Quién pintó el cuadro. ¿Quién pintó los primeros cuadros?

Dibujo está enraizado en un muy primeros años humano civilización.

primeros artistas

Primero artistas estaban en la tierra cavernicolas. En las paredes de las cuevas del sur de Francia y España se encuentran de colores dibujos de animales que se realizaron entre el 30.000 y el 20.000 a.

Muchos de estos dibujos sorprendentemente bien conservado, porque las cuevas eran desconocidas para muchos.

Los antiguos dibujaban animales salvajes que veían a su alrededor.

Antigua técnica de dibujo.

Muy inmaduros en cuanto a la técnica, se encontraron figuras humanas, pero dibujadas como en poses vivas, en África y en el este España.

hombres de las cavernas los artistas pintaron las cuevas con una variedad de colores brillantes.

¿Qué pinturas se usaban en la antigüedad?

Como tintes utilizados tierra ocre(varios óxidos de hierro - de amarillo brillante a naranja oscuro) y manganeso(elemento metálico).

Se trituraban hasta convertirlas en polvo, se mezclaban con manteca, grasa animal y se aplicaban con una especie de cepillos.

A veces, los tintes, triturados hasta convertirlos en polvo y mezclados con manteca de cerdo, se llenaban con palos de madera, que se convertían en " lápices de colores».

¿Y por qué se hicieron los pinceles?

Los hombres de las cavernas tenían que hacer cepillos de pelo animal o fibras vegetales e incisivos de pedernal afilados para rascar líneas.

civilización temprana

Una de las primeras civilizaciones apareció en Egipto, y luego estaban los artistas que pintaban pinturas. Muchas obras de arte fueron creadas para decorar pirámides y las tumbas de los faraones y otros gente importante.

En la pared lienzo Los artistas de tumbas inmortalizaron escenas de la vida de una persona. Usaron pinturas de acuarela y blanco.

Desarrollo del arte de la pintura.

Otro civilización antigua - Egeo- también alcanzó un nivel significativo de desarrollo pintura de arte.

Sus artistas en un estilo libre y elegante, representaron la vida del mar, animales, flores, juegos de deporte.

Sus dibujos fueron realizados sobre yeso húmedo. Este clase especial dibujo que ahora llamamos frescos.

pinturas rupestres

Hace unos 15 mil años, los pintores primitivos decoraron la cueva de Lascaux en el suroeste de Francia con pinturas rupestres. Las paredes de la cueva están completamente cubiertas con imágenes inusuales de animales: toros, bisontes, rinocerontes, caballos, ciervos, dibujadas en tamaño real con ocre, hollín y delineadas con contornos oscuros: más de 500 imágenes en total.

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Los primeros artistas en la tierra fueron hombres de las cavernas. En las paredes de las cuevas del sur de Francia y España se encontraron dibujos de animales en colores, que se realizaron en el período comprendido entre el 30.000 y el 20.000 a. Muchos de estos dibujos están sorprendentemente bien conservados porque las cuevas fueron desconocidas durante muchos siglos. Los antiguos dibujaban animales salvajes que veían a su alrededor. Se han descubierto figuras humanas, de técnica muy inmadura, pero dibujadas en poses realistas, en África y el este de España.

Los artistas rupestres pintaron las paredes de las cuevas con una variedad de colores brillantes. El ocre de la tierra (óxidos de hierro de varios colores, desde el amarillo brillante hasta el naranja oscuro) y el manganeso (un elemento metálico) se usaban como colorantes. Se trituraban hasta convertirlas en polvo, se mezclaban con manteca, manteca animal y se aplicaban con una especie de brocha. A veces, los tintes, triturados en polvo y mezclados con manteca de cerdo, se llenaban con palos de madera, que se convertían en "lápices de colores".

Los hombres de las cavernas tenían que hacer borlas con pelo de animales o fibras vegetales y cinceles de pedernal afilados para rascar líneas. Una de las primeras civilizaciones apareció en Egipto, y luego hubo artistas que pintaron cuadros. Se crearon muchas obras de arte para decorar las pirámides y las tumbas de los faraones y otras personas importantes. En el lienzo de la pared de las tumbas, los artistas inmortalizaron escenas de la vida de una persona. Utilizaron acuarelas y cal.

Otra civilización antigua, el Egeo, también alcanzó un nivel significativo de desarrollo del arte de la pintura. Sus artistas trabajaron en un estilo libre y elegante, representaron la vida del mar, animales, flores, juegos deportivos. Sus dibujos fueron realizados sobre yeso húmedo. Este tipo especial de pintura ahora se llama frescos. Entonces ves que el dibujo tiene sus raíces en los primeros años de la civilización humana.

