2, 9-10 y otros compases similares.
Para crear una imagen clara y naturaleza suave se necesita un pedal corto y recto en las partes extremas.
Núm. 8. "Lluvia y arcoíris".
No hay nada en esta imagen musical de los métodos tradicionales de representación en la música de lluvia; no hay flujo de octavas staccato alternadas en ambas manos, no hay pasajes tormentosos en todo el teclado y otros atributos simples de la escuela naturalista. Aquí, el autor transmite más bien el estado de ánimo del niño en un clima opaco y lluvioso y la alegre sonrisa infantil con la que el niño se encuentra con la apariencia de un hermoso arco iris que rodea el cielo.
Esta pieza es muy idiosincrásica con sus efectos fónicos y audaces capas de puntos. Numerosos casos de acordes e intervalos disonantes utilizados por el compositor deben percibirse como un medio de influencia colorista en el oyente. Estas armonías no deben tomarse de manera abrupta, sino en un toque melodioso.
La obra revela al intérprete las interesantes posibilidades colorísticas del instrumento.
Nº 9. "Quince".
Quince es un divertido juego de niños. Aporta mucha alegría a los niños, por todas partes risas, vanidad, correteos...
Este número es esencialmente un estudio altamente artístico, en el que el compositor establece una serie de tareas técnicas específicas para el intérprete. Hay muchos toques del pianismo de Prokofiev en "Pyatnashki" con sus saltos audaces y el uso de varios registros. Básicamente hay dos tareas aquí: dominar la técnica de ensayo en movimiento rápido cambiando los dedos en una tecla y dominar la textura del tipo toccata con elementos de saltos y cruce de manos. La pieza es útil para desarrollar la fluidez de los dedos.
Para una solución satisfactoria de ambos problemas requisito previo es un extracto rítmico. El tempo de la pieza se determina de acuerdo con la capacidad del alumno para ejecutar la pieza, habiendo escuchado cada sonido con bastante claridad y distinción.
Nº 10. "Marzo".
"March", una obra maestra de concisión y precisión de entonación, pertenece a las mejores páginas de la colección. Está lleno de vivacidad, claridad, una especie de humor de Prokofiev.
Para transmitir el carácter de esta pieza, es necesario lograr la máxima precisión en la ejecución de todos, incluso los detalles más insignificantes del texto musical. El estudiante debe comprender todas las instrucciones de digitación, la distribución de acentos grandes y pequeños y las características de la dinámica.
Los movimientos de las manos del actor deben estar subordinados a la imagen sonora de este episodio. Por ejemplo, en los compases 7-8, se realizan pequeñas ligas separadas de dos notas (con énfasis en la primera) metiendo la mano en el teclado (en la primera nota ligada) y retirando la mano (en la segunda).
El episodio medio se divide en dos frases de 4 compases cada una. Es deseable que las notas subrayadas no se acentúen exageradamente, sino que formen una línea melódica.
Nº 11. "Tarde".
Los dos últimos números de la colección "Música infantil" se trasladan a la ambientación de un paisaje vespertino. ¡La obra "Evening" es excepcionalmente buena! S. Prokofiev hizo de la melodía de esta obra uno de los leitmotiv de su ballet El cuento de la flor de piedra. Serenamente melodioso, melodía clara, teñida de giros inesperados, a primera vista complicando la tonalidad, pero en realidad acentuándola y fortaleciéndola.
Para que un tema reflexivo y tierno suene hermoso, debes cuidar el segundo plan de sonido. El estudiante tendrá que estudiar seriamente la parte de la mano izquierda, que en los primeros doce compases debe parecerse en sonoridad a un coro cantando suavemente entre bastidores.
Un breve interludio con réplicas que se imitan entre sí (los siguientes ocho compases) prepara una interpretación más brillante de la melodía principal, con la parte de la mano izquierda en una forma un tanto variada.
La parte media está construida sobre puntas largas de órganos, que no deben ser intrusivas, pero al mismo tiempo deben sentirse constantemente, dando la impresión de un espacio amplio y una contemplación tranquila.
Núm. 12. "La luna camina sobre los prados".
La última pieza del ciclo Música infantil es una de las páginas más poéticas de Prokofiev. El día terminó, la noche cayó sobre la tierra, las estrellas aparecieron en el cielo, los sonidos se calmaron, todo se durmió. Esta obra es similar en carácter a la anterior. Su melodía melódica se percibe como una canción verdaderamente popular.
