Aký je hudobný nástroj vo Francúzsku na konci. Začnite vo vede

Počiatky F. m. siahajú do folklóru keltských, galských a franských kmeňov, ktoré žili v staroveku na území dnešného Francúzska. Nar.-piesňové umenie, ako aj galo-rímska kultúra sa stali základom rozvoja F. m. Antická lit. a znázorniť. materiály naznačujú, že hudba, tanec boli pridelené bytostiam. úlohu v živote ľudí, hudba bola dôležitým prvkom rodinného života, náboženstva. rituály. Spoľahlivé údaje o skutočne Nar. Pieseň patrí do 15. storočia. (z tejto doby pochádzajú jej prvé zachované záznamy).

V dielach Francúzov folkloristi sa považujú za početné. ľudové žánre. piesne: lyrické, ľúbostné, sťažovateľské (sťažnosti), tanečné (rondes), satirické, remeselnícke piesne (chansons de metiers), kalendár, napr. Vianoce (noel); pracovné, historické, vojenské atď. K folklóru patria aj piesne spojené s galskou a keltskou vieroukou – „piesne o skutkoch“ (chansons de geste). Pastorály (idealizácia vidieckeho života) zaujímajú medzi lyrickými osobitné miesto. V ľúbostných príbehoch prevládajú témy nešťastnej lásky a rozchodu. Veľa pesničiek je venovaných deťom – uspávanky, hry. Robotnícke (piesne žencov, oráčov, vinohradníkov a pod.), piesne vojakov a regrútov sú pestré. Osobitnú skupinu tvoria balady o križiackych výpravách, piesne odhaľujúce krutosť feudálov, kráľov a dvoranov, piesne o sedliackych povstaniach (túto skupinu piesní vedci nazývajú „básnický epos dejín Francúzska“).

Pre Francúzov nar. piesne sa vyznačujú elegantnou a flexibilnou melodikou, úzkym prepojením hudby a slova, jasnou, často kupletovou formou. Prevládajúce režimy sú prirodzené durové a molové. Typické sú 2- a 3-dielne veľkosti, najbežnejší meter je 6/8. Často sa slabiky opakujú v zboroch, ktoré nemajú sémantický význam: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron atď. Nar. pieseň je organicky spojená s tancom. Medzi najstaršie nar tance patria rôzne kruhové tance, skupinové a párové tance vr. jig, bourre, rigaudon, farandel, branle, paspier.

Jedno zo stvorení. Francúzske vrstvy. hudba kultúra bola cirkev. hudba, ktorá sa rozšírila spolu s kresťanstvom. Počnúc 4. stor. do kostola hudba bola stále viac a viac ovplyvnená miestnymi ľuďmi. vplyv. Cirkev bola nútená pri bohoslužbách používať ľudovo-piesňový materiál, prispôsobiť lat. texty k existujúcim nár. melódie. V katolíckom kostol hymny prenikajú aj do hudby (v Galii sa medzi ich autormi preslávil Illarius z Poitiers). To. vznikli miestne formy liturgie a vytvorili sa ich vlastné spevy. zvyky (galské melódie). Centrá gallikánskej kultovej hudby boli sústredené v Lugdune, Narbo, Massilia. Počas niekoľkých Celé stáročia sa stavali proti všeobsažnej politike rímskej cirkvi, ktorá sa stavala proti miestnym typom bohoslužieb, pre uniformitu cirkvi. služby. V tomto boji podporovali Rím franskí králi.

V 8.-9.stor. rané gallikánske formy kresťanskej liturgie sú nahradené gregoriánskou liturgiou, ktorá je napokon schválená v 11. storočí. Šírenie gregoriánskeho chorálu za vlády karolínskej dynastie (751-987) je spojené predovšetkým s činnosťou benediktínskych kláštorov. katolícky slúžili opátstva Jumiège (na Seine, neďaleko Rouen), Saint-Martial (v Limoges), Saint-Denis (neďaleko Paríža), Cluny (v Burgundsku) a tiež v Poitiers, Arles, Tours, Chartres a ďalších mestách ako propagandistické centrá cirkvi. hudby, boli strediskami prof. duchovnej a čiastočne svetskej hudby. kultúra. V mnohých opátstvach boli speváci. školy (metrises), kde sa vyučovali pravidlá gregoriánskeho chorálu, hrania hudby. nástrojov. Tu sa vypracovali princípy zápisu (nástupom bezvýznamového zápisu v polovici 9. storočia žiaci ovládali základy tohto zápisu; pozri Nevmas), formovala sa skladateľská kreativita.

V 9. storočí v súvislosti s rozpadom ríše Karola Veľkého a oslabením postavenia pápežstva v cirkvi. v hudbe sa objavujú demokratickejšie, v podstate „protigregoriánske“ tendencie, rozvíjajú sa jej nové formy, najmä postupnosť (vo Francúzsku sa jej hovorí aj próza). Vytvorenie tejto podoby sa pripísalo mníchovi z kláštora St. Gallen (vo Švajčiarsku) Notkerovi, ktorý však v predslove k svojej „Knihe hymnov“ uviedol, že informácie o sekvenciách dostal od mnícha z opátstva z Jumièges. Následne sa vo Francúzsku preslávili najmä autori próz Adam z opátstva Saint-Victor (12. storočie) a P. Corbeil (začiatok 13. storočia, tvorca slávnej „Oslí prózy“).

Spolu so sekvenciami sa rozšírili aj tropy. Spočiatku sa tieto vložky v strede gregoriánskeho chorálu od neho nelíšili v povahe hudby, ktorá dopĺňala hlavnú. spievať. V budúcnosti tropizáciou do kostola. do hudby prenikali svetské melódie. V tom istom období (začiatkom 10. storočia) sa v hĺbke samotnej bohoslužby (v Limoges, Tours a iných mestách) formovala liturgická dráma, ktorá sa zrodila z dialogizovaných trópov so striedajúcimi sa „otázkami“ a „odpoveďami“. dve antifonálne skupiny zboru. Postupne liturgický dráma sa čoraz viac vzďaľovala od kultu (spolu s obrazmi z evanjelia boli zahrnuté realistické postavy).

Konečne v jednom. Gregoriánsky chorál začína prenikať do prvkov polyfónie, ktorá bola známa v Nar. claim-ve z dávnych čias. K prvým ukážkam písanej polyfónie – organum, siahajúce až do 9. stor. (našli sa práve na území Francúzska), patrí k záznamu uvedenému v diele mnícha zo Saint-Aman (Flámsko) Gukbald. Vo svojich pojednaniach (koniec 9. – začiatok 10. storočia) načrtol princípy organa. U prof. hudba bola vytvorená polygonálne. štýl, ktorý sa líši od hudba praktík. Fenomény ako teatralizácia cirkvi. obrad, zavedenie sekvencií, trópov do bohoslužieb, vznik liturgických drámy, klíčky polyfónie v gregoriánskom choráli, svedčili o vplyve nar. chute, úvod do katol. kostol súdny spor.

Spolu s kultom sa rozvíjala svetská hudba, ktorá znela v nár. života, na dvoroch franských kráľov, na hradoch feudálov. Nosiči Nar. hudba tradície stredoveku boli Ch. arr. potulní hudobníci – žongléri, ktorí boli medzi ľuďmi veľmi obľúbení. Spievali moralizujúce, humorné, satirické. piesní, tancovalo sa za sprievodu decomp. náradie, vrát. tamburína, bubon, flauta, brnkací nástroj ako lutna (to prispelo k rozvoju inštr. hudby). Žongléri vystupovali na sviatkoch na dedinách, na feudálnych dvoroch a dokonca aj v kláštoroch (zúčastňovali sa niektorých rituálov, divadelných sprievodov venovaných cirkevným sviatkom, nazývaných koleda). Katolíci ich prenasledovali. cirkvi ako predstaviteľov nepriateľskej sekulárnej kultúry. V 12.-13.st. medzi žonglérmi došlo k sociálnej stratifikácii. Niektorí z nich sa usadili v rytierskych hradoch, upadli do úplnej závislosti od feudálneho rytiera, iní sa usadili v mestách. A tak sa žongléri, ktorí stratili slobodu tvorivosti, stali usadenými miništrantmi v rytierskych hradoch a horách. hudobníci. Tento proces však zároveň prispel k prieniku do hradov a miest Nar. tvorivosti, ktorá sa stáva základom rytierskej a meštianskej hudobnej a poetickej. súdny spor. V ére neskorého stredoveku v súvislosti so všeobecným vzostupom Francúzov. kultúra sa začína rýchlo rozvíjať a hudba. nárokovať si. Vo feudálnych zámkoch založených na palandách. hudba prekvitá svetská muz.-poetich. oblek trubadúrov a truvérov (11-14 storočia). Na kon. 11. stor. na juhu časti krajiny, v Provensálsku, ktoré v tom čase dosiahli vyššiu ekonomickú úroveň. a kultúrnej úrovni (na juhu skôr ako v iných regiónoch Francúzska a Európy všeobecne došlo k obratu v rytierskych mravoch od hrubého barbarstva ku dvornému správaniu), existoval oblek trubadúrov, ktorý nebol len rytierskou kultúrou. , ale nová svetská lyrika, ktorá absorbovala aj ľudovo-piesňové tradície. Medzi trubadúrmi boli známi Marcabru, Guillaume IX - vojvoda z Akvitánie, Bernart de Ventadorn, Jaufre Rudel (koniec 11.-12. storočia), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquiere (koniec 12.-13. storočia).

V 2. poschodí. 12. stor. všetko v. regiónoch krajiny vznikol podobný smer - oblek nohavíc, ktorý bol pôvodne rytiersky, a neskôr čoraz viac prichádzal do kontaktu s lôžkom. tvorivosť. Medzi Trouvermi sa spolu s kráľmi preslávila aj najvyššia aristokracia - Richard Levie srdce, Thibault zo Champagne (kráľ Navarry), predstavitelia demokratov. vrstvy spoločnosti – Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Moniot a ďalší.

Vo svojom op. trubadúri a trúveri oslavovali odvahu a vznešenosť bojovníkov, ospevovali lásku ku „krásnej dáme“. V ich tvorbe prevládala rytierska tematika, také žánre ako pastviny, alby (piesne na úsvite), sirventy, epicha. piesne, tanec estampides. Ich umenie prispelo k rozvoju množstva múz. žánre a formy - balady, virele, le, rondo; predpokladalo to určité umenie. Renesančné tendencie.

V súvislosti s rastom miest (Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atď.) v kon. 12.-13. storočie vyvinuté hory. hudba umenie, ktorého tvorcami boli básnici-speváci z hôr. stavov (remeselníci, obyčajní mešťania, ako aj buržoázia). Do obleku trubadúrov a truvérov vniesli svoje vlastné charakteristiky, vzdialili sa od jeho vznešene rytierskej hudobno-poetiky. obrazy, osvojené ľudovo-každodenné témy, vytvárajúce charakteristický štýl, vlastné žánre. Najväčší majster hôr. hudba kultúry 13. storočia. bol básnik a skladateľ Adam de la Alle, autor piesní, motet, ale aj vtedy populárnej hry o Robinovi a Marion (okolo 1283), plnej hôr. piesne, tance (už samotná myšlienka vytvorenia svetského divadelného predstavenia presiaknutého hudbou bola neobvyklá). Tradičnú jednohlavú interpretoval novým spôsobom. hudobno-poetické. žánrov trubadúrov, využívajúcich polyfóniu (medzi jeho dielami sú 3-gólové rondo).

Posilnenie ekonomiky a kultúrny význam miest, vznik univerzít (vrátane parížskej univerzity na začiatku 13. stor.), kde sa hudbe venovala veľká pozornosť (bola jedným z povinných predmetov, bola súčasťou kvadrivia), prispel k nárastu tzv. v úlohe hudby ako umenia va. V 12. storočí jedno z centier hudby. Paríž sa stal kultúrou a predovšetkým jeho Spevácka škola katedrály Notre Dame (tzv. Parížska škola), ktorá združovala najväčších majstrov – spevákov-skladateľov, vedcov. S touto školou sa spája rozkvet v 12. – 13. storočí. kultová polyfónia (pozri Ars antiqua), vznik nových múz. žánre, objavy v oblasti hudby. teórie.

Ch. centrami polyfónie, ktorá vznikla v 9. storočí, boli kláštory – v Chartres (tu vznikla najväčšia severofrancúzska spevácka škola), Saint-Martial v Limoges a i.. rukopisy týchto kláštorov obnovujú etapy historickej. vývoj organa (pozri Diaphonia, Treble). Významné osobnosti školy katedrály Notre Dame - diskantisti Leonin (12. storočie) a Perotin (koniec 12. - 1. tretina 13. storočia) vytvorili vysoké príklady polygolov. kostol hudba. Leonin má 2 góly. melizmatický organums, v ktorom najskôr použil rytmickú nahrávku (nastolil jasný rytmus pohyblivého horného hlasu – výšky). Perotin rozvinul úspechy svojho predchodcu: napísal nielen 2-, ale aj 3-, 4-góly. Prod., a Perotin rytmicky skomplikovali a obohatili polyfóniu (dolný hlas - tenor postavil do protikladu so skupinou rytmicky usporiadaných (podľa princípu modus), ozvláštnených rýchlejším pohybom vyšších hlasov). Nový štýl, ktorý vyvinuli predstavitelia katedrálnej školy Notre Dame, poprel princípy gregoriánskeho chorálu. Vo výrobe týchto skladateľov prešiel aj samotný gregoriánsky chorál zmenami: predtým rytmicky voľný, pružný chorál nadobudol väčšiu pravidelnosť, plynulosť (odtiaľ názov takého chorálu cantus planus), diktovanú mnohogólmi. sklad. Polygonálna komplikácia. tkanivo a jeho rytmus štruktúry vyžadovali presné označenie trvania (zástupcovia parížskej školy z náuky o spôsoboch prišli k doktríne stupnice), vylepšenia notácie. V 13. storočí sa začala používať menzúrová notácia (medzi teoretikmi, ktorí sa zaoberali týmto problémom – J. Garlandia).

Polyfónia uviedla do života nové žánre cirkevnej i svetskej hudby vr. správanie a moteto. Na prelome 12.-13. stor. objavilo sa dirigovanie - voľne komponovaný spev v lat. text (duchovného aj svetského obsahu), akýsi tróp. Bol plný premiéra. počas slávnostného kostola. služby. Ide o prechodný žáner: najprv boli dirigenty zaradené do liturgie, neskôr sa stali čisto svetskými, nadobúdali až každodennú konotáciu (spievali sa na slávnosti, sviatky, existovali dirigentá s ostro satirickými textami). Medzi autormi dirigentov - Perotin. Na základe vodiča v kon. 12. stor. vo Francúzsku sa sformoval najvýznamnejší polygólový žáner. hudba - moteto. Jej rané príklady patria aj majstrom parížskej školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnom, Pierre de la Croix). Motet umožňoval slobodu kombinovania li-turgich. a svetské melódie, texty (každý z hlasov mal zvyčajne svoj vlastný text a tenor sa často hral v latinčine, vyššie hlasy vo francúzštine a jej miestnych dialektoch). Zo zväzku cirkvi. a melódie piesní sa zrodili populárne v 13. storočí. vtipné moteto. Spojenie polyfónie s každodennými formami dalo veľké umenie. výsledky.

Moteto bolo široko používané v tvorbe predstaviteľov ars nova, progresívneho hnutia, ktoré vzniklo v 14. storočí vo filozofickej hudbe. V tomto ranom svetskom prof. hudba v umení sa veľký význam pripisoval interakcii „každodennej“ a „učenej“ hudby (teda piesní a motét). V 14. storočí pieseň zaujala popredné miesto medzi múzami. žánrov. Oslovili ju všetci významní skladatelia, zároveň mala veľký vplyv na moteto. Na začiatku. 14. stor. objavil sa cyklus piesní Jeannot de Lecurel - prvá zbierka piesní jedného autora vo Francúzsku. Ideológom ars nova bol humanistický básnik, skladateľ, hudobný teoretik a matematik Philippe de Vitry (pripisuje sa mu traktát „Ars nova“, ktorý dal tomuto hnutiu názov), ktorý zdôvodnil princípy „nového umenia“ . Inovácie Philippa de Vitryho v oblasti teórie súviseli najmä s náukou o konsonanciách a disonanciách (vyhlásil tercie a sexty za konsonancie). Do svojich múz vniesol aj nové kompozičné vzory. cit., vytvárajúce izometrické. moteto. Tento typ moteta stelesnil v diele najväčší skladateľ a básnik ars nova Guillaume de Machaux. V jeho produkcii akoby spojené umenie. úspechy rytierskej hudby a poézie. súdny spor s jeho jednohlavým. piesne a veľa gólov. hory hudba kultúra. Vlastní piesne ľudu. sklad (kladi), virele, rondo, balady (prvý rozvinul žáner mnohohlavých balád). V motetách Machaux používal (dôslednejšie ako jeho predchodcovia) múzy. nástroje (pravdepodobne boli inštrumentálne nižšie hlasy). Je autorom prvej francúzštiny polyfónne omše. sklad (1364). Vo všeobecnosti Francúzi ars nova znamená. stupňa spojený so štýlom stredoveku. polyfónia (polyfonicky zložité diela majstrov tohto smeru – typický fenomén zrelého stredoveku).

V 15. storočí kvôli historickým dôvodov (počas storočnej vojny opäť dominovali feudáli, veľké feudálne dvory sa ukázali ako kultúrne centrá; stredoveké tradície scholastiky ožívali s obnovenou vervou) vo F. m. Neboli pozorované žiadne mimoriadne nápadné javy. . Vedúce postavenie v hudbe. Francúzska kultúra 15. storočia obsadili predstavitelia francúzsko-flámskej (holandskej) školy. Holandská škola, ktorá sa vyvinula ako kreatívna. smer širokého pokrytia na základe zovšeobecnenia progresívnych trendov vo francúzštine, angličtine, taliančine. hudba, mala veľký vplyv na Európu. hudba kultúry, vr. a francúzsky. Dve storočia pôsobili vo Francúzsku najväčší skladatelia Holandska. polyfónne školy: v ser. 15. stor. - J. Benchois, G. Dufay, na 2. poschodí. 15. stor. - I. Okegem, J. Obrecht, v kon. 15 - prosiť. 16. storočia - Josquin Despres, na 2. poschodí. 16. storočia - O. Lasso.

Benchois a Dufay sa osvedčili na poli tzv. Burgundský šansón (vznikol na dvore burgundských vojvodov v Dijone). Dufay, jeden zo zakladateľov Holandska. školy spolu s mnohými cieľmi. piesne a iné svetské op. (najmä odrody motet) vytvárali duchovné produkty. Veľkou zaujímavosťou sú jeho omše, v ktorých sa Nar používa ako cantus firmus. alebo svetská pieseň (napr. ľúbostná „Jej tvár zbledla“ v 4-gólovej omši vytvorenej okolo roku 1450).

Šikovný kontrapunktár Okeghem bol nielen hudobníkom (niekoľko rokov bol 1. kaplánom a kapelníkom francúzskeho kráľovského dvora), ale aj matematikom a filozofom. Majstrovské zvládnutie techniky imitácie a kánonu. písmen, používal ho vo svojich omšiach, ako aj burgundský šansón. Inscenácia vyniká vycibreným a virtuóznym štýlom, jasnou emocionalitou a farebnosťou hudby s odľahčením melódie (ľudové melódie sú široko používané v cantus firmus a iných hlasoch polyfónnych op.), čistotou harmónie, čistotou rytmu. Obrekhta - omše (vrátane tzv. paródie), motetá, ako aj šansón, inštr. hrá.

Josquin Despres (určitý čas bol dvorným hudobníkom Ľudovíta XII.), opierajúc sa o úspechy Obrechta a iných majstrov Holandska. školy, angažovaný vo svojich pracovných kvalitách. skok, zvýraznenie estetiky. zmysel tvrdenia. Ako vynikajúci polyfonista zároveň prispel k „harmonickému vyjasneniu“ štýlu (v jeho dielach, presýtených najzložitejšími polyfonickými technikami, sú detailné epizódy čisto akordického skladu). Josquin Despres dosiahol takú technickú slobodu, keď sa zručnosť už stáva neviditeľnou a úplne podriadenou odhaleniu umenia. zámer. Vo svojich produkciách (omše, motetá, svetské piesne, viachlasné inštruktorské hry obrazového charakteru), z ktorých každá je jasne individuálna, uvažoval Josquin Despres hlbšie, pravdivejšie ako jeho predchodcovia. svet človeka. Jeho piesne sú vo francúzštine. texty pripravili Francúzi polyfónne Pieseň zo 16. storočia Tento žáner je široko zastúpený v dielach najväčšieho niderla. Polyfonista 16. storočia Laso sú majstri prísnej polyfónie. Jeho mnohouholník. francúzsky piesne („O starom manželovi“, „Na trhu v Arrase“ atď.) sú vtipné, pikantné, spontánne; vyznačujú sa typicky niderl. žánru v zobrazovaní každodenných scén, dobromyseľný, hrubý humor. Jeho štýl bol krokom vpred na ceste k harmónii. jasnosti, už používa techniky homofónneho písania. Týka sa to predovšetkým svetských produkcií. (piesne, vilanelly, madrigaly). V duchovných dielach (motety, omše, žalmy) prevláda transparentná polyfónia, v niektorých sú načrtnuté princípy formy fúgy. Laso malo plodný vplyv na F. m. Vo všeobecnosti niderl. škola 15.-16. storočia sa stal jedným z dôležitých zdrojov, ktoré kŕmili Francúzov. Prednášal prof. hudba nárokovať si.

V kon. 15. stor. vo Francúzsku je etablovaná kultúra renesancie. (Niektorí vedci videli v umení ars nova črty renesancie, pričom 14. storočie považovali za ranú francúzsku renesanciu. Publikácie svetských hudobných diel na prelome 14. – 15. storočia, ktoré sa objavili v 50. rokoch 20. storočia, však svedčia o omyle tzv. taký postoj. ) Oživenie pripravilo množstvo historikov. procesy. O vývoji franc kultúru priaznivo ovplyvnili také faktory ako vznik buržoázie (15. stor.), boj za zjednotenie Francúzska (skončil sa koncom 15. stor.) a vytvorenie centralizovaného štátu, voj. zájazdy do Talianska – krajiny vyšších kultúrnych tradícií, tvorov. dôležitý bol aj neustály latentný rast lôžka. tvorivosť a aktivity skladateľov francúzsko-flámskej školy.

Najdôležitejším prejavom kultúry renesancie bol humanizmus. Do popredia sa dostáva človek so svojím vnútrom. svet. V 16. storočí úloha hudby v spoločnosti vzrástla. života. Franz. králi vytvorili na svojich dvoroch veľké kaplnky, usporiadali múzy. slávnosti (napr. veľkolepý festival, ktorý v roku 1518 zorganizoval kráľ František I. na nádvorí Bastily na počesť veľvyslancov anglického kráľa). V 16. storočí kráľ. nádvorí (konečne je prenesené do Louvru) sa stáva Ch. ohnisko hudby života, okolo ktorého sa prof. nárokovať si. Posilnil úlohu adv. kaplnky (pozri Paríž). V roku 1581 Henrich III schválil pozíciu „hlavného intendanta hudby“ na súde. Prvý "štvrťmajster" - Talian. huslista Balthazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoieux) post. v malom burgundskom paláci v Paríži, ktorý spoločne zložili. s básnikom Lachenetom a hudobníkmi J. de Beaulieu a J. Salmonom „Komediálny balet kráľovnej“ – prvá skúsenosť spojenia hudby a tanca s javiskom. akcia, ktorá otvorila nový žáner - adv. balet. Významné centrá hudby. súd spolu s kráľom. nádvorie a kostol boli tiež šľachtické. salóny (napr. v Paríži salón grófky de Retz, kde účinkovali najlepší hudobníci tej doby), dielenské múzy. združenia remeselníkov.

Rozkvet renesancie, spojený s formovaním Francúzov. nat. kultúry, padá na stred. 16. storočia Výrazným prejavom renesancie bol svetský polygón. pieseň je šansónom, ktorý sa bez straty kontaktu s každodenným životom stal žánrom prof. súdny spor. Polyfónne štýl prijíma vo francúzštine. pieseň nová interpretácia (v porovnaní s piesňou majstrov holandskej školy), zodpovedajúca inému poet. myšlienky Francúzov humanizmus – k myšlienkam Rabelaisa, K. Mara, P. Ronsarda. Šansón je obyčajne pieseň so svetským textom a ľudovo-každodennou melódiou. Jej príbeh vyjadrí. fondy boli spojené s každodennou demokratickou. života.

Vynikajúci francúzsky skladateľ Renaissance bol K. Zhaneken, ktorý vlastní viac ako 200 polygólov. piesne. So Zhanequinom sa skladba mení na detailnú kompozíciu realistickým spôsobom. zápletka (do akejsi fantazijnej piesne). Sú to jeho „Lov“, „Bitka“, „Vtáčí spev“, „Ženský štebot“, „Pouličné výkriky Paríža“ atď. Šťavnatosťou žánrových náčrtov sa jeho piesne právom porovnávajú s dielami. F. Rabelais. Janequin písal aj sakrálnu hudbu (omše, motetá). Charakteristiku svetských wokov však vniesol aj do kultových žánrov. op. Medzi inými autormi šansón - komp. G. Kotle, K. Sermizi.

Šansón si získal slávu nielen vo Francúzsku, ale aj za jeho hranicami. prinajmenšom vďaka notovému zápisu, ktorý tiež prispel k posilneniu múz. väzby medzi európskymi krajín. V roku 1528 v Paríži P. Attenyan spoločne. s P. Otenom bola založená hudba. vydavateľstvo (existovalo do roku 1557); v 2. poschodí. 16. storočia Veľký význam nadobudla firma R. Ballarda a A. Le Roya (založená v roku 1551 v Paríži, na čele ktorej stáli neskôr Ballardovi synovia a vnuci; až do polovice 18. storočia firma zaujímala popredné miesto vo vydávaní hudby). Už z kon. 20. roky 16. storočia Attenyan začal vydávať zbierky piesní, skladby pre lutnu a tiež tlačil tabulatúru pre lutnu, organ a neskôr aj iné nástroje.

V období renesancie bola úloha inštr. hudba. V hudbe Viola, lutna, gitara, husle (ako ľudový nástroj) boli široko používané v každodennom živote. Nástroj žánre prenikli tak do každodennej hudby (úpravy a úpravy tancov a piesní), ako aj do profesionálnej, čiastočne cirkevnej hudby (úpravy vokálnych viachlasných diel, úpravy zborových melódií). Tanec v domácnosti. hudba bola určená pre lutnu alebo malý nástroj. súbor, polyfónny prod. vykonávané na organe. Lutnové tance. medzi dominantnými v 16. storočí vynikli divadelné hry. polyfónne prod. rytmický plasticita, čistota melódií, homofónny sklad, transparentnosť textúry. Charakteristické bolo spojenie dvoch alebo viacerých. rytmický tanec. kontrast do zvláštnych cyklov, ktoré sa stali základom budúceho tanca. apartmány, napr. dec. branly (v zbierkach vydavateľstva Attenyan sú také cykly 2, 3 tancov).

