Destacados directores corales nacionales. Al gesto de la mano Breve biografía del director nacional

Ciclo de programas de conciertos(Rusia, 2010). 10 números.

No hay más figuras autoritarias en la modernidad. cultura musical que representantes de la élite mundial de directores. Los creadores del ciclo han elegido diez nombres significativos: Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, así como sus famosos colegas rusos. Hoy son maestros y directores de las orquestas más grandes reconocidos universalmente.

Cada programa se basa en la actuación de uno de los maestros nombrados con su orquesta.

Solistas: los violinistas Vadim Repin y Sergei Krylov, el oboísta Alexei Utkin, el pianista Denis Matsuev y otros.

El programa es el más diverso: desde I.S. Bach a A. Schoenberg y A. Pärt. Todas las obras se encuentran entre las obras maestras de la música mundial.

El presentador del ciclo es el pianista Denis Matsuev.

1er lanzamiento. .
Solista Vadim Repin.
Programa: I. Stravinsky. Sinfonía en tres movimientos; M. Bruch. Concierto para violín n.° 1 en sol menor; L. Beethoven. Sinfonía No. 7.

2do número. Vladimir Fedoseev y la Orquesta Sinfónica del Bolshoi. PI. Chaikovski.
Programa: L. Beethoven. Sinfonía No. 4.
Grabado en el Salón Dorado del Musikverein de Viena.

3ra edición. "Maris Jansons y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera".
Programa: R. Wagner. Introducción y "Muerte de Isolda" de la ópera "Tristán e Isolda"; R. Strauss. Suite de valses de la ópera "Der Rosenkavalier".

4to número. "Daniel Barenboim y la West-Eastern Divan Orchestra".
Programa: V. A. Mozart. Concierto núm. 7 en fa mayor para tres pianos y orquesta. Solistas - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variaciones para orquesta. G.Verdi. Obertura de la ópera "La fuerza del destino".

5to número. "Vladimir Spivakov y la Orquesta Filarmónica Nacional de Rusia.
Serguéi Prokófiev. Concierto nº 3 para piano y orquesta. Sinfonía No. 1 "Clásica". Solista Denis Matsuev. Grabado en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú en 2008.

6ª edición. "Lauryn Maazel y la Orquesta Sinfónica Arturo Toscanini"
Programa: Giacchino Rossini. Obertura de la ópera "Italiano en Argel"; johannes brahms. Sinfonía No. 2.
Grabado en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú.

7ma edición. Yuri Temirkanov y la Orquesta Sinfónica Académica de la Filarmónica de San Petersburgo. D.D. Shostakóvich.

8vo número. Yuri Bashmet y el Conjunto de Cámara de Solistas de Moscú.
En un programa: José Haydn- Concierto para violonchelo y orquesta. Solista Steven Isserlis (Gran Bretaña), Niccolo Paganini - 5 caprichos (arreglo de E. Denisov para violín y orquesta de cámara). el solista Sergey Krylov (Italia); VIRGINIA. Mozart - Divertimento No. 1.
Grabación en el BZK.

9ª edición. Mikhail Pletnev y la Orquesta Nacional Rusa
La Orquesta Nacional Rusa interpretará una suite del ballet de P.I. Tchaikovsky "El lago de los cisnes", compuesta por Mikhail Pletnev. Grabación en el Teatro Bolshoi de Rusia como parte del Gran Festival RNO, 2009.

10ª edición. Valery Gergiev y la Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky
La Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev interpreta éxitos orquestales: oberturas de óperas de Rossini, Verdi, Wagner, valses de los ballets de Tchaikovsky, fragmentos de Romeo y Julieta de Prokofiev.

La cultura musical no puede existir sin directores, la industria cinematográfica sin directores, la industria literaria y editorial sin editores, los proyectos de moda sin diseñadores. El líder de la orquesta asegura la interacción orgánica de todos los instrumentos durante la interpretación. El conductor está a cargo actor en el escenario de la Filarmónica, sala de conciertos o cualquier otra plataforma de música.

Virtuosos

La coherencia de la orquesta sinfónica, el sonido armonioso de numerosos instrumentos musicales se logra gracias a la habilidad del director. No es de extrañar que los más talentosos de ellos reciban varios títulos y títulos altos, y entre la gente se les llama "virtuosos". Y en efecto, la posesión impecable de la batuta del director le permite llevar a cada músico sentado en el foso de la orquesta, todos los matices de un impulso creativo. Una gran orquesta sinfónica de repente comienza a sonar como un todo, y composicion musical al mismo tiempo se revela en todo su esplendor.

Los directores famosos se unen sobre la base de la habilidad, todos fueron a la escuela. arte alto, no les llegó de inmediato la popularidad y el reconocimiento del gran público. La popularidad se gana con los años. En su mayor parte, los directores de renombre, además de las actividades de conciertos, se dedican a la enseñanza, imparten cursos de formación para jóvenes músicos y clases magistrales.

autosacrificio

El arte de dirigir una orquesta requiere muchos años de práctica, de mejora continua, lo que se traduce en ensayos interminables. Algunos directores de renombre destacan por su especial perseverancia creativa, rayana en el sacrificio, cuando la vida personal queda relegada a un segundo plano y sólo queda la música. Sin embargo, esta situación es buena para el art.

Los directores más famosos están obligados por contratos con ciertos grupos musicales y esto les permite lograr nivel alto ejecución de obras musicales. Al mismo tiempo, es necesaria la comprensión mutua, que posteriormente servirá como garantía de una actividad de concierto exitosa.

Directores de ópera notables

Hay nombres en la jerarquía musical mundial que todo el mundo conoce. Los nombres de directores de ópera famosos se pueden encontrar en carteles, vallas publicitarias, sus nombres se llaman cruceros. Esta popularidad es bien merecida, ya que pocas personas son todavía capaces de dedicar toda su vida, sin dejar rastro, a la música. Los directores más famosos viajan por todo el mundo, giran con varios grupos musicales o lideran orquestas en los principales centros de música. Las representaciones de ópera requieren una coherencia especial de la orquesta, acompañada de partes vocales, arias y cavatina. En todas las agencias de música puede encontrar los nombres de directores de ópera famosos que pueden ser invitados para una temporada o una serie de funciones. Los empresarios experimentados conocen el estilo de trabajo y los rasgos de carácter de cada uno. Esto les ayuda a tomar la decisión correcta.

Famosos directores de Rusia

La música, especialmente la ópera, tiene muchos componentes. Aquí está la orquesta, que incluye una variedad de instrumentos: viento, cuerda, arco, percusión. Solistas, intérpretes de partes vocales, coro y otros participantes en la actuación. Fragmentos dispares de una representación de ópera son unidos en un todo por el director de la representación y el director de la orquesta. Además, este último participa activamente en la acción de principio a fin. Hay directores en Rusia que, con su música, dirigen la ópera por el único camino verdadero que lleva al espectador al verdadero arte.

