Directores de orquesta famosos del mundo. Presentación "Directores de orquesta rusos de nuestro tiempo"

Ciclo programas de conciertos (Rusia, 2010). 10 números.

No hay figuras más autorizadas en la vida moderna. cultura musical que los representantes de la elite conductora mundial. Los creadores de la serie eligieron diez nombres importantes: Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons y sus famosos colegas rusos. Hoy en día son maestros y directores de grandes orquestas universalmente reconocidos.

Cada programa se basa en la actuación de uno de los maestros nombrados con su orquesta.

Solistas: los violinistas Vadim Repin y Sergei Krylov, el oboísta Alexey Utkin, el pianista Denis Matsuev y otros.

El programa es muy diverso: desde I.S. Bach a A. Schoenberg y A. Pärt. Todas las obras se encuentran entre las obras maestras de la música mundial.

El presentador del ciclo es el pianista Denis Matsuev.

1er número. .
Solista Vadim Repin.
Programa: I. Stravinsky. Sinfonía en tres movimientos; Señor Bruch. Concierto para violín y orquesta n.° 1 en sol menor; L. Beethoven. Sinfonía nº 7.

2do número. Vladimir Fedoseev y la Orquesta Sinfónica Bolshoi. PI. Chaikovski.
En el programa: L. Beethoven. Sinfonía nº 4.
Grabación en la Sala Dorada del Musikverein de Viena.

3ra edición. "Maris Jansons y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera".
Programa: R. Wagner. Introducción y "Muerte de Isolda" de la ópera "Tristán e Isolda"; R. Strauss. Suite de valses de la ópera "Der Rosenkavalier".

4to número. "Daniel Barenboim y la Orquesta West-Eastern Divan".
En el programa: V.A. Mozart. Concierto nº 7 en fa mayor para tres pianos y orquesta. Solistas: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variaciones para orquesta. G. Verdi. Obertura a la ópera "La fuerza del destino".

5to número. "Vladimir Spivakov y el Partido Nacional orquesta Filarmónica Rusia.
Serguéi Prokófiev. Concierto nº 3 para piano y orquesta. Sinfonía nº 1 "Clásica". Solista Denis Matsuev. Grabación en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú en 2008.

Sexto número. "Lorin Maazel y la Orquesta Sinfónica Arturo Toscanini"
Programa: Giacchino Rossini. Obertura a la ópera "Italiana en Argel"; Juan Brahms. Sinfonía nº 2.
Grabación en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú.

Séptimo número. Yuri Temirkanov y la Orquesta Sinfónica Académica de la Filarmónica de San Petersburgo. D.D. Shostakóvich.

Octavo número. Yuri Bashmet y conjunto de cámara"Solistas de Moscú".
En un programa: Jose Haydn- Concierto para violonchelo y orquesta. Solista Stephen Isserlis (Gran Bretaña), Niccolo Paganini - 5 caprichos (arreglos de E. Denisov para violín y orquésta de cámara). El solista Sergei Krylov (Italia); VIRGINIA. Mozart - Divertimento nº 1.
Registro en BZK.

Noveno número. Mikhail Pletnev y la Orquesta Nacional Rusa
La Orquesta Nacional de Rusia interpretará una suite del ballet de P.I. Chaikovski" lago de los cisnes", compilado por Mikhail Pletnev. Grabación en el Teatro Bolshoi de Rusia como parte del Gran Festival RNO, 2009.

Décimo número. Valery Gergiev y la Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky
La Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev interpretará éxitos orquestales: oberturas de óperas de Rossini, Verdi, Wagner, valses de los ballets de Tchaikovsky, fragmentos del ballet Romeo y Julieta de Prokofiev.

Itai Talgam

Reconocido conductor y consultor israelí que ayuda a líderes de negocios, educación, gobierno, medicina y otros campos a convertirse en "directores" de sus equipos y lograr la armonía a través de la colaboración.

Itai Talgam sostiene que las habilidades de liderazgo son universales y que los estilos de comunicación de un director con una orquesta son similares en muchos aspectos a la relación entre un jefe y los empleados de una empresa. Pero no existe un principio universal para organizar tales relaciones. El autor comparte observaciones sobre los métodos de dirección de orquesta observados por los grandes directores y los divide en seis categorías convencionales.

1. Dominio y control: Riccardo Mutti

El director italiano Riccardo Mutti tiene ojo para los detalles y es muy meticuloso en el manejo de la orquesta tanto durante los ensayos como durante las actuaciones. Todos los matices del juego se concentran en sus gestos: avisa a los músicos del cambio de tono mucho antes de que tengan que reconstruir. Mutti controla cada paso de sus subordinados, nada ni nadie queda sin su atención.

El control total se debe a que el propio director siente la presión de la alta dirección: la junta directiva o el espíritu siempre presente del gran compositor. Un líder así siempre está sujeto a la condena del despiadado superyó.

El líder dominante está descontento. Sus subordinados lo respetan, pero no lo aman. Esto quedó especialmente demostrado en el ejemplo de Mutti. Entre él y la alta dirección del Milán teatro de la Ópera"La Scala" hubo un conflicto. El director expuso sus exigencias a sus superiores y, si no las cumplían, amenazó con abandonar el teatro. Esperaba que la orquesta se pusiera de su lado, pero los músicos declararon haber perdido la confianza en el director. Mutti tuvo que dimitir.

¿En su opinión, el estrado del director es un trono? Para mí, ésta es una isla desierta donde reina la soledad.