Nezávislejší. Význam nadobudol aj org. hudba. Vznik org. školy vo Francúzsku (koniec 16. storočia) sa spája s pôsobením organistu J. Titluza.

Poznámka. fenomén Francúzov kultúrou renesancie bola Akadémia poézie a hudby, založená v roku 1570 hudobníkom, básnikom, ktorý bol súčasťou kreatívy. francúzske spoločenstvo humanistickí básnici „Plejády“ od J. A. de Baifa spol. so svojimi spoločníkmi (existoval do roku 1584). Členovia akadémie sa snažili oživiť antickú poetiku a múzy. metriky, obhajoval princíp neoddeliteľného spojenia hudby a poézie. Urobili odhodlanie. príspevok k evolúcii niektorých hudobných drám. formulárov. Ale ich experimenty v podriadení rytmu melódii metriky. štruktúra verša viedla k vytvoreniu abstraktných múz. prod. Na „odmerané verše“ Baifa, Ronsarda (kapitoly „Plejád“) hudbu napísali C. Le Jeune, J. Maudui a ďalší.

Prostriedky. vrstva v hudbe. Francúzska kultúra 16. storočia bola hudba hugenotov – franc. predstavitelia reformácie (išlo o hlavných arr. šľachticov, ktorí sa snažili zachovať feudálny poriadok a oslabiť zasahovanie do ich záležitostí kráľovskej moci, ako aj časť buržoázie, ktorá bránila svoje staré mestské slobody). K ser. 16. storočia vznikla hugenotská pieseň: melódie obľúbenej domácnosti a palandy. piesne prispôsobené tým, ktoré boli preložené do francúzštiny. lang. liturgické texty. O niečo neskôr, Relig. boj vo Francúzsku dal vzniknúť hugenotským žalmom s ich charakteristickým prenesením melódie do vyššieho hlasu a odmietnutím polyfónie. zložitosti. Najväčšími hugenotskými skladateľmi, ktorí skladali žalmy, boli K. Goudimel, Le Jeune. Gudimel bol majstrom polyfónie a hral podlý. úlohu pri príprave homofónnej harmonickej. sklad, to-ry začína prevládať v F. m. renesancie. Spory medzi protestantmi a katolíkmi vyvolali polemiku. piesne. V dôsledku širokého používania tejto masovej demokrat piesňový žáner v náboženskom období. vojny rástli nat. vlastenecký francúzsky pieseň, ktorá bola prejavom národného. francúzska identita.

17.-18. storočie poznačená rozhodujúcou prevahou svetskej hudby nad duchovnou. V 17. storočí, v období vzniku absolútnej monarchie vo Francúzsku, mal dvor veľký význam. umenie, ktoré určilo smer vývoja najdôležitejších žánrov vtedajšej F. m. - opery a baletu ako syntet. dekoratívne veľkolepé predstavenia podriadené myšlienke glorifikácie monarchie.

Roky vlády Ľudovíta XIV. sa niesli v znamení mimoriadnej nádhery dvora. život, túžba dvora a feudálnej šľachty po luxuse a sofistikovaných zábavách. V tomto smere bola veľká úloha prisúdená adv. balet, predstavenia to-rogo sa konali v Louvri, Arsenal, t-re "Palais-Cardinal" (otvorený v roku 1641, od roku 1642 - "Palais-Royal"). Všetci R. 17 storočie na dvore zosilnela taliančina. trendy. Výsadba taliančiny. divadlo. Tradície presadzoval kardinál Mazarin, ktorý do Paríža pozval skladateľov a spevákov z Ríma, Benátok a Bologne. Taliani predstavili Francúzov. aristokracie s novým žánrom – operou (na kráľovskom dvore bolo pošt. niekoľko opier – „Imaginárna blázon“ Sakrati, 1645; „Orfeus a Eurydika“ L. Rossi, 1647 atď.). Zoznámenie sa s taliančinou opera slúžila ako podnet na vytvorenie vlastnej národnej. opery. Prvé experimenty v tejto oblasti patria hudobníkovi E. Jacquetovi de la Guerre („Triumf lásky“, 1654), komp. R. Kamber a básnik P. Perrin („Pastorál“, 1659). V roku 1661 vznikla Kráľovská akadémia tanca na čele s choreografom P. Beauchampom (existovala do roku 1780). V roku 1669 získali Camber a Perrin patent na organizáciu stálej opery, ktorá bola otvorená v roku 1671 pod názvom. "King. Academy of Music" (pozri "Veľká opera") s operou "Pomona". Od roku 1672 stál na čele divadla J. B. Lully, ktorý získal monopol na operné predstavenia vo Francúzsku.

Najväčší francúzsky skladateľ, zakladateľ národ operná škola, Lully na začiatku kreatívy. spôsob, akým napísal baletnú hudbu pre súd. slávnosti. Vytvoril množstvo komédií-baletov („Manželstvo nedobrovoľne“, 1664; „Milujte liečiteľa“, 1665; „Monsieur de Poursonyac“, 1669; „Obchodník v šľachte“, 1672; vytvoril ich spolu s J. B. Molièrom), z ktorých sa zrodili operné balety. Lully bol praotcom žánru lyrickej tragédie (druh hrdinsko-tragickej opery). Jeho lyrika tragédie („Cadmus a Hermiona“, 1673; „Alceste“, 1674; „Theseus“, 1675; „Atis“, 1676; „Perseus“, 1682 atď.) s ich vysokým hrdinstvom, silnými vášňami, konfliktom medzi citom a dlhom na ich predmet a DOS. štylistické princípy sú blízke klasickým tragédiám P. Corneilla a J. Racina.

Na F. m. 17. storočia. Silný vplyv mal racionalizmus. estetika klasicizmu, ktorá kládla požiadavky vkusu, rovnováhy krásy a pravdy, jasnosti zámeru, harmónie kompozície. Klasicizmus, ktorý sa rozvíjal súčasne. s barokovým štýlom, prijatý vo Francúzsku v 17. storočí. úplný výraz a Lully sa stal jeho najjasnejším predstaviteľom v hudbe. Dielo tohto skladateľa má zároveň rysy barokového umenia, o čom svedčí množstvo veľkolepých efektov (tance, sprievody, tajomné premeny atď.).

Lullyho príspevok k inštr. hudba. Vytvorili typ francúzštiny. operná predohra (samotný termín sa ustálil v druhej polovici 17. storočia vo Francúzsku). Početné tance z jeho diel. veľká forma (menuet, gavotte, sarabande atď.) ovplyvnila následnú formáciu orka. apartmány. Kreativita Lully - dôležitá etapa vo vývoji hudby od starej polyfónie. formy do sonáty-symfónie. žánre 18. storočia.

V kon. 17 - 1. poschodie. 18. storočie M. A. Charpentier písal pre t-ra (opera Medea, 1693 a i.; bol aj autorom prvej francúzskej kantáty - Orfeus zostupujúci do pekla, 1688), A. Campra (opera-balet „Galantná Európa“, 1697; "Benátske slávnosti", 1710; lyrická tragédia "Tancred", 1702 atď.), M. R. Delaland (divertissement "Palace of Flora", 1689; "Melisert", 1698; "Country Marriage", 1700 atď.), A. K. Detush (lyrická tragédia „Amadis Grék“, 1699; „Omphala“, 1701; „Telemachus a Calypso“, 1714; opera-balet „Karneval a šialenstvo“, 1704 atď.). Medzi nasledovníkmi Lullyho sa stala obzvlášť nápadná konvenčnosť adventu. divadlo. štýl. Vo výrobe títo skladatelia, ktorí pokračovali v tvorbe lyriky. do popredia sa dostali tragédie, dekoratívno-baletné, pastiersko-idylické. strany tohto žánru na úkor drám. základy opery, jej hrdinstvo. obsahu. Zvlášť dôležitý je začiatok divertissementu (pozri Divertissement, 3). Lyric. tragédia ustupuje novému žánru – opere-baletu.

V 17. storočí vo Francúzsku boli vyvinuté dekomp. inštr. školy - lutna (D. Gauthier, ktorý ovplyvnil aj čembalový štýl J. A. Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), čembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (gambista M. Marin, to-ry po prvý raz vo Francúzsku zaviedol kontrabas do operného orchestra namiesto kontrabasovej violy). Najväčší význam získala francúzština. čembalová škola. Raný čembalový štýl sa formoval priamo. vplyv lutnového umenia. Vo výrobe Chambonière bola označená ako charakteristická pre Francúzov. čembalisti, spôsob zdobenia melódie (pozri Ornamentácia) Množstvo dekorácií dalo výrobku. pre čembalo istá kultivovanosť, ako aj väčšia súdržnosť, „melodickosť“, „dĺžka“ k trhavému zvuku tohto nástroja. V inštr. hudba bola široko používaná už v 16. storočí. spojenie párových tancov (pavan, galliard a pod.), ktoré viedlo k 17. stor. na vytvorenie suity. K starým ľudovým tancom (courante, branle) pribudli tance z rôznych oblastí Francúzska s výraznými lokálnymi črtami (paspier, burre, rigaudon), ktoré spolu s menuetom a gavotou tvorili stabilný základ pre Francúzov. inštr. apartmány.

V 20.-30. 18. storočie čembalová suita dosahuje svoj vrchol, vyznačuje sa ostrosťou obrazov, jemnosťou a eleganciou štýlu. Medzi Francúzmi čembalistov, vynikajúcu úlohu patrí predstaviteľovi rozsiahlej francúzskej rodiny. hudobníci F. Couperin („veľký“), ktorých tvorba je vrcholom Francúzov. hudba nároky z obdobia klasicizmu. Vo svojich raných suitách nasledoval vzor zavedený jeho predchodcami a následne prekonal normy starého tanca. suity, vytvoril Couperin voľné cykly založené na princípe podobnosti a kontrastu diel. Majster v miniatúre vynikal v stelesnení rôznorodého obsahu v rámci tohto žánru, ktorého priekopníkmi boli Francúzi. čembalisti. Couperinovu hudbu charakterizuje nevyčerpateľná melodika. vynaliezavosť. Jeho inštr. Hry sú expresívne. Väčšina hier má programové názvy („Reapers“, „Reeds“, „Cuckoo“, „Florentine“, „Flirty“ atď.). So skvelou psychikou ladné ženské obrazy sú v nich vtlačené s jemnosťou, sú dané poetizované žánrové náčrty. Veľkú zásluhu na rozvoji programovo charakteristickej čembalovej suity mali spolu s Cooperom aj J. F. Dandrieu a najmä J. F. Rameau, ktorý vo svojom čembale op. často prekračovali hranice intimity, usilovali sa o dekoratívnejšie písanie s využitím dynamického rozvoja sonátového typu. Prostriedky. míľnik vo formovaní Francúzov. skr. školy, ktorá sa rozvíjala v úzkom spojení s taliančinou, bolo dielom J. M. Leclerca („staršieho“), ktorý vytvoril názorné ukážky Skr. sonáty a koncerty 18. storočia a C. de Mondonville, ktorý prvýkrát uviedol do Skr. časti prirodzená harmonika, a tiež vo svojich „Súčtoch pre čembalo vo forme sonát so sprievodom huslí“ (1734) prvýkrát rozvinul obligátnu (pozri Obligato, 1) časť čembala.

V F. m. 18. stor. prvé miesto patrilo hudobnému divadlu. žánrov. V 30-60 rokoch. vedúce postavenie v adv. opera - "Kráľ Hudobnej akadémie" bol obsadený Rameau, v diele ktorého je žáner lyriky. tragédia dosiahla svoj vrchol. rozvoj. Vytvoril množstvo vynikajúcich operných inscenácií. - lyrika. tragédie Hippolytus a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737, 2. vydanie 1754), Dardanus (1739, 2. vydanie 1744), Zoroaster (1749, 2. vydanie. 1756), operné balety „Gallantská India“ (1735), atď. Najväčší hudobník 18. storočia Rameau aktualizoval hudobný výraz. operný žáner. Jeho wok.-recitácia. štýl bol obohatený o zosilnenú melodickú harmonickú. výraz a organicky prekladaná taliančina. ariózne formy. Pestrejší obsah od neho nadobudla 2-dielna predohra lullistického typu, prešiel aj k 3-dielnej predohre, blízkej taliančine. operná symfónia. V množstve opier Rameau predvídal mnohé neskoršie výdobytky v oblasti hudby. činohra, čím sa otvorila cesta k opernej reforme K. V. Glucka. No pre historické pomery nedokázal zásadne zreformovať zastaranú lyriku. tragédii, prekonať ju galantne aristokraticky. estetiky. Veľké sú zásluhy Rameaua v oblasti hudby. teórie. Vynikajúca hudba. teoretik, vypracoval harmonickú vedeckú. systém, ktorého množstvo ustanovení slúžilo ako základ pre učenie o harmónii („Pojednanie o harmónii“, 1722; „The Origin of Harmony“, 1750 atď.). Hrdinsko-mytologické. opery Lullyho, Rameaua a iných autorov do polovice. 18. storočie prestal zodpovedať estetike. požiadavky buržoázie publikum. Obľúbené boli jarmočné predstavenia, svojou orientáciou ostro satirické (parížske fairtradové centrá boli všeobecne známe už od konca 17. storočia), zosmiešňujúce móresy „vyšších“ vrstiev spoločnosti, ako aj parodujúce dvor. opera. Prví autori takýchto komédií. opery boli dramaturgovia A. R. Lesage a C. S. Favard, ktorí pre svoje predstavenia zručne vyberali hudbu pozostávajúcu z kupletových piesní – „voix de ville“ (dosl. – „Hlasy mesta“; pozri Vaudeville) a iných populárnych typov hôr. folklór. V útrobách veľtrhu t-ra dozrel nový Francúz. operný žáner - operný komik. Posilnenie pozície operného komika uľahčil príchod Taliana do Paríža v roku 1752. operného súboru, ktorý naštudoval množstvo operných nadšencov, vr. „Služobníčka“ Pergolesi a polemika v otázkach operného umenia, ktorá sa rozhorela medzi prívržencami (buržoázno-demokratické kruhy) a odporcami (predstaviteľmi aristokracie) Talianmi. buffa opery, - tzv. "vojna bifľošov".

Vo vyhrotenej politike atmosfére Paríža sa tento spor stal obzvlášť akútnym, získal obrovskú komunitu. rezonancia. Aktívne sa na ňom podieľali francúzske osobnosti. osvietenstvo, ktoré podporovalo demokratickú. umenie „buffonistov“ – D. Diderota, J. J. Rousseaua, F. M. Grimma a i.. Ich brilantná ostro-polemická. brožúry a vedecké pojednania (Rousseau – články o hudbe v „Encyklopédii alebo výkladovom slovníku vied, umení a remesiel“; „Hudobný slovník“, 1768; „Listy o francúzskej hudbe ...“, 1753; Grimm – „Listy o Omphale“, 1752; „Malý prorok z Bömisch-Brodu“, 1758; Diderot – „Rozhovory o „zlom synovi“, 1757 atď.) boli namierené proti konvenciám Francúzov. adv. t-ra. Na formovanie Francúzov malo veľký vplyv nimi hlásané heslo „imitácia prírody“. operný štýl 18. storočia. Tieto diela obsahujú aj hodnotnú estetiku. a hudobno-teoretické. zovšeobecnenia.

Vo svojej činnosti sa encyklopedisti neobmedzili len na lit. polemiky. Dôležitú úlohu pri schvaľovaní nového typu hudby. Predstavenie hral Rousseauov pastoračný „Dedinský kúzelník“ (1752), ktorý bol prvým Francúzom. komické opera. Odvtedy začala operná komika prekvitať, stala sa popredným žánrom F. m. (predstavenia sa konali v divadle Komickej opery; pozri „Operný komik“). Medzi prvých autorov franc komické opery - E. Dunya, F. A. Philidor. taliansky skladateľ Dunya, ktorý od roku 1757 pôsobil v Paríži, vytvoril viac ako 20 diel tohto žánru. („Dvaja poľovníci a dojička“, 1763; „Ženci“, 1768 atď.).

Comic. Philidorove opery sú predovšetkým každodenné opery, mnohé z nich obsahujú pestré žánrové maľby (Kovář, 1761; Drevorubač, 1763; Tom Jones, 1765 atď.). Operný komik rozvíjal, rozširoval rozsah svojich zápletiek (postupne sú zahrnuté melodramatické a hrdinské témy), pokračoval samostatne. spôsobom, bez ovplyvnenia textom. tragédia. Obohatená a komplikovaná jej múzami. jazyk, ale zostáva demokratický. súdny spor. V 60. rokoch 18. storočia komické opera sa blíži k „serióznej komédii“, ako to myslel Diderot. Charakteristickým predstaviteľom tohto smeru bol P. A. Monsigny, ktorého tvorba je blízka vtedajšiemu sentimentalizmu („Dezertér“, 1769; „Felix, or Foundling“, 1777 atď.). Jeho produkcia. svedčia o osvietenskom humanizme komiksu. opery, o jej spoločenskom trende, typickom pre predrevolučné. desaťročia. Obrazové umenie. sféra komiksu Operu výrazne posunul A. E. M. Gretry, ktorý do nej vniesol znaky lyriky. poetizácia a preromantizácia. farba („Lucille“, 1769; „Richard Lionheart“, 1784; „Raoul Bluebeard“, 1789 atď.). Francúzske nápady. Osvietenie hrané stvorenia. úlohu pri príprave Gluckovej opernej reformy. S jeho reformou začal v 60. rokoch 18. storočia. vo Viedni („Orfeus a Eurydika“, 1762; „Alceste“, 1767), dokončil ho v Paríži. Inscenácia opier Ifigénia v Aulise (1774), Armida (1777), Ifigénia v Taurise (1779) v Paríži, ktoré stelesňovali myšlienky hrdinstva a občianskej zdatnosti, ktoré presadzovali vyspelé predrevolučné kruhy. Francúzsko, sa stala príčinou prudkého boja smerov vo F. m. Proti Gluckovi stáli aj prívrženci starých Francúzov. opery (uznávajúc iba opery Lullyho, Rameaua) a fanúšikov taliančiny. opery, v roji čistej hudby. strana zvíťazila nad drámou. Gluckov operný štýl (podporovali ho osobnosti progresívneho umenia) bol aristokratický. kruhov, zástancov starého hedonistického. Proti opernej tvorbe taliančiny sa postavila operná estetika (J. F. Marmontel, J. F. La Harpe a i.). komp. N. Piccinni. Boj medzi „glukistami“ a „pikchinistami“ (prvý vyhral) odzrkadľoval hlboké ideologické posuny, ku ktorým došlo vo Francúzsku v 2. polroku. 18. storočie

V súvislosti s rastúcim vplyvom meštianstva v 18. stor. vznikajú nové formy hudobných spoločností. života. Postupne koncerty presahujú palácové sály a aristokratické. salónoch. V roku 1725 A. Philidor (Danikan) organizoval v Paríži pravidelné verejné „Duchovné koncerty“ a v roku 1770 F. J. Gossec založil spoločnosť „Amatérske koncerty“. Akademické večery mali uzavretejší charakter. Spoločnosť "Priatelia Apolla" (založená v roku 1741), na ktorej hrali profesionáli a amatérski aristokrati. Každoročné cykly koncertov organizovala „Kráľovská hudobná akadémia“. Veľká francúzština. Revolúcia priniesla obrovské zmeny do všetkých oblastí hudby. žaloba-va, to-roe pod vplyvom tvorivosti revolúcie. masy nadobudli občiansko-demokratické. charakter. Hudba sa stáva neoddeliteľnou súčasťou všetkých prostriedkov. revolučné udalosti. čas - vojenský. víťazstvá, revolučné oslavy. slávnosti, smútočné obrady (Bastila padla za zvuku hudby, ľud skladal piesne o zvrhnutí monarchie, o prijatej ústave, pohreb hrdinov sa zmenil na masové sprievody, sprevádzané duchom. orchestrami a pod.).

Táto nová sociálna funkcia múz. art-va (premenila sa na aktívny prostriedok občianskej výchovy, na spoločenskú silu, ktorá slúžila záujmom štátu) prispela k etablovaniu masových žánrov – piesne, hymny, pochody atď. V 1. franc. revolučný Piesne využívali hudbu populárnych melódií, ktoré už medzi ľuďmi existovali: napríklad pieseň Francúzov. sans-culottes „Za ira“ – ide o akúsi reintonáciu melódie „National Carillon“ Bekur. Široko používané boli aj piesne, ktoré zhŕňali charakteristické intonácie nars. hudba, - "Carmagnola" a iné. Vysoká, najvýraznejší príklad revolúcie. Piesňou Francúzska je Marseillaise, ktorú vytvoril C. J. Rouget de Lisle (1792; od roku 1795 s prestávkou Štátna hymna Francúzska). Renesancia v hrdinskej hudbe. obrazy, apelovať na masové publikum oživil umenie revolúcie. klasicizmu. Myšlienky boja proti tyranii, sloboda ľudskej osoby, ktorá živila múzy. súdny spor, prispel k hľadaniu novej hudby. fondy. Pre wok. a inštr. Typickou sa stáva hudba (od rôznych autorov), oratorické intonácie, melódia, ktorá sa vyznačuje „veľkými kontúrami“ (často obsahujú fanfárové intonácie), šteklivé rytmy, pochod, výrazná lapidarita modálnych harmonických. sklad. Najväčší skladatelia tej doby – Gossec, E. Megul, J. F. Lesueur, L. Cherubini sa venovali písaniu piesní, chválospevov, pochodov („Pieseň 14. júla“, zbor „Prebuďte sa, ľudia!“, „Smútočný pochod“ za tzv. duchovný orchester a ďalšie diela od Gosseka, „Pieseň pochodu“, „Pieseň víťazstva“ od Megula, „Pieseň o triumfoch Francúzskej republiky“, „Hymna 9. Thermidoru“ od Lesueura; „Hymna na bratstvo“ , „Piesne desiateho augusta“ od Cherubiniho). Títo skladatelia boli najvýznamnejšími múzami. vodcovia Veľkej Francúzky revolúcie, najmä viedli organizáciu veľkolepých masových múz. slávnosti (na parížskych námestiach dirigovali zbory, orchestre). Jeden z tvorcov hudby. štýlom revolúcie je Gossec, ktorého tvorba položila základ novým žánrom, vr. revolučný vlastenecký. hromadná pieseň, hrdinská pohrebný pochod, agitácia opera revolúcie. Bol tiež zakladateľom Francúzov symfónie (1. symfónia, 1754). Na základe úspechov Francúzov opery (predovšetkým Rameau), Gossec aktualizoval a rozšíril kompozíciu symfónie. orchester (do partitúry uviedol klarinety a lesné rohy). Spoločnosti. dobová atmosféra bola zlá. vplyv na hudbu. t-r. Revolučný. ideológia prispela k vzniku nových žánrov – apoteóza, agitácia. vystúpenia s použitím veľkých zborov. omše (Gosseck – apoteóza „Dar slobody“, 1792; opera „Triumf republiky alebo tábor v Grand Pre“, 1793; Gretry – agitácia. opery „Republikánsky vyvolený, alebo Sviatok cnosti“, „Tyran Dionýz“, obe 1794 atď.).

V rokoch revolúcie sa rozvíjala najmä „opera spásy“ (sformovala sa ešte pred revolúciou), ktorá nastoľovala témy boja proti tyranii, odhaľovala duchovenstvo, oslavovala lojalitu a oddanosť. Tento nový hrdinský žáner syntetizuje vznešené hrdinstvo a každodenný realizmus, črty komiksu. opery a hrdinské tragédia Gluck. Živé príklady „opery spásy“ vytvorili Cherubini („Lodoiska“, 1791; „Eliza“, 1794; „Nosič vody“, 1800), Breton („Hrôzy kláštora“, 1790), Lesueur („“ Jaskyňa“, 1793). Skladatelia éry veľkých Francúzov. Revolúcie prispeli veľkou hodnotou k rozvoju operného žánru: obohatili jeho výraz. prostriedky (Cherubini vo vrcholoch využíval princípy melodrámy), charakterizačné techniky (formovanie leitmotivizmu Gretry, Lesueur, Cherubini, Megul; pozri Leitmotív), dali nový výklad niektorým operným formám. Množstvo Gretryho opier („Richard Lionheart“, „Raoul Bluebeard“) a Cherubini (vrátane „Medea“, 1797), v ktorých sa autori snažia ukázať vnútro. ľudské skúsenosti obsahujú romantické. trendy. Tieto diela vydláždili cestu romantickej opere v 19. storočí.

V 80. rokoch. 18. storočie rozložená konc. aktivity G. B. Viottiho - najväčšieho predstaviteľa hrdinskej éry. klasicizmu v Skr. claim-ve, ktorý ovplyvnil formovanie francúz. skr. školy 19. storočia V rokoch revolúcie pre svoj osobitný význam nadobudol vojenského ducha. hudby (znela pri slávnostiach, oslavách, obradoch, pohrebných sprievodoch), organizoval sa Národný orchester. Stráže (1789, zakladateľ B. Sarret). Revolučný. Premenami prešiel aj hudobný systém. vzdelanie. Metriky boli zrušené; v roku 1792 otvorili Múzy. škola Národnej stráže pre vojenský výcvik. hudobníci. Na základe tejto školy a Kráľ. školy spevu a recitácie (založené štátnym tajomníkom, 1784) v roku 1793 Nat. hudba in-t (od roku 1795 - parížske konzervatórium). Veľkú zásluhu na organizácii konzervatória má Sarret, medzi jeho prvých inšpektorov a pedagógov - Gossec, Gretry, Cherubini, Lesuer, Megul.

V období napoleonskej diktatúry (1799-1814) a reštaurovania (1814-15, 1815-30) ideologický úpadok F. m. Semiramide" Katel, 1802 atď.). Tieto roky nedali (až na pár výnimiek) prostriedky. kompozície. Na pozadí bujného, ​​falošne hrdinského. prod. vynikajú opery „Ossian, or Bards“ od Lesueura (post. 1804), „Joseph“ od Megul (1807).

G. Spontini bol typickým predstaviteľom navonok veľkolepého operného štýlu, ktorého tvorba najplnšie odrážala požiadavky a vkus doby. Vo svojich operách („Vestálska panna“, 1805; „Fernand Cortes, alebo dobytie Mexika“, 1809 atď.) pokračoval v hrdinstve. tradícia pochádzajúca z Glucku. Múzy. dramaturgia stvárnených bytostí „Vestal“. vplyv na formovanie žánru veľkej opery.