Famosos directores de Rusia (lista):

• Alexandrov Alexander Vasilievich.
• Bashmet Yuri Abramovich.
• Bezrodnaya Svetlana Borisovna.
• Bogoslovsky Nikita Vladimirovich.
• Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
• Vasilenko Serguéi Nikiforovich.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Diaghilev Sergei Alexandrovich.
• Evtushenko Alexei Mijailovich
• Ermakova Ludmila Vladimirovna
• Kabalevsky Dmitry Borisovich.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Pavel Leonidovich.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Evgeny Alexandrovich.
• Svetlanov Evgeny Fyodorovich.
• Spivakov Vladímir Teodorovich

Todos los directores rusos conocidos pueden dirigir con éxito cualquier orquesta sinfónica extranjera, para esto bastan algunos ensayos. La profesionalidad de los músicos ayuda a superar tanto la barrera del idioma como la diferencia de estilos.

celebridades del mundo

Los directores famosos del mundo son músicos talentosos reconocido por el público en general.

pavel kogan

El director de orquesta ruso más famoso que lleva más de cuarenta años regalando al mundo su arte. Su popularidad no tiene precedentes. El nombre del maestro figura en la lista de los diez mejores directores contemporáneos. El músico nació en la familia de violinistas famosos, Leonid Kogan y Elizaveta Gilels. Desde 1989, ha sido el director artístico permanente, así como el Director Titular de la MGASO (Orquesta Sinfónica del Estado de Moscú). Al mismo tiempo representa a Rusia en los principales centros musicales de América.

Pavel Kogan actúa en todo el mundo con las mejores orquestas sinfónicas, su arte se considera insuperable. El maestro es laureado con el Premio Estatal de Rusia, tiene el título de "Artista del Pueblo de Rusia". Pavel Kogan también tiene muchos premios, incluida la Orden del Mérito de la Patria y la Orden de las Artes.

Herbert de Karajan

El mundialmente famoso director de orquesta de origen austriaco Herbert von Karajan (1908-1989) nació en una familia de inmigrantes griegos. A la edad de ocho años, ingresó al Conservatorio Mozarteum de Salzburgo, donde estudió durante 10 años y recibió habilidades básicas de dirección. Al mismo tiempo, el joven Karajan estaba aprendiendo a tocar el piano.

El debut tuvo lugar en 1929 en el Teatro del Festival de Salburg. Herbert dirigió la ópera Salomé de Richard Strauss. En el período de 1929 a 1934 fue jefe de capilla en el teatro de la ciudad alemana de Ulm. Luego, Karajan permaneció mucho tiempo en el puesto de dirección de la orquesta. Filarmónica de Viena. Luego actuó con la ópera "Noche de Walpurgis" de Charles Gounod.

El mejor momento para el director llegó en 1938, cuando la ópera de Richard Wagner "Tristán e Isolda" interpretada por él fue un gran éxito, después de lo cual Herbert fue llamado "Milagro Karajan".

Leonard Bernstein

El director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein (1918-1990), nacido de padres inmigrantes judíos. Educación musical comenzó para Leonard cuando era niño, aprendió a tocar el piano. Sin embargo, el niño se involucró gradualmente en la dirección, y en 1939 hizo su debut: el joven Bernstein interpretó la composición. composición propia por debajo titulado El aves.

Gracias a su alta profesionalidad, Leonard Bernstein ganó rápidamente popularidad y, ya desde muy joven, dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. ser comprensivo persona creativa, el conductor se dedicaba a la literatura. Escribió una docena de libros sobre música.

valery gergiev

El famoso director de orquesta Valery Abisalovich Gergiev nació el 2 de mayo de 1953 en Moscú. A la edad de diecinueve años ingresó en el Conservatorio de Leningrado. Participó como estudiante en Competicion internacional directores en Berlín, donde obtuvo el segundo lugar.

Después de graduarse del conservatorio en 1977, el joven director fue aceptado como asistente en el Teatro Kirov. Yuri Temirkanov se convirtió en su mentor, y ya en 1978 Valery Gergiev subió al podio e interpretó la ópera Guerra y paz de Prokofiev. En 1988, reemplazó a Yuri Temirkanov después de que se fue a la Filarmónica de Leningrado.

El año 1992 estuvo marcado por el regreso al Teatro Kirov de su nombre histórico "Ópera Mariinskii"La audiencia del teatro de San Petersburgo, para llegar a las representaciones de ópera, se registra con anticipación, con meses de anticipación. Hoy, Valery Gergiev es el director de orquesta principal del teatro y su director artístico.

Yevgeny Svetlanov

El famoso director de orquesta, ruso y mundial, Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002) dejó una huella notable en el patrimonio cultural de Rusia. Tiene los títulos de "Héroe del Trabajo Socialista" y "Artista del Pueblo de la URSS". Es laureado de los premios Lenin y Estatal de la URSS.

La carrera creativa de Svetlanov comenzó inmediatamente después de graduarse del Instituto Gnessin en 1951. Continuó sus estudios en el Conservatorio de Moscú en la clase de dirección y composición de ópera y sinfonía.

El debut tuvo lugar en 1954 en el escenario del Teatro Bolshoi en una producción de la ópera de Rimsky-Korsakov La doncella de Pskov. De 1963 a 1965 fue director titular del Teatro Bolshoi. Durante su trabajo, el nivel de las representaciones de ópera aumentó notablemente.

En 1965-2000 trabajo combinado como director artístico y director titular de la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS (luego Rusia).

Vladímir Spivakov

El director de orquesta ruso Spivakov Vladimir Teodorovich nació en 1944 en la ciudad de Ufa. En 1968 se graduó en el Conservatorio de Moscú, en 1970 completó sus estudios de posgrado.

Maestría Vladimir Spivakov estudió en el Conservatorio Gorky con el profesor Israel Gusman. Posteriormente realizó un curso especial en USA, con Leonard Bernstein y Lorin Maazel.

Actualmente, es el líder permanente y director de orquesta de la orquesta sinfónica de cámara Virtuosi de Moscú, que él personalmente organizó en 1979. Ha actuado con orquestas europeas y grupos musicales estadounidenses. Realizado en el Teatro La Scala, la Academia Cecilia, la Filarmónica de la ciudad alemana de Colonia y la Radio Francesa. Es el presidente de la Casa Internacional de la Música en Moscú.

Yuri Bashmet

El director de orquesta ruso Bashmet Yuri Abramovich nació el 24 de enero de 1953 en Rostov-on-Don. Artista del Pueblo de la URSS. Laureado de cuatro Premios Estatales de la Federación Rusa.

En 1976 se graduó en el Conservatorio de Moscú. En 1972, siendo aún estudiante, adquiere un violín-viola maestro italiano Paolo Testore, realizado en 1758. En este herramienta única Bashmet todavía juega hoy.

Comenzó la actividad concertística activa en 1976, y dos años más tarde recibió un puesto de profesor en el Conservatorio de Moscú. En 1996, Yuri Bashmet creó el "Departamento Experimental de Viola", donde se lleva a cabo el estudio de las partes de viola en música sinfónica, de ópera y de cámara. Luego recibió el título de profesor en el Conservatorio de Moscú. Actualmente se dedica a actividades benéficas y sociales activas.

G. Lomakin(1811-1885). La fama de un maestro de canto talentoso llegó temprano a Lomakin y se extendió rápidamente por todo el mundo. capital del norte. Fue invitado a enseñar en muchas instituciones educativas: cuerpo de cadetes, naval y de página, en un liceo, escuela de teatro, en la Facultad de Derecho (donde estudió P.I. Tchaikovsky en ese momento). En esta escuela conoció a G.Ya. Lomakin con el crítico de arte V.V. Stasov. El destacado crítico ruso ha destacado repetidamente la "excelente escuela", "el camino correcto de aprendizaje", "talento innato", "importancia y habilidad para dirigir el coro" de Lomakin, que jugaron un papel importante en la carrera de nuestro compatriota. En 1862, junto con compositor famoso MAMÁ. Balakirev Lomakin organizó un libre escuela de Musica- iluminar y educar a la gente. En la escuela G.Ya. Lomakin no solo creó un maravilloso coro nuevo, sino que también logró organizar la educación de los futuros profesores de música. Muchos de sus alumnos se convirtieron músicos famosos: cantantes, directores de coro, profesores. Gavriil Yakimovich dedicó los últimos años de su vida al trabajo de composición: antes de eso, solo podía componer música a trompicones, durante las cortas horas de descanso entre clases con coros. Durante ese período, creó una serie de composiciones para el coro, escribió varios romances. Y en 1883, cuando M.A. Balakirev, Lomakin también recibió una rara oportunidad de publicar sus obras. Les entregó para su revisión y edición de hojas de prueba. últimos días propia vida.