La ligadura no está redactando aquí. El final de una ligadura no siempre significa el final de una frase y no implica necesariamente quitar la mano del teclado. El maestro debe encontrar los límites de las frases, guiado por un estilo musical; así, la cesura se siente naturalmente al final de los compases 5, 9 y 13. Por lo tanto, debe "quitar" la mano, "respirar" antes de comenzar una nueva frase.
El primer compás de la pieza es una breve introducción. Aquí se da el comienzo de un movimiento oscilante medido, que pasa a la parte de la mano izquierda.
La ejecución sincopada del tema en los compases 22-15 del final es muy difícil de realizar. Mientras se observa el legato máximo, se debe estar atento a la suavidad de la línea melódica y evitar tirones en los acordes individuales.
El trabajo sobre la pieza “La Luna Camina Sobre los Prados” será de gran beneficio para el desarrollo de la musicalidad del alumno y su dominio sonoro.
Referencias
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2. Nestiev I. V. Prokofiev. M, 1957.
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Fecha de creación de la página: 2017-08-26
Sergei Sergeevich Prokofiev - el mayor compositor infantil del siglo XX
El siglo XX es una época difícil, cuando tuvieron lugar terribles guerras y grandes logros de la ciencia, cuando el mundo se hundió en la apatía y resurgió de las cenizas.
La época en la que la gente perdió y volvió a encontrar el arte, cuando nació la nueva música, nueva pintura, nueva imagen universo.
Mucho de lo que antes era valioso se perdió o perdió su significado, dando paso a algo nuevo, no siempre mejor.
Un siglo en el que las melodías clásicas comenzaron a sonar más tranquilas, menos brillantes para los adultos, pero al mismo tiempo revelaron su increíble potencial para las generaciones más jóvenes. Incluso se puede decir que, en cierto sentido, desde el siglo XX, los clásicos han perdido algo importante para los adultos, pero de alguna manera sonaban especialmente vivos para los niños.
Lo avala la popularidad de las melodías de Tchaikovsky y Mozart, la incesante expectación que suscita en torno a las creaciones animadas del estudio Disney, cuyas obras son valiosas precisamente por la música misma que suena para los personajes de los cuentos de hadas y a quienes se les muestra su historias en las pantallas.
Hay muchos otros ejemplos, y el más significativo es la música de Sergei Sergeevich Prokofiev, un compositor cuyo arduo y duro trabajo lo convirtió en uno de los compositores más citados, si no el más reconocible, del siglo XX.
Por supuesto, Prokofiev hizo mucho por la música "para adultos" de su tiempo, pero lo que hizo como compositor para niños es inimaginablemente más valioso.
Prokofiev le dio especial importancia al pianoforte
Sergei Sergeevich Prokofiev es una figura destacada entre los músicos del siglo XX. el era el mas compositor famoso Unión Soviética y al mismo tiempo se convirtió en uno de los músicos más importantes para todo el mundo.
Creó música, simple y compleja, de alguna manera muy cercana a la pasada "edad de oro" de los clásicos, y de alguna manera inimaginablemente distante, incluso disonante, siempre estaba buscando algo nuevo, en desarrollo, haciendo que su sonido no se parezca a nada más. .
Por esto, Prokofiev fue amado, idolatrado, admirado, casas llenas siempre se reunían en sus conciertos. Y al mismo tiempo, a veces era tan nuevo y obstinado que no lo entendían, tanto que una vez en uno de los conciertos la mitad del público se levantó y se fue, y otra vez el compositor fue casi declarado un enemigo del pueblo soviético.
Pero aun así fue, creó, asombró y deleitó. Hizo las delicias de grandes y pequeños, creó, como Mozart, como Strauss y Bach, algo nuevo que nadie antes que él pudo idear. Prokofiev se convirtió para la música soviética en lo que se había convertido para la música rusa apenas un siglo antes.
“El compositor, como el poeta, el escultor, el pintor, está llamado a servir a la persona y al pueblo. Debe embellecer la vida humana y protegerla. En primer lugar, está obligado a ser un ciudadano en su arte, cantar sobre la vida humana y guiar a una persona hacia un futuro más brillante”, así, haciéndose eco de Glinka en sus propias palabras, Prokofiev vio su papel.