Do konca obdobia reštaurovania v prostredí začiatku spoločnosti. Po rozmachu, ktorý viedol k júlovej revolúcii v roku 1830, nastalo oživenie aj v oblasti kultúry. V boji proti akad. žalobu napoleonskej ríše tvorili Francúzi. romantický opera, do raja v 20.-30. zaujímala dominantné postavenie. Romantické. tendencie sa prejavili v túžbe po ideologickej nasýtenosti, lyrike. bezprostrednosť prejavu, demokratizácia a farebnosť múz. Jazyk. Romantizácii podliehal aj operný žáner, operná komika, ktorý bol v týchto rokoch najrozšírenejší. Pre najlepšieho komika. Opery tohto smeru patria k dielam. A. Boildieu, ktorého najvyšším počinom bola opera Biela pani (1825) s patriarchálnou idylkou. každodenné scény a romantické. fantázie. Ďalšia romantizácia komiksu. opera spôsobila nárast jej lyriky. začiatok, širšie využitie nár. melódie, a tiež obohatil jej štýl. Nový typ komiksu opery s dojímavými zápletky, rýchlo sa rozvíjajúca akcia, hudba. jazyk, ktorý je presýtený intonáciami každodenných piesní a tancov, vytvoril F. Ober („Fra Diavolo“, 1830; „Bronzový kôň“, 1835; „Black Domino“, 1837 atď.). V komediálnom žánri. v operách pôsobili aj ďalší skladatelia – F. Herold („Tsampa, alebo Mramorová nevesta“, 1831), F. Halevi („Blesk“, 1835), A. Adam („Poštár z Longjumeau“, 1836), ktorý neskôr schválené aj romantické. réžia v balete („Giselle, alebo Willis“, 1841; „Corsair“, 1856).

V tých istých rokoch sa vytvoril žáner veľkej opery o historickej a vlasteneckej. a hrdinské príbehov. V roku 1828 tu bola pošta. operu „Nemý z Portici“ („Fenella“) od Auberta, ktorej dej zodpovedal spol. nálady v predvečer júlovej revolúcie roku 1830. Išlo o prvú veľkú operu, kde namiesto antických hrdinov účinkovali obyčajní ľudia. Samotná hudba sa líšila od vážnosti starých hrdinstiev. žánrov. „Mute from Portichi“ podnietilo ďalší rozvoj ľudového hrdinstva. a romantické. opery. Vo Veľkej opere sa realizovali určití dramaturgovia. techniky používané G. Rossinim v opere „William Tell“ (1829), ktorú napísal pre Paríž. Pôsobením vo Francúzsku si Rossini vzala veľa zo svojej kultúry a zároveň mala vplyv na prácu Francúzov. hudobníkov, najmä J. Meyerbeera.

Vo francúzštine veľká opera 30. a 40. rokov 19. storočia, vytvorená érou romantizmu, hrdinská. pátos, povznesenie sa do pocitov sa spájali s kopami javiskových výkonov. efekty, vonkajší dekoratívny efekt. V tomto smere je príznačné najmä dielo Meyerbeera, najvýraznejšieho predstaviteľa veľkého historického a romantizmu. opera, dlhé roky spájaná s francúzštinou. kultúra. Na jeho produkciu typické sú starostlivo napísané, vypuklé charakteristiky postáv, pútavý spôsob písania, jasná hudba. dramaturgia (vyzdvihnutie celkového vrcholu a kľúčových momentov vo vývoji akcie). So známym eklekticizmom hudby. štýlu (jeho hudobný jazyk sa formoval pod vplyvom rôznych národných kultúr), Meyerbeer vytvoril opery, ktoré zachytávajú akciu s intenzívnou drámou, veľkolepým divadlom. okázalosť. Charakteristické pre celú históriu spojenia F. m. je divadlo. a hudbu. art-va sa prejavila v tvorbe Meyerbeera, ktorý bol ovplyvnený romant. najmä drámy V. Hugo. (Významný podiel na formovaní Meyerbeerovho operného štýlu má vtedajší veľký dramatik E. Scribe, ktorý sa stal jeho stálym libretistom.) Meyerbeerove parížske opery – „Robert the Devil“ (1830), kde je postavená štruktúra veľ. Vznikla francúzština. opera, jeho najlepšie dielo. „hugenotov“ (1835), ktorý sa stal najjasnejším príkladom Francúzov. romantický opery, „Prorok“ (1849) a „Afričan“ (1864), v ktorých sú už náznaky úpadku tohto žánru, – pri všetkých zásluhách svedčia o nedôslednosti tvorivej práce. Meyerbeerova metóda a samotný žáner veľkej opery s jej vonkajšími efektmi na úkor pravdivosti. Veľká opera je spojená s tvorbou mnohých Francúzov. skladateľov, vr. Halevi ("Žhidovka", 1835; "Kráľovná Cypru", 1841; "Karl VI", 1843).

Progresívna francúzština. hudba romantizmus našiel svoje najvýraznejšie a najkompletnejšie vyjadrenie v diele G. Berlioza, jedného z najväčších skladateľov 19. storočia. Berlioz bol tvorcom softvérového romantika. symfónia – „Fantastická symfónia“ (1830), ktorá sa pre Francúzov stala akýmsi manifestom. hudba romantizmus, „Harold v Taliansku“ (1834). Zvláštnosť symfónie Berliozova kreativita je spôsobená lomom v jeho hudbe lit. obrazy Virgila, W. Shakespeara, J. Byrona, J. W. Goetheho, konvergencia symf. žánre s divadlom. Problém teatralizácie rieši každá jeho inscenácia. jednotlivo: dram. symfónia „Romeo a Júlia“ (1839) je obdobou oratória (vďaka predstaveniu sólistov a zboru) a obsahuje prvky opernej akcie; dram. legenda „Odsúdenie Fausta“ (pre sólistov, zbor a orchester, 1846) je komplexnou operno-oratório-symfóniou. žánru. Do istej miery sa spája princíp monotematizmu hojne využívaný Berliozom v symfóniách, ktorý v tomto prípade vychádza z leitmotívovej charakteristiky v opere. Berlioz svojím programovým symfonizmom načrtol jednu z najdôležitejších ciest rozvoja Európy. symp. hudba (pozri Programová hudba). V jeho hudbe, spolu s intímnymi textami, fantastické. a žánrové obrazy sú vytrvalo stelesnené občiansko-revolučné. téma; oživil tradície masy a demokracie. nároky Veľkých Francúzov. Revolúcia (Requiem, 1837; Pohrebno-triumfálna symfónia, 1840) Veľký inovátor Berlioz vytvoril nový typ nat. melodika (jeho melódie sa vyznačujú príklonom k ​​starým režimom, svojráznym rytmom, ktorý bol ovplyvnený vplyvom osobitostí francúzskej reči; niektoré jeho melódie pripomínajú povýšenú rečovú reč). Urobil veľké inovácie v oblasti hudby. forma, urobila revolúciu v oblasti inštrumentácie (významnú úlohu pri vytváraní obrazu zohráva orchestrálno-timbrálny prvok, ktorému sú podriadené ostatné zložky hudobného jazyka - rytmus, harmónia, forma, textúra). Trochu zvláštne postavenie vo francúzštine. hudba t-re obsadil Berliozove opery: jeho opera „Benvenuto Cellini“ (1837) pokračuje v tradícii komiky. opery, dilógia „Trójania“ (1859) – Gluckove hrdinstvá, maľované v romantických tónoch.

Najväčší dirigent a vynikajúca hudba. kritik Berlioz bol spolu s Wagnerom zakladateľom novej dirigentskej školy, napísal množstvo pozoruhodných diel, napr. venovaný L. Beethovenovi, Gluckovi, otázkam dirigentského umenia (medzi nimi – traktát „Dirigent orchestra“, 1856) a orchestrácii („Veľké pojednanie o inštrumentácii“, 1844).

Práca Berlioza zatienila aktivity mnohých Francúzov. skladatelia ser. 19. storočia, pôsobiaci v oblasti symfónie. žánru. Niektoré z nich, vr. F. David, urobil rozhodnutie. príspevok k hudbe nárok vo Francúzsku. Autor jednosymfónií Púšť (1844), Krištof Kolumbus (1847) a ďalších diel položil základy orientalizmu vo F. m.

V 30-40 rokoch. 19. storočie Paríž sa stáva jedným z centier svetovej hudby. kultúry, ktorá prilákala hudobníkov z iných krajín. Tu sa rozvinula kreativita, dozrel pianizmus F. Chopina a F. Liszta, prekvitalo umenie spevákov P. Viardo-Garcia, M. Malibran, koncertovali N. Paganini a ďalší vynikajúci interpreti.

Od začiatku 19. storočie Európsky slávu získal francúzsky. husle, tzv. Parížska škola - P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; do popredia sa dostala plejáda spevákov spojených s romantikom. opera, medzi nimi - speváci L. Damoro-Chinti, D. Arto, speváci A. Nurri, J. L. Dupre. Objavilo sa množstvo prvotriednych múz. tímov. V roku 1828 r. F. Habenek založil v Paríži „Spoločnosť koncertov parížskeho konzervatória“, symfóniu. ktorých koncerty zohrali veľkú úlohu pri propagácii Beethovenovho diela vo Francúzsku (v rokoch 1828-31 sa v Paríži konal cyklus, ktorý zahŕňal všetky Beethovenove symfónie), ako aj Berlioza (Fantastická symfónia, Rómeo a Júlia prvýkrát zazneli na koncertoch Spoločnosť ", "Harold v Taliansku"). Berlioz viedol širokú dirigentskú činnosť, to-ry organizoval symfóniu. koncerty-festivaly (neskôr bol dirigentom Veľkej parížskej filharmónie, vytvorenej z jeho iniciatívy, 1850-51). Prostriedky. rozvíjal sa aj zbor. predstavení, ktoré sa postupne presunulo z kostolov na konc. haly. Obrovské množstvo milovníkov zboru. spev zjednotil Orpheon Society. Pre hudbu. Život Francúzska v rokoch Druhého cisárstva (1852-70) charakterizuje vášeň pre kaviarenské koncerty, divadlo. revue, žaloba šansoniér. Počas týchto rokov početné t-ry ľahkých žánrov, kde sa inscenovali vaudevilly a frašky. Všade to znelo zábavne, zábavne. hudba. Skúsenosti však získané komiksom. opera v zobrazovaní každodenného života, vo vytváraní skutočných obrazov, prispela k formovaniu nového divadla. žánre - opereta a lyrická opera.

Parížska opereta je typickým produktom Druhého cisárstva. Vyrástol z predstavení-recenzií (recenzií), vytvorených na témy dneška. Opereta sa vyznačovala predovšetkým sýtosťou moderny. obsahu a aktuálnej hudby. intonácie. Jeho základom boli pikantné kuplety a tance. divertissementy popretkávané konverzačnými dialógmi. Medzi tvorcov parížskej operety patria J. Offenbach, P. Herve. Operety najväčšieho majstra tohto žánru Offenbacha boli dejovo pestré („Orfeus v pekle“, 1858; „Genevieve of Brabant“, 1859; „Krásna Helena“, 1864; „Modrá brada“ a „Parížsky život“, 1866; Pericola“, 1868 atď.) sú podriadené Ch. téma - obraz modernosti. Offenbach rozšíril ideologické umenie. žánrový rozsah; jeho opereta nadobudla akútnu aktuálnosť, sociálnu orientáciu (v rade diel je zosmiešňovaná morálka buržoázno-šľachtickej spoločnosti). Hudba v Offenbachových operetách sa stáva najdôležitejšou dramaturgiou. faktor.

Následne (v 70. rokoch v podmienkach tretej republiky) opereta stratila satiru, paródiu, aktuálnosť a prevládali historicko-všedné a lyricko-romantické. zápletky, v hudbe sa dostala do popredia lyrika. začiatok ("Madame Favard", 1878, a "Dcéra Tambour Majora", 1879, Offenbach; "Mademoiselle Nitouche" Herve, 1889 atď.); je to jasne vyjadrené v operetách C. Lecoqa („Dcéra Madame Ango“, 1872; „Girofle-Giroflya“, 1874), R. Plunket („Zvony Corneville“, 1877). Pre operetné predstavenia v Paríži bolo otvorených niekoľko operných domov. t-priekopa - "Buff-Parisien" (1855, zakladateľ - Offenbach), "Foli Dramatic" (1862), "Foli Bergère" (1872; neskôr - hudobná sieň) atď.

Do 50-tych rokov. 19. storočie francuzsky claim-ve zosilnený realistický. trendy. V opere sa to prejavilo túžbou po obyčajných zápletkách, po obraze nie výnimočného, ​​romantického. hrdinov, ale obyčajných ľudí so svojimi intímnymi zážitkami. V kon. 50. - 60. roky vzniká lyrický žáner. opery. Jeho najlepšie vzorky sa vyznačujú hĺbkovým psychologizmom, jemným odhalením vnútra. ľudského sveta, pravdivý obraz situácie, na pozadí ktorej sa vyvíja dej. Avšak, lyrika opere chýbala šírka ideologického umenia. zovšeobecnenia. Často osvetlené. základom opier boli diela. svetové klasiky, no akcentované v nich preim. lyrika dráma, zápletky sa interpretovali v každodenných pojmoch, ideologické problémy sa zužovali, filozofický obsah lit. pôvodný zdroj. Lyric. opera sa vyznačuje poetickou. náčrt scény. obrazy, jednoduchá zrozumiteľná hudba, príťažlivosť, melodickosť, demokratizácia múz. jazyk, ktorý sa približoval každodenným textom (veľmi využívaný je mestský folklór, rôzne žánre každodenného života vrátane romantiky, valčíka).

Lyric. opera dostala najucelenejšie a umelecky najdokonalejšie stelesnenie v diele Ch.Gounoda. Ako jeho klasika slúži opera Faust (1859, 2. vydanie 1869), ktorá znamenala zrod nového žánru. vzorka. Gounod vytvoril 2 ďalšie svetlé texty. opery - "Mireil" (1863, 2. vydanie 1864) a "Rómeo a Júlia" (1865, 2. vydanie 1888). Medzi skladateľmi, ktorí písali v tomto žánri, vyniká lyrika svojím originálom. talent, pôvab hudby. štýlu J. Massenet, autor populárnych opier „Manon“ (1884), „Werther“ (1886). Takáto lyrika je všeobecne známa. opery ako „Mignon“ (1866) a „Hamlet“ (1868) od Thomasa, „Pearl Diggers“ (1863), „Krása Perthu“ (1866) a „Jamile“ (1871) od Bizeta, „Lakme“ od Delibesa (1883). Pomenované opery J. Bizeta a L. Delibesa o exot. „Orientálne“ námety, ako aj „Samson a Dalila“ od Saint-Saensa (1876) patria medzi najlepšie francúzske. lyricko-orientálne diela. Veľa lyrika opery sa uvádzali v divadle Lyric Theatre (založené v roku 1851).

V 70. rokoch. 19. storočie realistické. trendy sa objavili aj v žánri baletu. Delibes bol v tejto oblasti inovátorom, to-ry v baletoch Coppelia, alebo Dievča so smaltovanými očami (1870), Sylvia, či Nymfa Diany (1876) posilnili drámu. začiatok v tanci, rozšíril záber lyricko-psychologického. expresívnosť tradície. baletných foriem, využívaných prostredníctvom rozvoja hudby.-xopeografich. akcie, dosahujúce symfonizáciu baletnej hudby. Výklenok je realistický. lyrické princípy. opera je spojená s dielom Bizeta. Jeho najlepšie diela – hudba k dráme A. Daudeta „The Arlesian“ (1872) a opera „Carmen“ (1874) sa vyznačujú realizmom. odhalenie drámy ľudí z ľudu, sila zobrazenia životných konfliktov, pravdivosť ľudských vášní, dynamika obrazov, drámy. expresívnosť hudby, živá rekreácia nat. farebný, melodický bohatosť, originalita múz. jazyk, kombinácia intenzity symf. vývoj z tradície. Francúzske formy. komické opery („Carmen“ je formálne napísaná v tomto žánri). "Carmen" - vrchol realizmu vo francúzštine. opera, jedno z najväčších diel. svetové operné umenie. V poslednej tretine 19. stor stvorenia. miesto v hudbe život Francúzska obsadilo dielo R. Wagnera, ktoré malo zmysel. vplyv na mnohých Francúzov skladateľov. Medzi wagnerovcami a ich oponentmi sa strhla búrlivá debata. Paríž sa stal jedným z centier wagnerizmu. Dokonca tu vyšiel aj špeciál. časopis „Revue Wagnerrienne“ (1885-88), na ktorej spolupracovali významní spisovatelia, hudobníci, filozofi a umelci. Vplyv hudby Wagnerova dramaturgia sa prejavila v operách Fervaal d'Andy (1895), Chabrierovej Gwendoline (1886), Wagnerove vplyvy zasiahli aj inštrumentálne žánre (hľadanie v oblasti harmónie, orchestrácia) - niektoré diela A. Duparca, E. Chaussona atď. V 90. rokoch však došlo k reakcii proti dominancii wagnerovských myšlienok. Existuje túžba po väčšom národnom charaktere, po pravde života v hudbe. V tomto ohľade vo francúzskej opere našli realizáciu trendu podobné talianskemu verizmu, vo významnej miere spojené s literárnym hnutím na čele s E. Zolom. Sú živo stelesnené v diele A. Bruna, najvýznamnejšieho predstaviteľa naturalizmu v opernom umení Francúzska. V jeho operách (väčšina ich - na sprisahaniach a čiastočne na libreto Zolu ) priviedol na scénu najskôr moderných roľníkov, robotníkov - "Obliehanie mlyna" (1893), "Messidor" (1897), "Uragán" (1901). , na úkor realizmu v Brunových dielach sa často pravdivé životné konflikty spájajú s tajomnou symbolikou. Smerom k naturalistickému smeru Dielo G. Charpentiera, autora opery Louise (1900), ktorá bola populárna najmä medzi demokratickým publikom, stelesňuje tvorbu G. Charpentiera, v ktorej sú zachytené obrazy obyčajných ľudí, obrazy každodenného života v Paríži. .

V 2. poschodí. 19. storočie sa rozšírila piesňová tradícia reprezentovaná tvorbou šansoniérky. Následne o ich tvrdení s veľkými sympatiami hovoril V. I. Lenin. V. I. Lenin si obľúbil najmä populárny v 90. rokoch. spevák šansoniér G. Montegus - syn komunarda. Prod. šansoniéri sa často vyznačovali jasnou publicitou. Mnohé piesne prispeli k prebudeniu triedneho povedomia robotníkov. Medzi nimi je "Internationale" - živá odpoveď na hrdinstvo. udalosti Parížskej komúny (slová napísal popový pesničkár E. Pottier v júni 1871, hudbu robotník, amatérsky skladateľ P. Degeyter v roku 1888, prvýkrát predvedený v roku 1888 na pracovnej dovolenke v Lille), ktorá sa stala hymna revolúcie. proletariátu.

Parížska komúna znamenala zásadný obrat v spoločensko-politickom. a kultúrny život vo Francúzsku. Politika komúny v umení. oblasť vychádzala zo sloganu, ktorý hlásala „Umenie – masám“. Pre ľudí sa organizovali veľkolepé koncerty, masové predstavenia v paláci Tuileries, v dekompe. parížske štvrte, hudba znela na uliciach, námestiach. Navrhnuté Parížskou komunitou umení. udalosti boli ideologicky široké. Pracujúci ľud mal možnosť navštevovať divadlá, koncerty a múzeá. Hlavná postava revolúcie. Paris bol skladateľ a folklorista R. Salvador-Daniel, ktorý bojoval na barikádach, stál na čele konzervatória v dňoch Parížskej komúny (zajali ho Versailles a zastrelili). Myšlienky Parížskej komúny našli priamo. odzrkadlili v piesňach, ktoré vytvorili pracujúci básnici a skladatelia, prispeli aj k demokratizácii prof. realistické. súdny spor. Po udalostiach v rokoch 1870-71 vo Francúzsku sa rozširovalo hnutie za ustanovenie národných tradícií v hudbe. Prichádza spásonosná zmena v obore inštr. hudba – vysoké umenie. výsledky dosiahli francúzski skladatelia v symfónii, komornej-inštr. žánrov. Táto „obnova“ je spojená predovšetkým s aktivitami S. Franka a C. Saint-Saensa.

Najväčší francúzsky skladateľ a organista Frank vo svojej tvorbe spájal klasiku. jasnosť štýlu s jasným romantickým. obraznosť. Veľkú pozornosť venoval problému umenia. jednota inštr. cyklus, založený na princípe prierezovej tematiky: spojenie ukončených, relatívne samostatných. časti cyklu so spoločnými témami (tradícia pochádzajúca z Beethovenovej 5. symfónie). K vysokým príkladom francúzštiny. symfónia patrí k takýmto dielam. Franca, ako symfónia in d-moll (1888), symfónia. básne Zatratený lovec (1882), Džinovia (pre klavír a orchester, 1884), Psyché (pre zbor a orchester, 1888), Symfonické variácie (pre klavír a orchester, 1885). Princíp cyklickosti, charakteristický pre symfóniu. Frankovej tvorbe neodmysliteľne patrí aj jeho komorná inštr. eseje. Bol autorom organu, fp. diela, oratóriá, romance, sakrálna hudba. Klasicistické tendencie vo Frankovej tvorbe (apel na prísne klasické formy, rozšírené používanie polyfónie) čiastočne pripravili neoklasicizmus v hudbe 20. storočia. Jeho poznatky v oblasti harmónie zároveň anticipovali impresionizmus. metódy písania. Vynikajúci učiteľ Frank bol zakladateľom školy (medzi jeho žiakov patrili V. d "Andy, A. Duparc, E. Chausson). Jeho práca mala priaznivý vplyv na koniec R. m. 19. - začiatok 20. stor. .

Kreatívne. individualita Saint-Saensa, autora početných. prod. rôzne žánre, najzreteľnejšie sa prejavujú v inštrumentálnej, predovšetkým koncertno-virtuóznej hudbe - symfónia s organom (3. symfónia, 1886), symfónia. báseň „Tanec smrti“ (1874), „Úvod a Rondo Capriccioso“ a 3. koncert pre husle a orchester (1863, 1880), 2., 4., 5. koncert pre klavír. s orchestrom (1868, 1875, 1896), 2. koncert pre violončelo a orchester (1902) a i. V jeho romantickej hudbe možno vysledovať klasicistické tendencie. Kreativita Saint-Saens sa vyznačuje vernosťou nat. tradície (jeho tvorivé princípy sa formovali do značnej miery pod vplyvom čembalistov, Berlioza, veľkej a lyrickej opery). Vo svojom op. hojne využíva folklórne intonácie a žánre, tance. rytmy (prejavil záujem aj o ľudovú hudbu iných krajín: „Alžírska suita“ pre orchester, 1880; fantázia pre klavír s orchestrom „Afrika“, 1891; „Perzské melódie“ pre hlas s klavírom, 1870 atď.) . Národný definitívnosť a demokracia múz. Saint-Saens obhajoval žalobu aj ako hudobník. kritik. Všetky jeho mnohostranné aktivity ako skladateľ, koncertný virtuózny klavirista, organista, dirigent, hudba. kritika smerovala k propagácii F. m. Svedčí o tom aj publikácia z iniciatívy a pod redakciou o. Saint-Saens Full. kol. op. Rameau (1895-1918, nedokončené).

Významný prínos pre Francúzov hudba konská kultúra. 19 - prosiť. 20. storočie komp. E. Lalo (majster orchestrálnej a komornej inštrumentálnej hudby, autor populárnej „Španielskej symfónie“ pre husle a orchester, 1875, ktorá znamenala začiatok vášne francúzskych hudobníkov pre španielsky folklór), E. Chabrier (umelec, ktorý ukázal tzv. dar dôvtipu, hlbokej lyriky a tvorivej vynaliezavosti, ktorí sa postavili proti kanonizácii umenia, medzi dielami ktorého patrí aj žiarivo národná komická opera Kráľ mimovoľne, 1887, klavírne skladby), A. Duparc (autor romancí, ktoré predvídali tzv. diela tohto žánru G Fauré, C. Debussy), Chausson (subtílny textár, tvorca srdečných symfonických diel vrátane „Básní“ pre husle a orchester, 1896, ako aj romancí).

V tejto galaxii d "Andy vyniká. Oddaný študent Franka, vo svojej práci rozvíjal svoje tradície. d" Andyho hudba sa vyznačuje polyfóniou. vynaliezavosť, brilantnosť harmónie, transparentnosť orchestrácie, rozsah skladieb. Obdivovateľ a propagátor Wagnerových myšlienok dodržiaval jeho hudobné princípy. dramaturgia, leitmotivizmus. V množstve inscenácií d „Andy našiel stelesnenie francúzskeho hudobného folklóru – „Symfónia na tému piesne francúzskeho horolezca“ pre klavír a orchester (1886), „Fantasy na témy francúzskych ľudových piesní“ pre hoboj a orchester (1888), symfonická suita "Letný deň v horách" (1905). Aktivity d" Andyho prispeli k zvýšeniu záujmu o lôžko. Francúzska hudba (zbieral a spracovával ľudové piesne, vydal niekoľko zbierok piesní), ale aj kontrapunkt. umenie starých majstrov, až po obrodenie starej hudby (prejav neoklasických tendencií). Prednosti d „Andyho sú veľké aj pri vzostupe hudobného vzdelávania vo Francúzsku.

Zvýšený v poslednej tretine 19. storočia. záujem o inštr. hudba spôsobila oživenie konc. života. Objavili sa prvotriedne symfónie. a komorné nástroje. tímov. V roku 1861 na základe r. J. Padlu „Spolok mladých umelcov konzervatória“ vznikol „Populárne koncerty vážnej hudby“ (existoval do roku 1884, obnovený Padlu v rokoch 1886-87; od roku 1920 obnovený riaditeľom Rene-Batonom ako „Koncertný spolok Padlu“). V roku 1873 bol z iniciatívy vydavateľa J. Hartmana konc. Spoločnosť "Národné koncerty" na čele s r. E. Stĺpec (od r. 1874 - "Chateletské koncerty", neskôr - "Stĺpové koncerty"). Na koncertoch tohto spolku sa hojne uvádzal najmä produkcia F. m. Berlioz, Frank. V tom istom roku 1873 z iniciatívy r. S. Lamoureux hlavný. "Spolok posvätnej harmónie" ("Société de I" Harmonie sacré "), na koncertoch, na ktorých po prvý raz vo Francúzsku zazneli niektoré diela J. S. Bacha, G. F. Händela (v roku 1881 sa pretransformovala na "Na - v nov. koncertov", od roku 1897, po zlúčení s operou Koncerty pod vedením C. Chevillarda, - v Lamoureux Concertos). Osobitná úloha pri propagácii F. m. z iniciatívy Saint-Saensa a R. Bussina za účasti S. Franka, ktoré vznikli ako odozva na celonárodný vlastenecký rozmach, vzrástla úloha zborového prejavu. , Padlou) vznikli: Spolok Concordia (1879), v repertoári ktorého dominovali diela Bacha a Händela, sv. -Spolok spevákov Gervaise (1892, zakladateľ Ch. Bord), ktorý uvádzal hudbu renesancie, Bachovského (1904), Gendelevského (1908) ob-va.

