Tipos de arte y los suyos. tipos de arte

La forma primaria de arte era una especial. sincrético complejo (indiviso) actividad creativa. Todo se fusionó en una única acción ritual. Posteriormente, de esta acción sincrética comenzaron a surgir distintos tipos de arte.

tipos de arte- Estas son formas históricamente establecidas de reflexión artística del mundo, utilizando medios especiales para construir una imagen: sonido, color, movimiento corporal, palabras, etc. Cada tipo de arte tiene sus propias variedades especiales: géneros y géneros, que en conjunto proporcionan una variedad de actitudes artísticas ante la realidad. Consideremos brevemente los principales tipos de arte y algunas de sus variedades.

Literatura Utiliza medios verbales y escritos para construir imágenes. Hay tres tipos principales de literatura: drama, poesía épica y lírica y numerosos géneros: tragedia, comedia, novela, cuento, poema, elegía, cuento, ensayo, folletín, etc.

Música utiliza medios sonoros. La música se divide en vocal (destinada al canto) e instrumental. Géneros musicales: ópera, sinfonía, obertura, suite, romance, sonata, etc.

Bailar Utiliza movimientos plásticos para construir imágenes. Hay bailes rituales, folklóricos, de salón,

danza moderna, ballet. Direcciones y estilos de baile: vals, tango, foxtrot, samba, polonesa, etc.

Cuadro Muestra la realidad en un plano utilizando el color. Géneros de pintura: retrato, naturaleza muerta, paisaje, así como géneros cotidianos, animales (representación de animales) e históricos.

Arquitectura Forma el entorno espacial en forma de estructuras y edificios para la vida humana. Se divide en residencial, público, jardinería, industrial, etc. También hay estilos arquitectónicos: gótico, barroco, rococó, art nouveau, clasicismo, etc.

Escultura crea obras de arte que tienen volumen y forma tridimensional. La escultura puede ser redonda (busto, estatua) y en relieve (imagen convexa). Por tamaño se divide en caballete, decorativo y monumental.

Artes y manualidades relacionados con las necesidades aplicadas. Esto incluye objetos artísticos que se pueden utilizar en la vida cotidiana: platos, telas, herramientas, muebles, ropa, joyas, etc.

Teatro Organiza una representación escénica especial a través de la actuación de actores. El teatro puede ser dramático, ópera, títere, etc.

Circo presenta una actuación espectacular y entretenida con números insólitos, arriesgados y divertidos en un escenario especial. Se trata de acrobacias, equilibrios, gimnasia, equitación, malabares, trucos de magia, pantomima, payasos, adiestramiento de animales, etc.

Película es el desarrollo de la representación teatral basada en modernos medios técnicos audiovisuales. Los tipos de cine incluyen largometrajes, documentales y animación. Los géneros incluyen comedias, dramas, melodramas, películas de aventuras, historias de detectives, thrillers, etc.

Foto captura imágenes visuales documentales utilizando medios técnicos: ópticos, químicos o digitales. Los géneros de la fotografía corresponden a los géneros de la pintura.

Escenario incluye formas pequeñas las artes escénicas-drama, música, coreografía, ilusiones, actos de circo, actuaciones originales etc.

Diseño es una actividad de diseño encaminada a mejorar la actividad vital de cada persona mediante la creación de una imagen ergonómica constructiva de un entorno estético holístico y de los objetos que forman parte de este entorno. El diseño es el diseño de objetos en los que la forma corresponde a su propósito.

A los tipos de arte enumerados se pueden agregar gráficos, arte radiofónico, etc.

Cada tipo, género o género refleja un lado o faceta especial de la vida humana, pero en conjunto, estos componentes del arte proporcionan una imagen artística integral del mundo.

La necesidad de creatividad artística o disfrute de las obras de arte aumenta con el crecimiento del nivel cultural de una persona. El arte se vuelve más necesario cuanto más se aleja una persona del estado animal.

Tipos de arte y su clasificación.

Tipos de arte: varias formas actividad estetica persona, pensamiento artístico e imaginativo. EN sistema moderno Las artes se hacen sentir con mayor fuerza gracias a dos tendencias. La primera es la tendencia a la síntesis, la segunda es la preservación de la soberanía de cada arte individual. Ambos son fructíferos. La inconsistencia dialéctica que se refleja en las relaciones entre estas tendencias no conduce a la absorción de unas artes por otras, sino al enriquecimiento mutuo, a la afirmación de la legitimidad y necesidad de la existencia de diversos tipos de arte que conserven plenamente su independencia.

"Tipos de arte – vínculos de un fenómeno; cada uno de ellos se relaciona con el arte en su conjunto, como lo particular se relaciona con lo general. Los rasgos específicos del arte representan una manifestación específica de lo general. Las características específicas de cada tipo de arte se conservan a lo largo de la historia de su existencia." .

La división del arte en tipos es profundamente natural. existedos puntos de vista : algunos explican la existencia diferentes artes razones objetivas, otras – subjetivas.

Los primeros creen que el objeto de arte en sí es multifacético y sus diferentes facetas requieren diferentes medios. expresión artística.

Estos últimos creen que, dado que los mismos fenómenos se reflejan a menudo en la poesía, la música y la pintura, no hay razón para hacer que la existencia de diferentes artes dependa entre sí por el hecho de que reflejan diferentes fenómenos y por el hecho de que utilizan varios medios visuales según la naturaleza de la percepción humana. Pero la base fundamental para la existencia de las diversas artes reside, por supuesto, en el objeto del arte mismo, en la versatilidad del mundo objetivo, cuyos diferentes aspectos no pueden revelarse plenamente por medio de ningún arte.

Cada arte utiliza sus propios medios visuales y expresivos, y esto revela la característica específica más importante. creatividad artística. Los medios artísticos propios de las distintas artes están determinados, en primer lugar, por el tema de reproducción y las tareas de cada una de ellas. Pero no importa cuán específicos sean los medios visuales y expresivos de las distintas artes, existe una cierta conexión entre ellas, que consiste en el hecho de que todos los tipos de arte pueden, bajo ciertas condiciones, utilizar los medios visuales de otras artes. Por ejemplo, la gráfica también recurre al color, un medio que toma prestado de la pintura.

La necesidad de la existencia de diversas artes se debe al hecho de que ninguna de ellas, por sus propios medios, puede proporcionar una imagen artística suficientemente completa del mundo. Una imagen así sólo puede ser dada por todas las artes juntas, sólo por toda la cultura artística de la humanidad en su conjunto.

La cultura artística de la sociedad moderna incluye formas de arte tanto muy antiguas como relativamente jóvenes. Por ejemplo, las bellas artes eran conocidas por las personas de la sociedad primitiva, y la cinematografía fue esencialmente una creación del siglo XX. En las décadas siguientes se empezaron a crear nuevas artes como la televisión y la fotografía artística. Con el desarrollo de la sociedad, su tecnología y su cultura espiritual, pueden aparecer nuevas artes.

En la literatura sobre estética y historia del arte no existe una clasificación única generalmente aceptada. Los más comunesclasificación del arte se expresa en la división de sus tipos entres grupos : espacial o estático, temporal o dinámico y espaciotemporal.

El primer grupo abarca las artes visuales y la arquitectura y se percibe mediante la vista; el segundo, literatura y música, de oído, y el tercero, ballet, teatro, cine, tanto de vista como de oído.

Todos los sentidos participan en cierta medida en el conocimiento de la realidad. Esta división se basa en el hecho de que en algunas artes todos los acontecimientos que representan se desarrollan en el tiempo, mientras que en otras se presentan como estáticos.

La clasificación de las artes en espaciales y temporales no tiene en cuenta otras características esenciales del arte, como, por ejemplo, la presencia en él de una reproducción directa de la apariencia específica de los fenómenos de la realidad que sentimos.

1. Bellas artes y no bellas artes

“Hay artes que, por su propia naturaleza, necesariamente proporcionan una imagen directa de los fenómenos, como lo hace la pintura o la escultura; pero también hay artes en las que no hay reproducción directa de la apariencia material de los fenómenos reflejados, como en la música o la arquitectura" . En este sentido, las artes se dividen enarte fino Y no figurativo .

A su vez, las bellas artes y las no bellas artes se dividen convencionalmente en géneros, aunque es difícil trazar una línea clara entre ellas: de caballete, monumental, decorativa. Las artes no bellas se dividen más claramente según el material ( arquitectura de madera, cerámica), tecnología (arquitectura de marcos, tallado), finalidad (edificios públicos, utensilios). En el sistema general de las artes, los tipos de arte también se combinan convencionalmente en géneros: tipos de arte basados ​​​​en la plasticidad del cuerpo humano (pantomima, ballet, acrobacia), plástico o espacial (arquitectura, escultura, pintura), temporal (poesía). , música), temporal-espacial (drama y teatro musical, cine), sintética (videoarte, diseño).

Las bellas artes son una sección de las artes plásticas que surgieron a partir de la percepción visual y crean imágenes del mundo en un plano y en el espacio: como la pintura, la escultura y la gráfica. Se pueden encontrar rasgos de figuratividad en la arquitectura y en las artes decorativas y aplicadas; sus obras son espaciales y se perciben con la vista, pero a veces sólo se clasifican convencionalmente como bellas artes.

En el núcleo Artes visuales imagen completa mundo objetivo, incluida la propia persona. Aunque las bellas artes de una forma u otra reproducen cualidades visualmente observables y objetivamente existentes del mundo real (volumen, color, espacio, formas de los objetos y entorno luminoso), no son una fijación de la percepción visual directa. El artista crea una imagen artística incluso cuando sólo reproduce fielmente las características principales del original. La creación es una condición indispensable para la reproducción de la realidad en las bellas artes. Dado que el poder creativo de las bellas artes es una de las variedades del infinito poder creativo de la realidad misma, en las obras de bellas artes la naturaleza tiene la oportunidad de contemplarse a sí misma.

A diferencia de otros tipos de artes (literatura, música, teatro, cine), las artes visuales son principalmente arte espacial y, por lo tanto, tienen una capacidad limitada para reproducir el tiempo y el desarrollo temporal asociado de la acción. Sin embargo, las bellas artes también son capaces de reproducir el desarrollo temporal de los acontecimientos utilizando sus medios inherentes. La representación de los rasgos visibles de una época a través de la apariencia sensorial de las cosas y de la persona misma revela la naturaleza interna de los fenómenos, la vida espiritual de cada persona y el tiempo en su conjunto.

La idea artística de las obras de bellas artes sólo puede transmitirse a través de sus medios visuales inherentes.

Los medios artísticos característicos de las bellas artes incluyen el dibujo, el color, la plasticidad y el claroscuro.

Dibujo - un dibujo figurativo sobre cualquier superficie, realizado a mano con colorante seco o líquido, utilizando medios gráficos - una línea de contorno, un trazo, una mancha.

Color – la propiedad de cualquier objeto material de emitir y reflejar ondas de luz de una determinada parte del espectro; Propiedad de la luz que pasa a través de un medio coloreado para percibir su color. EN en el sentido estricto La palabra "color" significa tono de color, que determina la originalidad y naturaleza de cada tono de color, junto con la luminosidad, saturación y brillo del color.

El plastico - determinación del volumen - ventajas espaciales de las obras escultóricas, naturalidad, construcción limitada del flujo de volúmenes.

Claroscuro – gradaciones de luz y oscuridad, distribución de colores de diferente brillo, tonalidad y matices de color, que permiten percibir el volumen de una figura u objeto y el entorno luminoso que los rodea. El claroscuro no sólo revela el volumen de un objeto, su ubicación en el espacio, la naturaleza del entorno, sino que también sirve como un importante medio de expresividad emocional. En arquitectura, escultura, objetos de artes decorativas y aplicadas, el claroscuro depende de la iluminación real, la plasticidad: convexidades, concavidades que crean un juego de luces y sombras, su relación contrastante o matizada, así como de la textura suave o rugosa de la superficie. . El claroscuro en pintura y gráficos transmite no sólo las cualidades constantes de los objetos en el mundo, el volumen, la estructura y la naturaleza de la superficie del objeto, sino también la variabilidad del medio ambiente y el estado de la atmósfera.

