Los artistas rusos más famosos. paisajistas rusos

Magníficas obras de arte de manos de grandes maestros pueden sorprender incluso a personas para las que el arte significa poco. Es por eso que los museos de fama mundial se encuentran entre las atracciones más populares y atraen a millones de visitantes al año.

Para destacarse entre la enorme cantidad de pinturas escritas a lo largo de la historia del arte, el artista necesita no solo talento, sino también la capacidad de expresar una trama única de una manera inusual y muy relevante para su época.

Las pinturas a continuación hablan en voz alta no solo sobre el talento de sus autores, sino también sobre las muchas tendencias culturales que han ido y venido, y sobre las más importantes eventos históricos que siempre se han reflejado en el art.

"Nacimiento de Venus"

Este cuadro, pintado por el gran maestro renacentista Sandro Botticelli, representa el momento en que la hermosa Venus aparece de la espuma del mar. Uno de los aspectos más convincentes de la pintura es la pose modesta de la diosa y su rostro simple pero hermoso.

"Los perros juegan al póquer"

Pintada por Cassius Coolidge en 1903, esta serie de 16 pinturas muestra perros reunidos alrededor de una mesa de café o de apuestas jugando al póquer. Muchos críticos reconocen estas pinturas como la representación canónica de los estadounidenses de la época.

Retrato de señora Recamier

Pintado por Jacques-Louis David, este retrato representa a una deslumbrante socialité en un ambiente contrastantemente minimalista y simple, vestida con un sencillo vestido blanco sin mangas. Eso - un excelente ejemplo neoclasicismo en el retrato.

№5

Esta famosa pintura de Jackson Pollock es su obra más emblemática y representa vívidamente todo el caos que se desató en el alma y la mente de Pollock. Esta es una de las obras más caras jamás vendidas por un artista estadounidense.

"Hijo de hombre"

"El hijo del hombre" de Rene Magritte es una especie de autorretrato que representa al propio artista con un traje negro, pero con una manzana en lugar de una cara.

"Número 1" ("Royal Red and Blue")

Esta pieza bastante reciente de Mark Rothko no es más que pinceladas de tres tonalidades distintas sobre un lienzo hecho a mano. La pintura se encuentra actualmente en exhibición en el Instituto de Arte de Chicago.

"Masacre de los inocentes"

Basado en la historia bíblica de la masacre de bebés inocentes en Belén, Peter Paul Rubens creó esta pintura macabra y brutal que toca las emociones de todos los que la miran.

"Una tarde de domingo en la isla de Grande Jatte"

Diseñado por Georges Seurat, este singular y muy pintura popular representa el ambiente relajado de un fin de semana en Gran ciudad. Tal pintura es un excelente ejemplo de puntillismo, que combina muchos puntos en un todo.

"Baile"

"Dance" de Henri Matisse es un ejemplo de un estilo llamado fauvismo, que se caracteriza por colores y formas brillantes, casi antinaturales y una gran dinámica.

"Gótico americano"

"American Gothic" es una obra de arte que simboliza a la perfección la imagen de los estadounidenses durante la Gran Depresión. En esta pintura, Grant Wood representó a una pareja severa, aparentemente religiosa, de pie frente a una casa sencilla con ventanas góticas.

"Cargador de flores"

Esta pintura del pintor mexicano más popular del siglo XX, Diego Rivera, representa a un hombre que apenas puede soportar una canasta sobrecargada con brillantes flores tropicales en su espalda.

"Madre de Whistler"

También conocida como Arreglo en gris y negro.La madre del artista, esta es una de las pinturas más famosas del artista estadounidense James Whistler. En esta pintura, Whistler representó a su madre sentada en una silla contra una pared gris. La pintura utiliza solo tonos negros y grises.

"La persistencia de la memoria"

Esta es una obra de culto del no menos culto Salvador Dalí, famoso en todo el mundo. surrealista español quien llevó este movimiento a la vanguardia del arte.

Retrato de Dora Maar

Pablo Picasso es uno de los más populares e influyentes pintores españoles. Es el fundador del sensacional estilo de la época, llamado cubismo, que busca fragmentar cualquier objeto y transmitirlo con formas geométricas claras. Esta pintura es el primer retrato en estilo cubista.

"Retrato de un artista sin barba"

Este cuadro de Van Gogh es un autorretrato, y único, porque representa al pintor sin la habitual barba. Además, esta es una de las pocas pinturas de Van Gogh que se han vendido a colecciones privadas.

"Terraza de Café Nocturno"

Pintada por Vincent van Gogh, esta pintura representa una vista familiar de una manera completamente nueva, utilizando increíbles colores brillantes y formas inusuales.

"Composición VIII"

Wassily Kandinsky es reconocido como el fundador del arte abstracto, un estilo que utiliza formas y símbolos en lugar de objetos y personas familiares. "Composición VIII" es una de las primeras pinturas del artista, realizada exclusivamente en este estilo.

"Beso"

Uno de los primeros obras de arte en estilo Art Nouveau, esta pintura está realizada casi en su totalidad en tonos dorados. La pintura de Gustav Klimt es una de las más obras brillantes estilo.

"Baile en el Moulin de la Galette"

La pintura de Pierre Auguste Renoir es una representación vívida y dinámica de la vida de la ciudad. Además, es uno de los cuadros más caros del mundo.

"Olimpia"

En Olympia, Édouard Manet creó una verdadera polémica, casi un escándalo, ya que una mujer desnuda con una mirada es claramente una amante, no velada por los mitos de la época clásica. este de obras tempranas al estilo del realismo.

"Tres de mayo de 1808 en Madrid"

En esta obra, Francisco Goya representó el ataque de Napoleón a los españoles. Esta es una de las primeras pinturas españolas que retrata la guerra bajo una luz negativa.

"Las Meninas"

El cuadro más famoso de Diego Velásquez representa a la infanta Margarita, de cinco años, frente a un retrato de sus padres pintado por Velásquez.

"Retrato de los Arnolfini"

Esta pintura es una de las obras de pintura más antiguas. Fue pintado por Jan van Eyck y representa al empresario italiano Giovanni Arnolfini y su esposa embarazada en su casa de Brujas.

"Grito"

Una pintura del artista noruego Edvard Munch muestra el rostro de un hombre distorsionado por el miedo contra un cielo rojo sangre. El paisaje en el fondo le da un encanto oscuro a esta pintura. Además, The Scream es una de las primeras pinturas expresionistas donde el realismo se mantiene al mínimo para permitir más libertad para la emoción.

"Aguas"

Nenúfares, de Claude Monet, forma parte de una serie de 250 pinturas que representan elementos del propio jardín del artista. Estas pinturas se exhiben en varios Museos de arte paz.

"Noche de estrellas"

"La noche estrellada" de Van Gogh es una de las más imágenes famosas en cultura contemporanea. Actualmente se encuentra en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

"Caída de Ícaro"

Esta pintura, pintada por el artista holandés Pieter Brueghel, muestra la indiferencia de una persona ante el sufrimiento de sus semejantes. fuerte tema social se muestra aquí de una manera bastante simple, usando la imagen de Ícaro ahogándose bajo el agua y la gente ignorando su sufrimiento.

"La creación de Adán"

La Creación de Adán es uno de varios magníficos frescos de Miguel Ángel que adornan el techo. Capilla Sixtina en el palacio del Vaticano. Representa la creación de Adán. Además de representar formas humanas ideales, el fresco es uno de los primeros intentos de representar a Dios en la historia del arte.