Ricardo Mutti

Pese a ello, Riccardo Mutti es considerado uno de los más grandes directores de orquesta del siglo XX. Itai Talgam dice que en los seminarios sobre gestión de personal, la mayoría de los estudiantes dijeron que no querrían un gerente así. Pero a la pregunta: “¿Es eficaz su liderazgo? ¿Puede obligar a sus subordinados a hacer su trabajo? - Casi todos respondieron afirmativamente.

Un líder dominante no cree en la capacidad de los empleados para autoorganizarse. Asume toda la responsabilidad por el resultado, pero exige obediencia incondicional.

cuando funciona

Esta táctica es válida si hay problemas de disciplina en el equipo. El autor da un ejemplo de la biografía de Mutti y habla de su experiencia trabajando con la Orquesta Filarmónica de Israel. Este es un equipo maravilloso, pero su estilo de trabajo se formó en la intersección de las culturas europea, mediterránea y de Medio Oriente. La diversidad de tradiciones provocó una falta de disciplina formal dentro de la orquesta.

En ese momento, cuando la batuta de Mutti se quedó congelada en el aire a la espera de las primeras notas, uno de los músicos decidió mover su silla. Hubo un crujido. El director se detuvo y dijo: "Caballeros, no veo las palabras 'crujido de una silla' en mi partitura". A partir de ese segundo solo hubo música en el salón.

cuando no funciona

En todos los demás casos, y especialmente cuando el trabajo de los empleados esté relacionado con el mismo. El estilo de gestión de Mutti elimina la posibilidad de cometer errores, que a menudo conducen a nuevos descubrimientos.

2. El Padrino: Arturo Toscanini

El director estrella Arturo Toscanini mostró la máxima participación en la vida de la orquesta en los ensayos y en el escenario. No se anduvo con rodeos y regañó a los músicos por sus errores. Toscanini se hizo famoso no sólo por su talento como director, sino también por su temperamento profesional.

Toscanini se tomaba en serio cada fracaso de sus subordinados, porque el error de uno es el error de todos, especialmente del director. Era exigente con los demás, pero no más que consigo mismo: acudía a los ensayos con antelación y no pedía privilegios. Cada músico entendió que el director estaba sinceramente preocupado por el resultado y no se ofendía por los insultos por tocar incorrectamente.

Toscanini exigió a los músicos una dedicación total y esperó una interpretación impecable. Creía en su talento y se concentraba en los conciertos. Estaba claro lo orgulloso que estaba de su “familia” después de una actuación exitosa.

Un motivador importante para los empleados de dicho equipo es el deseo de trabajar bien "para su padre". Estos líderes son amados y respetados.

cuando funciona

En los casos en que el equipo esté dispuesto a aceptar tres principios básicos cultura familiar: estabilidad, empatía y apoyo mutuo. También es importante que el gerente tenga autoridad, sea competente en su campo, tenga logros profesionales. Un líder así debe ser tratado como un padre, por lo que debe ser más inteligente y experimentado que sus subordinados.

A menudo se recurre a este principio de gestión cuando el equipo está experimentando tiempos difíciles. Durante el período de fortalecimiento de los sindicatos, las grandes empresas introducen lemas como “¡Somos una familia!” La dirección se esfuerza por mejorar las condiciones laborales, brinda a los empleados la oportunidad de recibir educación adicional, conduce eventos corporativos y proporciona a sus subordinados un paquete social. Todo esto tiene como objetivo motivar a los empleados a trabajar por el bien de los jefes que se preocupan por ellos.

cuando no funciona

En algunos organizaciones modernas, donde las relaciones entre las personas son a veces más importantes que la jerarquía formal. En tales grupos no se implica una profunda implicación emocional.

Este principio de gestión requiere no sólo la autoridad y competencia del líder, sino también la capacidad de los subordinados para cumplir con las expectativas puestas en ellos. Itay Talgam habla sobre su experiencia estudiando con el director Mendy Rodan. Exigía mucho al estudiante y percibía cada fracaso como una derrota personal. Esta presión, unida al abuso, deprimió al autor. Se dio cuenta de que un maestro así lo ayudaría a obtener un diploma, pero no desarrollaría en él una personalidad creativa.

3. Según instrucciones: Richard Strauss

El autor dice que muchos directivos presentes en sus seminarios sólo se divertían con el comportamiento de Strauss en el escenario. Los visitantes lo eligieron como líder potencial sólo porque con un jefe así no tendrían que preocuparse mucho por su trabajo. El director tiene los párpados bajos, él mismo parece distante y sólo de vez en cuando mira a una u otra sección de la orquesta.

Este director no pretende inspirar, sólo refrena a la orquesta. Pero si se mira más de cerca, queda claro cuál es la base de tal principio de gestión: seguir las instrucciones. Strauss no se centra en los músicos, sino en las notas, incluso si la orquesta toca su obra. Con esto muestra lo importante que es seguir estrictamente las reglas y realizar el trabajo con claridad, sin permitir las propias interpretaciones.

Vale la pena entender que la falta de interpretaciones y descubrimientos en la música no es algo malo. Este enfoque nos permite revelar la estructura de la obra y interpretarla como pretendía el autor.

Un líder así confía en sus subordinados, les exige que sigan instrucciones y cree que pueden cumplirlas. Esta actitud halaga y motiva a los empleados, que ganan confianza en sí mismos. La principal desventaja de este enfoque es que nadie sabe qué sucederá si surge una situación que no está especificada en las instrucciones.

cuando funciona

Un principio de gestión similar funciona en diferentes casos. A veces resulta lo más cómodo posible para los profesionales tranquilos que están acostumbrados a trabajar según la letra de la ley. A veces es simplemente necesario proporcionar a los empleados instrucciones obligatorias, por ejemplo, cuando interactúan. diferentes grupos subordinados.