La imagen artística en las bellas artes tiene la misma base, el mismo objetivo que la imagen expresiva: brindar una comprensión y una evaluación profundas del hombre y la sociedad. El objetivo de un escultor, pintor o artista no es simplemente "copiar" la apariencia de la gente moderna, sino también comprender profundamente su esencia humana.

2. Pintura

Uno de los tipos de bellas artes es la pintura.

Cuadro – uno de los tipos de bellas artes más vibrantes y difundidos, que transmite el mundo real que nos rodea con la ayuda de pinturas.

Artista usando varios técnicas artísticas, transmite en un plano la forma volumétrica de los objetos, el ambiente aéreo, cubriendo a veces un espacio enorme.

La pintura se divide en monumental, de caballete, decorativa y en miniatura.

Pintura monumental desarrollado en estrecha relación con la arquitectura y la escultura. Se distingue por la grandeza de su diseño artístico, que refleja los acontecimientos más importantes de la vida del pueblo, y la profundidad de su contenido ideológico, expresado en formas simples y, por regla general, grandes. Los principales tipos de pintura monumental incluyen mosaicos y pinturas murales de edificios públicos.

Los antiguos mosaicos y frescos rusos tienen un gran valor histórico y artístico. Tales son, por ejemplo, los mosaicos y frescos de la Catedral de Santa Sofía en Kiev, los frescos de Nóvgorod y muchos otros monumentos. La pintura monumental adquirió un desarrollo especialmente grande durante los años del poder soviético. Las mejores obras monumentales soviéticas incluyen las pinturas del artista E. Lanceray en el vestíbulo de la estación de tren Kazansky en Moscú y el mosaico de P. Korin “Kyiv Ring Road”.

pintura de caballete recibió su nombre de la “máquina” en la que se crea la obra. La pintura de caballete apareció temprano, allá por la antigüedad. En Rusia solían escribir en pizarras especialmente preparadas, principalmente en iconos. sobre lienzo pinturas de aceite Los artistas rusos comenzaron a pintar relativamente tarde, desde finales del siglo XVIII, cuando apareció en la pintura el interés por la representación. personalidad humana, y se desarrolló el arte del retrato.

pintura decorativa encontró una amplia distribución en las pinturas de monumentos arquitectónicos de Kievan Rus en forma de imágenes ornamentales, escenas cotidianas y de caza. Mayor desarrollo Pintura decorativa recibida en tiempos de Pedro el Grande. También es monumental y estaba destinado a decorar paredes y techos del interior de mansiones, palacios, iglesias y otros locales.

La pintura decorativa tenía como objetivo principal decorar las estancias. Si en la pintura monumental la base era la propia pared, la pintura decorativa a veces se realizaba con pinturas al óleo sobre lienzo, que luego se estiraba sobre el techo o la pared. Los temas decorativos de la pintura decorativa solían ser imágenes ornamentales y alegóricas.

La pintura decorativa se utilizó ampliamente en el siglo XIX, pero con una dirección más realista, ya que trabajaban principalmente maestros rusos. Este tipo de pintura ha recibido el mayor uso en nuestro tiempo: pinturas de teatros, palacios de cultura, etc.

pintura decorativa Se utiliza principalmente en decoración teatral, en decorados de películas y para la decoración festiva de calles y plazas. Suele ser temporal. La pintura decorativa ocupa un lugar especialmente importante en nuestra época, cuando el teatro y el cine se han convertido en entretenimiento de masas.

pintura en miniatura Su definición proviene del nombre de la pintura preparada a partir de minio, que en la antigüedad se utilizaba para colorear las letras mayúsculas en libros escritos a mano. La miniatura se distingue por su reducido tamaño y especial finura de ejecución en esmalte, gouache, acuarela y pintura al óleo.

La pintura en miniatura adquirió gran importancia como ilustración en los manuscritos medievales.

3. Gráficos

Artes graficas – así como la pintura es uno de los tipos de bellas artes artes espaciales. La gráfica es la más popular de las bellas artes, ya que en muchos casos es una etapa preparatoria para otras artes, y al mismo tiempo, la gráfica es un divulgador de obras de otras artes. Este tipo de bellas artes está estrechamente relacionado con la vida cotidiana y con la vida social humana: como ilustración de libros y decoración de portadas, como etiquetas, carteles, carteles, etc.

A pesar de que los gráficos desempeñan a menudo un papel preparatorio y aplicado, este arte es completamente independiente, con sus propias tareas y técnicas específicas.

La diferencia fundamental entre la gráfica y la pintura no radica tanto en que la gráfica sea “el arte del blanco y negro” (el color puede jugar un papel muy importante en la gráfica), como suele decirse, sino en una relación muy especial entre los imagen y fondo, en un espacio de comprensión específico. Si la pintura, por su propia esencia, debe ocultar el plano de la imagen (lienzo, madera, etc.) para crear una ilusión espacial volumétrica, entonces el efecto artístico de la gráfica consiste precisamente en una especie de conflicto entre plano y espacio, entre el imagen volumétrica y el plano blanco y vacío de la hoja de papel.

El término “gráficos” es de raíz griega; viene del verbo "grafeno", que significa rayar, rayar, escribir, dibujar. Entonces los “gráficos” se convirtieron en un arte que utiliza un lápiz, un instrumento que raya y escribe. De ahí la estrecha conexión del arte gráfico con la caligrafía y la escritura en general (que fue especialmente notable en la pintura de vasijas griegas y en los gráficos japoneses).

El término “gráfica” abarca dos grupos de obras artísticas, unidas por el principio general del conflicto estético entre plano y espacio, pero que al mismo tiempo son completamente diferentes en su origen, en su proceso técnico y en su finalidad: dibujo e impresión. gráficos.

La diferencia entre estos dos grupos aparece principalmente en la relación entre el artista y el espectador. El artista suele realizar un dibujo para sí mismo, plasmando en él sus observaciones, recuerdos, invenciones o concibiéndolo como preparación para trabajos futuros. En el dibujo, el artista parece hablar solo; el dibujo a menudo está destinado a uso interno en el taller, para el propiocarpetas, pero también se pueden crear con el fin de mostrárselas a los espectadores. “Un dibujo es como un monólogo, tiene el estilo personal del artista con su textura individual, original y única” . Puede que esté inacabado, e incluso en este estado incompleto puede residir su encanto.

Por el contrario, los gráficos impresos (grabados, ilustraciones de libros, etc.) suelen realizarse por encargo, para su reproducción y están diseñados para más de una persona. Y en muchos. Los gráficos impresos, que reproducen el original en muchas copias, están destinados más que todas las demás artes a amplios sectores de la sociedad, a las masas. Pero los gráficos impresos no siempre son un dibujo grabado en madera o metal para su reproducción; no, esta es una composición especial, especialmente concebida en una determinada técnica, en un determinado material y no se puede realizar en otras técnicas y materiales. Y cada material, cada técnica tiene una estructura de imagen especial.

4. Escultura

Escultura – un tipo de bellas artes, cuyas obras tienen un volumen físicamente material, objetivo y una forma tridimensional ubicada en el espacio real.

Los materiales habituales en las esculturas son la arcilla y el barro cocido (cerámica), el yeso, la piedra (mármol, caliza, arenisca, granito), la madera, el hueso, el metal (bronce, cobre, hierro y otros).

Objeto principal esculturas – una persona (cabeza, busto, torso, estatua, grupo escultórico); Las representaciones del mundo animal constituyen el género animal de la escultura. En el siglo XX, la naturaleza (paisaje) y los objetos (naturaleza muerta) se recrean en ocasiones utilizando materiales plásticos; La escultura abstracta, no representativa, surgió utilizando métodos no convencionales y materiales (escultura de alambre, figuras inflables).

Hay dos tipos de escultura:escultura redonda , ubicado libremente en el espacio;alivio , en el que se ubican imágenes tridimensionales en un plano. Ambas variedades de este tipo de bellas artes se dividen según su finalidad en escultura de caballete, monumental, monumental y decorativa. Al crear una escultura de una persona, el artista parte de cuerpos humanos reales. Pero sus obras no son en modo alguno un “molde” de una “copia” tridimensional del cuerpo. El escultor, incluso si representa a una determinada persona posando para él, todavía, por así decirlo, crea su figura y su rostro de nuevo y, por lo tanto, la estatua parece comenzar a "vivir" por sí sola. Y esta actividad creativa del escultor, en la que participan su pensamiento, su imaginación, sus sentimientos y la habilidad de sus fuertes dedos, queda impresa en la obra. El color especial, el brillo, la apariencia del material y la "textura" del material elegido expresan la intención del artista, su comprensión y valoración de las imágenes humanas que creó.

De gran importancia en la escultura es tambiénritmo : la figura se ubica en el espacio en una organización más o menos armoniosa; la inclinación del cuerpo, la posición de la cabeza, brazos y piernas tienen cierta simetría. El ritmo de la estatua pretende expresar una u otra intención del artista y, por otro lado, darle a la estatua la máxima integridad y plenitud.

Los elementos expresivos juegan un papel más o menos significativo en laforma estatuas. Para expresar cualquier estado especial de una persona, por ejemplo, un impulso rápido, alegre, una desesperación extrema, el escultor a menudo, en un grado u otro, se aleja de la representación directa, "inventa" y utiliza las formas y gestos habituales del cuerpo humano.

En genuino escultura artística Existe una unidad orgánica y mutuamente enriquecedora de medios visuales y expresivos que crean una imagen viva y significativa de una persona.

5. Arquitectura

Arquitectura B.R. Whipper lo define como bellas artes. Como la pintura y la escultura, está conectada con la “naturaleza”, con la realidad, pero su tendencia pictórica difiere de los principios de representación en la pintura y la escultura: “...No tiene tanto un “retrato” como un carácter simbólico generalizado - en otras palabras, se esfuerza por encarnar no las cualidades individuales de una persona, objeto o fenómeno, sino las funciones típicas de la vida". . En cualquier estilo, en cualquier monumento de arquitectura artística, el investigador afirma: “... siempre encontraremos... una estructura real que determina la estabilidad del edificio, y una estructura visible, representada. Expresado en la dirección de las líneas, en relación con los planos y las masas, en la lucha de luces y sombras, que da al edificio energía vital, encarna su significado espiritual y emocional". . Es la capacidad de visualizar la imagen lo que distingue arquitectura artística como arte de construcción simple.

La arquitectura ocupa un lugar especial en la familia de las artes. Se refiere tanto a la cultura espiritual como a la material.

Las estructuras arquitectónicas no son sólo imágenes vívidas de la época; Este no es un reflejo ordinario de la realidad, sino la realidad misma, expresada ideológica y estéticamente.

En arquitectura, el arte se combina orgánicamente con actividades prácticamente adquiridas: los edificios individuales y sus complejos, conjuntos, están diseñados para satisfacer las necesidades materiales y espirituales de las personas, formando el entorno material en el que se desarrollan sus actividades de vida.

La arquitectura es inseparable del arte de la construcción, pero no idéntica a él. Las estructuras arquitectónicas se crean para satisfacer las necesidades sociales, son de naturaleza prácticamente útil.

La gran cantidad de edificios residenciales construidos a lo largo de los siglos en varios países del mundo a menudo no tenían el significado de estructuras arquitectónicas. El hecho es que las casas no crearon una imagen del tiempo; no reflejaron conciencia pública era.

NEVADA. Gogol caracterizó la arquitectura como una crónica duradera del mundo; según el escritor, continúa hablando de tiempos pasados, incluso cuando las sombras y las leyendas callan.

La naturaleza de la expresión de la realidad por la arquitectura es específica: por las estructuras arquitectónicas se puede juzgar la naturaleza de la época, las características de su existencia material y espiritual, el estado del mundo, la relación entre el hombre y el mundo, el lugar de el hombre en la sociedad, las ideas y estados de ánimo predominantes de la época. La arquitectura crea su imagen generalizada, espaciosa y holística.

El lenguaje artístico generalizado de la arquitectura es históricamente cambiante. Su desarrollo se debe tanto a cambios en la finalidad funcional de las estructuras, como al desarrollo de equipos de construcción y a la aparición de nuevos materiales de construcción, e inseparables de ellos los rasgos artísticos de la arquitectura, nuevas soluciones ideológicas y estéticas que se nos presentan en cada nueva época.

