Картини портрети на известни художници титли. Шедьоври на живописта (33 шедьоври на световната живопис - селекция)

„Всеки портрет, нарисуван с чувство, е по същество портрет на художника, а не на този, който му е позирал“Оскар Уайлд

Какво е необходимо, за да си художник? Самото имитиране на работа не може да се счита за изкуство. Изкуството е нещо, което идва отвътре. Авторският замисъл, вълнения, търсения, желания и мъки, които са въплътени върху платното на художника. През цялата история на човечеството са написани стотици хиляди, а може би и милиони картини. Някои от тях са истински шедьоври, познати по цял свят, познават ги дори хора, които не са свързани с изкуството. Възможно ли е да се отделят 25 от най-забележителните сред тези картини? Задачата е много трудна, но се опитахме...

✰ ✰ ✰

25

Устойчивостта на паметта, Салвадор Дали

Благодарение на тази картина Дали стана известен в доста млада възраст, той беше на 28 години. Картината има няколко други имена - " мек часовник”, „Твърдостта на паметта”. Този шедьовър привлече вниманието на много историци на изкуството. По принцип те се интересуваха от интерпретацията на картината. Твърди се, че идеята за платното на Дали е свързана с теорията на относителността на Айнщайн.

✰ ✰ ✰

24

„Танц“, Анри Матис

Анри Матис не винаги е бил художник. Открива любовта си към рисуването, след като получава диплома по право в Париж. Той изучава изкуство толкова ревностно, че става един от най-великите артистив света. Тази картина има много малко негативна критика на изкуствоведите. Той отразява комбинация от езически ритуали, танци и музика. Хората танцуват в транс. Три цвята - зелен, син и червен - символизират Земята, Небето и Човечеството.

✰ ✰ ✰

23

Целувката, Густав Климт

Густав Климт често е критикуван, че е гол в картините си. "Целувката" беше забелязана от критиците, тъй като обедини всички форми на изкуството. Картината може да е изображение на самия художник и неговата любовница Емилия. Климт рисува това платно под влиянието на византийските мозайки. Византийците са използвали злато в своите рисунки. По същия начин Густав Климт смесва злато в боите си, за да създаде свой собствен стил на рисуване.

✰ ✰ ✰

22

Спящата циганка, Анри Русо

Никой освен самият Русо не би могъл да опише по-добре тази картина. Ето неговото описание - „номадска циганка, която пее песните си на мандолина, спи на земята от умора, нейната кана с питейна вода лежи наблизо. Един лъв, който минаваше, се приближи да я подуши, но не я докосна. Всичко е окъпано в лунна светлина, много поетична атмосфера.” Трябва да се отбележи, че Анри Русо е самоук.

✰ ✰ ✰

21

"Страшният съд", Йеронимус Бош

Без повече приказки – картината е просто великолепна. Този триптих е най-голямата от оцелелите картини на Бош. Лявото крило показва историята на Адам и Ева. Централната част е страшния съд» от страна на Исус - кой трябва да отиде в рая и кой да отиде в ада. Земята, която виждаме тук, гори. На дясното крило е изобразен отвратителен образ на ада.

✰ ✰ ✰

20

Всеки познава Нарцис от гръцка митология- човек, който беше обсебен от външния си вид. Дали е написал своя собствена интерпретация на Нарцис.

Историята е такава. Красивият младеж Нарцис лесно разби сърцата на много момичета. Боговете се намесили и, за да го накажат, му показали отражението си във водата. Нарцис се влюби в себе си и накрая умря, защото не можеше да се прегърне. Тогава боговете съжалили, че са му причинили това и решили да го увековечат под формата на цвете нарцис.

От лявата страна на картината е Нарцис, който гледа отражението си. Тогава той се влюби в себе си. Десният панел показва събитията, които са се развили след това, включително полученото цвете, нарциса.

✰ ✰ ✰

19

Сюжетът на картината се основава на библейския побой на бебетата във Витлеем. След като раждането на Христос стана известно от влъхвите, цар Ирод нареди да се избият всички малки деца и бебета във Витлеем. На снимката касапницата е в разгара си, последните няколко деца, отнети от майките си, чакат своята безпощадна смърт. Виждат се и трупове на деца, за които всичко е зад гърба им.

Чрез използването на богат цветове, картината на Рубенс се превърна в световно известен шедьовър.

✰ ✰ ✰

18

Работата на Полък е много различна от другите художници. Той постави платното си на земята и се движеше около платното и ходеше по него, капейки боя отгоре върху платното с пръчици, четки и спринцовки. Благодарение на тази уникална техника в артистичните среди той получава прозвището "Спринклер Джак". Известно време тази картина държеше титлата на най-скъпата картина в света.

