Hlavné hudobné žánre renesancie. Hudobná kultúra renesancie

Späť dopredu

Pozor! Ukážka snímky slúži len na informačné účely a nemusí predstavovať celý rozsah prezentácie. Ak máš záujem táto práca prosím stiahnite si plnú verziu.

Hodina je určená pre žiakov 5. ročníka 2. ročníka hudobnej literatúry.

Účel lekcie: vzdelávanie estetická kultúraštudentov prostredníctvom vystavenia hudbe renesancie.

Ciele lekcie:

• Poskytnúť predstavu o úlohe hudby a hrania hudby v živote ľudí renesancie;
• Oboznámenie sa s hudobnými nástrojmi, žánrami, skladateľmi renesancie;
• Zoznámenie sa s hudobnými dielami európskej renesancie;
• Rozvoj zručností v elementárnej sluchovej analýze hudby;
• Budovanie porozumenia vzťahu odlišné typy umenie;
• Vzdelávanie emocionálneho vnímania umeleckých diel;
• Rozvoj myslenia a reči žiakov;
• Rozširovanie obzorov.

Typ lekcie: lekcia učenia sa novej témy.

Vybavenie lekcie: multimediálna prezentácia, počítač.

Hudobný materiál:

• W. Bird, kus pre panenskú "Voltu";
• F. da Milano "Fantasy" č. 6 pre lutnu;
• Scéna z filmu "Elizabeth": Kráľovná tancuje Voltu (video);
• I. Alberti "Pavan a Galliard" (video);
• Angličtina ľudová pesnička"Zelené rukávy";
• J.P. Palestrina „omša pápeža Marcella“, časť „Agnus Dei“;
• O. Lasso "Echo";
• J. di Venosa madrigal "Moro, lasso, al mio duolo";
• J. Peri Scéna z opery „Eurydice“.

Počas vyučovania

I. Organizačný moment

II. Aktualizácia znalostí

Na poslednej hodine sme sa rozprávali o kultúre a maľbe renesancie.

– Aký je iný názov pre túto éru („renesancia“ vo francúzštine)?
Aké storočia zahŕňa renesancia? Aká éra sa zmenila?

Odkiaľ pochádza názov tohto obdobia? Čo ste chceli "oživiť"?

V ktorej krajine začala renesancia skôr ako v iných?

- Ktoré talianske mesto sa nazýva „kolíska renesancie“? prečo?

– Akí veľkí umelci žili vo Florencii? Zvážte ich prácu.

– Ako sa ich výtvory líšia od stredovekého umenia?

III. Skúmanie novej témy

Dnes sa vrátime do renesancie. Dozvieme sa, aká bola vtedy hudba. Poďme sa zoznámiť s hudobnými nástrojmi renesancie, pozrieť si ich a vypočuť si ich autentický zvuk. A stretneme sa aj s vynikajúcimi skladateľmi renesancie a ich majstrovskými dielami.

IV. Práca s prezentáciou

snímka 1. Titulná strana.

Snímka 2. Témou našej hodiny je „Hudba renesancie“. Časový rámec - XIV-XVI storočia.

Snímka 3. Epigraf lekcie. Ako rozumiete týmto slovám?

... Na zemi nie je žiadny živý tvor
Tak tvrdé, chladné, pekelné zlo
Aby nemohla aspoň jednu hodinu
V ňom je hudba na revolúciu.
(William Shakespeare)

snímka 4. V období renesancie bola úloha umenia v kultúrny život spoločnosti. Umelecké vzdelanie sa uznáva ako dôležitý aspekt rozvoja ušľachtilého človeka, podmienka dobrého vzdelania.

Oslabuje sa cirkevná kontrola nad spoločnosťou, hudobníci dostávajú viac slobody. Osobnosť autora sa čoraz zreteľnejšie prejavuje v spisoch, tvorivá individualita. Počas renesancie samotný koncept „ skladateľ».

Stalo sa veľmi dôležitým pre rozvoj hudby vynález hudobnej tlače koncom pätnásteho storočia. V roku 1501 vydal taliansky vydavateľ Ottaviano Petrucci prvú zbierku pre domáce muzicírovanie. Nové spisy boli publikované a distribuované veľmi rýchlo. Teraz si každý občan strednej triedy mohol kúpiť hudbu pre seba. V dôsledku toho sa mestská hudba začína rýchlo rozvíjať a pokrýva čoraz väčší počet ľudí.

Snímka 5. Hudobné nástroje renesancie. Mosadz, struny, klávesy.

Snímka 6. Lutna- najobľúbenejší nástroj renesancie. Súvisí so strunami trhané nástroje. Najprv sa na lutne hrávalo s plektrom, ale v 15. storočí sa začalo hrať s prstami.

Snímka 7. Jeho telo vyzerá ako hruška rozrezaná na polovicu. Luna má krátky krk s pražcami, zahnutý do pravého uhla.

snímka 8. Luna vznikla z Arabský nástroj nazývaný Al-ud (v arabčine znamená „strom“). V 8. storočí sa oud dostal do Európy od r severná Afrika počas dobývania Španielska Arabmi a zapustil korene na dvore mnohých španielskych šľachticov. Postupom času pridali Európania k ud pražce (delenia na hmatníku) a nazvali ho „lutna“.

snímka 9. Na lutne hrali muži aj ženy.

snímka 10. Lutna bola skladná, ľahká, mohli ste ju vziať všade so sebou.

Snímka 11. Loutnová hudba sa nenahrávala notami, ale pomocou tabulatúry. Pozrite sa: lutnová tabulatúra pozostáva zo 6 riadkov predstavujúcich struny. Pražce sú očíslované, doby trvania sú navrchu.

Snímka 12. Struny sláčikové nástroje . Ak na lutne hrali ľudia rôznych tried, potom si nástroj z rodiny viol mohol dovoliť len veľmi bohatý človek. Violy boli drahé, vyrábali sa zo vzácnych drevín, zdobili ich elegantné kresby a šperky. Violy boli rôznych veľkostí. Na tomto obrázku anjeli hrajú najobľúbenejšie druhy viol - da gamba a da braccia.

Snímka 13. Viola v taliančine - "fialová". Zvuk violy bol veľmi príjemný: jemný, jemný a nie hlasný.

Snímky 14, 15. Názov viola da braccia je preložený z taliansky„ruka, rameno“. Tak sa volali malé violy, ktoré sa počas hry držali na ramene.

snímka 16. Viola da gamba – „noha“. Bol veľkých rozmerov, pri hre ho bolo treba držať medzi kolenami alebo položiť na stehno. Na týchto violách zvyčajne hrali muži.

snímka 17. Všimli ste si čo klasické nástroje veľmi podobné violy? Pre husle, violončelo. Porovnajme violu da gamba s violončelom.