Získal celosvetovú slávu. francúzsky účinkujúcich na 2. poschodí 19 - prosiť. 20. storočia, vrátane. speváčka S. Galli-Marieux, speváci J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reshke, J. F. Delmas, klaviristi A. F. Marmontel, L. Diemer, organisti Ch. M. Widor, Frank, L. Viern, G. Pierne, A. Gilman a iné.Po celé 19. storočie. Francúzština sa rýchlo rozvíjala. hudobný výskum myslel. Početné teoretická a pedagogická. diela vytvoril Čech žijúci v Paríži. skladateľ a teoretik A. Reich; Historický slovník hudobníkov (zv. 1-2, 1810-11) a Hudobnú encyklopédiu (zv. 1-8, 1834-36, nedokonč.) vydal A. E. Shoron, autor prác z hudobnej teórie (spojil teória so všeobecnou a hudobnou estetikou); o franco-flam. kostol hudby a stredného storočia. hudba E. A. Kusmaker písal teoretikom, ktorých diela vydláždili cestu k štúdiu hudby stredoveku; zostavil zbierku piesne, pripravil a vydal klavier zabudnutých opier a baletov, napísal dielo o dejinách inštrumentácie (1883) J. B. T. Vekerlen; veľký prínos pre štúdium Nar. hudbu uviedol L. A. Burgot-Ducudray, ktorý publikoval početné. zbierky ľud melódie; kapitálové práce z oblasti lexikografie a hudobnej histórie vr. „Všeobecný životopis hudobníkov a bibliografický hudobný slovník“ (zv. 1-8, 1837-44, dodatočné vyd. 1860-65), patria F. J. Fetisovi; Bord zostavil antológiu starovekej sakrálnej hudby; antológia organovej hudby 16.-18. storočia. publikovali Gilman a A. Pirro (zv. 1-10, 1898-1914).

V 19. storočí hudba parížske konzervatórium pokračovalo vo vzdelávaní personálu (Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas a T. F. C. Dubois boli jeho riaditeľmi až do 20. storočia po Sarretovi). Nechýbali ani nové múzy. uch. inštitúcií, medzi ktorými vyniká Niedermeierova škola, ktorá vychovávala kapelníkov a organistov (otvorená v roku 1853 na základe reorganizovaného Inštitútu cirkevnej hudby, vytvoreného v roku 1817 Shoronom) a Schola Cantorum (založená v roku 1894 z iniciatívy r. d'Andy, Borda, Gilman, oficiálne otvorenie sa uskutočnilo v roku 1896, jeho riaditeľom v rokoch 1900-1931 bol d "Andy), ktorý sa stal centrom štúdia a propagandy (koncerty, školské publikácie) starého svetského a cirkevného. hudba, diela francúzštiny skladatelia 17. – 18. storočia, ako aj Frank. V kon. 80. - 90. roky 19. storočie vo Francúzsku vznikol nový trend, ktorý sa rozšíril v 20. storočí - impresionizmus (vznikol v 70. rokoch vo francúzskom maliarstve, potom sa prejavil v hudbe atď.). Múzy. impresionizmus oživil niektoré nat. umenia. tradície - túžba po konkrétnosti, programovosti, elegancii štýlu, priehľadnej textúre. Hlavnou vecou v hudbe impresionistov je prenos premenlivých nálad, prchavých dojmov a jemných duševných stavov. Preto príťažlivosť k poetike. krajina, ako aj vycibrená fantázia.

Impresionizmus našiel svoje najplnšie vyjadrenie v hudbe C. Debussyho, prejavil sa v tvorbe M. Ravela, P. Dukea, J. J. E. Rogera-Ducasa a i. Debussy, keď zhrnul úspechy svojich predchodcov, rozšíril svoje vyjadrenia. a kolorista. možnosti hudby. Vytvoril inscenáciu vysoké umenie. hodnoty, ktoré sa vyznačujú bezhraničnou variabilitou zvukových obrazov. Zdá sa, že jeho flexibilné, krehké melódie sú utkané z neprestajných „prechodov-pretekov“. Rhythmich. kresba je tiež premenlivá, nestála. V harmónii je pre skladateľa v prvom rade dôležitá kolorizmus. efekt (modálna sloboda, použitie odvážnych paralelizmov, struna nedoriešených farebných harmónií). Harmonická zložitosť. prostriedky viedli k polytonálnym prvkom v jeho hudbe. V ork. na palete dominujú čisté, akvarelové farby. Debussy vytvoril aj nového klaviristu. štýl, nájdenie nespočetných timbrových odtieňov zvuku klavíra.

Impresionizmus zaviedol inovácie aj v oblasti hudby. žánrov. V diele Debussyho, symf. cykly ustupujú symf. náčrty; v fp. hudbe dominujú programové miniatúry. Živými príkladmi obrazovej impresionistickej zvukomaľby sú jeho „Preludo to the Afternoon of a Faun“ (1894), ork. triptych "Nocturnes" (1899), 3 symfóny. skica "More" (1905) pre orchester, číslo klavíra. prod.

Debussy bol tvorcom impresionistickej opery. Jeho „Pelléas et Mélisande“ (1902) je v podstate jednota. príklad tohto typu opery (pre hudobný impresionizmus vo všeobecnosti nie je typické obracať sa k dramatickým žánrom). Ukázala aj autorovu náklonnosť k symbolistickým obrazom. Pri všetkej hĺbke psychologickej expresivity, subtílnom prenose pomocou hudby rôznych odtieňov v nálade postáv, opera trpí určitou statickou dramaturgiou. Inovatívne dielo Debussyho malo obrovský vplyv na následný vývoj celej svetovej hudby 20. storočia.

Významný umelec 20. storočia Ravela ovplyvnila aj estetika impresionizmu. V jeho tvorbe sa prelínajú dif. estetické a štylistické tendencie – klasicistické, romantické impresionistické (v neskorších dielach – aj neoklasicistické). Iskrivá, temperamentná hudba Ravela sa vyznačuje zmyslom pre proporcie, zdržanlivosťou vo výraze. Väčšia sloboda prenosu hudby. myšlienka sa spája s vernosťou klasiky. formy (preferuje sonátovú formu). S úžasnou rytmikou rozmanitosť a bohatosť Ravelovej hudby podlieha prísnym metrom. Veľký majster inštrumentácie, dosiahol sofistikovanosť, orkskú brilantnosť. farby pri zachovaní istoty zafarbenia. Charakteristickým znakom jeho tvorby je záujem o folklór (francúzsky, španielsky atď.) a každodenný život, predovšetkým tanec. žánrov. Jeden z vrcholov Francúzov symfónia bola jeho „Bolero“ (1928), iní orkovia majú nepochybnú hodnotu. op. - "Španielska rapsódia" (1907), choreografická. báseň "Valčík" (1920). Svetlé príklady vytvoril Ravel v operných (Španielska hodinka, 1907, prototypom tejto opery bola Musorgského Manželstvo; opera-balet Dieťa a mágia, 1925) a baletných (vrátane Dafnis a Chloe, 1912) žánroch, v r. oblasť fp. hudba (2 koncerty pre klavír a orchester, 1935, klavírne skladby, cykly). Použitím techník polytonality, polyrytmu, linearity, prvkov jazzu Ravel vydláždil cestu novej štylistike. trendy v hudbe v 20. storočí. Spolu s impresionistickými tendenciami vo F. m. na prelome 19. a 20. stor. tradície Saint-Saens a Francka sa naďalej rozvíjali. G. Fore pôsobil ako správca týchto tradícií. Starší súčasník Debussyho, Ravelovho učiteľa, mal vo svojej tvorbe ďaleko od nových trendov doby. S výbornou melodikou darmo, Fauré tvoril hudbu presiaknutú úprimnou lyrikou - také sú jeho poetický vokál (romance na verše P. Verlaina a i.), klavír (balada pre klavír s orchestrom, 1881; množstvo noktúr, prelúdií), komorný inštr. (2. sonáta pre husle s klavírom, 2 sonáty pre violončelo s klavírom, sláčikové kvarteto, klavírne trio, 2 klavírne kvintetá) diela. Vlastní aj operu „Penelope“ (1913), ktorú neskôr veľmi ocenil A. Honegger. Najväčší učiteľ, Fore vychoval mnohých. skladatelia, medzi jeho žiakov - J. J. E. Roger-Ducas, C. Keklen, F. Schmitt, L. Ober.

Impresionistický štýl písania bol do istej miery charakteristický pre Duku. To sa napríklad prejavilo v brilantnosti harmoniky. a ork. jazyk jeho opery „Ariana a Modrofúz“ (1907). Obdivovateľ Debussyho talentu Dukas však nebol zástancom impresionistickej estetiky. Jeho produkcia. vyznačuje sa čistotou kompozície, čistotou formy, klasikou. hudobná rovnováha. vývoj (symfonické scherzo „Čarodejov učeň“, 1897). Partitúry tohto majstra orchestrácie oplývajú farbami. nálezy (choreografická báseň pre orchester „Peri“, 1912). Prostriedky. záujem je pre neho kritický. dedičstvo. Duke bol tiež uznávaným učiteľom.

Debussy, Ravel, Duke a ďalší Francúzi. skladatelia prejavili veľký záujem o ruštinu. hudby, študoval dielo M. P. Musorgského, N. A. Rimského-Korsakova, A. P. Borodina a i. skladba v hudbe život Francúzska opustil koncerty ruštiny. hudby počas Svetovej výstavy v Paríži (1889; Rimskij-Korsakov a A. K. Glazunov sa ako dirigenti zúčastnili na koncertoch), Istorich. ruský koncertov organizovaných S. P. Diaghilevom (1907, dirigovali Rimskij-Korsakov, Glazunov, S. V. Rachmaninov a i.) a najmä „Ruské ročné obdobia“ (konané od roku 1908 z iniciatívy Diaghileva), na operných a baletných predstaveniach sa zúčastnili napr. najväčší ruský. umelci – F. I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Nižinskij a ďalší.„Ruské ročné obdobia“ zoznámili nielen Francúzov s ruštinou. hudby, no uviedla do života množstvo produktov, vr. I. F. Stravinskij – „Vták Ohnivák“ (1910), „Petruška“ (1911), „Svätenie jari“ (1913), ako aj „Svadba“ (1923), „Apollo Musaget“ (1928), odkiaľ od r. malebné štylizácie v duchu Sveta umenia sa dostal k baletom založeným na symfonizácii hudby a tanca. Na príkaz Diaghileva bolo vydaných niekoľko op. E. Satie, J. Orica, F. Poulenc, D. Millau a ďalší.

Proces formovania mnohých skladateľov nebol jednoduchý. cesta k-rykh zahŕňa historicky ťažké obdobie con. 19 - 1. poschodie. 20. storočie Do ich počtu patril A. Roussel. Frank, ktorý vzdal hold vášni pre hudbu Wagnera, zažil vplyv impresionizmu (opera-balet „Padmavati“, 1918; balet-pantomíma „Sviatok pavúka“, 1913), priklonil sa k neoklasicizmu (balet „Bacchus a Ariadne", 1931; 3. a 4. symfónia, 1930 a 1934 atď.). Do rovnakého obdobia patrí aj činnosť skladateľa a múz. teoretik Keklen - jeden z najväčších učiteľov (medzi svojimi žiakmi - F. Poulenc, A. Coge), skladateľ a klavirista Roger-Ducas, ktorý sa pripojil k neskorému romantizmu. prúd v hudobnej hudbe, skladateľ a organista Vidor, skladateľ a klavirista D. Severákovi, skladatelia A. Manyar, L. Aubert, G. Roparz a i.

1. svetová vojna v rokoch 1914 – 1918 spôsobila zásadné zmeny v názoroch ľudí na život, v ich vkuse a v postoji k umeniu. Medzi mladými kultúrnymi osobnosťami sa protestuje proti buržoázii. morálka, filistinizmus. V prvých desaťročiach 20. stor osobitnú pozornosť priťahovala jeho rebelsko-protiburžoázna. postavenie, negácia všetkých múz. počítačové autority. Sati. Spolu s básnikom, libretistom, umelcom a kritikom J. Cocteauom viedol hnutie mladých Francúzov. hudobníkov, ktorí sa prihovárali za estetiku urbanizmu, za umenie „dnešného“, teda moderného. mesto s hlukom áut, hudobnou sálou, jazzom. Sati ovplyvnil mladých skladateľov skôr ako duchovný mentor, a nie svojou tvorbou, ktorá pri všetkej svojej originalite (v jeho tvorbe vznikajú nezvyčajné zvuky, reprodukuje sirénu v aute, cvrlikanie písacieho stroja, potom jasné, niekedy zdržanlivé až tvrdé melódie uvádzajú, techniky Dobachovej polyfónie sa spájajú s prvkami grotesky) neprekročili rámec svojej doby. Verejný škandál sprevádzal uvedenie Satieho baletu „Parade“ (scenárista Cocteau, výtvarník P. Picasso, 1917), spôsobený tak nezvyčajnou hudbou, ktorá stelesňovala ducha hudobnej sály, obnovujúc zvuky ulice, ako aj samotnou inscenáciou (konvergencia choreografie so scénou, excentricitou a kubofuturistickými princípmi scénického dizajnu). Skladateľská mládež nadšene privítala balet. Pod záštitou Sati a Cocteau vznikla kreativita. spoločenstvo skladateľov, v histórii známe pod názvom. „Šesť“ (tento názov dal skupine kritik A. Collet v článku „Päť Rusov a šesť Francúzov“, publikovanom v roku 1920). "Šesť", ktorý zahŕňal veľmi odlišné v ich kreativite. ašpirácie skladateľov - D. Milhaud, A. Honegger, F. Poulenc, J. Auric, L. Durey, J. Taillefer - nebola štýlovo jednotnou školou, nedržala sa spoločnej ideovej a estetickej. názory. Jeho účastníkov spájala láska k Francúzom. kultúra, záväzok k nat. tradície (uplatnenie pravej francúzštiny v hudbe), túžba po novosti a zároveň jednoduchosti, vášeň pre Stravinského, ako aj amer. jazz. Každý z členov tejto skupiny si po zložení určitej pocty urbanizmu ("Pacific-231" a "Rugby" pre Honeggerov orchester, 1923, 1928; vokálny cyklus "Agricultural Machinery" Millau, 1919 atď.) zachoval jasnú individualitu. ; ich inovatívne hľadania sa často uberali diametrálne opačnými smermi. „Šestka“ ako pospolitosť dlho nevydržala, v strede. 20. roky rozpadla (dobré vzťahy jej účastníkov boli dlhé roky zachované). Po prestávke so Šestkou vytvoril Sati novú skupinu mladých skladateľov – tzv. Škola Arkey, ktorá podobne ako „Šestka“ nemala kreatívu. jednota. Patrili sem A. Coge, R. Desormière, M. Jacob, A. Cliquet-Pleyel. Najväčší predstavitelia F. m. v stred. 20. storočie boli Honegger a Milhaud. Skladateľ veľkých drám. talent, jeden z popredných moderných. majstrov, Honegger vo svojej práci stelesnil vysoké etické ideály. Preto jeho príťažlivosť k staroveku, biblickému, stredoveku. subjekt ako zdroj univerzálnych morálnych hodnôt. V úsilí o zovšeobecnenie obrazov dospel k zbližovaniu žánrov opery a oratória. Syntetický operné a oratoriálne diela. patria k najvyšším počinom skladateľa: opera-oratórium „Kráľ Dávid“ (1921, 3. vydanie 1924), „Judita“ (1925), dráma. z jeho tvorby je najvýznamnejšie oratórium „Johanka z Arku na hranici" (1935). Živým príkladom symfónie sú jeho symfónie – 3. „liturgická" (1946), 5. „Symfónia troch D" (1950). Honegger láme vo svojej tvorbe rôzne tendencie moderného umenia, vrátane neoklasicizmu, expresionizmu, zostávajú žiarivo originálnym umelcom.

Diverzita charakterizuje dielo Milhauda, ​​ktoré zahŕňa takmer všetky múzy. žánre, ktoré sa líšia námetom a dokonca aj štýlom. Medzi jeho 16 operami sú diela. na antické a biblické námety, vyznačujúce sa prísnosťou farby, epos („Eumenides“, 1922; „Medea“, 1938; „Dávid“, 1953), tu op. na voľne modernizovanú antickú tematiku („Orfeove nešťastia“, 1924), ako aj v duchu veristickej drámy („Úbohý námorník“, 1926) a napokon tradične romantickú. predstavenie ako veľká opera, ale založené na modernom. hudobných prostriedkov. výrazy (triptych „Krištof Kolumbus“, „Maximilián“, „Bolivar“, 1928, 1930, 1943). Vlastní aj operné miniatúry (parodický lom mytologického sprisahania) – „Únos Európy“, „Opustená Ariadna“, „Oslobodenie Thésea“ (1927).

Milhaud je majstrom komorných nástrojov. hudba (predovšetkým sláčiky kvarteta), zbor. recitácia (melodická aj recitatívna a v duchu Schoenbergovho Sprechgesangu). V komornej inštr. žánrov je badateľné najmä spojenie s francúzštinou. hudba klasiky. Milhaud je zároveň dôsledným zástancom polytonality, ktorá v ňom vzniká v dôsledku spájania viactónových melódií. linky, sklon k polyfónii. vývinové metódy (prvky polytonality sa nachádzajú aj u Honeggera, ale ich základ je iný – sú výsledkom harmonických presahov).

Významný prínos pre operné umenie a komorný wok. žánrov Poulenca - skladateľa so skvelou melodikou. pre nič. Jeho hudba je čisto francúzska. ľahkosť. V troch operách - šalianska "Prsia Tiresias" (1944), tragická "Dialógy karmelitánov" (1956), lyricko-psychologická. monoopera „Ľudský hlas“ (1958) sústredila všetky najlepšie črty Poulencovej tvorby. V rokoch fašistickej okupácie vytvoril tento pokrokový umelec vlastenec. kantáta „Ľudská tvár“ (text P. Eluard, 1943). Melodich. bohatstvo, náklonnosť k vtipom, irónia odlišujú Orikovu hudbu. Skladateľova individualita sa najvýraznejšie prejavila v 20. rokoch 20. storočia. (Nie je náhoda, že zo všetkých členov „Šestky“ mu Cocteau venoval brožúru „Kohút a Harlekýn“). Humanistický umelec stelesnil vo svojom diele tragédiu vojnových rokov („Štyri piesne o trpiacom Francúzsku“, na texty L. Aragona, J. Superville, P. Eluarda, 1947; cyklus 6 básní na texty Eluarda , 1948). Jedna z jeho najlepších inscenácií. - balet "Phaedra" (1950).

V 30-tych rokoch. 20. storočie v diele niektorých Francúzov. skladatelia zintenzívnili modernistické tendencie. Zároveň mnohí hudobníci bránili realizmus. art-in, ideovo blízky demokratickému Nar. vpredu. K hnutiu antifašistického Nar. k frontu sa pridali bývalí členovia „Šestky“ a ďalšie múzy. postavy. Svojou hudbou reagovali na akútne problémy našej doby (oratóriá „Hlasy sveta“, 1931, „Tance mŕtvych“, 1938, Honegger; zbory na texty revolučných básnikov, kantáta „O svete“ pre r. zbor atď. op. Milhaud; „Pieseň bojovníkov za slobodu“ a „Na krídlach holubice“ pre zbor Durey; množstvo omšových piesní vrátane „Spievajte, dievčatá“ od Orika; pieseň „Sloboda Telman“ pre zbor a orchester Keklen, 1934 atď.). Veľký záujem bol aj o Nar. hudba ("Suite Provence" pre orchester Millau, 1936; úprava ľudových piesní Honegger, Poulencove zbory), k hrdinským. minulosti („Johanka z Arku na stávke“ od Honeggera a pod.). Skladatelia Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Kequelin, J. Iber, D. Lazarus sa podieľali na tvorbe hudby k revolučnej hre R. Rollanda „Júl 14" (1936).

V roku 1935 bola vytvorená Ľudová hudobná federácia, v ktorej boli progresívne osobnosti vr. Roussel, Keklen (neskôr aj jeden zo zakladateľov spoločnosti „Francúzsko-ZSSR“), Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, spisovatelia L. Aragon, L. Moussinac a ďalší.

Spolu s vedúcimi „Šestky“, školy Arkey, mnohí ďalší prispeli k rozvoju F. m. skladateľov, vr. J. Hiber, C. Delvencourt, E. Bondeville, J. Wiener, J. Migot.

V roku 1935 vznikla nová kreativita. spolok – „Mladé Francúzsko“ (manifest vydaný v roku 1936). Skladatelia O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur, I. Baudrier, ktorí boli členmi tejto skupiny, videli svoju úlohu vo vytváraní „živej“ hudby presiaknutej humanizmom, v obrode národného. tradícií. Vyznačujú sa mimoriadnym záujmom o duchovný svet človeka. Snažili sa „prebudiť hudbu v človeku“ a „vyjadriť človeka v hudbe“, považovali sa za predchodcov nového humanizmu.

Medzi najväčších hudobných majstrov. kultúry 20. storočia patrí skladateľovi a organistovi Messiaenovi – jednému z najžiarivejších a zároveň kontroverzných fenoménov hudobnej hudby, ktorého skladateľove myšlienky sa často lámu cez prizmu náboženstiev. reprezentácií. Messian sa vyznačuje príťažlivosťou k ideálnym, nadpozemským obrazom. Jeho dielo je preniknuté teologickým a mystickým. nápady (suita „Vianoce“ pre organ, 1935; klavírny cyklus „Dvadsať pohľadov na Jezuliatko“, 1944; oratórium „Premenenie nášho Pána“, 1969 atď.). Messiaenova hudba je založená na zložitých modálnych štruktúrach, akordovo-sonorových konštrukciách, rytmických. schémy, pri ktorých sú dif. typy polyrytmu a polymetrie, o použití sériovosti. Mimo Európy prikladal veľký význam. kultúry (arabská, indická, japonská, polynézska). Ospravedlňuje svoju kreativitu. hľadajúc teoreticky, Messiaen zavádza nové pojmy, hudbu. termíny (napr. polymodalita). Talentovaný učiteľ zaraďuje do svojich osnov štúdium klasikov, hudby ázijských krajín a skladateľov 20. storočia. (najmä Stravinskij, A. Schoenberg), sa snaží vzbudiť u svojich študentov (medzi nimi - P. Bouleza, S. Niga, ktorý tiež študoval teóriu kompozície u E. Leibovitzovej) záujem o hľadanie. Počas fašistickej okupácie počas 2. svetovej vojny 1939-45 múzy. Francúzsky život bol paralyzovaný. Pokročilí hudobníci svojou kreativitou bojovali s nepriateľom: vznikali piesne Odporu, rodili sa inscenácie. (vrátane Poulenca, Orika, Honeggera), odrážajúci hrôzy vojny, túžby po oslobodení, hrdinské. duch nepremoženého.

Po skončení vojny sa začalo s obrodou múz. kultúra. Divadlá obnovili produkciu opier a baletov Francúzov. autorov, v konc. sálami znela hudba otčin. skladateľov, čo bolo v rokoch okupácie zakázané. V povojnových rokoch pokračovala aktívna tvorivosť. rozkvetla činnosť skladateľov, ktorí prišli k umeniu v prvých desaťročiach 20. storočia, tvorba J. Francaisa, A. Dutilleuxa, J. L. Martineta, M. Landowského.

Z kon. 40. a najmä v 50. rokoch. Rozšírila sa dodekafónia, seriál (pozri dodekafónia, serialita), elektronická hudba, aleatorika a iné avantgardné hnutia. Významný predstaviteľ Francúzov hudba avantgardou bol skladateľ a dirigent Boulez, ktorý rozvíjajúc princípy A. Weberna široko využíva také kompozičné metódy ako pointilizmus a serialita. Boulez znamená úplnú sériovosť. Používa aj sonoristiku (pozri Sonorizmus), ktorej prvky sú prítomné v jednom z jeho slávnych op. "Kladivo bez majstra" pre hlas s inštr. súbor (1954, 2. vyd. 1957). V roku 1954 organizoval koncerty novej hudby „Domaine musicale“, ktorá sa stala centrom Francúzov. avantgardy (od roku 1967 ich šéfoval skladateľ a dirigent J. Ami, v roku 1974 prestali). Od roku 1975 (v rokoch 1966-75 pôsobil vo Veľkej Británii, USA) stojí Boulez na čele Inštitútu výskumu a koordinácie hudby a akustiky, ktorý vznikol z jeho iniciatívy. problémy (IRCAM).

Niektorí skladatelia začali využívať princípy aleatoriky – Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. K. Elua. Prebiehajú rešerše v oblasti elektronických a tzv. konkrétna hudba - P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F. B. Mash, B. Parmegiani a i. Za týmto účelom Schaeffer vytvoril v roku 1948 skupinu múz. výskum (GRM - Groupe de recherches musicales) za Franza. rozhlasu a televízie, ktorá sa venuje hudobno-akustickej. problémy. Grécky skladateľ používa špeciálny „stochastický“ systém kompozície (založený na matematických výpočtoch, teórii pravdepodobnosti a dokonca aj na činnosti elektronických počítačov). Pôvod J. Xenakis. Viacerí skladatelia sa zároveň zasadzovali za rozumnú obnovu hudby, usilujúc sa o spojenie najnovších hudobných prostriedkov. expresívnosť s nat. tradícií. Do národného istota v modernom hudba nazýva Niga, autora oratória „The Unknown Executed“ (1949), symfóniu. básne „Zajatému básnikovi“ (venované Nazimovi Hikmetovi, 1950), 2 koncerty pre klavír. s orchestrom (1954, 1971). Comp. C. Baif, J. Bondon, R. Butry, J. Gillou, J. Cosma, M. Michalovichi, C. Pascal a ďalší. vytvorili predstavitelia hudobného umenia: dirigenti - P. Monteux, P. Pare, A. Kluytens, S. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez , S. Bodo; klaviristi - A. Cortot, M. Long, E. Riesler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pommier; huslisti - J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; violončelisti - M. Marechal, P. Fournier, P. Tortellier; organisti - Ch.Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; speváci - E. Blanc, R. Crespin, J. Giraudeau, M. Gerard, D. Duval; šansoniér - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, Ch. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin a i. História hudobnej hudby, jej modernosť, ako aj otázky hudobnej teórie venovanej početným Francúzske diela. muzikológov vr. J. Combarieux, A. Lavignac, J. Tierso, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Prunier, E. Viyermoz, R. Dumesnil, N. Dufourc, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A Golea, F. Lesiura.

Múzy. centrom krajiny je stále Paríž, aj keď v mnohých smeroch. mestách Francúzska (najmä od polovice 60. rokov) vznikali operné domy, symfónie. orchestre, hudba uch. inštitúcií. Fungovanie v Paríži (1980): Veľká opera, Parížske operné štúdio (založené v roku 1973 na základe operného komiksu, ktorý stratil svoj význam), Divadlo národov (založené v roku 1954, predstavenia sa konajú v rôznych divadelných priestoroch vrátane v „Divadle Champs-Elysées“, „Divadle Sarah Bernhardtovej“); medzi symbolmi orchestre vyniká Parížsky orchester (založený 1967), Nat. Franz Orchestra. rozhlas a televízia; početné výkony. komorné orchestre a súbory vr. International súbor hudobníkov v IRCAM (založený v roku 1976). V roku 1975 sa v Paríži otvoril Palais des Congrès, kde sa konajú symfónie. koncerty, v tom istom roku v Lyone - konc. Sála "Publikum M. Ravel".

