Ejemplos de paisaje en obras musicales. Obras musicales sobre la naturaleza: una selección de buena música con una historia sobre ella

Paisaje musical.

Lección integrada de música y artes visuales 6to grado.

Pshenichnaya Tatyana Nikolaevna
profesor de arte,
y dibujando,

Trifonova Irina Anatolevna,

profesor de música
Institución Estatal "Escuela Secundaria No. 1"
Región de Akmola, Kokshetau

Objetivo: Formar en los estudiantes la conciencia de la relación entre las artes musicales y visuales.

Tareas:

educativo: desarrollar habilidades de percepción consciente del arte;

consolidar conocimientos sobre los medios de la música y las bellas artes;

educativo: cultivar el amor por el arte y la creatividad;

desarrollando: desarrollar la visión “interna”, la imaginación y el pensamiento artístico; animar a los niños a expresarse creativamente al representar la naturaleza;

desarrollo de las habilidades artísticas y creativas, la fantasía y la imaginación de los estudiantes;

Tipo: lección integrada.

Vista: lección combinada.

Forma de trabajo: frontal, individual.

Métodos: explicativo e ilustrativo (conversación, instrucción), en parte búsqueda, demostración, reproductivo.

Conexión intersujetos: música, artes visuales.

Equipamiento y visibilidad: equipo multimedia (ordenador, pizarra/pantalla interactiva, proyector) resumen electrónico de la lección “Paisaje musical”.

Herramientas y materiales: para el profesor: proyector, centro de música; para estudiantes: gouache, cuaderno de bocetos, pinceles, paleta, lápiz, borrador, acuarela, vasito con sorbete, pinceles, servilleta.

Trabajo preliminar: procesar y agregar material a la lección; selección de material ilustrativo; desarrollo y diseño de una presentación electrónica para la lección; Desarrollo de tarjetas para entrenar la memoria visual.

Serie de sonido: PI. Tchaikovsky "Diciembre", pieza "Navidad" para piano del álbum "Seasons". A. Vivaldi “Invierno” del ciclo “Las Estaciones”. Canción de V. Udartsev “La lluvia es un artista”. Canción "Himno a la Música".

Alcance visual: A. Savrasov “Paisaje de invierno”. Y Vasnetsov "Mañana de invierno". Muestras de dibujos de estudiantes.

Resultado Esperado: los estudiantes se dan cuenta de la relación entre las artes musicales y visuales.

Estructura de la lección: 1. Etapa organizativa. 2. Conversación introductoria. 3. Interpretar una canción. 4. Conversación. 5. Trabajo en grupo. 6. Hacer trabajo creativo. 7. Revisión y análisis del trabajo de los estudiantes. 8. Resumiendo la lección. 9. Instrucción sobre cómo completar la tarea.

Durante las clases:

1. Organizar el tiempo. Saludos. Comprobando la preparación para la lección.

2. Profesor de música: Hoy tenemos una lección inusual. Hoy en clase hablaremos de pinturas musicales Ah, fotos de la naturaleza. Por eso el tema de nuestra lección se llama “Paisaje musical”.

(Diapositiva. Declaración en la pizarra interactiva)

Profesor de arte:

El hombre está indisolublemente ligado a la naturaleza, es parte de ella. Y el disfrute de la naturaleza, el deseo de encontrar en ella consonancia con los propios sentimientos, con los propios ideales, siempre ha sido una fuente de creatividad para escritores, artistas y compositores. El proceso creativo es el mismo a la hora de crear una imagen pictórica, musical o literaria. Una imagen artística se crea sólo cuando un objeto real tiene un impacto emocional en el artista, cuando el creador activa su "audición interior" e intenta transferir sus sensaciones internas y su valoración emocional al lenguaje de colores, sonidos y palabras. V. Okudzhava expresó de manera muy sucinta la esencia del proceso creativo.

Profesor de música: Cada uno escribe lo que escucha.
Todos pueden oírlo respirar.
Mientras respira, así escribe,
Sin intentar complacer...

Profesor de arte: Te diré un acertijo y podrás adivinarlo.

yo tengo un lapiz

gouache multicolor,

Acuarela, paleta, pincel.

Y una hoja de papel gruesa

Y también un caballete trípode,

Porque soy...un artista

Profesor de música: Chicos, tenemos una canción en nuestro repertorio: "Rain is an Artist". Cantemos.

3. Interpretación de la canción:“La lluvia es un artista” de V. Udartsev con toda la clase.

4. Conversación.

Profesor de arte:¿En qué género se representa la lluvia?

Por supuesto, la lluvia se representa con mayor frecuencia en los paisajes.

Recordemos ¿qué es un paisaje?

De hecho, el paisaje (del francés Paysage, de pays - país, área) es un género de bellas artes (así como obras individuales este género), en el que el tema principal de la imagen es la naturaleza prístina, o la naturaleza transformada en un grado u otro por el hombre.

(Seleccione un paisaje de las reproducciones en la diapositiva).

Ahora veamos las obras de paisajistas famosos.

(Hay diapositivas con paisajes de artistas famosos).

La naturaleza es siempre un misterio para nosotros. Cuanto más misterioso es un fenómeno natural, más atención atrae y te hace pensar. Uno de estos fenómenos misteriosos es el cambio de estaciones.

Profesor de música: En música, muchos compositores han abordado el tema de “Las Estaciones”. Tan famoso compositor italiano y el violinista Antonio Vivaldi (retrato del compositor), compuso el famoso ciclo “Las Estaciones”, compuesto por cuatro conciertos “Invierno”, “Primavera”, “Verano” y “Otoño”.

Piotr Ilich Tchaikovsky – compositor ruso (retrato del compositor en la pizarra) también compuesto ciclo de piano"Seasons", que incluía 12 pequeñas obras, y cada obra tiene su propio nombre del compositor.

1) ¿Qué compositor austriaco, a quien conocimos recientemente en clase, tiene una obra con el mismo nombre “Seasons”?

Joseph Haydn, compositor austriaco.

Ahora escucharemos extractos de las obras de Antonio Vivaldi y Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Escuche atentamente la música y responda la pregunta:

2) ¿Qué época del año representaron los compositores en sus obras? (Se reproducen extractos de las obras de los compositores).

Así es, el concierto “Invierno” del ciclo “Las Estaciones” de Antonio Vivaldi fue interpretado por una orquesta de cuerdas y la pieza de diciembre llamada “Navidad” del ciclo “Las Estaciones” de P. I. Tchaikovsky.

3) ¿Qué instrumento se interpretó en el concierto?

Piano.

4) ¿Qué son las Navidades? (Uno de los estudiantes de la clase está preparando información sobre Christmastide).

Alumno: La Navidad es el período de doce días entre la Fiesta de la Natividad de Cristo y la Fiesta de la Epifanía. Antes hoy Se han conservado muchas tradiciones de celebraciones alegres: villancicos, juegos, visitas. (Diapositiva navideña)

5) ¿Cómo caracterizarías estas dos piezas musicales dedicadas al invierno? Piensa en el hecho de que el invierno puede ser diferente.

6) ¿Qué tipo de invierno era en la música de Antonio Vivaldi? Descríbalo con adjetivos, pero ¿qué pasa con P.I.

7) ¿Notaste que en la obra “Navidad” sonaba el ritmo de qué baile?

Profesor de arte: Diganme chicos, ¿es posible ver la música? ¿Qué imágenes viste mientras escuchabas música? (Los niños responden: invierno, nieve, ventisca, viento, etc.)

5. Trabajo en grupo.

Profesor de música:1 tarea: “Preguntas y respuestas” sobre música y bellas artes por parte de profesores. 2 preguntas para el equipo.

Profesor de arte:¿En los manuscritos de qué artista del Renacimiento se encontraron diseños para un helicóptero, un paracaídas y un submarino? (Leonardo da Vinci)

Profesor de música:¿Compositor ruso que compuso los ballets “El Cascanueces”, “La Bella Durmiente”, “El Lago de los Cisnes”? (Chaikovski).

Profesor de arte:¿Cómo se llama el género de bellas artes cuando los artistas dibujan animales ( genero animal)

Profesor de música:¿Una actuación musical en la que los personajes cantan? (Ópera).

Profesor de arte: La teoría es que una mezcla de rojo, verde y colores azules será negro, pero los tintes reales absorben y reflejan la luz de manera diferente. ¿Qué color obtendrás en la práctica? (Gris)

Profesor de música: Este compositor austriaco es llamado el “Rey del Vals”, ¿quién es? (Strauss)

2 tarea "Esto es interesante" (los estudiantes cuentan preparados previamente Datos interesantes del mundo de la música y las bellas artes)

Alumno: El Conservatorio de Milán lleva el nombre de Giuseppe Verdi, aunque en 1833 se negó a matricularlo. Al joven Verdi le dijeron que tenía 4 años más que la edad habitual de admisión, que no era ciudadano del Reino Lombardo-Veneciano y que estaba privado de Talento musical.

Alumno: El maestro belga Adolphe Sax, que inventó el saxofón, inicialmente lo llamó de otra manera: boquilla oficleide. Sólo dos años más tarde, su amigo el compositor Berlioz llamó saxofón al nuevo instrumento en un artículo de una revista, y este nombre se quedó mucho más fácilmente.

Alumno: Pablo Picasso es considerado el artista más famoso del mundo. Sus pinturas son de enorme valor, pero en sus primeros años en París, Picasso era tan pobre que a veces se veía obligado a quemar sus pinturas en lugar de leña. El nombre completo de Picasso consta de 23 palabras: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso.

