Los principales géneros musicales del Renacimiento. La cultura musical del Renacimiento

De vuelta atras

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La lección se lleva a cabo para estudiantes de quinto grado en el segundo año de estudio de literatura musical.

El propósito de la lección: educación de la cultura estética de los estudiantes a través del conocimiento de la música. el Renacimiento.

Objetivos de la lección:

• Para dar una idea del papel de la música y tocar música en la vida de las personas del Renacimiento;
• Conocimiento de instrumentos musicales, géneros, compositores del Renacimiento;
• Conocimiento de las obras musicales del Renacimiento europeo;
• Desarrollo de habilidades en el análisis auditivo elemental de la música;
• Formación de una comprensión de la relación entre diferentes tipos de artes;
• Educación de la percepción emocional de las obras de arte;
• Desarrollo del pensamiento y el habla de los estudiantes;
• Expandiendo Horizontes.

Tipo de lección: lección aprendiendo un nuevo tema.

Equipo de lección: presentación multimedia, computadora.

Material musical:

• W. Bird, pieza para virginal "Volta";
• F. da Milano "Fantasy" No. 6 para laúd;
• Escena de la película "Elizabeth": La Reina baila Volta (video);
• I. Alberti "Pavan y Galliard" (video);
• canción popular inglesa "Green Sleeves";
• J. P. Palestrina "Misa del Papa Marcello", parte de "Agnus Dei";
• O. Lasso "Eco";
• J. di Venosa madrigal "Moro, lazo, al mio duolo";
• J. Peri Escena de la ópera "Eurídice".

durante las clases

I. Momento organizacional

II. Actualización de conocimientos

En la última lección, hablamos sobre la cultura y la pintura del Renacimiento.

– ¿Cuál es otro nombre para esta época (“Renacimiento” en francés)?
¿Qué siglos abarca el Renacimiento? ¿Qué época cambió?

¿De dónde viene el nombre de esta era? ¿Qué querías "revivir"?

¿En qué país comenzó el Renacimiento antes que en otros?

- ¿Qué ciudad italiana se llama la "cuna del Renacimiento"? ¿Por qué?

– ¿Qué grandes artistas vivieron en Florencia? Considere su trabajo.

– ¿En qué se diferencian sus creaciones del arte medieval?

tercero Explorando un nuevo tema

Hoy volvemos al Renacimiento. Descubriremos cómo era la música en ese momento. Conozcamos los instrumentos musicales del Renacimiento, véamoslos y escuchemos su auténtico sonido. Y también nos encontraremos con destacados compositores del Renacimiento y sus obras maestras.

IV. Trabajar con una presentación

diapositiva 1. Pagina del titulo.

Diapositiva 2. El tema de nuestra lección es "Música del Renacimiento". Marco temporal - siglos XIV-XVI.

Diapositiva 3. Epígrafe de la lección. ¿Cómo entiendes estas palabras?

... No hay criatura viviente en la tierra
Tan duro, genial, infernalmente malvado
Para que ella no pudiera al menos durante una hora.
En él, la música para hacer una revolución.
(William Shakespeare)

diapositiva 4. En el Renacimiento, aumenta el papel del arte en la vida cultural de la sociedad. La educación artística se reconoce como un aspecto importante del desarrollo de una persona noble, una condición para una buena educación.

El control de la iglesia sobre la sociedad se debilita, los músicos obtienen más libertad. La personalidad del autor, la individualidad creativa, se manifiesta cada vez más claramente en las composiciones. Durante el Renacimiento, el concepto mismo de " compositor».

Llegó a ser muy importante para el desarrollo de la música. invento de la imprenta musical a finales del siglo XV. En 1501, el editor italiano Ottaviano Petrucci publicó la primera colección de música casera. Los nuevos escritos se publicaron y distribuyeron muy rápidamente. Ahora cualquier ciudadano de clase media podía comprar música para sí mismo. Como resultado, la creación de música urbana comienza a desarrollarse rápidamente, cubriendo a un número creciente de personas.

Diapositiva 5. Instrumentos musicales el Renacimiento. Metales, cuerdas, teclados.

Diapositiva 6. Laúd- el instrumento más querido del Renacimiento. Se refiere a instrumentos de cuerda pulsada. Al principio, el laúd se tocaba con una púa, pero en el siglo XV se empezó a tocar con los dedos.

Diapositiva 7. Su cuerpo parece una pera cortada por la mitad. El laúd tiene un cuello corto con trastes, doblado en ángulo recto.

diapositiva 8. El laúd se originó a partir de un instrumento árabe llamado al-ud (en árabe, "árbol"). En el siglo VIII, el oud entró en Europa desde el norte de África durante la conquista de España por los árabes y se arraigó en la corte de muchos nobles españoles. Con el tiempo, los europeos agregaron trastes (divisiones en el diapasón) a la ud y la llamaron “laúd”.

diapositiva 9. Tanto hombres como mujeres tocaban el laúd.

diapositiva 10. El laúd era compacto, ligero, podías llevarlo contigo a todas partes.

Diapositiva 11. La música de laúd no se grabó con notas, sino con la ayuda de tablaturas. Mira: la tablatura de laúd consta de 6 líneas que representan las cuerdas. Los trastes están numerados, las duraciones están en la parte superior.

Diapositiva 12. Si el laúd fue tocado por personas de diferentes clases, entonces solo una persona muy rica podría permitirse un instrumento de la familia de la viola. Las violas eran caras, estaban hechas de maderas preciosas, decoradas con elegantes dibujos y joyas. Las violas eran de diferentes tamaños. En esta imagen, los ángeles tocan las variedades más populares de violas: da gamba y da braccia.

Diapositiva 13. Viola en italiano - "violeta". El sonido de la viola era muy agradable: suave, suave y no estridente.

Diapositivas 14, 15. El nombre viola da braccia se traduce del italiano como "mano, hombro". Así se llamaban las pequeñas violas, que se sujetaban al hombro durante el juego.

diapositiva 16. Viola da gamba - "pie". Era de gran tamaño, había que sujetarlo entre las rodillas o colocarlo sobre el muslo al tocar. Estas violas solían ser tocadas por hombres.

diapositiva 17.¿Has notado a qué instrumentos clásicos se parecen mucho las violas? Para violines, violonchelos. Comparemos la viola da gamba con el violonchelo.