En casi todos trabajo significativo el arte es un misterio, un "doble fondo" o historia secreta que desea abrir.

Música en las nalgas

Hieronymus Bosch, "Jardín placeres terrenales", 1500-1510.

Fragmento de un tríptico

Disputas sobre los significados y significados ocultos obra más famosa artista holandés no han disminuido desde su inicio. En el ala derecha del tríptico llamado "Infierno Musical" se representan pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas impresas en sus nalgas. La estudiante de la Universidad Cristiana de Oklahoma, Amelia Hamrick, que estudió la pintura, transpuso la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años".

Mona lisa desnuda

La famosa "Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue escrita por artista poco conocido Salai, quien fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos críticos de arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan el Bautista" y "Baco". También hay versiones que vestidas con un vestido de mujer, Salai sirvió como la imagen de la propia Mona Lisa.

viejo pescador

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintó el cuadro " viejo pescador". Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar colocó un subtexto en ella, que nunca se reveló durante la vida del artista.

A pocas personas se les ocurrió poner un espejo en medio del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo se duplica) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo se duplica).

¿Había una ballena?

Hendrik van Antonissen "Escena en la orilla".

Parecería que, paisaje ordinario. Barcos, gente en la orilla y el mar del desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original, examinaron el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.

Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y volvió a pintar la pintura.

Dos "Desayunos en la Hierba"

Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba, 1863.

Claude Monet, Desayuno sobre la hierba, 1865.

Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron al estilo del impresionismo. Incluso el nombre de uno de los cuadros más famosos de Manet, "Desayuno sobre la hierba", Monet lo tomó prestado y escribió su "Desayuno sobre la hierba".

Gemelos en la Última Cena

leonardo da vinci, La última cena", 1495-1498.

Cuando Leonardo da Vinci escribió La última cena, dio significado especial dos figuras: Cristo y Judas. Estuvo buscando niñeras para ellos durante mucho tiempo. Finalmente, logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantores. Leonardo no pudo encontrar una niñera para Judas durante tres años. Pero un día se encontró con un borracho tirado en la cuneta de la calle. Era un hombre joven que había envejecido por el consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a escribirle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace unos años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo escribió a Cristo de él.

¿"Guardia de la noche" o "Guardia del día"?

Rembrandt, La ronda de noche, 1642.

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg", colgó durante unos doscientos años en diferentes salones y fue descubierto por historiadores del arte recién en el siglo XIX. Dado que las figuras parecían destacarse sobre un fondo oscuro, se llamó Night Watch, y bajo este nombre ingresó al tesoro del arte mundial.

Y solo durante la restauración, realizada en 1947, resultó que en la sala la imagen había logrado cubrirse con una capa de hollín que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena presentada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.

barco volcado

Henri Matisse, "El barco", 1937.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961, se exhibió la pintura de Henri Matisse "El barco". Solo después de 47 días, alguien notó que la pintura estaba colgada boca abajo. El lienzo representa 10 líneas moradas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón, la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no confundirse con la forma en que debe colgarse la imagen, debe prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y el pico de la vela de la pintura debe estar dirigido hacia la esquina superior derecha.

Engaño en un autorretrato

Vincent van Gogh, Autorretrato con pipa, 1889.

Hay leyendas de que Van Gogh supuestamente se cortó la oreja. Ahora, la versión más confiable es que la oreja de van Gogh se dañó en una pequeña pelea con la participación de otro artista, Paul Gauguin.

El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista está representado con la oreja derecha vendada, porque usaba un espejo cuando trabajaba. De hecho, la oreja izquierda estaba dañada.

osos alienígenas

Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.

La famosa pintura pertenece no solo al pincel de Shishkin. Muchos artistas que eran amigos entre sí a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que había estado pintando paisajes toda su vida, temía que tocar osos no resultaría como él necesitaba. Por lo tanto, Shishkin recurrió a un conocido pintor de animales, Konstantin Savitsky.

Savitsky dibujó quizás los mejores osos de la historia. pintura rusa, y Tretyakov ordenó que su nombre fuera borrado del lienzo, ya que todo en el cuadro “empezando por la idea y terminando con la ejecución, todo habla de la manera de pintar, de metodo creativo característica de Shishkin.

Cuento inocente "Gótico"

otorgar madera, gótico americano", 1930.