Como compositor infantil, Prokofiev no solo fue inventivo, melódico, poético, brillante, dicen que fue capaz, guardando un trozo de infancia en su propio corazón, de crear música comprensible y agradable al corazón de un niño, así como a los que aún recordaban cómo era ser niño.
Sobre las tres princesas naranjas
A lo largo de su vida, Prokofiev trabajó en la forma, el estilo, la forma de interpretación, el ritmo y la melodía, en su famoso patrón polifónico y armonía disonante.
Durante todo este tiempo creó tanto música infantil como música para adultos. Una de las primeras obras para niños de Prokofiev fue la ópera en diez escenas, El amor por las tres naranjas. Basada en el cuento de hadas del mismo nombre de Carlo Gozzi, esta obra era ligera y alegre, como inspirada en el sonido tradicional del travieso teatro italiano.
La obra hablaba de príncipes y reyes, buenos magos y malas brujas, de maldiciones encantadas y lo importante que es no desanimarse.
The Love for Three Oranges fue un reflejo del talento juvenil de Prokofiev, esforzándose por combinar su estilo naciente con recuerdos frescos de una infancia sin preocupaciones.
Una nueva melodía para un viejo cuento de hadas
No menos significativa, pero más madura y, quizás, más llamativa, una obra mucho más famosa de Prokofiev fue Cenicienta.
Este ballet, dinámico, marcado por elementos de la hermosa música del romanticismo, que el autor había dominado y complementado en ese momento, fue como un soplo de aire fresco cuando las nubes se acumulaban sobre el mundo.
"Cenicienta" se estrenó en 1945, cuando el fuego se extinguió en el mundo. gran Guerra, parecía llamar a renacer, a rechazar las tinieblas del corazón y sonreír a la nueva vida. Su sonido armonioso y suave, el motivo inspirador del cuento de hadas ligero de Charles Perrault y la excelente puesta en escena de la distancia. historia antigua un nuevo comienzo que afirma la vida.
“... Me alegro especialmente de haberte visto en un papel que, junto con muchas otras imágenes del mundo de la ficción, expresa el poder maravilloso y victorioso de una pureza infantil, obediente a las circunstancias y fiel a uno mismo... Ese poder es querido para mí en su opuesto amenazante de ese, también antiguo, engañoso y cobarde, elemento de la corte que se doblega, cuyas formas actuales no me gustan hasta la locura..."
Así escribió Boris Pasternak a Galina Ulanova sobre su papel en el ballet Cenicienta, haciendo así un cumplido no solo a la intérprete del papel, sino también a su creadora.
Cuentos Urales
Prokofiev no solo fue un compositor, sino también un excelente pianista. El último trabajo infantil de Sergei Sergeyevich salió después de su muerte, dicen que incluso en el fatídico día trabajó en la orquestación de los números de la Flor de Piedra.
Sonora y diferente a todo, pero por alguna razón muy cercana a muchos, evocando una sensación de contacto con algo misterioso y hermoso, las melodías de esta obra dieron vida musical no menos inusual y diferente a los cuentos Urales de P.P. Bazhov.
La música de Prokofiev, que no escuchó en el escenario, y los motivos fabulosos y reservados de The Malachite Box, The Mountain Master, The Stone Flower se convirtieron en la base de un ballet verdaderamente único que revela no solo las asombrosas facetas del arte musical, pero también el mundo de las leyendas ocultas de los Montes Urales, que se ha vuelto accesible y cercano a los oyentes jóvenes, y oyentes que han conservado la juventud del espíritu.
Prokofiev mismo dijo que la música de sus hijos contiene muchas cosas que son importantes y brillantes para él.
Los olores y sonidos de la infancia, el vagar de la luna por las llanuras y el canto de un gallo, algo cercano y querido al amanecer de la vida: eso es lo que Prokofiev puso en la música de sus hijos, porque le resultó comprensible. y a las personas maduras, pero, como él, conservado en el corazón un trozo de infancia. Por lo tanto, se volvió cercano a los niños, cuyo mundo Prokofiev siempre buscó comprender y sentir.