"La última cena"

Este fresco del gran Leonardo representa la última cena de Jesús antes de su traición, arresto y muerte. Además de la composición, la forma y el color, la discusión de este fresco está repleta de teorías sobre los símbolos ocultos y la presencia de María Magdalena junto a Jesús.

"Guernica"

"Guernica" de Picasso representa la explosión de la ciudad española del mismo nombre durante el español guerra civil. Esta es una imagen en blanco y negro que representa negativamente el fascismo, el nazismo y sus ideas.

"La chica de la perla"

Esta pintura de Johannes Vermeer a menudo se conoce como la Mona Lisa holandesa, no solo por su extraordinaria popularidad, sino también porque la expresión del rostro de la niña es difícil de captar y explicar.

"Decapitación de Juan el Bautista"

La pintura de Caravaggio representa de manera muy realista el momento del asesinato de Juan el Bautista en prisión. La penumbra de la pintura y las expresiones faciales de sus personajes la convierten en una verdadera obra maestra clásica.

"La ronda de la noche"

La ronda de noche es una de las pinturas más famosas de Rembrandt. Representa un retrato grupal de una compañía de fusileros dirigida por sus oficiales. Un aspecto único de la pintura es la penumbra, que da la impresión de una escena nocturna.

"Escuela de Atenas"

Pintado por Rafael en su período romano temprano, este fresco representa a filósofos griegos famosos como Platón, Aristóteles, Euclides, Sócrates, Pitágoras y otros. Muchos filósofos se representan como contemporáneos de Rafael, por ejemplo, Platón - Leonardo da Vinci, Heráclito - Miguel Ángel, Euclides - Bramante.

"Mona Lisa"

Probablemente la pintura más famosa del mundo sea la Gioconda de Leonardo da Vinci, más conocida como la Mona Lisa. Este lienzo es un retrato de la Sra. Gherardini, quien llama la atención con una expresión misteriosa en su rostro.

Las imágenes más famosas y significativas de la historia del arte del mundo para su inspiración.

Las pinturas inmortales de grandes artistas son admiradas por millones de personas. El arte, clásico y moderno, es una de las principales fuentes de inspiración, gusto y formación cultural de cualquier persona, y aún más creativa.

Ciertamente, hay más pinturas de fama mundial que 33. Hay varios cientos de ellas, y todas ellas no cabrían en una reseña. Por lo tanto, para facilitar la visualización, hemos seleccionado algunos que son los más importantes para la cultura mundial y que a menudo se copian. Cada obra va acompañada de un dato interesante, una explicación sentido artístico o historia de su creación.

Rafael "Madonna Sixtina" 1512

Almacenado en la Galería de los Viejos Maestros en Dresden.

La imagen tiene un pequeño secreto: el fondo, que parece nubes desde la distancia, al examinarlo más de cerca resulta ser cabezas de ángeles. Y los dos ángeles representados en la imagen de abajo se han convertido en el motivo de numerosas postales y carteles.

Rembrandt "La ronda de noche" 1642

Almacenado en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

El verdadero nombre de la pintura de Rembrandt es "La actuación de la compañía de rifles del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg". Los críticos de arte que descubrieron la pintura en el siglo XIX pensaron que las figuras estaban de pie sobre un fondo oscuro, y la llamaron "La ronda de noche". Más tarde resultó que una capa de hollín oscurece la imagen y la acción en realidad tiene lugar durante el día. Sin embargo, la imagen ya ingresó al tesoro del arte mundial con el nombre de "Guardia nocturna".

Leonardo da Vinci "La Última Cena" 1495-1498

Ubicado en el monasterio de Santa Maria delle Grazie en Milán.

Durante los más de 500 años de historia de la existencia de la obra, el fresco fue destruido repetidamente: se hizo una puerta a través de la pintura y luego se colocó una puerta, se utilizó el refectorio del monasterio, donde se encuentra la imagen. como un arsenal, una prisión, y bombardeado. El famoso fresco ha sido restaurado al menos cinco veces, y la restauración más reciente tomó 21 años. Hoy, para ver la obra de arte, los visitantes deben reservar entradas con anticipación y solo pueden pasar 15 minutos en el refectorio.

Salvador Dali "La persistencia de la memoria" 1931

Según el propio autor, el cuadro fue pintado como resultado de asociaciones que surgieron en Dalí cuando vio queso fundido. Al regresar del cine, donde fue esa noche, Gala predijo con bastante acierto que nadie que viera "La persistencia de la memoria" una vez la olvidaría.

Pieter Bruegel el Viejo "Torre de Babel" 1563

Almacenado en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Según Brueghel, el fracaso que sufrió la construcción de la Torre de Babel no es el culpable del surgimiento repentino según historia bíblica las barreras del idioma y los errores cometidos durante el proceso de construcción. A primera vista, el enorme edificio parece lo suficientemente sólido, pero después de una inspección más cercana, está claro que todos los niveles están dispuestos de manera desigual, los pisos inferiores están sin terminar o ya se están derrumbando, el edificio en sí se inclina hacia la ciudad y las perspectivas para todo el proyecto son muy tristes.

Kazimir Malevich "Cuadrado negro" 1915

Según el artista, pintó el cuadro durante varios meses. Posteriormente, Malevich hizo varias copias del "Cuadrado negro" (según algunas fuentes, siete). Según una versión, el artista no pudo completar el trabajo de la pintura en el tiempo adecuado, por lo que tuvo que cubrir el trabajo con pintura negra. Posteriormente, tras el reconocimiento del público, Malevich pintó nuevos "Cuadrados negros" ya sobre lienzos en blanco. Malevich también pintó las pinturas "Plaza Roja" (dos copias) y una "Plaza Blanca".

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Bañando al caballo rojo" 1912

Ubicado en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

Pintado en 1912, el cuadro resultó ser visionario. El caballo rojo actúa como el Destino de Rusia o Rusia misma, que el frágil y joven jinete no puede sostener. así, el artista predijo simbólicamente con su pintura el destino “rojo” de Rusia en el siglo XX.

Peter Paul Rubens "La violación de las hijas de Leucipo" 1617-1618

Almacenado en la Alte Pinakothek de Munich.

La pintura "El rapto de las hijas de Leucipo" se considera la personificación de la pasión valiente y la belleza corporal. Los brazos fuertes y musculosos de los jóvenes levantan a las jóvenes desnudas para montarlas a caballo. Los hijos de Zeus y Leda roban las novias de sus primos.

Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" 1898

Almacenado en el Museo Bellas Artes en Boston.

Bajo la dirección del propio Gauguin, la imagen debe leerse de derecha a izquierda: los tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un hijo representan el comienzo de la vida; grupo medio simboliza la existencia diaria de la madurez; en el grupo final, según la intención del artista, "una anciana que se acerca a la muerte parece reconciliada y entregada a sus pensamientos", a sus pies "un extraño pájaro blanco... representa la futilidad de las palabras".

Eugene Delacroix "La libertad guiando al pueblo" 1830

Guardado en el Louvre de París

Delacroix creó una pintura basada en la Revolución de julio de 1830 en Francia. En una carta a su hermano el 12 de octubre de 1830, Delacroix escribe: "Si no luché por la Patria, al menos escribiré por ella". El pecho desnudo de una mujer que conduce al pueblo simboliza el desinterés del pueblo francés de esa época, que con el "pecho desnudo" se dirigió al enemigo.

Claude Monet "Impresión. Sol naciente" 1872

Guardada en el Musée Marmottan de París.

El título de la pieza es "Impression, soleil levant" con mano ligera El periodista L. Leroy se convirtió en el nombre de la dirección artística "impresionismo". La pintura fue pintada de la naturaleza en el antiguo puerto de Le Havre en Francia.