El trabajo de Grant Wood es considerado uno de los más extraños y deprimentes de la historia. pintura americana. La imagen con un padre y una hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no pretendía representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, se fijó en una pequeña casa en estilo gótico y decidió retratar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados en forma de personajes que ofendieron tanto a la gente de Iowa.

La venganza de Salvador Dalí

El cuadro "Figura en la ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. Entonces Gala aún no había entrado en la vida del artista, y su hermana Ana María fue su musa. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo sobre un retrato de mi propia madre, y me da placer”. Ana María no podía perdonar tal escandalo.

En su libro de 1949 Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin elogios. El libro enfureció a El Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba con enojo en cada oportunidad. Y así, en 1954, aparece la imagen "Una joven virgen que se entrega al pecado de sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad". La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de la Figura en la ventana. Hay una versión de que así fue como Dalí se vengó de su hermana por su libro.

Dánae de dos caras

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Dánae, 1636-1647.

Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt se revelaron solo en los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo se iluminó con rayos X. Por ejemplo, el tiroteo mostró que en la primera versión el rostro de la princesa, que entró en amorío con Zeus, parecía el rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final de la pintura, comenzó a parecerse al rostro de Gertier Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió después de la muerte de su esposa.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arles", 1888 - 1889.

En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño taller en Arles, en el sur de Francia, donde huía de quienes no lo entendían. artistas parisinos y críticos. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre, todo está listo y decide pintar el Dormitorio de Van Gogh en Arles. Para el artista, el color, la comodidad de la habitación era muy importante: todo debía sugerir pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen se sostiene en inquietantes tonos amarillos.

Los investigadores de la creatividad de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia, que provoca cambios graves en la percepción del color por parte del paciente: toda la realidad circundante está pintada en tonos verde-amarillos.

Perfección desdentada

Leonardo da Vinci, "Retrato de la señora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

La opinión generalmente aceptada es que Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por la expresión de su rostro, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras examinaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también encontró cicatrices alrededor de su boca. “Ella sonríe tanto precisamente por lo que le pasó”, cree el experto. “Su expresión facial es la típica de las personas que han perdido los dientes frontales”.

Mayor en el control de la cara

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

El público, que vio por primera vez la pintura "Major's Matchmaking", se rió de buena gana: el artista Fedotov la llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para los espectadores de esa época. Por ejemplo, el mayor claramente no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: apareció sin los ramos adecuados para la novia y su madre. Y la novia misma, sus padres comerciantes dados de alta en la noche. vestido de fiesta, aunque es de día (todas las lámparas de la habitación están apagadas). La chica obviamente se probó un vestido escotado por primera vez, se avergüenza e intenta huir a su habitación.

Por qué la libertad está desnuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertad en las barricadas, 1830.

Según el historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintó el rostro de una mujer de la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anna-Charlotte, quien fue a las barricadas después de la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con el torso desnudo. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como el triunfo de la democracia: los senos desnudos muestran que Svoboda, como un plebeyo, no usa corsé.

cuadrado no cuadrado

Kazimir Malevich, Plaza suprematista negra, 1915.

De hecho, el "Cuadrado negro" no es en absoluto negro ni cuadrado: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, y ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. PERO color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los que no había negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y móvil.

Los especialistas de la Galería Tretyakov han descubierto la inscripción del autor en una famosa pintura de Malevich. La inscripción dice: "Batalla de los negros en una cueva oscura". Esta frase hace referencia al título del cuadro lúdico. periodista francés, escritor y artista Alphonse Allais "Batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche", que era un rectángulo absolutamente negro.

Melodrama de la Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Una de las pinturas más significativas de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutida torbellino romántico adela y Artista famoso. El marido herido quería vengarse de sus amantes, pero eligió una muy manera inusual: decidió encargar un retrato de Adele para Klimt y hacerle hacer cientos de bocetos hasta que el artista empieza a salir de ella.

Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años y la modelo pudo ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecen. Hizo una oferta generosa al artista, que no pudo rechazar, y todo resultó de acuerdo con el escenario del marido engañado: el trabajo se completó en 4 años, los amantes se habían enfriado durante mucho tiempo. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su esposo estaba al tanto de su relación con Klimt.

El cuadro que devolvió la vida a Gauguin

Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.

El lienzo más famoso de Gauguin tiene una característica: no se "lee" de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que la alegoría de lo espiritual y vida fisica de una persona: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).

La pintura fue pintada por Gauguin en Tahití, donde el artista huyó varias veces de la civilización. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a las montañas a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se tambaleó hasta su choza y se durmió, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vivir. Y en 1898, sus asuntos fueron cuesta arriba y comenzó un período más brillante en su trabajo.