Escucharemos el sonido de las violas un poco más tarde.

diapositiva 18.Virginal. Un instrumento de teclado con forma rectangular, generalmente sin patas. Según el principio del dispositivo, fue uno de los precursores del pianoforte. Pero en términos de calidad de sonido, estaba más cerca del arpa y el laúd. Su timbre se distinguía por la suavidad y la ternura.

diapositiva 19. quien sabe que significa la palabra en ingles virgen? Virgo, niña. ¿Adivina por qué llamaron a este instrumento tan "femenino"? La mayoría de las veces, las jóvenes de noble cuna jugaban el virginal. Se sabe que incluso la Reina de Inglaterra, Isabel I, era muy aficionada al virginal y lo jugaba bien.

Diapositiva 20. William Bird- el mayor compositor, organista y clavecinista inglés de la época de Isabel. Nacido en 1543, muerto en 1623. Se desempeñó como organista de la corte. Compuso muchas obras espirituales, madrigales y piezas para el virginal.

Escuchamos: W. Pieza de pájaro para virginal "Volta"

Diapositiva 21-24. Los artistas del Renacimiento a menudo representaban ángeles musicales en sus lienzos. ¿Por qué? ¿Qué significa esto? ¿Por qué los ángeles necesitan música? ¿Qué pasa con la gente?

diapositiva 25. Miren qué gran grupo de músicos. ¿Que están jugando? ¿Qué sienten? ¿Son buenos juntos? ¿Las palabras de W. Shakespeare se ajustan a esta imagen? ¿Cuál es la palabra clave en estos versículos? Unidad, concordia.

Escucha lo amigables que son las cuerdas
Se unen a las filas y dan voz, -
Como si la madre, el padre y el niño
Cantan en feliz unidad.
Se nos dice por el acorde de cuerdas en un concierto,
Que el camino solitario es como la muerte.

Diapositiva 26. Géneros instrumentales Las épocas del Renacimiento se dividieron en 3 tipos: transcripciones de obras vocales, piezas virtuosas de un almacén de improvisación (richercar, preludio, fantasía), piezas de danza (pavana, gallarda, volta, moresca, saltarella).

Diapositiva 27. Francesco da Milano- el famoso laudista y compositor italiano del siglo XVI, a quien sus contemporáneos llamaron "Divino". Posee numerosas piezas para laúd, reunidas en tres colecciones.

Escuchamos: F. da Milano "Fantasía" para laúd

Diapositiva 28. En el Renacimiento, la misma actitud hacia la danza cambia. De una ocupación pecaminosa e indigna, la danza pasa a ser un accesorio obligado de la vida secular y se convierte en una de las habilidades más necesarias de una persona noble. Los bailes están firmemente incluidos en la vida de la aristocracia europea. ¿Qué bailes estaban de moda?

Diapositiva 29. Voltaje– Un baile popular del siglo XVI de origen italiano. El nombre volta proviene de la palabra italiana voltare, que significa "girar". El tempo de la volta es rápido, el tamaño es triple. El movimiento principal del baile: el caballero levanta bruscamente y gira a la dama que baila con él en el aire. Además, este movimiento debe realizarse con claridad y gracia. Y solo los hombres entrenados podían hacer frente a este baile.

Miramos: Fragmento de la película de video "Elizabeth"

Diapositiva 30- un baile lento solemne de origen español. El nombre pavana proviene del latín pavo - pavo real. El tamaño de la pavana es de dos partes, el ritmo es lento. La bailaban para demostrar a los demás su grandeza y su lujoso vestuario. El pueblo y la burguesía no hacían esta danza.

diapositiva 31.gallarda(del italiano - alegre, alegre) - un baile en movimiento. En el carácter de la gallarda se ha conservado la memoria del origen popular común de la danza. Se caracteriza por saltos y movimientos bruscos.

La pavana y la gallarda a menudo se ejecutaban una tras otra, formando una especie de suite.

Ahora verás un fragmento del concierto del conjunto de música antigua "Hesperion XXI". Su líder es Jordi Savall- Violonchelista, gambolista y director de orquesta español, uno de los músicos más respetados de la actualidad, interpretando música antigua con autenticidad (tal como sonaba en el momento de su creación).

Diapositiva 32. Buscamos: I. Alberti "Pavan y Galliard".

Interpretado por el Conjunto de Música Antigua "Hespèrion XXI" J. Saval.

Diapositiva 33. Géneros vocales El Renacimiento se dividió en eclesiástico y secular. ¿Qué significa "laico"? Misa y motete sonaron en la iglesia. Fuera de la iglesia - caccha, ballata, frottola, villanella, chanson, madrigal.

diapositiva 34. El canto de la iglesia alcanza el pináculo de su desarrollo. Este es el tiempo de la polifonía de la "escritura estricta".

El compositor polifónico más destacado del Renacimiento fue el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina. Su apodo, Palestrina, recibió el nombre de la ciudad en la que nació. Trabajó en el Vaticano, ocupó altos cargos musicales bajo el papado.

Masa- una pieza de música que consiste en oraciones en latín, que suena durante un servicio en la Iglesia Católica.

Escuchamos: G. P. da Palestrina "Misa del Papa Marcello", parte de "Agnus Dei"

diapositiva 35. canciones seculares. inglés balada "Mangas verdes"- muy popular hoy en día. La letra de esta canción se atribuye al rey inglés Enrique VIII. Dirigió estos poemas a su amada Ana Bolena, quien más tarde se convirtió en su segunda esposa. ¿Sabes de qué trata esta canción?

diapositiva 36. Letra de la canción "Green Sleeves" traducida por S.Ya.Marshak.