A. Arkhangelsky (1846-1924)

Capilla de la corte.

Coro Independiente (1880).

Capilla del conde Sheremetyev.

CV. Smolenski (1848-1909)

Director de la Escuela sinodal (1889-1901).

Director del coro de la corte (1901-1903).

Director de cursos privados de regencia (San Petersburgo)

VS Orlov (1856-1907).

Coro de la Sociedad Coral Rusa (1878-1886).

Capilla de la Sociedad Coral Rusa (1882-1888).

Regente del Coro Sinodal (1886-1907).

Alexander Dmítrievich Kastalsky (1856-1926).

Coro sinodal (regente desde 1901).

Pavel Grigorievich Chesnokov (1877-1944).

Coro espiritual privado A.P. Kayutova.

Coro de la Sociedad Coral Rusa (1916-1917).

Regente de las iglesias de Moscú.

Nikolai Mijailovich Danilin (1856-1945).

Coro sinodal (1910-1918).

Coro privado Kayutov (1915-1917).

Capilla Académica de Leningrado.

Coro Estatal de la URSS.

Sveshnikov Alejandro Vasilievich(1890-1980), director de coro, artista nacional URSS (1956), Héroe del Trabajo Socialista (1970). En 1936-37 director artístico Coro Estatal la URSS, organizada sobre la base del All-Union Radio Vocal Ensemble que creó en 1928; en 1937-1941 - Leningrado. capillas; desde 1941 - el Coro Estatal Ruso de la Canción (más tarde el Coro Estatal Académico Ruso de la URSS). Organizador (1944) y director de la Moscú. escuela coral (desde 1991 Academia de Arte Coral lleva el nombre de S.). Profesor (desde 1946), rector (1948-74) Moscú. conservatorio. Premio Estatal de la URSS (1946).

YURLOV Alejandro Alexandrovich (1927-73), director coral, Artista del Pueblo de la RSFSR (1970), Azerbaiyán. RSS (1972). Alumno A.V. Sveshnikov. Desde 1958, director artístico y director titular de la Rep. ruso capilla del coro (desde 1973 lleva su nombre). Catedrático de Ped. Musical. instituto. Gnesins (desde 1970). Premio Estatal de la URSS (1967).

Tevlín Boris Grigoryevich director de coro, profesor (1981), jefe del departamento de dirección coral en el Conservatorio P. I. Tchaikovsky de Moscú (1993-2007). Artista del Pueblo de la Federación Rusa (1995).

Kazachkov Semyon Abramovich (1909-2005) - maestro, profesor, jefe del departamento de dirección coral en el Conservatorio Estatal de Kazan.

Minin Vladimir Nikolayevich (n. 1929), director de coro, Artista del Pueblo de la URSS (1988). Estudiante VG Sokolova, A.V. Sveshnikov. Desde 1972 manos. fundada por él Moscú. coro de cámara, desde 1987 (al mismo tiempo) director artístico del Estado. ruso coro. Desde 1978 profesor (en 1971-79 rector) Musical-ped. instituto. Gnesins. Premio Estatal de la URSS (1982).

Dmitriak Gennady Alexandrovich - director coral y de ópera y sinfónica, Trabajador de Arte de Honor de Rusia, director artístico y director de orquesta Coro Académico Estatal de Rusia llamado así por A.A. Yurlov y Capella "Moscow Kremlin", Profesor Asociado del Departamento de Dirección Coral academia rusa música para ellos. Gnesinikh.

Requisitos para un director de coro

Excelente dominio de la técnica de dirección;

Ser capaz de colocar correctamente a los integrantes del coro por partes de acuerdo con su Voz cantante y rango;

Navegue fácilmente toda la variedad de obras musicales de diferentes estilos, épocas, direcciones, conozca los fundamentos teóricos de la grabación y la lectura. partituras corales;

tener delgado oído para la música, sentido del ritmo y gusto artístico desarrollado.

géneros musica coral

VILLANELLA(canción de pueblo italiano) - Canción italiana de los siglos XV-XVI, principalmente a 3 voces, con par al. movimiento de voces, carácter vivaz, contenido lírico o humorístico.

CANON(Norma griega, regla) - polifónico. musical. basado en formularios. en un estricto continuo, imitación, bajo el cual. las voces repiten la melodía de la voz principal, entrando antes de que termine con la anterior. El canon se distingue por el número de voces, los intervalos entre ellas (Canon en prima, quinta, octava, etc.), el número de temas imitados simultáneamente (canon simple; doble, por ejemplo, en el nº 4 del Réquiem de Mozart, etc.), la forma de imitación (Canon en aumento, disminución). En el llamado canon infinito, el final de la melodía pasa a su principio, por lo que las voces pueden volver a entrar cualquier número de veces. En el canon con un "indicador variable" (Vl. Protopopov), durante la imitación, el patrón melódico y el ritmo se conservan, pero el intervalo cambia. La imitación canónica, de una forma u otra, se usa a menudo en el coro. op.; hay obras escritas en forma de K. ("Echo" de O. Lasso, "Song of the Lark" de F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov "I Walk with a Loafer", etc.).

KANT(del lat, cantus - canto, canción) - una especie de antigua canción coral o de conjunto a cap. Se originó en el siglo XVI. en Polonia, más tarde, en Ucrania, a partir del segundo sexo. Siglo XVII: en Rusia, se generalizó como un tipo temprano de canción urbana; Al Principio Siglo 18: un género favorito de la música casera y cotidiana. Al principio, el canto es un himno-canción de contenido religioso, luego se imbuye de temas profanos; aparecen bordes. líricos, pastoriles, bebedores, cómicos, de marcha, etc. En época de Pedro el Grande, los cantes panegíricos, los llamados. Viva; interpretada por coros de cantores durante las festividades y procesiones triunfales, acompañada de cañonazos, fanfarrias y repique de campanas. Rasgos estilísticos de Kant: forma de copla, subordinación ritmo musical poético; claridad rítmica y suavidad de la melodía; principalmente un almacén de 3 voces con un movimiento paralelo de las 2 voces superiores, el bajo a menudo se desarrolla melódicamente; también hay imitación. En el cante hay una correlación natural de melodía y armonía, equilibrio de funciones armónicas - subdominantes, dominantes, tónicas. B. Asafiev señala que “en la evolución de la música en la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX. Kant se convierte en una especie de enciclopedia concisa de estilo homofónico triunfante" (" forma musical como proceso”, L., 1963, p. 288). Kants se distribuyeron en colecciones manuscritas, sin indicar los autores del texto y la música, aunque a menudo se usaban poemas de los poetas modernos Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov y otros. nar. canciones Poco a poco, el borde se hizo más complicado, adquiriendo las características de un romance. Más tarde (en el siglo XIX), se crearon canciones de soldados, bebedores, estudiantiles y en parte revolucionarias sobre la base del canto. La influencia de Kant también se encuentra en el ruso. música clásica, de Glinka ("Gloria" de la ópera "Ivan Susanin"), etc.