112 proverbios en una imagen

Pieter Brueghel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559

Pieter Brueghel el Viejo representó una tierra habitada por imágenes literales de los proverbios holandeses de aquellos días. Hay aproximadamente 112 modismos reconocibles en el cuadro pintado. Algunos de ellos todavía se utilizan hoy en día, como "nadar contra la corriente", "golpearse la cabeza contra la pared", "armado hasta los dientes" y "el pez grande se come a los pequeños".

Otros proverbios reflejan la estupidez humana.

Subjetividad del arte

Paul Gauguin, pueblo bretón bajo la nieve, 1894

La pintura de Gauguin "Pueblo bretón en la nieve" se vendió después de la muerte del autor por solo siete francos y, además, bajo el título " Cataratas del Niágara". El subastador colgó accidentalmente la pintura boca abajo después de ver una cascada en ella.

imagen oculta

Pablo Picasso, La habitación azul, 1901

En 2008 radiación infrarroja mostró que otra imagen está escondida debajo de la "Habitación Azul": un retrato de un hombre vestido con un traje con una mariposa y apoyando la cabeza en su mano. “Tan pronto como Picasso tuvo Idea Nueva, tomó el pincel y lo plasmó. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que la musa lo visitaba", explica causa posible esta historiadora del arte Patricia Favero.

Mujeres marroquíes inaccesibles

Zinaida Serebryakova, Desnuda, 1928

Una vez que Zinaida Serebryakova recibió oferta tentadora- Embárcate en un viaje creativo para retratar las figuras desnudas de las doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. Un intérprete de Zinaida vino al rescate: le trajo a sus hermanas y a su novia. Nadie antes y después de eso fue capaz de capturar el cerrado mujeres orientales desnudo.

Visión espontánea

Valentin Serov, "Retrato de Nicolás II con chaqueta", 1900

Durante mucho tiempo, Serov no pudo pintar un retrato del rey. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa, estiró las manos frente a él ... Y luego el artista se dio cuenta: ¡aquí está! Un simple militar con chaqueta de oficial de ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.

otra vez diablos

© Fiódor Reshetnikov

La famosa pintura "Again deuce" es solo la segunda parte de la trilogía artística.

La primera parte es "Llegaron para las vacaciones". Obviamente una familia acomodada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.

La segunda parte es "Otra vez el deuce". Una familia pobre de la periferia trabajadora, la altura año escolar, un aturdidor abatido, de nuevo agarrando un deuce. En la esquina superior izquierda puede ver la imagen "Llegó para las vacaciones".

La tercera parte es "Re-examen". Casa de Campo, verano, todos están caminando, un ignorante malicioso que reprobó el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y abarrotar. En la esquina superior izquierda puedes ver la imagen "Otra vez deuce".

Cómo nacen las obras maestras

Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844

En 1842, la Sra. Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente, comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando así durante unos diez minutos. Incapaz de contener su curiosidad, la mujer también abrió la ventana y miró hacia adelante. Un año después, descubrió la pintura “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Royal Academy of Arts y pudo reconocer en ella el episodio mismo del tren.

Lección de anatomía de Miguel Ángel

Miguel Ángel, La creación de Adán, 1511

Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más famosas. Creen que se representa un enorme cerebro en el lado derecho de la imagen. Sorprendentemente, incluso se pueden encontrar componentes complejos como el cerebelo, los nervios ópticos y la glándula pituitaria. Y la pegadiza cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.

La Última Cena de Van Gogh

Vincent van Gogh, Terraza de café por la noche, 1888

El investigador Jared Baxter cree que Terraza de café de noche de Van Gogh contiene una dedicatoria a La última cena de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen hay un camarero con pelo largo y con una túnica blanca, que recuerda a la ropa de Cristo, y alrededor de él exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz, ubicada directamente detrás de la espalda del mesero en blanco.

La imagen de la memoria de Dalí

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931

No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre tenían la forma de un pensamiento muy imágenes realistas, que luego el artista transfirió al lienzo. Entonces, según el propio autor, la pintura "La persistencia de la memoria" fue pintada como resultado de asociaciones que surgieron al ver el queso procesado.

¿De qué está gritando Munch?

Edvard Munch, "El grito", 1893.

Munch habló sobre el surgimiento de su idea de uno de los más pinturas misteriosas en la pintura del mundo: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca - Miré la sangre y las llamas sobre el azulado- el fiordo negro y la ciudad - prosiguieron mis amigos, y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza. Pero, ¿qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?