Sobre pioneros y depredadores grises
De particular importancia entre las obras de Prokofiev es la obra "Pedro y el lobo". Esta obra, donde cada personaje es interpretado por un instrumento musical independiente, especialmente escrita por el maestro para niños, absorbió todo lo mejor que Sergei Sergeevich buscaba perpetuar en la música para su público más sensible.
Simple y historia instructiva sobre la amistad, la asistencia mutua, el conocimiento del mundo, sobre cómo funciona todo y cómo debe comportarse una persona digna, se presenta a través de la música elegante y muy animada de Prokofiev, complementada con la voz de un lector que interactúa eficazmente con varios instrumentos musicales en este sinfónico cuento.
El estreno de la obra tuvo lugar en 1936, se podría decir, al crear un cuento de hadas para niños sobre un joven pionero, Prokofiev demostró que había regresado a su tierra natal para siempre.
Un papel importante como lectora en la primera versión de "Peter and the Wolf" fue interpretada por Natalia Sats, quien no solo tenía un excelente talento interpretativo, sino que también fue la primera directora de ópera del mundo.
En el futuro, el trabajo de Prokofiev, que ganó fama mundial, se volvió cercano y comprensible para los niños de toda la Tierra, se volvió a publicar repetidamente, se reflejó en el escenario, en las pantallas, en la radio.
"Peter and the Wolf" se encarnó como una caricatura de Disney, gracias a la cual el pionero soviético ligeramente modificado se convirtió en el famoso mundialmente. personajes de cuentos de hadas, que el estudio dio el mejor nacimiento animado.
Se lanzaron variaciones de jazz, blues y rock del cuento de hadas sinfónico, en 1978 el ídolo del rock David Bowie actuó como lector de "Peter and the Wolf", y una breve caricatura basada en el cuento de hadas de Prokofiev ganó el Caballero de Oro del Oscar recientemente. - en 2007.
De particular importancia es el valor pedagógico de "Petia y el lobo": se utiliza un cuento sinfónico, como muchas de las obras de Prokofiev, para enseñar a jóvenes músicos en escuelas especializadas, pero, además, la historia de las aventuras de un valiente y amable. pionero casi desde su aparición se ha convertido en un elemento de educación general. currículum escolar por la música
Durante muchos años, el cuento de hadas de Prokofiev ha ayudado a revelar a los niños el misterio de la música, el gusto correcto por los clásicos sinfónicos, la idea de la moralidad, de los valores humanos universales.
De una forma sencilla y accesible, Prokofiev logró plasmar cosas importantes y necesarias, por otras formas de demostrar que a veces se gastan grandes esfuerzos y se escriben gruesos volúmenes de libros.
La música más infantil
Prokofiev pasó los últimos años de su vida fuera de la ciudad, pero siguió trabajando a pesar de un estricto régimen médico. Además de Cenicienta y La flor de piedra, hay muchas más obras de Prokofiev escritas para niños. Pieza para piano, suave y nostálgica "Cuentos de la vieja abuela".
Travieso y dinámico, similar en su audacia a El amor por las tres naranjas, es el ballet El cuento del tonto que burló a siete tontos. Suite "realista" seria y sabia "Fuego de invierno" sobre los versos de S. Marshak sobre la vida de los pioneros.
Canción chispeante "Chatterbox", inspirada en los poemas de Agnia Barto. Prokofiev creó para niños, como para sí mismo, con gran placer.
Pero entre las obras del compositor infantil Sergei Sergeevich Prokofiev, hay una que quizás sea de mayor valor que " flor de piedra o Cenicienta. El ciclo de piano "Música infantil": 12 piezas que cuentan con la inimitable forma ligera y suave del autor sobre la vida cotidiana de los días de los niños y esos momentos especiales que son tan agudos, brillantes e inesperados capaces de convertir esta vida cotidiana en un cuento de hadas. aventura o simplemente un recuerdo para toda la vida.
El ciclo de piano "Música Infantil" se ha convertido en un verdadero tesoro para los maestros que enseñan a los niños a tocar las teclas. Prokofiev mismo - pianista brillante, logró crear algo que es completamente accesible solo para niños, diseñado para niños que quieren escuchar la música ellos mismos extraída de detrás de la cubierta negra del piano.
Hizo que "Música para niños" cumpliera plenamente no solo con las posibilidades, sino también con las necesidades de un joven pianista que está estudiando los secretos del sonido. El ciclo de piano combina suavidad y nitidez, transiciones de ritmos y armonías, la capacidad de usar los atajos de teclado más simples o complejos de tal manera que el joven virtuoso pueda aprender y, mientras aprende, sonreír con sus excelentes resultados.