La arquitectura disfruta tan expresivomedio , como la simetría, la proporcionalidad de los elementos que forman la estructura, el ritmo, la escala de las relaciones con la persona, la conexión con el entorno y el espacio. Al mismo tiempo, la arquitectura utiliza ampliamente el impacto estético de la luz, el color y la textura de los materiales de construcción.

El arte decorativo y aplicado es un tipo de arte que tiene su propio significado artístico especial y su propia imaginería decorativa y, en conjunto, está directamente relacionado con las necesidades cotidianas de las personas.

Las obras de arquitectura y de artes decorativas y aplicadas, que le son muy cercanas, constituyen, por así decirlo, un paso intermedio entre otros objetos creados por el hombre y las obras de arte en el sentido propio de la palabra.

Las obras de artes decorativas y aplicadas pueden incluir varias cosas: muebles, armas, platos, ropa y cualquier artículo creado por el hombre. Al darle una forma especial al objeto fabricado, aplicándole ciertos patrones y adornos, pintándolo en cualquier color, la gente creaba no solo un objeto para un propósito u otro, sino también obra de arte. Una cosa así tiene un doble valor: es valiosa como objeto útil y como obra de arte, y el segundo valor supera al primero.

Una obra de arte expresará claramente las cualidades multifacéticas de quien la creó: la riqueza de su imaginación y la habilidad de sus manos. Si su dueño es una persona muy desarrollada y espiritualmente rica, capaz de inventar formas y colores brillantes, la cosa tiene valor artístico y es una obra de arte. Una obra artística es creada no por una determinada persona en general, sino por una persona de una época determinada, perteneciente a un determinado grupo social. Por tanto, las cosas de cada época reflejan de forma única las características de la sociedad moderna.

Las auténticas obras de artes aplicadas, especialmente un conjunto completo de obras de una época determinada, nos presentan una determinada imagen de una época y reflejan sus rasgos característicos en sus formas.

El arte aplicado es el más antiguo de los artes. Entre las herramientas y artículos domésticos más antiguos y primitivos que nos han llegado, ya encontramos cosas que llevan huellas de un deseo activo de crear determinadas imágenes artísticas.

Las obras de artes decorativas y aplicadas son sólo una transición del trabajo humano ordinario a un tipo especial de actividad: la creatividad artística.

Las artes decorativas y aplicadas existen en unidad con cualquier edificio, es decir, una obra de arquitectura, constituyendo su mobiliario interno.

En las artes decorativas y aplicadas, conviene distinguir dos áreas significativamente diferentes: 1) objetos tridimensionales de una determinada forma y color: muebles artísticos, utensilios domésticos; 2) superficies planas cubiertas con motivos: alfombras, telas, paredes pintadas, etc.

El segundo grupo suele formar un arte independiente: un adorno.

Ornamento

El ornamento es uno de los elementos principales de la mayoría de las obras de arquitectura y artes aplicadas.

Ornamento - hay una combinación de líneas y manchas de color que se aplican a las superficies de edificios y cosas mediante pintura, tallado, grabado, etc.

Pero el adorno también actúa como un arte independiente: cuando se teje sobre una alfombra, se dibuja en una tabla y todo el significado queda plasmado en el diseño ornamental.

Entre los adornos se encuentran: geométricos, florales, animales, etc. Cada adorno es básicamente “geométrico”, formado por combinaciones de líneas rectas, curvas y redondas y figuras de varios colores. La imagen holística del adorno, en primer lugar, expresa una determinada actitud, una actitud humana ante la vida: alegre o, por el contrario, compleja, contradictoria, etc. El adorno se compone de ciertos motivos, combinados en una u otra unidad única.

Motivo – se trata de líneas, figuras y combinaciones de colores que se entrelazan y que se repiten en muchas obras individuales. Los motivos ornamentales y sus combinaciones expresan de forma generalizada el carácter especial del pueblo, los rasgos más importantes y únicos de su existencia y psique.

El ornamento es la más “generalizadora” de las artes; él, por así decirlo, absorbe y encarna en la forma más general y abstracta la riqueza figurativa multifacética del resto. formas artísticas de este pueblo.

Otro fenómeno central de las artes expresivas esritmo . El ritmo es la repetición de algunos fenómenos idénticos o similares, comparados en el espacio o el tiempo. Muy a menudo, los ritmos arquitectónicos y ornamentales son de naturaleza simétrica. Esto significa que elementos rítmicos similares no se repiten a lo largo y ancho, sino que se ubican, por ejemplo, a una distancia más o menos igual del centro de un edificio o de una alfombra; del “eje de simetría” de este centro. , las “ondas” rítmicas parecen divergir hacia los lados.

El ornamento es una forma de arte a la vez muy simple y muy compleja. Por un lado, el trabajo ornamental es extremadamente elemental: es simplemente un sistema de líneas y figuras multicolores. Pero al mismo tiempo, el adorno puede ser un verdadero misterio. El ornamento nacional se desarrolla y perfecciona a lo largo de muchos siglos y está estrechamente relacionado con toda la vida y la cultura del pueblo. En la ornamentación, como en la danza y la música, conviene distinguir dos áreas principales: arte popular, por así decirlo, adornos “folclóricos” y adornos creados ya en una sociedad desarrollada por artistas profesionales.

Géneros

Las bellas artes se dividen en géneros.

Género(fr. genérico– género, tipo) es una división históricamente establecida en la mayoría de las formas de arte. Los principios de división en géneros son específicos de cada área de la creatividad artística. En las artes visuales, los principales géneros están determinados, en primer lugar, por el tema de la imagen (paisaje, retrato, género cotidiano, género histórico, género animal, etc.). Una diferenciación de género aún más detallada se debe al hecho de que en la creatividad artística se fusionan elementos cognitivos, ideológicos-evaluativos, figurativos y artísticos, y cada obra de arte también tiene un propósito funcional específico. Así, dado que la posición ideológica y valorativa de un retratista puede ser no sólo objetiva o apologética, sino también irónica o enojada y acusatoria, un retrato puede tomar la forma de una caricatura o una caricatura. Dependiendo de su finalidad, un mismo retrato puede ser ceremonial, íntimo, íntimo, etc. También surgen nuevos subgéneros de los géneros principales cuando los propios objetos de la imagen se fragmentan en fenómenos más específicos (por ejemplo, una vista marina, un puerto deportivo, un tipo especial de paisaje, un "género galante", uno de los tipos de vida cotidiana). género, etcétera).

Dado que cada género tiene ciertos medios de expresión artística que le son característicos únicamente, un género puede definirse como un tipo de obra de arte en la unidad de las propiedades específicas de su forma y contenido. En aquellos tipos de artes plásticas donde es imposible identificar el tema de la imagen (en arquitectura, artes decorativas y aplicadas, etc.), no se acepta la clasificación por género; Su lugar lo ocupan las divisiones tipológicas basadas principalmente en la función de las obras (por ejemplo, palacio, iglesia, edificio residencial en arquitectura).

1. Retrato

Retrato(fr. retrato, Alemán Bildnis) es un género de bellas artes dedicado a la representación de una persona o grupo de personas específico. El retrato es característico principalmente de arte de caballete, Pero Imágenes de retratos se puede plasmar en esculturas monumentales y decorativas, pinturas, libros y gráficos aplicados, etc. Un requisito necesario para cualquier retrato es la transferencia de la imagen individual. Esta similitud no se limita sólo a las características externas. Al reproducir la apariencia individual de una persona, el artista revela su mundo interior, la esencia del carácter. Además de la identidad individual única, el retratista identifica en la apariencia del modelo rasgos típicos, signos de la época y del entorno social.

Hay muchos tipos de retratos. Por naturaleza, se distinguen dos grupos principales: ceremoniales (representantes) y de cámara.

retrato ceremonial , generalmente , Implica mostrar a una persona en toda su altura (montada a caballo, de pie o sentada). La figura suele presentarse sobre un fondo arquitectónico o paisajístico.

EN retrato íntimo Se utiliza una imagen hasta la cintura, hasta el pecho y hasta los hombros, con mayor frecuencia sobre un fondo neutro. Un tipo de imagen de cámara sobre un fondo neutro esretrato íntimo , expresando una relación de confianza entre el artista y la persona retratada.

Se llama retrato en el que se representa a una persona como un personaje alegórico, mitológico, histórico, teatral o literario.disfrazado .

Los títulos de estos retratos suelen incluir las palabras "en la forma" o "en la imagen" (por ejemplo, "Catalina II en la forma de Minerva").

Hay retratos alegóricos, mitológicos, históricos.

Según el número de imágenes en un lienzo, además del habitual, se distinguen un retrato doble y uno de grupo.

Doble ceremonial Se llaman retratos pintados sobre diferentes lienzos si coinciden entre sí en composición, formato y color. La mayoría de las veces se trata de retratos de cónyuges.

retrato de grupo - un retrato que incluye un grupo de personajes (al menos tres) unidos en un escenario, escena, a menudo conectados por una sola acción.

En un grupo especial destaca el autorretrato.

Auto retrato (del griego Autos– él mismo y un retrato; Inglésvender – retrato; fr. Auto retrato, Alemán Selbstbidnis) - una imagen gráfica, pictórica o escultórica del artista, realizada por él mismo mediante un espejo o un sistema de espejos. Este tipo especial de género de retrato expresa la valoración que hace el artista de su personalidad, su papel en el mundo y la sociedad, y sus principios creativos. Un artista puede esforzarse en un autorretrato por alcanzar la objetividad de su autoestima, elevarse o exponerse, presentarse de diversas formas (típicas de los numerosos autorretratos de Rembrandt), vestirse con diversos trajes, mitificar su imagen, etc. Un autorretrato puede reflejar las características personales del artista, o características comunes generación, entorno social o nacional. Se puede incluir un autorretrato en una composición con imágenes de otros personajes.

"Humano - protagonista arte. Vemos a muchas personas en pinturas históricas cotidianas, en obras mitológicas y religiosas. Todo esto géneros narrativos. Y sólo en un retrato una persona aparece no como un personaje de alguna trama, sino simplemente como una persona, una personalidad, con su propia cualidades individuales. No llamamos retrato a cada imagen de un rostro o figura humana, sino sólo a la imagen de una persona real concreta. Un retrato no siempre se hace del natural. Puede representar a una persona ausente, alguien que murió hace mucho tiempo, cuya imagen se recrea a partir de la memoria, de algunas imágenes supervivientes y, finalmente, de la imaginación. El retrato debe ser similar, en cualquier caso debe convencernos de que se trata de la persona que tenemos delante y no de nadie más. Es igualmente importante transmitir una impresión más general de una persona, captar su comportamiento, comportamiento y gesto. Aún más profunda es la similitud interna, el sentido del carácter: poderoso o tímido. Un retratista puede intentar penetrar en las experiencias de su héroe, revelando al espectador el mundo de sus sentimientos. Un artista puede llamar nuestra atención sobre el lugar que ocupa una persona en la sociedad. También podemos hablar deretrato psicológico , que se convierte en la concentración del ser interior de una persona. Pero el psicologismo en la pintura no es lo mismo que en la literatura. Un escritor puede presentarnos directamente los pensamientos y sentimientos de su personaje. En el lienzo frente a nosotros hay sólo una apariencia que nos permite adivinar y preocuparnos por algo.

Una de las características más importantes de un retrato, que determina su propósito y estado de ánimo, es quedistancia , sobre el que sostiene al espectador. En un retrato ceremonial, que eleva y glorifica al héroe, la distancia aumenta; en un retrato íntimo y lírico se reduce al límite. El héroe de tal retrato no sólo nos acerca a la distancia de una conversación libre y amistosa, sino que también nos revela el mundo de sus sentimientos y experiencias”. .

El propósito de crear una imagen de retrato es descubrir la “idea principal de la personalidad” y hacer explícito su contenido. Pero para poder plantear tal tarea, el retratista debe ver la individualidad en el modelo. Atraerlo como artista, de alguna manera, quizás igual a él, para sentir el interés personal como impulso para una comprensión profunda de este modelo en particular.