Hay una versión de que la idea de "Scream" nació de Munch en 1883, cuando hubo varias erupciones más fuertes del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Una copiosa cantidad de polvo y ceniza se esparció por todo el mundo llegando incluso a Noruega. Durante varias tardes seguidas, las puestas de sol parecían que el apocalipsis estaba a punto de llegar, una de ellas se convirtió en una fuente de inspiración para el artista.

Escritor entre la gente

Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.

Docenas de modelos posaron para Alexander Ivanov para su imagen principal. Uno de ellos es conocido nada menos que el propio artista. Al fondo, entre viajeros y jinetes romanos que aún no han oído el sermón de Juan Bautista, se nota un personaje con túnica parda. Su Ivanov escribió con Nikolai Gogol. El escritor se comunicó estrechamente con el artista en Italia, en particular sobre temas religiosos, y le dio consejos en el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "había muerto hacía mucho tiempo por todo el mundo, excepto por su trabajo".

la gota de miguel angel

Rafa Santi, " escuela ateniense", 1511.

Por crear famoso fresco“Escuela de Atenas”, inmortalizó Rafael en imágenes a sus amigos y conocidos filósofos griegos antiguos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarroti "en el papel" de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y investigadores modernos hizo la suposición de que la rodilla extrañamente angular del artista indica la presencia de una enfermedad de las articulaciones.

Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones de trabajo de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.

Espejo de los Arnolfinis

Jan van Eyck, "Retrato de los Arnolfini", 1434

En el espejo detrás de los Arnolfinis, puedes ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que estos sean testigos presentes en la celebración del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra inscripción latina, colocado, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: "Jan van Eyck estuvo aquí". Así se sellaban habitualmente los contratos.

Cómo un defecto se convirtió en un talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.

La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista sufría de estrabismo: en las imágenes, sus ojos miran hacia adentro lados diferentes, que no se observa en los retratos de otras personas del maestro. La enfermedad llevó al hecho de que el artista podía percibir mejor la realidad en dos dimensiones que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero dado que el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, fue precisamente esta deficiencia de Rembrandt la que podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.

Venus sin pecado

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1482-1486.

Antes del advenimiento de El nacimiento de Venus, la imagen del desnudo Cuerpo de mujer en la pintura simbolizaba solo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primer pintor europeo que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza la imagen cristiana del fresco: su aparición es una alegoría del renacimiento del alma que ha pasado por el rito del bautismo.

¿Laudista o laudista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, El laúd, 1596.

Durante mucho tiempo, la pintura estuvo expuesta en el Hermitage bajo el título de "Laudista". Solo a principios del siglo XX, los historiadores del arte coincidieron en que el lienzo todavía representa a un hombre joven (probablemente, Caravaggio fue posado por su amigo el artista Mario Minniti): en las notas frente al músico, una grabación de la parte del bajo de se ve el madrigal de Jacob Arcadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión, es simplemente difícil para la garganta. Además, el laúd, como el violín en el borde mismo del cuadro, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.

La monja de Ilya Repin

Ilia Repin. Monja. 1878. Galería Estatal Tretyakov / Retrato bajo rayos X

Una joven con estricta ropa monástica mira atentamente al espectador desde el retrato. La imagen es clásica y familiar: probablemente no habría despertado interés entre los críticos de arte si no fuera por las memorias de Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, la sobrina de la esposa de Repin. Tienen una historia interesante.

Sophia Repina, de soltera Shevtsova, posó para Ilya Repin para The Nun. La niña era la cuñada del artista, y en un momento el propio Repin estaba muy enamorado de ella, pero se casó con su hermana menor, Vera. Sophia también se convirtió en la esposa del hermano de Repin, Vasily, miembro de la orquesta del Teatro Mariinsky.

Esto no impidió que el artista pintara repetidamente retratos de Sophia. Para uno de ellos, la niña posó en un salón de baile ceremonial: un vestido ligero y elegante, mangas de encaje, cabello alto. Mientras trabajaba en la pintura, Repin se peleó seriamente con el modelo. Como saben, todos pueden ofender a un artista, pero pocos pueden vengarse con tanta inventiva como lo hizo Repin. El artista ofendido "vistió" a Sophia en el retrato con ropa monástica.

La historia, parecida a una broma, fue confirmada por una radiografía. Los investigadores tuvieron suerte: Repin no limpió la capa de pintura original, lo que permitió examinar en detalle el atuendo original de la heroína.