Zvuk viol budeme počuť o niečo neskôr.

snímka 18.panenský. Klávesový nástroj obdĺžnikového tvaru, zvyčajne bez nôh. Podľa princípu zariadenia to bol jeden z predchodcov pianoforte. Ale kvalitou zvuku to bolo bližšie k harfe a lutne. Jeho farba sa vyznačovala jemnosťou a nežnosťou.

snímka 19. Ktovie, čo znamená anglické slovo panna? Panna, dievča. Hádajte, prečo tento nástroj nazvali tak - „dievčenský“? Na pannu sa najčastejšie hrali mladé dievčatá šľachtického pôvodu. Je známe, že aj anglická kráľovná Alžbeta I. mala panenskú veľmi rada a hrala ju výborne.

Snímka 20. William Bird- najväčší anglický skladateľ, organista a čembalista čias Alžbety. Narodil sa v roku 1543, zomrel v roku 1623. Pôsobil ako dvorný organista. Zložil mnoho duchovných diel, madrigalov a skladieb pre pannu.

Počúvame: W. Vtáčí kúsok pre panenskú "Voltu"

Snímka 21-24. Renesanční umelci často zobrazovali na svojich plátnach hudobných anjelov. prečo? Čo to znamená? Prečo anjeli potrebujú hudbu? A čo ľudia?

snímka 25. Pozrite sa, aká veľká skupina hudobníkov. čo to hrajú? Čo cítia? Je im spolu dobre? Hodia sa slová W. Shakespeara do tohto obrazu? Ktoré kľúčové slovo v týchto veršoch? Jednota, svornosť.

Počúvajte, aké priateľské sú struny
Vstupujú do radov a dávajú hlas, -
Akoby matka, otec a mladý chlapec
Spievajú v šťastnej jednote.
Zhoda sláčikov nám hovorí na koncerte,
Že osamelá cesta je ako smrť.

Snímka 26. Inštrumentálne žánre Obdobia renesancie boli rozdelené do 3 typov: transkripcie vokálne diela, virtuózne kúsky improvizačného skladu (risercar, predohra, fantasy), tanečné kúsky (pavane, galliard, volta, moresca, saltarella).

Snímka 27. Francesco da Milano- slávny taliansky lutnista a skladateľ 16. storočia, ktorého jeho súčasníci nazývali "božský". Vlastní množstvo kusov pre lutnu, združených v troch zbierkach.

Počúvame: F. da Milano „Fantasy“ pre lutnu

Snímka 28. V renesancii sa mení samotný postoj k tancu. Z hriešneho, nedôstojného zamestnania sa tanec stáva povinným doplnkom. svetského života a stáva sa jednou z najpotrebnejších zručností ušľachtilého človeka. Plesy sú pevne zaradené do života európskej aristokracie. Aké tance boli v móde?

Snímka 29. Volta– Populárny tanec 16. storočia talianskeho pôvodu. Názov volta pochádza z talianskeho slova voltare, čo znamená „otočiť sa“. Tempo volty je rýchle, veľkosť je trojnásobná. Hlavný pohyb tanca: pán prudko zdvihne a otočí dámu, ktorá s ním tancuje vo vzduchu. Okrem toho musí byť tento pohyb vykonaný jasne a elegantne. A s týmto tancom si poradili len trénovaní muži.

Pozeráme sa: Fragment z videofilmu "Elizabeth"

Snímka 30- slávnostný pomalý tanecšpanielsky pôvod. Názov pavana pochádza z latinského pavo – páv. Veľkosť pavane je dvojdielna, tempo je pomalé. Tancovali, aby ostatným demonštrovali svoju veľkosť a luxusný kostým. Ľud a buržoázia tento tanec nepredvádzali.

snímka 31.galliard(z taliančiny - veselý, veselý) - pohybujúci sa tanec. V postave galliardu sa zachovala spomienka na bežný ľudový pôvod tanca. Vyznačuje sa skákaním a náhlymi pohybmi.

Pavane a galliard sa často predvádzali jeden po druhom a tvorili akúsi suitu.

Teraz uvidíte fragment koncertu súboru starej hudby"Hesperion XXI". Jej vodcom je Jordi Savall- španielsky violončelista, hráč na gambu a dirigent, jeden z najuznávanejších hudobníkov súčasnosti, predvádzajúci starú hudbu autenticky (ako znela v čase svojho vzniku).

Snímka 32. Pozeráme sa: I. Alberti „Pavan a Galliard“.

Účinkuje súbor starej hudby „Hespèrion XXI“ J. Saval.

Snímka 33. Vokálne žánre Renesancia sa delila na cirkevnú a svetskú. Čo znamená „svetský“? V kostole znela omša a moteto. Mimo kostola - caccha, ballata, frottola, villanella, šansón, madrigal.

snímka 34. Cirkevný spev dosahuje vrchol svojho vývoja. Toto je čas polyfónie „prísneho písania“.

Najvýraznejším polyfónnym skladateľom renesancie bol Talian Giovanni Pierluigi da Palestrina. Jeho prezývka - Palestrina - dostala názov mesta, v ktorom sa narodil. Pôsobil vo Vatikáne, za pápeža zastával vysoké hudobné funkcie.

omša – hudobná kompozícia pozostávajúce z modlitieb za latinčina, znejúci počas bohoslužby v katolíckom kostole.

Počúvame: G. P. da Palestrina „Omša pápeža Marcella“, časť „Agnus Dei“

snímka 35. svetské piesne. Angličtina balada "Zelené rukávy"- dnes veľmi populárny. Slová tejto piesne sa pripisujú anglickému kráľovi Henrichovi VIII. Tieto básne adresoval svojej milovanej Anne Boleynovej, ktorá sa neskôr stala jeho druhou manželkou. Viete, o čom je táto pieseň?

snímka 36. Text piesne „Green Sleeves“ preložil S.Ya.Marshak.

Počúvame: Anglická balada "Green Sleeves"

Snímka 37- jeden z najvýraznejších predstaviteľov holandskej polyfónnej školy. Narodil sa v Belgicku, žil v Taliansku, Anglicku a Francúzsku. Posledných 37 rokov svojho života, keď už jeho meno poznala celá Európa, viedol dvornú kaplnku v Mníchove. Vytvoril viac ako 2000 vokálnych diel kultového i svetského charakteru.

snímka 38.Šansón „Echo“ bol napísaný pre dva štvorhlasé zbory. Prvý zbor kladie otázky, druhý zbor mu odpovedá ako ozvena.