✰ ✰ ✰

17

Известен също като "Танци в Les Moulins de la Galette". Тази картина се счита за една от най-радостните картини на Реноар. Идеята на картината е да покаже на публиката забавна страна. Парижки живот. С подробно проучване на картината можете да видите, че Реноар е поставил няколко от приятелите си върху платното. Тъй като картината изглежда леко избеляла, първоначално е критикувана от съвременниците на Реноар.

✰ ✰ ✰

16

Историята е взета от Библията. На снимката " Тайната вечеря” изобразява последната вечеря на Христос преди арестуването му. Той току-що беше говорил със своите апостоли и им каза, че един от тях ще го предаде. Всички апостоли се натъжават и му казват, че със сигурност не са те. Именно този момент да Винчи изобразява прекрасно със своя жив образ. Четири години отне на великия Леонардо да завърши тази картина.

✰ ✰ ✰

15

„Водните лилии“ на Моне могат да бъдат намерени навсякъде. Вероятно сте ги виждали на тапети, плакати и корици на арт списания. Факт е, че Моне е бил обсебен от лилиите. Преди да започне да ги рисува, той е отгледал безброй от тези цветя. Моне построява мост в японски стил в градината си над езерце с лилии. Той беше толкова доволен от това, което направи, че нарисува тази история седемнадесет пъти за една година.

✰ ✰ ✰

14

Има нещо зловещо и мистериозно в тази картина, около нея има аура на страх. Само такъв майстор като Мунк успя да изобрази страха на хартия. Мунк прави четири версии на „Викът“ в масла и пастели. Според записите в дневника на Мунк е доста ясно, че самият той вярва в смъртта и духовете. В картината „Викът“ той изобразява себе си в момента, в който един ден, разхождайки се с приятели, изпитва страх и вълнение, което иска да нарисува.

✰ ✰ ✰

13

Картината, която обикновено се нарича символ на майчинството, не трябваше да се превръща в такъв. Говори се, че моделът на Уислър, който трябваше да позира за картината, не се появи и той реши да нарисува майка си вместо него. Можем да кажем, че тук е изобразен тъжният живот на майката на художника. Това настроение се дължи на тъмните цветове, които са използвани в тази картина.

✰ ✰ ✰

12

Пикасо среща Дора Маар в Париж. Говори се, че тя била интелектуално по-близка до Пикасо от всичките му предишни любовници. Използвайки кубизма, Пикасо успя да предаде движение в работата си. Изглежда, че лицето на Маар се обръща надясно, към лицето на Пикасо. Художникът направи присъствието на жената почти реално. Може би искаше да чувства, че тя винаги е там.

✰ ✰ ✰

11

Ван Гог рисува Звездна нощ, докато е на лечение, където му е позволено да рисува едва когато състоянието му се подобри. По-рано през същата година той отряза лявата си ушна мида. Мнозина смятаха художника за луд. От цялата колекция от творби на Ван Гог „Звездна нощ“ е най-известната, може би поради необичайната сферична светлина около звездите.

✰ ✰ ✰

10

В тази картина Мане пресъздава Венера от Урбино на Тициан. Художникът имаше лоша репутация за изобразяване на проститутки. Макар господата по това време да посещават доста често куртизанките, не предполагаха, че на някой ще му хрумне да ги нарисува. Тогава е било за предпочитане художниците да рисуват картини върху исторически, митични или библейски теми. Въпреки това, Мане, противно на критиката, показа на публиката техния съвременник.

✰ ✰ ✰

9

Тази картина е историческо платно, изобразяващо завоеванието на Испания от Наполеон.

След като получи поръчка за картини, изобразяващи борбата на народа на Испания с Наполеон, художникът не рисува героични и патетични платна. Той избра момента на екзекуцията на испанските бунтовници от френски войници. Всеки от испанците преживява този момент по свой начин, някой вече се е примирил, но за някой основната битка току-що дойде. Война, кръв и смърт, това всъщност е изобразил Гоя.

✰ ✰ ✰

8

Смята се, че изобразеното момиче е най-голямата дъщеряВермеер, Мария. Нейните черти присъстват в много от творбите му, но е трудно да се съпоставят. Книга със същото заглавие е написана от Трейси Шевалие. Но версията на Трейси за това кой е изобразен на тази снимка е напълно различна. Тя твърди, че е взела тази тема, защото има много малко информация за Вермеер и неговите картини, а тази конкретна картина има мистериозна атмосфера. По-късно по нейния роман е заснет филм.

✰ ✰ ✰

7

Точното име на картината е „Изпълнението на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Руйтенбюрг.“ Стрелковото общество беше цивилна милиция, която беше призована да защитава града. В допълнение към милициите, Рембранд добавя няколко допълнителни хора. Като се има предвид, че той купи скъпа къща по време на писането на тази снимка, може да е вярно, че е получил огромен хонорар за Нощната стража.