Escuchamos: Balada inglesa "Mangas verdes"

Diapositiva 37- uno de los representantes más destacados de la escuela polifónica holandesa. Nacido en Bélgica, vivió en Italia, Inglaterra y Francia. Durante los últimos 37 años de su vida, cuando su nombre ya era conocido en toda Europa, dirigió la capilla de la corte de Múnich. Creó más de 2.000 obras vocales tanto de culto como de carácter profano.

diapositiva 38. Chanson "Echo" fue escrita para dos coros de cuatro partes. El primer coro hace preguntas, el segundo coro le responde como un eco.

Escuchamos: O. Lasso Chanson "Echo"

Diapositiva 39(de la palabra italiana madre - "madre") - una canción en el idioma materno nativo. Madrigal es un canto polifónico (a 4 o 5 voces) de contenido lírico de carácter sublime. Este género vocal floreció en el siglo XVI.

diapositiva 40.Gesualdo de Venosa- Compositor italiano del siglo XVI, uno de los más grandes maestros del madrigal secular. Era una persona misteriosa. Un príncipe rico, gobernante de la ciudad de Venosa. Habiendo atrapado a la bella esposa de la traición, Gesualdo, en un ataque de celos, le quitó la vida. Periódicamente caía en la melancolía y se escondía de todos en su castillo. Murió a la edad de 47 años, en una mente confundida...

Durante su vida, publicó 6 colecciones de madrigales de cinco partes. Una característica del estilo de G. di Venosa es la saturación de la música con cromatismos, coloridas yuxtaposiciones de acordes disonantes, únicas para su época. Así Gesualdo tradujo en música su terrible dolor mental y remordimientos de conciencia.

Los contemporáneos no entendieron su música, la consideraron terrible, dura. Los músicos del siglo XX lo apreciaron, se hizo una película sobre G. di Venosa, se escribieron libros y el compositor A. Schnittke le dedicó la ópera Gesualdo.

Diapositiva 41. Madrigal "Moro, lazo, al mio duolo" es una de las últimas creaciones de G. di Venosa. Es dueño tanto de la música como de las letras:

¡Vaya! me muero de pena
El que prometió felicidad
¡Me está matando con su poder!
¡Oh, llora el torbellino del mal!
El que prometió la vida
me dio la muerte.

Escuchamos: G. di Venosa "Moro, lazo, al mio duolo"

Diapositiva 42. A finales del siglo XVI surgió en Florencia Camerata florentina- un círculo de músicos y poetas que querían revivir la antigua tragedia griega con su forma especial inherente de pronunciar el texto (algo entre el habla y el canto).

Diapositiva 43. El nacimiento de la ópera. De estos experimentos nació la ópera. El 6 de octubre de 1600 tuvo lugar en Florencia el estreno de la primera ópera superviviente, Eurídice. Su autor es el compositor y cantante Jacopo Peri.

Escuchamos: J. Peri Escena de la ópera "Eurídice"

V. Resumen de la lección

- ¿Qué novedades aprendiste hoy sobre el Renacimiento?

¿Qué instrumento te gusta el sonido de? ¿Cómo?

– ¿A qué instrumentos modernos se parece el laúd, la viola, el virginal?

¿Qué cantaba la gente durante el Renacimiento? ¿Dónde? ¿Cómo?

– ¿Por qué los artistas del Renacimiento representaban tan a menudo a los músicos?

- ¿Qué música que sonó hoy en la lección te gustó, recuerdas?

VI. Tarea (opcional):

• Cante la canción "Mangas verdes" de las notas, aquellos que lo deseen pueden recoger un acompañamiento;
• Encuentra pinturas musicales de artistas del Renacimiento y habla sobre ellas.

La era del Alto Renacimiento.

(De la historia de la música italiana desde 1500)

El Renacimiento es un período de cambio en todas las áreas del arte: pintura, arquitectura, escultura, música. Este período marcó la transición de la Edad Media al presente. El período comprendido entre 1500 y 1600, denominado Alto Renacimiento, es el período más revolucionario de la historia de la música europea, el siglo en el que se desarrolló la armonía y nació la ópera.

En el siglo XVI, la imprenta de música se extendió por primera vez, en 1501 el impresor veneciano Ottaviano Petrucci publicó Harmonice Musices Odhecaton, la primera gran colección de música secular. Supuso una revolución en la difusión de la música, y también contribuyó a que el estilo franco-flamenco se convirtiera en el lenguaje musical dominante de Europa en el siglo siguiente, ya que, como italiano, Petrucci incluía principalmente la música de compositores franco-flamencos. en su colección. Posteriormente, publicó muchas obras y compositores italianos, tanto profanos como espirituales.

Italia se convierte en el centro de la creación de clavicémbalos y violines. Se abren muchos talleres de violín. Uno de los primeros maestros fue el famoso Andrea Amati de Cremona, quien sentó las bases de una dinastía de fabricantes de violines. Hizo cambios significativos en el diseño de los violines existentes, lo que mejoró el sonido y lo acercó a la apariencia moderna.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - un destacado laudista y compositor italiano del Renacimiento, creó una reputación para Italia como un país de músicos virtuosos. Todavía se le considera el mejor laudista de todos los tiempos. Después del declive de la Baja Edad Media, la música se convirtió en un elemento importante de la cultura.
Durante el Renacimiento, el madrigal alcanzó su apogeo y se convirtió en el género musical más popular de la época. Los madrigalistas buscaban crear arte elevado, a menudo utilizando la poesía reelaborada de los grandes poetas italianos de finales de la Edad Media: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio y otros. El rasgo más característico del madrigal fue la ausencia de cánones estructurales estrictos, el principio fundamental fue la libre expresión de pensamientos y sentimientos.
Compositores como el representante de la escuela veneciana, Cypriano de Rore, y el representante de la escuela franco-flamenca, Roland de Lassu, experimentaron aumentando el cromatismo, la armonía, el ritmo, la textura y otros medios de expresión musical. Su experiencia continuará y culminará en la era manierista de Carlo Gesualdo.
En 1558, Josephfo Zarlino (1517-1590), el más grande teórico de la música desde la época de Aristóteles hasta la época barroca, creó los Fundamentos de la Armónica, en esta creación más grande de la ciencia musical del siglo XVI, revivió el antiguo concepto de un número sonoro, fundamentaba la justificación teórica y estética de una tríada grande y pequeña. Su enseñanza sobre la música tuvo un impacto significativo en la ciencia musical de Europa occidental y formó la base de numerosas características posteriores de mayor y menor.