El autor da un ejemplo de su experiencia trabajando con la orquesta y banda de rock Natasha’s Friends. El problema surgió porque los integrantes de la banda llegaron al final de la segunda hora de un ensayo de tres horas. Confiaban en que nada les impediría dedicar el resto del día a la música, sin pensar en que los ensayos de la orquesta están sujetos a horarios más estrictos.

cuando no funciona

El principio de gestión basado en seguir instrucciones no funciona cuando se debe fomentar la creatividad y la creación de nuevas ideas. Al igual que la obediencia absoluta al líder, seguir instrucciones implica la ausencia de errores, lo que lleva a nuevos descubrimientos. También puede privar a los empleados de su entusiasmo profesional.

El autor da un ejemplo de la biografía del director Leonard Bernstein. La Orquesta Filarmónica de Israel, bajo su dirección, ensayó el final de la sinfonía de Mahler. Cuando el conductor dio la señal para que entraran los metales, hubo un silencio en respuesta. Bernstein levantó la vista: algunos músicos se habían marchado. El caso es que el final del ensayo estaba previsto para las 13:00 horas. Eran las 13:04 en punto.

4. Gurú: Herbert von Karajan

El maestro Herbert von Karajan apenas abre los ojos en el escenario y no mira a los músicos. Sólo espera que sus subordinados consideren mágicamente sus deseos. Esto fue precedido por un trabajo preliminar: el director explicó cuidadosamente los matices del juego durante los ensayos.

El Gurú no especificó un marco de tiempo para los músicos ni estableció un ritmo; solo escuchó con atención y transmitió la suavidad y profundidad del sonido a la orquesta. Los músicos eran perfectos el uno para el otro. Ellos mismos se convirtieron en directores interdependientes y una y otra vez mejoraron sus habilidades para tocar juntos.

Este enfoque habla de la arrogancia del líder: actúa pasando por alto los postulados aceptados y siempre confía en el éxito. Al mismo tiempo, los miembros del equipo dependen mucho más unos de otros que de las instrucciones de la dirección. Tienen el poder de influir directamente en los resultados del trabajo. Se les confía una responsabilidad adicional, por lo que estar en un equipo así puede ser una prueba psicológicamente difícil para algunos. Este estilo de gestión es similar al dominio Mutti en el sentido de que el líder tampoco está disponible para el diálogo e impone su visión de la organización a sus subordinados.

cuando funciona

Cuando el trabajo de un equipo está relacionado con la creatividad de los empleados, por ejemplo en el campo del arte. artista americano Sol LeWitt contrató a artistas jóvenes (varios miles en total), les explicó los conceptos y les dio algunas orientaciones. Después de lo cual los subordinados partieron a crear sin el control de Levitt. Le interesaba el resultado, no la sumisión en el proceso. Líder sensato y sabio, comprendió que la creatividad conjunta sólo enriquece el proyecto. Esto es lo que lo convirtió en el artista más expuesto del mundo: a lo largo de su vida realizó más de 500 exposiciones individuales.

cuando no funciona

En cada equipo, la idoneidad de este principio de gestión depende de muchos factores individuales. Este enfoque a menudo conduce al fracaso, razón por la cual, por ejemplo, Cadbury & Schweppes creó un código gobierno corporativo Cadbury, que describe procedimientos diseñados para proteger a la empresa del excesivo ego directivo y transmitir información importante a todos los participantes en el proceso.

El autor también cuenta cuento con moraleja desde mi propia experiencia. Quería empezar su trabajo con la Orquesta Sinfónica de Tel Aviv con una gran innovación. Itai Talgam dividió la sección de cuerdas en cuartetos y colocó los vientos entre ellos. Sugirió que así cada uno de los músicos podría sentirse como un solista. El experimento fue un fracaso: los participantes no pudieron mantener la comunicación estando lejos unos de otros, por lo que su desempeño fue extremadamente pobre.

5. Líder de Danza: Carlos Klaiber

Carlos Kleiber baila en el escenario: extiende los brazos, salta, se inclina y se balancea de un lado a otro. En otras ocasiones, dirige la orquesta sólo con las yemas de los dedos, y en otras ocasiones simplemente se queda de pie y escucha a los músicos. En el escenario, el director comparte la alegría y la multiplica. Tiene una visión clara de la forma y dirige a los músicos, pero no lo hace como líder, sino como bailarín solista. Exige constantemente que sus subordinados participen en las interpretaciones y no sobrecarga sus instrucciones con detalles.

Un líder así gestiona procesos, no personas. Proporciona a los subordinados espacio para introducir innovaciones y los anima a crear por su cuenta. Los empleados comparten el poder y la responsabilidad con el líder. En un equipo así, un error se puede corregir fácilmente e incluso transformar en algo nuevo. Los directivos “bailarines” valoran a los empleados ambiciosos y los prefieren a aquellos que son capaces de realizar su trabajo concienzudamente según las instrucciones.

cuando funciona

Se aplica un principio similar cuando un empleado común y corriente puede tener información más relevante que el jefe. Como ejemplo, el autor cita su experiencia trabajando con agencias antiterroristas. Un agente en el campo debe poder tomar decisiones de forma independiente, a veces violando órdenes directas del mando, porque tiene el conocimiento más completo y actualizado de la situación.

cuando no funciona

Cuando los empleados no están interesados ​​en el destino de la empresa. El autor afirma también que este enfoque no puede imponerse artificialmente. Esto solo funcionará si puede alegrarse sinceramente del éxito de sus empleados y de los resultados de su trabajo.