"Música para niños": sincera, brillante, llena de pureza y ternura cristalinas, inusuales y fabulosas, se convirtió en el regalo de Prokofiev para los pianistas novatos y sus maestros, quienes recibieron un medio fácil y conveniente para mantener la atención de sus alumnos y desarrollar habilidades.
NATURALEZA Y MÚSICA
La luna camina sobre los prados
1ra lección
contenido del programa. Cuéntales a los niños sobre el compositor S. Prokofiev. Evocar la respuesta emocional a la música de naturaleza suave, reflexiva y soñadora, determinar su contenido emocional y figurativo, comparar su estado de ánimo con los poemas.
Progreso de la lección:
Educador: Niños, hoy se familiarizarán con una obra del maravilloso compositor Sergei Sergeevich Prokofiev. Al mismo tiempo fue director de orquesta y pianista, escribió óperas, ballets, sinfonías, conciertos, música para películas y representaciones teatrales.
Hay muchas melodías suaves en sus obras. También hay música en la que el ritmo juega un papel importante: claro, enérgico.
S. Prokofiev comenzó temprano a estudiar música. Cuando tenía 6 años, tanto como usted tiene ahora, compuso su primera obra de teatro - "Indian Galope", ya la edad de 9 años - ya la ópera "Gigante". Su música para niños es variada: canciones, piezas para piano, cuentos musicales (« Pato feo”, “Pedro y el lobo”).
En el cuento de hadas "Pedro y el lobo", S. Prokofiev presenta a los niños las herramientas. Orquesta Sinfónica. Cada personaje se caracteriza por un instrumento musical. Un pájaro está representado por una flauta suave, un pato torpe - por un oboe, un lobo - por varios cuernos que suenan duros, Petya despreocupada - instrumentos de cuerda(violín, violonchelo).
La colección de piano "Música infantil" comienza con la obra "Mañana" y termina con las obras "Atardecer" y "La luna camina sobre los prados".
La música transmite, por así decirlo, los acontecimientos de un día vivido por un niño, con sus alegrías, tristezas, juegos, paseos por la naturaleza. Escucha la obra "La luna camina sobre los prados". ¿Qué estados de ánimo, sentimientos se transmiten en esta música, que representa una imagen de la naturaleza nocturna? (Representa una obra de teatro.)
Niños. La música es suave, tranquila, suave.
Maestra Sí, la música es tranquila, soñadora, reflexiva, fabulosa, mágica, suave. Escuche el poema del poeta ruso Sergei Alexandrovich Yesenin "Noche". ¿Qué estado de ánimo se transmite en él?
Noche. Silencio alrededor.
La corriente simplemente gorgotea.
Con su brillo la luna
Todo alrededor es plateado.
Río de plata.
corriente de plata.
hierba plateada
Estepas irrigadas.
Noche. Silencio alrededor.
Todo en la naturaleza duerme.
Con su brillo la luna
Todo alrededor es plateado.
Niños. Tranquilo, gentil.
P e da g o G. En el poema imagen mágica naturaleza nocturna iluminada por la luz plateada de la luna. La música de S. Prokofiev también es muy brillante, mágica, sin prisas, tranquila, soñadora, hechizada (representa una obra de teatro).
Ahora escuche un extracto de otro poema - A. Pushkin:
A través de las nieblas onduladas
La luna se está arrastrando
A claros tristes
Ella derrama una luz triste.
Es brillante y triste al mismo tiempo y también está en sintonía con la naturaleza de la música de S. Prokofiev.
2da lección
contenido del programa. Saber distinguir entre el cambio en la naturaleza de la música, figuratividad, medios de expresión musical que transmiten la imagen.
Progreso de la lección:
Niños educadores, escuchen un extracto de la obra, recuerden su nombre y autor (realiza un fragmento).
Educador ¿Qué tipo de música es esta en carácter?
Niños. Tranquilo, gentil, reflexivo, fabuloso, mágico.
P e da go G. Así es. ¿Cambia la naturaleza de la música? (Interpreta toda la pieza.)
Niños. Al principio la música es suave, ligera, y luego más triste, triste, seria, suena baja.