Alumno: Leonardo da Vinci podía dibujar con una mano y escribir con la otra al mismo tiempo. Leonardo da Vinci era un vegetariano estricto y nunca bebía leche de vaca, ya que lo consideraba un robo. También era un activista por los derechos de los animales que compraba pájaros enjaulados sólo para liberarlos en la naturaleza.

6. Hacer trabajo creativo.

Tarea 3:"Dibujamos, representamos". Dibujar un paisaje invernal mediante la técnica del spray.

7. Revisión y análisis del trabajo de los estudiantes.

Profesor de música: Chicos, ¿saben que muchos obras clasicas sonido en el procesamiento moderno. Nos gustaría presentarles un vídeo muy bonito.

Tal vez reconozcas la música familiar que ahora se reproducirá en este video.

(Se muestra un vídeo en la pizarra).

Presta atención al hermoso paisaje invernal que rodea a los músicos.

Entonces, ¿qué música familiar escuchaste en este video? (Frío de corazón)

Hay una discusión sobre el video.

8. Resumen de la lección.

Profesor de música: Chicos, ¿qué fue interesante y atractivo de este tema?

Profesor de arte:¿Qué nuevo aprendiste? ¿Sobre qué te gustaría saber más? (Los estudiantes expresan sus propias opiniones sobre el tema en estudio y comparten sus impresiones).

9. Instrucción sobre cómo completar la tarea. Dibuja un paisaje musical.

Me gustaría terminar nuestra lección con una maravillosa canción positiva "Himno a la música". (interpretación de la canción: “Himno a la música” por toda la clase).

Gracias por el trabajo. La lección ha terminado.

Al escuchar las obras instrumentales de los compositores europeos modernos, a veces casi se sienten visualmente las imágenes de la naturaleza capturadas en ellas.

Esto, por supuesto, demuestra el increíble talento del autor musical. Pero al mismo tiempo, esto es resultado de la enorme evolución que ha experimentado la música instrumental europea a lo largo de tres siglos. A menudo, la imagen del paisaje en la música se basa en el diseño sonoro.

La grabación de sonido está asociada con la imitación. diferentes sonidos– canto de pájaros (“Sinfonía pastoral” de Beethoven, “La doncella de las nieves” de Rimsky-Korsakov), truenos (“Sinfonía fantástica” de Berlioz), repique de campanas (“Boris Godunov” de Mussorgsky). Y también existe una conexión asociativa entre la música y todo tipo de fenómenos de la naturaleza. Por ejemplo, un oyente ilustrado no necesita explicar que en el cuadro sinfónico de Mussorgsky “Amanecer en el río Moscú” sale el sol, y en suite sinfónica Fragmentos completos de "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov están dedicados a la imagen del mar.

Es más difícil percibir una imagen cuando el autor se fija un objetivo más abstracto. Entonces los títulos o las observaciones verbales de los autores actúan como guía en el círculo de asociaciones. Por ejemplo, Liszt tiene estudios llamados “Evening Harmonies” y “Blizzard”, y Debussy tiene obras de teatro “Moonlight” y “The Hills of Anacapri”.

El arte musical siempre ha operado con medios expresivos propios de su época. Imágenes del mundo circundante que parecieron representantes. varios estilos digno objeto de arte, fueron elegidos en función de los gustos artísticos de su época. Pero a veces representantes de varios estilos musicales, aun siendo contemporáneos, adoptaron posiciones irreconciliables. No es necesario buscar muy lejos para encontrar ejemplos. Se sabe que los representantes del clasicismo condenaron al gran Handel por su excesiva franqueza y rudeza. La destacada escritora francesa Madame de Staël (1776-1817) escribió que en su oratorio “La creación del mundo”, él, representando luz brillante, golpeó los oídos de los oyentes con tanta violencia que los callaron. Con no menos dureza, Piotr Ilich Chaikovski, reprendiendo a sus alumnos en la clase de composición, declaró: “¿Habéis vuelto a traer a mi lección todo tipo de Ravel?”...

época barroca

Desde finales del siglo XVI hasta principios del XVIII, una de las corrientes dominantes en el arte europeo fue el estilo barroco. Durante este período, la idea de la unidad, la inmensidad y la diversidad del mundo madura en la sociedad y se forma el interés por los elementos naturales que rodean al hombre. La música buscaba crear un “lenguaje universal” que cerrara la brecha entre las imágenes del mundo y el arte. En la estética musical de la época, su lenguaje se llevó a conceptos de color y sonido tan específicos que aparecieron recomendaciones asignando un color específico a cada intervalo. Categorías como luz y oscuridad, movimiento y reposo pasan a ser propiedad del arte instrumental y vocal. Uno de los más obras maestras famosas La música barroca puede considerarse un ciclo de 4 conciertos instrumentales"Las Estaciones" de Antonio Vivaldi (1678-1741). El autor aparece aquí no sólo como un gran imitador de los fenómenos naturales (en el concierto "Verano" hay una imagen de una tormenta), sino que también demuestra al mundo su percepción lírica de la naturaleza.

Clasicismo perfecto

Paralelamente al Barroco, durante el mismo período se generalizó el clasicismo, que se basa en la creencia en la racionalidad de la existencia, en la presencia de un orden único y universal que gobierna el curso de las cosas en la naturaleza y en la vida. La estética del clasicismo es estrictamente normativa. Su regla más importante es el equilibrio entre belleza y verdad, claridad lógica de diseño, armonía e integridad de la composición. Una serie de reglas, como la unidad de tiempo, lugar y acción en la literatura dramática, una regulación estricta de la combinación de colores en las pinturas destinadas a representar la perspectiva (marrón para el primer plano, verde para el medio y azul para el lejano), también afectado arte musical. Sus reglas en el campo de la composición, la armonía, la relación entre melodía y acompañamiento son afines a las establecidas en la pintura. Además, para la música, como para otros géneros artísticos, existía un estándar único: “un sueño materializado de impecable perfección geométrica”. Dado que el tema principal del arte de este período son los conflictos de la vida del héroe, el papel del paisaje es más que modesto. Sin embargo, grandes panteístas como Jose Haydn(1732-1809), supieron representar perfectamente amaneceres y atardeceres en este estilo: las imágenes de los movimientos lentos de sus sonatas y sinfonías sumergen al oyente en una atmósfera de contemplación espiritual, donde cada frase es un ejemplo de tal perfección, que es característico de la composición en su conjunto. El pináculo del clasicismo en la representación de la naturaleza, su reconocida obra maestra, es la “Sinfonía Pastoral” de Beethoven (1770-1827).

Impresionismo fascinante

En la segunda mitad del siglo XIX, la sociedad se desarrolló Un nuevo look al mundo. Los logros de la ciencia y la filosofía han trastornado la idea de la relación entre el hombre y la naturaleza: comenzó a ser percibida como un objeto en el que no hay nada congelado y eterno. Algunos artistas han llegado a la conclusión de que el sistema de medios expresivos desarrollado durante siglos no es adecuado para reflejar nuevas imágenes. En la música se produjo una renovación de todos los medios de expresión. El nuevo estilo de pintura y música se llamó "impresionismo". Los creadores de su "diccionario" musical fueron los compositores de la nueva escuela francesa: Claude Debussy (1862-1918) y Maurice Ravel (1875-1937). Son bien conocidas las declaraciones de C. Debussy, que caracterizan los momentos fundamentales de su cosmovisión: “Hice de la naturaleza misteriosa una religión... Sólo los músicos tienen el privilegio de abrazar la poesía del día y la noche, de la tierra y del cielo, recreando la atmósfera y ritmo del majestuoso asombro de la naturaleza”. Su pieza orquestal " Descanso por la tarde Fauno" se convierte en una especie de manifiesto de una nueva dirección. Mucha gente pertenece a la misma dirección. piezas para piano Ravel, incluido "El juego del agua". Es en la obra de Ravel donde el piano se convierte en un instrumento “que está sujeto a imágenes de mariposas en la oscuridad de la noche, al canto de los pájaros en el bochornoso estupor de un día de verano, a las ilimitadas olas del océano, al cielo antes del amanecer en donde flotan los sonidos de las campanas” (como escribe el destacado pianista del siglo XX Jourdan-Moran sobre su ciclo de obras titulado “Espejos”).

El impresionismo abrió un nuevo concepto en la relación entre el artista y el mundo que lo rodea. El arte, que existió bajo la bandera del Barroco, el clasicismo y el romanticismo, colocó al hombre en el centro del universo, considerándolo como el principal valor del Universo. La cosmovisión impresionista proviene de la relación opuesta: para él, un mundo enorme y deslumbrante y la dinámica de su existencia son objeto principal arte, y el hombre con su inestabilidad emocional es un átomo perdido en el eterno remolino de la naturaleza.

Esta visión "sobrehumana" llevó al hecho de que el impresionismo mismo se convirtió en un "momento feliz" en la historia de la música. Las guerras mundiales del siglo XX volvieron a hacer de la figura del sufrimiento la figura central del arte, lo que llevó a los artistas que vivieron tragedias nacionales a abordar los problemas del bien y del mal. Y las imágenes de la naturaleza en la música volvieron a pasar a un segundo plano.

Sin embargo, en el cine, que se convirtió en una de las formas de arte más populares del siglo XX, las imágenes sonoras del mundo circundante se convierten en los elementos expresivos más importantes de la película. Y los bocetos de películas musicales más llamativos cobran vida propia: se interpretan en conciertos como obras orquestales independientes. ¿Y cómo no recordar en este contexto los nombres de compositores tan originales y talentosos como Mikael Tariverdiev y Ennio Morricone?