CANTATA(Italiano cantare - cantar) - una obra para cantantes solistas, coro y orquesta, de carácter solemne o lírico-épico. Las cantatas pueden ser corales (sin solistas), de cámara (sin coro), con o sin acompañamiento de piano, en un solo movimiento o constar de varios números completos. Del oratorio (similar a él en cuanto a los medios de expresión), la cantata suele diferenciarse por su menor tamaño, uniformidad de contenido y trama menos desarrollada. La cantata se originó en Italia (siglo XVII), primero como pieza para cantar (a diferencia de la sonata). Esto significa que la cantata ocupa su lugar en la obra de J. S. Bach, quien escribió cantatas sobre temas espirituales, mitológicos y cotidianos. En Rusia, la cantata se manifestó en el siglo XVIII y alcanzó su desarrollo en los siglos XIX y XX: cantata teatral solista (“El mantón negro” de Verstovsky), saludo, aniversario, cantatas líricas, lírico-filosóficas (“Canciones de despedida de los Alumnos de los Institutos Catalina y Smolny” de Glinka; “Moscú”, “A la Alegría” de Tchaikovsky; “La Svitezyanka” de Rimsky-Korsakov; “Juan de Damasco”, “Después de leer el Salmo” de Taneyev; “Primavera ", "Las campanas" de Rachmaninov; "Cantata para la inauguración del monumento a Glinka" de Balakirev, etc. d.).

El género de la cantata se ha desarrollado en la creatividad. compositores soviéticos, especialmente en escritos sobre la historia, patriótico y tema moderno("Alexander Nevsky" de Prokofiev, Sinfonía-cantata "En el campo de Kulikovo" de Shaporin, "Cantata sobre la patria" de Arutyunyan, etc.). El compositor alemán moderno K. Orff escribió cantatas escénicas (Carmina Burana y otros).

MADRIGAL(Italiano) -canción lírica en idioma nativo. (a diferencia de los cantos en lat, lang.), originalmente monofónico. A principios del Renacimiento (siglo XIV) se interpretaba a 2-3 voces. A finales del Renacimiento (siglo XVI), ocupó el centro, un lugar en musica secular, que representa una composición vocal de una o varias partes de un almacén polifónico para 4-5 voces; se distribuyó fuera de Italia. El género madrigal es predominantemente lírico, estrechamente relacionado con el texto poético (hasta la ilustración de palabras sueltas). Formado en círculos aristocráticos, el madrigal melódico (a diferencia de la frotolla, la villanella, la chanson, etc.) se aleja de la música folclórica, muchas veces demasiado sofisticada; al mismo tiempo, también tuvo un significado progresivo, ampliando la gama de imágenes y medios expresivos. Más simple, asociado con el folclore, el emocional madrigal inglés de los siglos XVI-XVII. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Hacia el siglo XVII el madrigal se aparta del estilo polifónico vocal, enfatizando la voz solista con acompañamiento instrumental. Maestros destacados del madrigal (en diferentes etapas de su desarrollo) fueron Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTETE(del francés mot - palabra) - un género vocal. polifónico. música. Inicialmente, en Francia (siglos XII-XIV), varios se combinaron en un motete. (la mayoría de las veces 3) melodías independientes con diferentes textos: en la voz más baja (tenor) - iglesia. canto en texto latino, en el medio (motete) y superior (triplum) - canciones de amor o cómicas en francés coloquial. Iglesia Católica luchó contra tales "motetes vulgares" al contrastarlos (desde el siglo XV) con cantos polifónicos a un solo texto latino. Se escribían madrigales para el coro a cap. (de finales del siglo XVI y con acompañamiento), constaba de varias (2, 3 o más) secciones, en una polifonía, a menudo en un almacén cordal. En el siglo 17 hubo motetes para cantantes solistas con acompañamiento instrumental.

CORO DE ÓPERA- uno de los principales componentes de la interpretación de la ópera moderna. En relación con la época, el género, la individualidad del compositor, el coro en la ópera juega un papel diferente al de crear un fondo doméstico, un elemento decorativo, un participante en el prólogo, los interludios hasta el cap. persona actuante. En la opera seria (“ópera seria”, siglos XVII-XVIII), el coro estaba casi ausente, en la opera buffa (“ ópera cómica”, siglo XVIII) aparecían esporádicamente (por ejemplo, en las finales). Se ha reforzado el papel del coro como portador de la imagen del pueblo en las óperas de Gluck y Cherubini, aunque a menudo lo es. las escenas en ellos tienen un carácter oratorio-estático. Mayor trascendencia dramática tuvo el coro en las óperas de Europa occidental del primer tercio del siglo XIX, de Rossini (Guillermo Tell), Verdi (Nabucco, Batalla de Legnano), con sus imágenes gente heroica; en la ópera de Meyerbeer, la participación del coro enfatiza los clímax dramáticos.En la ópera lírica del siglo XIX. el coro contribuye a la creación de una atmósfera apropiada, color nacional, estado de ánimo (op. Bizet, Verdi, Gounod); en la ópera popular-doméstica, los coros son de género, cerca de la canción popular, la danza (op. Monyushko, Smetana). Rus. el arte coral secular estuvo representado por primera vez por los coros de ópera (siglo XVIII, op. Fomin, Pashkevich y otros); y en adelante los coros ocupen gran lugar en ruso óperas, siendo “la piedra angular del dogma y la afirmación de la nacionalidad y la democracia” (B. Asafiev). Ópera y creatividad coral Rus. compositores es excepcionalmente diversa.

En las óperas histórico-patrióticas (Iván Susanin de Glinka, El príncipe Igor de Borodin, La doncella de Pskov de Rimsky-Korsakov, etc.), el coro se convierte en el protagonista, junto con los personajes. Especialmente ( gran importancia adquirió el coro en los dramas musicales populares de Mussorgsky ("Boris Godunov", "Khovanshchina"), donde la imagen de la gente se presenta de muchas maneras, en desarrollo. En las óperas cotidianas rusas de Verstovsky ("La tumba de Askold"), Dargomyzhsky ("Sirena"), Serov ("Fuerza enemiga"), Tchaikovsky ("Cherevichki", "La hechicera"), etc., existe una estrecha conexión con la gente. canción. identidad nacional reflejado en las escenas corales de óperas relacionadas con temas orientales ("Ruslan y Lyudmila" de Glinka, "Demon" de Rubinstein, "Prince Igor" de Borodin, etc.). Los medios corales se utilizan en la representación de tramas fabulosas y fantásticas (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). El coro también se usa en el plan oratorio, generalmente en el prólogo, epílogo (óperas de Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin, etc., en la interpretación de himnos, etc. ("La doncella de Orleans" de Tchaikovsky, "Khovanshchina ” por Mussorgsky, etc.). Tradiciones participación activa del coro en ruso ópera clásica encontrar continuación en la creatividad musical soviética: las óperas de los compositores soviéticos rusos "Guerra y paz", "Semyon Kotko" de Prokofiev, "Los decembristas" de Shaporin, "Katerina Izmailova" de Shostakovich, "Emelyan Pugachev" de Koval, " Don tranquilo” y “Virgin Soil Upturned” de Dzerzhinsky, “October” de Muradeli, “Virineya” de Slonimsky y otros, muchas óperas nacionales contienen coros separados y escenas corales desarrolladas. Operístico coro tiene sus propios detalles de rendimiento: es, en primer lugar, gran brillo, convexidad de matices (similar al diseño decorativo), énfasis en el texto, su capacidad para "volar a través de la orquesta" en sala. Dado que el coro de ópera está a menudo en movimiento, es necesaria una especial confianza e independencia de cada uno de sus miembros. Para desarrollar estas cualidades, en algunos grupos, los cantantes aprenden la sincronización al estudiar sus partes. La presencia de puestas en escena, en las que el coro no ve al director, hace necesaria la llamada. transmisiones (ritmo del director) realizadas entre bastidores por directores de coro; al mismo tiempo, con el fin de lograr la sincronización de la interpretación, se hace una cierta derivación a los "puntos" del director (más o menos, dependiendo de la profundidad del coro).