Počúvame: O. Lasso Šansón "Echo"

Snímka 39(z talianskeho slova madre - "matka") - pieseň v rodnom, materinskom jazyku. Madrigal je polyfónna (pre 4 alebo 5 hlasov) pieseň lyrického obsahu vznešeného charakteru. Tento vokálny žáner prekvital v 16. storočí.

snímka 40.Gesualdo di Venosa – taliansky skladateľ 16. storočia, jeden z hlavných majstrov svetský madrigal. Bol záhadná osoba. Bohatý princ, vládca mesta Venosa. Gesualdo, ktorý v záchvate žiarlivosti chytil krásnu manželku zrady, si vzal život. Pravidelne upadal do melanchólie a skrýval sa pred všetkými vo svojom hrade. Zomrel vo veku 47 rokov v zmätenej mysli ...

Počas svojho života vydal 6 zbierok päťdielnych madrigalov. Charakteristickým znakom štýlu G. di Venosa je presýtenosť hudby chromatizmami, farebnými juxtapozíciami disonantných akordov, jedinečnými na svoju dobu. Takže Gesualdo premenil na hudbu svoju hroznú bolesť srdca a výčitky svedomia.

Súčasníci jeho hudbe nerozumeli, považovali ju za hroznú, drsnú. Hudobníci 20. storočia si ho vážili, o G. di Venosa bol natočený film, píšu sa knihy, skladateľ A. Schnittke mu venoval operu Gesualdo

Snímka 41. Madrigal "Moro, lasso, al mio duolo" je jedným z najnovších výtvorov G. di Venosa. Vlastní hudbu aj texty:

Oh! Umieram od žiaľu
Ten, kto sľúbil šťastie
Zabíja ma svojou silou!
Ó, oplakávaj zlú smršť!
Ten, ktorý sľuboval život
Dal mi smrť.

Počúvame: G. di Venosa "Moro, laso, al mio duolo"

Snímka 42. Na konci 16. storočia vo Florencii vznikla Florentská Camerata- okruh hudobníkov a básnikov, ktorí chceli oživiť starogrécku tragédiu s jej vlastným osobitým spôsobom vyslovovania textu (niečo medzi rečou a spevom).

Snímka 43. Zrod opery. Z týchto experimentov sa zrodila opera. 6. októbra 1600 sa vo Florencii konala premiéra prvej dochovanej opery Eurydika. Jej autorom je skladateľ a spevák Jacopo Peri.

Počúvame: J. Peri Scéna z opery "Eurydice"

V. Zhrnutie lekcie

- Čo nové ste sa dnes naučili o renesancii?

Zvuk akého nástroja sa ti páči? Ako?

- Prečo moderné nástroje podobná lutna, viola, panenská?

Čo spievali ľudia počas renesancie? Kde? Ako?

– Prečo renesanční umelci tak často zobrazovali hudobníkov?

- Aká hudba, ktorá dnes znela na hodine, sa vám páčila, pamätáte si?

VI. Domáca úloha (voliteľné):

• Spievajte pieseň „Green Sleeves“ z nôt, kto si želá, môže si k nej vyzdvihnúť sprievod;
• Nájsť hudobné obrázky Renesanční umelci a hovoria o nich.

Epocha Vrcholná renesancia.

(Z histórie talianskej hudby od roku 1500)

Renesancia je obdobím zmien vo všetkých oblastiach umenia – maliarstvo, architektúra, sochárstvo, hudba. Toto obdobie znamenalo prechod od stredoveku do súčasnosti. Obdobie medzi rokmi 1500 a 1600, nazývané vrcholná renesancia, je najrevolučnejším obdobím v histórii európska hudba, toto je storočie, v ktorom sa rozvinula harmónia a zrodila sa opera.

V 16. storočí sa najprv rozšírila hudobná tlač, v roku 1501 vydal benátsky kníhtlačiar Ottaviano Petrucci „Harmonice Musices Odhecaton“ – prvú veľkú zbierku svetská hudba. Bola to revolúcia v šírení hudby a prispela aj k tomu, že dominantným sa stal francúzsko-flámsky štýl. hudobný jazyk Európa v nasledujúcom storočí, keďže bol Petrucci Talianom, do svojej zbierky zaradil najmä hudbu francúzsko-flámskych skladateľov. Následne publikoval mnoho diel a talianskych skladateľov, svetských aj duchovných.

Taliansko sa stáva centrom tvorby čembala a huslí. Otvára sa veľa husľových dielní. Jedným z prvých majstrov bol slávna Andrea Amati z Cremony, ktorý začal dynastiu výrobcovia huslí. Prispel významné zmeny do dizajnu existujúcich huslí, čo zlepšilo zvuk a priblížilo ho modernému vzhľadu.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - vynikajúci taliansky hráč na lutnu a skladateľ renesancie, vytvoril Taliansku povesť krajiny virtuóznych hudobníkov. Dodnes je považovaný za najlepšieho hráča na lutnu všetkých čias. Po úpadku neskorého stredoveku sa stala hudba dôležitý prvok kultúra.
Počas renesancie dosiahol madrigal svoj vrchol a stal sa najobľúbenejším hudobným žánrom tej doby. Madrigalisti sa snažili tvoriť vysoké umenie, pričom často využíva prepracovanú poéziu veľkých talianskych básnikov neskorého stredoveku: Francesca Petrarcu, Giovanniho Boccaccia a iných. Najcharakteristickejšou črtou madrigalu bola absencia prísnych štrukturálnych kánonov, hlavným princípom bolo slobodné vyjadrovanie myšlienok a pocitov.
Skladatelia ako predstaviteľ benátskej školy Cypriano de Rore a predstaviteľ francúzsko-flámskej školy Roland de Lassu experimentovali s rastúcim chromatizmom, harmóniou, rytmom, textúrou a inými prostriedkami hudobného vyjadrenia. Ich skúsenosti budú pokračovať a vyvrcholia v manieristickej ére Carla Gesualda.
V roku 1558 Josephfo Zarlino (1517-1590), najväčší teoretik hudby od čias Aristotela po barokové obdobie, vytvoril Základy harmoniky, v tomto najväčšom výtvore hudobnej vedy 16. storočia oživil staroveký koncept znejúceho počtu, podložil teoretické a estetické opodstatnenie veľkých a malých triád. Jeho učenie o hudbe malo významný vplyv na západnú Európu hudobná veda a tvorili základ mnohých neskorších charakteristík dur a mol.