Romanticismo y panmusicalidad

Los orígenes de la nueva actitud hacia la naturaleza, formada en principios del XIX siglos, es costumbre encontrar en la creatividad filósofo francés Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Su actitud emocional intensamente personal y exagerada hacia la naturaleza fue retomada por los románticos. Esta es una cosmovisión basada en el paralelo psicológico entre las experiencias del individuo y el estado. ambiente, se refleja en su trabajo. Los artistas perciben la naturaleza salvaje intacta como un espejo del alma humana. La descripción de los fenómenos naturales está psicologizada y sirve como un excelente telón de fondo para resaltar las experiencias de un héroe orgulloso e independiente. Los ejemplos más claros de romanticismo musical se pueden encontrar en la obra para piano de Liszt (1811-1886) y en las obras sinfónicas de Berlioz (1803-1869).

La visión romántica de la relación entre naturaleza y arte alcanzó una especie de apogeo en la idea romántica de “panmusicalidad”. Los partidarios de este movimiento creían que la música no sólo contiene la esencia del mundo, sino que también reside en la esencia del mundo. Esta visión se refleja muy bien en las líneas de Byron (1788-1824):

Se escucha la armonía en la corriente de plata,

Se oye armonía en el remanso con los juncos,

Hay armonía en todo, escucha, está en todas partes,

Y la vieja tierra está llena de la consonancia de las esferas.

En suelo ruso, uno de los que logró transmitir brillantemente imágenes de la naturaleza de manera romántica fue Rimsky-Korsakov (1844-1908). Sus bocetos sinfónicos del mar sólo tienen un impacto similar al de las magníficas pinturas de Aivazovsky (1817-1900).

Durante el mismo período en Rusia, sobre la base del romanticismo ruso, la estrella de lo inmortal genio musical– Alexandra Scriabin (1871-1915). La premonición de los cataclismos mundiales lo llevó no solo a una percepción poética, sino también simbólica de la imagen del fuego. En el último período de la creatividad, la llama se convirtió no solo en el principal artísticamente sus numerosos poemas para piano, pero también el lienzo sinfónico “Prometeo”. Además, esta es la primera pieza musical en la que se introduce una línea que refleja los deseos del autor en el campo de los efectos de iluminación. Las obras de Scriabin, impregnadas de patetismo extremo y colores abrasadores, acercan su obra a la dirección artística más importante del siglo XX: el expresionismo.

Música y naturaleza

“En el lenguaje musical, pintar significa despertar con sonidos ciertos recuerdos en nuestro corazón y ciertas imágenes en nuestra mente” (O. Balzac).

Es difícil nombrar un compositor que no refleje en su música su admiración por las imágenes de la naturaleza. El sonido de la lluvia, el canto de los pájaros, los colores brillantes bajo el sol. propulsores de agua... Todos estos sonidos de la naturaleza inspiraron a los compositores a crear obras musicales.

Escucha, la música está por todas partes...

Está en todo: en la naturaleza misma.

Y por innumerables melodías

Ella misma da origen al sonido.

A ella le sirve el viento, el chapoteo de las olas,

El sonido del trueno, el sonido del goteo,

Trinos incesantes de los pájaros

Entre el silencio verde.

Y late el pájaro carpintero y silba el tren,

Apenas audible en medio de la somnolencia,

Y el aguacero - una canción sin letra

Todo en una nota alegre...

(M.Evensen)

La música a menudo evoca en nuestra imaginación. diferentes pinturas naturaleza. La naturaleza y el arte son inseparables el uno del otro, porque la naturaleza entra en la vida de cada persona desde la infancia y para siempre.

Si, mientras leemos libros, miramos cuadros, escuchamos música, prestamos atención a todo lo relacionado con la naturaleza, podemos incluso sorprendernos de con qué frecuencia y profundidad la naturaleza penetra en el arte, cuán estrechamente están conectados entre sí y con un amigo. Es por eso que para cualquier persona el amor por el arte y el amor por la naturaleza son sentimientos muy cercanos y relacionados.

El hombre está indisolublemente ligado a la naturaleza, es parte de ella. Y el disfrute de la naturaleza, el deseo de encontrar en ella consonancia con los propios sentimientos, con los propios ideales, siempre ha sido una fuente de creatividad para escritores, compositores y artistas.

Músicos, artistas y poetas siempre se han esforzado por transmitir la asombrosa belleza del mundo en sus obras. En los lienzos de los artistas, la naturaleza nunca parece muerta y silenciosa. Al contemplar el pintoresco paisaje, seguramente escucharemos sonidos inspirados en la naturaleza viva.

Los fenómenos naturales y los bocetos musicales de la flora y la fauna aparecen en obras instrumentales y para piano, obras vocales y corales y, a veces, incluso en forma de ciclos de programas.

Imágenes del cambio de estaciones, el susurro de las hojas, los cantos de los pájaros, el chapoteo de las olas, el murmullo de un arroyo, los truenos: todo esto se puede transmitir a través de la música. Muchos compositores famosos supieron hacerlo de manera brillante: sus obras musicales sobre la naturaleza se convirtieron en clásicos del paisaje musical.

¡Qué océano de sonidos nos rodea! El canto de los pájaros y el susurro de los árboles, el sonido del viento y el susurro de la lluvia, el estruendo de los truenos, el rugido de las olas. Escuche música en la naturaleza, escuche la música de la lluvia, el viento, el susurro de las hojas, las olas del mar, determine si es fuerte, rápida o apenas audible, si fluye.

La música puede representar todos estos fenómenos sonoros de la naturaleza y nosotros, los oyentes, podemos imaginarlos. ¿Cómo “representa la música los sonidos de la naturaleza”?

Los compositores utilizan sus propios medios musicales de expresión, que ayudan a representar vívidamente una imagen o acción. Se comparan con las pinturas de los artistas. "Colores de la música" es

melodía (pensamiento musical),

tempo (velocidad del sonido),

modo (mayor, menor, pentatónico, etc. - el estado de ánimo de la música)

tono (registro),

dinámica (volumen del sonido),

ritmo (alternando diferentes duraciones),

armonía (secuencia de acordes).

Si los compositores tienen sus propios colores musicales, entonces sus obras pueden llamarse pinturas musicales. ¿Qué es un cuadro musical? Una imagen musical es una obra que transmite de manera muy clara y sencilla la impresión que tiene el compositor de imágenes de la naturaleza, eventos y fenómenos.

La música pictórica es colorida, brillante, rica, rica en voces musicales: timbres, musica expresiva. Escuchándolo, es fácil imaginar una imagen determinada. Este música visual, donde la asombrosa belleza del mundo se transmite a través de medios de expresión musical.

En las bellas artes existe un género de pintura que representa imágenes de la naturaleza: el paisaje. La música también tiene paisajes que observaremos. Un paisaje musical es un “paisaje anímico” en el que la expresividad de las entonaciones se fusiona con los detalles visuales. lenguaje musical. La armonía y los timbres de los instrumentos musicales juegan un papel visual importante en la música.

Beethoven creó una de las pinturas musicales más brillantes y majestuosas. En el cuarto movimiento de su sinfonía (“Pastoral”), el compositor “pintó” con sonidos el cuadro de una tormenta de verano. (Esta parte se llama “Tormenta”). Al escuchar los poderosos sonidos de un aguacero cada vez más intenso, los frecuentes truenos y el aullido del viento representado en la música, imaginamos una tormenta de verano.

El compositor ruso A.K. utiliza magistralmente la orquesta para crear un paisaje misterioso. Liadov. Lyadov escribió: "Dame un cuento de hadas, un dragón, una sirena, un duende, dame lo que no tienes, sólo así seré feliz". El compositor precedió su cuento musical “Kikimora” con texto literario, tomado de cuentos populares. “Kikimora vive y crece con un mago en las montañas de piedra. Desde la mañana hasta la noche, Kikimora se entretiene con el gato Bayun, que le cuenta historias del extranjero. Desde la tarde hasta el día, mecen a Kikimora en una cuna de cristal. Kikimora crece. Mantiene el mal en mente para toda la gente honesta”. Cuando lees estas líneas, tu imaginación comienza a imaginar el paisaje sombrío "en el lugar del mago en las montañas de piedra", el gato peludo Bayun y el parpadeo de la "cuna de cristal" a la luz de la luna.

El compositor utiliza el registro bajo de instrumentos de viento y violonchelos con contrabajos para representar montañas de piedra ahogadas en la oscuridad de la noche, y el sonido alto, claro y transparente de flautas y violines para representar una “cuna de cristal” y el centelleo de las estrellas nocturnas. . Fabulidad reino lejano Representado con violonchelo y contrabajo, el alarmante rugido de los timbales crea una atmósfera de misterio que conduce a un país misterioso. De repente, el tema breve, venenoso y cáustico de Kikimora irrumpe en esta música. Luego, en un registro alto y transparente, aparecen sonidos mágicos y celestiales de celesta y flauta, como el repique de una “cuna de cristal”. Parece resaltarse toda la sonoridad de la orquesta. La música parece elevarnos de la oscuridad de las montañas de piedra al cielo transparente con el frío y misterioso centelleo de las estrellas lejanas.

El paisaje musical de “Magic Lake” parece una acuarela. Las mismas pinturas transparentes claras. La música respira paz y tranquilidad. Lyadov dijo sobre el paisaje representado en la obra: “Así fue con el lago. Sabía algo así: bueno, simple, bosque. lago ruso y en su invisibilidad y silencio es especialmente bello. ¡Había que sentir cuántas vidas y cuántos cambios de colores, luces y sombras y aire se producían en el silencio en constante cambio y en la aparente quietud! Y en la música se puede escuchar el sonido del silencio del bosque y el chapoteo de un lago escondido.