El nacimiento de la ópera (Camerata florentina)

El final del Renacimiento estuvo marcado por el evento más importante en la historia musical: el nacimiento de la ópera.
Un grupo de humanistas, músicos y poetas se reunió en Florencia bajo los auspicios de su líder, el conde Giovanni De Bardi (1534 - 1612). El grupo se llamaba "kamerata", sus principales miembros eran Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (padre del astrónomo Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri y Ottavio Rinuccini en su juventud.
La primera reunión documentada del grupo tuvo lugar en 1573, y los años más activos de la "Cámara de Florencia" fueron 1577 - 1582.
Creían que la música estaba "corrompida" y buscaban volver a la forma y el estilo de la antigua Grecia, creyendo que el arte de la música podía mejorar y, en consecuencia, la sociedad también mejoraría. Camerata criticó la música existente por su uso excesivo de la polifonía a costa de la inteligibilidad del texto y la pérdida del componente poético de la obra, y propuso la creación de un nuevo estilo musical en el que el texto en estilo monódico fuera acompañado por música instrumental. Sus experimentos llevaron a la creación de una nueva forma vocal y musical: el recitativo, utilizado por primera vez por Emilio de Cavalieri, posteriormente directamente relacionado con el desarrollo de la ópera.
A fines del siglo XVI, los compositores comenzaron a empujar los límites de los estilos renacentistas, la era barroca vino a reemplazarla con sus propias características y nuevos descubrimientos en la música. Uno de ellos fue Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso en Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15 de mayo de 1567 - 29 de noviembre de 1643) fue un compositor, músico y cantante italiano. El compositor más importante del Barroco, sus obras a menudo se consideran revolucionarias, marcando la transición en la música del Renacimiento al Barroco. Vivió en una era de grandes cambios en la música y fue él mismo quien la cambió.

Monteverdi Venite, Venite.

Monteverdi. De la ópera "Orfeo"

La primera ópera reconocida oficialmente que cumple con los estándares modernos fue la ópera "Daphne" (Daphne), presentada por primera vez en 1598. Los autores de "Daphne" fueron Jacopo Peri y Jacopo Corsi, con libreto de Ottavio Rinuccini. Esta ópera no ha sobrevivido. La primera ópera que se conserva es "Eurídice" (1600) de los mismos autores: Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini. Esta unión creativa todavía creó muchas obras, la mayoría de las cuales se han perdido.

Jacobo Peri. Tu dormi, e yo dolce sonno.

Jacobo Peri. Hor che gli augelli.

Música sacra del siglo XVI.

El siglo XVI se caracteriza por una influencia muy fuerte de la Iglesia Católica y su Inquisición en el desarrollo del arte y la ciencia en Europa. En 1545 se reunió el Concilio de Trento, uno de los concilios más importantes en la historia de la Iglesia Católica, cuyo propósito fue responder al movimiento de Reforma. En particular, la música de iglesia fue considerada en esta catedral.
Algunos delegados buscaron volver al canto gregoriano monofónico y excluir el contrapunto de los cantos, ya existía una prohibición tácita del uso del estilo polifónico en la música sacra, incluidas casi todas las secuencias. La razón de esta posición fue la creencia de que la música polifónica, debido a los plexos contrapuntísticos, empuja el texto a un segundo plano, mientras que también se viola la armonía musical de la obra.
Se creó un comité especial para resolver la disputa. Este encargo encargó a Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), uno de los más grandes compositores de música sacra, que compusiera misas de prueba, teniendo en cuenta todos los requisitos de las partes. Palestrina creó tres misas a seis voces, incluida su más famosa "Misa del Papa Marcelo", dedicada al Papa Marcelo II, su patrón en su juventud. Estas obras tuvieron una fuerte influencia en el clero y pusieron fin a la disputa, cesaron los discursos en contra del uso del contrapunto en la música sacra.
El trabajo de Giovanni Pierluigi Palestrina es el pináculo del desarrollo de la música sacra contrapuntística a capella, combinando todas las combinaciones posibles de polifonía y claridad de textos.

Palestrina. Sicut Cervus.

Palestrina. Gloria

En la cultura musical del Renacimiento se pueden distinguir varios rasgos innovadores definitorios.

En primer lugar, el rápido desarrollo del arte secular, expresado en la ubicuidad de muchos géneros de canciones y danzas seculares. estos son italianosfrottoles ("canciones populares, de palabras frottola - multitud), villanelas ("canciones de pueblo"),cacchia , canción metódica (literalmente - canciones) y madrigales, españolvillancico (de villa - pueblo), canciones francesas chanson, alemánMintió , Inglés baladas y otros. Todos estos géneros, glorificando la alegría de ser, interesados ​​en el mundo interior de una persona, luchando por la verdad de la vida, reflejaron directamente una cosmovisión puramente renacentista. Por sus medios expresivos, es típico el amplio uso de entonaciones y ritmos de la música folklórica.

La culminación de la línea secular en el arte del Renacimiento -madrigal . El nombre del género significa "canción en el idioma materno (es decir, italiano)". Enfatiza la diferencia entre el madrigal y la música sacra interpretada en latín. El desarrollo del género pasó de una canción de pastor de una sola voz sin pretensiones a una pieza vocal-instrumental de 5-6 voces con un texto lírico refinado y refinado. Entre los poetas que recurrieron al género madrigal se encuentran Petrarca, Boccaccio, Tasso. Los compositores A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi fueron notables maestros del madrigal. Originario de Italia, el madrigal se extendió rápidamente a otros países de Europa occidental.

La versión francesa de la canción polifónica se llamacanción . Se distingue del madrigal por su mayor proximidad a la realidad, a la vida cotidiana, es decir, al género. Entre los creadores de chanson -clemente jeannequin , uno de los compositores franceses más famosos del Renacimiento.