ORATORIO(de lat, wow - digo, rezo) - una pieza musical importante para el coro, solistas, orcos; borrador de conjuntos vocales, arias, recitativos, números orquestales completos., el oratorio se originó en Italia, a finales de los siglos XVI-XVII, casi simultáneamente con la cantata y la ópera y tiene una estructura cercana a ellas. Se diferencia de la cantata en su mayor tamaño, trama detallada, carácter épico-dramático, y de la ópera en el predominio del elemento narrativo sobre el desarrollo dramático. El oratorio se desarrolló a partir de laudes dramatizados (himnos laudatorios espirituales) interpretados en salas especiales de la iglesia: oratorios. tipo especial oratorio - Pasión; en cuanto a estructura y tipo, el oratorio también incluye la misa, el réquiem, el Stabat Mater y otros El género del oratorio alcanza su apogeo en las obras de Bach y especialmente de Handel, quien creó el tipo de oratorio heroico-épico; Los oratorios de Haydn están marcados por rasgos género-domésticos y lírico-filosóficos. En el siglo 19 pinchar. El género del oratorio fue creado por Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi, entre otros; en el siglo XX. - Honegger, Britten y otros El primero significa el oratorio ruso "Minin y Pozharsky" de Degtyarev; A. Rubinstein creó varios oratorios ("Babylonian pandemonium", "Paradise Lost", etc.). En las óperas de los clásicos rusos, las técnicas de estilo oratorio se utilizan ampliamente en forma de grandes escenas corales (Ivan Susanin, Ruslan y Lyudmila de Glinka, Judith de Serov, Prince Igor de Borodin, Sadko de Rimsky-Korsakov, etc.). El género del oratorio es ampliamente utilizado por los compositores soviéticos cuando incorporan temas históricos y contemporáneos ("Emelyan Pugachev" de Koval, "La leyenda de la batalla por la tierra rusa" de Shaporin, "Canción de los bosques" de Shostakovich, "En guardia por la paz” de Prokofiev, “Requiem” de Kabalevsky, “ Caoba "Zarina y otros).

CANCIÓN- la forma más simple y común de música vocal, que combina una imagen poética con una musical. La característica de la canción es la presencia de una melodía completa, independiente y melodiosa, la simplicidad de la estructura (generalmente un período o una forma de 2 o 3 partes). La música de la canción se corresponde con el contenido general del texto, sin detallarlo (por ejemplo, en una copla muy común). Hay canciones populares y profesionales (producidas por compositores) que difieren en género, origen, estructura, etc. El género de la canción coral es común: canción popular (campesina y urbana), canción de masas soviética, etc. coros de compositores rusos y soviéticos. En la música de Europa occidental, el canto coral fue cultivado por compositores románticos (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). A figuradamente el término canción. o una canción (para enfatizar la sublimidad épica, solemne y poética de una obra) se utilizan en el título de las principales obras musicales, cantatas (por ejemplo, Song of Fate, Song of Triumph de Brahms).

CORAL- canto religioso en las iglesias católica y protestante. El coral polifónico protestante (introducido en el siglo XVI por los líderes de la Reforma) fue interpretado por toda la comunidad en Alemán(a diferencia del canto gregoriano al unísono, que se cantaba en latín coristas masculinos especiales). Las melodías de la coral se distinguen por un ritmo sedentario. Se suele llamar almacén coral (o simplemente coral). presentación de acordes por duraciones uniformes en movimiento lento.

La era soviética fue generosa con los talentos. La historia de la cultura mundial incluyó los nombres de brillantes pianistas soviéticos, violinistas, violonchelistas, cantantes y, por supuesto, directores. En este momento, se formó una idea moderna sobre el papel del director: líder, organizador, maestro.

que eran líderes musicales era sovietica?

Cinco retratos de la galería de destacados directores.

NIKOLAY GOLOVANOV (1891-1953)

Ya a la edad de seis años, durante una caminata, Nikolai intentó dirigir una orquesta militar. En 1900, el joven melómano fue admitido en la Escuela sinodal. Aquí se revelaron sus habilidades vocales, de dirección y de composición.

Habiéndose convertido ya en un maestro maduro, Golovanov con gran amor escribe sobre los años de estudio: "La Escuela sinodal me dio todo: principios morales, principios de vida, la capacidad de trabajar duro y sistemáticamente, inculcó la disciplina sagrada".

Después de varios años de trabajo como regente, Nikolai ingresó a la clase de composición del Conservatorio de Moscú. En 1914 se graduó de ella con una pequeña medalla de oro. A lo largo de su vida, Nikolai Semenovich escribió cánticos espirituales. Continuó trabajando en este género incluso cuando la religión era proclamada "el opio del pueblo".

Fragmento de la interpretación de la obertura de Tchaikovsky "1812"

En 1915 Golovanov fue admitido en el Teatro Bolshoi. Todo comenzó con un puesto modesto como asistente de director de coro, y en 1948 se convirtió en director titular. Las relaciones con el famoso teatro no siempre fueron fluidas: Nikolai Golovanov tuvo que soportar muchos insultos y decepciones. Pero no fueron ellos los que quedaron en la historia, sino las brillantes interpretaciones de la ópera rusa y clásicos sinfónicos, estrenos brillantes de obras de compositores contemporáneos y las primeras transmisiones de radio de música clásica en la URSS con su participación.

El director Gennady Rozhdestvensky recuerda al maestro así: “No podía soportar el medio. Medio indiferente. Y en matices, y en fraseo, y en relación con el caso.

Aunque Golovanov no tuvo estudiantes-directores, sus interpretaciones de los clásicos rusos se convirtieron en modelos para los jóvenes músicos. Alexander Gauk estaba destinado a convertirse en el fundador de la escuela de dirección soviética.

ALEXANDER GAUK (1893–1963)

Alexander Gauk estudió en el Conservatorio de Petrogrado. Estudió composición en la clase de Alexander Glazunov, dirigiendo - en la clase de Nikolai Tcherepnin.

En 1917, comenzó el período musical y teatral de su vida: trabajó en el Teatro de Drama Musical de Petrogrado y luego en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado.

En la década de 1930, la música sinfónica estaba en el centro de los intereses de Gauk. Durante varios años dirigió la orquesta sinfónica de la Filarmónica de Leningrado, y en 1936 dirigió la recién creada Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS. No echaba de menos el teatro, solo lamentó no haber tenido la oportunidad de poner en escena su favorito" reina de Espadas» Chaikovski.