Zrodenie opery (Florentine Camerata)

Koniec renesancie poznačený významnú udalosť v hudobná história- zrod opery.
Skupina humanistov, hudobníkov a básnikov sa zišla vo Florencii pod záštitou ich vodcu, grófa Giovanniho De Bardiho (1534 - 1612). Skupina sa volala „kamerata“, jej hlavnými členmi boli Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (otec astronóma Galilea Galileiho), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri a v mladších rokoch Ottavio Rinuccini.
Prvé zdokumentované stretnutie skupiny sa konalo v roku 1573 a najaktívnejšie roky „Florence Camerata“ boli 1577 - 1582.
Verili, že hudba sa „pokazila“ a snažili sa vrátiť k forme a štýlu. staroveké Grécko, za predpokladu, že hudobné umenie možno zlepšiť a podľa toho sa zlepší aj spoločnosť. Camerata existujúcej hudbe vyčítala prílišné používanie polyfónie na úkor zrozumiteľnosti textu a stratu poetickej zložky diela a navrhla vytvorenie nového hudobného štýlu, v ktorom by text v monodickom štýle sprevádzal tzv. inštrumentálnej hudby. Ich experimenty viedli k vytvoreniu novej vokálnej a hudobnej formy – recitatívu, ktorý prvýkrát použil Emilio de Cavalieri, následne priamo súvisiaci s vývojom opery.
Koncom 16. storočia začali skladatelia posúvať hranice renesančných štýlov, nastúpilo barokové obdobie, ktoré ho nahradilo vlastnou charakteristikou a novými objavmi v hudbe. Jedným z nich bol Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso vo Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15.05.1567 - 29.11.1643) - taliansky skladateľ, hudobník, spevák. Najvýznamnejší skladateľ baroka, jeho diela sú často považované za revolučné, označujúce prechod v hudbe od renesancie k baroku. Žil v ére veľkých zmien v hudbe a bol sám mužom, ktorý ju zmenil.

Monteverdi, Venite, Venite.

Monteverdi. Z opery "Orfeus"

Prvou oficiálne uznanou operou, ktorá spĺňa moderné štandardy, bola opera „Daphne“ (Daphne), prvýkrát uvedená v roku 1598. Autormi „Daphne“ boli Jacopo Peri a Jacopo Corsi, libreto Ottavio Rinuccini. Táto opera sa nezachovala. Prvou zachovanou operou je „Eurydice“ (1600) od tých istých autorov – Jacopa Periho a Ottavia Rinucciniho. Toto tvorivé spojenie ešte vytvorilo mnoho diel, z ktorých väčšina sa stratila.

Jacopo Peri. Tu dormi, e I dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Cirkevná hudba 16. storočia.

16. storočie sa vyznačuje veľmi silným vplyvom katolícky kostol a jeho inkvizície o vývoji umenia a vedy v Európe. V roku 1545 sa zišiel Tridentský koncil, jeden z najvýznamnejších koncilov v dejinách katolíckej cirkvi, ktorého účelom bolo reagovať na reformačné hnutie. V tejto katedrále sa uvažovalo najmä o cirkevnej hudbe.
Niektorí delegáti sa snažili vrátiť k jednohlasnému gregoriánskemu chorálu a vylúčiť kontrapunkt zo spevov, už existoval tichý zákaz používania tzv. polyfónny štýl v sakrálnej hudbe, vrátane, boli zakázané takmer všetky sekvencie. Dôvodom tohto postoja bolo presvedčenie, že polyfónna hudba v dôsledku kontrapunktických plexusov odsúva text do úzadia, pričom je narušená aj hudobná harmónia diela.
Na vyriešenie sporu bol vytvorený špeciálny výbor. Táto komisia poverila Giovanniho Pierluigiho da Palestrinu (1514-1594), jedného z najväčších skladateľov cirkevná hudba, vytvorte skúšobné masy, berúc do úvahy všetky požiadavky strán. Palestrina vytvoril tri šesťhlasé omše, vrátane svojej najznámejšej „omše pápeža Marcella“, venovanej pápežovi Marcellovi II., jeho patrónovi v r. mládež. Tieto diela mali silný vplyv na duchovenstvo a ukončili spory, ustali reči proti používaniu kontrapunktu v cirkevnej hudbe.
Dielo Giovanniho Pierluigiho Palestrinu je vrcholom vývoja kontrapunktickej sakrálnej hudby a capella, spájajúcej všetky možné kombinácie polyfónie a čistoty textov.

Palestrina. Sicut Cervus.

Palestrina. Gloria

V hudobnej kultúre renesancie možno rozlíšiť niekoľko definujúcich inovatívnych čŕt.

Po prvé, rýchly rozvoj svetského umenia, vyjadrený všadeprítomnosťou mnohých svetských piesňových a tanečných žánrov. Toto sú talianskefrottolas („ľudové piesne, od frottola slová - dav), villanelles ("dedinské piesne"),cacchia , canzone (doslova - piesne) a madrigaly, španielčinavillancico (z vily - dediny), francúzske piesne šansón, nemKlamal , Angličtina balady iné. Všetky tieto žánre, oslavujúce radosť z bytia, zaujímajú vnútorný svetľudia, usilujúci sa o pravdu života, priamo odrážali čisto renesančný svetonázor. Pre ich vyjadrovacie prostriedky typicky rozsiahle používanie intonácií a rytmov ľudovej hudby.

Vyvrcholenie svetskej línie v umení renesancie -madrigal . Názov žánru znamená „pieseň v materinskom (čiže talianskom) jazyku“. Zdôrazňuje rozdiel medzi madrigalom a posvätnou hudbou v latinčine. Vývoj žánru prešiel od nenáročnej jednohlasej pastierskej piesne k 5-6-hlasovej vokálno-inštrumentálnej skladbe s vycibreným a rafinovaným lyrický text. Medzi básnikov, ktorí sa obrátili k madrigalovému žánru, patria Petrarca, Boccaccio, Tasso. Skladatelia A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi boli pozoruhodnými majstrami madrigalu. Madrigal pochádza z Talianska a rýchlo sa rozšíril do ďalších západných krajín. európske krajiny.

Francúzska verzia viachlasnej piesne je tzvšansón . Od madrigalu sa odlišuje väčšou blízkosťou k reálnemu, každodennému životu, teda žánru. Medzi tvorcami šansónu -Klement Jeannequin , jeden z najznámejších francúzskych skladateľov renesancie.

Po druhé, najvyšší rozkvet zborovej polyfónie, ktorá sa stala vedúcim hudobným štýlom tej doby. Majestátny a harmonický, dokonale ladil so slávnosťou bohoslužby. V rovnakom čase polyfónna polyfónia bola dominantnou formou prejavu nielen v duchovných žánroch, ale aj v tých svetských.