Un retrato, de hecho, implica no solo la transferencia de lo externo, sino también la transferencia de lo interno, la expresión de las propiedades, la esencia, el alma de una persona, y no solo la imagen de su apariencia.

2. Paisaje

Escenario(fr. pago, Inglés paisaje, Alemán Paisaje) - un género de bellas artes, principalmente pintura de caballete y gráficos, una imagen de la naturaleza natural o transformada por el hombre, el medio ambiente, paisajes característicos, vistas de montañas, ríos, bosques, campos, ciudades, monumentos historicos, toda la riqueza y diversidad de la vegetación. El nombre del género también se aplica a obras individuales llamadas paisaje.

Dependiendo del tema principal de la imagen y la naturaleza de la naturaleza, se puede distinguir el género del paisaje: paisaje rural, urbano (veduta), arquitectónico e industrial.

veduta(Italiano veduta, iluminado. - visto) - un paisaje que documenta con precisión la apariencia de una determinada zona de la ciudad. El término surgió en el siglo XVII (cuando se utilizaba una cámara oscura, un prototipo de cámara, para reproducir vistas) y se aplica, por regla general, al arte de Europa de esa época. Veduta es uno de los orígenes del arte del panorama.

Jean arquitectónico R - variedad de genero paisaje, representación en pintura y gráficos de arquitectura real o imaginaria en estado natural. entorno natural. En este paisaje, la perspectiva lineal y aérea juega un papel importante, permitiéndonos conectar naturaleza y arquitectura. En el paisaje arquitectónico se pueden distinguir vistas en perspectiva urbana, llamadas vedutes en el siglo XVIII (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi en Venecia; F.Ya. Alekseev en Rusia), vistas de villas y fincas. Conjuntos de parques con edificios, paisajes con ruinas antiguas o medievales (Y. Robert en Francia, K.D. Friedrich en Alemania; S.F. Shchedrin, F.M. Matveev en Rusia), paisajes fantásticos con estructuras y ruinas imaginarias (D Battista, Piranesi, D.P. Pannini en Italia) .

El paisaje arquitectónico es a menudo un tipo de pintura en perspectiva, en la que un área especial está representada por imágenes del elemento agua.mar (puerto deportivo) Y río paisajes.

La aparición de la Tierra en el pasado antiguo, las leyes eternas e inmutables de la naturaleza: temashistórico paisaje, y con la aspiración de la imaginación del autor a imágenes del mundo futuro - temasfantástico o futurologico paisaje. También hay un área especialcósmico, astral paisaje: visible desde la tierra o el cielo mental, el espacio estrellado, imágenes de planetas distantes. Las posibilidades temáticas y temáticas del género del paisaje se vuelven cada vez más diversas a medida que crece el proceso técnico.

El panorama soviético se caracteriza por una expansión de temas. Se generalizómonumento paisaje – pinturas lugares memorables relacionado con la vida y obra de destacados representantes de la cultura rusa.

EN tiempo soviético se ha generalizadográfico paisaje – en grabados y dibujos de V.A. Favorsky, V.D. Falieva, N.I. Krávchenko y otros.

Una sección figurativa y temática especial representa el paisaje soviético de los años de la guerra, que reflejaba los sentimientos heroicos y patrióticos del pueblo soviético.

Así, el valor artístico de un paisaje como obra de arte está determinado en gran medida por las cualidades específicas de la pintura y el dibujo, que hablan de la relación de cada obra individual con la experiencia general del arte y con la experiencia del género.

3. Naturaleza muerta

Naturaleza muerta(fr. naturalezamuerto- naturaleza muerta, inglés.aúnvida, Alemán Stilleben) es un género de bellas artes que muestra objetos inanimados colocados en un entorno cotidiano real y organizados en un solo grupo. La naturaleza muerta representa objetos de uso cotidiano, trabajo, creatividad, flores y frutas, caza sacrificada, peces capturados, incluidos en el contexto creado por el artista. La naturaleza muerta ofrece una variedad de oportunidades, desde "señuelos" que reproducen con precisión ilusionista el mundo objetivo, hasta la interpretación libre de las cosas y dotándolas de un significado simbólico complejo.

“La naturaleza muerta es una de las conversaciones más intensas entre un pintor y la naturaleza. En él, la trama y el psicologismo no oscurecen la definición de un objeto en el espacio. Qué es el objeto, dónde está y dónde estoy al percibir este objeto, éste es el principal requisito de la naturaleza muerta. Y esta es la gran alegría educativa que percibe el espectador desde una naturaleza muerta”. .

¿Qué nos dice el largo viaje de la naturaleza muerta?

Sobre el difícil proceso de nacimiento y aprobación de un género pictórico especial, complejo y profundo;

que este género puede responder plenamente a las necesidades urgentes del arte: analítica, experimental, de búsqueda de una solución imaginativa;

que el arte no siempre pudo ver este valioso principio en la naturaleza muerta y, a menudo, lo descuidó inmerecidamente, y esto no sucedió debido a la arbitrariedad personal de los artistas: en relación con la naturaleza muerta, las necesidades históricas de nuestra pintura se reflejaron positiva o negativamente;

que en la naturaleza muerta, este género de pintura más “puro”, se reflejan como foco ciertas tendencias generales en el desarrollo de la forma pictórica, y no solo las formas: las imágenes de la naturaleza muerta en sí experimentan una evolución común a otros géneros de pintura;

sobre la diversidad, originalidad, singularidad de las formas figurativas de la naturaleza muerta y sus posibilidades especiales e insustituibles.

“La naturaleza muerta, el dominio de una cosa, una historia sobre el mundo objetivo, no se mantiene al margen de las grandes soluciones creativas de la pintura soviética. Vive una sola vida con un paisaje, un retrato y un gran cuadro temático”.

El género de la naturaleza muerta brinda al artista la oportunidad de profundizar en los procesos vivos de la esencia material del mundo objetivo. Un pintor puede escuchar el susurro de las viejas páginas de pergamino y captar el aroma de las flores. Su arte debe crear un sistema de impresiones en el que la imagen visual inspire el sentimiento de todas estas experiencias que son inaccesibles a la reproducción directa en una imagen.

La naturaleza muerta revela una de las facetas de la naturaleza que rodea al hombre: la inmensa variedad de formas de existencia; El trémulo florecimiento de la vida se materializa en la arquitectura clara y pura de la estructura compositiva.

La naturaleza muerta nos revela la despreocupada diversidad de la naturaleza. Aprendemos esas propiedades, esas características de las cosas que podrían pasar desapercibidas.

En el momento de la formación y apogeo de la naturaleza muerta en el siglo XVII, se le llamaba “stelleven" - vida tranquila. La elección, disposición, propiedades de ciertos objetos parecían expresar los gustos, el estado de ánimo, los impulsos de sus dueños y hablaban de una persona y para una persona.

4. Género histórico

Género históricohistoriaasignaturas, Alemán Imagen histórica) un género de bellas artes dedicado a personajes y acontecimientos históricos, sociales fenómenos significativos en la historia de la humanidad.

Centrado principalmente en el pasado, el género histórico también incluye representaciones de acontecimientos recientes, significado historico que fueron reconocidos por los contemporáneos. El género histórico a menudo se entrelaza con otros géneros: cotidiano (escenas histórico-cotidianas), retratos-composiciones históricas), paisaje ("paisaje histórico"), pero este género está especialmente relacionado con el género de batalla cuando revela el significado histórico de acontecimientos militares.

El género histórico se materializa tanto en formas de arte de caballete (pintura histórica, estatua, busto, dibujo, grabado) como en formas monumentales (pinturas, relieves, monumentos) y en miniaturas, ilustraciones y pequeñas artes plásticas (medallas, monedas). La evolución del género histórico se debe en gran medida a la acumulación de conocimiento histórico, el desarrollo de visiones históricas y los períodos de su auge están asociados con etapas críticas de la historia, los trastornos sociales y el crecimiento de la autoconciencia social y nacional.

Las variedades del género histórico son los géneros mitológicos, alegóricos y religiosos.

Género mitológico (del griego mitos- leyenda) - un género de bellas artes, dedicado a los héroes y acontecimientos sobre los que cuentan los mitos de los pueblos antiguos.

Todos los pueblos del mundo tienen mitos, leyendas y tradiciones, y son la fuente más importante de creatividad artística en las primeras etapas de su historia, comenzando con el arte primitivo (aunque los mitos que formaron la base de las imágenes que conocemos a menudo no nos han llegado). Pero en épocas en las que la mitología era un fenómeno vivo, integral y en constante desarrollo, uno de los fundamentos de la conciencia popular, no podía destacarse como un género separado, diferente de los demás. Los inicios del género mitológico surgieron en la antigüedad tardía y arte medieval, cuando los mitos grecorromanos dejaron de ser creencias, relatos con contenido moral y alegórico. El género mitológico en sí se formó durante el Renacimiento, cuando las leyendas antiguas brindaban ricas oportunidades para la encarnación de historias y personajes con connotaciones éticas muy complejas, a menudo alegóricas (pinturas de S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione, frescos de F. Cossa, Rafael).

En el siglo XVII y principios del XIX, la gama de problemas filosóficos, morales y estéticos reflejados en las obras del género mitológico se expandió significativamente, ya sea sirviendo para encarnar un alto ideal artístico (pinturas de N. Poussin, P.P. Rubens), o acercándose a vida (pinturas de D. Velázquez, Rembrandt), luego creando un espectáculo festivo (pinturas de F. Boucher, D.B. Tiepolo).

En el siglo XIX, el género mitológico sirvió como norma para los altos, arte perfecto(escultura de Antonio Canova, Bertel, Thorvaldsen. I.P. Martos, pinturas de J.L. David, D. Ingres, A.A. Ivanov), que en el salón de arte académico de mediados y segunda mitad de este siglo adquirió el carácter de una rutina fría y sin vida. , que jugó un papel importante en la revuelta de los jóvenes artistas rusos en 1863.

Junto con los temas de la mitología antigua, en los siglos XIX y XX se popularizaron en el arte los temas de los mitos germánicos, celtas, indios y eslavos.

A principios del siglo XX, el simbolismo y el Art Nouveau revivieron el interés por el género mitológico (M. Denis, M.A. Vrubel), que en la escultura de A. Maillol, A. Bourdelle, S.T. Konenkov y los gráficos de P. Picasso recibieron un replanteamiento moderno.

Género alegórico - alegoría (del griego.alegoría- alegoría) - en el arte significa - la encarnación de un fenómeno, así como ideas especulativas en una imagen visual (por ejemplo, una figura con una paloma en la mano - una alegoría de la Paz; una mujer con una venda en los ojos y una balanza en la mano mano - una alegoría de la Justicia).

Por definición I.V. Goethe, la alegoría “transforma un fenómeno en un concepto, un concepto en una imagen, pero de tal forma que la imagen sigue siendo completamente adecuada al concepto que expresa enteramente, que tiene límites claros”.

En su función, algunas de las alegorías son similares al emblema. El tipo de alegoría más común es la personificación, es decir, una figura dotada de uno o más atributos que explican su significado.

El género histórico es uno de los géneros pictóricos más complejos y que requieren más mano de obra.

La pintura histórica y el historicismo en la pintura son conceptos idénticos, pero profundamente interrelacionados. “Para un pintor histórico, el historicismo es el alma viva de su arte, sin la cual pierde sus rasgos vitales más esenciales”.

cuadro historico en diferentes etapas de la vida de nuestro país refleja las principales fases del desarrollo de las bellas artes soviéticas, sus logros o deficiencias. La tarea más importante de los maestros soviéticos. pintura historica lo que queda es lograr la veracidad en la descripción de los acontecimientos históricos, ya sean contemporáneos o de un pasado más o menos lejano.

5. Género de batalla

Género de batalla (del francés.batailla– batalla) es un género de bellas artes (principalmente pintura, en parte también gráfica y escultura), asociado con la representación de batallas, campañas militares, hazañas de armas, diversas operaciones militares y episodios de la vida militar.

El género de batalla puede ser parte integral género histórico (al representar operaciones militares o la vida militar de una época pasada, o al realizar significado historico batallas modernas), una parte integral del género mitológico (si se representan peleas héroes fantásticos), y también puede estar directamente relacionado con la vida contemporánea del artista en el ejército y la marina, con la representación de nuevos equipos, la nueva naturaleza de los conflictos armados, de los que el propio artista se convierte en testigo e incluso partícipe, creando una obra de el género de batalla basado en impresiones y bocetos personales, recuerdos.