Medzi špeciálne hudba uch. inštitúcie - parížske konzervatórium, Schola Cantorum, Ecole Normal (založená 1919 A. Cortotom a A. Manzhom) v Paríži, Amer. konzervatórium vo Fontainebleau (založené v roku 1918 huslistom F. Casadesusom). Najdôležitejšia hudba n.-i. centrom je Inštitút hudobnej vedy parížskej univerzity. Knihy, archívne materiály sú uložené v Nát. b-ke (odbor hudby vznikol v roku 1935), B-ke a Múzeum múz. nástrojov na konzervatóriu. V Paríži sú najväčšie múzy. asociácie a inštitúcie Francúzska, vrát. Národný hudba výbor, hudba Federation, Gramophone Academy pomenovaná po Sh. Cro. Paríž je sídlom Medzinárodnej hudobnej rady UNESCO. V roku 1977 Národná Zväz skladateľov.

Vo Francúzsku sa konajú: Medzinárodné. súťaž klaviristov a huslistov. M. Long - J. Thibaut (organizovaná v roku 1943 ako národná, od roku 1946 - medzinárodná), gitarová súťaž (1959, od 1961 - medzinárodná, od 1964 - Medzinárodná gitarová súťaž francúzskeho rozhlasu a televízie), Stáž. spevácka súťaž v Toulouse (od 1954), Intern. súťaž pre mladých dirigentov v Besançone (od 1951), Intern. harfová súťaž v Paríži, ako aj početné. festivaly, vr. Jesenný festival v Paríži klasický hudba, Parížsky hudobný festival 20. storočia. (založený v roku 1952), Festival moderny. hudba v Royan, "Týždeň hudby v Orleans". Hudba vychádza vo Francúzsku. časopisov, vrát. „La Revue musicale“ (od roku 1827 bolo vydávanie opakovane prerušené, časopis sa zlúčil s inými časopismi), „Revue de musicologie“ (od roku 1922 pokračovanie časopisu „Bulletin de la Société Française de musicologie“, ktorý vychádzal od r. 1917), „ Journal musical français“ (1951 – 66), „Diapason“ (od roku 1956), „Le Courrier musical de France“ (od roku 1963), „Harmonie“ (od roku 1964), „Musique en jeu“ (od roku 1970 ). V Paríži vyšlo množstvo encyklopédií. publikácie, venované hudba, vrát. "Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire..." (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), "Larousse de la musique" (v. 1- 2, 1957), "Dictionnaire des musiciens français" (1961), "Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres" (v. 1-2, 1970); "Dictionnaire de la musique. Science de la musique. Formy, technika, nástroje" (v. 1-2, 1976); Tynot F., Carles Ph., "Le jazz" (1977).

Literatúra: Ivanov-Boretsky M.V., Materiály a dokumenty k dejinám hudby, zväzok 2, M., 1934; Alschwang A., Francúzsky hudobný impresionizmus (Debussy a Ravel), M., 1935; Francúzska hudba druhej polovice 19. storočia (sat. čl.), Intro. čl. a vyd. M. S. Druskina, M., 1938; Livanová T. H., Dejiny západoeurópskej hudby do roku 1789, M. - L., 1940; Gruber R., Dejiny hudobnej kultúry, zväzok 1, časť 1-2, M. - L., 1941; Schneerson G., Hudba Francúzska, M., 1958; jeho, francúzska hudba XX storočia, M., 1964, 1970; Alekseev A.D., francúzska klavírna hudba konca XIX - začiatku XX storočia, M., 1961; Khokhlovkina A., Západoeurópska opera. Koniec 18. – prvá polovica 19. storočia. Eseje, M., 1962; Hudobná estetika západoeurópskeho stredoveku a renesancie, komp., heslo. čl. V. P. Shestakova, M., 1966; Hudba Francúzskej revolúcie XVIII storočia Beethoven, M., 1967; Nestiev I., Na prelome dvoch storočí, M., 1967; Konen V., Divadlo a symfónia, M., 1968, 1975; Dejiny európskych dejín umenia. Druhá polovica 19. storočia - začiatok 20. storočia, M., 1969; Druskin M., O západoeurópskej hudbe XX storočia, M., 1973; Hudobná estetika Francúzska 19. storočia, komp. texty, úvod. čl. a úvod. eseje E. P. Bronfina, M., 1974; Auric J., Francúzska hudba prežila, List z Paríža, "CM", 1975, č. 9; Krasovskaya V., Západoeurópske baletné divadlo. Historické eseje. Od počiatkov do polovice XVIII storočia, L., 1979.

O. A. Vinogradová

V 12. – 13. storočí boli pokračovateľmi tradície trubadúrov rytieri a mešťania severného Francúzska, trouvères. Z nich je najznámejší Adam de la Halle (zomrel 1286).

Adam de la Al „Hra Robina a Marion“.

V 14. storočí sa vo francúzskej hudbe objavilo hnutie Nového umenia. Na čele tohto hnutia bol Philippe de Vitry (1291-1361) – hudobný teoretik a skladateľ, autor mnohých svetských motetá. Ku koncu 16. storočia, za čias Karola 9, sa však povaha hudby Francúzska zmenila. Začala sa éra baletu, keď hudba sprevádzala tanec. V tejto dobe boli široko používané tieto nástroje: flauta, čembalo, violončelo, husle. A túto dobu možno nazvať dobou zrodu skutočnej inštrumentálnej hudby..

Philippe de Vitry „Pán lordov“ (motet).

17. storočie je novou etapou vo vývoji francúzskej hudby. Veľký francúzsky skladateľ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencia - 22.3.1687, Paríž) tvorí svoje opery. Jean Baptiste je vynikajúci tanečník, huslista, dirigent a choreograf talianskeho pôvodu, považovaný za uznávaného tvorcu francúzskej národnej opery.
Medzi nimi sú opery ako: „Theseus“ (1675), „Isis“ (1677), „Psyche“ (1678), „Perseus“ (1682), „Phaeton“ (1683), „Roland“ (1685) a „ Armida" (1686) a ďalšie. Jean-Baptiste Lully sa vo svojich operách, nazvaných „tragédie mise en musique" („tragédia o hudbe") snažil umocniť dramatické efekty hudbou. Vďaka majstrovstvu inscenácie sa veľkolepý balet, resp. jeho opery vydržali na javisku asi 100 rokov Zároveň začali operní speváci po prvý raz vystupovať bez masiek a ženy začali tancovať v balete na verejnom javisku.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) – francúzsky skladateľ a hudobný teoretik. S využitím výdobytkov francúzskej a talianskej hudobnej kultúry výrazne upravil štýl klasickej opery, pripravil opernú reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napísal lyrické tragédie Hippolytos a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737), operno-balet Gallant India (1735), čembalové skladby a ďalšie. Jeho teoretické práce sú významnou etapou vo vývoji doktríny harmónie.
Francois Couperin (1668-1733) – francúzsky hudobný skladateľ, čembalista, organista. Z dynastie porovnateľnej s nemeckou Bachovou, keďže v jeho rodine bolo niekoľko generácií hudobníkov. Couperin bol prezývaný "veľký Couperin" čiastočne kvôli jeho zmyslu pre humor, čiastočne kvôli jeho charakteru. Jeho tvorba je vrcholom francúzskeho čembalového umenia. Couperinova hudba sa vyznačuje melodickou nápaditosťou, gracióznosťou a dokonalosťou detailov.

1. Jean-Baptiste Lully sonáta a-moll, 4. časť "Gig" Alexey Koptev (klarinet) - Oleg Bojko (gitara).

2. Jean Philippe Rameau „Chicken“, Arkady Kazaryan hrá na gombíkovej harmonike.

3. Francois Couperin „Budík“, na gombíkovej harmonike v podaní Ayany Sambuyevovej.

V 18. storočí – na konci 19. storočia sa hudba stáva skutočnou zbraňou v boji za svoje presvedčenie a túžby. Objavuje sa celá plejáda slávnych skladateľov: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) francúzsky vojenský inžinier, básnik a skladateľ. Písal hymny, piesne, romance. V roku 1792 napísal skladbu „La Marseillaise“, ktorá sa neskôr stala hymnou Francúzska.

Hymna Francúzska.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) bol slávny francúzsko-nemecký skladateľ. Jeho najslávnejšia činnosť je spojená s parížskou opernou scénou, pre ktorú napísal svoje najlepšie diela francúzskymi slovami. Preto ho Francúzi považujú za francúzskeho skladateľa. Početné jeho opery: „Artaserse“, „Demofonte“, „Fedra“ a iné boli uvedené v Miláne, Turíne, Benátkach, Cremone. Po pozvaní do Londýna napísal Gluck dve opery pre divadlo Hay-Market: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a operu potpourri (pasticcio) „Pyram“

Melódia z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. storočí - skladatelia Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a ďalší.

V 20. storočí sa objavujú skutoční profesionálni interpreti. Boli to oni, ktorí preslávili francúzske piesne a vytvorili celý smer francúzskeho šansoniéra. Dnes ich mená vystupujú z doby a módy. Sú to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všetci sú známi svojimi krásnymi lyrickými piesňami, ktoré si získali nielen publikum vo Francúzsku, ale aj v iných krajinách. Mnohé z nich prekryli iní účinkujúci.

Text práce je umiestnený bez obrázkov a vzorcov.
Plná verzia práce je dostupná v záložke „Súbory úloh“ vo formáte PDF

Hudobná kultúra Francúzska: minulosť, súčasnosť a budúcnosť.

Ako často premýšľame o tom, aká dôležitá je pre nás hudba? Slúži ako vynikajúci spôsob sebavyjadrenia, spôsob odovzdávania pocitov, emócií a myšlienok. Niet divu, že hudba sa nazýva univerzálnym komunikačným jazykom. Hudba je každému blízka a zrozumiteľná. Každý národ na našej planéte dokonale ovláda 7 nôt, ktoré pozná každý. Hudobný jazyk je najjednoduchší a najprístupnejší. Preniká do srdca a duše. Slúži na zjednotenie rôznych národov a ľudí, stavanie úžasných mostov od srdca k srdcu, od duše k duši. Tieto nádherné mosty niekedy preklenú stáročia, z jednej krajiny do druhej, z jedného kontinentu cez oceán na druhý kontinent. Hudobný jazyk dokáže zázraky. Každý z nás po dielach veľkých klasikov zažíva a cíti neopísateľné veci. Z vysokých tónov sa trasieme, zo známych pohnútok sme do plaču. V texte hľadáme samých seba a v melódii počujeme známe hlasy. Nieje to? A ako sa potom pozeráte na hudbu? Ako sa po uvedomení si úlohy hudby budete pozerať na svet bez nej? Len si predstavte život bez toho, po ktorom sa chcete nonstop smiať, po ktorom chcete tancovať a možno aj plakať... Hrôzostrašné, však? Čo vás môže preniesť za hranice reality? Čo dokáže obrátiť váš vnútorný svet hore nohami? Čo funguje, aká hudba? Zamyslite sa nad tým. Ale dnes vám poviem o hudbe Francúzska. Dnes uvidíte, že je úžasné ako samotné Francúzsko. Znie to rovnako rafinovane a vábi a vábi a vábi.

Francúzsky jazyk je veľmi hudobný, melodický, melodický. Zdá sa, že najjednoduchšie slová a frázy sú plné hudby a sú pripravené kedykoľvek sa zmeniť na pieseň. Francúzska hudba je jednou z najzaujímavejších a najvplyvnejších európskych hudobných kultúr. Jasne sleduje ozveny starých kultúr, folklór keltských a franských kmeňov, ktoré žili v staroveku na území dnešného Francúzska. Práve tie slúžili ako základ, úrodná pôda, na ktorej, obrazne povedané, vyrástol krásny, mohutný, rozvetvený strom francúzskej hudobnej kultúry. Keltské a franské korene sa premenili na silný kmeň, ktorý sa sformoval v stredoveku a v neskorších obdobiach na ňom vyrástli početné konáre a vetvičky, napríklad v období renesancie, klasicizmu, moderny atď. Hudobné tradície početných národov krajiny a iných európskych štátov sa tu organicky prelínajú. Najužšia interakcia a prelínanie sa pozorovalo medzi hudobnými kultúrami Francúzska, Talianska, Nemecka a Španielska. Veľký vplyv mala aj flámska kultúra. Treba pripomenúť, že ako hovoria sami Francúzi, Francúzsko je krajina otvorená svetu. Pravda, po stáročia chápali toto heslo veľmi svojským spôsobom, napríklad tak, že viedli aktívnu koloniálnu politiku. Napriek tomu mal tento proces z hľadiska rozvoja vlastnej hudobnej kultúry hmatateľný pozitívny dopad. Francúzska hudobná kultúra bola výrazne obohatená, absorbovala to najlepšie z hudobných kultúr národov Afriky a Ázie. Tento trend sa zreteľne prejavil v druhej polovici 20. storočia, keď hudobnú scénu Francúzska obohatili hudobné tradície prisťahovalcov z Afriky.

Keď už hovoríme o hudobnej kultúre Francúzska, nemožno nespomenúť významný prínos ruskej hudobnej kultúry k jej rozvoju. Obe veľmoci spájajú úzke väzby s dlhou históriou takmer vo všetkých sférach ľudskej činnosti. Ruskú kultúru dlho živili Francúzi, ktorí boli v našej spoločnosti vnímaní ako štandard a objekt, ktorý treba nasledovať. Potom však prišiel čas „splatiť dlhy“ a kultúrne osobnosti Francúzska už vzhliadali k svojim ruským kolegom, prevzali od nich všetko najlepšie, vyspelé a zaujímavé. Po revolúcii v roku 1917 a občianskej vojne v Rusku našli mnohí emigranti úkryt vo Francúzsku. Ich prínos do francúzskej kultúry, vrátane hudobnej, je obrovský. Je ťažké preceňovať, a ešte viac si to nevšimnúť.

Keď už hovoríme o francúzskej hudobnej kultúre, hovoríme o úplne ojedinelom fenoméne v celosvetovom meradle. Táto kultúra pohltila všetko najlepšie z takmer všetkých národov, zmenila, pretvorila, prehodnotila, dala nový impulz a zvuk a nakoniec sa sformovala do niečoho krásneho, jedinečného, ​​originálneho, príťažlivého a fascinujúceho. Je to živý organizmus, ktorý neustále rastie, mení sa, premieňa. Francúzska hudobná kultúra nezostáva bokom od svetovej hudobnej kultúry. Dáva novú, špeciálnu francúzsku príchuť takým moderným trendom v hudbe, ako je jazz, rock, hip-hop a elektronická hudba.

Etapy formovania francúzskej hudobnej kultúry.

Stredovek.

Francúzska hudobná kultúra sa začala formovať na bohatej vrstve ľudovej piesne. Najstaršie spoľahlivé záznamy piesní, ktoré sa zachovali dodnes, pochádzajú z 15. storočia. Cirkevná hudba prišla do francúzskych krajín s kresťanstvom. Pôvodne latinčina sa postupne menila pod vplyvom ľudovej hudby. Cirkev, aby posilnila svoje postavenie a vplyv na Francúzov, používala pri svojich bohoslužbách materiál, ktorý bol miestnym obyvateľom zrozumiteľný, blízky a dostupný. V elektronickej encyklopédii Wikipédie sa o tom píše toto: „Takýmto spôsobom sa medzi 5. a 9. storočím v Galii vyvinul zvláštny, svojrázny typ liturgie – galský obrad s galským spevom. Z historických prameňov je známy, čo naznačuje, že sa výrazne líšil od rímskeho. Žiaľ, nezachovala sa, pretože ju zrušili francúzski králi v snahe získať cisársky titul z Ríma a rímska cirkev sa snažila dosiahnuť zjednotenie bohoslužieb. Kostol bol dlhé stáročia centrom osvety, vzdelanosti, kultúry, vrátane hudby. Jej vplyv na formovanie hudobnej kultúry bol obrovský a ozveny sa v hudbe ozývajú dodnes, len ich treba počuť. V priebehu stredoveku došlo k rozvoju cirkevná hudba . Rané gallikánske formy kresťanskej liturgie boli nahradené gregoriánskou liturgiou. Šírenie gregoriánskeho chorálu za vlády karolínskej dynastie je spojené predovšetkým s činnosťou benediktínskych kláštorov. Katolícke opátstva Jumiège sa stali centrami cirkevnej hudby, bunkami profesionálnej duchovnej a svetskej hudobnej kultúry. Aby sa študenti naučili spievať v mnohých opátstvach, boli vytvorené špeciálne spevácke školy (metrises). Vyučovali nielen gregoriánsky chorál, ale aj hru na hudobných nástrojoch, schopnosť čítať noty. V polovici 9. stor. objavila sa nepovinná notácia, ktorej postupný vývoj po mnohých storočiach viedol k vytvoreniu modernej notovej osnovy. V 9. storočí bol gregoriánsky chorál obohatený o sekvencie, ktorým sa vo Francúzsku hovorí aj próza. Vytvorenie tejto formy bolo pripísané mníchovi Notkerovi z kláštora St. Gallen (dnešné Švajčiarsko). Notker však v predslove k svojej „Knihe hymnov“ uviedol, že informáciu o sekvencii dostal od mnícha z opátstva Jumièges. Následne sa vo Francúzsku preslávili najmä autori próz Adam z Abbey of Saint-Victor (12. storočie) a tvorca slávnej „Oslí prózy“ Pierre Corbeil (začiatok 13. storočia).

Diela francúzskych folkloristov sa zaoberajú početnými žánrami ľudová pesnička : lyrické, ľúbostné, sťažovateľské piesne (complaintes), tanečné (rondes), satirické, remeselnícke piesne (chansons de metiers), kalendárové, napríklad vianočné (Noёl); pracovná, historická, vojenská a pod. Je teda ľahké vidieť, že tematická a žánrová paleta folklórnej hudobnej kultúry je mnohonásobne bohatšia ako tá cirkevná. Medzi lyrickými žánrami zaujímajú osobitné miesto pastorále. Táto téma sa odráža nielen vo francúzskej hudobnej kultúre, ale aj v literatúre, maľbe, divadle. Pastorácia, populárna dokonca aj na kráľovskom dvore, velebila a idealizovala vidiecky život a nakreslila báječný obraz, šialene vzdialený od toho skutočného. Vo francúzskej ľudovej hudbe sa mi páči najmä jeden úsek, ktorý je tak či onak prítomný vo folklóre ktoréhokoľvek národa. Zdá sa mi najmilší, príjemný, veselý. Cíti teplo, úctu, materinskú starostlivosť, naivitu, túžbu veriť v zázraky a tešiť sa z každého prežitého dňa. Hovorím o francúzskych ľudových piesňach venovaných deťom – uspávanky, hry, počítanie riekaniek (fr. comptines). Robotnícke (piesne žencov, oráčov, vinohradníkov a pod.), piesne vojakov a regrútov sú pestré. Ďalší žáner francúzskej ľudovej hudby bol veľmi v súlade s hudobnými tradíciami krajín Európy, ktoré sa zúčastnili križiackych výprav. Vo všetkých zúčastnených krajinách vznikli piesne a balady, ktoré rozprávali o týchto historických udalostiach, vykorisťovaní, bitkách, porážkach, rytieroch, hrdinoch, nepriateľoch a zradcoch. Samozrejme, Francúzi sa nemohli držať ďalej nie od kampaní, nie od kreativity. Žiaľ, väčšina týchto diel sa do dnešných dní nezachovala, na rozdiel od majstrovských diel cirkevnej hudby, ktoré boli najčastejšie nahrávané, teda zdokumentované.

Cirkevná ani ľudová hudba však nedokázala uspokojiť duchovné potreby tretej časti spoločnosti, najbohatšej a najvplyvnejšej – šľachty. Práve pod jej vplyvom došlo k svetská hudba . Neznelo pod klenbami kostola, nie na jarmokoch a námestiach, ale v kráľovskom paláci, na hradoch šľachtických šľachticov a feudálov. Nositeľmi ľudových hudobných tradícií stredoveku boli najmä potulní hudobníci – žongléri, ktorí boli medzi ľuďmi veľmi obľúbení. Spievali moralizujúce, humorné, satirické piesne, tancovali za sprievodu rôznych nástrojov, vrátane tamburíny, bubna, flauty, brnkacieho nástroja typu lutna (to prispelo k rozvoju inštrumentálnej hudby). Žongléri vystupovali na sviatkoch na dedinách, na feudálnych dvoroch a dokonca aj v kláštoroch (zúčastňovali sa niektorých rituálov, divadelných sprievodov venovaných cirkevným sviatkom, nazývaných Carole). Boli prenasledovaní cirkvou ako predstavitelia sekulárnej kultúry, ktorá jej bola nepriateľská. V 12.-13.st. medzi žonglérmi došlo k sociálnej stratifikácii. Niektorí z nich sa usadili v rytierskych hradoch, upadli do úplnej závislosti od feudálneho rytiera, iní sa zdržiavali v mestách. A tak sa z žonglérov, ktorí stratili slobodu tvorivosti, stali usadení miništranti na rytierskych hradoch a mestskí hudobníci. Tento proces však zároveň prispel k prenikaniu ľudového umenia na hrady a mestá, ktoré sa stáva základom rytierskeho a meštianskeho hudobného a básnického umenia. V období neskorého stredoveku sa v súvislosti so všeobecným vzostupom francúzskej kultúry začalo intenzívne rozvíjať hudobné umenie. Na feudálnych hradoch na základe ľudovej hudby prekvitalo svetské hudobné a poetické umenie trubadúrov a trúvrov (11.-14. storočie). Medzi trubadúrmi boli známi Markabrun, Guillaume IX., vojvoda z Akvitánie, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (koniec 11.-12. storočia), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (koniec 12.-13. storočia). V 2. poschodí. 12. stor. v severných oblastiach krajiny vznikol podobný trend - umenie truvérov, ktoré bolo najskôr rytierske, neskôr sa čoraz viac približovalo ľudovému umeniu. Medzi trouveurmi sa spolu s kráľmi následne preslávila aristokracia - Richard Levie srdce, Thibault zo Champagne (kráľ Navarry), predstavitelia demokratických vrstiev spoločnosti - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony a ďalší. V súvislosti s rastom takých miest ako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atď. sa v 12. – 13. storočí rozvíjalo mestské hudobné umenie, ktorého tvorcami boli básnici-speváci z mestských panstiev (remeselníci, bežní občania, napr. ako aj buržoázia). Do umenia trubadúrov a truvérov vniesli vlastné charakteristiky, vzdialili sa od jeho vznešene rytierskych hudobných a poetických obrazov, osvojili si ľudové a každodenné témy, vytvorili charakteristický štýl, vlastné žánre. Najvýznamnejším majstrom mestskej hudobnej kultúry 13. storočia bol básnik a skladateľ Adam de la Halle, autor piesní, motet, ale aj kedysi populárnej hry „Hra Robina a Marion“ (okolo 1283), nasýtené mestskými piesňami, tancami (už samotná myšlienka vytvorenia svetského divadelného predstavenia naplneného hudbou bola nezvyčajná). Tradičné jednohlasné hudobné a básnické žánre trubadúrov interpretoval novým spôsobom, využívajúc polyfóniu.

Počas tohto obdobia sa pozoruje rast a posilňovanie takých miest ako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse. To sa prejavilo nielen v politickej a ekonomickej, ale aj kultúrnej oblasti. Vznik univerzít a škôl v nich prispel k rozvoju kultúry, hudby a k posilneniu úlohy hudby ako umenia. Takže na parížskej Sorbonne, ktorá vznikla začiatkom 13. storočia, bola hudba jedným z povinných a dôležitých predmetov. To, samozrejme, prispelo k posilneniu úlohy hudby ako umenia. Paríž sa v 12. storočí stal jedným z centier hudobnej kultúry a predovšetkým jeho Spevácka škola katedrály Notre Dame, ktorá spájala najväčších majstrov – spevákov-skladateľov, vedcov. S touto školou sa spája rozkvet v 12. – 13. storočí. kultová polyfónia, vznik nových hudobných žánrov, objavy v oblasti hudobnej teórie. V dielach skladateľov školy Notre Dame prešiel gregoriánsky chorál zmenami: predtým rytmicky voľný, flexibilný spev nadobudol väčšiu pravidelnosť a plynulosť (odtiaľ názov takého spevu cantusplanus). Komplikácie polyfónnej tkaniny a jej rytmickej štruktúry si vyžiadali presné označenie trvania a zdokonalenie notového zápisu – v dôsledku toho predstavitelia parížskej školy postupne nahrádzali náuku o režimoch menzurálnou notáciou. V tomto smere výrazne prispel muzikológ John de Garlandia. Polyfónia priviedla k životu nové žánre cirkevnej a svetskej hudby vrátane dirigovania a moteta. Dirigovanie sa pôvodne hrávalo najmä počas slávnostných bohoslužieb, no neskôr sa stalo čisto svetským žánrom. Medzi autormi správania je Perotin. Na základe dirigenta z konca 12. stor. vo Francúzsku vznikol najvýznamnejší žáner viachlasnej hudby, moteto. Jej rané príklady patria aj majstrom parížskej školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnom, Pierre de la Croix). Moteto umožňovalo slobodu kombinovať liturgické a svetské melódie a texty, čo je kombinácia, ktorá viedla k zrodu v 13. storočí. žartovné moteto. Žáner moteta dostal významnú aktualizáciu v 14. storočí v podmienkach smeru Arsnova, ktorého ideológom bol Philippe de Vitry. V umení arsnova sa veľký význam pripisoval interakcii „každodennej“ a „vedeckej“ hudby (tj piesne a moteta). Philippe de Vitry vytvoril nový typ moteta – izorytmické moteto. Inovácie Philippa de Vitry ovplyvnili aj učenie o konsonancii a disonancii (oznámil konsonancie tercie a sexty). Myšlienky arsnova a najmä izorytmické moteto pokračovali vo svojom rozvoji v diele Guillauma de Machaux, ktorý spájal umelecké výdobytky rytierskeho hudobného a poetického umenia s jeho jednohlasnými piesňami a viachlasnou mestskou hudobnou kultúrou. Vlastní piesne s ľudovým skladom, virele, rondo, rozvinul najskôr aj žáner viachlasných balád. V motete Machaux používal hudobné nástroje dôslednejšie ako jeho predchodcovia (pravdepodobne predtým boli nižšie hlasy inštrumentálne). Macheud je považovaný aj za autora prvej francúzskej viachlasnej omše.

V 15. storočí počas storočnej vojny vedúce postavenie v hudobnej kultúre Francúzska v 15. storočí. obsadili predstavitelia francúzsko-flámskej (holandskej) školy. Dve storočia pôsobili vo Francúzsku najvýznamnejší skladatelia holandskej polyfonickej školy: v polovici 15. storočia. - J. Benchois, G. Dufay, v 2. polovici 15. storočia. - J. Okegem, J. Obrecht, koncom 15. - začiatkom 16. storočia. - JoskenDepre, v 2. polovici 16. storočia. — Orlando di Lasso.

Ako vidíte, francúzska hudobná kultúra stredoveku bola veľmi rôznorodá, bohatá a rôznorodá. Vyvinul sa na základe pôvodnej ľudovej hudby kmeňov a národov, ktoré až do stredoveku obývali moderné územie Francúzska. Veľmi ju ovplyvnilo kresťanské náboženstvo a tradície kresťanskej kultovej hudby. Samozrejme, bez povšimnutia nezostali ani početné kontakty a kultúrne stretnutia s národmi susedných krajín. Francúzska stredoveká hudobná kultúra stála pevne na troch hlavných pilieroch: náboženská, ľudová a svetská hudba. Boli jej základom, základom, ktorý umožňoval francúzskej hudobnej kultúre sa navzájom rozvíjať, zdokonaľovať, obohacovať spájaním týchto smerov.

renesancie.