6. Encontrar significado: Leonard Bernstein

El secreto de la interacción de Leonard Bernstein con la orquesta no se revela en el escenario, sino fuera de él. El conductor no quiso separar emociones, experiencia de vida y aspiraciones de la música. Para cada uno de los músicos, Bernstein no sólo fue un líder, sino también un amigo. No invitó a un profesional, sino a una persona a la creatividad: en sus orquestas, la música es interpretada, escuchada y compuesta principalmente por individuos, y solo entonces por subordinados.

Bernstein planteó la pregunta principal a los músicos: "¿Por qué?" Este era el punto: no obligaba a la gente a jugar, sino que hacía que la persona misma quisiera jugar. Cada uno tenía su propia respuesta a la pregunta de Bernstein, pero todos se sentían igualmente involucrados en la causa común.

cuando funciona

Un diálogo entre la dirección y los empleados y dar sentido a sus actividades beneficiará a cualquier organización donde el trabajo de los miembros del equipo no se reduzca a un conjunto de acciones similares. Una condición importante en este caso es que los empleados deben respetar al líder y considerarlo competente.

cuando no funciona

Itay Talgam habla de una situación en la que intentó aplicar el método de Bernstein, pero sólo encontró malentendidos por parte de sus subordinados. La razón fue que muchos de los músicos Orquesta Sinfónica Tel Aviv era mucho mayor y no lo conocía en absoluto. El primer ensayo no salió muy bien. "Algo anda mal", dijo Talgam a la orquesta. - Simplemente no sé qué. Tempo, entonación, ¿algo más? ¿Qué opinas? ¿Qué se puede arreglar? Uno de los músicos mayores se levantó y dijo: “De donde venimos, el director no nos preguntó qué hacer. El sabia que hacer."

En el libro “El maestro ignorante”, Itai Talgam no sólo habla de los principios de gestión de los grandes directores, sino que también revela tres cualidades importantes Líder eficaz: desconocimiento, dar sentido a los vacíos y escucha motivacional. El autor habla no sólo de lo que debe ser un líder, sino también del papel de los subordinados en la comunicación laboral. Principio universal no hay control, todos líder eficaz lo produce de forma independiente. Y puedes aprender algo y adoptar algunas técnicas de los seis grandes directores sobre los que se escribe en este libro.

Carlos Kleiber nombrado el mejor director de todos los tiempos.
Según los resultados de una encuesta realizada por una revista inglesa Revista de música de la BBC, Carlos Kleiber Reconocido como el mejor director de orquesta de todos los tiempos. La encuesta se realizó entre 100 destacados directores de orquesta de nuestro tiempo, como Sir Colin Davis, Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Maris Jansons y otros, para determinar a cuál de sus colegas admiran más (quién es una inspiración para ellos). Carlos Kleiber, el maestro austriaco que realizó sólo 96 conciertos y alrededor de 400 representaciones de ópera en sus 74 años, superó a Leonard Bernstein y Claudio Abbado, que quedaron en segundo y tercer lugar respectivamente.

Susanna Mälkki, directora finlandesa del Ensemble Intercontemporain francés y una de los participantes de la encuesta, comentó sobre los resultados: “Carlos Kleiber aportó una energía increíble a la música... Sí, tuvo aproximadamente cinco veces más tiempo para los ensayos del que los directores modernos pueden permitirse. , pero se lo merece porque su visión de la música es asombrosa, sabe exactamente lo que quiere y su atención a hasta el más mínimo detalle realmente inspirador."

Entonces, 20 mejores directores de orquesta de todos los tiempos Basado en una encuesta de la BBC Music Magazine realizada en noviembre de 2010 y publicada en marzo de 2011.

1. Carlos Kleiber (1930-2004) Austria
2. Leonard Bernstein (1918-1990) Estados Unidos
3. (nacido en 1933) Italia
4. Herbert von Karajan (1908-1989) Austria
5. Nikolaus Harnoncourt (nacido en 1929) Austria
6. Sir Simon Rattle (nacido en 1955) Reino Unido
7. Wilhelm Furtwangler (1896-1954) Alemania
8. Arturo Toscanini (1867-1957) Italia
9. Pierre Boulez (nacido en 1925) Francia
10. Carlo María Giulini (1914-2005) Italia
11. John Eliot Gardiner (nacido en 1943) Reino Unido
12.
13. Ferenc Fricsay (1914-1963) Hungría
14. George Szell (1897-1970) Hungría
15. Bernard Haitink (nacido en 1929) Países Bajos
16. Pierre Monteux (1875-1964) Francia
17. Evgeny Mravinsky (1903-1988) Rusia (URSS)
18. Colin Davis (nacido en 1927) Reino Unido
19. Thomas Beecham (1879-1961) Reino Unido
20. Charles Mackerras (1925-2010) Australia

Información biográfica:
Carlos Kleiber, nombre completo Karl Ludwig Kleiber - director de orquesta austriaco. Nacido el 3 de julio de 1930 en Berlín, hijo del famoso director de orquesta Erich Kleiber. Creció en Argentina, 1949-1950. Estudió química en Zurich. Carrera musical Comenzó en 1951 como profesor particular en Munich. El debut como director de Kleiber tuvo lugar en 1954 en Potsdam. Luego trabajó en Düsseldorf, Zurich y Stuttgart. En 1968-1973. Trabajó en la Ópera Estatal de Baviera en Múnich y fue su director invitado hasta 1988. En 1973 actuó por primera vez en el Teatro de Viena. Ópera Estatal. Actuó en La Scala, Covent Garden (desde 1974), Metropolitan Opera (desde 1988) y otros teatros; Participó en el Festival de Edimburgo (desde 1966). Ha colaborado con las Orquestas Filarmónicas de Viena y Berlín. La última actuación del director tuvo lugar en 1999. Murió el 13 de julio de 2004 en Eslovenia.