Imaginación creativa El compositor Rimsky-Korsakov se despertó con “El cuento del zar Saltan” de Pushkin. Contiene episodios tan extraordinarios que "no se pueden contar en un cuento de hadas, ¡no se pueden describir con un bolígrafo!". Y sólo la música pudo recrear el maravilloso mundo. El cuento de hadas de Pushkin.. El compositor describió estos milagros en las imágenes sonoras de la película sinfónica “Tres Milagros”. Imaginaremos vívidamente la mágica ciudad de Ledenets con torres y jardines, y en ella, la Ardilla, que "muerde una nuez dorada delante de todos", la hermosa Princesa Cisne y héroes poderosos. Es como si realmente oyéramos y viéramos frente a nosotros una imagen del mar: tranquilo y tormentoso, azul brillante y gris sombrío. Es necesario prestar atención a la definición del autor: "imagen". Está tomado de las bellas artes: la pintura.

Imitar los sonidos y voces de la naturaleza es la técnica de visualización más común en la música. Una de las técnicas favoritas es imitar las voces de los pájaros. Escuchamos al ingenioso "trío" del ruiseñor, el cuco y la codorniz en "Escena junto al arroyo", dos partes de la Sinfonía pastoral de Beethoven. Las voces de los pájaros se escuchan en las piezas para clavecín "Roll Call of Birds", "Cuckoo", en la pieza para piano "The Lark's Song" del ciclo "The Seasons" de P. I. Tchaikovsky, en el prólogo de la ópera "The Snow Maiden" de Rimsky-Korsakov. y en muchas otras obras.

Existe otra técnica para representar no sonidos, sino movimientos de personas, pájaros y animales. Dibujando un pájaro, un gato, un pato y otros personajes musicales, S.S. Prokofiev (“Pedro y el lobo”) los representó movimientos característicos, hábitos y tanta habilidad que puedes imaginar personalmente a cada uno de ellos en movimiento: un pájaro volador, un gato furtivo, un lobo saltando. Aquí los principales medios visuales fueron el ritmo y el tempo.

Después de todo, los movimientos de cualquier ser vivo ocurren con un cierto ritmo y tempo, y pueden reflejarse con mucha precisión en la música. Además, la naturaleza de los movimientos puede ser diferente: suave, voladora, deslizante o, por el contrario, brusca, torpe. El lenguaje musical también responde sensiblemente a esto.

La representación de la naturaleza en el arte nunca ha sido una simple copia. No importa lo bellos que sean los bosques y los prados, no importa cómo los elementos del mar atraen a los artistas, no importa cuánto encantan el alma. noche de luna– todas estas imágenes, capturadas en lienzo, poesía o sonidos, evocaban sentimientos, experiencias y estados de ánimo complejos. La naturaleza en el arte está espiritualizada, es triste o alegre, pensativa o majestuosa, así es como la ve una persona.

Paisaje en música instrumental

Al escuchar las obras instrumentales de los compositores europeos modernos, a veces casi se sienten visualmente las imágenes de la naturaleza capturadas en ellas. Esto, por supuesto, demuestra el increíble talento del autor musical. A menudo, la imagen del paisaje en la música se basa en el diseño sonoro. La grabación de sonido está asociada con la imitación de varios sonidos: el canto de los pájaros ("Sinfonía pastoral" de Beethoven, "La doncella de las nieves" de Rimsky-Korsakov),

truenos (“Sinfonía fantástica” de Berlioz), repique de campanas (“Boris Godunov” de Mussorgsky). Y también existe una conexión asociativa entre la música y todo tipo de fenómenos de la naturaleza. Por ejemplo, un oyente ilustrado no necesita explicar que en el cuadro sinfónico de Mussorgsky

"Amanecer en el río Moscú" representa la salida del sol, y en la suite sinfónica "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov se dedican fragmentos enteros a la imagen del mar.

Es más difícil percibir una imagen cuando el autor se fija un objetivo más abstracto. Entonces los títulos o las observaciones verbales de los autores actúan como guía en el círculo de asociaciones. Por ejemplo, Liszt tiene estudios llamados “Evening Harmonies” y “Blizzard”, y Debussy tiene obras de teatro “Moonlight” y “The Hills of Anacapri”.

El arte musical siempre ha operado con medios expresivos propios de su época. Las imágenes del mundo circundante, que a los representantes de varios estilos les parecían un digno objeto de arte, fueron elegidas en función de los gustos artísticos de su época.

Una de las obras maestras más famosas de la música barroca puede considerarse el ciclo de 4 conciertos instrumentales “Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi (1678-1741). El autor aparece aquí no sólo como un gran imitador de los fenómenos naturales (en el concierto "Verano" hay una imagen de una tormenta), sino que también demuestra al mundo su percepción lírica de la naturaleza.

En la era del clasicismo, el papel del paisaje era más que modesto. Sin embargo, grandes panteístas como Joseph Haydn (1732-1809) supieron representar perfectamente amaneceres y atardeceres en este estilo: las imágenes de los movimientos lentos de sus sonatas y sinfonías sumergen al oyente en una atmósfera de contemplación espiritual. El pináculo del clasicismo en la representación de la naturaleza, su reconocida obra maestra, es la “Sinfonía Pastoral” de Beethoven (1770-1827).

Los románticos fueron los primeros en establecer paralelismos entre las experiencias personales y el estado del medio ambiente. La imagen de los fenómenos naturales sirve como un magnífico telón de fondo en el que se destacan las experiencias de un héroe orgulloso e independiente. Los ejemplos más evidentes de romanticismo musical se pueden encontrar en la obra para piano de Liszt y en las obras sinfónicas de Berlioz. En suelo ruso, uno de los que logró transmitir brillantemente imágenes de la naturaleza de manera romántica fue Rimsky-Korsakov. Sus bocetos sinfónicos del mar sólo tienen un impacto similar al de las magníficas pinturas de Aivazovsky.

En la segunda mitad del siglo XIX apareció un nuevo estilo pintura y música - “impresionismo”. Los creadores de su "diccionario" musical fueron los compositores de la nueva escuela francesa: Claude Debussy (1862-1918) y Maurice Ravel (1875-1937). Son bien conocidas las declaraciones de C. Debussy, que caracterizan los puntos principales de su cosmovisión: “Hice de la naturaleza misteriosa una religión... Sólo los músicos tienen el privilegio de abrazar la poesía del día y la noche, de la tierra y el cielo, recreando la atmósfera y ritmo del majestuoso asombro de la naturaleza”.

Muchas de las piezas para piano de Ravel, incluida "El juego del agua", también pertenecen a esta dirección. Es en la obra de Ravel donde el piano se convierte en un instrumento “que está sujeto a imágenes de mariposas en la oscuridad de la noche, al canto de los pájaros en el bochornoso estupor de un día de verano, a las ilimitadas olas del océano, al cielo antes del amanecer en donde flotan los sonidos de las campanas” (como escribe el destacado pianista del siglo XX Jourdan-Moran sobre su ciclo de obras titulado “Espejos”).

Música y pintura

Los ejemplos de la relación entre sonido y color son numerosos tanto en la música como en la pintura. Así, V. Kandinsky (1866-1944) correlacionó tal o cual timbre musical con un determinado color, y el famoso pintor M. Saryan (1880-1972) escribió: “Si dibujas una línea, entonces debería sonar como la cuerda de un violín. : o triste, o alegremente. Y si no suena, es una fecha límite. Y el color es el mismo y todo en el arte es igual”.

Los destacados compositores rusos N. Rimsky-Korsakov y A. Scriabin también poseían el llamado “audito cromático”. Cada tonalidad les parecía pintada de un color determinado y, en este sentido, tenía uno u otro sabor emocional. La “audición colorida” también es inherente a las individualidades creativas de muchos compositores modernos. Por ejemplo, E. Denisov (1929-1996): algunas de sus obras están inspiradas en el juego de colores, el juego de luces en el aire y en el agua.

Los paralelismos entre obras musicales y pinturas son especialmente claros en el arte francés y ruso. Los historiadores del arte están estudiando de cerca la relación entre la pintura rococó y las obras de los clavicinistas del siglo XVIII, entre las imágenes románticas de E. Delacroix y G. Berlioz, entre las pinturas de los impresionistas y las obras de C. Debussy. En suelo ruso, enfatizan regularmente los paralelismos entre las pinturas de V. Surikov y los dramas populares de M. Mussorgsky, encuentran analogías en la representación de la naturaleza de P. Tchaikovsky e I. Levitan, personajes de cuentos de hadas de N. Rimsky. Korsakov y V. Vasnetsov, Imágenes simbólicas por A. Scriabin y M. Vrubel.

Mientras tanto, sólo se puede hablar de una verdadera fusión de la visión artística y musical del mundo después de conocer la obra de M. Ciurlionis (1875-1911), un destacado artista y compositor lituano. Sus pinturas más famosas "Sonatas" (que consisten en pinturas Allegro, Andante, Scherzo, Finale) y "Preludios y fugas" llevan la huella de la percepción musical del autor de la realidad circundante. De patrimonio musical M. Čiurlionis, en quien el principio pictórico se manifiesta de manera más original, destacan sus poemas sinfónicos (“En el bosque”, “El mar”) y piezas para piano.

Entre las obras musicales inspiradas en todo tipo de pinturas y esculturas, resultan de especial interés para los intérpretes las siguientes: “Los esponsales”, basada en el cuadro de Rafael y “El pensador”, basada en la escultura de Miguel Ángel F. Liszt, así como “Cuadros de una exposición” creados por M. Mussorgsky bajo la influencia de los dibujos de W. Hartmann.