✰ ✰ ✰

6

Въпреки че картината съдържа образ на самия Веласкес, тя не е автопортрет. главен геройплатна - Инфанта Маргарита, дъщеря на крал Филип IV. Той изобразява момента, в който Веласкес, работещ върху портрета на краля и кралицата, е принуден да спре и да погледне инфантата Маргарита, която току-що е влязла в стаята със свитата си. Картината изглежда почти жива, събуждайки любопитството на публиката.

✰ ✰ ✰

5

Това е единствената картина на Брьогел, която е рисувана с маслени бои, а не с темпера. Все още има съмнения относно автентичността на картината, основно по две причини. Първо, той не рисува с маслени бои, и второ, най-новите изследванияпоказа, че под слоя живопис има скица на рисунка с лошо качество, която не принадлежи на Брьогел.

Картината изобразява историята на Икар и момента на неговото падение. Според мита перата на Икар били прикрепени с восък и когато Икар се издигнал много близо до слънцето, восъкът се разтопил и той паднал във водата. Този пейзаж вдъхновява Уистън Хю Одън да напише свой собствен известно стихотворениепо същата тема.

✰ ✰ ✰

4

„Атинската школа“ е може би най-много известна фрескаИталиански ренесансов художник Рафаел.

На тази фреска училището на Атинавсички велики математици, философи и учени са се събрали под един покрив, те споделят своите теории и се учат един от друг. Всички герои са живели в различно време, но Рафаел ги настани всички в една стая. Някои от фигурите са Аристотел, Платон, Питагор и Птолемей. По-внимателно вглеждане показва, че в тази картина има автопортрет на самия Рафаел. Всеки творец би искал да остави своя отпечатък, разликата е само във формата. Въпреки че може би той се смяташе за една от тези велики фигури?

✰ ✰ ✰

3

Микеланджело никога не се е смятал за художник, винаги се е смятал повече за скулптор. Но той успя да създаде невероятна изящна фреска, пред която се прекланя целият свят. Този шедьовър е на тавана Сикстинска капелавъв Ватикана. Микеланджело получава поръчка да нарисува няколко библейски истории, една от които е сътворението на Адам. На тази снимка скулпторът на Микеланджело просто се вижда. Човешкото тяло на Адам е изобразено с невероятна прецизност ярки цветовеи прецизна мускулна форма. Така че, човек може да се съгласи с автора, все пак той е по-скоро скулптор.

✰ ✰ ✰

2

"Мона Лиза", Леонардо да Винчи

Въпреки че е най-проучваната картина, Мона Лиза все още е най-мистериозната. Леонардо каза, че никога не е спирал да работи по него. Твърди се, че само неговата смърт е завършила картината. "Мона Лиза" е първият италиански портрет, в който моделът е показан до кръста. Кожата на Мона Лиза сякаш свети поради използването на няколко слоя прозрачни масла. Битие учен Леонардода Винчи прилага всичките си знания, за да направи образа на Мона Лиза реалистичен. Кой точно е изобразен на картината, все още остава загадка.

✰ ✰ ✰

1

Картината изобразява Венера, богинята на любовта, носеща се върху черупка във вятъра, който се носи от Зефир, богът на западния вятър. На брега я среща Ора, богинята на сезоните, тя е готова да облече новороденото божество. Моделът на Venus е Simonetta Cattaneo de Vespucci. Симонета Катанео почина на 22 години и Ботичели пожела да бъде погребан до нея. Той имаше несподелена любов към нея. Тази снимка е най изящна работаизкуство, създадено някога.

✰ ✰ ✰

Заключение

Беше статия ТОП 25 на най-известните картини в света. Благодаря за вниманието!

През 17 век се въвежда разделянето на жанровете на живописта на „високи“ и „ниски“. Първият включва исторически, бойни и митологични жанрове. Вторият включва светски жанрове на живописта от ежедневието, напр. битов жанр, натюрморт, анималистика, портрет, голо тяло, пейзаж.

исторически жанр

Историческият жанр в живописта изобразява не конкретен обект или човек, а определен момент или събитие, случило се в историята на минали епохи. Включва се в осн живописни жанровев изкуството. Портретът, битката, ежедневието и митологичните жанрове често са тясно преплетени с историческия.

"Завладяването на Сибир от Ермак" (1891-1895)
Василий Суриков

Художниците Никола Пусен, Тинторето, Йожен Делакроа, Питър Рубенс, Василий Иванович Суриков, Борис Михайлович Кустодиев и много други рисуват своите картини в историческия жанр.