En segundo lugar, el máximo florecimiento de la polifonía coral, que se convirtió en el principal estilo musical de la época. Majestuoso y armonioso, combinaba perfectamente con la solemnidad del servicio de la iglesia. Al mismo tiempo, la polifonía polifónica era la forma de expresión dominante no solo en los géneros espirituales, sino también en los seculares.

El desarrollo de la polifonía coral se asoció principalmente con el trabajo de compositores de la escuela holandesa (franco-flamenca): Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

orlando lazo (circa 1532-1594) trabajó en muchos países europeos. Su talento, verdaderamente fenomenal, conquistó y deleitó a todos. En la vasta obra de Orlando Lasso están representados todos los géneros musicales del Renacimiento (con predominio de la música profana sobre la espiritual). Entre sus obras más populares se encuentra "Echo", escrita en el género de las canciones caseras italianas. La composición se basa en una colorida yuxtaposición de dos coros, creando un efecto de eco. El texto pertenece al propio compositor.

Junto con Orlando Lasso, el mayor representante del Alto Renacimiento en la música fue el italianoPalestrina (nombre completo Giovanni Pierlui gi da Palestrina, hacia 1525-1594). La mayor parte de la vida de Palestrina transcurrió en Roma, donde estuvo constantemente asociado con el trabajo en la iglesia, en particular, dirigió la capilla de la Catedral de St. Pedro La parte principal de su música son obras sacras, principalmente misas (hay más de un centenar de ellas, entre las que destaca especialmente la famosa “Misa de Papa Marcello”) y motetes. Sin embargo, Palestrina también compuso voluntariamente música secular: madrigales, canzonettes. Composiciones de Palestrina para chorus a sarrellase convirtió en un ejemplo clásico de polifonía renacentista.

El trabajo de los compositores polifónicos desempeñó un papel destacado en el desarrollo del género principal de la música renacentista:masas . Con origen en la Edad Media, el género de la Misa enXIV- XVIDurante siglos, se ha transformado rápidamente, pasando de muestras representadas por partes separadas y dispares a composiciones de una forma cíclica armoniosa.

Dependiendo del calendario de la iglesia, se omitieron algunas partes en la música de la misa y se insertaron otras partes. Hay cinco partes obligatorias que están constantemente presentes en el servicio de la iglesia. Ayo y V - « Kyrieeleison» (“Señor, ten piedad”) y« AgnusDios» (« Cordero de Dios") - se expresó una oración de perdón y misericordia. EnYo y IV - « Gloria"("Gloria") y " Sanctus» (« Santo") - alabanza y gratitud. En la parte central,Credo» (« Yo creo”), expuso los principios fundamentales de la fe cristiana.

En tercer lugar, el creciente protagonismo de la música instrumental (con un claro predominio de los géneros vocales). Si la Edad Media europea casi no conocía el instrumental profesional, en el Renacimiento se crearon muchas obras para el laúd (el instrumento musical más común de esa época), órgano, viola, vihuela, flautas virginales y longitudinales. Todavía siguen patrones vocales, pero ya se ha determinado el interés por tocar instrumentos.

En cuarto lugar, durante el Renacimiento hubo una activa formación de escuelas musicales nacionales (polifonistas holandeses, virginalistas ingleses, vihuelalistas españoles y otros), cuyo trabajo se basó en el folclore de su país.

Finalmente, la teoría de la música ha dado un paso adelante, presentando una serie de teóricos notables. Es francésFelipe de Vitry , autor del tratado Arsestrella nueva» (« Arte Nuevo”, donde se da la fundamentación teórica del nuevo estilo polifónico); italianojosefo carlino , uno de los creadores de la ciencia de la armonía; suizoglareano , el fundador de la doctrina de la melodía.

Ministerio de Educación de la Federación Rusa

Universidad Estatal Pedagógica Abierta de Moscú

a ellos. M. A. Sholokhova

Departamento de Educación Estética

ENSAYO

"Música del Renacimiento"

Alumnos del 5º curso

Jornada completa - departamento de correspondencia

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Maestro:

Zatsepina María Borisovna

Moscú 2005

Renacimiento: la era del apogeo de la cultura de los países de Europa occidental y central en el período de transición de la Edad Media al nuevo tiempo (siglos XV-XVII). La cultura del Renacimiento no tiene un carácter de clase estrecho y a menudo refleja el estado de ánimo de las amplias masas del pueblo; en la cultura musical representa varias nuevas escuelas creativas influyentes. El núcleo ideológico principal de toda la cultura de este período fue el humanismo, una idea nueva y sin precedentes del hombre como un ser libre y completamente desarrollado, capaz de un progreso ilimitado. El hombre es el tema principal del arte y la literatura, obra de los más grandes representantes de la cultura renacentista: F. Petrarca y D. Boccaccio, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. La mayoría de las figuras culturales de esta época eran personas con múltiples talentos. Entonces, Leonardo da Vinci no solo fue un artista destacado, sino también escultor, científico, escritor, arquitecto, compositor; Miguel Ángel es conocido no solo como escultor, sino también como pintor, poeta y músico.

El desarrollo de la cosmovisión y de toda la cultura de este período estuvo influenciado por la adhesión a modelos antiguos. En la música, junto a los nuevos contenidos, también se desarrollan nuevas formas y géneros (canciones, madrigales, romances, óperas, cantatas, oratorios).

Con toda la integridad y plenitud de la cultura del Renacimiento en general, se caracteriza por rasgos de inconsistencia asociados con el entretejido de elementos de la nueva cultura con la antigua. Los temas religiosos en el arte de este período continúan no solo existiendo, sino también desarrollándose. Al mismo tiempo, se transforma tanto que las obras creadas a partir de él se perciben como escenas de género de la vida de la gente noble y común.