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636171, región de tomsk, distrito de Kozhevnikovsky, pueblo. Voronovo, calle. Proletarskaya, 17 años

continuación tel. 31208, teléfono/fax 31208; correo: [correo electrónico protegido] POSADA 7008004715

Resumen sobre el tema:

"Música y Bellas Artes"

(materiales para el concurso de ensayos para estudiantes "Krugozor")

Realizado:

Alejandro Turchkov

estudiante de octavo grado

Supervisor:

Kunitsyna Anna Vladimirovna

profesor de música

Tomsk - 2011

1. Introducción………………………………………………………….. 2 – 3

2. Imágenes de la pintura en la música…………………………………… 4 – 11

3. El paisaje en la música………………………………………….. 11 – 16

4. “Pintura musical” de cuentos de hadas y epopeyas……………………. 16 – 18

5. Conclusión………………………………………………………. 19

6. Lista de referencias……………………………….. 20

Introducción

La música se puede estudiar de diferentes maneras.

Podrás hablar de obras musicales, aprender a comprenderlas y admirar su sonido.

Puedes dedicar lecciones a las obras de grandes compositores e intérpretes para ver cuánto esfuerzo se necesita para crear incluso la música más ligera y alegre.

Finalmente podrás dominar la notación musical paso a paso, aprender a cantar, tocar varios instrumentos musicales, comprendiendo ciencia de la música como si fuera desde adentro.

Me puse delante de mí objetivo: el estudio de la música en unidad con lo que la genera y la rodea: con la vida, la naturaleza, las costumbres, las creencias, los poemas, los cuentos de hadas, las pinturas y mucho, mucho más.

Tareas:

· aprender a observar, comparar, contrastar, ver lo grande en lo pequeño;

· aprender a comprender que el mundo es uno y para qué sirve esa comprensión;

· aprende todo esto con la ayuda de la música, porque la música puede decirte todo;

· aprender a escuchar música.

Todas estas son diferentes formas de involucrarse con la música.

Pero un día tengo una pregunta: ¿qué es la música?

¿Es cierto que esto es un milagro nacido del Cosmos, del movimiento de los planetas, de sí mismo? Al fin y al cabo, el gran Edvard Grieg decía: “Las palabras a veces necesitan música, pero la música no necesita nada”. ¿Es tan? Si y no.

Sí, porque cada arte es valioso por derecho propio, habla de sí mismo en su propio lenguaje, nunca invade el dominio de otro arte. El sonido no puede competir con el color, como la escultura no puede competir con la poesía, como en la naturaleza el aire no compite con el fuego. Esta misma oposición parece absurda. Todo lo que hay en la Tierra es valioso en sí mismo y desde este punto de vista no necesita nada.

No, porque existe una conexión universal entre los fenómenos y sus leyes son inmutables. Por lo tanto, para hacer sonar una melodía, se requiere una cuerda muy tensa, y la cuerda da un sonido expresivo solo en contacto con un tipo especial de madera, procesada de una manera especial, y todo esto está mucho más allá de los límites de la música misma. Esto sucede con todas las demás cosas del mundo: para algo se necesitan tinta y papel, pinceles y pinturas, para algo el fluir de los ríos y el florecimiento de los prados, y desde este punto de vista, todo necesita de todo.

Imágenes de pintura en música.

Si la conexión entre música y literatura es indiscutible y obvia, entonces la música y las bellas artes forman una unión más compleja. La razón está en su naturaleza: después de todo, la música y la poesía son artes temporales, interactúan en un solo flujo de sonido, un solo latido del pulso rítmico. Las bellas artes son un fenómeno espacial: inscribe sus líneas y formas en el mundo natural, lo enriquece con colores y colores. La música, al parecer, no tiene nada que ver con esto: tiene su propia campo artístico, y su encuentro con la pintura, si es posible, es sólo en “ territorio neutral" - por ejemplo, en una ópera o una representación musical, donde la acción requiere tanto expresión musical como diseño decorativo.

Sin embargo, al estudiar el vasto ámbito de la música programática, encontramos en ella no solo canciones y cuentos de hadas, poemas y baladas, no solo títulos inspirados en imágenes literarias, como, por ejemplo, "Scheherazade" de N. Rimsky-Korsakov. , “Peer Gynt” de E. Grieg o “Blizzard” de G. Sviridov. Resulta que en la música las pinturas sinfónicas y los estudios, pinturas, frescos y grabados existen desde hace mucho tiempo. Los nombres de las obras musicales reflejan las imágenes que las inspiraron: “Bosque” y “Mar”, “Nubes” y “Mists”, así como “Bogatyr Gate in Kyiv”, “ cerradura vieja", "Fuentes romanas".

Resulta que no sólo la literatura, sino también las bellas artes pueden dar lugar a sonidos musicales.

“Lo que la voluntad de los dioses divide con envidia es unido por la diosa Fantasía, de modo que cada Sonido conoce su propio Color, a través de cada hoja brilla una dulce Voz, llamando hermanos al Color, la Canción, el Aroma”, escribió el poeta romántico alemán Ludwig Tieck. . Pero si la “voluntad envidiosa de los dioses” separó el sonido y el color, trazando fronteras entre las artes, entonces no afectó al mundo natural, donde todo todavía vive y respira en la unidad de sus manifestaciones. Cada arte, que se esfuerza por crear su propio mundo en toda regla, es capaz de decir más de lo que tradicionalmente se le atribuye.

El bosque es como una torre pintada,

Lila, oro, carmesí,

Una pared alegre y abigarrada

De pie sobre un claro brillante.

Abedules con talla amarilla.

Brilla en azul celeste.

Así describí las pinturas I. Bunin. naturaleza de otoño en su poema "Hojas que caen". El extracto anterior es un paisaje poético genuino; en él, cada imagen está saturada de colores pintorescos: el bosque es como una elegante mansión, decorada con tallas. Incluso este pequeño ejemplo muestra que la literatura tiene suficiente Artes visuales– sus coloridos epítetos y metáforas pintan un brillante y voluminoso imagen visual.

Pero los paisajes musicales también son coloridos a su manera: ¡qué matices de las estaciones, qué colores, qué mariposas a veces se pueden "ver" en la música!

Y sin cuestionar el carácter temporal del arte musical, intentaremos responder a la pregunta: ¿qué puede dar visibilidad al sonido en la música?

1. ¿Qué es un “espacio musical”?

2. ¿Cómo se expresa en sonidos?

Recordemos el eco en el bosque o en la montaña, el eco como “portador” natural del espacio sonoro.

Escuchemos el sonido del eco e intentemos comprender cuál es su efecto espacial. ¿No es cierto que los contornos del espacio dependen de

¿La proximidad o distancia del eco y, en consecuencia, el grado de intensidad de su sonido?

De este modo. Uno de los portadores de espacio más importantes en la música es la dinámica del volumen. La conciencia de este punto llevó a los músicos a descubrir una enorme capa de medios expresivos asociados con la distribución de los niveles de volumen en una pieza. Es de destacar que en música estos niveles se denominan matices o matices, ¡pero ésta es una definición propia del campo de la pintura! Quizás los primeros creadores. definiciones musicales Sintió una conexión orgánica entre dos artes aparentemente distantes: las palabras a menudo revelan los secretos de su origen.

Sombras dinámica musical tienen su propia escala: el indicador inferior de esta escala es páginas (pianissimo) significa rendimiento extremadamente silencioso, superior - f (fortissimo) – extremadamente ruidoso. Entre estos extremos hay una serie de matices intermedios: pag (piano) - en silencio, diputado – moderadamente silencioso, mf – moderadamente ruidoso, F - alto. En los textos de obras musicales se pueden encontrar incluso notas como ppp Y fff , indicando especial expresividad de la interpretación.

Si comparamos una obra de pintura y música desde el punto de vista de la dinámica, también aquí es obvio que el objeto representado en el primer plano de la imagen “suena” más fuerte que lo que constituye su fondo. Esta peculiar “sonoridad” de la imagen se expresa en su tamaño, en mayor detalle y en la intensidad del colorido encarnado. El fondo sólo puede representar contornos vagos de objetos que desaparecen gradualmente en el horizonte.

Relieve y fondo: estos conceptos espaciales, que por naturaleza se remontan a las bellas artes, recibieron significado universal en la dramaturgia de cualquier obra de arte. En la música, además del simple efecto de eco, se materializan en la combinación de una voz solista y un acompañamiento instrumental o coral, en la organización de la dramaturgia operística, donde a veces aparece un primer plano en el contexto de escenas transversales. arias, arioso, conjuntos, en la secuencia de los temas principales y secundarios en forma de sonata.

En la literatura, la combinación de relieve y fondo se manifiesta en las relaciones entre personajes, acciones y pinturas centrales y secundarias.

Sin embargo, el concepto de "menor" en el arte es condicional. En cualquier autentico obra de arte el papel del fondo en relación con el primer plano no es mecánicamente ilustrativo, sino semántico. La elección de los detalles por parte del artista no es aleatoria, incluso si se trata simplemente de un paisaje encuadrado, detalles de la ropa o el interior de una casa. Aquí, por ejemplo, está el cuadro de P. Fedotov "El desayuno de un aristócrata". ¡Cuánto se puede ver en cosas tan aparentemente insignificantes como un trozo de pan mordido, el único alimento de un aristócrata empobrecido, junto a un libro sobre ostras! Y el hermoso interior de su habitación no es solo un marco en el que se coloca la imagen de una figura humana, sino un valioso mundo de excelentes objetos por derecho propio, que contrasta claramente con la comedia de la trama.