El género de batalla puede incluir elementos de otros géneros: vida cotidiana, retratos, paisajes, animales (cuando se representa caballería), naturaleza muerta (cuando se representan armas, armaduras, trofeos militares, estandartes y otros atributos de la vida militar).

La tarea más importante de los maestros del género de batalla sigue siendo lograr una total veracidad en la descripción de los acontecimientos de la batalla, ya sean acontecimientos modernos o del pasado más o menos lejano.

6. Género cotidiano

Género cotidiano (fr.género, Alemán imagen de situación), el arte de género es uno de los géneros tradicionales de las bellas artes, definido por una variedad de temas y temas de la vida cotidiana, ordinaria, frecuente y social de una persona, desde campesinos hasta urbanos (en el pasado: nobles, comerciantes, comunes). , etc.) vida.

Los orígenes del género cotidiano ya se encuentran en las pinturas rupestres que transmiten información pictórica sobre la vida de los antiguos cazadores y pescadores, en pinturas y relieves. Antiguo Oriente, en la pintura plástica de vasijas antiguas, en los iconos hagiográficos medievales en miniatura, en la decoración plástica de los templos budistas y en las pinturas de los templos de la antigua América, si en ellos, de una forma u otra, se muestra la vida de las personas, sus ocupaciones y la vida cotidiana.

Las búsquedas creativas de muchos artistas del género cotidiano, así como de maestros de otros géneros pictóricos, tienen como objetivo buscar la expresión más profunda de nuestra modernidad, buscar estilo moderno En arte. Todo el camino de la pintura de género soviética fue una lucha por el establecimiento de un nuevo héroe, un nuevo maestro de la vida. En las imágenes del arte, el pueblo soviético busca respuestas a los pensamientos y sentimientos que le preocupan. Esperan que los artistas les ayuden a comprender los complejos fenómenos de la vida con sus obras.

7. género animal

Género animal (del lat.animal– animal) es un género de bellas artes dedicado a la representación de animales. Este género combina ciencias naturales y principios artísticos. El artista animal se centra en las características artísticas y figurativas del animal, sus hábitos, su hábitat (por ejemplo, en la pintura y escultura de caballete, en el grabado); la expresividad decorativa de la figura, la silueta y el colorido es especialmente significativa en esculturas, pinturas y pequeñas esculturas de parques; a menudo (especialmente en ilustraciones de cuentos de hadas, fábulas, en imágenes alegóricas y satíricas) el animal está “humanizado”; dotado de rasgos, acciones y experiencias humanas inherentes. A menudo, la tarea principal de un animalista es la precisión de la imagen del animal (por ejemplo, en ilustraciones para literatura científica y de divulgación científica).

Las obras de arte, según su naturaleza, se dividen en tres categorías: arte monumental, arte decorativo y arte de caballete. Las propiedades, normas y signos que definen estas categorías son igualmente aplicables a las obras de arte animal.

Los grandes paneles son ejemplos de arte animal monumental. Un mural o fresco que revela imágenes majestuosas de animales o un grupo de ellos con el telón de fondo de un gran paisaje. Vestíbulos y salas de museos biológicos. Los pabellones de exposición agrícola son posibles ubicaciones para esta pintura.

En la actualidad existen pocas posibilidades para la instalación de esculturas monumentales animales de gran masa en bronce o piedra, con sus estrictas proporciones, movimientos restringidos y formas generalizadas. En los monumentos sólo se plasman imágenes de caballos.

Sólo se pueden encontrar ejemplos de esculturas de animales verdaderamente monumentales en el arte de Egipto, Mesopotamia y China.

Se considera decorativa una escultura cuya finalidad directa es decorar el espacio de un parque o interior. Sus dimensiones son menores, sus formas más ligeras y complejas, su expresión de movimiento es más libre, su contenido es más vital y variado. Los materiales utilizados para la escultura decorativa también son variados. Además del bronce, el mármol y la piedra fundida para esculturas exteriores, se pueden utilizar todo tipo de cerámicas para interiores. EN Artes Decorativas el tema animal se puede identificar ampliamente. En todo momento de la historia, este tema no se ha secado en el arte decorativo de todos los pueblos y, en ocasiones, incluso ha dominado. El hombre siempre ha apreciado la belleza del mundo animal, admirado la manifestación de sus formas, movimientos, colores, patrones y, regocijándose en ellos, los transformó en una obra de su arte. Animales y pájaros, peces y lagartos, serpientes, mariposas y animales marinos: todos encontraron un lugar en alfombras, telas y bordados, en tallas de diversas piedras, huesos, metales martillados y cerámicas. La imagen de un animal en el arte decorativo es predominantemente convencional y ornamental. Existe como parte de un patrón construido rítmicamente, o está incluido en un espacio limitado por una determinada forma geométrica o, finalmente, al adoptar la forma de un utensilio, no puede mantener un carácter realista. En imágenes planas y en formas tridimensionales, la silueta del animal, sus proporciones deben cambiar, obedeciendo al ritmo de lo que adorna. Y el contenido temático en el arte decorativo no se puede expresar lo suficiente y, a veces, el propósito práctico de una cosa determina todo su contenido.

Al mismo tiempo, el atractivo de las obras de los artistas animales radica no sólo en la fiabilidad científica de las composiciones, sino también en la comprensión del valor intrínseco del mundo viviente.

8. interiores

Interior(del fr. interior– interno) – 1) el espacio interno de un edificio público, residencial o industrial; habitación en un edificio (habitación, vestíbulo, vestíbulo, etc.). El interior, su configuración, ubicación y finalidad son de gran importancia para la apariencia y distribución del edificio en su conjunto. El espacio interior, dimensiones, proporciones, carácter de la decoración, combinados con la decoración, mobiliario, equipamiento, etc., crean un conjunto interior, determinado por sus funciones y estilo arquitectónico y artístico; 2) un género de bellas artes que se desarrolló en la pintura de Holanda y Flandes a finales de los siglos XVI y XVII (interiores de iglesias holandesas - P. Sanredam, J. Vermeer), en la primera mitad del siglo XIX en Cuadro Biedermeier (en Alemania G.F. Christing).

Los primeros "experimentos" de representación de interiores en Rusia a veces se asocian con imágenes iconográficas, que, por supuesto, pueden aceptarse con ciertas reservas. Pero ahora el arte gráfico del siglo XVII recurre directamente al interior moderno como objeto de imagen, aunque sea en su versión palaciega. Manuscritos y libros de la segunda mitad del mismo siglo nos trajeron una imagen muy específica del interior, sorprendiendo con la libre combinación de elementos arquitectónicos, la variedad y abigarramiento de formas, estilísticamente heterogéneas, pero unidas por el principio común de su uso. . La impresión de patrones decorativos y movimiento constante de formas en estos conjuntos palaciegos se complementó con su imagen colorista: "variegación de colores". Al mismo tiempo, como señala I.A. Pronina, experta en interiores arquitectónicos rusos, no debemos olvidar “la riqueza religiosa y significativa de cada componente del conjunto como un mundo armonioso... Aquí la luz y el oro significaban su naturaleza divina, el color también tenía su significado simbólico”.

Conclusión

El problema de los “tipos y géneros” en las bellas artes ha sido considerado por muchos historiadores del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. Propusieron varias clasificaciones de las artes.

La división de los tipos de arte en bellas y no representativas es, por supuesto, condicional, ya que ninguna de ellas puede decirse que sea exclusivamente de naturaleza bella o no representativa. En todas las artes, estas características están entrelazadas y ningún arte puede atribuirse categóricamente a uno solo de estos grupos.

La clasificación de las artes puede basarse en otros criterios: se pueden dividir los tipos de arte en espectaculares y no espectaculares, en simples y sintéticas, en artes relacionadas con fines utilitarios y no relacionadas con ellos, etc.

La clasificación de las artes ayuda a identificar las características específicas de cada arte individual. Y al mismo tiempo, los sistemas de clasificación promueven el acercamiento entre diversas artes e identifican vías de síntesis en el desarrollo de la cultura artística.

1. Zis A.E. Tipos de arte. – M.: Conocimiento, 1979.

2. Kozhinov V.V. Tipos de arte. – M.: Arte, 1960.

3. Whipper B.R. Artículos sobre arte. – M.: Arte, 1970.

4. Daniel. El arte de ver.

5. Filatov Y., Danilova I. Naturaleza muerta en la pintura europea.

Clasificación del arte

Nota 1

El arte debe considerarse en tres significados principales:

• arte en el sentido amplio, es decir creatividad artística en general;
• arte en sentido estricto, es decir Cómo cierto tipo creatividad;
• El arte como un alto grado de dominio en un determinado campo de actividad.

Existen varios principios para clasificar el arte.

la primera manera La clasificación divide el arte en dos grandes grupos:

• agraciado,
• aplicado.

Segunda forma La división depende de los sentimientos en los que influye el arte. En consecuencia, la pintura, la arquitectura, la escultura y el diseño son artes visuales. La música es de tipo auditivo porque se percibe a través del oído. La literatura es tanto visual como auditiva, ya que al leer un libro sobre utilizamos palabras y al volver a contarlo nos dirigimos al público.

Tercer método de clasificación. implica dos grupos:

• tipos de un solo componente (pintura, escultura, música, literatura);
• tipos multicomponentes (ópera, danza, arquitectura).

Principales tipos de arte: pintura y literatura.

Cuadro

Definición 1

Cuadro Es un tipo de bellas artes en el que las obras se crean utilizando pinturas aplicadas a una superficie específica. La intención del artista se perfila en el tema y la trama de la obra, y se materializa a través de la composición, el dibujo y el color.

La pintura, en términos de colorista, se presenta en dos tipos:

• monocromo o de un solo color,
• policromada o multicolor.

Según el método de aplicación de pinturas:

• una sola capa,
• multicapa.

La expresividad de la pintura viene dada por el carácter del trazo y la textura de la superficie colorida. El volumen y el espacio se transmiten a través de perspectivas lineales y aireadas, claroscuros, mediante el uso de gradaciones de tono y las cualidades específicas de los tonos cálidos y fríos.

Literatura

Definición 2

La palabra literatura proviene de la combinación de dos palabras latinas: litteratus(estudiado) y camada(carta).

Bajo literatura debe comprender obras escritas que tengan importancia pública, en particular literatura de ficción, científica y epistolar. La mayoría de las veces, la literatura se entiende como ficción, la llamada bellas letras. En esta manifestación, la literatura es un fenómeno del arte que expresa y da forma estéticamente a la conciencia pública. Al mismo tiempo, la literatura de memorias, epistolar y documental se refiere a obras escritas que no pertenecen a la ficción, sino que sólo se fusionan con ella.

A pesar de que la literatura hace referencia a formas escritas La creatividad apareció mucho más tarde que la escritura misma. Los primeros monumentos escritos fueron documentos de diversos contenidos.

La literatura se presentó originalmente en la forma creatividad oral. Dado que en la antigüedad no había suficiente material apto para escribir, las obras literarias se transmitían en forma de prosa oral o canción de una generación a otra. El arte popular oral comenzó a coleccionarse y registrarse alrededor del siglo XIII. La ficción como arte surge sobre la base de la mitología y el arte popular oral.

Las obras antiguas se presentaron en poesía y la prosa es una parte posterior de la ficción. Las dos regiones alcanzaron la misma importancia sólo en los siglos XVIII y XIX. El drama y la prosa narrativa aparecieron por primera vez entre los antiguos griegos. Se considera que la primera novela moderna es el libro de Cervantes "Don Quijote", que data de principios del siglo XVI. La época dorada de la novela es el $XIX$. Fue durante este período que aparecieron trabajos famosos Dickens, Hugo, Tolstoi y Dostoievski. La segunda mitad del siglo XX es un laboratorio creativo donde se crean y desintegran nuevos géneros, tipos, temas. literatura en prosa. El último siglo se caracteriza por la conexión entre la ficción y otras formas de arte, como el cine, la radio y la televisión.