L.V.Beethoven. Sinfonía nº 7 op.92.
Orquesta Real del Concertgebouw (Países Bajos). Dirigida por Carlos Klaiber.

La era soviética fue generosa en talento. La historia de la cultura mundial incluye los nombres de brillantes. pianistas soviéticos, violinistas, violonchelistas, cantantes y, por supuesto, directores de orquesta. En este momento, se formó una comprensión moderna del papel del director: líder, organizador, maestro.

Cómo eran, líderes musicales era soviética?

Cinco retratos de la galería de directores destacados.

NIKOLAI GOLOVANOV (1891-1953)

Ya a la edad de seis años, durante un paseo, Nikolai intentó dirigir una orquesta militar. En 1900, el joven melómano ingresó en la Escuela sinodal. Aquí se revelaron sus habilidades vocales, de dirección y de composición.

Habiéndose convertido ya en un maestro maduro, Golovanov y gran amor escribirá sobre los años de estudio: “La Escuela sinodal me lo dio todo: principios morales, principios de vida, la capacidad de trabajar duro y sistemáticamente, me inculcó la disciplina sagrada”.

Después de varios años de trabajar como regente, Nikolai ingresó a la clase de composición del Conservatorio de Moscú. En 1914 se graduó con una pequeña medalla de oro. A lo largo de su vida, Nikolai Semenovich escribió cánticos espirituales. Continuó trabajando en este género incluso cuando la religión era proclamada “el opio del pueblo”.

Fragmento de la interpretación de la obertura "1812" de Tchaikovsky

En 1915, Golovanov fue aceptado en el Teatro Bolshoi. Todo comenzó con un modesto puesto como asistente de director de coro y en 1948 se convirtió en director titular. Las relaciones con el famoso teatro no siempre fueron fluidas: Nikolai Golovanov tuvo que soportar muchos insultos y decepciones. Pero no son ellos los que quedan en la historia, sino las brillantes interpretaciones de la ópera rusa y clásicos sinfónicos, brillantes estrenos de obras de compositores contemporáneos y primeras emisiones radiofónicas música clásica en la URSS con su participación.

El director Gennady Rozhdestvensky recuerda así al maestro: “No podía soportar el medio. El medio indiferente. Y en los matices, en las frases y en la actitud ante el asunto”.

Aunque Golovanov no tenía estudiantes de dirección, sus interpretaciones de clásicos rusos se convirtieron en modelos para los músicos jóvenes. Alexander Gauk estaba destinado a convertirse en el fundador de la escuela de dirección soviética.

ALEJANDRO GAUK (1893-1963)

Alexander Gauk estudió en el Conservatorio de Petrogrado. Estudió composición en la clase de Alexander Glazunov y dirección de orquesta en la clase de Nikolai Cherepnin.

En 1917 comenzó el período musical y teatral de su vida: trabajó en el Teatro de Drama Musical de Petrogrado y luego en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado.

En la década de 1930, la música sinfónica se convirtió en el centro de los intereses de Gauck. Durante varios años dirigió la orquesta sinfónica de la Filarmónica de Leningrado y en 1936 dirigió la recién creada Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS. No extrañaba el teatro, solo lamentaba no haber tenido nunca la oportunidad de montar su favorito” reina de Espadas» Chaikovski.

A.Honegger
Pacífico 231

En 1953, Gauk se convirtió en director titular de la Gran Orquesta Sinfónica de la Televisión y Radio Estatales de la URSS. Este trabajo fue muy intenso e interesante. La orquesta tocó programas, como dicen, en vivir. En 1961, el maestro fue retirado “cortésmente”.

La alegría de Gauk fue actividad pedagógica. Evgeny Mravinsky, Alexander Melik-Pashaev, Evgeny Svetlanov, Nikolai Rabinovich: todos ellos fueron alumnos del maestro.

Evgeniy Mravinsky, que ya es un maestro de renombre, le escribirá a su maestro en una carta de felicitación: “Tú eres nuestro único director de orquesta que lleva las tradiciones de una cultura verdaderamente grande”.

EVGENY MRAVINSKY (1903–1988)

Toda la vida de Mravinsky estuvo relacionada con San Petersburgo-Leningrado. Nació en una familia noble, pero en años difíciles tuvo que lidiar con asuntos "no nobles". Por ejemplo, trabaja como extra en el Teatro Mariinsky. Un papel importante en su destino lo jugó la personalidad del director de teatro Emil Cooper: “Fue él quien introdujo en mí ese “grano de veneno” que me conectó con el arte de dirigir para el resto de mi vida”.

Por el bien de la música, Mravinsky dejó la universidad y entró en el Conservatorio de Petrogrado. Al principio, el estudiante trabajó diligentemente en la composición y luego se interesó por la dirección. En 1929 ingresó a la clase de Gauck y rápidamente dominó los conceptos básicos de este complejo (u “oscuro”, como decía Rimsky-Korsakov) negocio. Después de graduarse del conservatorio, Mravinsky se convirtió en director asistente del Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado.