Otro concepto universal para todas las artes, que también tiene su origen en la pintura, es el contraste.

El contraste, que inicialmente surgió como una comparación de colores o escalas, es decir, un fenómeno puramente espacial, poco a poco se fue apoderando del ámbito de la música. Música contemporánea Ya es impensable sin contrastes: mayor y menor, tempo rápido y lento, sonoridad alta o baja, registros altos o bajos. Los contrastes utilizados en la música suelen tener un enorme potencial visual, dependiendo del contenido de la obra. Después de todo, lo importante en el arte no es el contraste de técnicas, sino el contraste de significados.

El cuadro de E. Drobitsky "Vida y muerte" es un ejemplo de una comparación directa de dos eternos. categorías filosóficas. La forma en que se relacionan entre sí ha encontrado su expresión plástica en muchos detalles.

El contraste de luz y oscuridad en esta imagen es similar al contraste de luz y sombra: la figura clara de Life tiene rasgos faciales detallados: suaves, femeninos y detallados en la representación de la ropa e incluso del peinado. La figura oscura de la Muerte representa sólo una silueta, sin rostro, sin detalles, pero esta silueta coincide exactamente con la silueta de la figura luminosa. el unico detalle concentrado en las manos de una figura oscura: los objetos que aquí se representan simbolizan el posible resultado de la vida: riqueza, muchas páginas escritas. La figura luminosa esconde sólo posibilidades: en sus manos sólo está el embrión de la vida, con todos los hechos y logros futuros.

El contraste de colores en la pintura se puede comparar con el contraste de modos mayores y menores en la música, que corresponde al estado de ánimo, el contraste de registros, creando un sonido "más oscuro" y "más claro".

La canción "Sleep Well" (n.° 1 del ciclo "Winter Reise" de F. Schubert) utiliza el principio de contraste modal: la yuxtaposición de menor y mayor. Aquí podemos hablar de la profundidad psicológica de la música, que transmite la dualidad del estado emocional del héroe. La primera canción del ciclo, una de las obras más trágicas del compositor, todavía contiene destellos de esperanza para una posible superación de las desgracias.

El contraste entre el carácter musical y visual se puede encontrar en numerosas obras de “paisaje”.

Este ejemplo es el comienzo del preludio de C. Debussy “Sails”. El vívido pintoresquismo del preludio, por supuesto, no reside sólo en técnica sencilla registrar mapeos. Sin embargo, el “boceto” inicial de la obra está precisamente en el contraste entre la vela ligera inflada por el viento del mar y la superficie oscura del agua, toda la vasta extensión del mar.

Cuando hablamos de registros, utilizamos las palabras "alto", "bajo", "medio". El concepto de “tono” se aplica no sólo a los registros, sino a todos los tonos musicales. El “tono” es uno de los conceptos clave música - distribución de medios sonidos musicales en el espacio.

Se sabe que la música se construye sólo sobre siete notas.

Esta es una escala de do mayor, que consta de siete notas: do, re, mi, fa, salt, la, si.

Las notas difieren en tono: cada nota posterior de la escala es más alta que la anterior. Pero esto significa que la base de la diferencia sonora también reside en un concepto espacial. El sonido alto y bajo de una voz, un coro, una orquesta es la base de la expresividad de la música, y junto con el movimiento en el tiempo (ritmo), hay un movimiento de la música en el espacio: hasta el sombrío estruendo del bajos, hasta la brillante sonoridad de las voces agudas. No es casualidad que los primeros ejemplos de música que combinan estas voces al mismo tiempo surgieran en el espacio de las catedrales, reflejando en su arquitectura la aspiración a las alturas.

La música coral son obras creadas para el coro de una iglesia; su sonido, así como la disposición de los intérpretes corales en la catedral, encarnaban la idea de un único espacio espiritual: el coral, la catedral. Quizás por eso el gran pensador Goethe insistió tanto en el parentesco entre la arquitectura y la música: la catedral como símbolo de la música silenciada, la música como aspiración de las líneas de la catedral.

Cuando la música se llama arte temporal, se refiere a la inevitabilidad de su movimiento en el tiempo. La música no se comprende en la simultaneidad de todos los sonidos que la componen, sino que se escucha gradualmente, de un tiempo a otro. ¡Pero una obra de arte muchas veces es imposible de comprender en su totalidad! No sólo las composiciones espaciales de múltiples temas, sino también las pinturas individuales requieren una consideración secuencial y toman tiempo. Esto significa que la música, aunque es un arte temporal, lleva en sí misma las características de la espacialidad, del mismo modo que las bellas artes, que son de naturaleza espacial, tienen las cualidades del arte temporal. Entonces vemos que en la vida del arte todo está interconectado.

Si la música se hubiera desarrollado sólo como un arte temporal, probablemente habría cultivado lo que está asociado con los procesos de movimiento: dimensiones métricas, ritmos, duraciones. Sin embargo, no en menor medida, sino incluso en mayor medida, sus capacidades espaciales se desarrollaron y profundizaron.

La invención de nuevos instrumentos es una búsqueda continua de timbres capaces de expresar no solo una variedad de sonidos, sino también una variedad de colores y matices. La invención de los acordes y las combinaciones de acordes llenó la música de color capaz de expresar las asociaciones visuales más complejas. La introducción de la polifonía y los registros contrastantes permitió distinguir entre sonidos claros y oscuros en el extraño tejido musical...

Siguiendo los fenómenos, vinieron los conceptos, y ahora los músicos crearon sus propias palabras, que antes eran propiedad exclusiva de los artistas: gamma, tono y semitono, tinte y matiz, color musical, color, timbres fríos y cálidos, melodías ligeras y lúgubres. Así, el espacio musical no sólo recibió sus contornos, sino que adquirió sus “habitantes”, quienes tienen su propia apariencia, color y sabor únicos.

El espacio musical respira y pulsa, se expande y se contrae, sorprende con el colorido de las combinaciones de sonidos y se diluye en un solo sonido. El arte de sonorizar el espacio: esta definición es muy adecuada para la música, que durante mucho tiempo se ha dedicado a interpretaciones corales y orquestales. Pero incluso más allá de las complejas obras polifónicas: ¿no es una voz solitaria un espacio sonoro?

Las posibilidades espaciales de la música, la propiedad inherente de las imágenes sonoras: esta es la razón por la que la música está sujeta a la encarnación de las ideas de las bellas artes. Ya sea que estemos mirando un retrato, admirando un paisaje o una naturaleza muerta, todas estas imágenes tienen su propia musicalidad y todo esto se puede transmitir a su manera en sonidos.

Paisaje en la música

La representación de la naturaleza en el arte nunca ha sido una simple copia de ella. No importa cuán hermosos fueran los bosques y los prados, no importa cómo los elementos del mar atrajeron a los artistas, no importa cómo la noche de luna encantó el alma, todas estas imágenes, capturadas en lienzos, en poesía o sonidos, evocaron sentimientos y experiencias complejos. , estados de ánimo. La naturaleza en el arte está espiritualizada, es triste o alegre, pensativa o majestuosa; ella es lo que una persona la ve.

El tema de la naturaleza atrae desde hace tiempo a los músicos. La naturaleza dio a la música sonidos y timbres que se escuchaban en el canto de los pájaros, en el murmullo de los arroyos, en el ruido de una tormenta. Las imágenes sonoras como imitación de los sonidos de la naturaleza ya se pueden encontrar en la música del siglo XV, por ejemplo, en las obras corales de K. Janequin "Birdsong", "The Hunt", "The Nightingale".

Así, se abrió el camino para que la música dominara sus capacidades paisajísticas y visuales. Poco a poco, además de imitar sonidos, la música aprendió a evocar asociaciones visuales: en ella, la naturaleza no solo comenzó a sonar, sino que también brillaba con colores, colores y reflejos: se hizo visible. “Pintura musical”: esta expresión del compositor y crítico A. Serov no es sólo una metáfora; refleja la mayor expresividad de la música, que ha abierto otra esfera figurativa: la espacial-pictórica.

Entre las brillantes pinturas musicales asociadas con la imagen de la naturaleza se encuentra el ciclo "Las estaciones" de P. Tchaikovsky. Cada una de las doce obras del ciclo representa una imagen de uno de los meses del año, y esta imagen suele transmitirse a través del paisaje.

El tema de las estaciones, su reflejo en la naturaleza es la base del contenido de esta obra, sustentada en un epígrafe poético de la poesía rusa que acompaña cada obra.

A pesar de la fuente poética original, la música de Tchaikovsky es vívidamente pintoresca, tanto en un sentido emocional generalizado, asociado con la “imagen” de cada mes, como en términos de imágenes musicales.

Aquí, por ejemplo, está la obra "Abril", que lleva el subtítulo "Snowdrop" y está precedida por un epígrafe de un poema de A. Maykov:

Campanilla blanca azul y pura - flor,

Y al lado está la última gota de nieve.

Últimos sueños de penas pasadas

Y los primeros sueños de una felicidad diferente...

Como suele ocurrir en la poesía lírica, la imagen inicio de la primavera, primero flor de primavera asociado con el despertar de la fuerza humana después del letargo invernal, la oscuridad de las heladas y las ventiscas, con nuevos sentimientos, la luz, el sol. Una pequeña flor que crece debajo de la nieve se convierte en un símbolo de estos sentimientos frescos, un símbolo del eterno deseo de vivir.