Educador: Así es, la segunda parte comienza en un registro bajo, misteriosamente, un poco triste, cauteloso (realiza un fragmento). Probablemente, el mes se escondió en la niebla o las nubes, solo quedó su reflejo, y la música se volvió más triste, fruncida, oscurecida (realiza de nuevo el fragmento).
Pero luego la música se animó por un rato, sonó alta, tranquila, transparente, como si la luz de la luna iluminara nuevamente la naturaleza o las estrellas brillaran en el cielo (interpreta un fragmento). Y nuevamente suena más bajo, más misterioso, más fabuloso (realiza el final de la obra).
En la última lección, escuchaste dos poemas: S. Yesenin y A. Pushkin. Ambos están en sintonía con esta obra. Pero la naturaleza de la música está cambiando. Volver a escuchar los poemas y decir cuál es más apropiado para el personaje de esta parte de la obra (interpreta ambos poemas y un fragmento de la segunda parte de la obra).
Niños. Segundo poema. Es más triste, más triste ("Sobre los claros tristes ella derrama una luz triste").
Maestro Sí, el poema, como la música de la segunda parte de la obra, es triste, triste.
3ra lección
contenido del programa. Consolidar en los niños la capacidad de distinguir entre los medios de expresión musical que crean la imagen, la descriptividad de la música. Transmitir en los dibujos la diferente naturaleza de las partes de la obra.
Progreso de la lección:
Profesor (lee un poema de A. Pushkin y representa la segunda parte de la obra). Niños, ¿un extracto de qué pieza musical toqué para ustedes?
Niños. “La luna camina sobre los prados” de S. Prokofiev.
P e d a g o g ¿Y los poemas de quién escuchaste?
Niños. Pushkin.
Educador: ¿Qué parte de la obra toqué y cuál es la naturaleza de la música?
Niños. Esta es la segunda parte. Música misteriosa, triste.
Educador: ¿Por qué definiste la naturaleza de la música de esta manera?
Niños. Suena bajo, más fuerte que al principio.
P e d a g o g ¿Y cuál es la naturaleza de la primera parte? (Lo realiza.)
Niños. Amable, reflexivo, cariñoso, brillante, mágico, arrullador, suave, melodioso.
Educador ¿Por qué definió la naturaleza de esta parte de esta manera?
Niños. ¿Es la música suave, sin prisas, tranquila? la melodía suena alta, tranquila, ligera, melodiosa.
Maestro: Así es, la melodía es melodiosa, que recuerda a una canción popular rusa, suena pausada, afectuosa, soñadora (interpreta una melodía). Es tan ancho, interminable, como las extensiones de los campos rusos, los prados (realiza el fragmento nuevamente).
El acompañamiento también es suave, pero más móvil (realiza un fragmento de acompañamiento). Esta suavidad y movilidad del acompañamiento, combinadas con una melodía suave, parecida a una canción y que fluye, crea la sensación de que la luna está flotando en el cielo sobre las extensiones de los prados rusos e ilumina, platea todo a su alrededor (interpreta la primera parte de la pieza) .
¿Podrías dibujar una imagen tan hermosa y fabulosa de la naturaleza? Pruébalo en casa. Cualquiera que quiera puede pintar un cuadro que represente la segunda parte de la obra, más sombría, misteriosa: la luna se escondió detrás de las nubes, desapareció en la niebla, y solo su reflejo cae sobre los prados y claros (representa un fragmento). Ahora escuche toda la obra e intente imaginar la imagen que dibujará (realiza la obra).
4ta lección
contenido del programa. Encuentra imágenes anímicas similares y diferentes en diferentes tipos Arte. Definir timbres expresivos instrumentos musicales transmitir el carácter de las partes de la obra.
Progreso de la lección:
Educadora Niños, miremos las imágenes. Qué diferentes son, tanto los prados brillantes, iluminados por la luna, como los más oscuros, sobre los que se dibuja el cielo cubierto de nubes. Te jugaré una obra de S. Prokofiev "Un mes camina por los prados", y elegirás los dibujos que mejor se correspondan con sus partes (realiza una obra de teatro, los niños eligen dibujos).
Escuchaste los poemas de A. Pushkin y S. Yesenin sobre la naturaleza de la noche, los comparaste en carácter, estado de ánimo con partes de la obra. ¿A qué imágenes corresponden estos versículos? (Lee un poema de S. Yesenin, los niños eligen dibujos).