En 1937 tuvo lugar el primer encuentro del director con la música de Dmitry Shostakovich. A Mravinsky se le encomendó el estreno de su Quinta Sinfonía.

Al principio, Shostakovich incluso se asustó por el método de trabajo del director: “Sobre cada medida, sobre cada pensamiento, Mravinsky me sometió a un interrogatorio genuino, exigiendo de mí una respuesta a todas las dudas que surgían en él. Pero ya en el quinto día de trabajo juntos me di cuenta de que este método es absolutamente correcto”.

Después de este estreno, la música de Shostakovich se convertirá en una compañera constante en la vida del maestro.

En 1938, Mravinsky ganó el primer concurso de dirección de toda la Unión e inmediatamente fue nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Leningrado. Muchos de los artistas de la orquesta eran mucho mayores que el director, por lo que no dudaron en darle “valiosas instrucciones”. Pero pasará muy poco tiempo, se creará un ambiente de trabajo en los ensayos y este equipo se sentirá orgulloso. Cultura nacional.

Ensayo de la Orquesta Filarmónica de Leningrado

No es tan frecuente en la historia de la música que nos encontremos con ejemplos en los que un director trabaja con un conjunto durante varias décadas. Evgeny Mravinsky dirigió la Orquesta Filarmónica durante medio siglo, su colega más joven, Evgeny Svetlanov, dirigió la Orquesta Estatal durante 35 años.

Dmitri Shostakóvich, Sinfonía n.º 8

Evgeni Svetlanov (1928-2002)

Para Svetlanov, el Teatro Bolshoi era su hogar en un sentido especial de la palabra. Sus padres son solistas de una compañía de ópera. El futuro maestro debutó en el famoso escenario a una tierna edad: tocó hijo pequeño Cio-Cio-san en la ópera Madama Butterfly de Puccini.

Casi inmediatamente después de graduarse del conservatorio, Svetlanov llegó al Teatro Bolshoi y dominó todos los clásicos del teatro. En 1963 se convirtió en director titular del teatro. Junto a él, la compañía se va de gira a Milán, a La Scala. Svetlanov acerca a "Boris Godunov", "Príncipe Igor", "Sadko" al público exigente.

En 1965, dirigió la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS (la misma que alguna vez dirigió su maestro Alexander Gauk). Junto con este grupo, que se convirtió en académico en 1972, Svetlanov implementó un proyecto a gran escala: "Antología de la música sinfónica rusa en grabaciones". El significado de esta obra fue definido con mucha precisión por el director musical de Radio Francia, René Goering, que trabajó mucho con el director: "Esta es una verdadera hazaña de Svetlanov, otra prueba de su grandeza".

M. Balakirev, sinfonía nº 2, final

Cuando trabaja con el Conservatorio Estatal, el director no se olvida del Teatro Bolshoi. En 1988, la producción de "El gallo de oro" (dirigida por Georgy Ansimov) se convirtió en una auténtica sensación. Svetlanov invitó al cantante "no operístico" Alexander Gradsky a desempeñar el papel extremadamente complejo del astrólogo, lo que añadió aún más originalidad a la actuación.

Concierto “Éxitos del siglo saliente”

Entre los mas logros importantes Evgenia Svetlanova - comunión amplia gama los oyentes escucharon la música del destacado compositor Nikolai Myaskovsky, que rara vez fue interpretada por orquestas soviéticas.

El regreso de obras poco conocidas a los escenarios de conciertos se ha convertido en una de las tareas clave del maestro Gennady Rozhdestvensky.

GENNADY ROZHDESTVNSKY (NACIDO EN 1931)

Los directores que tocan instrumentos o componen música no son infrecuentes. Pero los directores que saben hablar de música son raros. Gennady Rozhdestvensky es una persona realmente única: puede hablar y escribir sobre obras musicales de una manera fascinante. diferentes eras.

Rozhdestvensky estudió dirección con su padre, el famoso director Nikolai Anosov. La madre, la cantante Natalya Rozhdestvenskaya, hizo mucho para desarrollar el gusto artístico de su hijo. Gennady Rozhdestvensky, que aún no se había graduado en el conservatorio, fue aceptado en el Teatro Bolshoi. Su debut fue La Bella Durmiente de Tchaikovsky. En 1961, Rozhdestvensky dirigió la Orquesta Sinfónica Bolshoi. televisión central y radiodifusión. En este momento surgieron las preferencias del repertorio del director.

Dominó con gran interés la música del siglo XX y también presentó al público composiciones "no exitosas". El musicólogo y doctor en Historia del Arte Viktor Tsukkerman admitió en una carta a Rozhdestvensky: "Hace mucho que quiero expresar mi profundo respeto e incluso admiración por su actividad desinteresada, tal vez incluso ascética, al interpretar obras inmerecidamente olvidadas o poco conocidas".

El enfoque creativo del repertorio determinó el trabajo del maestro con otras orquestas, conocidas y no tan conocidas, jóvenes y "adultas".

Todos los aspirantes a directores sueñan con estudiar con el profesor Rozhdestvensky: desde hace 15 años dirige el departamento de dirección de ópera y sinfonía del Conservatorio de Moscú.

El profesor conoce la respuesta a la pregunta “¿Quién es un director de orquesta?”: “Es un intermediario entre el autor y el oyente. O, si se prefiere, una especie de filtro que deja pasar a través de sí mismo el flujo emitido por la partitura, y luego intenta transmitirlo al público."