"Park Alley" de Isaac Brodsky

Isaac Brodski. callejón del parque. 1930. Colección privada / Isaac Brodsky. Callejón del parque en Roma. 1911

No menos que acertijo interesante dejado para los investigadores por el alumno de Repin, Isaac Brodsky. La Galería Tretyakov tiene su pintura "Park Alley", que a primera vista no tiene nada de especial: Brodsky tenía muchas obras sobre el tema "parque". Sin embargo, cuanto más se adentra en el parque, más coloridas son las capas.

Uno de los investigadores notó que la composición de la pintura recordaba sospechosamente a otra obra del artista: "Park Alley in Rome" (Brodsky fue tacaño con los títulos originales). Esta pintura se consideró perdida durante mucho tiempo y su reproducción se publicó solo en una edición bastante rara de 1929. Con la ayuda de una radiografía, se encontró un callejón romano que había desaparecido misteriosamente, justo debajo del soviético. El artista no limpió la imagen ya terminada y simplemente le hizo una serie de cambios simples: cambió la ropa de los transeúntes a la moda de los años 30 del siglo XX, "le quitó" el serso a los niños, eliminó las estatuas de mármol y modificó ligeramente los árboles. Así que el soleado parque italiano con un par de ligeros movimientos de manos se convirtió en un parque soviético ejemplar.

Cuando se les preguntó por qué Brodsky decidió ocultar su callejón romano, no encontraron respuesta. Pero se puede suponer que la descripción del "modesto encanto de la burguesía" en 1930 ya era inapropiada desde un punto de vista ideológico. Sin embargo, de todas las obras de paisajes posrevolucionarias de Brodsky, "Park Alley" es la más interesante: a pesar de los cambios, la imagen retuvo la encantadora elegancia de la modernidad, que, por desgracia, ya no estaba en el realismo soviético.

"Mañana en un bosque de pinos" de Ivan Shishkin

Iván Shishkin y Konstantin Savitsky. Mañana en bosque de pinos. 1889. Galería Estatal Tretyakov

Un paisaje de bosque con cachorros jugando en un árbol caído es quizás el más trabajo notable artista. Esa es solo la idea del paisaje que Ivan Shishkin incitó a otro artista: Konstantin Savitsky. También pintó una osa con tres cachorros: los osos, un experto en el bosque, Shishkin, no tuvieron éxito de ninguna manera.

Shishkin entendió impecablemente la flora del bosque, notó los más mínimos errores en los dibujos de sus alumnos: o la corteza de abedul no se representa de la misma manera o el pino parece falso. Sin embargo, las personas y los animales en su obra siempre han sido una rareza. Aquí es donde Savitsky vino al rescate. Por cierto, dejó algunos dibujos preparatorios y bocetos con cachorros: estaba buscando poses adecuadas. "Mañana en un bosque de pinos" no era originalmente "Mañana": la pintura se llamaba "Familia de osos en el bosque" y solo había dos osos en ella. Como coautor, Savitsky puso su firma en el lienzo.

Cuando el lienzo fue entregado al comerciante Pavel Tretyakov, se indignó: pagó por Shishkin (ordenó el trabajo del autor), pero recibió a Shishkin y Savitsky. Shishkin, ¿cómo hombre justo, no se atribuyó la autoría. Pero Tretyakov fue por principio y borró blasfemamente la firma de Savitsky de la imagen con trementina. Más tarde, Savitsky rechazó noblemente los derechos de autor, y los osos se atribuyeron a Shishkin durante mucho tiempo.

"Retrato de una corista" de Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Retrato de una corista. 1887. Galería Estatal Tretyakov / Reverso del retrato

En la parte posterior del lienzo, los investigadores encontraron un mensaje de Konstantin Korovin en cartón, que resultó ser casi más interesante que la pintura en sí:

“En 1883 en Kharkov, un retrato de una corista. Escrito en un balcón en un jardín público comercial. Repin dijo, cuando Mamontov S.I. le mostró este boceto, que él, Korovin, escribe y está buscando otra cosa, pero para qué sirve: esto es pintar solo por pintar. Serov aún no había pintado retratos en ese momento. Y la pintura de este boceto fue encontrada incomprensible??!! Entonces Polenov me pidió que eliminara este boceto de la exposición, ya que no les gusta ni a los artistas ni a los miembros, el Sr. Mosolov y algunos otros. La modelo era una mujer fea, hasta algo fea.