Jan Vermeer "La joven de la perla" 1665

Almacenado en la Galería Mauritshuis en La Haya.

Una de las pinturas más famosas. artista holandés Jan Vermeer a menudo se conoce como la Mona Lisa del norte u holandesa. Se sabe muy poco sobre la pintura: no está fechada, no se conoce el nombre de la niña representada. En 2003 por novela del mismo nombre Tracey Chevalier filmó el largometraje Girl with a Pearl Earring, que hipotéticamente restauró la historia de la creación del lienzo en el contexto de la biografía y la vida familiar de Vermeer.

Ivan Aivazovsky "La Novena Ola" 1850

Almacenado en San Petersburgo en el Museo Estatal Ruso.

Ivan Aivazovsky es un pintor marino ruso de fama mundial que ha dedicado su vida a representar el mar. Creó alrededor de seis mil obras, cada una de las cuales recibió reconocimiento durante la vida del artista. La pintura "La Novena Ola" está incluida en el libro "100 Grandes Pinturas".

Andrei Rublev "Trinidad" 1425-1427

El ícono de la Santísima Trinidad, pintado por Andrei Rublev en el siglo XV, es uno de los íconos rusos más famosos. El icono es un tablero en formato vertical. Los zares (Iván el Terrible, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "recubrieron" el ícono con oro, plata y piedras preciosas. Hoy el salario se almacena en el Museo-Reserva Estatal Sergiev Posad.

Mikhail Vrubel "Demonio sentado" 1890

Almacenado en la Galería Tretyakov en Moscú.

La trama de la imagen está inspirada en el poema "El demonio" de Lermontov. El demonio es una imagen de la fuerza del espíritu humano, la lucha interna, las dudas. Juntando trágicamente sus manos, el Demonio se sienta con ojos tristes y enormes dirigidos a la distancia, rodeado de flores sin precedentes.

William Blake "El gran arquitecto" 1794

Guardado en Museo Británico en Londres.

El nombre de la pintura "El Anciano de los Días" se traduce literalmente del inglés como "Anciano de los Días". Esta frase fue usada como el nombre de Dios. El personaje principal del cuadro es Dios en el momento de la creación, que no establece el orden, sino que limita la libertad y marca los límites de la imaginación.

Edouard Manet "Bar en el Folies Bergère" 1882

Almacenado en el Courtauld Institute of Art de Londres.

El Folies Bergère es un espectáculo de variedades y cabaret en París. Manet frecuentó el Folies Bergère y terminó pintando este cuadro, el último antes de su muerte en 1883. Detrás de la barra, en medio de una multitud que bebe, come, habla y fuma, una camarera está absorta en sus propios pensamientos, mirando a un acróbata de trapecio, que se puede ver en la esquina superior izquierda de la imagen.

Tiziano "Amor terrenal y amor celestial" 1515-1516

Guardado en la Galleria Borghese de Roma.

Es de destacar que el nombre moderno de la pintura no fue dado por el propio artista, sino que comenzó a usarse solo dos siglos después. Hasta ese momento, el cuadro tuvo varios títulos: "Belleza embellecida y sin adornos" (1613), "Tres tipos de amor" (1650), "Mujeres divinas y mundanas" (1700) y, finalmente, "Amor terrenal y Amor celestial» (1792 y 1833).

Mikhail Nesterov "Visión al joven Bartolomé" 1889-1890

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

La primera y más significativa obra del ciclo dedicado a Sergio de Radonezh. Hasta el final de sus días, el artista estuvo convencido de que “La visión del joven Bartolomé” era su mejor obra. En su vejez, al artista le gustaba repetir: "No seré yo quien vivirá. El "Joven Bartolomé" vivirá". está vivo, lo que significa que yo también estoy vivo".

Pieter Bruegel el Viejo "La parábola de los ciegos" 1568

Almacenado en el Museo Capodimonte en Nápoles.

Otros nombres de la pintura son "El ciego", "Parábola de los ciegos", "El ciego guiando a los ciegos". Se cree que la trama de la imagen se basa en la parábola bíblica de los ciegos: "Si los ciegos guían a los ciegos, ambos caerán en el pozo".

Víktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov.

Se toma como base el cuento de hadas "Sobre la hermana Alyonushka y el hermano Ivanushka". Inicialmente, la pintura de Vasnetsov se llamaba "Fool Alyonushka". Los huérfanos fueron llamados "tontos" en ese momento. "Alyonushka", dijo el propio artista más tarde, "como si hubiera estado viviendo en mi cabeza durante mucho tiempo, pero en realidad la vi en Akhtyrka cuando conocí a una chica de cabello simple que cautivó mi imaginación. Había tanto anhelo, soledad y tristeza puramente rusa en sus ojos... Algún espíritu ruso especial emanaba de ella".

Vincent van Gogh Noche estrellada 1889

Almacenado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A diferencia de la mayoría de las pinturas del artista, Starry Night fue pintada de memoria. Van Gogh estaba en ese momento en el hospital de Saint-Remy, atormentado por ataques de locura.

Karl Bryullov "El último día de Pompeya" 1830-1833

Almacenado en el Museo Estatal Ruso en San Petersburgo.

La imagen muestra erupción famosa Monte Vesubio en el 79 d.C. mi. y la destrucción de la ciudad de Pompeya cerca de Nápoles. La imagen del artista en la esquina izquierda de la imagen es un autorretrato del autor.

Pablo Picasso "Niña sobre una pelota" 1905

Guardado en Museo Pushkin, Moscú

El cuadro llegó a Rusia gracias al industrial Ivan Abramovich Morozov, que lo compró en 1913 por 16.000 francos. En 1918, se nacionalizó la colección personal de I. A. Morozov. A este momento la pintura está en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Almacenado en el Hermitage de San Petersburgo.

El título original de la pintura es Madonna and Child. Nombre moderno la pintura proviene del nombre de su dueño - Count Litt, el dueño de la familia galería de arte en Milan. Se supone que la figura del bebé no fue pintada por Leonardo da Vinci, sino que pertenece al pincel de uno de sus alumnos. Esto se evidencia en la pose del bebé, que es inusual para la forma del autor.

Jean Ingres "Baños Turcos" 1862

Guardado en el Louvre de París.

Ingres terminó de pintar este cuadro cuando ya tenía más de 80 años. Con esta imagen, el artista resume un resultado peculiar de la imagen de los bañistas, cuyos temas han estado presentes durante mucho tiempo en su obra. Inicialmente, el lienzo tenía la forma de un cuadrado, pero un año después de su finalización, el artista lo convirtió en una imagen redonda: un tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mañana en un bosque de pinos" 1889

Almacenado en la Galería Tretyakov en Moscú

"Mañana en bosque de pinos"- una pintura de los artistas rusos Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Savitsky pintó osos, pero el coleccionista Pavel Tretyakov, cuando adquirió la pintura, borró su firma, por lo que ahora solo se indica que Shishkin es el autor de la pintura.

Mikhail Vrubel "La princesa cisne" 1900

Almacenado en la Galería Estatal Tretyakov

El cuadro fue pintado sobre la base de la imagen escénica de la heroína de la ópera "El cuento del zar Saltan" de N. A. Rimsky-Korsakov basada en la trama del cuento de hadas del mismo nombre de A. S. Pushkin. Vrubel creó bocetos para la escenografía y el vestuario para el estreno de la ópera en 1900, y su esposa cantó el papel de la Princesa Cisne.