Ponurý, náboženský stredovek vystriedala veľkolepá a brilantná renesancia. Renesancia sa objavila v Taliansku a čoskoro získala popularitu v Európe. Francúzi nezostali bokom. Boli medzi prvými, ktorí ocenili túto „kultúrnu revolúciu“ a pridali sa k nej. Vrodený zmysel pre krásu, vynikajúci vkus, umelecký cit nenechali Francúzov v štichu. Ale nielen estetický vkus ovplyvnil zmenu kultúrnych epoch vo Francúzsku. Tu je potrebné vziať do úvahy množstvo najdôležitejších historických procesov a faktorov, ktoré zohrali významnú úlohu pri formovaní a schvaľovaní noriem a kánonov renesancie. Jedným z kľúčových faktorov tohto historického sledu udalostí je právom nástup buržoázie (15. storočie) a výrazné posilnenie jej úlohy a postavenia vo francúzskej spoločnosti. Ďalším faktorom by mal byť boj o zjednotenie Francúzska, ktorý sa skončil koncom 15. storočia. A, samozrejme, vytvorenie jednotného centralizovaného štátu, ktorý hlásal nové hodnoty v novej ére. Teda už koncom 15. stor. vo Francúzsku je konečne schválená kultúra renesancie.

V tomto období výrazne narastá úloha hudby v spoločenskom živote. Francúzski králi na svojich dvoroch vytvárali veľké kaplnky, organizovali hudobné festivaly, kráľovský dvor sa stal centrom profesionálneho umenia. Posilnila sa úloha dvornej kaplnky. V roku 1581 Henrich III schválil miesto „hlavného intendanta hudby“ na dvore, prvý na tomto poste bol taliansky huslista Baltazarini de Belgioso. Spolu s kráľovským dvorom a kostolom boli významnými centrami hudobného umenia aj šľachtické salóny. Rozkvet renesancie, spojený s formovaním francúzskej národnej kultúry, spadá do polovice 16. storočia. V tom čase sa svetská polyfónna pieseň - šansón - stala vynikajúcim žánrom profesionálneho umenia. Jej polyfónny štýl dostáva novú interpretáciu, v súlade s myšlienkami francúzskych humanistov - Rabelaisa, Clementa Marota, Pierra de Ronsarda. Za popredného autora šansónov tejto doby je považovaný Clement Zhanequin, ktorý napísal viac ako 200 viachlasných piesní. Šansóny si získali slávu nielen vo Francúzsku, ale aj v zahraničí, a to najmä vďaka notovým zápisom a posilňovaniu väzieb medzi európskymi krajinami. V období renesancie vzrástla úloha inštrumentálnej hudby. Viola, lutna, gitara, husle (ako ľudový nástroj) boli široko používané v hudobnom živote. Inštrumentálne žánre prenikli do každodennej hudby aj do profesionálnej, čiastočne cirkevnej hudby. Medzi dominantné v 16. storočí patrili lutnové tanečné skladby. polyfónne diela rytmickou plasticitou, homofónnou kompozíciou, priehľadnosťou textúry. Charakteristické bolo spojenie dvoch alebo viacerých tancov podľa princípu rytmického kontrastu do svojráznych cyklov, ktoré sa stali základom budúcej tanečnej suity. Samostatnejší význam nadobudla aj organová hudba. Vznik organovej školy vo Francúzsku (koniec 16. storočia) je spojený s pôsobením organistu J. Titluza. V roku 1570 Jean-Antoine de Baif založil Akadémiu poézie a hudby. Členovia tejto akadémie sa snažili oživiť starodávnu poeticko-hudobnú metriku a obhajovali princíp nerozlučného spojenia hudby a poézie. Významná vrstva v hudobnej kultúre Francúzska v 16. storočí. bola hudba hugenotov. Hugenotské piesne využívali melódie populárnych domácich a ľudových piesní a prispôsobovali ich prekladovým francúzskym liturgickým textom. O niečo neskôr z náboženského boja vo Francúzsku vznikli hugenotské žalmy s ich charakteristickým prenesením melódie do vyššieho hlasu a odmietnutím polyfónnych zložitostí. Najväčšími hugenotskými skladateľmi, ktorí zložili žalmy, boli Claude Goudimel, Claude Lejeune.

Klasicizmus a baroko.

17. storočie sa stalo dôležitým medzníkom vo formovaní francúzskej hudobnej kultúry. V tomto období došlo nielen k zmene kultúrnych epoch: renesanciu vystriedal najskôr klasicizmus a potom zdobný barok, ale aj zmena priorít. Vtedy sekulárna hudba konečne preberá náboženskú a v budúcnosti je to ona, kto formuje francúzsku hudobnú kultúru, určuje kánony, módu, štýl, vedúce smery, trendy a žánre. Tieto dva faktory prispeli k rozvoju najdôležitejších žánrov tej doby – opery a baletu. Roky vlády Ľudovíta XIV. sa niesli v znamení mimoriadnej nádhery dvorného života, túžby šľachty po luxuse a sofistikovaných zábavách. Niet divu, že tento kráľ bol nazývaný kráľom slnka. Všetko bolo plné nádhery, nádhery a nádhery. Francúzsky dvorec žiaril ako Olymp. V tomto ohľade bola veľká úloha pridelená dvornému baletu. Napodiv, kardinál Mazarin, aj keď nepriamo, zohral významnú úlohu vo vývoji hudobnej kultúry a všetkými možnými spôsobmi prispel k posilneniu talianskeho vplyvu na dvore. Zoznámenie sa s talianskou operou bolo silným podnetom pre vznik vlastnej národnej opery, prvá skúsenosť v tejto oblasti patrí Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumf lásky, 1654). V roku 1671 bola v Paríži otvorená budova opery s názvom Kráľovská hudobná akadémia. Na jej čele stál J. B. Lyuli. Táto vynikajúca osobnosť je dnes považovaná za zakladateľa národnej opernej školy. Lully vytvoril množstvo komédií-baletov, ktoré sa stali predchodcom žánru lyrickej tragédie, neskôr opery-baletu. Lully významne prispel k rozvoju inštrumentálnej hudby. Vytvoril typ francúzskej opernej predohry (termín sa ustálil v druhej polovici 17. storočia vo Francúzsku). Početné tance z jeho diel veľkých foriem (menuet, gavota, sarabande atď.) ovplyvnili ďalšie formovanie orchestrálnej suity. Koncom 17. – prvej polovice 18. storočia písali pre francúzske divadlo takí slávni skladatelia ako N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande, A. K. Detouche. S Lullyho nástupcami sa umocňuje konvenčnosť dvorného divadelného štýlu. V ich lyrických tragédiách vystupujú do popredia dekoratívno-baletné, pastiersko-idylické stránky a dramatický začiatok sa čoraz viac oslabuje. Lyrická tragédia ustupuje opere a baletu.V 17. stor. vo Francúzsku sa vyvinuli rôzne inštrumentálne školy - lutna (D. Gauthier, ktorý ovplyvnil čembalový štýl J.-A. d "Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), čembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (M. Marin, ktorý po prvý raz vo Francúzsku uviedol kontrabas do operného orchestra namiesto kontrabasovej violy). Najväčší význam nadobudla francúzska čembalová škola. Raný čembalový štýl sa vyvinul pod priamym vplyvom lutnového umenia. V dielach Chambonnière sa prejavil spôsob melodickej ornamentiky, charakteristický pre francúzskych čembalistov. Množstvo dekorácií dodávalo dielam pre čembalo istú prepracovanosť, ako aj väčšiu ucelenosť, „melodickosť“, „dĺžku“ a trhavý zvuk tohto nástroja. V inštrumentálnej hudbe sa hojne využívala hudba používaná od 16. storočia. spojenie párových tancov (pavane, galliard a pod.), ktoré viedlo v 17. storočí k vytvoreniu inštrumentálnej suity.

18-19 storočia v dejinách francúzskej hudby.

V 18. storočí s rastúcim vplyvom meštianstva sa formovali nové formy hudobného a spoločenského života. Postupne koncerty presahujú palácové sály a šľachtické salóny. V roku 1725 A. Philidor (Danikan) organizoval v Paríži pravidelné verejné „Duchovné koncerty“ a v roku 1770 Francois Gossec založil spoločnosť „Amatérske koncerty“. Večery akademickej spoločnosti Friends of Apollo (založenej v roku 1741) mali uzavretejší charakter a Royal Academy of Music usporadúvala každoročné koncertné cykly. V 20-30 rokoch 18. stor. čembalová suita dosahuje svoj vrchol. Medzi francúzskymi čembalistami má vedúcu úlohu F. Couperin, autor voľných cyklov založených na princípoch podobnosti a kontrastu skladieb. Spolu s Couperinom prispeli k rozvoju programovo charakteristickej čembalovej suity aj J. F. Dandre a najmä J. F. Rameau. V roku 1733 úspešná premiéra Rameauovej opery Hippolyte et Aricia zabezpečila skladateľovi popredné miesto v dvornej opere, Kráľovskej hudobnej akadémii. V diele Rameaua dosiahol žáner lyrickej tragédie svoj vrchol. Jeho vokálno-deklamačný štýl bol obohatený o melodicko-harmonický prejav. Jeho dvojdielne predohry sa vyznačujú veľkou rozmanitosťou, avšak v jeho tvorbe sú prezentované aj trojdielne predohry blízke talianskej opere „sinfónia“. V množstve opier Rameau predvídal mnohé neskoršie úspechy na poli hudobnej drámy, čím otvoril cestu opernej reforme K. V. Glucka. Rameau vlastní vedecký systém, ktorého množstvo ustanovení slúžilo ako základ modernej doktríny harmónie („Pojednanie o harmónii“, 1722; „Origin of Harmony“, 1750 atď.). V polovici 18. storočia už hrdinsko-mytologické opery Lullyho, Rameaua a iných autorov nespĺňali estetické nároky meštianskeho publika. Vo svojej obľúbenosti sú podradené ostro satirickým jarmočným predstaveniam známym od konca 17. storočia. Tieto predstavenia sú zamerané na zosmiešňovanie morálky „vyšších“ vrstiev spoločnosti a parodujú aj dvornú operu. Prvými autormi takýchto komických opier boli dramatici A. R. Lesage a C. S. Favara. V útrobách jarmočného divadla dozrel nový francúzsky operný žáner - operný komik. Jeho postavenie upevnil príchod talianskeho operného súboru v roku 1752 do Paríža, ktorý naštudoval niekoľko skvelých opier, vrátane Pergolesiho Služobnice, a spor o operné umenie, ktorý sa rozhorel medzi prívržencami (buržoázno-demokratické kruhy) a odporcami. (predstavitelia aristokracie) talianskeho operneho buffa, t.j. n. "Vojna bifľošov". V napätej atmosfére Paríža nadobudol tento spor mimoriadnu naliehavosť a vyvolal obrovský pobúrenie verejnosti. Aktívne sa na ňom podieľali postavy francúzskeho osvietenstva, podporujúce demokratické umenie „buffonistov“ a Rousseauov pastoračný „Dedinský kúzelník“ vytvoril základ prvej francúzskej komickej opery. Nimi hlásané heslo „imitácia prírody“ malo veľký vplyv na formovanie francúzskeho operného štýlu 18. storočia. Diela encyklopedistov obsahujú aj cenné estetické a hudobno-teoretické zovšeobecnenia.

18. storočie, ktoré sa začalo rozkvetom buržoáznej kultúry a formovaním nových foriem hudobného spoločenského života: verejné koncerty, cykly koncertov a predstavení, hudobné spolky, sa skončilo veľmi tragicky. Vypukla Veľká francúzska revolúcia. Urobila obrovské zmeny vo všetkých oblastiach francúzskeho kultúrneho života a, samozrejme, aj v oblasti hudobného umenia. . Hudba sa stáva neoddeliteľnou súčasťou všetkých udalostí revolučnej doby a nadobúda spoločenské funkcie. Samotná éra prispela k formovaniu a etablovaniu masových žánrov: piesne, hymny, pochody a iné. Pod vplyvom Francúzskej revolúcie vznikli také divadelné žánre ako apoteóza, propagandistické predstavenie s využitím veľkých zborových omší. Samostatne by sme mali spomenúť „operu spásy“, ktorá sa v tejto znepokojujúcej, tragickej dobe stala mimoriadne populárnou. Zvlášť jasne v nich znela téma boja proti tyranii, odhaľovali sa neresti kléru, velebila sa vernosť, oddanosť, vlastenectvo, obetavosť pre dobro ľudu a vlasti. V súvislosti s rastom vlasteneckého cítenia v spoločnosti nadobudla veľký význam vojenská dychová hudba a bol založený orchester Národnej gardy. Revolučnými zmenami prešiel aj systém hudobného vzdelávania: v roku 1792 bola otvorená hudobná škola Národnej gardy pre výcvik vojenských hudobníkov a v roku 1793 Národný hudobný inštitút (od roku 1795 parížske konzervatórium).

Obdobie napoleonskej diktatúry (1799-1814) a reštaurovanie (1814-15, 1815-30) neprinieslo francúzskej hudbe jasné úspechy. Určité oživenie v oblasti kultúry bolo načrtnuté až koncom obdobia reštaurovania. V 20. – 30. rokoch 19. storočia sa formovala francúzska romantická opera, ako aj žáner veľkej opery na historické, vlastenecké a hrdinské témy. G. Berlioz, tvorca programového romantického symfonizmu, je právom uznávaný ako jeden z najvýraznejších predstaviteľov francúzskeho hudobného romantizmu na celom svete. Počas rokov II. cisárstva vo Francúzsku sa módny svetský trend stal vášňou pre kaviarenské koncerty, divadelné revue a umenie šansoniéra. V tomto období boli populárne a početné vaudeville, frašky a operety. Francúzska opereta doslova prekvitá, začína znieť obzvlášť zaujímavo, novým spôsobom, originálne, čo priamo súvisí s menami jej duchovných tvorcov a inšpirátorov J. Offenbach, F. Hervé. Postupne stráca satiru, paródiu, aktuálnosť, operetnou ľahkosťou a ľahkosťou mení ich historické, každodenné i lyricko-romantické zápletky. To plne zodpovedá všeobecnému hudobnému trendu tej doby: lyrický charakter vystupuje do popredia takmer vo všetkých kultúrnych sférach. V opere sa táto tendencia prejavila v túžbe po každodenných zápletkách, po zobrazení obyčajných ľudí s ich intímnymi zážitkami. Medzi najznámejších autorov lyrickej opery patrí Ch.Gounod, "Faust", "Mireil" a "Romeo a Júlia", J. Massenet, J. Bizet "Carmen". Ale móda je vrtkavá a veterná, vrátane hudobnej, a ešte viac vo Francúzsku. Už v druhej polovici 19. stor. dochádza k nárastu realistických tendencií. Dôležitou udalosťou v spoločenskom a politickom živote Francúzska bola Parížska komúna v rokoch 1870-1871. Odrazilo sa to aj v hudobnej kultúre: vzniklo veľa pracovných piesní, z ktorých jedna, „The Internationale“ (hudba Pierra Degeytera na slová Eugena Pottiera), sa stala hymnou komunistických strán a v rokoch 1922-1944 hymna ZSSR.

20. storočie. Nové trendy.

Koncom 80. - 90. rokov 19. storočia vznikol vo Francúzsku nový trend, ktorý sa rozšíril na začiatku 20. storočia - impresionizmus. Hudobný impresionizmus oživil určité národné tradície - túžbu po konkrétnosti, programovosti, sofistikovanosti štýlu, transparentnosti textúry. Impresionizmus našiel svoje najplnšie vyjadrenie v hudbe C. Debussyho, zasiahol tvorbu M. Ravela, P. Duka a i. Impresionizmus zaviedol inovácie aj v oblasti hudobných žánrov. V Debussyho tvorbe ustupujú symfonické cykly symfonickým skečom; klavírnej hudbe dominujú programové miniatúry. Maurice Ravel bol ovplyvnený aj estetikou impresionizmu. V jeho tvorbe sa prelínali rôzne estetické a štýlové smery – romantické, impresionistické, v neskorších dielach neoklasické tendencie. Spolu s impresionistickými tendenciami vo francúzskej hudbe na prelome 19. a 20. storočia. tradície Saint-Saens sa naďalej rozvíjali, rovnako ako Franck, ktorého tvorba sa vyznačuje kombináciou klasickej čistoty štýlu so živými romantickými obrazmi. Po prvej svetovej vojne sa vo francúzskom umení prejavili tendencie odmietať nemecký vplyv, usilovať sa o novosť a zároveň o jednoduchosť. V tomto čase sa pod vplyvom skladateľa Erica Satieho a kritika Jeana Cocteaua vytvorilo kreatívne združenie s názvom „Francúzska šestka“, ktorého členovia sa stavali proti wagnerovstvu, ale aj impresionistickej „nejasnosti“. Skupina však podľa jej autora Francisa Poulenca „nemala iné ciele ako čisto priateľské a už vôbec nie ideologické združenie“ a od 20. rokov 20. storočia sa jej členovia (medzi najznámejších aj Arthur Honegger a Darius Milhaud) vyvinuté každý individuálnym spôsobom. V roku 1935 vzniklo vo Francúzsku nové tvorivé združenie skladateľov – „Mladé Francúzsko“, do ktorého patrili okrem iného aj takí skladatelia ako O. Messiaen, A. Jolivet, ktorí podobne ako „Šestka“ položili oživenie národných tradícií. a humanistické myšlienky v popredí. Odmietajúc akademizmus a neoklasicizmus zamerali svoje úsilie na aktualizáciu hudobných výrazových prostriedkov. Najvplyvnejšie boli Messiaenove rešerše v oblasti modálnych a rytmických štruktúr, ktoré boli stelesnené tak v jeho hudobných dielach, ako aj v muzikologických pojednaniach. Po druhej svetovej vojne sa vo francúzskej hudbe rozšírili avantgardné hudobné prúdy. Vynikajúcim predstaviteľom francúzskej hudobnej avantgardy bol skladateľ a dirigent Pierre Boulez, ktorý rozvíjal princípy A. Webern, široko používa také metódy kompozície ako pointilizmus a serialita. Špeciálny „stochastický“ systém kompozície používa skladateľ gréckeho pôvodu J. Xenakis. Francúzsko zohralo významnú úlohu vo vývoji elektronickej hudby - práve tu sa koncom 40. rokov objavila konkrétna hudba, počítač s grafickým vkladaním informácií - UPI bol vyvinutý pod vedením Xenakisa a v 70. rokoch smerovanie spektrálnej hudby sa narodil vo Francúzsku. Od roku 1977 sa IRCAM, výskumný ústav založený Pierrom Boulezom, stal centrom experimentálnej hudby. V súhrne možno konštatovať, že hlavnými míľnikmi 20. storočia vo francúzskej hudobnej kultúre boli: hudobný impresionizmus, avantgardné hudobné hnutia, ktoré sa rozvinuli po 2. svetovej vojne, elektronická hudba, francúzsky šansón.

Modernosť. Pohľad do budúcnosti.

A dnes, samozrejme, Francúzsko zostáva jedným z najväčších svetových centier hudobnej kultúry. V samotnom Francúzsku je hudobným centrom, respektíve jeho rytmicky bijúcim, pulzujúcim srdcom Paríž. Nie je to nepodložené tvrdenie, ale skutočnosť, ktorú potvrdila prítomnosť vo francúzskom hlavnom meste: Štátna opera v Paríži, divadlá Opera Garnier a Opera Bastille, početné divadlá, koncertné sály, miesta. Z popredných hudobných skupín treba spomenúť Národný orchester Francúzska, Filharmóniu Rádia France, Parížsky orchester, Orchestra Column a iné Hudobné vzdelávacie inštitúcie Francúzska (Parížske konzervatórium, Scola Cantorum, Ecole Normal atď. .). Toto je pýcha a dedičstvo francúzskej hudobnej kultúry, ktoré ju oslavuje po celom svete. Mimoriadne zaujímavým aspektom je, že vo Francúzsku sa veľký význam pripisuje vedeckej práci v oblasti hudby. Tu sa naplno prejavuje princíp služby vedy umeniu. Najvýznamnejším hudobným výskumným centrom je Inštitút hudobnej vedy na Univerzite v Paríži. Knihy a archívne materiály sú uložené v Národnej knižnici, kde už v roku 1935 bolo špeciálne vytvorené oddelenie hudby, ďalej v Knižnici a Múzeu hudobných nástrojov na Konzervatóriu. Tisíce turistov prichádzajú do Francúzska na rôzne hudobné podujatia, ktoré sa pravidelne konajú. Všetky sú považované za svetlé, nezávislé, významné udalosti hudobného kultúrneho života. Je ťažké rozhodnúť, kto vyhral tento závod talentov, možno vymenovať len najznámejšie a najobľúbenejšie podujatia bohatého kultúrneho a hudobného života Francúzska: Medzinárodná klavírna a husľová súťaž. M. Longa a J. Thibaulta, gitarovú súťaž, Besançon International Competition for Young Conductors, Toulouse International Vocal Competition, Paris International Harp Competition atď. Nemali by sa ignorovať početné festivaly: jesenný festival v Paríži, parížsky festival hudby 20. storočia, klavírna súťaž v Epinal, festival klasickej hudby v Rouene a iné, "Perlové noci" - akordeónový festival v meste Tulle, organová súťaž „Garne pri de Chartres. V roku 1982, 21. júna, Francúzi vymysleli a po prvý raz usporiadali „Slávnosť hudby“. V tento deň môže každý spievať, hrať hudbu priamo v uliciach miest. Tu môžete stretnúť začínajúcich umelcov a celebrity. V súčasnosti sa tento sviatok stal medzinárodným a oslavuje sa v 110 krajinách sveta.

Francúzska hudobná scéna pozná takmer všetky oblasti populárnej hudby, zároveň z nej vzniklo aj množstvo špecifických národných žánrov, predovšetkým francúzsky šansón. . (Nemá to nič spoločné s ruským šansónom!!!). V modernej kultúre sa populárna francúzska hudba nazýva šansón, ktorý si zachováva špecifický rytmus francúzskeho jazyka. Tieto piesne sa výrazne líšia melódiami, textami, významom, duchom a zvukom od piesní napísaných pod vplyvom hudby v anglickom jazyku. Dajú sa rozoznať od prvých tónov, od prvých akordov. Samotné srdce reaguje už pri prvých zvukoch a na perách sa mimovoľne objaví teplý, jednoduchý úsmev. Je to jednoduchosť a teplo, ktoré preniká všetkými melódiami francúzskeho šansónu. Čokoľvek sa v týchto skladbách spieva, majú to hlavné – dušu. Svetovú slávu si získali takí vynikajúci interpreti francúzskeho šansónu (šansoniér) ako Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kaas a ďalší. Ich CD sa dodnes úspešne predávajú po celom svete, pesničky znejú v rádiách, sťahujú sa bez problémov na internete. Francúzsko hostilo súťaž Eurovision Song Contest trikrát. Táto významná udalosť moderného hudobného života sa odohrala v rokoch 1959, 1961 a 1978. Päť francúzskych interpretov vyhralo súťaž Eurovision Song Contest - André Clavier (1958), Jacqueline Boyer (1960), Isabelle Aubret (1962), Frida Boccara (1969) a Marie Miriam (1977), po ktorých bolo najvyšším francúzskym úspechom druhé miesto v roku 1990 a 1991. Francúzski hudobníci mimoriadne prispeli k novému, modernému žánru elektronickej hudby. Na zvláštnom čestnom mieste pre mňa stojí Jean-Michel Jarre, jeho grandiózne, očarujúce, nezabudnuteľné laserové show, ktoré skladateľa a hudobníka preslávili po celom svete. Jeho tvorba je v Rusku zrozumiteľná a populárna, tak medzi mladými ľuďmi, ako aj medzi milovníkmi hudby staršej generácie.

Záver.

Tak sme si uvedomili, že Francúzsko hrá obrovskú úlohu v dejinách hudby a hudba hrá obrovskú úlohu v dejinách Francúzska. Aktívne ovplyvňovala formovanie hudobnej kultúry v iných krajinách, v určitých historických obdobiach bola považovaná za štandard, z ktorého si brali príklad, ktorý napodobňovali. Dokonale vedela vo francúzštine absorbovať, absorbovať hudobné trendy, žánre, trendy a štýly iných národov, prispôsobovať ich, spracovávať, prehodnocovať, znieť novým spôsobom. Za nápadný príklad kolízie a vzájomného pôsobenia hudobných kultúr v súčasnosti možno považovať interakciu americkej a francúzskej hudobnej kultúry. Francúzi sa od začiatku prenikania americkej masovej kultúry na európsky kontinent snažili zo všetkých síl zachovať čistotu svojej kultúry, vrátane hudby, bojovali za jej jedinečnosť, exkluzivitu, originalitu a nezávislosť. Francúzi svoju modernú hudobnú kultúru milujú, oceňujú, sú na ňu hrdí a mimoriadne starostlivo si ju zachovávajú. Treba podotknúť, že vďaka veľmi korektnej štátnej politike v oblasti kultúry, postaveniu príslušného ministerstva, významným osobnostiam Francúzska, dokázali v oblasti zachovania, rozvoja a popularizácie francúzskej hudobnej kultúry urobiť veľa. Výsledkom bolo, že Francúzi sa mohli vyhnúť tak nerozdelenej americkej dominancii, ako aj vlastnej kultúrnej izolácii. Dosiahlo sa to najmä vďaka kvótam na vysielanie, obmedzeniam rozhlasových staníc na prehrávanie hudby v anglickom jazyku a najrôznejším zvýhodneným podmienkam pre domácich interpretov. Na druhej strane významnú úlohu zohral francúzsky patriotizmus, láska ku všetkému „domorodému, francúzskemu“, hrdosť a úcta k svojej kultúre, ktorá bola podľa mňa Francúzom vštepovaná od detstva. V tomto smere je vhodnejšie hovoriť o vzájomnom prenikaní hudobných kultúr. Francúzske piesne sa dostali do Ameriky, aj keď v revidovanej verzii („My Way“, ktorá sa stala charakteristickým znakom Franka Sinatru, napísal Claude Francois a nazýva sa „Comme d“ habitude ), alebo „Et maintenant“ od Gilberta Beca , ktorú naspieval duet Sonny a Cher, a potom mnohí ďalší – „What now my love“). Existujú francúzske piesne – preklady z angličtiny, oveľa známejšie ako originály. Najjasnejším príkladom je známa pieseň Joea Dassina „ Champs-Elysées“ („Les Champs-Elysées“). kto pozná originál – „Waterloo Road“?

Dúfam, že teraz ste, rovnako ako ja, presvedčení, že francúzska hudobná kultúra je bohatá, rôznorodá, jedinečná, nenapodobiteľná a vplyvná. Možno si ju, rovnako ako ja, zamilujete, alebo vás aspoň zaujme a pokúsite sa o nej dozvedieť viac. Bolo by vhodné, aby sme si ako príklad zobrali starostlivý postoj Francúzov k ich hudobnej kultúre, a to tak na úrovni štátu, ako aj na úrovni bežných občanov. Takúto skúsenosť rozumného, ​​dôstojného kultúrneho patriotizmu by si mali osvojiť mnohé krajiny. Hudba je jedným z divov sveta. Hudba je univerzálny jazyk medzinárodnej komunikácie, prístupný, blízky a zrozumiteľný na celom svete. Francúzsko významne prispelo k jeho formovaniu, rozvoju a prosperite.