Konstantin Korovin

La "carta" desarmó con su franqueza y audaz desafío a toda la comunidad artística: "Serov aún no había pintado retratos en ese momento", pero fueron pintados por él, Konstantin Korovin. Y supuestamente fue el primero en utilizar técnicas características del estilo que más tarde se llamaría impresionismo ruso. Pero todo esto resultó ser un mito que el artista creó intencionalmente.

La teoría armoniosa "Korovin, el precursor del impresionismo ruso" fue destruida sin piedad por la investigación técnica y tecnológica objetiva. En la parte frontal del retrato, encontraron la firma del artista en pintura, un poco más abajo, en tinta: "1883, Kharkov". En Jarkov, el artista trabajó en mayo - junio de 1887: pintó escenarios para las actuaciones del ruso. ópera privada Mamontov. Además, los críticos de arte descubrieron que el “Retrato de una corista” fue realizado en cierto manera artistica- a la prima. Esta tecnica pintura al óleo permitía pintar un cuadro en una sola sesión. Korovin comenzó a utilizar esta técnica solo a fines de la década de 1880.

Después de analizar estas dos inconsistencias, los empleados de la Galería Tretyakov llegaron a la conclusión de que el retrato fue pintado solo en 1887, y más fecha temprana Korovin agregó para enfatizar su propia innovación.

"Hombre y cuna" de Ivan Yakimov

Iván Yakimov. Hombre y cuna.1770. Galería Estatal Tretyakov / Versión completa de la obra

Durante mucho tiempo, la pintura de Ivan Yakimov "Un hombre y una cuna" desconcertó a los historiadores del arte. Y el punto ni siquiera era que este tipo de bocetos cotidianos no son en absoluto típicos de pintura XVIII siglo: el caballito balancín en la esquina inferior derecha de la imagen tiene una cuerda demasiado estirada de forma poco natural, que lógicamente debería haber estado tirada en el suelo. Sí, y era demasiado pronto para que un niño desde la cuna jugara con esos juguetes. Además, la chimenea no entraba ni a la mitad de la lona, ​​lo que se veía muy extraño.

"Iluminado" la situación - en literalmente- Rayos X. Mostró que el lienzo estaba cortado a la derecha y arriba.

A Galería Tretiakov la pintura se produjo después de la venta de la colección de Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Era dueño del llamado "Museo Ruso", una colección de pinturas, esculturas y antigüedades. Pero en 1834, debido a problemas financieros la colección tuvo que ser vendida, y la pintura "Un hombre y una cuna" terminó en la Galería Tretyakov: no toda, sino solo la mitad izquierda. Lamentablemente, se perdió el derecho, pero aún se puede ver la obra en su totalidad, gracias a otra exhibición única de la Galería Tretyakov. La versión completa del trabajo de Yakimov se encontró en el álbum "Colección de excelentes trabajos artistas rusos y Curious Domestic Antiquities”, que contiene dibujos de la mayoría de las pinturas que formaban parte de la colección Svinin.

3 de diciembre de 1961 en el Museo de Nueva York Arte contemporáneo tuvo lugar un evento significativo: la pintura de Matisse "El barco", que colgó boca abajo durante 46 días, se colgó correctamente. No hace falta decir que este no es el único. caso divertido asociado con las pinturas de grandes artistas.

Pablo Picasso pintó uno de sus famosos retratos en menos de 5 minutos

Una vez, uno de los conocidos de Pablo Picasso, mirando sus nuevas obras, le dijo sinceramente al artista: “Lo siento, pero no puedo entender esto. Esas cosas simplemente no existen". A lo que Picasso replicó: “Tú y Chino No entiendo. Pero todavía existe". Sin embargo, Picasso no fue entendido por muchos. Una vez le sugirió al escritor ruso Ehrenburg, su buen amigo, pintar su retrato. Él accedió feliz, pero no tuvo tiempo de sentarse en un sillón a posar, ya que el artista anunció que todo estaba listo.

Ehrenburg expresó sorpresa por la velocidad de ejecución de la obra, después de todo habían pasado menos de 5 minutos, a lo que Picasso respondió: “Te conozco desde hace 40 años. Y todos estos 40 años aprendí a pintar retratos en 5 minutos.

Ilya Repin ayudó a vender un cuadro que no pintó

Una dama compró en el mercado por solo 10 rublos una pintura completamente mediocre, en la que ostentaba con orgullo la firma "I. Repin". Cuando un conocedor de la pintura le mostró este trabajo a Ilya Efimovich, se rió y agregó "Esto no es Repin" y puso su autógrafo. Después de un tiempo, una mujer emprendedora vendió una pintura de un artista desconocido firmada por un gran maestro por 100 rublos.