Si la música de Tchaikovsky, con todas sus vívidas imágenes, todavía tiene como objetivo transmitir el estado de ánimo, la experiencia causada por el primer florecimiento de la primavera, entonces en las obras de otros compositores se puede encontrar una imagen visual vívida, precisa y específica. Franz Liszt escribió sobre esto de esta manera: “Una flor vive en la música, como en otras formas de arte, no sólo por la “experiencia de una flor”, su olor, sus propiedades poéticas encantadoras, sino también por su forma misma, su estructura, la flor. como visión, como fenómeno, no puede encontrar su encarnación en el arte del sonido, porque en él, sin excepción, todo lo que una persona puede experimentar, experimentar, pensar y sentir encuentra encarnación y expresión”.

La forma de una flor, la visión de una flor, está tangiblemente presente en la introducción al ballet de I. Stravinsky "La consagración de la primavera". En esta música se captura un fenómeno natural asombroso: la apertura de brotes y tallos, que transmite, en palabras de B. Asafiev, "la acción del crecimiento primaveral".

El tema-afinación inicial, realizado por el fagot, en su forma se asemeja a la estructura de una varilla, que constantemente se estira y se precipita hacia arriba. Así como el tallo de una planta se va cubriendo gradualmente de hojas, la línea melódica a lo largo de todo el sonido también “crece” con ecos melódicos. Las flautas de pastor se van convirtiendo poco a poco en un espeso tejido musical en el que se escucha el canto de los pájaros.

El paisaje en la música probablemente pueda compararse con el paisaje en la pintura: tan variadas son las imágenes de la naturaleza a las que recurrieron los compositores. No sólo las estaciones, sino también las horas del día, la lluvia y la nieve, los elementos del bosque y el mar, las praderas y los campos, la tierra y el cielo: todo encuentra su expresión sonora, a veces literalmente sorprendente por su precisión visual y su poder de impacto en el oyente.

La creación de muchas imágenes de paisajes pertenece a compositores impresionistas (impresionismo - dirección artística, formada en Europa Oriental en el último cuarto del siglo XIX y principios del XX). En sus obras se desarrollaron ampliamente temas que requerían una representación musical especial, incluidos temas de carácter paisajístico.

El paisaje musical de los impresionistas es un área de desarrollo detallado de todos los medios de expresión que dan color, visibilidad y pintoresquismo al sonido. El pintoresquismo ya está presente en los títulos de las obras: por ejemplo, "Velas", "Viento en la llanura", "Pasos en la nieve" (todos estos son los nombres de los preludios de C. Debussy), "Una velada maravillosa". , "Flores silvestres", "Claro de luna" (romances de K. Debussy), "El juego del agua", "Reflejos" (piezas para piano de M. Ravel), etc.

La necesidad de plasmar imágenes tan complejas y sutiles en la música ha llevado a un aumento de las posibilidades musicales espaciales y coloridas. Las armonías se volvieron más ácidas, los ritmos más refinados y los timbres más refinados. La música de los impresionistas reveló la capacidad de transmitir no solo colores, sino también luces y sombras, como, por ejemplo, en "El juego del agua" de M. Ravel. Tales posibilidades de la música resultaron estar en sintonía con la pintura impresionista; Quizás nunca antes estas dos artes habían estado tan cerca una de la otra.

En cuanto a la poesía, los compositores impresionistas eligieron obras que también tenían un elemento colorido y pintoresco claramente expresado. Aquí hay uno de esos poemas; su autor es el poeta Paul Verlaine.

Una hilera interminable de vallas y uvas silvestres;

La extensión de lejanas montañas azules; aroma ácido del mar.

El molino de viento es como un faro escarlata en el claro verdor del valle;

Los potros corren libremente cerca de los obstáculos costeros.

Ovejas exuberantes en las laderas, fluyendo como un río.

En las alfombras son de un verde brillante, más blancos que la leche.

Cordón de espuma detrás de la popa y una vela sobre el agua,

Y allí, en el azur dominical, el repique cobrizo de las campanas.

Si existiera un género de paisaje en la poesía, entonces este poema cumpliría plenamente con sus requisitos. Cada una de sus líneas es una imagen independiente y, en conjunto, forman una imagen única de un paisaje dominical de verano.

El romance de C. Debussy, creado a partir de este poema, da una profundidad aún mayor a la imagen poética. El compositor introduce un elemento de movimiento, vivaz y alegre, pero este movimiento también es figurativo y, como en el poema de Verlaine, parece capturado.

La figura inicial del acompañamiento es una quintilliza ( grupo rítmico de cinco sonidos) - se parece a un patrón, ya sea un patrón de vallas interminables o un cordón de espuma, pero sentimos que este patrón está definitivamente relacionado con las imágenes del poema.

Entonces, vemos que el paisaje en la música está presente en toda la riqueza de sus manifestaciones, tanto como un "paisaje anímico" (por ejemplo, en Tchaikovsky), en consonancia con las pinturas de paisajes de I. Levitan y V. Serov, como como un paisaje dinámico que transmite los procesos que ocurren en la naturaleza (para Stravinsky), y como una pintura colorida que contiene diversas manifestaciones de la belleza del mundo circundante (para los impresionistas).

Las imágenes de paisajes en la música nos permiten ver cuánto ha aprendido la música de la pintura a la hora de transmitir la apariencia y la visión de la naturaleza. ¿Y tal vez gracias a esa música nuestra percepción de la naturaleza se vuelve más rica, más plena y más emocional? Empezamos a ver y sentir mejor los detalles, a percibir colores y estados de ánimo y a escuchar música única en todo. “Nada en musicalidad se puede comparar con la puesta de sol”, escribió C. Debussy, y esta musicalidad de la percepción del mundo se vuelve igual a la percepción de su belleza ilimitada. La capacidad de tal percepción reside en el secreto de la espiritualidad de una persona, el más elevado de todos los principios inherentes.

“Pintura musical” de cuentos de hadas y epopeyas.

Un mundo caprichoso, mágico y de fantasía. creatividad fabulosa encontró su expresión en la música de diferentes maneras. Un cuento de hadas podría convertirse en la base de la trama de una ópera, ballet o composición instrumental, pero junto con la encarnación de su contenido, el mundo musical de sus imágenes creció y se volvió cada vez más pintoresco y visible. La aparición de héroes de cuentos de hadas, paisajes y reinos de cuentos de hadas forestales, submarinos y montañosos, pájaros y animales; en una palabra, toda la riqueza de lo visible. mundo magico recibió su expresión sonora. Gracias a la música, aprendimos que en un cuento de hadas todos los sonidos son especiales, mágicos: los copos de nieve que caen crujen de manera inusual y los peces de colores bailan en el agua de una manera especial, y el vuelo del caballito jorobado de cuento de hadas es completamente diferente, no como carreras de caballos ordinarias.

He aquí un ejemplo de esta música “mágica”: la “Danza de los peces de aletas doradas y escamas plateadas” de la ópera “Sadko” de N. Rimsky-Korsakov. Ya en el título mismo de este fragmento musical brillantemente expresivo creado por el gran narrador musical (N. Rimsky-Korsakov escribió siete óperas escritas en cuentos de hadas), se puede ver la sutil figuratividad y pintoresquismo del concepto musical. Todos los medios musicales, desde líneas melódicas flexibles y caprichosas hasta la diversidad tímbrica de la orquesta, tienen como objetivo crear una imagen musical colorida. Muchos músicos llamaron a la ópera "Sadko" una enciclopedia del fabuloso lenguaje musical del siglo XIX.

Esta ópera también contiene muchos retratos de cuentos de hadas. La diferencia en la representación de personajes de cuentos de hadas y retratos musicales. gente real es presentar lo misterioso, enigmático, asociado al incomprensible mundo mágico.

Por un lado, el profundo lirismo de las declaraciones musicales de los personajes de cuentos de hadas, por otro, la atmósfera de un cuento de hadas que envuelve sus características y acciones: esta dualidad es un verdadero descubrimiento artístico del compositor. B. Asafiev, comparando la obra de N. Rimsky-Korsakov y el "destacado poeta de los cuentos de hadas rusos" M. Vrubel, escribió que en varias escenas de "Sadko" "se pueden escuchar las visiones de Vrubel".

La bella Princesa Cisne, representada en el cuadro de M. Vrubel, no es sólo una ilustración del "Cuento del zar Saltan" de A. Pushkin, sino que es imagen generalizada imágenes femeninas de cuentos de hadas. En cierto modo se parece a la imagen de la princesa del mar Volkhova de la ópera "Sadko", también llena de un encanto inexpresable y al mismo tiempo misteriosa e incomprensible. Cuando princesa del mar canta su maravillosa canción de cuna, le pone mucho sentimiento lírico. Hay entonaciones en la música. canción folk, dándole a Volkhov los rasgos cálidos y vivaces de una chica real.

Gracias a la música, muchos cuentos de hadas conocidos y queridos se han complementado y enriquecido con sonidos musicales. Escuchamos la música que bailaba Masha en El cascanueces, escuchamos no solo la música del baile en sí, sino también toda la sala decorada festivamente: el árbol de Navidad, juguetes de año nuevo, copos de nieve fuera de la ventana. P. Tchaikovsky, como buen mago, solo se refirió a su cuento de hadas. con una varita magica músico, e inmediatamente cobró vida, llena del encanto de unas verdaderas vacaciones, un sentimiento cálido y profundo, y como si se convirtiera en una realidad, en parte de nuestras vidas.