A. Honegger
Pacífico 231

En 1953, Gauk se convirtió en el director titular de la Orquesta Sinfónica Bolshoi de la Radio y Televisión Estatal de la URSS. Este trabajo fue muy intenso e interesante. La orquesta tocaba programas, como dicen, en vivo. En 1961, el maestro se retiró "cortésmente".

La alegría para Gauk fue actividad pedagógica. Evgeny Mravinsky, Alexander Melik-Pashaev, Evgeny Svetlanov, Nikolai Rabinovich: todos fueron estudiantes del maestro.

Evgeny Mravinsky, que ya es un maestro de renombre, le escribirá a su maestro en una carta de felicitación: "Eres nuestro único director que lleva las tradiciones de una gran cultura real".

EUGENIO MRAVINSKY (1903-1988)

Toda la vida de Mravinsky estuvo relacionada con Petersburgo-Leningrado. Nació en una familia noble, pero en años difíciles también tuvo que lidiar con asuntos "no nobles". Por ejemplo, trabaja como extra en el Teatro Mariinsky. La personalidad del director del teatro, Emil Cooper, jugó un papel importante en su destino: "Fue él quien introdujo en mí ese" grano de veneno ", que por el resto de mi vida me conectó con el arte de la dirección. ."

Por el bien de la música, Mravinsky dejó la universidad y entró en el Conservatorio de Petrogrado. Al principio, el estudiante se dedicaba diligentemente a la composición y luego se interesó en la dirección. En 1929, llegó a la clase de Gauk y rápidamente dominó los conceptos básicos de este negocio complejo (u "oscuro", como solía decir Rimsky-Korsakov). Después de graduarse del conservatorio, Mravinsky se convirtió en director asistente en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado.

En 1937 tuvo lugar el primer encuentro del director con la música de Dmitri Shostakovich. A Mravinsky se le encomendó el estreno de su Quinta Sinfonía.

Al principio, Shostakovich incluso estaba asustado por el método de trabajo del director: “Sobre cada medida, sobre cada pensamiento, Mravinsky me hizo un interrogatorio real, exigiendo de mí una respuesta a todas las dudas que surgieron en él. Pero ya en el quinto día de nuestro trabajo conjunto, me di cuenta de que este método es definitivamente el correcto”.

Tras este estreno, la música de Shostakovich se convertirá en una constante compañera en la vida del maestro.

En 1938, Mravinsky ganó el Primer Concurso de Dirección de Toda la Unión e inmediatamente fue nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Leningrado. Muchos de los artistas de la orquesta eran mucho mayores que el director, por lo que no dudaron en darle "instrucciones valiosas". Pero pasará muy poco tiempo, se establecerá un ambiente de trabajo en los ensayos, y este equipo se convertirá en un orgullo. Cultura nacional.

Ensayo de la Orquesta Filarmónica de Leningrado

No muy a menudo en la historia de la música hay ejemplos en los que un director ha estado trabajando con un grupo durante varias décadas. Yevgeny Mravinsky dirigió la Orquesta Filarmónica durante medio siglo, su colega más joven Yevgeny Svetlanov dirigió la Orquesta Estatal durante 35 años.

Dmitri Shostakovich, Sinfonía n.º 8

EVGENY SVETLANOV (1928–2002)

Para Svetlanov, el Teatro Bolshoi era nativo en un sentido especial de la palabra. Sus padres son solistas de la compañía de ópera. El futuro maestro debutó en el célebre escenario a una tierna edad: tocó hijo pequeño Cio-Cio-san en Madama Butterfly de Puccini.

Casi inmediatamente después de graduarse del conservatorio, Svetlanov llega al Teatro Bolshoi y domina todos los clásicos teatrales. En 1963 se convirtió en director titular del teatro. Junto a él, la compañía se va de gira a Milán, a La Scala. Svetlanov lleva a Boris Godunov, Prince Igor, Sadko al juicio del público exigente.

En 1965, dirigió la Orquesta Sinfónica del Estado de la URSS (la misma que alguna vez dirigió su maestro Alexander Gauk). Junto con este equipo, que se convirtió en académico en 1972, Svetlanov implementó un proyecto a gran escala: "Antología de Rusia". musica sinfonica en gramófono". El significado de este trabajo fue definido con mucha precisión por el director musical de Radio France, René Goering, quien trabajó mucho con el director: “Esta es una verdadera hazaña de Svetlanov, otro testimonio de su grandeza”.

M. Balakirev, sinfonía No. 2, final

Trabajando con GASO, el director no se olvida del Teatro Bolshoi. En 1988, la producción de The Golden Cockerel (dirigida por Georgy Ansimov) se convirtió en una verdadera sensación. Svetlanov invitó al cantante "no de ópera" Alexander Gradsky a la parte súper compleja del Astrólogo, lo que agregó aún más originalidad a la actuación.

Concierto "Éxitos del siglo saliente"

Entre los logros más importantes de Evgeny Svetlanov está la introducción una amplia gama oyentes de la música del destacado compositor Nikolai Myaskovsky, que muy rara vez fue interpretada por orquestas soviéticas.

El regreso al escenario de conciertos de composiciones poco conocidas se ha convertido en una de las tareas clave para el maestro Gennady Rozhdestvensky.

GENNADY Rozhdestvensky (nacido en 1931)

Los directores que tocan instrumentos o componen música no son raros. Pero los directores que pueden hablar de música son raros. Gennady Rozhdestvensky es una persona realmente única: puede contar y escribir sobre obras musicales diferentes eras.

Rozhdestvensky estudió dirección con su padre, el famoso director Nikolai Anosov. Mamá, la cantante Natalya Rozhdestvenskaya, hizo mucho para desarrollar el gusto artístico de su hijo. Aún sin graduarse del conservatorio, Gennady Rozhdestvensky fue admitido en el Teatro Bolshoi. Su debut fue La bella durmiente de Tchaikovsky. En 1961, Rozhdestvensky dirigió la Orquesta Sinfónica del Bolshoi. Televisión Central y radiodifusión. En este momento, surgieron las preferencias de repertorio del director.

Dominó la música del siglo XX con gran interés y también presentó al público composiciones "sin éxito". El musicólogo, Doctor en Artes Viktor Zukkerman admitió en una carta a Rozhdestvensky: "Hace mucho tiempo que quería expresar un profundo respeto e incluso admiración por su actividad desinteresada, tal vez incluso desinteresada, en la interpretación de obras inmerecidamente olvidadas o poco conocidas".

Un acercamiento creativo al repertorio determinó el trabajo del maestro con otras orquestas, conocidas y no tan conocidas, jóvenes y "adultas".

Todos los aspirantes a directores sueñan con estudiar con el profesor Rozhdestvensky: durante 15 años ha sido el jefe del Departamento de Dirección de Ópera y Sinfónica en el Conservatorio de Moscú.

El profesor sabe la respuesta a la pregunta “¿Quién es un director de orquesta?”: “Este es un medio entre el autor y el oyente. O, si se quiere, algún tipo de filtro que pase el flujo emitido por la partitura a través de sí mismo y luego intente transmitirlo a la audiencia.

La película "Triángulos de la vida"
(con fragmentos de las actuaciones del director), en tres partes

Itay Talgam

director de orquesta famoso de Israel y consultor que ayuda a líderes de negocios, educación, gobierno, medicina y otros campos a convertirse en los "conductores" de sus equipos y lograr la armonía a través de la colaboración.