Los osos en la famosa pintura de Shishkin fueron pintados por otro artista.

Entre los artistas existe una ley tácita: la asistencia mutua profesional. Después de todo, cada uno de ellos no solo tiene historias favoritas y fortalezas pero también debilidades, así que por qué no ayudarse unos a otros. Entonces, se sabe con certeza que para la pintura "Pushkin en la orilla del mar" de Aivazovsky, la figura del gran poeta fue pintada por Repin, y para la pintura de Levitan "Día de otoño". Sokolniki, una dama de negro fue pintada por Nikolai Chekhov. El paisajista Shishkin, que podía dibujar cada brizna de hierba y agujas en sus pinturas, al crear la pintura "Mañana en bosque de pinos“Los osos no resultaron de ninguna manera. Por lo tanto, Savitsky pintó osos para el famoso lienzo Shishkin.

Un trozo de tablero de fibra, sobre el que simplemente se vertía la pintura, se convirtió en una de las pinturas más caras.

El cuadro más caro del mundo en 2006 fue Número 5 de Jackson Polock, 1948. En una de las subastas, la pintura se vendió por 140 millones de dólares. Puede parecer divertido, pero el artista no se "molestó" particularmente con la creación de esta imagen: simplemente derramó pintura sobre un tablero de fibra, extendido en el piso.

La fecha de creación de su cuadro Rubens encriptada por las estrellas

Críticos de arte y científicos durante mucho tiempo no pudieron establecer la fecha de creación de uno de los más Pinturas famosas Rubens - la pintura "La fiesta de los dioses en el Olimpo". El enigma se resolvió solo después de que los astrónomos observaran más de cerca la imagen. Resultó que los caracteres de la imagen estaban ubicados exactamente en el mismo orden en que estaban ubicados los planetas en el cielo en 1602.

El logotipo de Chupa-Chups fue dibujado por el surrealista de fama mundial

En 1961, Enrique Bernata, propietario de la empresa Chupa Chups, le pidió al artista Salvador Dalí que ideara una imagen para el envoltorio de un caramelo. Dio cumplida la petición. Hoy, esta imagen, aunque con una forma ligeramente modificada, es reconocible en las piruletas de la compañía.

Cabe señalar que en 1967 en Italia, con la bendición del Papa, se estrenó con ilustraciones de Salvador Dalí.

El cuadro más caro La harina trae la desgracia

El cuadro de Munch "El grito" se vendió en una subasta por 120 millones de dólares y es hoy el cuadro más caro de este artista. Se dice que Munch camino de la vida que - una serie de tragedias, puso tanto dolor en ella que la imagen absorbió energía negativa y vengarse de los infractores.

Uno de los empleados del Museo Munch de alguna manera accidentalmente dejó caer la pintura, después de lo cual comenzó a sufrir terribles dolores de cabeza que llevaron a este hombre al suicidio. Otro empleado del museo, que no pudo sostener la imagen, literalmente después de que algunos de ellos entraron en un terrible accidente automovilistico. Y un visitante del museo, que se permitió tocar la pintura, se quemó vivo en un incendio después de un tiempo. Sin embargo, es posible que estas sean solo coincidencias.

El "Cuadrado negro" de Malevich tiene un "hermano mayor"

"Black Square", que es quizás el más pintura famosa Kazimir Malevich, es un lienzo de 79,5 * 79,5 centímetros, en el que se representa un cuadrado negro sobre fondo blanco. Malevich pintó su cuadro en 1915. Y allá por 1893, 20 años antes que Malevich, Alphonse Allais, un humorista francés, dibujó su “cuadrado negro”. Es cierto que la pintura de Alle se llamaba "La batalla de los negros en una cueva profunda en una noche oscura".

Cristo y Judas tienen el mismo rostro en el cuadro de Da Vinci

Se dice que la creación de la pintura "La Última Cena" requirió un esfuerzo titánico de Leonardo da Vinci. El artista encontró rápidamente a la persona de quien se pintó la imagen de Cristo. Uno de los cantantes se acercó a este papel. coro de iglesia. Pero "Judas" da Vinci estuvo buscando durante tres años.

Una vez en la calle, el artista vio a un borracho que intentaba salir del pozo negro sin éxito. Da Vinci lo llevó a uno de los establecimientos de bebidas, lo sentó y comenzó a dibujar. Cuál fue la sorpresa del artista cuando, al abrirse, el borracho admitió que hace varios años ya había posado para él. Resultó que este es el mismo cantante.