Rozvoj zborovej polyfónie bol spojený predovšetkým s tvorbou skladateľov holandskej (francúzsko-flámskej) školy: Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (okolo 1532-1594) pôsobil v mnohých európskych krajinách. Jeho talent, skutočne fenomenálny, si podmanil a potešil každého. V rozsiahlom diele Orlanda Lassu všetko hudobných žánrov Renesancia (s prevahou svetskej hudby nad duchovnou). Medzi jeho najobľúbenejšie diela patrí „Echo“, napísané v žánri talianskych domácich piesní. Skladba je postavená na farebnom súbehu dvoch zborov, čím vzniká efekt ozveny. Text patrí samotnému skladateľovi.

Spolu s Orlandom Lassom bol najväčším predstaviteľom vrcholnej renesancie v hudbe TalianPalestrina (celé meno Giovanni Pierluigi da Palestrina, okolo 1525-1594). Väčšinu života Palestrina strávil v Ríme, kde bol neustále spájaný s prácou v cirkvi, najmä viedol kaplnku katedrály sv. Peter. Hlavnou súčasťou jeho hudby sú sakrálne diela, predovšetkým omše (je ich viac ako stovka, medzi ktorými vyniká najmä slávna „omša papa Marcella“) a motetá. Palestrina však ochotne komponoval aj svetskú hudbu – madrigaly, canzonettes. Skladby Palestrinu pre refrén a sarrellasa stal klasickým príkladom renesančnej polyfónie.

Dielo polyfonických skladateľov hralo vedúcu úlohu vo vývoji hlavného žánru renesančnej hudby -omši . Vzniká v stredoveku, žáner omše vXIV- XVIPo stáročia sa rýchlo transformuje, prechádza od samplov reprezentovaných samostatnými, nesúrodými časťami ku skladbám harmonickej cyklickej formy.

Záležiac ​​na cirkevný kalendár v hudbe omše boli niektoré časti vynechané a iné časti vložené. Existuje päť povinných častí, ktoré sú neustále prítomné v cirkevnej službe. ATja a V - « Kyrieeleison» („Pane, zmiluj sa“) a« AgnusDei» (« Baránok Boží") - bola vyjadrená modlitba za odpustenie a milosrdenstvo. InII a IV - « Gloria"("Sláva") a " Sanctus» (« Svätý") - chvála a vďačnosť. V centrálnej časti,Krédo» (« Verím“), vysvetlil hlavné princípy kresťanskej viery.

Po tretie, rastúca úloha inštrumentálnej hudby(s jasnou prevahou vokálnych žánrov). Ak európsky stredovek takmer nepoznal profesionálny inštrumentalizmus, potom v renesancii vzniklo veľa diel pre lutnu (najčastejšie hudobný nástroj toho času), organ, viola, vihuela, panenský, pozdĺžne flauty. Stále sa riadia vokálnymi vzormi, ale záujem o inštrumentálnu hru je už stanovený.

Po štvrté, počas renesancie sa aktívne formovali národné hudobné školy (holandskí polyfonisti, anglickí virginalisti, španielski vihuelaisti a iní), ktorých tvorba vychádzala z folklóru ich krajiny.

Napokon, teória hudby vykročila ďaleko dopredu a posunula sa dopredu celý riadokúžasní teoretici. Je to francúzskyPhilip de Vitry , autor traktátu Arsnova» (« Nové umenie“, kde je uvedené teoretické zdôvodnenie nového polyfónneho štýlu); talianskyJosephfo Carlino , jeden z tvorcov vedy o harmónii; švajčiarskyGlarean , zakladateľ náuky o melódii.

Ministerstvo školstva Ruskej federácie

Moskovská štátna otvorená pedagogická univerzita

ich. M.A. Sholokhova

Katedra estetickej výchovy

ESAY

"Hudba renesancie"

Študenti 5. kurzu

Plný úväzok - korešpondenčné oddelenie

Polegaeva Lyubov Pavlovna

učiteľ:

Zatsepina Maria Borisovna

Moskva 2005

Renesancia - obdobie rozkvetu kultúry krajín západnej a strednej Európy v období prechodu od stredoveku k novému času (XV-XVII storočia). Kultúra renesancie nemá úzkotriedny charakter a často odráža náladu širokých más ľudu, v hudobnej kultúre predstavuje niekoľko nových vplyvných tvorivých škôl. Hlavným ideologickým jadrom celej kultúry tohto obdobia bol humanizmus - nová, bezprecedentná myšlienka človeka ako slobodnej a komplexne rozvinutej bytosti, schopnej neobmedzeného pokroku. Človek je hlavným námetom umenia a literatúry, dielom najväčších predstaviteľov renesančnej kultúry – F. Petrarcu a D. Boccaccia, Leonarda da Vinciho a Michelangela, Raphaela a Tiziana. Väčšina kultúrnych osobností tejto éry boli sami multitalentovaní ľudia. Leonardo da Vinci teda nebol len vynikajúci umelec, ale aj sochár, vedec, spisovateľ, architekt, skladateľ; Michelangelo je známy nielen ako sochár, ale aj ako maliar, básnik a hudobník.

Vývoj svetonázoru a celej kultúry tohto obdobia ovplyvnilo pridržiavanie sa antických vzorov. V hudbe sa spolu s novým obsahom rozvíjajú aj nové formy a žánre (piesne, madrigaly, balady, opery, kantáty, oratóriá).

So všetkou integritou a úplnosťou kultúry renesancie je charakteristická črtami nekonzistentnosti spojenej s prelínaním prvkov novej kultúry so starou. Náboženské témy v umení tohto obdobia naďalej nielen existujú, ale sa aj rozvíjajú. Zároveň je natoľko transformovaný, že diela vytvorené na jeho základe sú vnímané ako žánrové výjavy zo života vznešených i obyčajných ľudí.

Talianska kultúra renesancie prešla určitými štádiami vývoja: Vznikla koncom 14. storočia a vrchol dosiahla v polovici 15. - začiatkom 16. storočia. V druhej polovici XVI storočia. prichádza dlhá feudálna reakcia v dôsledku ekonomického a politického úpadku krajiny. Humanizmus je v kríze. Úpadok umenia však nie je v žiadnom prípade okamžite naznačený: po celé desaťročia tvorili talianski umelci a básnici, sochári a architekti diela najvyššej umeleckej hodnoty, rozvíjali sa väzby medzi rôznymi tvorivými školami, vymieňali si skúsenosti medzi hudobníkmi, ktorí sa sťahovali z krajiny. do krajiny, práca v rôznych kaplnkách, sa stáva znamením času a umožňuje nám hovoriť o trendoch spoločných pre celú éru.