Giuseppe Arcimboldo "Retrato del emperador Rodolfo II en forma de Vertumnus" 1590

Situado en el castillo de Skokloster en Estocolmo.

Una de las pocas obras sobrevivientes del artista, quien hizo retratos de frutas, verduras, flores, crustáceos, peces, perlas, instrumentos musicales y otros, libros, etc. "Vertumnus" es un retrato del emperador, representado como el antiguo dios romano de las estaciones, la vegetación y la transformación. En la imagen, Rudolph se compone enteramente de frutas, flores y verduras.

Edgar Degas "Bailarines azules" 1897

Ubicado en el Museo de Arte. A. S. Pushkin en Moscú.

Degas era un gran aficionado al ballet. Se le llama el artista de las bailarinas. Trabajar " bailarines azules se refiere al período tardío de la obra de Degas, cuando su vista se debilita y comienza a trabajar con grandes manchas de color, dando una importancia primordial a la organización decorativa de la superficie del cuadro.

Leonardo da Vinci "Mona Lisa" 1503-1505

Guardado en el Louvre, París.

La Mona Lisa podría no haber ganado fama mundial si no hubiera sido robada en 1911 por un empleado del Louvre. La pintura fue encontrada dos años después en Italia: el ladrón respondió a un anuncio en un periódico y ofreció vender la Gioconda al director de la Galería Uffizi. Todo este tiempo, mientras se desarrollaba la investigación, “Mona Lisa” no salía de las portadas de diarios y revistas de todo el mundo, convirtiéndose en objeto de copia y adoración.

Sandro Botticelli "El nacimiento de Venus" 1486

Almacenado en Florencia en la Galería de los Uffizi

La pintura ilustra el mito del nacimiento de Afrodita. La diosa desnuda flota hacia la orilla en un caparazón abierto, impulsada por el viento. En el lado izquierdo de la imagen Zephyr ( viento del oeste) en los brazos de su esposa Clorida sopla sobre la concha, creando un viento lleno de flores. En la orilla, la diosa se encuentra con una de las gracias. El Nacimiento de Venus está bien conservado debido a que Botticelli aplicó una capa protectora de yema de huevo a la pintura.

Miguel Ángel "Creación de Adán" 1511

Situado en la Capilla Sixtina del Vaticano.

En casi todos trabajo significativo el arte es un misterio, un "doble fondo" o historia secreta que desea abrir.

Música en las nalgas

Hieronymus Bosch, "Jardín placeres terrenales", 1500-1510.

Fragmento de un tríptico

Las disputas sobre los significados y los significados ocultos de la obra más famosa del artista holandés no han disminuido desde su aparición. En el ala derecha del tríptico llamado "Infierno Musical" se representan pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas impresas en sus nalgas. La estudiante de la Universidad Cristiana de Oklahoma, Amelia Hamrick, que estudió la pintura, transpuso la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años".

Mona lisa desnuda

La famosa "Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue pintada por el artista poco conocido Salai, quien fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos críticos de arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan el Bautista" y "Baco". También hay versiones que vestidas con un vestido de mujer, Salai sirvió como la imagen de la propia Mona Lisa.

viejo pescador

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintó el cuadro " viejo pescador". Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar colocó un subtexto en ella, que nunca se reveló durante la vida del artista.

A pocas personas se les ocurrió poner un espejo en medio del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo se duplica) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo se duplica).

¿Había una ballena?

Hendrik van Antonissen "Escena en la orilla".

Parecía un paisaje ordinario. Barcos, gente en la orilla y el mar del desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original, examinaron el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.

Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y volvió a pintar la pintura.

Dos "Desayunos en la Hierba"

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863.

Claude Monet, Desayuno sobre la hierba, 1865.

Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron al estilo del impresionismo. Incluso el nombre de uno de los cuadros más famosos de Manet, "Desayuno sobre la hierba", Monet lo tomó prestado y escribió su "Desayuno sobre la hierba".

Gemelos en la Última Cena

leonardo da vinci, La última cena", 1495-1498.

Cuando Leonardo da Vinci escribió La última cena, dio significado especial dos figuras: Cristo y Judas. Estuvo buscando niñeras para ellos durante mucho tiempo. Finalmente, logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantores. Leonardo no pudo encontrar una niñera para Judas durante tres años. Pero un día se encontró con un borracho tirado en la cuneta de la calle. Era un hombre joven que había envejecido por el consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a escribirle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace unos años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo escribió a Cristo de él.

¿"Guardia de la noche" o "Guardia del día"?

Rembrandt, La ronda de noche, 1642.

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, “La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg”, colgó en diferentes salas durante unos doscientos años y fue descubierta por historiadores del arte recién en el siglo XIX. Dado que las figuras parecían destacarse sobre un fondo oscuro, se llamó Night Watch, y bajo este nombre ingresó al tesoro del arte mundial.

Y solo durante la restauración, realizada en 1947, resultó que en la sala la imagen había logrado cubrirse con una capa de hollín que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena presentada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.

barco volcado

Henri Matisse, "El barco", 1937.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961, se exhibió la pintura de Henri Matisse "El barco". Solo después de 47 días, alguien notó que la pintura estaba colgada boca abajo. El lienzo representa 10 líneas moradas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón, la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no confundirse con la forma en que debe colgarse la imagen, debe prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y el pico de la vela de la pintura debe estar dirigido hacia la esquina superior derecha.

Engaño en un autorretrato

Vincent van Gogh, Autorretrato con pipa, 1889.

Hay leyendas de que Van Gogh supuestamente se cortó la oreja. Ahora, la versión más confiable es que la oreja de van Gogh se dañó en una pequeña pelea con la participación de otro artista, Paul Gauguin.

El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista está representado con la oreja derecha vendada, porque usaba un espejo cuando trabajaba. De hecho, la oreja izquierda estaba dañada.

osos alienígenas

Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.

La famosa pintura pertenece no solo al pincel de Shishkin. Muchos artistas que eran amigos entre sí a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que había estado pintando paisajes toda su vida, temía que tocar osos no resultaría como él necesitaba. Por lo tanto, Shishkin recurrió a un conocido pintor de animales, Konstantin Savitsky.

Savitsky dibujó quizás los mejores osos de la historia. pintura rusa, y Tretyakov ordenó que su nombre fuera borrado del lienzo, ya que todo en el cuadro “empezando por la idea y terminando con la ejecución, todo habla de la manera de pintar, de metodo creativo característica de Shishkin.

Cuento inocente "Gótico"

Grant Wood, "Gótico americano", 1930.

La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen con un padre y una hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados en forma de personajes que ofendieron tanto a la gente de Iowa.

La venganza de Salvador Dalí

El cuadro "Figura en la ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. Entonces Gala aún no había entrado en la vida del artista, y su hermana Ana María fue su musa. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo sobre un retrato de mi propia madre, y me da placer”. Ana María no podía perdonar tal escandalo.

En su libro de 1949 Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin elogios. El libro enfureció a El Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba con enojo en cada oportunidad. Y así, en 1954, aparece la imagen "Una joven virgen que se entrega al pecado de sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad". La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de la Figura en la ventana. Hay una versión de que así fue como Dalí se vengó de su hermana por su libro.

Dánae de dos caras

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Dánae, 1636-1647.

Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt se revelaron solo en los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo se iluminó con rayos X. Por ejemplo, el tiroteo mostró que en la primera versión el rostro de la princesa, que entró en amorío con Zeus, parecía el rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final de la pintura, comenzó a parecerse al rostro de Gertier Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió después de la muerte de su esposa.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arles", 1888 - 1889.