La cultura italiana del Renacimiento pasó por ciertas etapas de desarrollo: habiendo surgido a fines del siglo XIV, alcanzó su punto máximo a mediados del siglo XV, principios del siglo XVI. En la segunda mitad del siglo XVI. se produce una larga reaccion feudal, debido a la decadencia economica y politica del pais. El humanismo está en crisis. Sin embargo, el declive del arte no se indica de inmediato: durante décadas, artistas y poetas, escultores y arquitectos italianos crearon obras del más alto valor artístico, el desarrollo de vínculos entre varias escuelas creativas, el intercambio de experiencias entre músicos que se mudaron del país. al país, trabajando en diferentes capillas, se convierte en un signo del tiempo y nos permite hablar de tendencias comunes a toda la época.

El Renacimiento es una de las páginas más brillantes de la historia de la cultura musical europea. La constelación de los grandes nombres de Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo, que abrieron nuevos horizontes a la creatividad musical en los medios de expresión, la riqueza de la polifonía, la escala de las formas; florecimiento y renovación cualitativa de los géneros tradicionales - motetes, misas; la afirmación de nuevas imágenes, nuevas entonaciones en el campo de las composiciones de canciones polifónicas, el rápido desarrollo de la música instrumental, que ha pasado a primer plano después de casi cinco siglos de subordinación: otras formas de hacer música, el crecimiento del profesionalismo en todas las áreas de la creatividad musical: un cambio en los puntos de vista sobre el papel y las posibilidades del arte musical, la formación de nuevos criterios de belleza: el humanismo como una tendencia realmente emergente en todas las áreas del arte, todo esto está conectado con nuestras ideas sobre el Renacimiento. La cultura artística del Renacimiento es un comienzo personal basado en la ciencia. La habilidad inusualmente compleja de los polifonistas de los siglos XV y XVI, su técnica virtuosa coexistió con el brillante arte de las danzas cotidianas, la sofisticación de los géneros seculares. El dramatismo lírico está ganando cada vez más expresión en sus obras. Además, manifiestan más claramente la personalidad del autor, la individualidad creativa del artista (esto es típico no solo del arte musical), lo que nos permite hablar de humanización como el principio rector del arte renacentista. Al mismo tiempo, la música sacra, representada por géneros tan amplios como la misa y el motete, continúa en cierta medida la línea “gótica” en el arte del Renacimiento, dirigida principalmente a recrear el canon ya existente y con ello, a la glorificación de lo Divino.

Las obras de casi todos los géneros principales, tanto seculares como espirituales, se construyen sobre la base de algún material musical previamente conocido. Podría ser fuente monofónica en motetes y diversos géneros profanos, adaptaciones instrumentales; pueden ser dos voces tomadas prestadas de una composición a tres voces e incluidas en una obra nueva del mismo u otro género y, finalmente, un tres o cuatro voces completo (motete, madrigal, haciendo el papel de una especie de preliminar “modelo” de una obra de mayor forma (masa).

La fuente primaria es igualmente una melodía popular y ampliamente conocida (canción coral o profana) y una composición de cualquier autor (o voces de ella), procesada por otros compositores y, en consecuencia, dotada de diferentes características sonoras, una idea artística diferente.

En el género del motete, por ejemplo, casi no hay obras que no tengan ningún original original. La mayoría de las misas de los compositores de los siglos XV-XVI también tienen fuentes primarias: por ejemplo, en Palistrina, de un total de más de cien misas, encontramos sólo seis escritas sobre una base libre de préstamos. O. Lasso no escribió una sola misa (de 58) sobre el material del autor.

Al mismo tiempo, se puede notar que el círculo de fuentes primarias en el material en el que se basan los autores está claramente indicado. G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso y otros parecen competir entre sí, refiriéndose una y otra vez a las mismas melodías, extrayendo de ellas cada vez nuevos impulsos artísticos para sus obras, repensando tonadas como prototipos de entonación iniciales para formas polifónicas.

Al realizar el trabajo, se utilizó una técnica: la polifonía. La polifonía es una polifonía en la que todas las voces son iguales. Todas las voces repiten la misma melodía, pero en momentos diferentes, como un eco. Esta técnica se llama polifonía de imitación.

Hacia el siglo XV tomaba forma la llamada polifonía de la “escritura estricta”, cuyas reglas (normas de dirección de voz, formación, etc.) estaban fijadas en los tratados teóricos de la época y eran una ley inmutable para la creación de música sacra.

Otra conexión, cuando los intérpretes pronuncian diferentes melodías y diferentes textos al mismo tiempo, se llama polifonía de contraste. En general, el estilo "estricto" implica necesariamente polifonía de uno de dos tipos: imitación o contraste. Fue precisamente la polifonía de imitación y contraste lo que hizo posible componer motetes polifónicos y misas para los servicios de la iglesia.

Un motete es una pequeña canción coral que generalmente se componía con alguna melodía popular, la mayoría de las veces con una de las viejas melodías de la iglesia ("cantos gregorianos" y otras fuentes canónicas, así como música folclórica).

Con el comienzo del siglo XV, en la cultura musical de varios países europeos, las características inherentes a la era del Renacimiento se vuelven cada vez más distintas. Destacado entre los primeros polifonistas del Renacimiento holandés, Guillaume Dufay (Dufay) nació en Flandes alrededor de 1400. Sus obras, de hecho, son más de medio siglo de la historia de la escuela de música holandesa, que tomó forma en el segundo cuarto del siglo XV.

Dufay dirigió varias capillas, incluida la capilla papal en Roma, trabajó en Florencia y Bolonia y pasó los últimos años de su vida en su Cambrai natal. La herencia de Dufay es rica y abundante: incluye alrededor de 80 canciones (géneros de cámara: vireles, baladas, rondó), alrededor de 30 motetes (tanto de contenido espiritual como secular, "canción"), 9 misas completas y sus partes separadas.