Renesancia je jednou z najskvelejších stránok v dejinách európskej hudobnej kultúry. Plejáda veľkých mien Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo, ktorí otvorili nové obzory hudobnej tvorivosti vo výrazových prostriedkoch, bohatosti polyfónie, škále foriem; rozkvet a kvalitatívna obnova tradičných žánrov - motetá, omše; presadzovanie novej obraznosti, nových intonácií v oblasti viachlasných piesňových skladieb, prudký rozvoj inštrumentálnej hudby, ktorá sa dostala do popredia po takmer piatich storočiach podriadenosti: iné formy muzicírovania, rast profesionality vo všetkých oblastiach hudobnej tvorivosti: zmena názorov na úlohu a možnosti hudobného umenia, formovanie nových kritérií krásy: humanizmus ako skutočne nastupujúci trend vo všetkých oblastiach umenia - to všetko súvisí s našimi predstavami o renesancii. Umelecká kultúra renesancie je osobným začiatkom založeným na vede. Nezvyčajne zložitá zručnosť polyfonistov 15.-16. storočia, ich virtuózna technika koexistovala s jasným umením každodenných tancov, sofistikovanosťou svetských žánrov. V jeho dielach sa čoraz viac prejavuje lyricko-dramatizmus. Okrem toho sa v nich zreteľnejšie prejavuje osobnosť autora, tvorivá individualita umelca (to je typické nielen pre hudobné umenie), čo umožňuje hovoriť o humanizácii ako o poprednom princípe renesančného umenia. Zároveň cirkevná hudba, reprezentovaná napr hlavné žánre, ako omša a moteto do určitej miery pokračuje v „gotickej“ línii v umení renesancie, zameranej predovšetkým na znovuvytvorenie už existujúceho kánonu a prostredníctvom toho na oslavu Božského.

Diela takmer všetkých hlavných žánrov, svetských aj duchovných, sú postavené na základe nejakého predtým známeho hudobného materiálu. Mohol by byť monofónnym zdrojom v motetách a rôznych svetských žánroch, inštrumentálnych úpravách; môžu to byť dva hlasy požičané z trojhlasnej skladby a zahrnuté do nového diela rovnakého alebo iného žánru a nakoniec kompletný troj- alebo štvorhlas (motet, madrigal, hrajúci úlohu akéhosi predbežného „model“ diela väčšej formy (hmotnosti).

Primárnym zdrojom je rovnako populárna, všeobecne známa melódia (zborová alebo svetská pieseň) a akákoľvek autorská skladba (alebo hlasy z nej), spracovaná inými skladateľmi, a teda obdarená inými zvukovými vlastnosťami, inou umeleckou myšlienkou.

Napríklad v žánri motet takmer neexistujú diela, ktoré by nemali žiadny originálny originál. Väčšina omší skladateľov 15. – 16. storočia má aj primárne pramene: napríklad v Palistrine z celkového počtu vyše sto omší nájdeme len šesť napísaných na báze bez výpožičiek. O. Lasso nenapísal ani jednu omšu (z 58) na autorský materiál.

Zároveň si možno všimnúť, že okruh primárnych prameňov, o ktoré sa autori opierajú, je celkom jasne naznačený. Zdá sa, že G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso a ďalší spolu súperia, znova a znova sa odvolávajú na tie isté melódie, čerpajú z nich zakaždým nové umelecké impulzy pre svoje diela, prehodnocujú melódie ako počiatočné intonačné prototypy pre polyfónne formy.

Pri vykonávaní diela bola použitá technika - polyfónia. Polyfónia je polyfónia, v ktorej sú všetky hlasy rovnaké. Všetky hlasy opakujú rovnakú melódiu, ale v rôznych časoch, ako ozvena. Táto technika sa nazýva imitačná polyfónia.

V 15. storočí sa formovala takzvaná polyfónia „prísneho písma“, ktorej pravidlá (normy vedenia hlasu, tvarovania atď.) boli pevne stanovené v vtedajších teoretických pojednaniach a boli nemenným zákonom. tvorba cirkevnej hudby.

Ďalšie spojenie, kedy interpreti vyslovili rôzne melódie a zároveň rôzne texty, sa nazýva kontrastná polyfónia. Vo všeobecnosti „prísny“ štýl nevyhnutne zahŕňa polyfóniu jedného z dvoch typov: imitácia alebo kontrast. Bola to práve imitácia a kontrastná polyfónia, ktorá umožnila komponovať viachlasné motetá a omše pre bohoslužby.

Moteto je malá zborová pieseň, ktorá bola zvyčajne zložená na nejakú populárnu melódiu, najčastejšie na niektorú zo starých cirkevných nápevov („gregoriánske spevy“ a iné kanonické zdroje, ako aj ľudová hudba).

So začiatkom 15. storočia sa v hudobnej kultúre mnohých európskych krajín čoraz viac prejavujú črty, ktoré sú vlastné renesančnej dobe. Guillaume Dufay (Dufay), významný medzi ranými polyfonistami holandskej renesancie, sa narodil vo Flámsku okolo roku 1400. Jeho diela sú v skutočnosti viac ako polstoročím histórie holandskej hudobnej školy, ktorá sa formovala v druhej štvrtine 15. storočia.

Dufay viedol niekoľko kaplniek vrátane pápežskej kaplnky v Ríme, pôsobil vo Florencii a Bologni a posledné roky života prežil v rodnom Cambrai. Dufayovo dedičstvo je bohaté a bohaté: zahŕňa okolo 80 piesní (komorné žánre - virély, balady, rondo), okolo 30 motet (tak duchovného obsahu, ako aj svetské, „piesňové“), 9 celých omší a ich samostatné časti.

Vynikajúci melodik, ktorý dosiahol lyrickú vrúcnosť a výraz melódií, vzácnych v dobe prísneho štýlu, sa ochotne priklonil k ľudovým melódiám a podrobil ich najzručnejšiemu spracovaniu. Dufay prináša do omše veľa nového: širšie rozširuje kompozíciu celku, voľnejšie využíva kontrasty zborového zvuku. Jednou z jeho najlepších kompozícií sú omše „Pale Face“, „Armed Man“, ktoré využívajú prevzaté melódie s rovnomenným názvom piesne. Tieto piesne v rôznych verziách tvoria široko rozšírený intonačno-tematický základ, ktorý drží pohromade jednotu veľkých zborových cyklov. V polyfónnom spracovaní nádherného kontrapunktéra odhaľujú dovtedy nepoznané krásy ukryté v ich hĺbkach a výrazové možnosti. Dufayova melódia harmonicky spája kyslú sviežosť holandskej piesne s jej zjemňujúcou talianskou melodickosťou a francúzskou gráciou. Jeho imitačná polyfónia je zbavená umelosti a hromady. Niekedy sa riedkosť stáva nadmernou, objavujú sa dutiny. To ovplyvňuje nielen mládež umenia, ktorá ešte nenašla ideálnu rovnováhu štruktúry, ale aj túžbu charakteristickú pre kumbijského majstra dosiahnuť umelecký a expresívny výsledok s najskromnejšími prostriedkami.