Las canciones son el monumento literario más antiguo que se convirtió en un género literario independiente.

La poesía lírica, al igual que el drama poético desarrollado por los antiguos griegos, fue el comienzo de la ficción europea moderna.

Cada uno entiende el significado del arte de manera diferente: algunos lo elevan y ensalzan, mientras que otros lo vomitan en el abismo de las emociones. Sin obras de arte una persona puede arreglárselas La vida cotidiana, pero el hambre emocional necesita conocimiento del arte real, que da un sentimiento de felicidad, alegría y tranquilidad de espíritu. Puede transportar a una persona al mundo de los sueños y fantasías, que cada uno expresa en diversas formas de arte. Los veremos a continuación.

Artes plásticas o espaciales

arte

Este tipo de creatividad tiene como objetivo reproducir el mundo circundante y sentirlo visualmente. Por el bien de este tipo de arte, muchos artistas abandonaron una vida tranquila y bien alimentada y fueron quemados en el altar del arte. Las obras de los maestros se convirtieron en causa de enfrentamientos políticos y guerras. Los coleccionistas estaban dispuestos a sufrir una maldición. Esto es lo que la gente está dispuesta a hacer por el arte.

• Cuadro. El arte de representar la realidad con colores. Se compone de objetos representados en una paleta multicolor en la superficie. Un artista puede expresar su mundo interior y sus emociones en lienzo, caballete y cartón. Este género se divide en varios tipos: de caballete, monumental, en miniatura.
• . El arte de representar objetos con trazos y líneas. Por un lado, esto lo pueden hacer tanto adultos como niños, disponiendo únicamente de una hoja de papel, pinturas y lápices. Pero no todo es tan sencillo y quienes creen que los gráficos están disponibles públicamente se equivocan. Este mirada compleja que debes aprender si quieres convertirte en un maestro de este negocio. El artista aplica trazos, líneas y manchas sobre un plano (madera, metal, edificios, cartón, etc.), utilizando una o dos combinaciones de colores (en algunos casos, se puede utilizar un número mayor). Este género se divide en varios tipos: caballete, informático, revista y periódico, libro, aplicado e industrial.
• Escultura. El artista expresa sus obras a partir de materiales sólidos y plásticos que tienen una forma tridimensional. Las obras plasmadas en materiales son capaces de transmitir la apariencia vital de los objetos de creación. Este tipo se divide en varios tipos: escultura de pequeñas formas, monumental, de caballete, pequeña de plástico y monumental - decorativa.

arte constructivo

El maestro expresa su creatividad en Reproducción de edificios artísticos que organizan el entorno espacial-objetivo que nos rodea. , sin representar nada. Dividido en dos géneros:

• . Se basa en la vida, las opiniones y la ideología de la sociedad y se adapta fácilmente a los estilos cambiantes en diferentes periodos historicos vida. Este género se divide en varios tipos: urbanismo, paisaje y arquitectura de estructuras volumétricas.
• Diseño. Es un símbolo estético del mundo moderno. Al crear obras maestras, el diseñador consolida el estilo de la época con su creatividad. Se divide en varios géneros: exposición, temática, paisaje, diseño de interiores, indumentaria y libros.

Artes y manualidades

Las obras creativas de este arte han uso práctico en la vida cotidiana . La base de este arte son diversas ramas de la actividad creativa encaminadas a crear productos artísticos con funciones utilitarias y artísticas. Dividido en varios tipos:

• cerámica;
• forjar;
• vaso;
• tapiz;
• juguete de arcilla;
• de coser;
• aplique;
• edredones;
• procesamiento artístico del cuero;
• Costura;
• vidrieras y mucho más.

Artes temporales

El compositor expresa su belleza espiritual y una imagen del mundo a través de tonos y ritmos sonoros, significativos y organizados de forma ordenada. Este es el lenguaje espiritual del mundo material, reproducido mediante instrumentos musicales. (su base es un resonador), captado inconscientemente por el oído. Los tipos de música se pueden dividir según diferentes criterios, por ejemplo, según la naturaleza de la interpretación, se divide en tipos como vocal, instrumental, de cámara, solista, electrónica, vocal-instrumental, coral y piano. Por hábitat: militar, eclesiástico, religioso, danza y teatro. Pero básicamente se divide en dos tipos:

• vocal;
• instrumental.

La mayoría de las veces, este tipo de arte significa solo ficción, pero no todo es tan simple. Además, esto incluye obras científicas, filosóficas y de otro tipo que reflejan las opiniones de las personas. Aquí las obras se crean utilizando palabras y escritura. Reflejan la totalidad de ramas del conocimiento de una determinada ciencia o especialidad. La literatura se divide en prosa educativa, técnica, científica, artística, de referencia, de memorias y documental. Creado en varios géneros:

• folklore;
• prosa;
• poesía.

Artes espacio-temporales

Se trata de una combinación de varios tipos de arte, como la literatura, la coreografía, la música, la poesía, etc. El teatro tiene sus propios puntos de vista y puntos de vista sobre la visualización de la realidad y lo hace con la ayuda de acción dramática. Se trata de un arte colectivo que expresa sus ideas con la ayuda de actores, directores, guionistas, directores de escena, compositores, diseñadores de vestuario y maquilladores. Se compone de varios tipos, como teatro dramático, teatro de marionetas, ópera, ballet y pantomima.

Un tipo de creatividad artística basada en diversos métodos técnicos de grabación y reproducción de imágenes en movimiento, acompañadas de sonido. Hay varios tipos de este arte: largometrajes, documentales y cortometrajes.

Expresión de emociones y experiencias internas con la ayuda de movimientos corporales, integradas en una obra específica, acompañada de música. Las personas tienen la oportunidad de expresar sus sentimientos, temas e ideas a través de pantomima, escenografía y vestuario. Tiene sus propias tendencias y estilos: bailes de salón, históricos, rituales, folklóricos, acrobáticos, pop y de club.

Pasemos a la interpretación del principal objeto de nuestro estudio: el espectáculo. Espectáculo (del ruso antiguo zrti, zryu - ver, veo. El verbo zret' - ver tenía una forma participial con el sufijo -l- que daba el sustantivo "espectáculo" con el sufijo -chu-e-) - aquello que se percibe con la ayuda de una mirada, aquello que se mira (fenómeno, incidente, paisaje, desfiles o competiciones deportivas, juegos interactivos). De la misma raíz provienen las palabras "visión" y "espectador", el que percibe el espectáculo.

En el campo del arte, el término "espectáculo" se utiliza a veces como sinónimo de la palabra "actuación": teatral, concierto y otros. Más a menudo esta palabra se usa como adjetivo: " empresas de entretenimiento", "artes espectaculares". Sin embargo, a pesar de la etimología del término, no todos sus tipos percibidos a través de la visión se clasifican como artes escénicas. Pintura o escultura se refiere a Bellas Artes arte. En esta clasificación resulta decisiva la presencia del espectador, que es coautor pleno del arte espectacular.

Las obras de arte espectaculares existen sólo en el momento de su representación y desaparecen para siempre con el final de la representación. Actuación, concierto, espectáculo de circo, un festival teatral no se puede repetir con precisión: la reacción inmediata del público forma una variedad de matices semánticos y emocionales de cada representación específica. Las formas espectaculares de arte implican un espectador activo, lo que tiene un impacto directo en la actuación. De hecho, sin la participación de los espectadores, las artes escénicas son imposibles; en este caso sólo podemos hablar de un ensayo (la etapa de preparación del espectáculo).

Las formas de arte espectaculares incluyen el teatro (drama, ópera, ballet, títeres, pantomima), circo, escenario, festivales de teatro masivo y colectivos. La única excepción a la regla general es el arte del cine y la televisión, donde las obras espectaculares se graban en película y luego existen sin cambios, independientemente de las reacciones y percepciones de la audiencia. Sin embargo, esta excepción es bastante comprensible y natural: estas formas de arte muy jóvenes surgieron y existen gracias al desarrollo de las tecnologías modernas, que determinan no sólo formas fundamentalmente nuevas de crearlas, sino también un tipo fundamentalmente nuevo de relación con el espectador.

El concepto en sí, y con él la palabra "espectáculo", no se formó hasta el siglo V a.C.; con el desarrollo de las ciudades, la división y especialización del trabajo, con el aumento del papel de la burguesía comercial. Desde el momento en que se configuran para un “espectáculo”, las acciones poco a poco comienzan a adaptarse a las necesidades del espectador y se vuelven espectaculares sin importar todo lo demás. Pero si el entretenimiento se convierte en una nueva característica principal, entonces, en cualquier caso, la base del fenómeno sigue siendo una determinada acción o lo que los griegos llamaban dromena, un adjetivo participial del verbo draomaj, actúo. Estas dromenas, rodeadas de espectadores curiosos, se convertían en theamata, es decir, en un espectáculo. La característica principal de un espectáculo teatral es la acción: sin acción no hay teatro.

En el sentido amplio de la palabra "espectáculo" es una forma específica de comunicación ideológica, emocional y estética. La oferta de eventos con valor de entretenimiento es prácticamente inagotable: competiciones y juegos deportivos, rituales y ceremonias públicas, diversos tipos de celebraciones y situaciones festivas. Incluso esta lista incompleta da motivos para decir:

sobre espectáculos artísticos, que incluyen teatro, cine, escenario, circo;

sobre fenómenos de tipo entretenimiento, incluidos eventos deportivos, exposiciones, espectáculos y demostraciones de los logros de la ciencia y la tecnología, la moda moderna, así como hechos de la vida y eventos que llaman la atención.

Por supuesto, tal división es muy relativa, ya que un análisis de la realidad moderna revela dependencias complejas y las conexiones entre este tipo de espectáculos. Y, de hecho, cuán fuertes se han vuelto los vínculos de interacción e influencia mutua del deporte y el arte en el patinaje artístico o en la actuación de las gimnastas: pero para nosotros tal diferencia es significativa desde el punto de vista de la comprensión de que los fenómenos de tipo espectacular son no están conectados por una única trama o incluso un tema, mientras que los espectáculos artísticos se crean a partir de obras dramáticas (obras de teatro, guiones) y deben prepararse cuidadosamente.

Si los espectáculos de ambos tipos se caracterizan por rasgos comunes como la eficacia, la colectividad y el “despliegue hacia el espectador”, entonces sólo las “artes espectaculares” tienen signos de integridad y plenitud, sintetización e imaginería. La característica más importante Las artes espectaculares son el efecto de la participación, la empatía del espectador con un resultado previamente calculado y teniendo en cuenta la dependencia de la percepción del espectáculo del sistema de convenciones de un tipo particular de arte, de la capacidad visual del espectador, de el movimiento de la atención del espectador. En este sentido, cabe señalar la importancia de la capacidad del director para centrar la atención del espectador en lo más importante y significativo del espectáculo y así estimular y “dirigir con fuerza la implicación del espectador en la acción”.

Veamos varias publicaciones enciclopédicas que contienen una definición del término "espectáculo".

EN " Diccionario explicativo Gran lengua rusa viva" de V. Dahl, publicado en 1866, "espectáculo" se define como "un incidente, un evento, un incidente visible con los ojos, todo lo que consideramos, lo que miramos con atención". El segundo significado de este término es "representación teatral, teatro".