Un excelente melodista, que logró la calidez lírica y la expresión de los melos, algo raro en la era del estilo estricto, voluntariamente recurrió a las melodías populares, sometiéndolas al procesamiento más hábil. Dufay aporta muchas cosas nuevas a la misa: amplía la composición del conjunto más ampliamente, utiliza los contrastes del sonido coral con mayor libertad. Una de sus mejores composiciones son las misas "Pale Face", "Armed Man", que utilizan melodías prestadas del mismo nombre de la canción de origen. Estas canciones en varias versiones forman una base entonativa-temática ampliamente extendida que mantiene unida la unidad de grandes ciclos corales. En la elaboración polifónica del notable contrapuntista, revelan la belleza hasta ahora desconocida y las posibilidades expresivas que se esconden en sus profundidades. La melodía de Dufay combina armoniosamente la frescura agria de la canción holandesa con su suave melodiosa italiana y la gracia francesa. Su polifonía imitativa está desprovista de artificiosidad y montones. A veces la escasez se vuelve excesiva, aparecen vacíos. Esto afecta no solo a la juventud del arte, que aún no ha encontrado el equilibrio ideal de la estructura, sino también al deseo característico del maestro de Cumbria de lograr un resultado artístico y expresivo con los medios más modestos.

El trabajo de los contemporáneos más jóvenes de Dufay, Johannes Okeghem y Jakob Obrecht, ya se atribuye a la llamada segunda escuela holandesa. Ambos compositores son figuras importantes de su época, que determinaron el desarrollo de la polifonía holandesa en la segunda mitad del siglo XV.

Johannes Okegem (1425 - 1497) trabajó la mayor parte de su vida en la capilla de los reyes franceses. Frente a Okeghem, frente a Europa, fascinado por el lirismo de la canción suave y melodiosa de Dufay, la eufonía ingenua, mansa y arcaicamente brillante de sus misas y motetes, apareció un artista completamente diferente: un "racionalista con un ojo sin pasión" y una pluma sofisticada y técnica, que a veces evita el lirismo y se esfuerza por plasmar lo antes posible en la música ciertas leyes extremadamente generales de la existencia objetiva. Descubrió un dominio asombroso del desarrollo de líneas melódicas en conjuntos polifónicos. Algunos rasgos góticos son inherentes a su música: figuratividad, carácter no individual de la expresividad, etc. Creó 11 misas completas (y varias de sus partes), incluido el tema "Hombre armado", 13 motetes y 22 canciones. Son los grandes géneros polifónicos los que están en primer lugar para él. Algunas de las canciones de Okeghem ganaron popularidad entre los contemporáneos y sirvieron repetidamente como base principal para arreglos polifónicos en formas más grandes.

El ejemplo creativo de Okeghem como el más grande maestro y polifonista puro fue de gran importancia para sus contemporáneos y seguidores: su enfoque intransigente en los problemas especiales de la polifonía inspiró respeto, si no admiración, dio lugar a una leyenda y rodeó su nombre con un halo.

Entre los que conectaron el siglo XV con el siguiente, no solo cronológicamente, sino también en términos de la esencia del desarrollo creativo, el primer lugar, sin duda, pertenece a Jacob Obrecht. Nació en 1450 en Bergen op Zoom. Obrecht trabajó en las capillas de Amberes, Cambrai, Brujas y otras, y también sirvió en Italia.

El patrimonio creativo de Obrecht incluye 25 misas, unos 20 motetes, 30 canciones polifónicas. De sus predecesores y contemporáneos mayores, heredó una técnica polifónica altamente desarrollada, incluso virtuosa, métodos de polifonía canónicos de imitación. En la música de Obrecht, que es completamente polifónica, a veces escuchamos una fuerza especial de emociones al menos no personales, audacia de contrastes en límites grandes y pequeños, conexiones bastante "terrenales", casi cotidianas en la naturaleza de los sonidos y detalles de forma. Su cosmovisión deja de ser gótica. Se acerca a Josquin Despres, un auténtico representante del Renacimiento en el arte de la música.

El estilo de Obrecht se caracteriza por rasgos individuales, incluido un alejamiento del desapego gótico, provocando oposición, la fuerza de las emociones y la conexión con los géneros cotidianos.

El primer tercio del siglo XVI en Italia es el período del Alto Renacimiento, una época de auge creativo y perfección sin precedentes, plasmada en las grandes obras de Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel. Se está formando un cierto estrato social, por cuyas fuerzas se organizan representaciones teatrales y fiestas musicales. Se desarrollan las actividades de diversas academias de artes.

Un poco más tarde, comienza un período de gran prosperidad en el arte de la música, no solo en Italia, sino también en Alemania, Francia y otros países. La invención de la notación musical es de gran importancia para la difusión de las obras musicales.

Las tradiciones de la escuela polifónica siguen siendo fuertes como antes (en particular, la confianza en la muestra tiene el mismo significado), pero la actitud hacia la elección de los temas está cambiando, la riqueza emocional y figurativa de las obras está aumentando, lo personal, se intensifica el principio autoral. Todas estas características ya son evidentes en la obra del compositor italiano Josquin Despres, que nació hacia 1450 en Borgoña y fue uno de los más grandes compositores de la escuela holandesa de finales del siglo XV y principios del XVI. Dotado de una hermosa voz y oído, desde la adolescencia se desempeñó como corista en coros de iglesias en su tierra natal y en otros países. Este contacto temprano y cercano con el alto arte coral, la asimilación activa y práctica de los grandes tesoros artísticos de la música de culto determinaron en gran medida la dirección en la que se desarrolló la individualidad del futuro maestro del genio, su estilo y géneros.

En su juventud, Despres estudió el arte de la composición con I. Okeghem, de quien también mejoró en la ejecución de varios instrumentos musicales.

Más tarde, Josquin Despres probó suerte en todos los géneros musicales que existían en ese momento, creando salmos, motetes, misas, música sobre la Pasión del Señor, composiciones en honor a Santa María y cantos profanos.

Lo primero que llama la atención en las obras de Despres es la llamativa técnica contrapuntística, que permite considerar al autor como un auténtico virtuoso del contrapunto. Sin embargo, a pesar de la posesión completa del material, Despres escribió muy lentamente, examinando sus obras con mucha crítica. Durante la interpretación de prueba de las composiciones, hizo muchos cambios en ellas, tratando de lograr una eufonía impecable, que nunca sacrificó a los plexos de contrapunto.

Usando solo formas polifónicas, el compositor en algunos casos le da a la voz superior una melodía fluida inusualmente hermosa, gracias a la cual su trabajo se distingue no solo por la eufonía, sino también por la melodía.