¿Y qué parte de la obra tiene un estado de ánimo más cercano a estos poemas y dibujos? (Representa una obra de teatro.)
Niños. Primera parte. La música es ligera, plateada, mágica, amable, como un canto tranquilo, cariñoso.
Educador: ¿Y a qué imágenes corresponden estos versos? (Lee un poema de A. Pushkin, los niños eligen dibujos.) ¿Qué parte de la obra de S. Prokofiev hacen eco?
Niños. A partir del segundo, la música es triste, misteriosa, triste, la luna se abre paso entre la niebla, las nubes.
Docente: Cierto (interpreta un fragmento de la segunda parte). Piense en qué timbres de instrumentos pueden enfatizar el sonido mágico, ligero y plateado de la pieza.
Niños. Puedes jugar en un triángulo.
Maestra: Así es, tiene un sonido muy sonoro, prolongado, mágico. Al comienzo del segundo movimiento, debes tocar más bajo para enfatizar la naturaleza misteriosa de la música. (Le da a uno de los niños un triángulo, hace una obra con él.)
La luna camina sobre los prados
Recomendaciones de implementación. La obra de teatro "La luna camina sobre los prados" se puede utilizar en el aula en el fragmento (los dos primeros períodos). El primer período consta de dos oraciones que son un todo. Creó una imagen que está cerca de las canciones persistentes populares rusas, hay un color ligero, fabuloso y mágico. La naturaleza soñadora y reflexiva de la música es creada por una melodía suave y melodiosa, un acompañamiento suave y fluido. En la melodía, es necesario evitar los acentos, para lograr un fraseo unificado de ocho compases. Para ello, los inicios y finales de ligas se realizan de forma suave.
El segundo período consta de dos oraciones contrastantes. En la primera oración, la melodía se mueve al registro más bajo, suena sombrío, triste. El segundo comienza ligero, vacilante, transparente, pero poco a poco la melodía vuelve a descender, suena misteriosa.
Mañana
Recomendaciones de implementación. La obra es muy poética, llena de coloridas combinaciones armónicas. Es difícil de realizar porque requiere encontrar sutiles sonidos coloristas. Es importante sentir, escuchar, transmitir el encanto de los colores de medios tonos del timbre en él. Es importante tocar los acordes iniciales (que se repiten varias veces en la pieza) mientras se escuchan los sonidos extremos, es decir, apoyándose en los 5° dedos, lo que crea una especie de “arco sonoro” de gran amplitud. Es necesario encontrar timbres expresivos (sombrío, misterioso y ligero, claro).
subsecuente entonación melódica(compases 1, 3, etc.) es importante jugar con el movimiento del fraseo hacia la mitad de la frase, el final suave de las ligas, para resaltar la voz alta.
En la parte media de la pieza, que parece representar la disipación de las tinieblas y la salida del sol, el acompañamiento consta de leguas pequeñas y se ejecuta con mucha suavidad, como una neblina. La melodía ascendente en el bajo (compases 10-15) suena misteriosa, lúgubre, con un movimiento a las alturas. Y la melodía en la voz superior (compases 18-23) es un sonido claro, completo y soleado.
Tardecita
Recomendaciones de implementación. El juego de la calma carácter amable. La melodía se parece a una canción persistente rusa. Al comienzo de la pieza, es importante escuchar pequeñas ligas en el acompañamiento, para enfatizar sus finales suaves. En la melodía, es necesario escuchar sonidos largos y tocar cuidadosamente su continuación.
En los compases 12-20 (a la mitad del fragmento) la melodía desaparece, aparecen armonías descompuestas, que se tocan suavemente, con facilidad, enfatizando los ligeros sonidos superiores. En la tercera parte del fragmento (compases 21-28), la melodía se repite nuevamente y se entrelaza con acompañamiento desde la mitad del fragmento.
Presentación
Incluido:
1. Presentación, ppx;
2. Sonidos de la música:
Prokofiev. Mañana, mp3;
Prokofiev. Tarde, mp3;
Prokofiev. Un mes camina por los prados, mp3;
3. Artículo adjunto - resumen de clases, docx;
4. Notas para interpretación independiente del profesor (piano), jpg.
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