Película "Triángulos de la vida"
(con fragmentos de las actuaciones del director), en tres partes

La cultura musical no puede existir sin directores, como la industria cinematográfica sin directores, la industria literaria y editorial sin editores y los proyectos de moda sin diseñadores. El director de orquesta garantiza la interacción orgánica de todos los instrumentos durante la interpretación. El director está a cargo. actor en el escenario de la Filarmónica, sala de conciertos o cualquier otro lugar de música.

Virtuosos

La coherencia de una orquesta sinfónica y el sonido armonioso de numerosos instrumentos musicales se logra gracias a la habilidad del director. No en vano, los más talentosos reciben varios altos rangos y títulos, y popularmente se les llama "virtuosos". Y, de hecho, el control impecable de la batuta del director le permite llegar a todos los músicos sentados en Foso de orquesta, todos los matices del impulso creativo. Una enorme orquesta sinfónica de repente comienza a sonar como un todo y la composición musical se revela en todo su esplendor.

Los directores de orquesta famosos están unidos por su habilidad; todos pasaron por la escuela de arte superior; la popularidad y el reconocimiento del público en general no les llegó de inmediato. Ha ganado popularidad a lo largo de los años. En su mayor parte, directores de orquesta de renombre, además de sus actividades concertísticas, enseñan, imparten cursos de formación para jóvenes músicos, así como clases magistrales.

Autosacrificio

El arte de dirigir una orquesta requiere muchos años de práctica, mejora continua, lo que resulta en ensayos interminables. Algunos directores de orquesta famosos se distinguen por una especial tenacidad creativa, rayana en el autosacrificio, cuando la vida personal queda relegada a un segundo plano y solo queda la música. Sin embargo, esta situación es buena para el arte.

Los directores de orquesta más famosos están obligados por contratos con ciertos grupos musicales, y esto les da la oportunidad de lograr nivel alto ejecución obras musicales. Al mismo tiempo, es necesario un entendimiento mutuo general, que posteriormente será la clave para el éxito de las actividades concertísticas.

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Directores de ópera famosos

En la jerarquía musical mundial hay nombres que todo el mundo conoce. Los nombres de directores de ópera famosos se pueden encontrar en carteles, vallas publicitarias, sus nombres se llaman cruceros. Esta popularidad es bien merecida, ya que pocas personas son capaces todavía de dedicar toda su vida, sin dejar rastro, a la música. Los directores de orquesta más famosos viajan por todo el mundo, realizando giras con varios grupos musicales o dirigiendo orquestas en los principales centros musicales. Las representaciones de ópera requieren una coordinación especial de la orquesta a la hora de acompañar partes vocales, arias y cavatinas. En todas las agencias de música puedes encontrar los nombres de directores de ópera famosos que pueden ser invitados para una temporada o una serie de actuaciones. Los empresarios experimentados conocen el estilo de trabajo y los rasgos de carácter de cada persona. Esto les ayuda a tomar la decisión correcta.

Directores de orquesta famosos de Rusia

La música, especialmente la ópera, tiene muchos componentes. También hay una orquesta, que incluye una variedad de instrumentos: vientos, cuerdas, arcos, percusión. Solistas, intérpretes vocales, coro y otros participantes en la actuación. Los fragmentos dispares de la representación de la ópera son unidos en un todo por el director de la representación y el director de la orquesta. Además, este último participa activamente en la acción de principio a fin. En Rusia hay directores que dirigen la ópera con su música únicamente por el motivo la direccion correcta, que lleva al espectador al arte real.

Directores de orquesta famosos de Rusia (lista):

• Alexandrov Alexander Vasilievich.
• Bashmet Yuri Abramovich.
• Bezródnaya Svetlana Borisovna.
• Bogoslovsky Nikita Vladimirovich.
• Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
• Vasilenko Serguéi Nikiforovich.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenshtein Mark Borisovich.
• Diaghilev Serguei Alexandrovich.
• Evtushenko Alexéi Mijáilovich.
• Ermakova Lyudmila Vladimirovna.
• Kabalevsky, Dmitri Borisovich.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Pavel Leonidovich.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Evgeny Alexandrovich.
• Svetlanov Evgeny Fedorovich.
• Spivakov Vladimir Teodorovich.

Todo director ruso famoso puede dirigir con éxito cualquier orquesta sinfónica extranjera; para ello bastan unos pocos ensayos. La profesionalidad de los músicos ayuda a superar tanto la barrera del idioma como la diferencia de estilos.

Celebridades mundiales

Los directores de orquesta famosos del mundo son músicos talentosos reconocido por el público en general.

Pavel Kogan

El director de orquesta ruso más famoso, que lleva más de cuarenta años dando al mundo su arte. Su popularidad no tiene precedentes. El nombre del maestro figura en la lista de los diez más grandes directores de orquesta modernos. El músico nació en una familia de violinistas famosos, Leonid Kogan y Elizaveta Gilels. Desde 1989 es director artístico permanente y también director titular de la Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú (Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú). Al mismo tiempo, representa a Rusia en los principales centros musicales de Estados Unidos.

Pavel Kogan actúa en todo el mundo con las mejores orquestas sinfónicas, su arte se considera insuperable. El maestro es galardonado con el Premio Estatal de Rusia, lleva el título “ artista nacional Rusia." Pavel Kogan también tiene numerosos premios, incluida la Orden al Mérito de la Patria y la Orden de las Artes.