No queriendo ir más allá del contrapunto estricto, Despres, para mitigar las disonancias, las prepara, por así decirlo, utilizando una nota disonante en la consonancia anterior en forma de consonancia. Con mucho éxito, Despres también utiliza las disonancias como un medio para mejorar la expresión musical.

Cabe señalar que J. Despres puede considerarse legítimamente no solo un contrapunto talentoso y un músico sensible, sino también un excelente artista, capaz de transmitir en sus obras los matices más sutiles de los sentimientos y los diversos estados de ánimo.

Josquin fue técnica y estéticamente superior a los polifonistas italianos y franceses del siglo XV. Por eso, en el ámbito puramente musical, los influyó mucho más de lo que fue influenciado por ellos. Hasta su muerte, Despres dirigió las mejores capillas de Roma, Florencia y París. Siempre se ha dedicado por igual a su trabajo, contribuyendo a la difusión y reconocimiento de la música. Siguió siendo holandés, "un maestro de Condé". Y no importa cuán brillantes fueron los logros y honores extranjeros, incluso durante la vida rendido al "maestro de la música" (como lo llamaron sus contemporáneos), él, obedeciendo la irresistible "llamada de la tierra", ya en sus últimos años nuevamente Regresó a las orillas del Escalda y terminó modestamente su vida como canónigo.

En Italia, durante el Alto Renacimiento, florecieron los géneros seculares. Los géneros vocales se desarrollan en dos direcciones principales, una de ellas cercana al cante y baile cotidiano (frotoles, villanelles, etc.), mientras que la otra está conectada con la tradición polifónica (madrigal).

El madrigal como forma musical y poética especial brindó oportunidades extraordinarias para la manifestación de la individualidad del compositor. El contenido principal de sus letras, escenas de género. La música escénica floreció en la escuela veneciana (un intento de revivir la tragedia antigua). Se independizaron las formas instrumentales (piezas para laúd, vihuela, órgano y otros instrumentos).

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El Renacimiento, o Renacimiento, es un período en la historia de la cultura de Europa occidental y central, que abarca aproximadamente los siglos XIV-XVI. Este período obtuvo su nombre en relación con el resurgimiento del interés por el arte antiguo, que se ha convertido en un ideal para las figuras culturales de los tiempos modernos. Compositores y teóricos musicales - J. Tinktoris, J. Tsarlino y otros - estudiaron tratados musicales griegos antiguos; en las obras de Josquin Despres, quien fue comparado con Miguel Ángel, según los contemporáneos, "se revivió la perfección perdida de la música de los antiguos griegos": apareció a fines del siglo XVI y principios del XVII. la ópera se guiaba por las leyes del teatro antiguo.

Clases de teoría musical. A partir de un grabado del siglo XVI.

J. P. Palestrina.

El desarrollo de la cultura del Renacimiento está asociado con el surgimiento de todos los aspectos de la sociedad. Nació una nueva cosmovisión: el humanismo (del latín humanus - "humano"). La emancipación de las fuerzas creativas condujo al rápido desarrollo de la ciencia, el comercio, la artesanía y nuevas relaciones capitalistas tomaron forma en la economía. La invención de la imprenta contribuyó a la difusión de la educación. Los grandes descubrimientos geográficos y el sistema heliocéntrico del mundo de N. Copérnico cambiaron las ideas sobre la Tierra y el Universo.

Las bellas artes, la arquitectura y la literatura alcanzaron un florecimiento sin precedentes. La nueva actitud se reflejó en la música y transformó su apariencia. Se aleja gradualmente de las normas del canon medieval, el estilo se individualiza, aparece por primera vez el concepto mismo de "compositor". La textura de las obras cambia, el número de voces aumenta a cuatro, seis o más (por ejemplo, se conoce el canon de 36 voces, atribuido al mayor representante de la escuela holandesa, J. Okegem). Las consonancias consonantes dominan en armonía, el uso de disonancias está estrictamente limitado por reglas especiales (ver Consonancia y disonancia). Se forman las escalas mayor y menor y el sistema de ritmos del reloj, que son característicos de la música posterior.

Los compositores utilizaron todos estos nuevos medios para transmitir un sistema especial de sentimientos de un hombre del Renacimiento: sublime, armonioso, tranquilo y majestuoso. La conexión entre el texto y la música se vuelve más estrecha, la música comienza a transmitir el estado de ánimo o, como se dijo entonces, los afectos del texto, palabras individuales, como "vida", "muerte", "amor", etc. a menudo se ilustran con medios musicales especiales.

La música renacentista se desarrolló en dos direcciones: eclesiástica y secular. Los principales géneros de la música de la iglesia - misa y motete - son obras polifónicas polifónicas para coro, solas o acompañadas por un conjunto instrumental (ver Música coral, Polifonía). De los instrumentos, se dio preferencia al órgano.

El crecimiento de la creación musical amateur contribuyó al desarrollo de la música secular. La música sonaba en todas partes: en las calles, en las casas de los ciudadanos, en los palacios de los nobles nobles. Los primeros concertistas virtuosos aparecieron en el laúd, el clavicémbalo, el órgano, la viola y varios tipos de flautas longitudinales. En canciones polifónicas (madrigal - en Italia, chanson - en Francia), los compositores hablaban sobre el amor, sobre todo lo que ocurre en la vida. Aquí están los títulos de algunas de las canciones: "Deer Hunt", "Echo", "Battle of Marignano".

En los siglos XV-XVI. la importancia del arte de la danza aumenta, aparecen numerosos tratados y guías prácticas sobre coreografía, colecciones de música de baile, que incluyen bailes populares de la época: bajo, branle, pavana, gallarda.

Durante el Renacimiento, se formaron escuelas nacionales de música. La más grande de ellas es la escuela polifónica holandesa (franco-flamenca). Sus representantes son G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Entre otras escuelas nacionales se encuentran la italiana (J. P. Palestrina), la española (T. L. de Victoria), la inglesa (W. Byrd), la alemana (L. Senfl).