En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño taller en Arles, en el sur de Francia, donde huía de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre, todo está listo y decide pintar el Dormitorio de Van Gogh en Arles. Para el artista, el color, la comodidad de la habitación era muy importante: todo debía sugerir pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen se sostiene en inquietantes tonos amarillos.

Los investigadores de la creatividad de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia, que provoca cambios graves en la percepción del color por parte del paciente: toda la realidad circundante está pintada en tonos verde-amarillos.

Perfección desdentada

Leonardo da Vinci, "Retrato de la señora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

La opinión generalmente aceptada es que Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por la expresión de su rostro, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras examinaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también encontró cicatrices alrededor de su boca. “Ella sonríe tanto precisamente por lo que le pasó”, cree el experto. “Su expresión facial es la típica de las personas que han perdido los dientes frontales”.

Mayor en el control de la cara

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

El público, que vio por primera vez la pintura "Major's Matchmaking", se rió de buena gana: el artista Fedotov la llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para los espectadores de esa época. Por ejemplo, el mayor claramente no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: apareció sin los ramos adecuados para la novia y su madre. Y la novia misma fue dada de alta por sus padres comerciantes en un vestido de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó un vestido escotado por primera vez, se avergüenza e intenta huir a su habitación.

Por qué la libertad está desnuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertad en las barricadas, 1830.

Según el historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintó el rostro de una mujer de la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anna-Charlotte, quien fue a las barricadas después de la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con el torso desnudo. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como el triunfo de la democracia: los senos desnudos muestran que Svoboda, como un plebeyo, no usa corsé.

cuadrado no cuadrado

Kazimir Malevich, Plaza suprematista negra, 1915.

De hecho, el "Cuadrado negro" no es en absoluto negro ni cuadrado: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, y ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los cuales no había negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y móvil.

Los especialistas de la Galería Tretyakov descubrieron la inscripción del autor en pintura famosa Malévich. La inscripción dice: "Batalla de los negros en una cueva oscura". Esta frase hace referencia al nombre del cuadro lúdico del periodista, escritor y artista francés Alphonse Allais “Batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche”, que era un rectángulo absolutamente negro.

Melodrama de la Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Una de las pinturas más significativas de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutió el tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quería vengarse de sus amantes, pero eligió una forma muy inusual: decidió encargar un retrato de Adele a Klimt y obligarlo a hacer cientos de bocetos hasta que el artista comienza a alejarse de ella.

Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años y la modelo pudo ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecen. Hizo una oferta generosa al artista, que no pudo rechazar, y todo resultó de acuerdo con el escenario del marido engañado: el trabajo se completó en 4 años, los amantes se habían enfriado durante mucho tiempo. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su esposo estaba al tanto de su relación con Klimt.

El cuadro que devolvió la vida a Gauguin

Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.

El lienzo más famoso de Gauguin tiene una característica: no se "lee" de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida espiritual y física de una persona: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).

La pintura fue pintada por Gauguin en Tahití, donde el artista huyó varias veces de la civilización. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a las montañas a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se tambaleó hasta su choza y se durmió, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vivir. Y en 1898, sus asuntos fueron cuesta arriba y comenzó un período más brillante en su trabajo.

112 proverbios en una imagen

Pieter Brueghel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559

Pieter Brueghel el Viejo representó una tierra habitada por imágenes literales de los proverbios holandeses de aquellos días. Hay aproximadamente 112 modismos reconocibles en el cuadro pintado. Algunos de ellos todavía se utilizan hoy en día, como "nadar contra la corriente", "golpearse la cabeza contra la pared", "armado hasta los dientes" y "el pez grande se come a los pequeños".

Otros proverbios reflejan la estupidez humana.

Subjetividad del arte

Paul Gauguin, pueblo bretón bajo la nieve, 1894

La pintura de Gauguin "Pueblo bretón en la nieve" se vendió después de la muerte del autor por solo siete francos y, además, bajo el título " Cataratas del Niágara". El subastador colgó accidentalmente la pintura boca abajo después de ver una cascada en ella.

imagen oculta

Pablo Picasso, La habitación azul, 1901

En 2008 radiación infrarroja mostró que otra imagen está escondida debajo de la "Habitación Azul": un retrato de un hombre vestido con un traje con una mariposa y apoyando la cabeza en su mano. “Tan pronto como Picasso tuvo Idea Nueva, tomó el pincel y lo plasmó. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que la musa lo visitaba", explica causa posible esta historiadora del arte Patricia Favero.

Mujeres marroquíes inaccesibles

Zinaida Serebryakova, Desnuda, 1928

Una vez que Zinaida Serebryakova recibió oferta tentadora- Embárcate en un viaje creativo para retratar las figuras desnudas de las doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. Un intérprete de Zinaida vino al rescate: le trajo a sus hermanas y a su novia. Nadie antes y después de eso fue capaz de capturar el cerrado mujeres orientales desnudo.

Visión espontánea

Valentin Serov, "Retrato de Nicolás II con chaqueta", 1900

Durante mucho tiempo, Serov no pudo pintar un retrato del rey. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa, estiró las manos frente a él ... Y luego el artista se dio cuenta: ¡aquí está! Un simple militar con chaqueta de oficial de ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.

otra vez diablos

© Fiódor Reshetnikov

La famosa pintura "Again deuce" es solo la segunda parte de la trilogía artística.

La primera parte es "Llegaron para las vacaciones". Obviamente una familia acomodada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.

La segunda parte es "Otra vez el deuce". Una familia pobre de la periferia trabajadora, la altura año escolar, un aturdidor abatido, de nuevo agarrando un deuce. En la esquina superior izquierda puede ver la imagen "Llegó para las vacaciones".

La tercera parte es "Re-examen". Casa rural, verano, todos caminan, un ignorante malicioso que suspendió el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y abarrotar. En la esquina superior izquierda puedes ver la imagen "Otra vez deuce".

Cómo nacen las obras maestras

Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844

En 1842, la Sra. Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente, comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando así durante unos diez minutos. Incapaz de contener su curiosidad, la mujer también abrió la ventana y miró hacia adelante. Un año después, descubrió la pintura “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Royal Academy of Arts y pudo reconocer en ella el episodio mismo del tren.

Lección de anatomía de Miguel Ángel

Miguel Ángel, La creación de Adán, 1511

Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más famosas. Creen que se representa un enorme cerebro en el lado derecho de la imagen. Sorprendentemente, incluso se pueden encontrar componentes complejos como el cerebelo, los nervios ópticos y la glándula pituitaria. Y la pegadiza cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.

La Última Cena de Van Gogh

Vincent van Gogh, Terraza de café por la noche, 1888

El investigador Jared Baxter cree que Terraza de café de noche de Van Gogh contiene una dedicatoria a La última cena de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen hay un camarero con el pelo largo y una túnica blanca, que recuerda a la ropa de Cristo, y alrededor de él exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz, ubicada directamente detrás de la espalda del mesero en blanco.

La imagen de la memoria de Dalí

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre tenían la forma de un pensamiento muy imágenes realistas, que luego el artista transfirió al lienzo. Entonces, según el propio autor, la pintura "La persistencia de la memoria" fue pintada como resultado de asociaciones que surgieron al ver el queso procesado.

¿De qué está gritando Munch?

Edvard Munch, "El grito", 1893.

Munch habló sobre el surgimiento de su idea de uno de los más pinturas misteriosas en la pintura del mundo: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca - Miré la sangre y las llamas sobre el azulado- el fiordo negro y la ciudad - prosiguieron mis amigos, y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza. Pero, ¿qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?