Itay Talgam argumenta que las habilidades de liderazgo son universales y que los estilos de comunicación de un director de orquesta son en muchos aspectos similares a la relación de un jefe con los empleados de una empresa. Pero no existe un principio universal para organizar tales relaciones. El autor comparte sus observaciones sobre los métodos de dirección de orquesta que observaron los grandes directores y los divide en seis categorías condicionales.

1. Dominación y control: Ricardo Mutti

El director italiano Ricardo Mutti es atento a los detalles y muy meticuloso en el manejo de la orquesta tanto en los ensayos como en las interpretaciones. Todos los matices del juego se concentran en sus gestos: avisa a los músicos del cambio de tono mucho antes de que tengan que reconstruir. Mutti controla cada paso de sus subordinados, nadie ni nada queda sin su atención.

El control total se debe a que el propio director siente la presión de la alta dirección: la junta directiva o el espíritu siempre presente del gran compositor. Tal líder siempre está sujeto a la condena del superyó despiadado.

El líder dominante es infeliz. Sus subordinados lo respetan, pero no les agrada. Esto fue especialmente claramente demostrado por el ejemplo de Mutti. Entre él y la alta dirección del teatro de ópera milanés "La Scala" hubo un conflicto. El conductor planteó sus demandas a las autoridades, de no ser atendidas, amenazó con abandonar el teatro. Esperaba que la orquesta se pusiera de su lado, pero los músicos dijeron que habían perdido la confianza en el líder. Mutti tuvo que retirarse.

¿Crees que el atril de este director es un trono? Para mí, esta es una isla desierta donde reina la soledad.

ricardo mutti

A pesar de ello, Ricardo Mutti es considerado uno de los más grandes directores de orquesta del siglo XX. Itay Talgam dice que en los seminarios sobre gestión de personal, la mayoría de los estudiantes dijeron que no querrían un líder así. Pero a la pregunta: “¿Es efectivo su liderazgo? ¿Puede obligar a los subordinados a hacer su trabajo?" Casi todos respondieron afirmativamente.

El líder dominante no cree en la capacidad de los empleados para organizarse. Él asume toda la responsabilidad por el resultado, pero requiere una obediencia incondicional.

cuando funciona

Esta táctica se justifica ante la presencia de problemas de disciplina en el equipo. El autor da un ejemplo de la biografía de Mutti y habla de su experiencia con la Orquesta Filarmónica de Israel. Este es un equipo maravilloso, pero el estilo de su trabajo se formó en la unión de las culturas europea, mediterránea y del Medio Oriente. La diversidad de tradiciones ha llevado a una falta de disciplina formal dentro de la orquesta.

En ese momento, cuando la baqueta de Mutti se congelaba en el aire a la espera de las primeras notas, uno de los músicos decidió mover su silla. Hubo un crujido. El director se detuvo y dijo: "Señores, no veo las palabras "crujido de silla" en mi partitura". A partir de ese momento, solo sonó música en el salón.

cuando no funciona

En todos los demás casos, y especialmente cuando se trate del trabajo de los empleados. El estilo de gestión de Mutti excluye la presencia de errores y, de hecho, a menudo conducen a nuevos descubrimientos.

2 Padrino: Arturo Toscanini

El director estrella Arturo Toscanini mostró su máxima participación en la vida de la orquesta en los ensayos y en el escenario. No fue tímido en sus expresiones y regañó a los músicos por sus errores. Toscanini se hizo famoso no solo por su talento como director, sino también por su temperamento profesional.

Toscanini se tomó muy en serio cada fracaso de sus subordinados, porque el error de uno es el error de todos, especialmente del director. Era exigente con los demás, pero no más que consigo mismo: llegaba a los ensayos con antelación y no pedía privilegios. Cada músico entendió que el director estaba sinceramente preocupado por el resultado y no se ofendió por los insultos por una interpretación incorrecta.

Toscanini exigió plena dedicación de los músicos y esperaba una actuación impecable. Creía en su talento y se recogía en los conciertos. Era evidente lo orgulloso que estaba de su "familia" después de una exitosa actuación.

Un motivador importante de los empleados de dicho equipo es el deseo de trabajar bien "para el padre". Tales líderes son amados y respetados.

cuando funciona

En los casos en que el equipo esté dispuesto a aceptar los tres principios básicos de la cultura familiar: estabilidad, empatía y apoyo mutuo. También es importante que el gerente tenga autoridad, sea competente en su campo, tenga logros profesionales. Tal líder debe ser tratado como un padre, por lo que debe ser más inteligente y más experimentado que sus subordinados.

A menudo se recurre a este principio de gestión cuando el equipo atraviesa momentos difíciles. Durante el período de fortalecimiento de los sindicatos, las grandes empresas introducen lemas de la categoría "¡Somos una familia!" La gerencia busca mejorar las condiciones de trabajo, brinda a los empleados la oportunidad de recibir educación adicional, realiza eventos corporativos y proporciona a los subordinados un paquete social. Todo esto tiene como objetivo motivar a los empleados a trabajar por el bien de las autoridades que se preocupan por ellos.

cuando no funciona

En algunos organizaciones modernas donde las relaciones entre las personas son a veces más importantes que la jerarquía formal. En tales grupos, no se implica una implicación emocional profunda.

Tal principio de gestión requiere no solo la autoridad y la competencia del líder, sino también la capacidad de los subordinados para justificar las expectativas puestas en ellos. Itay Talgam habla sobre su experiencia de estudiar con el director de orquesta Mendy Rodan. Exigió mucho del alumno y percibió cada uno de sus fracasos como una derrota personal. Esta presión, junto con jurar, oprimió al autor. Se dio cuenta de que tal maestro lo ayudaría a obtener un diploma, pero no sacaría a una persona creativa en él.

3. Según las instrucciones: Richard Strauss

El autor dice que muchos de los gerentes presentes en sus seminarios solo se divirtieron con el comportamiento de Strauss en el escenario. Los visitantes lo eligieron como un líder potencial solo sobre la base de que con un jefe así, realmente no puedes molestarte con el trabajo. Los párpados del director están bajos, él mismo mira distante y sólo de vez en cuando lanza miradas a una u otra sección de la orquesta.

Este director no pretende inspirar, solo frena a la orquesta. Pero si observa detenidamente, queda claro cuál es la base de dicho principio de gestión: seguir instrucciones. Strauss no se centra en los músicos, sino en las notas, aunque la orquesta interprete su obra. Con esto, muestra cuán importante es seguir estrictamente las reglas y realizar el trabajo con claridad, sin permitir interpretaciones propias.

Debe entenderse que la falta de interpretación y descubrimiento en la música no es nada mala. Este enfoque le permite exponer la estructura de la obra, reproducirla de la manera que el autor pretendía.

Tal líder confía en los subordinados, les exige que sigan las instrucciones y cree que podrán cumplirlas. Esta actitud halaga y motiva a los empleados, ganan confianza en sí mismos. La principal desventaja del enfoque es que nadie sabe qué sucederá si surge una situación que no está especificada en las instrucciones.

cuando funciona

Este principio de control funciona en diferentes casos. En ocasiones es el más cómodo para profesionales tranquilos y acostumbrados a trabajar al pie de la letra. A veces, simplemente es necesario proporcionar a los empleados instrucciones obligatorias, por ejemplo, cuando interactúan diferentes grupos de subordinados.