Literatúra:

https://ru.wikipedia.org/wiki/ Hudba Francúzska

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

A. Klenov "Tam, kde žije hudba" M. "Pedagogika" 1985

Medushevsky V.V., Ochakovskaya O.O. Encyklopedický slovník mladého hudobníka, M. "Pedagogika" 1985

Pôvod francúzskej hudby.

Ľudové počiatky francúzskej hudby siahajú do raného stredoveku: v 8. – 9. storočí existovali tanečné melódie a piesne rôznych žánrov – pracovné, kalendárne, epické a iné.
Do konca 8. stor Gregoriánsky chorál.
AT V 11.-12. storočí prekvitalo na juhu Francúzska rytierske hudobné a poetické umenie trubadúrov.
AT V 12.-13. storočí pokračovali rytieri a mešťania zo severného Francúzska, trouvères, v tradícii trubadúrov. Z nich je najznámejší Adam de la Halle (zomrel 1286).

Adam de la Al „Hra Robina a Marion“.

V 14. storočí sa vo francúzskej hudbe objavilo hnutie Nového umenia. Na čele tohto hnutia bol Philippe de Vitry (1291-1361) – hudobný teoretik a skladateľ, autor mnohých svetských motetá. Ku koncu 16. storočia, za čias Karola 9, sa však povaha hudby Francúzska zmenila. Začala sa éra baletu, keď hudba sprevádzala tanec. V tejto dobe boli široko používané tieto nástroje: flauta, čembalo, violončelo, husle. A túto dobu možno nazvať dobou zrodu skutočnej inštrumentálnej hudby.

Philippe de Vitry „Pán lordov“ (motet).

17. storočie je novou etapou vo vývoji francúzskej hudby. Veľký francúzsky skladateľ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencia - 22.3.1687, Paríž) tvorí svoje opery. Jean Baptiste je vynikajúci tanečník, huslista, dirigent a choreograf talianskeho pôvodu, považovaný za uznávaného tvorcu francúzskej národnej opery. Medzi nimi sú opery ako: „Theseus“ (1675), „Isis“ (1677), „Psyche“ (1678), „Perseus“ (1682), „Phaeton“ (1683), „Roland“ (1685) a „ Armida" (1686) a ďalšie. Jean-Baptiste Lully sa vo svojich operách, nazvaných „tragédie mise en musique" („tragédia o hudbe") snažil umocniť dramatické efekty hudbou. Vďaka majstrovstvu inscenácie sa veľkolepý balet, resp. jeho opery vydržali na javisku asi 100 rokov Zároveň začali operní speváci po prvý raz vystupovať bez masiek a ženy začali tancovať v balete na verejnom javisku.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) – francúzsky skladateľ a hudobný teoretik. S využitím výdobytkov francúzskej a talianskej hudobnej kultúry výrazne upravil štýl klasickej opery, pripravil opernú reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napísal lyrické tragédie Hippolytos a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737), operno-balet Gallant India (1735), čembalové skladby a ďalšie. Jeho teoretické práce sú významnou etapou vo vývoji doktríny harmónie.
Francois Couperin (1668-1733) – francúzsky hudobný skladateľ, čembalista, organista. Z dynastie porovnateľnej s nemeckou Bachovou, keďže v jeho rodine bolo niekoľko generácií hudobníkov. Couperin bol prezývaný "veľký Couperin" čiastočne kvôli jeho zmyslu pre humor, čiastočne kvôli jeho charakteru. Jeho tvorba je vrcholom francúzskeho čembalového umenia. Couperinova hudba sa vyznačuje melodickou nápaditosťou, gracióznosťou a dokonalosťou detailov.

1. Jean-Baptiste Lully sonáta a-moll, 4. časť „Gig“.

2. Jean Philippe Rameau "Kura" - hrá Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin "Budík" - hrá Ayana Sambuyeva.

V 18. storočí – na konci 19. storočia sa hudba stáva skutočnou zbraňou v boji za svoje presvedčenie a túžby. Objavuje sa celá plejáda slávnych skladateľov: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) francúzsky vojenský inžinier, básnik a skladateľ. Písal hymny, piesne, romance. V roku 1792 napísal skladbu „La Marseillaise“, ktorá sa neskôr stala hymnou Francúzska.

Hymna Francúzska.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) bol slávny francúzsko-nemecký skladateľ. Jeho najslávnejšia činnosť je spojená s parížskou opernou scénou, pre ktorú napísal svoje najlepšie diela francúzskymi slovami. Preto ho Francúzi považujú za francúzskeho skladateľa. Početné jeho opery: „Artaserse“, „Demofonte“, „Fedra“ a iné boli uvedené v Miláne, Turíne, Benátkach, Cremone. Po pozvaní do Londýna napísal Gluck dve opery pre divadlo Hay-Market: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a operu potpourri (pasticcio) „Pyram“

Melódia z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. storočí - skladatelia Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a ďalší.

V 20. storočí sa objavujú skutoční profesionálni interpreti. Boli to oni, ktorí preslávili francúzske piesne a vytvorili celý smer francúzskeho šansoniéra. Dnes ich mená vystupujú z doby a módy. Sú to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všetci sú známi svojimi krásnymi lyrickými piesňami, ktoré si získali nielen publikum vo Francúzsku, ale aj v iných krajinách. Mnohé z nich prekryli iní účinkujúci.

Naučiť sa hrať na hudobný nástroj je jednou z najúžasnejších vecí, aké kedy budete robiť. Či už ste práve po škole a rozhodli ste sa, že by ste chceli hrať v kapele, alebo sa rozhodnete naučiť sa hrať hudbu teraz, keď sú deti veľké, je to zábavné, obohacujúce a musí to robiť. Ak ešte neviete, čo chcete hrať, ste v skvelej forme - to znamená, že je pre vás všetko možné! Pozrite si krok 1, kde nájdete užitočné tipy na výber správneho nástroja.

Kroky

Výber z rozmanitosti

Začnite s klavírom. Klavír je bežný štartovací nástroj, pretože je ľahké skutočne vidieť hudbu. Klavír a klávesy, ktoré sú spoločné pre mnohé kultúry a štýly hudby, sú skvelou voľbou, ak sa chcete naučiť hrať na nástroj bez ohľadu na váš vek. Možnosti klavíra, ktoré môžete neskôr pridať do svojho repertoáru, môžu zahŕňať:

• Organ
• Akordeón
• Syntetizátor
• čembalo
• Harmonium

Rock von na gitare. Od klasiky po metal, učenie sa hrať na gitare otvára všetky dvere novým štýlom hudby. Gitara mala vplyv na pop kultúru možno viac ako ktorýkoľvek iný nástroj a stala sa najobľúbenejšou voľbou pre začiatočníkov na celom svete. Vezmite si akustickú gitaru, aby ste boli mobilní, alebo si vyskúšajte jej elektrickú verziu a začnite sa baviť so svojimi susedmi a hrať opojné frázy. Keď si osvojíte základy hry na gitare, môžete pridať aj ďalšie nástroje od spoločnosti so šiestimi strunami:

• Basgitara
• Mandolína
• Banjo
• Cimbál

Francúzska hudba, ktorú počúvame, má hlboké korene. Objavuje sa z ľudového umenia roľníkov a mešťanov, náboženskej a rytierskej poézie, z tanečného žánru. Tvorba hudby závisí od epoch. Keltské presvedčenie a neskôr regionálne zvyky francúzskych provincií a susedných národov tvoria špeciálne hudobné melódie a žánre, ktoré sú vlastné hudobnému zvuku Francúzska.

Hudba Keltov

Galovia, najväčší keltský národ, stratili jazyk tým, že hovorili latinsky, ale získali keltské hudobné tradície, tance, eposy a hudobné nástroje: flautu, gajdy, husle, lýru. Spieva sa galská hudba, ktorá je neoddeliteľne spojená s poéziou. Hlas duše a prejav emócií sprostredkovali potulní bardi. Poznali veľa piesní, vlastnili hlas a vedeli hrať a tiež používali hudbu v tajomných rituáloch. Vo francúzskom folklóre sú známe 2 verzie hudobných diel: balady a texty - ľudová poézia s refrénom, ktorý nahradil hudbu. Všetky piesne sú napísané vo francúzštine, napriek tomu, že obyvatelia rôznych častí Francúzska hovorili vlastným dialektom. Jazyk stredného Francúzska bol považovaný za slávnostný a poetický.

epické piesne

Baladické piesne mali medzi ľuďmi veľkú úctu. Nemecké legendy brali talenty od ľudí ako základ pre svoje legendárne piesne. Epický žáner predviedol žonglér – ľudový spevák, ktorý ako kronikár zvečnil udalosti v piesni. Neskôr sa jeho hudobné skúsenosti preniesli aj na stredovekých potulných spevákov – trubadúrov, miništrantov, trúvrov. Medzi legendárnymi skladbami je výraznou skupinou pieseň – sťažnosť, ako reakcia na tragické či nekalé udalosti. Náboženský alebo svetský príbeh je zvyčajne smutný, s prevahou molovej tóniny. Sťažnosť mohla byť romantická alebo dobrodružná, pričom hlavnou zápletkou sa ukázal byť milostný príbeh s tragickým koncom alebo scény vášne, niekedy plné krutosti. Pieseň-sťažnosť sa rozšírila hlboko do dedín a postupne nadobudla komický a satirický charakter. Melódiou sťažností mohli byť cirkevné hymny alebo dedinský spev – dlhé príbehy s prestávkami. Klasickým príkladom naratívnych spevov je „Song of Reno“, ktorý má rytmus C dur. Melódia je pokojná a dojímavá.

Piesňová balada s keltskými motívmi zaznieva v tvorbe Nolwen Leroy, ľudovej speváčky z Bretónska. Prvý album „Breton“ (2010) oživil ľudové piesne. Balady počúvajú aj klasici rock-folku – „Tri Yann“. Príbeh jednoduchého námorníka a jeho priateľky je známy ako hit a perla folklóru. Skupinu založili traja hudobníci Jean v roku 1970. Hovorí o tom aj názov skupiny, ktorý sa z bretónčiny prekladá ako „tri džínsy“. Ďalšia pesničková balada „Vo väzeniach v Nantes“ o väzňovi na úteku za asistencie väzenskej dcéry je populárna a známa v celom Francúzsku.

milostné texty

Vo všetkých formách ľudovej hudby vznikol ľúbostný príbeh. V epose je to príbeh o láske na pozadí akýchkoľvek vojenských alebo každodenných udalostí. V komickej piesni ide o ironický dialóg, kde sa jeden partner smeje druhému, neexistuje jednota milujúcich sŕdc a vysvetlení. Detské piesne spievajú o svadbe vtákov. Lyrická francúzska pieseň v klasickom zmysle je pastorálkou, ktorá vznikla z vidieckeho žánru a prešla do repertoáru trubadúrov. Jej hrdinami sú pastierky a páni. Verejní speváci upresňujú aj čas a miesto konania – väčšinou je to príroda, vinohrad alebo záhrada. Regionálne ľudová pieseň o láske sa líši tónom. Veľmi citlivá bretónska pieseň. Vážna, vzrušená melódia hovorí o vznešených pocitoch. Alpská hudba je čistá, plynulá, naplnená horským vzduchom. V strednom Francúzsku - „prosté piesne“ v štýle romantiky. Provence a juh krajiny tvorili serenády, v strede ktorých bol zamilovaný pár a dievča bolo prirovnávané ku kvetu alebo hviezde. Spev bol sprevádzaný hrou na tamburíne či francúzskej fajke. Trubadúrski básnici skladali svoje piesne v jazyku Provence a spievali dvornú lásku a rytierske činy. V zbierkach ľudových piesní XV storočia. obsahuje veľa humorných a satirických piesní. V ľúbostných textoch nie je žiadna rafinovanosť charakteristická pre horúce piesne Talianska a Španielska, majú charakteristický odtieň irónie.

Rozhodujúcu úlohu zohráva zmyselnosť ľudových piesní a láska k tomuto žánru sa preniesla aj k tvorcom šansónu a dodnes žije vo Francúzsku.

hudobná satira

Galský duch sa prejavuje vo vtipoch a v piesňach. Naplnený životom a výsmechom tvorí charakteristický znak francúzskej piesne. Mestský folklór, veľmi blízky ľudovému umeniu, vznikol v 16. storočí. Vtedy parížske šansoniérky, ktoré bývali neďaleko Pont Neuf, spievali o aktuálnych problémoch, no tu svoje texty kšeftovali. Do módy sa dostali ohlasy na rôzne spoločenské udalosti so satirickými veršami. Ostré ľudové piesne predurčili vývoj kabaretu.

tanečná hudba

Hudba klasického smeru čerpala inšpiráciu aj z tvorby roľníkov. Ľudové melódie sa odrážajú v dielach francúzskych skladateľov – Berlioza, Saint-Saensa, Bizeta, Lullyho a mnohých ďalších. Staroveké tance - farandole, gavotte, rigodon, menuet a bourre úzko súvisia s hudbou a ich pohyby a rytmus vychádzajú z piesní.

• Farandole sa objavil v ranom stredoveku v južnom Francúzsku z vianočných kolied. Tanec sprevádzali zvuky tamburíny a jemnej flauty. Žeriavový tanec, ako sa mu neskôr hovorilo, sa tancoval na sviatkoch a masových slávnostiach. Farandole znie v Bizetovej suite „Arlesian“ po „Trojkráľovom pochode“.
• Gavotte- starý tanec obyvateľov Álp - gavotes, a v Bretónsku. Pôvodne kruhový tanec v keltskej kultúre sa predvádzal v rýchlom tempe podľa princípu „krok – polož nohu“ na gajdy. Ďalej sa pre svoju rytmickú formu premenil na salónny tanec a stal sa prototypom menuetu. V opere Manon Lescaut je možné počuť gavotu v reálnej interpretácii.
• Rigaudon- v baroku bol obľúbený veselý tanec sedliakov z Provensálska na hudbu huslí, spev a udieranie do drevených drevákov. Šľachta si ho zamilovala pre jeho ľahkosť a temperament.
• Burre- energický ľudový tanec so skokmi vznikol v strednom Francúzsku v 15. storočí. V 17. a 18. storočí sa z ľudového prostredia provincie Poitou vyprofiloval ladný tanec dvoranov. Menuet sa vyznačuje pomalým tempom s malými krokmi, úklonmi a úklonmi. Hudbu menuetu formuje čembalo, rýchlejšie ako pohyby tanečníkov.

Zazneli rôzne hudobné a piesňové skladby – ľudové, robotnícke, sviatočné, uspávanky, počítacie piesne.

Moderného výrazu v Leroyovom albume „Breton“ sa dočkala ľudová melódia-counter „Mare from Michaud“ (La Jument de Michao). Jej hudobným pôvodom je kruhový tanec. Ľudové piesne zahrnuté na bretónskom albume boli napísané na sviatky Fest-noz a na pamiatku bretónskej tradície ľudového tanca a piesní.

Francúzska pieseň absorbovala všetky znaky ľudovej hudobnej kultúry. Vyznačuje sa úprimnosťou a realizmom, nie sú v ňom žiadne nadprirodzené prvky a zázraky. A v našej dobe vo Francúzsku a vo svete sú francúzski pop speváci, pokračovatelia najlepších ľudových tradícií, veľmi populárni.

Hudobné nástroje sú určené na vytváranie rôznych zvukov. Ak hudobník hrá dobre, potom sa tieto zvuky dajú nazvať hudbou, ak nie, potom kakofóniou. Existuje toľko nástrojov, že ich učenie je ako vzrušujúca hra horšia ako Nancy Drew! V modernej hudobnej praxi sa nástroje delia do rôznych tried a rodín podľa zdroja zvuku, materiálu výroby, spôsobu výroby zvuku a ďalších vlastností.

Dychové hudobné nástroje (aerofóny): skupina hudobných nástrojov, ktorých zdrojom zvuku sú vibrácie vzduchového stĺpca v hlavni (trubici). Sú klasifikované podľa mnohých kritérií (podľa materiálu, dizajnu, spôsobu extrakcie zvuku atď.). V symfonickom orchestri sa skupina dychových hudobných nástrojov delí na drevené (flauta, hoboj, klarinet, fagot) a dychové (trúbka, lesný roh, trombón, tuba).

1. Flauta - drevený dychový hudobný nástroj. Moderný typ priečnej flauty (s ventilmi) vynašiel nemecký majster T. Bem v roku 1832 a má varianty: malá (alebo pikolová flauta), altová a basová flauta.

2. Hoboj - drevený dychový jazýčkový hudobný nástroj. Známy od 17. storočia. Odrody: malý hoboj, hoboj d "amour, anglický roh, haeckelphone.

3. Klarinet - drevený dychový jazýčkový hudobný nástroj. Navrhnuté na začiatku 18. storočie V modernej praxi sa bežne používajú sopránové klarinety, pikoloklarinet (tal. pikola), alt (tzv. basetový roh), basklarinet.

4. Fagot - drevený dychový hudobný nástroj (hlavne orchestrálny). Vznikol na 1. poschodí. 16. storočia Odrodou basov je kontrafagot.

5. Trúbka – dychový dychový nátrubkový hudobný nástroj, známy už od staroveku. Moderný typ ventilového potrubia sa vyvinul na ser. 19. storočie

6. Lesný roh – dychový hudobný nástroj. Vznikol koncom 17. storočia v dôsledku zdokonalenia poľovného rohu. Moderný typ rohoviny s ventilmi vznikol v prvej štvrtine 19. storočia.

7. Trombón - dychový dychový hudobný nástroj (hlavne orchestrálny), v ktorom sa výška tónu reguluje špeciálnym zariadením - backstageom (tzv. posuvný trombón alebo zugtrombón). Existujú aj ventilové trombóny.

8. Tuba je najnižšie znejúci dychový hudobný nástroj. Navrhnuté v roku 1835 v Nemecku.

Metalofóny sú akýmsi hudobným nástrojom, ktorého hlavným prvkom sú taniere-kľúče, do ktorých sa bije kladivom.

1. Samozvučné hudobné nástroje (zvončeky, gongy, vibrafóny a pod.), ktorých zdrojom zvuku je ich elastické kovové telo. Zvuk sa extrahuje kladivami, palicami, špeciálnymi bubeníkmi (jazykmi).

2. Nástroje ako xylofón, na rozdiel od ktorých sú metalofónové platne vyrobené z kovu.

Sláčikové hudobné nástroje (chordofóny): podľa spôsobu výroby zvuku sa delia na sláčikové (napríklad husle, violončelo, gidjak, kemanča), brnkacie (harfa, harfa, gitara, balalajka), bicie (cimbaly), perkusie. klávesy (klavír), brnkacie - klávesy (cembalo).

1. Husle - 4-strunový sláčikový hudobný nástroj. Najvyššie v registri v husľovej rodine, ktorá tvorila základ klasického symfonického orchestra a sláčikového kvarteta.

2. Violončelo - hudobný nástroj husľovej rodiny bastenorového registra. Objavil sa v 15-16 storočí. Klasické vzorky vytvorili talianski majstri 17.-18. storočia: A. a N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidzhak - strunový sláčikový hudobný nástroj (tadžický, uzbecký, turkménsky, ujgurský).

4. Kemancha (kamancha) - 3-4-strunový sláčikový hudobný nástroj. Distribuované v Azerbajdžane, Arménsku, Gruzínsku, Dagestane, ako aj v krajinách Stredného a Blízkeho východu.

5. Harfa (z nem. Harfe) - viacstrunový drnkací hudobný nástroj. Rané obrazy - v treťom tisícročí pred Kristom. Vo svojej najjednoduchšej forme sa vyskytuje takmer u všetkých národov. Moderná pedálová harfa bola vynájdená v roku 1801 S. Erardom vo Francúzsku.

6. Gusli - ruský strunový hudobný nástroj. Pterygoidné gusli ("hlasité") majú 4-14 alebo viac strún, v tvare prilby - 11-36, obdĺžnikové (v tvare stola) - 55-66 strún.

7. Gitara (španielsky guitarra, z gréčtiny cithara) - strunový brnkací nástroj lutnového typu. V Španielsku je známy od 13. storočia, v 17. a 18. storočí sa rozšíril do krajín Európy a Ameriky, a to aj ako ľudový nástroj. Od 18. storočia sa 6-strunová gitara stala bežnou, 7-strunová sa rozšírila hlavne v Rusku. Medzi odrody patrí takzvané ukulele; v modernej populárnej hudbe sa používa elektrická gitara.

8. Balalajka - ruský ľudový 3-strunový brnkací hudobný nástroj. Známy od začiatku 18. storočie Vylepšené v 80. rokoch 19. storočia. (pod vedením V.V. Andreeva) V.V. Ivanov a F.S. Paserbsky, ktorí navrhli rodinu balalajok, neskôr - S.I. Nalimov.

9. Činely (poľský cimbal) - viacstrunový bicí hudobný nástroj starovekého pôvodu. Sú súčasťou ľudových orchestrov Maďarska, Poľska, Rumunska, Bieloruska, Ukrajiny, Moldavska atď.

10. Klavír (tal. fortepiano, z forte - hlasný a klavír - tichý) - všeobecný názov klávesových hudobných nástrojov s kladivkovým mechanizmom (klavír, klavír). Na začiatku bolo vynájdené pianoforte. 18. storočie Vzhľad moderného typu klavíra – s tzv. dvojitá skúška – odkazuje na 20. roky 19. storočia. Rozkvet klavírnej hry - 19-20 storočia.

11. Cembalo (franc. clavecin) - strunový brnkací hudobný nástroj, predchodca klavíra. Známy od 16. storočia. Boli tam čembalá rôznych tvarov, typov a odrôd, vrátane cembala, virginelu, spinetu, claviciterium.

Klávesové hudobné nástroje: skupina hudobných nástrojov, ktoré spája spoločný znak - prítomnosť klávesovej mechaniky a klávesnice. Sú rozdelené do rôznych tried a typov. Klávesové hudobné nástroje sú kombinované s inými kategóriami.

1. Struny (perkusie a brnkacie klávesy): klavír, celesta, čembalo a jeho varianty.

2. Dychové (dychové a jazýčkové klávesy): organ a jeho odrody, harmónium, gombíková harmonika, akordeón, melódia.

3. Elektromechanické: elektrické piano, clavinet

4. Elektronické: elektronické piano

pianoforte (tal. fortepiano, z forte - hlasný a klavír - tichý) - všeobecný názov klávesových hudobných nástrojov s kladivkovým mechanizmom (klavír, klavír). Bol vynájdený začiatkom 18. storočia. Vzhľad moderného typu klavíra – s tzv. dvojitá skúška – odkazuje na 20. roky 19. storočia. Rozkvet klavírnej hry - 19-20 storočia.

Bicie hudobné nástroje: skupina nástrojov kombinovaná podľa spôsobu výroby zvuku – úder. Zdrojom zvuku je pevné teleso, membrána, struna. Existujú nástroje s určitou (timpány, zvončeky, xylofóny) a neurčitou (bubny, tamburíny, kastanety) výškou tónu.

1. Timpani (timpani) (z gréckeho polytaurea) - bicí hudobný nástroj kotlíkového tvaru s membránou, často párový (nagara a pod.). Rozšírené už od staroveku.

2. Zvony - orchestrálny bicí samozvučný hudobný nástroj: súbor kovových platní.

3. Xylofón (z xylo... a grécky telefón - zvuk, hlas) - bicí samozvučný hudobný nástroj. Pozostáva z niekoľkých drevených blokov rôznych dĺžok.

4. Bubon - bicí membránový hudobný nástroj. Odrody sa nachádzajú u mnohých národov.

5. Tamburína - perkusný membránový hudobný nástroj, niekedy s kovovými príveskami.

6. Castanetvas (španielsky: castanetas) - bicí hudobný nástroj; drevené (alebo plastové) dosky vo forme škrupín pripevnené na prstoch.

Elektrické hudobné nástroje: hudobné nástroje, v ktorých sa zvuk vytvára generovaním, zosilňovaním a premenou elektrických signálov (pomocou elektronických zariadení). Majú zvláštny timbre, dokážu napodobňovať rôzne nástroje. Medzi elektrické hudobné nástroje patrí theremin, emiriton, elektrická gitara, elektrické organy atď.

1. Theremin - prvý domáci elektrický hudobný nástroj. Navrhol L. S. Theremin. Výška tónu v theremine sa mení v závislosti od vzdialenosti pravej ruky interpreta k jednej z antén, hlasitosti - od vzdialenosti ľavej ruky k druhej anténe.

2. Emiriton - elektrický hudobný nástroj vybavený klávesnicou typu klavír. Navrhli ho v ZSSR vynálezcovia A. A. Ivanov, A. V. Rimskij-Korsakov, V. A. Kreutser a V. P. Dzeržkovič (1. model v roku 1935).

3. Elektrická gitara - gitara, zvyčajne vyrobená z dreva, s elektrickými snímačmi, ktoré premieňajú vibrácie kovových strún na vibrácie elektrického prúdu. Prvý magnetický snímač zostrojil inžinier Gibson Lloyd Loer v roku 1924. Najbežnejšie sú šesťstrunové elektrické gitary.

Francúzska hudobná kultúra sa začala formovať na bohatej vrstve ľudovej piesne. Hoci najstaršie spoľahlivé záznamy piesní, ktoré sa zachovali dodnes, pochádzajú z 15. storočia, literárne a umelecké materiály naznačujú, že od čias Rímskej ríše má hudba a spev popredné miesto v každodennom živote ľudí.

Cirkevná hudba prišla do francúzskych krajín s kresťanstvom. Pôvodne latinčina sa postupne menila pod vplyvom ľudovej hudby. Cirkev pri bohoslužbách používala materiál, ktorý bol pre miestnych obyvateľov zrozumiteľný. Medzi 5. a 9. storočím sa v Galii rozvinul svojrázny typ liturgie – galský obrad s galským spevom. Medzi autormi cirkevných piesní bola známa Hilary z Poitiers. Gallikánsky obrad je známy z historických prameňov, čo naznačuje, že sa výrazne líšil od rímskeho. Nezachovala sa, pretože ju zrušili francúzski králi, usilujúci sa o získanie cisárskeho titulu z Ríma, a rímska cirkev sa snažila dosiahnuť zjednotenie bohoslužieb.

Z 9.-12. stor. sa zachovali „piesne o skutkoch“ (chansons de geste).

ľudová hudba

V tvorbe francúzskych folkloristov sa uvažuje o početných žánroch ľudových piesní: lyrické, ľúbostné, sťažovateľské (complaintes), tanečné (rondes), satirické, remeselnícke piesne (chansons de metiers), kalendárové, napríklad vianočné (Noel); pracovné, historické, vojenské a pod.. K folklóru patria aj piesne spojené s galskou a keltskou vieroukou. Medzi lyrickými žánrami zaujímajú osobitné miesto pastorále (idealizácia vidieckeho života). V dielach ľúbostného obsahu prevládajú témy nešťastnej lásky a rozchodu. Veľa pesničiek je venovaných deťom - uspávanky, hry, počítacie riekanky (fr. comptines). Robotnícke (piesne žencov, oráčov, vinohradníkov a pod.), piesne vojakov a regrútov sú pestré. Osobitnú skupinu tvoria balady o križiackych výpravách, piesne odhaľujúce krutosť feudálov, kráľov a dvoranov, piesne o sedliackych povstaniach (túto skupinu piesní vedci nazývajú „básnický epos dejín Francúzska“).