Hay una versión de que la idea de "Scream" nació de Munch en 1883, cuando hubo varias erupciones más fuertes del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Una copiosa cantidad de polvo y ceniza se esparció por todo el mundo llegando incluso a Noruega. Durante varias tardes seguidas, las puestas de sol parecían que el apocalipsis estaba a punto de llegar, una de ellas se convirtió en una fuente de inspiración para el artista.

Escritor entre la gente

Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.

Decenas de modelos posaron para Alexander Ivanov en su foto principal. Uno de ellos es conocido nada menos que el propio artista. Al fondo, entre viajeros y jinetes romanos que aún no han oído el sermón de Juan Bautista, se nota un personaje con túnica parda. Su Ivanov escribió con Nikolai Gogol. El escritor se comunicó estrechamente con el artista en Italia, en particular sobre temas religiosos, y le dio consejos en el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "había muerto hacía mucho tiempo por todo el mundo, excepto por su trabajo".

la gota de miguel angel

Rafa Santi, " escuela ateniense", 1511.

Por crear famoso fresco"Escuela de Atenas", Rafael inmortalizó a sus amigos y conocidos en las imágenes de los antiguos filósofos griegos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarroti "en el papel" de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y investigadores modernos hizo la suposición de que la rodilla extrañamente angular del artista indica la presencia de una enfermedad de las articulaciones.

Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones de trabajo de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.

Espejo de los Arnolfinis

Jan van Eyck, "Retrato de los Arnolfini", 1434

En el espejo detrás de los Arnolfinis, puedes ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que estos sean testigos presentes en la conclusión del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra inscripción latina, colocado, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: "Jan van Eyck estuvo aquí". Así se sellaban habitualmente los contratos.

Cómo un defecto se convirtió en un talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.

La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista sufría de estrabismo: en las imágenes, sus ojos miran hacia adentro lados diferentes, que no se observa en los retratos de otras personas del maestro. La enfermedad llevó al hecho de que el artista podía percibir mejor la realidad en dos dimensiones que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero dado que el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, fue precisamente esta deficiencia de Rembrandt la que podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.

Venus sin pecado

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1482-1486.

Antes del advenimiento de El nacimiento de Venus, la imagen del desnudo Cuerpo de mujer en la pintura simbolizaba solo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primer pintor europeo que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza la imagen cristiana del fresco: su aparición es una alegoría del renacimiento del alma que ha pasado por el rito del bautismo.

¿Laudista o laudista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, El laúd, 1596.

Durante mucho tiempo, la pintura estuvo expuesta en el Hermitage bajo el título de "Laudista". Solo a principios del siglo XX, los historiadores del arte coincidieron en que el lienzo todavía representa a un hombre joven (probablemente, Caravaggio fue posado por su amigo el artista Mario Minniti): en las notas frente al músico, una grabación de la parte del bajo de se ve el madrigal de Jacob Arcadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión, es simplemente difícil para la garganta. Además, el laúd, como el violín en el borde mismo del cuadro, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.

Hay obras de arte que parecen golpear al espectador en la cabeza, estupefacto y asombroso. Otros te arrastran a la reflexión y en busca de capas semánticas, simbolismos secretos. Algunas pinturas están cubiertas de secretos y misterios místicos, mientras que otras sorprenden con un precio desorbitado.

Revisamos cuidadosamente todos los principales logros en la pintura mundial y seleccionamos dos docenas de las pinturas más extrañas de ellos. Salvador Dalí, cuyas obras caen completamente bajo el formato de este material y son las primeras que vienen a la mente, no se incluyeron en esta colección intencionalmente.

Está claro que la "extrañeza" es un concepto bastante subjetivo, y para todos hay pinturas asombrosas que se destacan de otras obras de arte. Estaremos encantados de que los compartas en los comentarios y nos cuentes un poco sobre ellos.

"Grito"

Edvard Munch. 1893, cartulina, óleo, témpera, pastel.
Galería Nacional, Oslo.

El Grito es considerado un hito expresionista y una de las pinturas más famosas del mundo.

Hay dos interpretaciones de lo que se representa: es el propio héroe el que se apodera del horror y grita en silencio, llevándose las manos a los oídos; o el héroe cierra sus oídos al grito del mundo y de la naturaleza que suena a su alrededor. Munch escribió cuatro versiones de El grito, y hay una versión de que esta imagen es fruto de una psicosis maníaco-depresiva que padecía el artista. Después de un curso de tratamiento en la clínica, Munch no volvió a trabajar en el lienzo.

“Caminaba por el sendero con dos amigos. El sol se estaba poniendo, de repente el cielo se volvió rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca, miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé de pie, temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atraviesa la naturaleza”, dijo Edvard Munch sobre la historia de la pintura.

"¿De dónde vinimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?"

Paul Gauguin. 1897-1898, óleo sobre lienzo.
Museo de Bellas Artes, Boston.

Bajo la dirección del propio Gauguin, la imagen debe leerse de derecha a izquierda: los tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título.

Tres mujeres con un hijo representan el comienzo de la vida; el grupo medio simboliza la existencia diaria de la madurez; en el último grupo, según el artista, "una anciana que se acerca a la muerte parece reconciliada y entregada a sus pensamientos", a sus pies "un extraño pájaro blanco... representa la futilidad de las palabras".

Una imagen profundamente filosófica del postimpresionista Paul Gauguin fue escrita por él en Tahití, donde huyó de París. Al final de la obra, incluso quiso suicidarse: "Creo que este lienzo es superior a todos mis anteriores y que nunca crearé algo mejor o incluso similar". Vivió otros cinco años, y así sucedió.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, óleo sobre lienzo.
Museo Reina Sofía, Madrid.

Guernica presenta escenas de muerte, violencia, atrocidades, sufrimiento e impotencia, sin precisar sus causas inmediatas, pero son obvias. Se dice que en 1940 Pablo Picasso fue convocado a la Gestapo en París. La conversación giró inmediatamente hacia la imagen. "¿Hiciste eso?" - "No, lo hiciste tú".

El enorme fresco "Guernica", pintado por Picasso en 1937, cuenta la incursión de la unidad de voluntarios de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, como resultado de lo cual la ciudad número seis mil quedó completamente destruida. El cuadro se pintó en solo un mes: los primeros días de trabajo en el cuadro, Picasso trabajó durante 10 a 12 horas, y ya en los primeros bocetos se podía ver la idea principal. este es uno de las mejores ilustraciones pesadilla del fascismo, y crueldad humana y dolor

"Retrato de los Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, óleo sobre madera.
Galería Nacional de Londres, Londres.

La famosa pintura está completamente llena de símbolos, alegorías y diversas referencias, hasta la firma "Jan van Eyck estuvo aquí", que convirtió la pintura no solo en una obra de arte, sino en un documento histórico que confirma la realidad del evento. a la que asistió el artista.

El retrato, presumiblemente de Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa, es una de las obras más complejas de la escuela occidental de pintura del Renacimiento del Norte.

En Rusia, en los últimos años, la pintura ha ganado gran popularidad debido al parecido del retrato de Arnolfini con Vladimir Putin.

"Demonio sentado"

Mijaíl Vrubel. 1890, óleo sobre lienzo.
Galería Estatal Tretyakov, Moscú.

"Las manos lo resisten"

Bill Stoneham. 1972.

Este trabajo, por supuesto, no puede clasificarse entre las obras maestras del arte mundial, pero el hecho de que sea extraño es un hecho.