Herbert von Karajan

El mundialmente famoso director de orquesta austríaco Herbert von Karajan (1908-1989) nació en una familia de inmigrantes griegos. A los ocho años ingresó en el Conservatorio Mozarteum de Salzburgo, donde estudió durante 10 años y adquirió las primeras habilidades de dirección. Al mismo tiempo, el joven Karayan dominó el piano.

El debut tuvo lugar en 1929 en el Teatro del Festival de Salburg. Herbert dirigió la ópera Salomé de Richard Strauss. Entre 1929 y 1934 fue maestro de capilla jefe del teatro de la ciudad alemana de Ulm. Luego Karayan permaneció mucho tiempo en el podio de la orquesta. Filarmónica de Viena. Al mismo tiempo interpretó la ópera "La noche de Walpurgis" de Charles Gounod.

El mejor momento del director llegó en 1938, cuando la ópera "Tristán e Isolda" de Richard Wagner fue un gran éxito en su interpretación, tras lo cual Herbert comenzó a ser llamado "El milagro Karajan".

Leonardo Bernstein

El director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein (1918-1990) nació en una familia de inmigrantes judíos. educación musical Comenzó para Leonard cuando era niño, aprendió a tocar el piano. Sin embargo, el niño se fue acostumbrando poco a poco a dirigir y en 1939 hizo su debut: el joven Bernstein interpretó la composición con una pequeña orquesta. composición propia bajo llamó al Aves.

Gracias a su gran profesionalismo, Leonard Bernstein rápidamente ganó popularidad y, ya en su juventud, dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Ser integral persona creativa, el director estudió literatura. Ha escrito alrededor de una docena de libros dedicados a la música.

Valery Gergiev

El famoso director de orquesta Valery Abisalovich Gergiev nació el 2 de mayo de 1953 en Moscú. A los diecinueve años ingresó en el Conservatorio de Leningrado. Como estudiante participé en Competicion internacional director de orquesta en Berlín, donde obtuvo el segundo puesto.

Después de graduarse del conservatorio en 1977, el joven director fue aceptado como asistente en el Teatro Kirov. Yuri Temirkanov se convirtió en su mentor, y ya en 1978 Valery Gergiev se puso al mando e interpretó la ópera "Guerra y paz" de Prokofiev. En 1988 reemplazó a Yuri Temirkanov, tras su marcha a la Filarmónica de Leningrado.

El año 1992 estuvo marcado por el regreso al Teatro Kirov de su nombre historico "Ópera Mariinskii". El público teatral de San Petersburgo, para asistir a las representaciones de ópera, se inscribe con antelación, con meses de antelación. Hoy en día, Valery Gergiev es el director titular del teatro y su director artístico.

Evgeny Svetlanov

El famoso director de orquesta ruso e internacional Evgeniy Fedorovich Svetlanov (1928-2002) dejó una huella notable en patrimonio cultural Rusia. Tiene el título de "Héroe" Laborismo socialista" y "Artista del Pueblo de la URSS". Es galardonado con los premios Lenin y Estatal de la URSS.

La carrera creativa de Svetlanov comenzó inmediatamente después de graduarse en el Instituto Gnessin en 1951. Continuó sus estudios en el Conservatorio de Moscú en la clase de dirección y composición de ópera y sinfonía.

Su debut tuvo lugar en 1954 en el escenario del Teatro Bolshoi en una producción de la ópera "La mujer de Pskov" de Rimsky-Korsakov. De 1963 a 1965 fue director titular del Teatro Bolshoi. Durante su trabajo, el nivel de las representaciones de ópera aumentó notablemente.

En 1965-2000 trabajo combinado director artistico y director titular de la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS (más tarde Rusia).

Vladímir Spivakov

El director de orquesta ruso Vladimir Teodorovich Spivakov nació en 1944 en la ciudad de Ufa. Se graduó en el Conservatorio de Moscú en 1968 y realizó estudios de posgrado en 1970.

Vladimir Spivakov estudió su oficio en el Conservatorio Gorki con el profesor Israel Gusman. Posteriormente realizó un curso especial en Estados Unidos, con Leonard Bernstein y Lorin Maazel.

Actualmente, es director permanente y director de orquesta de la Orquesta Sinfónica de Cámara Virtuosi de Moscú, que fundó personalmente en 1979. Ha actuado con orquestas europeas y grupos musicales estadounidenses. Ha dirigido en el Teatro La Scala, la Accademia Cecilia, la Filarmónica de la ciudad alemana de Colonia y la Radio Francesa. Es el presidente de la Casa Internacional de la Música de Moscú.

Yuri Bashmet

El director de orquesta ruso Bashmet Yuri Abramovich nació el 24 de enero de 1953 en Rostov del Don. Artista del Pueblo de la URSS. Ganador de cuatro premios estatales de la Federación de Rusia.

En 1976 se graduó en el Conservatorio de Moscú. En 1972, cuando aún era estudiante, compró un violín viola. maestro italiano Paolo Testore, realizado en 1758. En este instrumento único Bashmet todavía juega hoy.

Activo actividades de concierto Comenzó en 1976 y dos años más tarde obtuvo un puesto de profesor en el Conservatorio de Moscú. En 1996, Yuri Bashmet creó el "Departamento Experimental de Viola", donde se estudian las partes de viola en sinfonía, ópera y música de cámara. Al mismo tiempo recibió el título de profesor del Conservatorio de Moscú. Actualmente participa activamente en actividades caritativas y sociales.