El autor da un ejemplo de su experiencia con la orquesta y la banda de rock Natasha's Friends. El problema surgió debido a que los músicos del grupo llegaron al final de la segunda hora de un ensayo de tres horas. Estaban seguros de que nada les impediría dedicar el resto del día a la música, sin pensar en que los ensayos de la orquesta estaban sujetos a horarios más estrictos.

cuando no funciona

El principio de la gestión basada en el seguimiento de instrucciones no funciona donde se debe fomentar la capacidad de crear y crear nuevas ideas. Al igual que la obediencia absoluta al líder, seguir las instrucciones implica la ausencia de errores que lleven a nuevos descubrimientos. También puede privar a los empleados de entusiasmo profesional.

El autor da un ejemplo de la biografía del director Leonard Bernstein. La Orquesta Filarmónica de Israel, bajo su dirección, ensayó el final de la sinfonía de Mahler. Cuando el director dio la señal para la entrada de los metales, hubo silencio en respuesta. Bernstein levantó la vista: algunos de los músicos se habían ido. El caso es que el final del ensayo estaba previsto para las 13:00 horas. El reloj marcaba las 13:04.

4. Gurú: Herbert von Karajan

El maestro Herbert von Karajan apenas abre los ojos en el escenario y no mira a los músicos. Solo espera que sus subordinados parezcan considerar mágicamente sus deseos. Esto fue precedido por un trabajo preliminar: el conductor explicó cuidadosamente los matices del juego en los ensayos.

El gurú no les dio un marco de tiempo a los músicos ni marcó el ritmo, solo escuchó con atención y transmitió a la orquesta la suavidad y profundidad del sonido. Los músicos eran perfectos el uno para el otro. Ellos mismos se convirtieron en directores interdependientes y mejoraron sus habilidades para tocar juntos una y otra vez.

Tal enfoque habla de la arrogancia del líder: actúa pasando por alto los postulados aceptados y siempre está seguro del éxito. Al mismo tiempo, los miembros del equipo dependen mucho más unos de otros que de las instrucciones del liderazgo. Están investidos del poder de influir directamente en los resultados del trabajo. Tienen una responsabilidad adicional, por lo que estar en un equipo así para algunos puede ser una prueba psicológicamente difícil. Este estilo de gestión es similar al dominio de Mutti en el sentido de que el líder tampoco está disponible para el diálogo e impone su visión de la organización a los subordinados.

cuando funciona

Cuando el trabajo del equipo está conectado con la creatividad de los empleados, por ejemplo, en el campo del arte. artista estadounidense Saul Levitt contrató a artistas jóvenes (varios miles en total), explicó los conceptos y dio algunas indicaciones. Después de eso, los subordinados fueron a crear sin el control de Levitt. Le interesaba el resultado, no la sumisión en el proceso. Líder sensato y sabio, entendió que la creatividad conjunta sólo enriquece el proyecto. Esto es lo que lo convirtió en el artista más expuesto del mundo: en toda su vida realizó más de 500 exposiciones individuales.

cuando no funciona

En cada equipo, la idoneidad de este principio de gestión depende de muchos factores individuales. Este enfoque a menudo conduce al fracaso, razón por la cual, por ejemplo, Cadbury & Schweppes creó un código gobierno corporativo Cadbury, que describe procedimientos diseñados para proteger a la empresa del ego excesivo del líder y transmitir información importante a todos los participantes en el proceso.

El autor también cuenta una historia instructiva de su propia experiencia. Quería comenzar su trabajo con la Orquesta Sinfónica de Tel Aviv con una innovación de alto perfil. Itai Talgam dividió la sección de cuerdas en cuartetos y colocó los instrumentos de viento entre ellos. Sugirió que de esta manera cada uno de los músicos pudiera sentirse como un solista. El experimento fracasó: los participantes no podían comunicarse, estaban lejos unos de otros, por lo que jugaron muy mal.

5 Danza líder: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber baila sobre el escenario: estirando los brazos, saltando, agachándose y balanceándose de un lado a otro. En otras ocasiones, dirige la orquesta solo con las yemas de los dedos y, a veces, simplemente se pone de pie y escucha a los músicos. En el escenario, el director comparte su alegría y la multiplica. Tiene una visión clara de la forma y dirige a los músicos, pero no lo hace como líder, sino como bailarín solista. Constantemente requiere que los subordinados participen en las interpretaciones y no carga sus instrucciones con detalles.

Tal líder no maneja personas, sino procesos. Brinda a los subordinados un margen para la innovación, los estimula a crear por su cuenta. Los empleados comparten el poder y la responsabilidad con el líder. En un equipo así, es fácil corregir un error e incluso transformarlo en algo nuevo. Los gerentes "bailadores" valoran a los empleados ambiciosos, prefiriéndolos a aquellos que pueden realizar su trabajo concienzudamente de acuerdo con las instrucciones.

cuando funciona

Un principio similar se aplica cuando un empleado común puede tener información más relevante que el jefe. Como ejemplo, el autor cita su experiencia de trabajo con agencias para combatir el terrorismo. Un agente en el campo debe ser capaz de tomar decisiones por sí mismo, violando en ocasiones órdenes directas del comando, porque tiene el conocimiento más completo y actualizado de la situación.

cuando no funciona

Cuando los empleados no están interesados ​​en el destino de la empresa. El autor también afirma que tal enfoque no puede imponerse artificialmente. Esto funcionará solo si puede regocijarse genuinamente por el éxito de los empleados y el resultado del trabajo.

6. En busca de sentido: Leonard Bernstein

El secreto de la interacción de Leonard Bernstein con la orquesta no se revela en el escenario, sino fuera de él. El conductor no quiso separar las emociones, experiencia de vida y aspiraciones de la música. Para cada uno de los músicos, Bernstein no solo era un líder, sino también un amigo. No invitó a un profesional, sino a una persona a trabajar: en sus orquestas, en primer lugar, los individuos tocan, escuchan y componen música, y solo luego los subordinados.

Bernstein puso ante los músicos pregunta principal: "¿Por qué?" Esto fue: no lo obligó a jugar, sino que hizo que la persona misma quisiera jugar. Todos tenían su propia respuesta a la pregunta de Bernstein, pero todos sentían igualmente su participación en la causa común.

cuando funciona

El diálogo de la dirección con los empleados y el dar sentido a sus actividades beneficiará a cualquier organización donde el trabajo de los miembros del equipo no se lleve a un conjunto de acciones similares. Una condición importante para esto es que los empleados deben respetar al líder y considerarlo competente.

cuando no funciona

Itay Talgam habla de una situación en la que trató de aplicar el método de Bernstein, pero solo encontró malentendidos por parte de sus subordinados. La razón fue que muchos de los músicos de la Orquesta Sinfónica de Tel Aviv eran mucho mayores y no lo conocían en absoluto. El primer ensayo no fue bien. "Algo anda mal", dijo Talgam a la orquesta. - No sé qué. Tempo, entonación, ¿algo más? ¿Qué piensas? ¿Qué se puede arreglar? Uno de los músicos mayores se puso de pie y dijo: “De donde venimos, el director no nos preguntó qué hacer. El sabia que hacer."

En el libro “El maestro ignorante”, Itay Talgam no solo habla de los principios de gestión de los grandes directores, sino que también revela tres cualidades importantes líder eficaz: desconocimiento, dar sentido a los vacíos y escucha motivacional. El autor habla no solo de cómo debe ser un líder, sino también del papel de los subordinados en las comunicaciones laborales. principio universal no hay control, cada líder eficaz lo genera por sí mismo. Y puedes aprender algo y adoptar algunas técnicas de los seis grandes directores sobre los que se escribe en este libro.