Alrededor de la imagen con un niño, una muñeca y las palmas de las manos contra el cristal, hay leyendas. Desde "a causa de esta imagen mueren" hasta "los niños en ella están vivos". La imagen se ve realmente espeluznante, lo que genera muchos temores y conjeturas en personas con una psique débil.

El artista, por su parte, aseguró que el cuadro lo representa a sí mismo a los cinco años, que la puerta es una representación de la línea divisoria entre el mundo real y el mundo de los sueños, y la muñeca es una guía que puede llevar al niño a través de este mundo. Las manos representan vidas alternativas o posibilidades.

La pintura ganó notoriedad en febrero de 2000 cuando se puso a la venta en eBay con una historia de fondo que decía que la pintura estaba "embrujada". "Hands Resist Him" ​​fue comprada por $1,025 por Kim Smith, quien luego fue inundada con cartas de historias espeluznantes y exige quemar la pintura.

Hoy presentamos a su atención veinte pinturas que son dignas de atención y reconocimiento. Estas pinturas fueron pintadas por artistas famosos, y deben ser conocidas no solo por la persona que se dedica al arte, sino también por la gente común y corriente, ya que el arte pinta nuestra vida, la estética profundiza nuestra visión del mundo. Dale al arte el lugar que le corresponde en tu vida...

1. "La Última Cena". Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pintura monumental de Leonardo da Vinci que representa la escena de la última comida de Cristo con sus discípulos. Creado en los años 1495-1498 en el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

La pintura fue encargada por Leonardo a su mecenas, el duque Lodovico Sforza y ​​su esposa Beatrice d'Este. El escudo de armas de Sforza está pintado en los lunetos sobre el cuadro, formado por un techo de tres arcos. La pintura se comenzó en 1495 y se completó en 1498; el trabajo era intermitente. La fecha de inicio de las obras no es exacta, porque "se destruyeron los archivos del monasterio, y una parte insignificante de los documentos que tenemos fechados en 1497, cuando la pintura estaba casi terminada".

La pintura se convirtió en un hito en la historia del Renacimiento: la profundidad de perspectiva correctamente reproducida cambió la dirección del desarrollo de la pintura occidental.

Se cree que en esta imagen se esconden muchos secretos y pistas; por ejemplo, se supone que las imágenes de Jesús y Judas están borradas de una sola persona. Cuando Da Vinci pintó el cuadro, en su visión, Jesús personificaba la bondad, mientras que Judas era pura maldad. Y cuando el maestro encontró a “su Judas” (un borracho de la calle), resultó que, según cuentan los historiadores, este borracho había servido de prototipo para pintar la imagen de Jesús unos años antes. Por lo tanto, podemos decir que esta imagen capturó a una persona en diferentes periodos su vida.

2. "Girasoles". Vincent van Gogh, 1887

Nombre de dos ciclos de pinturas del artista holandés Vincent van Gogh. La primera serie se realizó en París en 1887. Está dedicado a las flores tumbadas. La segunda serie se completó un año después, en Arles. Ella representa un ramo de girasoles en un jarrón. Dos pinturas parisinas Adquirido por el amigo de van Gogh, Paul Gauguin.

El artista pintó girasoles once veces. Las primeras cuatro pinturas fueron creadas en París en agosto-septiembre de 1887. Grandes flores cortadas yacen como extrañas criaturas muriendo ante nuestros ojos.

3. "La novena ola". Iván Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Una de las pinturas más famosas del pintor marino ruso Ivan Aivazovsky se conserva en el Museo Ruso.

El pintor representa el mar tras la tormenta nocturna más fuerte y los náufragos. Los rayos del sol iluminan las enormes olas. El más grande de ellos, el noveno eje, está listo para caer sobre las personas que intentan escapar sobre los restos del mástil.

A pesar de que el barco se destruye y solo queda el mástil, las personas en el mástil están vivas y continúan luchando contra los elementos. Los tonos cálidos de la imagen hacen que el mar no sea tan duro y le da al espectador la esperanza de que la gente se salve.

Creada en 1850, la pintura "La novena ola" se convirtió inmediatamente en la más famosa de todas sus marinas y fue adquirida por Nicolás I.

4. "Maja desnuda". Francisco Goya, 1797-1800

Cuadro artista español Francisco Goya, pintado hacia 1797-1800. Combina con el cuadro "Maja vestida" (La maja vestida). Las pinturas representan a maja, una ciudadana española de los siglos XVIII y XIX, uno de los objetos favoritos de la imagen del artista. Maja Nude es una de las primeras obras del arte occidental que representa a una mujer completamente desnuda sin connotaciones mitológicas o negativas.

5. "Vuelo de los amantes". Marc Chagall, 1914-1918

El trabajo en la pintura "Above the City" comenzó en 1914, y últimos retoques el maestro aplicó solo en 1918. Durante este tiempo, Bella pasó de ser una amada no solo a una esposa adorada, sino también a la madre de su hija Ida, convirtiéndose para siempre en la musa principal del pintor. La unión de una hija rica de un joyero hereditario y un joven judío sencillo, cuyo padre se ganaba la vida descargando arenques, solo puede llamarse una mala alianza, pero el amor fue más fuerte y superó todas las convenciones. Fue este amor el que los inspiró, elevándolos al cielo.

Karina representa los dos amores de Chagall a la vez: Bella y el querido Vitebsk. Las calles se presentan en forma de casas, separadas por un cerco alto y oscuro. El espectador no notará de inmediato una cabra pastando a la izquierda del centro de la imagen, y un hombre sencillo con los pantalones bajados en primer plano: un humor del pintor, que rompe con el contexto general y el estado de ánimo romántico de la obra. pero esto es todo el Chagall...

6. "El rostro de la guerra". Salvador Dalí, 1940

Cuadro del artista español Salvador Dalí, pintado en 1940.

La pintura fue creada en el camino a los Estados Unidos. Impresionado por la tragedia que se desató en el mundo, la sed de sangre de los políticos, el capitán comienza a trabajar en el barco. Ubicado en el Museo Boijmans-van Beuningen de Róterdam.

Habiendo perdido toda esperanza de una vida normal en Europa, el artista deja su amado París por América. La guerra cubre el Viejo Mundo y busca apoderarse del resto del mundo. El maestro aún no sabe que permanecer en el Nuevo Mundo durante ocho años lo hará verdaderamente famoso y sus obras, obras maestras del arte mundial.

7. "Gritar". Edvard Munch, 1893

El grito (skrik noruego) es una serie de pinturas creadas entre 1893 y 1910 por el pintor expresionista noruego Edvard Munch. Representan una figura humana que grita desesperada contra un cielo rojo sangre y un paisaje de fondo muy generalizado. En 1895, Munch creó una litografía sobre el mismo tema.

El cielo rojo y ardiente cubrió el fiordo frío, lo que, a su vez, da lugar a una sombra fantástica, similar a una especie de monstruo marino. La tensión distorsiona el espacio, las líneas se rompen, los colores no coinciden, la perspectiva se destruye.

Muchos críticos creen que la trama de la imagen es fruto de la fantasía enfermiza de un enfermo mental. Alguien ve en la obra una premonición de una catástrofe ecológica, alguien resuelve la cuestión de qué tipo de momia inspiró al autor a realizar esta obra.

8. "La joven de la perla". Jan Vermeer, 1665

La pintura "La joven de la perla" (holandés. "Het meisje met de parel") fue escrita alrededor de 1665. Actualmente almacenado en el Museo Mauritshuis, La Haya, Países Bajos, y es tarjeta de llamada museo. La pintura, apodada la Mona Lisa holandesa o Mona Lisa del Norte, está escrita en el género Tronie.