En el "Diccionario enciclopédico" de F. Brockhaus e I. Efron de 1894, hay muchas definiciones para la palabra "espectáculo", una de las cuales suena así: "Los espectáculos públicos y el entretenimiento incluyen: actuaciones, conciertos, bailes y mascaradas en todos los teatros, tanto imperiales como privados, en circos, discotecas, jardines y en general en toda clase de lugares públicos, exposiciones y mercados con música, museos privados, mañanas y tardes literarias y musicales, pinturas en vivo, carreras de caballos, carreras, carreras. , casas de fieras, campos de tiro, carruseles, columpios. Si eliminas de esta lista lo que históricamente está desactualizado, el resto será suficiente. Resulta que el espectáculo es todo lo que consideramos, lo que miramos con atención”. Brockhaus y Efron, negándose definición teórica espectáculos, dé sólo una lista de formas espectaculares. En el mismo diccionario, publicado en 1898, se ofrece una descripción más detallada de las vacaciones. Los compiladores del diccionario dividieron las fiestas en Antiguo Testamento, iglesia y folk. Análisis del Antiguo Testamento y vacaciones de la iglesia fue hecho por los autores del diccionario de manera relativamente superficial. Al revelar el contenido de las fiestas populares, reflejaron esencialmente el nivel de desarrollo de la historiografía del problema durante ese período. Los compiladores del diccionario señalaron que los investigadores, sus contemporáneos, después de Grimm, Afanasyev y Potebnya, creían fiestas populares, reviviendo ideas paganas medio olvidadas, sugiriendo que las fiestas de varios santos reemplazaron fiestas paganas, y los “atributos de los dioses antiguos” fueron transferidos a los santos. Brockhaus y Efron no estuvieron de acuerdo con este punto de vista. Señalaron: “Esta opinión ahora puede considerarse muy alterada. Si el Olimpo eslavo y alemán alguna vez existió, entonces, en cualquier caso, no tuvieron la plenitud y armonía de la religión estatal de Grecia y Roma, con sus numerosos préstamos de los cultos orientales”.

Los primeros intentos de definir científicamente las gafas aparecieron a finales del siglo XIX y XX. En ese momento no se publicaron obras de referencia cultural, pero sí obras enciclopédicas fundamentales que reflejaban la significativa experiencia cultural de la actividad humana. En particular, una de las publicaciones más autorizadas de esa época fue el Diccionario enciclopédico de los hermanos Garnet. Reimpreso varias veces, el diccionario tradicionalmente se ha centrado en explicar la esencia social y cultural de la festividad. Señaló: “La base de las vacaciones es el deseo natural del cuerpo humano de descansar después del trabajo, combinado con un sentimiento religioso, este deseo conduce al establecimiento de vacaciones, es decir, días de descanso que al mismo tiempo se celebran con un culto especial. El aspecto religioso incluido en el concepto de fiesta varía. Los días festivos están asociados con momentos del calendario de trabajo de campo; En consecuencia, las vacaciones están asociadas con diversas deidades y mitos. Días festivos del calendario Generalmente mezclados con el ciclo del trabajo agrícola, son más comunes después de los días habituales de descanso semanal. Este artículo enfatiza que a medida que la religión se desarrolló, gradualmente se fusionó con las “fiestas naturalistas” y luego incluyeron festividades que eran de naturaleza histórica.

Teniendo en cuenta la historia de la aparición del término "espectáculo", cabe señalar que en publicaciones enciclopédicas y de referencia especial: "Theatre Encyclopedia" de 1963, "Kinoslovar" de 1966, así como en el "Bolshoi" enciclopedia soviética» 1951 falta. En la primera edición de la Gran Enciclopedia Soviética de 1933, el concepto de “espectáculo” abarcaba la categoría asociada con los juegos y celebraciones masivas que fueron extremadamente populares en la década de 1920, que, por supuesto, está lejos de ser completa. Así, la definición del concepto de "espectáculo" desapareció, y no sólo de las publicaciones de referencia, sino también de la investigación teórica.

La primera razón de la “desaparición” del concepto de “espectáculo” puede estar asociada a la insignificante participación del espectáculo en la estructura del tiempo libre. En el siglo XVIII, algunos investigadores (por ejemplo, Gottgold Ephraim Lessing, el gran pensador, crítico y escritor alemán) llegaron a esta conclusión comparando las actitudes de los antiguos y sus contemporáneos hacia el espectáculo. “¿Por qué surge esta diferencia de gustos”, escribió G. Lessing, “si no porque los griegos, durante las representaciones, se sentían inspirados por sentimientos tan fuertes y extraordinarios que no podían esperar el momento en que los volverían a experimentar? Nosotros, por el contrario, nos llevamos del teatro impresiones tan débiles que rara vez consideramos que valga la pena gastar tiempo y dinero en visitarlo. Casi todos y casi siempre vamos al teatro por curiosidad, por la moda, por aburrimiento, por la sociedad, queremos mirar a los demás y lucirnos, y sólo unos pocos van con otro propósito, y aun así rara vez”. Parecería que G. Lessing traza una línea divisoria entre el siglo de los espectáculos que retroceden hacia el pasado y el siglo de su degeneración, es decir, el siglo XVIII. Tal vez, teniendo en cuenta el siglo XVIII, tuviera razón. Pero es bastante obvio que esta afirmación no caracteriza la era moderna y pertenece a la historia. El interés por el espectáculo, surgido a finales del siglo XIX, intensificado a principios de siglo, se fortaleció y expandió a lo largo del siglo XX.

En publicaciones enciclopédicas y estudios teatrales posteriores, el término “espectáculo” vuelve a aparecer. Junto con este concepto, también se utilizan como sinónimos términos como “fiesta”, “espectáculo de masas”, “celebración de masas”, “espectáculo de masas”, “teatro de plaza”, “espectáculo de masas”, “teatro de calle”.

“Diccionario explicativo de la lengua rusa” de S.I. Ozhegova descompone el concepto de "acción de masas" en: "masa - un número completamente grande de personas, característico de una masa de personas" y en "acción - en los viejos tiempos trabajo dramático» .

En el diccionario “Cultura y Estudios Culturales” (2003), tampoco existe una definición del concepto de “espectáculo”. Pero existe una formulación del término “teatro de plaza”, que se define como “diversos tipos de representaciones teatrales en plazas y calles”, que en nuestro caso es importante.

En el libro de D.M. Genkin "Fiestas masivas" (1975) da la siguiente definición del término "fiestas masivas". Con ello, el autor se refiere a un fenómeno inusual, que sintetiza realidad y arte, diseñando artísticamente tal o cual evento de la vida real.

En el libro de Yu.M. Chernyak "Dirección de vacaciones y espectáculos" (2004) también contiene una definición del término "una fiesta masiva es un complejo de eventos de varios tipos y formas de entretenimiento de diferentes géneros; un fenómeno multifuncional que refleja la época, la vida de la sociedad y su cultura; el remedio más antiguo y eficaz comunicación de masas» .

Después de estudiar y analizar varias definiciones del término "espectáculo de masas", llegamos a la conclusión de que el espectáculo de masas es un campo del arte sintético que se desarrolla constantemente en muchas direcciones, que se produce bajo Aire libre, en el que participa un gran número de personas, diseñado para un público masivo. Por regla general, tiene un carácter festivo y se encarna en formas teatrales y carnavalescas.

Durante más de cien años, los expertos se han esforzado por explorar ciertos aspectos de la cultura del entretenimiento. Científicos, escritores, publicistas, figuras culturales y artísticas a lo largo de este tiempo han intentado determinar la esencia del espectáculo como fenómeno social y cultural, y expresaron sus opiniones sobre el lugar que ocuparon y ocupan las vacaciones en la vida del Estado durante su desarrollo. Hasta finales del siglo XIX, los espectáculos, por regla general, no se distinguían como una acción independiente, sino que se consideraban en el contexto de otros eventos similares: festividades, rituales, tradiciones y costumbres. La festividad es tan antigua como la vida en la tierra y siempre joven. Las viejas fiestas están desapareciendo y otras nuevas las están reemplazando, desplazando o transformando formas espectaculares más allá del reconocimiento. El tiempo aleja de nosotros el pasado, borrando la agudeza de la sensación de lo que alguna vez se experimentó en alegría o tristeza. Por supuesto, bajo ciertas condiciones, es posible recrear artificialmente episodios, imágenes y acciones individuales, ceremonias de cualquier festividad, y se puede decorar en consecuencia tanto el entorno como los participantes en los espectáculos. Cada día festivo específico vive por separado solo una vez, y cada vez reproduce la experiencia de la “memoria navideña” colectiva de generaciones. Las células de esta memoria almacenan tesoros de cultura espiritual acumulados por la sabiduría milenaria. Y solo nos quedan recuerdos, relatos de testigos presenciales, memorias, breves informaciones en la prensa, descripciones de tal o cual celebración, documentación de archivo dispersa, en el mejor de los casos: fotografías amarillentas por el tiempo, proyectos de diseño artístico, grabados y dibujos, fragmentos de noticieros: todo lo que ya pertenece a la historia.

Considerando el surgimiento y desarrollo de los espectáculos de masas dentro de grandes épocas históricas, no se puede dejar de ver, en primer lugar, la función social y moral que desempeñan las festividades de masas. Desde la antigüedad en rituales populares, las actuaciones tenían dos caras: elementos de culto y elementos folclóricos. El aspecto histórico del espectáculo permite comprender el significado que adquirió a finales del siglo XIX y XX. La historia puede explicar, por un lado, la especial atención del público al espectáculo a lo largo del siglo XX y, por otro, la especial atención al espectáculo de los investigadores de esta época. Las incursiones históricas en la historia del espectáculo se explican por el deseo de enfatizar la originalidad del funcionamiento del espectáculo en el cambio de siglo, asociado a los procesos de urbanización. La intensificación del espectáculo es provocada por procesos de comunicación socio-psicológicos característicos de la formación de la cultura urbana a finales del siglo XIX y principios del XX.

Desde principios del siglo XX se han realizado intentos de comprender el espectáculo, la mayoría de las veces en el marco de los estudios teatrales. Uno de los primeros investigadores del teatro que abordó importantes problemas metodológicos en el estudio del espectáculo fue el famoso historiador del teatro, crítico de teatro, periodista y fundador del teatro de parodia Crooked Mirror, Alexander Rafailovich Kugel. Pero su enfoque en el teatro no le permitió comprender plenamente la naturaleza del espectáculo. A. Kugel se opuso a la identificación de los conceptos de “teatro” y “espectáculo”, trató de identificar sus discrepancias, vinculando el primero exclusivamente con fenómenos artísticos y el segundo con fenómenos no artísticos. Al distinguir estos conceptos, A. Kugel todavía reconoce una cierta identidad. “Sin duda, el teatro también es un “espectáculo”, pero sólo en el sentido de que las pasiones y sentimientos vividos en el escenario nos son comunicados no sólo por las entonaciones de la voz y los discursos de los personajes, sino también por los movimientos y expresiones faciales. .” Al asociar el espectáculo exclusivamente con elementos plásticos, A. Kugel siente la vulnerabilidad de su definición: después de todo, el lado plástico aún no garantiza el arte. Esta circunstancia le obliga a distinguir dos significados en el concepto de “espectáculo”: espectáculo como forma de percepción del arte y espectáculo como totalidad de lo visible, que, como lo visible en general, es sólo una forma. vida real. Así, A. Kugel aborda la distinción entre espectáculos artísticos y no artísticos. EN tipo artístico El espectáculo A. Kugel intenta determinar históricamente sus formas diferenciadas posteriores, incluido el teatro. Considera que el teatro hace tiempo que superó la era del espectáculo. Al mismo tiempo, A. Kugel afirma que el teatro moderno intenta constantemente ser un espectáculo. Se puede argumentar que el propio A. Kugel nunca entendió en qué se diferencia el teatro del espectáculo.

Tomará algún tiempo y el sol. Meyerhold hablará con bastante seriedad sobre la necesidad de revivir las tradiciones de la farsa en el teatro, sobre el resurgimiento de sus técnicas en escena moderna. Así, los profesionales del teatro no aceptaron la posición de A. Kugel sobre el espectáculo, la actitud negativa del teórico hacia él como algo secundario, inferior, no digno de atención.

El problema resultó aún más complicado en la década de 1920, cuando volvió a agudizarse la cuestión de las formas espectaculares del teatro y la influencia de los deportes, el escenario y el circo en las formas teatrales. La gran atención prestada al espectáculo a principios del siglo XX se explica por el hecho de que fue durante este período cuando surgieron por primera vez los problemas que todavía nos preocupan. Es este período el que se caracteriza por un aumento del interés por el espectáculo. Este hecho debe considerarse como una reacción a la degeneración de las formas de cultura tradicional, que eran formas rituales y espectaculares. El colapso de las formas de juego tradicionales fue consecuencia de grandiosos procesos de urbanización que no tenían precedentes en la historia.