Entonces, vemos que los cuentos de hadas en sí son muy musicales: los héroes en ellos cantan y bailan voluntariamente, y muy a menudo estas canciones y bailes se convierten en parte del mundo mágico de los milagros, las vacaciones y las brillantes esperanzas. ¿Y tal vez es por eso que la música de cuento de hadas es tan pintoresca, porque contiene todas las ideas sobre lo mágico, lo misterioso, que es el sueño de una persona sobre la belleza encarnada? No es casualidad que sean hermosos. Imágenes de cuento de hadas en la imaginación de los artistas superan toda belleza imaginable que se encuentra en la realidad.

Entonces en arte popular Lo principal que determina la viabilidad de cualquier pueblo encuentra su expresión: su profundo amor por la vida, su rica imaginación, su actitud poética hacia la belleza, su patriotismo y su notable fuerza, no depredadora ni bárbara, sino sabia y correcta.

Los cuentos de hadas, leyendas, leyendas y epopeyas de siglo en siglo transmiten a los descendientes la rica experiencia del pueblo. El bien y el mal, la fuerza y ​​la debilidad, la realidad y la ficción en su interminable cadena de encarnaciones artísticas forman una poderosa corriente poética de imágenes eternas, que se denominan la gran palabra "tradición".

Conclusión

En conclusión, se puede observar que la música es historia complicada Su relación con otras formas de arte. En la comunidad con la que nació, creció, se fortaleció y comprendió el mundo. La música se ha convertido en un arte muy independiente y desarrollado, continúa su noble asociación con la palabra y el verso, está llena de colores e imágenes. Del mismo modo, tanto la poesía como la pintura transmiten a su manera la música del mundo circundante, porque el arte se esfuerza por lograr la integridad de cada una de sus declaraciones. A veces el arte se basa únicamente en sus propias capacidades, extrayendo de ellas la capacidad de decir más de lo que la naturaleza pretende. La poesía, la música, la pintura siguen siendo ellas mismas, pero posibilidades creativas Cada uno de estos tipos de arte aumenta muchas veces; cualquier tema, cualquier imagen está sujeta a ellos.

El color y la pintura en la música, el ritmo y la tonalidad en la pintura, la melodía y la melodía de la poesía son sólo una pequeña parte de las metáforas verbales que revelan el profundo entrelazamiento de las formas artísticas.

Creceremos y maduraremos, descubriremos nuevas obras, leeremos nuevos libros. Y con la adquisición de experiencia, nos convenceremos una y otra vez de cómo todo en la vida está interconectado, cómo las cosas, las acciones y los destinos de las personas están conectados por miles de hilos invisibles. No se puede dañar una cosa para no causar daño a todo lo demás. Las personas nacidas en la misma tierra son básicamente iguales. Por tanto, el arte que crean puede ser cercano y comprensible para todos: habla de todo, es universal.

Bibliografía

· www.Wikipedia.ru

· Naumenko T.I., Aleev V.V. Libro de texto para instituciones de educación general. – 3ª ed., estereotipo. – M.: Avutarda, 2001

utilizando tecnologías que salvan la salud.

Objetivo : Formación de la comprensión de los estudiantes sobre la relación entre la música, las bellas artes y el concepto de "paisaje musical".

Tareas:

salvador de salud– mantener y fortalecer el estado físico y salud mental niños, cambiando de actividad y escuchando obras que tienen un efecto positivo en la psique y el estado de ánimo de los niños;

educativo –hacer que los niños comprendan los conceptos de "paisaje musical", "cuadro musical";

desarrollando - desarrollar las habilidades creativas de cada niño, su imaginación artística e imaginación;

educativo -cultivar el amor por la naturaleza y el mundo circundante.

Durante las clases:

1. Momento organizativo.

Saludo musical.

2. Introducción al tema de la lección.

La representación de la naturaleza en el arte nunca ha sido una simple copia de ella. No importa cuán hermosos sean los bosques y los prados, no importa cómo los elementos del mar atraigan a los artistas, no importa cómo la noche de luna encante el alma, todas estas imágenes, capturadas en lienzos, en poesía o sonidos, evocan en nosotros sentimientos y experiencias. y crear un cierto estado de ánimo. La naturaleza en el arte se espiritualiza. Está triste o alegre, pensativa o majestuosa; ella es lo que una persona la ve.

Ver diapositivas: imágenes de la naturaleza.

La música a menudo evoca en nuestra imaginación diferentes imágenes de la naturaleza. La naturaleza y el arte son inseparables el uno del otro, porque la naturaleza entra en la vida de cada persona desde la infancia y para siempre.

Artistas, poetas y compositores suelen glorificar la belleza de la naturaleza en sus obras.

Determinar el tema de la lección, metas y objetivos.

3. Trabajar en el tema de la lección.

Las imágenes de la naturaleza atraen desde hace tiempo a los músicos. ¿Qué nos da la naturaleza?

Las respuestas de los niños.

Bien. La naturaleza da a la música sonidos y timbres que se escuchan en el canto de los pájaros, en el murmullo de los arroyos, en el ruido de una tormenta.

Escuchar fragmentos de música. Los niños identifican sonidos de la naturaleza.

Poco a poco, además de simplemente imitar los sonidos de la naturaleza, la música aprendió a evocar impresiones visuales en el oyente. En él, la naturaleza no solo comenzó a sonar, sino que también brilló con colores, colores y reflejos. Incluso existe tal expresión:"pinturas musicales" ¿Cómo se llama el género de pintura en las bellas artes que representa imágenes de la naturaleza?

Las respuestas de los niños.

Interpretación de una canción basada en la letra de E. Uspensky “Si lo ves en una imagen”.

¿Crees que hay paisajes en la música?

Las respuestas de los niños.

¡Bien hecho! Ahora intentemos definir qué es un paisaje musical.

Se juega el juego “Completar el paisaje”.

Ahora recopilemos todas sus respuestas en una definición y escribámosla.

PAISAJE MUSICAL es un “paisaje anímico” en el que la expresividad de la entonación se fusiona con los detalles visuales del lenguaje musical.

La música tiene su peculiaridad. medios artísticos(colores): timbre, rítmico, modal, dinámico, con la ayuda del cual representa la vida.

cuadro musical– una obra que transmite de forma muy clara y sencilla las impresiones del compositor sobre imágenes de la naturaleza, acontecimientos, fenómenos y personalidades destacadas.

Nombra obras que muestren imágenes de la naturaleza.

Las respuestas de los niños.

El ciclo "Las Estaciones", que ya conocemos, es una de las pinturas musicales más llamativas asociadas con la imagen de la naturaleza. Cuéntanos sobre este álbum.

Revisando la tarea. Cuestionario sobre obras de la serie “Estaciones”.

Si la música de Tchaikovsky expresa el estado de ánimo general de alegría primaveral, en las obras de otros compositores se puede encontrar una imagen de paisaje más precisa.

Escuchando la introducción al ballet de I. Stravinsky “La consagración de la primavera”.

Chicos, ¿qué se imaginaron al escuchar esta pieza?

Las respuestas de los niños.

¡Bien hecho! Esta pintura muestra la verdadera “acción del crecimiento primaveral”.

Análisis del trabajo - trabajo en grupos en la pizarra. Los niños componen una imagen de principios de primavera en la pizarra a partir de los fragmentos propuestos (gotas, árboles, arroyos, campanillas de invierno, sol, etc.). la acción se desarrolla mientras se vuelve a escuchar la obra.

Ahora cuéntanos sobre tu cuadro, no olvides hablar de los estados de ánimo que te visitaron al componer el cuadro.

Los niños hablan de sus cuadros.

¡Bien hecho! ¿Te gusta la primavera? ( respuestas de los niños) ¿Por qué? ( respuestas de los niños) ¿Qué sentimientos experimentas cuando piensas en la llegada de la primavera? ( respuestas de los niños)

Interpretación de la canción "Primavera".

Juguemos ahora al juego "Drops".

El juego se basa en repetir un patrón rítmico golpeando las rodillas con las palmas.

¡Bien hecho! ¡Lo hiciste perfectamente! Ahora respiremos el olor de la primavera.

Se realizan ejercicios de respiración.

¡Excelente! Ya podéis tomar asiento.

Los niños toman asiento.

La primavera siempre nos regala sol, calidez y alegría. Escuchar nueva canción, que se llama “Regala una Sonrisa” y determina su ritmo, tempo y humor.

La maestra interpreta una canción, los niños responden preguntas. Aprendiendo el primer verso de la canción.

Chicos, hoy en clase hablamos de una época tan maravillosa del año como la primavera, y ahora representemos la primavera en colores.

Frente a los niños hay tarjetas con diferentes colores; los niños escogen los colores que consideran necesarios.

Bien, ahora escribe los colores que elegiste en tu cuaderno. Es tuyo tarea– usando esta paleta de colores, dibuja siguiente lección dibujo con imagen paisaje de primavera. Y, por supuesto, no olvides qué es un paisaje musical.

4. Resumen de la lección.

Los niños responden a las preguntas del maestro.

¿Qué nuevo aprendiste en la lección?

¿Que has aprendido?

¿Qué recuerdas?

¿Que mas te gustaria saber?

¿Quién crees que estuvo más activo hoy y trabajó mejor?

Calificación conjunta de lecciones.

5. Reflexión.

Chicos, ahora muéstrenme ¿de qué humor saldrán de la lección?

Delante de los niños hay rostros que representan diferentes expresiones faciales. Los niños eligen el que más se adapta a su estado de ánimo y lo cuelgan en la pizarra.

Deseo que permanezca amable y activo, como en nuestra lección. Ahora intenta repetir las siguientes líneas musicales con precisión de entonación.

La maestra canta una canción de despedida. Los niños repiten.

¡Gracias por la leccion!