Stredovek

cirkevná hudba

V období stredoveku bol najlepšie zdokumentovaný vývoj cirkevnej hudby. Rané gallikánske formy kresťanskej liturgie boli nahradené gregoriánskou liturgiou. Šírenie gregoriánskeho chorálu za vlády karolínskej dynastie (751-987) je spojené predovšetkým s činnosťou benediktínskych kláštorov. Katolícke opátstva Jumiège (na Seine, aj v Poitiers, Arles, Tours, Chartres a ďalších mestách) sa stali centrami cirkevnej hudby, bunkami profesionálnej duchovnej i svetskej hudobnej kultúry. Aby sa študenti naučili spievať v mnohých opátstvach, boli vytvorené špeciálne spevácke školy (metrises). Vyučovali nielen gregoriánsky chorál, ale aj hru na hudobných nástrojoch, schopnosť čítať noty. V polovici 9. stor. objavila sa nepovinná notácia, ktorej postupný vývoj po mnohých storočiach viedol k vytvoreniu modernej notovej osnovy.

V 9. storočí Gregoriánsky chorál bol obohatený o sekvencie, ktoré sa vo Francúzsku aj nazývajú próza. Vytvorenie tejto formy bolo pripísané mníchovi Notkerovi z kláštora St. Gallen (dnešné Švajčiarsko). Notker však v predslove k svojej „Knihe hymnov“ uviedol, že informáciu o sekvencii dostal od mnícha z opátstva Jumièges. Následne sa vo Francúzsku preslávili najmä autori próz Adam z Abbey of Saint-Victor (12. storočie) a tvorca slávnej „Oslí prózy“ Pierre Corbeil (začiatok 13. storočia). Ďalšou inováciou boli trópy – vložky v strede gregoriánskeho chorálu. Prostredníctvom nich začali do cirkevnej hudby prenikať svetské melódie.

Od 10. stor. v Limoges, Tours a ďalších mestách sa v útrobách samotnej bohoslužby objavila liturgická dráma, ktorá sa zrodila z dialógových tróp so striedavými „otázkami“ a „odpovedami“ dvoch antifonálnych skupín zboru. Postupne sa liturgická dráma čoraz viac vzďaľovala od kultu (spolu s obrazmi z evanjelia sa zaraďovali aj realistické postavy).

Ľudové piesne sa od pradávna vyznačovali polyfóniou, pričom gregoriánsky chorál sa formoval ako jednohlasný. V 9. storočí začali do cirkevnej hudby prenikať aj prvky polyfónie. V 9. storočí boli napísané príručky o organum polyfónii. Za autora najstaršej z nich sa považuje mních Gukbald zo Saint-Aman neďaleko Tournai vo Flámsku. Polyfónny štýl, ktorý sa vyvinul v cirkevnej hudbe, sa však líši od ľudovej hudobnej praxe.

svetská hudba

Spolu s kultovou hudbou sa rozvíjala svetská hudba, ktorá znela v ľudovom živote, na dvoroch franských kráľov, na hradoch feudálov. Nositeľmi ľudových hudobných tradícií stredoveku boli najmä potulní hudobníci – žongléri, ktorí boli medzi ľuďmi veľmi obľúbení. Spievali moralizujúce, humorné, satirické piesne, tancovali za sprievodu rôznych nástrojov, vrátane tamburíny, bubna, flauty, brnkacieho nástroja typu lutna (to prispelo k rozvoju inštrumentálnej hudby). Žongléri vystupovali na sviatkoch na dedinách, na feudálnych dvoroch a dokonca aj v kláštoroch (zúčastňovali sa niektorých obradov, divadelných sprievodov venovaných cirkevným sviatkom, tzv. koleda). Boli prenasledovaní cirkvou ako predstavitelia sekulárnej kultúry, ktorá jej bola nepriateľská. V 12.-13.st. medzi žonglérmi došlo k sociálnej stratifikácii. Niektorí z nich sa usadili v rytierskych hradoch, upadli do úplnej závislosti od feudálneho rytiera, iní sa zdržiavali v mestách. A tak sa z žonglérov, ktorí stratili slobodu tvorivosti, stali usadení miništranti na rytierskych hradoch a mestskí hudobníci. Tento proces však zároveň prispel k prenikaniu ľudového umenia na hrady a mestá, ktoré sa stáva základom rytierskeho a meštianskeho hudobného a básnického umenia.

V období neskorého stredoveku sa v súvislosti so všeobecným vzostupom francúzskej kultúry začalo intenzívne rozvíjať hudobné umenie. Na feudálnych hradoch na základe ľudovej hudby prekvitalo svetské hudobné a poetické umenie trubadúrov a trúvrov (11.-14. storočie). Medzi trubadúrmi boli známi Markabrun, Guillaume IX - vojvoda z Akvitánie, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (koniec 11.-12. storočia), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (koniec 12.-13. storočia). V 2. poschodí. 12. stor. v severných oblastiach krajiny vznikol podobný trend - umenie truvérov, ktoré bolo najskôr rytierske, a potom sa čoraz viac zbližovalo s ľudovým umením. Medzi trouveurmi sa spolu s kráľmi následne preslávila aristokracia - Richard Levie srdce, Thibault of Champagne (kráľ Navarry), predstavitelia demokratických vrstiev spoločnosti - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony a ďalší.

V súvislosti s rastom takých miest ako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atď. sa v 12. – 13. storočí rozvíjalo mestské hudobné umenie, ktorého tvorcami boli básnici-speváci z mestských panstiev (remeselníci, obyčajní občania a , navyše buržoázny) . Do umenia trubadúrov a truvérov vniesli vlastné charakteristiky, vzdialili sa od jeho vznešene rytierskych hudobných a poetických obrazov, osvojili si ľudové a každodenné témy, vytvorili charakteristický štýl, vlastné žánre. Najvýznamnejším majstrom mestskej hudobnej kultúry 13. storočia bol básnik a skladateľ Adam de la Halle, autor piesní, motet a okrem toho aj populárna hra „Hra Robina a Marion“ (okolo 1283). , nasýtený mestskými piesňami, tancami (už samotná myšlienka vytvorenia svetského divadelného predstavenia preniknutého hudbou bola neobvyklá). Tradičné jednohlasné hudobné a básnické žánre trubadúrov interpretoval novým spôsobom, využívajúc polyfóniu.

škola notre dame

Viac: Škola Notre Dame

Posilnenie hospodárskeho a kultúrneho významu miest, vytvorenie univerzít (vrátane parížskej univerzity na začiatku 13. storočia), kde hudba bola jedným z povinných predmetov (súčasť quadrivia), prispelo k posilneniu úlohy hudby ako umenia. Paríž sa v 12. storočí stal jedným z centier hudobnej kultúry a predovšetkým jeho Spevácka škola katedrály Notre Dame, ktorá spájala najväčších majstrov – spevákov-skladateľov, vedcov. S touto školou sa spája rozkvet v 12. – 13. storočí. kultová polyfónia, vznik nových hudobných žánrov, objavy v oblasti hudobnej teórie.

V dielach skladateľov školy Notre Dame prešiel gregoriánsky chorál zmenami: predtým rytmicky voľný, flexibilný chorál nadobudol väčšiu pravidelnosť a plynulosť (odtiaľ názov takého chorálu cantus planus). Komplikácie polyfónnej tkaniny a jej rytmickej štruktúry si vyžiadali presné označenie trvania a zdokonalenie notového zápisu – v dôsledku toho predstavitelia parížskej školy postupne nahrádzali náuku o režimoch menzurálnou notáciou. V tomto smere výrazne prispel muzikológ John de Garlandia.

Polyfónia priviedla k životu nové žánre cirkevnej a svetskej hudby vrátane dirigovania a moteta. Dirigovanie sa pôvodne predvádzalo najmä počas slávnostných bohoslužieb, no zároveň sa neskôr stalo čisto svetským žánrom. Medzi autormi správania je Perotin.

Na základe dirigenta z konca 12. stor. vo Francúzsku vznikol najvýznamnejší žáner viachlasnej hudby, moteto. Jej rané príklady patria aj majstrom parížskej školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnom, Pierre de la Croix). Moteto umožnilo slobodu kombinovať liturgické a svetské melódie a texty, čo je kombinácia, ktorá viedla k zrodu v 13. storočí. žartovné moteto. Žáner motet sa v podmienkach réžie dočkal výraznej aktualizácie v 14. storočí ars nova, ktorej ideológom bol Philippe de Vitry.

V umení ars nova sa veľký význam pripisoval interakcii „každodennej“ a „vedeckej“ hudby (teda piesne a moteta). Philippe de Vitry vytvoril nový typ moteta - izorytmické moteto. Inovácie Philippa de Vitry ovplyvnili aj učenie o konsonancii a disonancii (oznámil konsonancie tercie a sexty).

Myšlienky ars nova a najmä izorytmické moteto pokračovali vo svojom rozvoji v diele Guillauma de Machaux, ktorý spájal umelecké výdobytky rytierskeho hudobného a poetického umenia s jeho jednohlasnými piesňami a viachlasnou mestskou hudobnou kultúrou. Vlastní piesne s ľudovým skladom (laiky), virele, rondo, najskôr rozvinul aj žáner viachlasných balád. V motete Machaux používal hudobné nástroje dôslednejšie ako jeho predchodcovia (pravdepodobne predtým boli nižšie hlasy inštrumentálne). Macheud je považovaný aj za autora prvej francúzskej viachlasnej omše (1364).

renesancie

Prečítajte si viac: Francúzska renesancia

V 15. storočí počas storočnej vojny vedúce postavenie v hudobnej kultúre Francúzska v 15. storočí. obsadili predstavitelia francúzsko-flámskej (holandskej) školy. Dve storočia pôsobili vo Francúzsku najvýznamnejší skladatelia holandskej polyfonickej školy: v strede. 15. stor. - J. Benchois, G. Dufay, na 2. poschodí. 15. stor. - J. Okegem, J. Obrecht, v kon. 15 - prosiť. 16. storočia - Josquin Despres, na 2. poschodí. 16. storočia - Orlando di Lasso.

Koncom 15. stor vo Francúzsku je etablovaná kultúra renesancie. Rozvoj francúzskej kultúry ovplyvnili také faktory ako vznik buržoázie (15. storočie), boj za zjednotenie Francúzska (ktorý bol zavŕšený koncom 15. storočia), vytvorenie centralizovaného štátu. Nemalý význam mal aj neustály rozvoj ľudového umenia a činnosť skladateľov francúzsko-flámskej školy.

Úloha hudby v spoločenskom živote rastie. Francúzski králi na svojich dvoroch vytvárali veľké kaplnky, organizovali hudobné festivaly, kráľovský dvor sa stal centrom profesionálneho umenia. Posilnila sa úloha dvornej kaplnky. V roku 1581 Henrich III schválil miesto „hlavného intendanta hudby“ na dvore, prvý na tomto poste bol taliansky huslista Baltazarini de Belgioso. Spolu s kráľovským dvorom a kostolom boli významnými centrami hudobného umenia aj šľachtické salóny.

Rozkvet renesancie, spojený s formovaním francúzskej národnej kultúry, spadá do polovice 16. storočia. V tejto dobe sa svetská polyfónna pieseň - šansón - stala vynikajúcim žánrom profesionálneho umenia. Jej polyfónny štýl dostáva novú interpretáciu, v súlade s myšlienkami francúzskych humanistov - Rabelaisa, Clementa Marota, Pierra de Ronsarda. Za popredného autora šansónov tejto doby je považovaný Clement Janequin, ktorý napísal viac ako 200 viachlasných piesní. Šansóny sa preslávili nielen vo Francúzsku, ale aj v zahraničí, najmä vďaka notovým zápisom a upevňovaniu väzieb medzi európskymi krajinami.

V období renesancie vzrástla úloha inštrumentálnej hudby. Viola, lutna, gitara, husle (ako ľudový nástroj) boli široko používané v hudobnom živote. Inštrumentálne žánre prenikli do každodennej hudby aj do profesionálnej, čiastočne cirkevnej hudby. Medzi dominantné v 16. storočí patrili lutnové tanečné skladby. polyfónne diela rytmickou plasticitou, homofónnou kompozíciou, priehľadnosťou textúry. Charakteristické bolo spojenie dvoch alebo viacerých tancov podľa princípu rytmického kontrastu do svojráznych cyklov, ktoré sa stali základom budúcej tanečnej suity. Samostatnejší význam nadobudla aj organová hudba. Vznik organovej školy vo Francúzsku (koniec 16. storočia) je spojený s pôsobením organistu J. Titluza.

V roku 1570 Jean-Antoine de Baif založil Akadémiu poézie a hudby. Členovia tejto akadémie sa snažili oživiť starodávnu poeticko-hudobnú metriku a obhajovali princíp nerozlučného spojenia hudby a poézie.

Významná vrstva v hudobnej kultúre Francúzska v 16. storočí. bola hudba hugenotov. Hugenotské piesne využívali melódie populárnych domácich a ľudových piesní a prispôsobovali ich prekladovým francúzskym liturgickým textom. O niečo neskôr z náboženského boja vo Francúzsku vznikli hugenotské žalmy s ich charakteristickým prenesením melódie do vyššieho hlasu a odmietnutím polyfónnych zložitostí. Najväčšími hugenotskými skladateľmi, ktorí zložili žalmy, boli Claude Goudimel, Claude Lejeune.

Vzdelávanie

Prečítajte si viac: Vek osvietenia

17 storočie

Silný vplyv na francúzsku hudbu 17. storočia mala racionalistická estetika klasicizmu, ktorá kládla požiadavky vkusu, rovnováhy krásy a pravdy, jasnosti zámeru, kompozičnej harmónie. Klasicizmus, ktorý sa rozvíjal súčasne s barokovým štýlom, dostal vo Francúzsku v 17. storočí. úplný výraz.

V tejto dobe svetská hudba vo Francúzsku prevláda nad duchovnou. Vznikom absolútnej monarchie nadobudlo veľký význam dvorské umenie, ktoré určilo smer vývoja najdôležitejších žánrov francúzskej hudby tej doby – opery a baletu. Roky vlády Ľudovíta XIV. sa niesli v znamení mimoriadnej nádhery dvorného života, túžby šľachty po luxuse a sofistikovaných zábavách. V tomto ohľade bola veľká úloha pridelená dvornému baletu. V 17. storočí Talianske trendy na dvore zosilneli, k čomu prispel najmä kardinál Mazarin. Zoznámenie sa s talianskou operou bolo podnetom k vytvoreniu vlastnej národnej opery, prvá skúsenosť v tejto oblasti patrí Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumf lásky, 1654).

V roku 1671 bola v Paríži otvorená budova opery s názvom Kráľovská hudobná akadémia. Šéfom tohto divadla bol J. B. Lully, ktorý je dnes považovaný za zakladateľa národnej opernej školy. Lully vytvoril množstvo komédií a baletov, ktoré sa stali predchodcom žánru lyrickej tragédie a neskôr opery a baletu. Lullyho prínos do inštrumentálnej hudby je významný. Vytvoril typ francúzskej opernej predohry (termín sa ustálil v druhej polovici 17. storočia vo Francúzsku). Početné tance z jeho diel veľkých foriem (menuet, gavota, sarabande atď.) ovplyvnili ďalšie formovanie orchestrálnej suity.

Koncom 17. - 1. polovice 18. storočia písali pre divadlo takí skladatelia ako N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche. S Lullyho nástupcami sa umocňuje konvenčnosť dvorného divadelného štýlu. V ich lyrických tragédiách vystupujú do popredia dekoratívno-baletné, pastiersko-idylické stránky a dramatický začiatok sa čoraz viac oslabuje. Lyrická tragédia ustupuje opere-baletu.

V 17. storočí sa vo Francúzsku vyvinuli rôzne inštrumentálne školy - lutna (D. Gauthier, ktorý ovplyvnil čembalový štýl J. A. Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), čembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (M. Vo Francúzsku zaviedol do operného orchestra kontrabas namiesto kontrabasovej violy). Najväčší význam nadobudla francúzska čembalová škola. Raný čembalový štýl sa vyvinul pod priamym vplyvom lutnového umenia. V dielach Chambonnière sa prejavil spôsob melodickej ornamentiky, charakteristický pre francúzskych čembalistov. Množstvo dekorácií dodávalo dielam pre čembalo istú prepracovanosť, ako aj väčšiu ucelenosť, „melodickosť“, „dĺžku“ a trhavý zvuk tohto nástroja. V inštrumentálnej hudbe sa hojne využívala hudba používaná od 16. storočia. spojenie párových tancov (pavane, galliard a pod.), ktoré viedlo v 17. storočí k vytvoreniu inštrumentálnej suity.

18. storočie

V 18. storočí s rastúcim vplyvom meštianstva sa formovali nové formy hudobného a spoločenského života. Postupne koncerty presahujú palácové sály a šľachtické salóny. V roku 1725 A. Philidor (Danikan) organizoval v Paríži pravidelné verejné „Duchovné koncerty“ a v roku 1770 Francois Gossec založil spoločnosť „Amatérske koncerty“. Večery akademickej spoločnosti Friends of Apollo (založenej v roku 1741) mali uzavretejší charakter a Royal Academy of Music usporadúvala každoročné koncertné cykly.

V 20-30 rokoch 18. stor. čembalová suita dosahuje svoj vrchol. Medzi francúzskymi čembalistami má vedúcu úlohu F. Couperin, autor voľných cyklov založených na princípoch podobnosti a kontrastu skladieb. Spolu s Couperinom prispeli k rozvoju programovo charakteristickej čembalovej suity aj J. F. Dandre a najmä J. F. Rameau.

V roku 1733 úspešná premiéra Rameauovej opery Hippolyte et Arisia zabezpečila tomuto skladateľovi popredné miesto v dvornej opere Kráľovská hudobná akadémia. V diele Rameaua dosiahol žáner lyrickej tragédie svoj vrchol. Jeho vokálno-deklamačný štýl bol obohatený o melodicko-harmonický prejav. Jeho dvojdielne predohry sa vyznačujú veľkou pestrosťou, no zároveň sú v jeho tvorbe zastúpené aj trojdielne predohry blízke talianskej opere „sinfonia“. V množstve opier Rameau predvídal mnohé neskoršie úspechy na poli hudobnej drámy, čím otvoril cestu opernej reforme K. V. Glucka. Rameau vlastní vedecký systém, ktorého množstvo ustanovení slúžilo ako základ modernej doktríny harmónie („Pojednanie o harmónii“, 1722; „Origin of Harmony“, 1750 atď.).

V polovici 18. storočia už hrdinsko-mytologické opery Lullyho, Rameaua a iných autorov nespĺňali estetické nároky meštianskeho publika. Vo svojej obľúbenosti sú podradené ostro satirickým jarmočným predstaveniam známym od konca 17. storočia. Tieto predstavenia sú zamerané na zosmiešňovanie morálky „vyšších“ vrstiev spoločnosti a parodujú aj dvornú operu. Prvými autormi takýchto komických opier boli dramatici A. R. Lesage a C. S. Favara. V hĺbke jarmočného divadla dozrel nový francúzsky operný žáner - operný komik. Jej postavenie upevnil príchod talianskeho operného súboru v roku 1752 do Paríža, ktorý uviedol množstvo nadšených opier, vrátane Pergolesiho Sluha-pani, a spor o operné umenie, ktorý sa rozhorel medzi prívržencami (buržoázno-demokratické kruhy) a odporcovia (predstavitelia aristokracie) talianskeho operného nadšenca, - tzv. "Vojna bifľošov".

V napätej atmosfére Paríža nadobudol tento spor mimoriadnu naliehavosť a vyvolal obrovský pobúrenie verejnosti. Aktívne sa na ňom podieľali postavy francúzskeho osvietenstva, ktoré podporovali demokratické umenie „buffonistov“ a Rousseauov pastoračný „Dedinský kúzelník“ (1752) vytvoril základ prvej francúzskej komickej opery. Nimi hlásané heslo „imitácia prírody“ malo veľký vplyv na formovanie francúzskeho operného štýlu 18. storočia. Diela encyklopedistov obsahujú aj cenné estetické a hudobno-teoretické zovšeobecnenia.

Porevolučná doba

Jedna z prvých publikácií „La Marseillaise“, štátnej hymny Francúzska, 1792

Veľká francúzska revolúcia priniesla obrovské zmeny do všetkých oblastí hudobného umenia. Hudba sa stáva neoddeliteľnou súčasťou všetkých udalostí revolučnej doby, nadobúda spoločenské funkcie, čo prispelo k etablovaniu masových žánrov – piesne, hymny, pochody a iné. Divadlo prešlo aj vplyvom Francúzskej revolúcie – vznikli také žánre ako apoteóza, propagandistické predstavenie využívajúce veľké zborové omše. Počas rokov revolúcie sa „opera spásy“ mimoriadne rozvíjala, nastoľovala témy boja proti tyranii, odhaľovala duchovenstvo, oslavovala lojalitu a oddanosť. Veľký význam nadobudla dychová hudba a bola založená kapela Národnej gardy.

Radikálnymi zmenami prešiel aj systém hudobného vzdelávania. Metriky boli zrušené; ale v roku 1792 bola otvorená hudobná škola Národnej gardy na výcvik vojenských hudobníkov a v roku 1793 Národný hudobný inštitút (od roku 1795 parížske konzervatórium).

Obdobie napoleonskej diktatúry (1799-1814) a reštaurovanie (1814-15, 1815-30) neprinieslo francúzskej hudbe jasné úspechy. Do konca obdobia reštaurovania nastáva oživenie v oblasti kultúry. V boji proti akademickému umeniu napoleonskej ríše sa formovala francúzska romantická opera, ktorá v 20. a 30. rokoch zaujímala dominantné postavenie (F. Aubert). V tých istých rokoch sa vytvoril žáner veľkej opery na historické, vlastenecké a hrdinské témy. Francúzsky hudobný romantizmus našiel svoje najživšie vyjadrenie v diele G. Berlioza, tvorcu programového romantického symfonizmu. Berlioz je spolu s Wagnerom považovaný aj za zakladateľa novej dirigentskej školy.

Počas rokov Druhého cisárstva (1852-70) bola hudobná kultúra Francúzska charakterizovaná vášňou pre kaviarenské koncerty, divadelné revue a umenie šansoniéra. Počas týchto rokov vznikli početné divadlá ľahkých žánrov, kde sa hrali vaudeville a frašky. Rozvíja sa francúzska opereta, medzi jej tvorcov patrí J. Offenbach, F. Herve. Od 70. rokov 19. storočia v podmienkach tretej republiky stráca opereta satiru, paródiu, aktuálnosť, prevládajú historické, každodenné a lyricko-romantické zápletky, do popredia sa dostáva lyrika.

Opera a balet v druhej polovici 19. storočia. dochádza k nárastu realistických tendencií. V opere sa táto tendencia prejavila v túžbe po každodenných zápletkách, po zobrazení obyčajných ľudí s ich intímnymi zážitkami. Najznámejším tvorcom lyrickej opery je Ch.Gounod, autor takých opier ako Faust (1859, 2. vydanie 1869), Mireil a Rómeo a Júlia. K žánru lyrickej opery sa priklonili aj J. Massenet a J. Bizet, v jeho opere Carmen sa zreteľnejšie prejavuje realistický princíp.

Maurice Ravel, 1912

Koncom 80. - 90. rokov 19. storočia vznikol vo Francúzsku nový trend, ktorý sa rozšíril na začiatku 20. storočia - impresionizmus. Hudobný impresionizmus oživil určité národné tradície - túžbu po konkrétnosti, programovosti, sofistikovanosti štýlu, transparentnosti textúry. Impresionizmus našiel svoje najplnšie vyjadrenie v hudbe C. Debussyho, zasiahol tvorbu M. Ravela, P. Duka a i. Impresionizmus zaviedol inovácie aj v oblasti hudobných žánrov. V Debussyho tvorbe ustupujú symfonické cykly symfonickým skečom; klavírnej hudbe dominujú programové miniatúry. Maurice Ravel bol ovplyvnený aj estetikou impresionizmu. V jeho tvorbe sa prelínali rôzne estetické a štýlové tendencie – romantické, impresionistické, v neskorších dielach neoklasické tendencie.

Spolu s impresionistickými tendenciami vo francúzskej hudbe na prelome 19. a 20. storočia. tradície Saint-Saens sa naďalej rozvíjali, rovnako ako Franck, ktorého tvorba sa vyznačuje kombináciou klasickej čistoty štýlu so živými romantickými obrazmi.

Skladatelia „francúzskej šestky“.

Po prvej svetovej vojne má francúzske umenie tendenciu odmietať nemecký vplyv, usiluje sa o novosť a zároveň o jednoduchosť. V tomto čase sa pod vplyvom skladateľa Erica Satieho a kritika Jeana Cocteaua vytvorilo kreatívne združenie s názvom „Francúzska šestka“, ktorého členovia sa stavali proti wagnerovstvu, ale aj impresionistickej „nejasnosti“. Skupina však podľa jej autora Francisa Poulenca „nemala iné ciele ako čisto priateľské a už vôbec nie ideologické združenie“ a od 20. rokov 20. storočia sa jej členovia (medzi najznámejších aj Arthur Honegger a Darius Milhaud) vyvinuté každý individuálnym spôsobom.

V roku 1935 vzniklo vo Francúzsku nové tvorivé združenie skladateľov – „Mladé Francúzsko“, do ktorého patrili okrem iného aj takí skladatelia ako O. Messiaen, A. Jolivet, ktorí podobne ako „Šestka“ položili oživenie národných tradícií. a humanistické myšlienky v popredí. Odmietajúc akademizmus a neoklasicizmus zamerali svoje úsilie na aktualizáciu hudobných výrazových prostriedkov. Najvplyvnejšie boli Messiaenove rešerše v oblasti modálnych a rytmických štruktúr, ktoré boli stelesnené tak v jeho hudobných dielach, ako aj v muzikologických pojednaniach.

Po druhej svetovej vojne sa vo francúzskej hudbe rozšírili avantgardné hudobné prúdy. Významným predstaviteľom francúzskej hudobnej avantgardy bol skladateľ a dirigent Pierre Boulez, ktorý rozvíjajúc princípy A. Weberna široko využíva také kompozičné metódy ako pointilizmus a serialita. Špeciálny „stochastický“ systém kompozície používa skladateľ gréckeho pôvodu J. Xenakis.

Francúzsko zohralo významnú úlohu vo vývoji elektronickej hudby – práve tu sa koncom 40. rokov objavila špecifická hudba, počítač s grafickým vkladaním informácií – UPI bol vyvinutý pod vedením Xenakisa a v 70. rokoch smerovanie spektrálnej hudby sa narodil vo Francúzsku. Od roku 1977 sa IRCAM, výskumný ústav založený Pierrom Boulezom, stal centrom experimentálnej hudby.