Gracias a la película de Peter Webber de 2003 La joven de la perla, gran cantidad las personas que están lejos de la pintura aprendieron sobre el maravilloso artista holandés Jan Vermeer, así como sobre su pintura más famosa, La joven de la perla.

9. "Torre de Babel". Pieter Brueghel, 1563

Famoso cuadro de Pieter Brueghel. El artista creó al menos dos pinturas sobre este tema.

La pintura se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Hay una historia en la Biblia acerca de cómo el pueblo de Babilonia trató de construir Torre alta para llegar al cielo, pero Dios hizo que hablaran en diferentes idiomas, dejaron de entenderse y la torre quedó inconclusa.

10. "Mujeres argelinas". Pablo Picasso, 1955

"Mujeres de Argelia": una serie de 15 pinturas creadas por Picasso en 1954-1955 basadas en las pinturas de Eugene Delacroix; las pinturas se distinguen por las letras asignadas por el artista de la A a la O. La "Versión O" fue escrita el 14 de febrero de 1955; durante algún tiempo perteneció al famoso coleccionista de arte estadounidense del siglo XX, Victor Ganz.

"Mujeres de Argel (versión O)" de Pablo Picasso se vendió por 180 millones de dólares.

11. "Nuevo planeta". Konstantin Yuon, 1921

ruso pintor soviético, maestro del paisaje, artista de teatro teórico del arte. Académico de la Academia de Artes de la URSS. artista del pueblo URSS. Laureado premio stalin primer grado. Miembro del PCUS desde 1951.

Este asombroso, creado en 1921 y nada característico del artista realista Yuon, la pintura "Nuevo planeta" es una de las obras más brillantes que encarna la imagen de los cambios en los que se convirtió la Revolución de Octubre en la segunda década del siglo XX. nueva construcción, nueva manera y una nueva forma de pensar de la recién nacida sociedad soviética. ¿Qué le espera ahora a la humanidad? ¿Futuro brillante? No lo pensaron en ese momento, pero ¿qué Rusia soviética y el mundo entero está entrando en una era de cambio, como lo está el rápido nacimiento de un nuevo planeta.

12. "Madonna Sixtina". Rafael Santi, 1754

Pintura de Raphael, que ha estado en la Old Masters Gallery de Dresde desde 1754. Pertenece a los picos generalmente reconocidos del Alto Renacimiento.

De gran tamaño (265 × 196 cm, ya que el tamaño de la pintura se indica en el catálogo de la Galería de Dresde), el lienzo fue creado por Rafael para el altar de la iglesia del monasterio de San Sixto en Piacenza, por encargo del Papa. Julio II. Existe la hipótesis de que el cuadro fue pintado en 1512-1513 en honor a la victoria sobre los franceses, que invadieron Lombardía durante las guerras italianas, y la posterior incorporación de Piacenza a los Estados Pontificios.

13. "María Magdalena penitente". Tiziano (Tiziano Vecellio), pintado hacia 1565

Cuadro pintado hacia 1565 por el artista italiano Tiziano Vecellio. Pertenece al Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo. A veces, la fecha de creación se da como "década de 1560".

La modelo de la pintura fue Giulia Festina, quien golpeó al artista con una melena dorada. El lienzo terminado impresionó mucho al duque de Gonzaga, quien decidió encargar una copia del mismo. Más tarde, Tiziano, cambiando el fondo y la pose de la mujer, pintó un par de obras más similares.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Retrato de doña Lisa del Giocondo, (ital. Ritratto de Monna Lisa del Giocondo) - un cuadro de Leonardo da Vinci, ubicado en el Louvre (París, Francia), uno de los más trabajos famosos pintura en el mundo, que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo, pintado alrededor de 1503-1505.

Según una de las versiones presentadas, "Mona Lisa" es un autorretrato de la artista.

15. “Mañana en un bosque de pinos”, Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Pintura de los artistas rusos Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Savitsky pintó los osos, pero el coleccionista Pavel Tretyakov borró su firma, por lo que a menudo se menciona una pintura como autor.

La idea de la pintura fue sugerida a Shishkin por Savitsky, quien luego actuó como coautor y representó las figuras de los cachorros. Estos osos, con algunas diferencias de postura y número (al principio eran dos), aparecen en dibujos y bocetos preparatorios. Los animales le quedaron tan bien a Savitsky que incluso firmó la pintura junto con Shishkin.

16. "No esperamos". Ilia Repin, 1884-1888

Pintura del artista ruso Ilya Repin (1844-1930), pintada en 1884-1888. Es parte de la colección de la Galería Estatal Tretyakov.

Pintura expuesta en XII exposición itinerante, se incluye en el ciclo narrativo dedicado al destino del revolucionario populista ruso.

17. Baile en el Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

el cuadro pintado artista francés Pierre Auguste Renoir en 1876.

El lugar donde se encuentra el cuadro es el Musée d'Orsay. El Moulin de la Galette es una taberna económica en Montmartre donde se reunían los estudiantes y la juventud trabajadora de París.

18. Noche estrellada. Vincent van Gogh, 1889

La luz del sol- una pintura del artista holandés Vincent van Gogh, escrita en junio de 1889, con una vista del cielo antes del amanecer sobre una ciudad ficticia desde la ventana este de la vivienda del artista en Saint-Remy-de-Provence. Desde 1941 se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerada una de las mejores obras de Van Gogh y una de las más obras significativas pintura occidental.

19. "Creación de Adán". Miguel Ángel, 1511.

Fresco de Miguel Ángel, pintado hacia 1511. El fresco es la cuarta de nueve composiciones centrales en el techo de la Capilla Sixtina.

La Creación de Adán es una de las composiciones murales más destacadas de la Capilla Sixtina. En el espacio infinito, Dios Padre vuela, rodeado de ángeles sin alas, con una túnica blanca ondulante. La mano derecha se extiende hacia la mano de Adán y casi la toca. Recostado sobre una roca verde, el cuerpo de Adam gradualmente comienza a moverse, despierta a la vida. Toda la composición se concentra en el gesto de dos manos. La mano de Dios da el impulso, y la mano de Adán lo recibe, dando todo el cuerpo energía vital. Por el hecho de que sus manos no se tocan, Miguel Ángel enfatizó la imposibilidad de conectar lo divino y lo humano. En la imagen de Dios, según el artista, no prevalece un principio milagroso, sino una gigantesca energía creadora. A imagen de Adán, Miguel Ángel canta sobre la fuerza y ​​la belleza cuerpo humano. De hecho, no es la creación misma del hombre lo que se nos presenta, sino el momento en que recibe un alma, una búsqueda apasionada de lo divino, una sed de conocimiento.

20. "Beso en el cielo estrellado". Gustav Klimt, 1905-1907

Pintura del artista austriaco Gustav Klimt, pintada en 1907-1908. El lienzo pertenece al período de la obra de Klimt, llamado "dorado", ultimo trabajo el autor en su "época dorada".

Sobre una roca, al borde de un prado de flores, en un aura dorada, los amantes se encuentran completamente inmersos el uno en el otro, separados del mundo entero. Debido a la incertidumbre del lugar de lo que está sucediendo, parece que la pareja retratada en la imagen transita hacia un estado cósmico que no está sujeto al tiempo y al espacio, más allá de todos los estereotipos y cataclismos históricos y sociales. La soledad completa y el rostro del hombre vuelto hacia atrás solo enfatizan la impresión de aislamiento y desapego en relación con el observador.

Fuente - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me