Dielo Dufayových mladších súčasníkov, Johannesa Okeghema a Jakoba Obrechta, sa už pripisuje takzvanej druhej holandskej škole. Obaja skladatelia sú významnými osobnosťami svojej doby, ktoré determinovali vývoj holandskej polyfónie v druhej polovici 15. storočia.

Johannes Okegem (1425 - 1497) pracoval väčšinu svojho života v kaplnke francúzskych kráľov. Zoči-voči Okeghemu, pred Európou, fascinovaný jemným, melodickým piesňovým lyrikom Dufaya, naivnou krotkou a archaicky jasnou eufóniou jeho omší a motet, sa objavil úplne iný umelec - „racionalista s vášnivým okom“ a sofistikované a technické pero, ktoré sa niekedy vyhýba lyrike a snaží sa čo najskôr zachytiť v hudbe určité extrémne všeobecné zákony objektívnej existencie. Objavil úžasné majstrovstvo vývoja melodických liniek vo viachlasných zostavách. Niektoré gotické črty sú vlastné jeho hudbe: figuratívnosť, neindividuálna povaha expresivity atď. Vytvoril 11 ucelených omší (a množstvo ich častí), vrátane témy „Armed Man“, 13 motet a 22 piesní. Práve veľké polyfónne žánre sú u neho na prvom mieste. Niektoré z Okeghemových piesní si získali popularitu medzi súčasníkmi a opakovane slúžili ako primárny základ pre polyfónne aranžmány vo väčších formách.

Kreatívny príklad Okegema ako najväčšieho majstra a čistého polyfonistu mal veľkú hodnotu pre súčasníkov a nasledovníkov: jeho nekompromisné zameranie na špeciálne problémy polyfónie vzbudzovalo rešpekt, ak nie obdiv, dalo vznik legende a obklopovalo jeho meno svätožiarou.

Medzi tými, ktorí spájali 15. storočie s nasledujúcim, a to nielen chronologicky, ale aj z hľadiska podstaty tvorivého vývoja, patrí prvé miesto bezpochyby Jacobovi Obrechtovi. Narodil sa v roku 1450 v Bergene op Zoom. Obrecht pôsobil v kaplnkách v Antverpách, Cambrai, Bruggách a ďalších a slúžil aj v Taliansku.

AT tvorivé dedičstvo Obrecht - 25 omší, asi 20 motet, 30 viachlasných piesní. Od svojich predchodcov a starších súčasníkov zdedil vysoko rozvinutú, až virtuóznu polyfónnu techniku, imitačno-kanonické postupy polyfónie. V Obrechtovej hudbe, ktorá je celá polyfónna, občas počujeme zvláštnu silu prinajmenšom neosobných emócií, odvážnosť kontrastov vo veľkých i malých medziach, celkom „pozemské“, takmer každodenné súvislosti v povahe zvukov a detailov tvarovania. Jeho svetonázor prestáva byť gotický. Smeruje k Josquinovi Despresovi, skutočnému predstaviteľovi renesancie v hudobnom umení.

Obrechtov štýl sa vyznačuje individuálnymi črtami, vrátane odklonu od gotickej neviazanosti, vyvolávania opozície, sily emócií a prepojenia s každodennými žánrami.

Prvá tretina 16. storočia v Taliansku je obdobím vrcholnej renesancie, časom tvorivého rozmachu a nebývalej dokonalosti, stelesnenej vo veľkých dielach Leonarda da Vinciho, Raphaela, Michelangela. Vytvára sa určitá spoločenská vrstva, ktorej sily sa organizujú divadelné predstavenia a hudobné prázdniny. Rozvíjajú sa aktivity rôznych umeleckých akadémií.

O niečo neskôr začína obdobie vysokého rozkvetu v hudobnom umení nielen v Taliansku, ale aj v Nemecku, Francúzsku a ďalších krajinách. Vynález notového záznamu má veľký význam pre šírenie hudobných diel.

Tradície polyfónnej školy zostávajú silné ako predtým (najmä spoliehanie sa na vzorku má rovnaký význam), mení sa však postoj k výberu tém, zvyšuje sa emocionálna a obrazová bohatosť diel, osobnostná, autorský princíp sa zintenzívňuje. Všetky tieto črty sú zjavné už v diele talianskeho skladateľa Josquina Despresa, ktorý sa narodil okolo roku 1450 v Burgundsku a bol jedným z najväčších skladateľov holandskej školy konca 15. a začiatku 16. storočia. Nadaný krásnym hlasom a sluchom od dospievania pôsobil ako zborista v cirkevných zboroch vo svojej vlasti i v iných krajinách. Tento skorý a úzky kontakt s vysokým zborovým umením, aktívna a praktická asimilácia veľkých umeleckých pokladov kultovej hudby do značnej miery určila smer, ktorým sa v tom čase rozvíjala individualita budúceho majstra génia, jeho štýl a žánrové záujmy.

V mladších rokoch študoval Despres kompozičné umenie u I. Okeghema, od ktorého sa zdokonalil aj v hre na rôzne hudobné nástroje.

Neskôr Josquin Despres vyskúšal všetky vtedajšie hudobné žánre, vytvoril žalmy, motetá, omše, hudbu na Umučenie Pána, skladby na počesť Panny Márie a svetské piesne.

Prvá vec, ktorá na Despresových dielach upúta, je nápadná kontrapunktická technika, ktorá umožňuje považovať autora za skutočného kontrapunktického virtuóza. Napriek úplnému držaniu materiálu však Despres písal veľmi pomaly a veľmi kriticky skúmal svoje diela. Počas skúšobného predvedenia skladieb v nich urobil veľa zmien, snažiac sa dosiahnuť dokonalú eufóniu, ktorú nikdy neobetoval kontrapunktovým plexusom.

Použitím iba polyfonických foriem dáva skladateľ v niektorých prípadoch hornému hlasu neobyčajne krásnu splývavú melódiu, vďaka čomu sa jeho tvorba vyznačuje nielen eufóniou, ale aj melodikou.

Despres, ktorý nechce ísť za prísny kontrapunkt, na zmiernenie disonancií ich pripravuje takpovediac pomocou disonantnej noty v predchádzajúcej konsonancii vo forme konsonancie. Despres veľmi úspešne využíva aj disonancie ako prostriedok na posilnenie hudobného prejavu.