El universo espectacular en todas sus manifestaciones (actuaciones multitudinarias, fiestas, competiciones deportivas, circo, teatro, espectáculos de variedades, music hall, espectáculos de variedades, cine, televisión) no se limita a la cultura artística. Por tanto, la definición primaria y más general de espectáculo será cualquier manifestación de la acción humana en el espacio y el tiempo, percibida colectivamente. Esta definición aún no caracteriza el espectáculo como una “forma de percepción del arte” (A. Kugel), pero permite combinar todas sus manifestaciones en un solo sistema, aunque aún no tenga características artísticas.

Otra definición fue propuesta por el famoso personaje teatral V. Vsevolodsky-Gerngross. Creía que, por un lado, un espectáculo es cualquier objeto que se percibe visualmente, la “acción” misma, y ​​por otro lado, es una representación teatral. En este tema, el investigador no discrepa ni de V. Dahl ni de A. Kugel. Descifrando la primera definición, que es al mismo tiempo la definición de teatro, escribe: “... por acción (proceso), a diferencia de las acciones humanas ordinarias y aleatorias, nos referimos a un complejo organizado de acciones humanas, expresadas formalmente ya sea en sonidos y movimientos, o incluso en uno de los elementos." Es bastante obvio que en esta formulación de V. Vsevolodsky-Gerngross, la definición de espectáculo se reduce a su segundo significado, es decir, a la “totalidad de lo visible”, que no agota este concepto, especialmente si recordamos la existencia de formas espectaculares diferenciadas que representan la “forma de percepción del arte”.

La celebración masiva pertenece a la categoría de espectáculos artísticos. Uno de los primeros investigadores de la naturaleza y esencia de las vacaciones I.M. Snegirev en su obra “Fiestas comunes rusas y rituales supersticiosos” escribió que uno de los medios más poderosos para acercar a las personas y una de las fuentes de conocimiento sobre la vida de cada nación son sus fiestas. Fue él quien fue el primero en fundamentar y formular teóricamente la definición de vacaciones como "abolición", libertad del trabajo cotidiano, combinada con diversión y alegría. Una festividad es tiempo libre, un ritual, una acción significativa, una forma aceptada de realizar acciones ceremoniales.

Considerando la historia de la formación del concepto de “espectáculo”, es necesario mencionar los estudios de los autores occidentales A. Banffy y R. Demarcy, ya que en ellos, además del enfoque estético, también delinearon sociológico, socio- enfoques psicológicos.

La teoría del investigador italiano A. Banfi debe atribuirse a los intentos de definir el espectáculo a partir de sus conexiones con la sociedad, determinar sus funciones sociales y construir una tipología de espectáculos. En primer lugar, A. Banfi relaciona acertadamente el espectáculo con el carácter colectivo de su percepción y, además, define el espectáculo a través de este rasgo. Para él, el espectáculo es idéntico a la participación del grupo en la actuación. Por ejemplo, escribe que “la colectividad es un espectáculo en sí misma”. Esta sentencia indica que A. Banffy aborda el espectáculo como un sociólogo y ve en él, ante todo, una manifestación de socialidad. La clasificación del espectáculo siguiendo estas consideraciones indica que A. Banfi hace de la colectividad una condición del primer tipo de espectáculo, que incluye fiestas folclóricas, carnavales, ferias, bailes y competiciones deportivas. Este tipo, según A. Banfi, es un símbolo de libre “organicidad social”. El segundo tipo de espectáculo es funcional en relación con la sociedad, está entretejido en ella y tiene funciones utilitarias. A. Banfi incluye bodas, funerales, confirmaciones, ceremonias religiosas, ceremonias políticas y militares como segundo tipo de espectáculo.

El tercer tipo de espectáculo, según A. Banffy, está asociado a las formas estéticas reales del espectáculo, cuando el elemento de la actuación, adquiriendo independencia y valor intrínseco, se separa de la ceremonia colectiva y sus participantes se dividen en activos. y pasivo. El autor descubre los orígenes de este tipo de espectáculos en tragedia griega y ve su manifestación en el teatro y el cine.

Consecuentemente, A. Banfi distingue el espectáculo como un fenómeno cultural independiente, que persiste, a pesar de la diferenciación de la cultura artística, “siendo interpretado de manera diferente en los ritos religiosos, las ceremonias políticas, en la representación artística” y, en ocasiones, adquiriendo “el significado de un evento espectacular universal”. que trasciende el marco de cualquier esquema constitucional, creando un típico halo de socialidad en torno a acontecimientos más heterogéneos”. A. Banfi tampoco ignora el problema de las funciones sociales del espectáculo, afirmando con razón que se trata de un fenómeno que no sólo acompaña, sino que también “regula la vida social”.

Así, la toma de conciencia del enfoque sociológico del espectáculo de A. Banffy depende directamente de la identificación de la naturaleza misma del espectáculo. Este enfoque permitió a A. Banfi definir el espectáculo a través de la colectividad, incluso identificar estos conceptos y contribuir así al estudio del espectáculo.

Cada componente de una acción espectacular está dirigido al espectador, subordinado a la organización de su atención, a sus impresiones. El habla (palabra), la plástica (gesto), el entorno material, los efectos dinámicos y mecánicos constituyen un sistema de influencia desplegado sobre el espectador. Así es: no delante del espectador, no para el espectador, sino ante el espectador. Este matiz terminológico enfatiza el enfoque del espectáculo, cada uno de sus elementos, en la percepción y evaluación por parte de una colectividad que actúa activamente. El concepto de “despliegue hacia el espectador” permite identificar una cierta base para unificar los espectáculos según sus características más comunes y acercarse a la definición de las especificidades de diversos fenómenos de tipo espectacular. Finalmente, “centrado en el espectador” permite aclarar los conceptos de “espectáculo” y “entretenimiento”. El desarrollo de formas espectaculares del más amplio alcance permite utilizar el concepto de "entretenimiento" para referirse a un sistema de efectos y técnicas expresivo-dinámicos para involucrar al espectador en una acción con un resultado previamente calculado. Se puede suponer que al recurrir a involucrar por la fuerza al espectador en la acción, el director pretende aumentar el acervo de “sugestibilidad forzada” del espectáculo. Su creador, estimulando al espectador, da al espectáculo el impulso necesario para centrar la atención en lo que parece más importante y significativo. Estimular la atención del público es en sí mismo bastante aceptable. Pero esta función del espectáculo a veces se convierte en su contraria y, en lugar de involucrar al espectador, puede producirse una ruptura de las conexiones internas entre la acción y la experiencia estética.

Pasemos ahora a R. Demarcy. Lo que menos interesa a este investigador es la clasificación de las formas espectaculares y la definición de los límites del espectáculo. Incluyendo en el espectáculo todo lo que tiene que ver con la “comunicación audiovisual”, los “medios de ocio”, R. Demarcy se centra en el análisis de las más representativas de estas formas: el teatro y el cine, aunque también se ocupa de la escena, los espectáculos de variedades, operetas, espectáculos diversos, publicidad. R. Demarcy aborda lógicamente la identificación de un plano especial: la sociología del espectáculo. Pero cuando surge la necesidad de analizar diversas formas de espectáculo, retrocede, no viendo esto como un problema para la teoría del espectáculo. Como resultado, una de las principales cuestiones metodológicas de la sociología del espectáculo, relacionada con la tipología e interacción de las gafas, resulta no resuelta por él, y la unificación de varias formas espectaculares es mecánica.

En la historia de las teorías del espectáculo se conocen intentos de penetrar en los patrones de interacción entre el espectáculo y el público, utilizando la reconstrucción de las etapas históricas del funcionamiento del espectáculo. Volviendo al teatro del pasado, el destacado historiador soviético Robert Yuryevich Vipper, analiza esencialmente diversas formas de espectáculo, en las que la oposición característica de las formas teatrales posteriores aparece en su forma pura. Por eso, siempre tiene que utilizar las expresiones “espectáculo teatral”, “espectáculo”, lo cual es completamente natural, porque se trata de rituales, fiestas, representaciones masivas (por ejemplo, de torneos esquimales y saturnales romanas). Al enumerar las funciones sociales del teatro como competencia, “inducir horror”, despertar sentimientos, distracción, él, de hecho, se refiere a las funciones sociales del espectáculo.

Señalando la capacidad del espectáculo para provocar un elemento competitivo, R. Vipper sostiene que el teatro es capaz de eliminar todo tipo de conflictos y enfrentamientos en la vida real. Parece transferir los conflictos reales a una esfera ideal.

La segunda función del espectáculo teatral, según R. Vipper, es fortalecer la moralidad mediante la demostración de retribución a una persona que ha violado la ley. Aquí R. Vipper se refiere a la función educativa del espectáculo o la regulación del comportamiento social. En una sociedad donde no existe una autoridad pública fuerte, donde no se restringe la violencia, se necesitan uniones secretas especiales, por ejemplo, órdenes y logias caballerescas o masónicas, que en cierta medida sirvan como tribunal. Con la ayuda de la teatralización, tales órdenes pueden, durante un cierto período, mantener a los miembros de la sociedad en temor y obediencia. Con el tiempo, estas funciones pasan a ser espectáculos teatrales y dejan de ser un instrumento de castigo.

La tercera función del espectáculo según R. Vipper es la capacidad de promover lo que él llama “elevación de los sentimientos”: “...la magia dramática tiene un poder especial y contagioso si actúa inmediatamente sobre una masa de personas: el estado de uno se transmite a otro y el entusiasmo de los individuos aumenta mutuamente. En todas partes, entre los pueblos más incultos encontramos grandes danzas expresivas con pantomimas, que sirven para excitar fuertes sentimientos comunes”. El espectáculo puede servir no sólo como medio para resolver conflictos, sino también para "encender al público", es decir, provocar conflictos. Esta capacidad del teatro surge como consecuencia de su capacidad para excitar los sentidos.

Destacando la cuarta función, asociada con la necesidad de una persona de cambiar de humor, de reír y de descansar, que hoy se llama compensatoria, R. Wipper escribe: “Una persona no puede soportar un estado de ánimo continuamente doloroso o tímido. Hay un poder salvador dentro de nosotros que abre la posibilidad de una ruptura, una distracción. Entonces la persona se interrumpe abruptamente, como si se volviera hacia el enemigo que se sienta en su corazón y desgasta su vida. La mejor salida a este arrebato de alegría resulta ser el ridículo, una caricatura de la propia condición de la que quiere deshacerse. Para librarse de la opresión moral, la persona se ríe de sí misma”. Como ejemplo de autoparodia, R. Vipper cita la costumbre de la iglesia medieval, cuando después del servicio, aparecían bufones en el templo y parodiaban el servicio.

Así, volviendo a los orígenes del teatro, a las formas iniciales del espectáculo, R. Wipper encuentra que cada una de las principales funciones sociales está asociada a “fuertes y agudas necesidades humanas”.

Prestemos atención a la función competitiva del espectáculo destacada por R. Vipper: un aspecto importante de cualquier comunicación espectacular. En la antigüedad, el espectáculo no se percibía fuera de esta competición. Además, no tuvo la emancipación de otros fenómenos sociales que tiene hoy. Se sabe que el teatro, por ejemplo, existía como parte de un elemento espectacular, una fiesta nacional, en cuyo marco se percibía. La esencia del espectáculo consistía en varios tipos de competiciones, incluidos los deportes (por ejemplo, en carros emparejados, carrera, lanzamiento de disco y jabalina, lucha libre, pelea con puños). La representación teatral fue también una manifestación, aunque especial, de un escenario, pero no deja de ser una competición.

EN desarrollo moderno En los espectáculos observamos una tendencia a fortalecer sus conexiones con el espectador, lo que presupone su complicidad creativa. Tal dependencia es un requisito previo y una condición para la existencia y desarrollo de las gafas, lo que determina en gran medida su papel en el desarrollo armonioso del individuo, en la formación de sus habilidades creativas.

Como ha demostrado el análisis de la historiografía, los investigadores fundamentan de diferentes formas las razones del surgimiento del espectáculo como fenómeno cultural. Muchos siguen un enfoque simplificado en el análisis de los aspectos culturales de los espectáculos, creyendo que los espectáculos como fenómeno cultural eran una consecuencia del deseo de las personas de relajarse después de intensas jornadas de trabajo, una especie de protección contra el cansancio físico y moral. Sólo podemos estar parcialmente de acuerdo con esta afirmación.