Treba podotknúť, že J. Despresa možno právom považovať nielen za talentovaného kontrapunktéra a citlivého hudobníka, ale aj za vynikajúceho umelca, schopného vo svojich dielach sprostredkovať tie najjemnejšie odtiene pocitov a rôznych nálad.

Josquin technicky a esteticky prevyšoval talianskych a francúzskych polyfonistov 15. storočia. Preto ich v rýdzo hudobnej sfére ovplyvnil oveľa viac, ako bol nimi ovplyvnený. Až do svojej smrti viedol Despres najlepšie kaplnky v Ríme, Florencii a Paríži. Vždy bol rovnako oddaný svojej práci, prispieval k šíreniu a uznávaniu hudby. Zostal Holanďanom, „majstrom z Condé“. A bez ohľadu na to, aké brilantné boli zahraničné úspechy a vyznamenania, dokonca aj počas života, ktorý bol „majstrom hudby“ (ako ho nazývali jeho súčasníci), poslúchal neodolateľné „volanie zeme“ už vo svojich klesajúcich rokoch. sa vrátil na brehy Šeldy a skromne ukončil svoj život ako kanonik .

V Taliansku počas vrcholnej renesancie prekvitali svetské žánre. Vokálne žánre sa vyvíjajú v dvoch hlavných smeroch – jeden z nich je blízky každodennej piesni a tancu (frotoles, villanelles a pod.), druhý je spojený s polyfónnou tradíciou (madrigal).

Madrigal ako osobitá hudobno-básnická forma poskytoval mimoriadne príležitosti na prejav skladateľovej individuality. Hlavná náplň jeho textov, žánrové výjavy. AT Benátska škola prekvitali žánre scénickej hudby (pokus o oživenie antická tragédia). Inštrumentálne formy získali nezávislosť (kusy pre lutnu, vihuelu, organ a iné nástroje).

Bibliografia:

Efremová T.F. Nový slovník Ruský jazyk. Vysvetľujúce - odvodzovacie - M .: Rus. yaz.., 2000 –T. 1: A-O - 1209 s.

Krátky slovník estetiky. M., Politizdat, 1964. 543 s.

Populárna história hudby.

Tichonova A. I. Renesancia a barok: Kniha na čítanie - M .: Vydavateľstvo LLC ROSMEN - PRESS, 2003.- 109 s.

Renesancia, alebo renesancia, je obdobie v dejinách kultúry západnej a strednej Európy pokrýva približne XIV-XVI storočia. Toto obdobie dostalo svoj názov v súvislosti s oživením záujmu o staroveké umenie, ktorý sa stal ideálom kultúrnych osobností novej doby. Skladatelia a hudobní teoretici - J. Tinktoris, J. Tsarlino a ďalší - študovali starogrécke hudobné traktáty; v dielach Josquina Despresa, ktorý bol porovnávaný s Michelangelom, sa podľa súčasníkov „oživila stratená dokonalosť hudby starých Grékov“: objavilo sa na konci XVI- skorý 17 storočie opera sa riadila zákonitosťami antickej drámy.

Hodiny hudobnej teórie. Z rytiny zo 16. storočia.

J. P. Palestrina.

Rozvoj kultúry renesancie je spojený so vzostupom všetkých aspektov spoločnosti. Zrodil sa nový svetonázor – humanizmus (z latinského humanus – „človek“). emancipácia tvorivé sily viedol k prudkému rozvoju vedy, obchodu, remesiel, v hospodárstve sa formovali nové, kapitalistické vzťahy. Vynález tlače prispel k rozšíreniu vzdelanosti. Skvelé geografické objavy a heliocentrický systém sveta N. Kopernika zmenil predstavy o Zemi a Vesmíre.

Dosiahol nebývalý rozkvet umenie, architektúra, literatúra. Nový postoj sa premietol do hudby a zmenil jej vzhľad. Postupne sa odkláňa od noriem stredovekého kánonu, štýl sa individualizuje, po prvý raz sa objavuje samotný pojem „skladateľ“. Mení sa textúra diel, zvyšuje sa počet hlasov na štyri, šesť i viac (známy je napr. 36-hlasý kánon, pripisovaný najväčšiemu predstaviteľovi holandskej školy J. Okegemovi). V harmónii dominujú spoluhláskové konsonancie, použitie disonancií je prísne obmedzené osobitnými pravidlami (pozri Súzvuk a disonancia). Vznikajú durové a molové stupnice a hodinový systém rytmov, ktoré sú charakteristické pre neskoršiu hudbu.

Všetky tieto nové prostriedky použili skladatelia na vyjadrenie zvláštneho systému pocitov renesančného človeka - vznešeného, ​​harmonického, pokojného a majestátneho. Spojenie textu a hudby sa zužuje, hudba začína sprostredkovať náladu, alebo, ako sa vtedy hovorilo, afekty textu, jednotlivé slová, ako „život“, „smrť“, „láska“ atď. sú často ilustrované špeciálnymi hudobnými prostriedkami.

Renesančná hudba sa rozvíjala dvoma smermi – cirkevným a svetským. Hlavné žánre cirkevnej hudby - omša a moteto - polyfónia polyfónne diela pre zbor bez sprievodu alebo so sprievodom inštrumentálny súbor(pozri Zborová hudba, Polyfónia). Z nástrojov dostal prednosť organ.

Rozmach amatérskeho muzicírovania prispel k rozvoju svetskej hudby. Hudba znela všade: na uliciach, v domoch občanov, v palácoch šľachtických šľachticov. Prví koncertní virtuózni interpreti sa objavili na lutne, čembale, organe, viole, rôznych typoch pozdĺžnych píšťal. V polyfónnych piesňach (madrigal - v Taliansku, šansón - vo Francúzsku) skladatelia hovorili o láske, o všetkom, čo sa vyskytuje v živote. Tu sú názvy niektorých skladieb: „Lov na jeleňa“, „Echo“, „Battle of Marignano“.

V XV-XVI storočia. vzrastá význam tanečného umenia, objavujú sa početné pojednania a praktické návody choreografie, zbierky tanečná hudba, medzi ktoré patria obľúbené tance tej doby - basový tanec, branle, pavane, galliard.

V období renesancie vznikali národné hudobné školy. Najväčšou z nich je holandská (francúzsko-flámska) polyfonická škola. Jej predstaviteľmi sú G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Medzi ďalšie národné školy patrí taliančina (J. P. Palestrina), španielčina (T. L. de Victoria), angličtina (W. Byrd), nemčina (L. Senfl).