митологичен жанр

Легенди, древни легенди и митове, фолклор - образът на тези сюжети, герои и събития е намерил своето място в митологичния жанр на живописта. Може би може да се различи в живописта на всяка нация, защото историята на всяка етническа група е пълна с легенди и традиции. Например, такъв сюжет от гръцката митология като тайна романтикабогът на войната Арес и богинята на красотата Афродита са изобразени в картината "Парнас" на италиански художник на име Андреа Мантеня.

"Парнас" (1497)
Андреа Мантеня

Митологията в живописта окончателно се формира през Ренесанса. Представители на този жанр, освен Андреа Мантеня, са Рафаел Санти, Джорджоне, Лукас Кранах, Сандро Ботичели, Виктор Михайлович Васнецов и др.

Боен жанр

Баталната живопис описва сцени от военния живот. Най-често се илюстрират различни военни кампании, както и морски и сухопътни битки. И тъй като тези битки често са взети от реалната история, битката и историческият жанр намират своята пресечна точка тук.

Фрагмент от панорамата "Битката при Бородино" (1912)
Франц Рубо

Баталната живопис се оформя през италианския Ренесанс в творчеството на художниците Микеланджело Буонароти, Леонардо да Винчи, а след това Теодор Жерико, Франсиско Гоя, Франц Алексеевич Рубо, Митрофан Борисович Греков и много други художници.

битов жанр

Сцени от ежедневието, социални или поверителностобикновените хора, независимо дали става дума за градски или селски живот, изобразява ежедневния жанр в живописта. Като много други живописни жанрове, рядко се срещат домашни картини в независима формапревръщайки се в част от портретния или пейзажния жанр.

„Продавач на музикални инструменти“ (1652)
Карел Фабрициус

Произходът на битовата живопис се случва през 10 век на Изток, а в Европа и Русия преминава едва през XVII-XVIII век. Ян Вермеер, Карел Фабрициус и Габриел Мецу, Михаил Шибанов и Иван Алексеевич Ерменев са най-известните художници на битовата живопис от този период.

Животински жанр

основни обекти животински жанрса животни и птици, както диви, така и домашни, и изобщо всички представители на животинския свят. Първоначално анималистиката е част от жанровете на китайската живопис, тъй като за първи път се появява в Китай през 8 век. В Европа анимализмът се формира едва през Ренесанса - животните по това време са изобразявани като въплъщение на пороците и добродетелите на човека.

"Коне на поляната" (1649)
Паулус Потър

Антонио Пизанело, Паулус Потър, Албрехт Дюрер, Франс Снайдерс, Алберт Кюп са основните представители на анималистиката във визуалните изкуства.

Натюрморт

В жанра натюрморт са изобразени предмети, които заобикалят човек в живота. Това са неодушевени обекти, групирани заедно. Такива предмети могат да принадлежат към един и същ род (например на снимката са изобразени само плодове) или могат да бъдат разнородни (плодове, ястия, музикални инструменти, цветя и др.).

„Цветя в кошница, пеперуда и водно конче“ (1614)
Амброзиус Босхарт Стари

Натюрмортът като самостоятелен жанр се оформя през 17 век. фламандски и холандско училищенатюрморт. В този жанр представители на най различни стилове, от реализъм до кубизъм. Някои от най-известните натюрморти са рисувани от художниците Амброзиус Босхарт Стари, Албертус Йона Бранд, Пол Сезан, Винсент ван Гог, Пиер Огюст Реноар, Вилем Клаес Хеда.

Портрет

Портрет - жанр на живописта, който е един от най-разпространените във визуалните изкуства. Целта на портрета в живописта е да изобрази човек, но не само външния му вид, но и да предаде вътрешните чувства и настроението на изобразения човек.

Портретите са единични, двойки, групови, както и автопортрет, който понякога се отличава отделен жанр. И повечето известен портретна всички времена, може би, е картина на Леонардо да Винчи, наречена "Портрет на г-жа Лиза дел Джокондо", известна на всички като "Мона Лиза".

"Мона Лиза" (1503-1506)
Леонардо да Винчи

Първите портрети се появяват преди хилядолетия в Древен Египет- това бяха изображения на фараоните. Оттогава повечето артисти на всички времена са се занимавали с този жанр по един или друг начин. Портретът и историческите жанрове на живописта също могат да се пресичат: образът на велика историческа личност ще се счита за произведение на историческия жанр, въпреки че ще предаде външния вид и характера на този човек като портрет.

голо

Целта на жанра голо тяло е да изобрази голото тяло на човек. Периодът на Ренесанса се счита за момент на възникване и развитие на този вид живопис, като основен обект на рисуване тогава най-често става женско тялокоято олицетворява красотата на епохата.

"Кънтри концерт" (1510)
Тициан

Тициан, Амедео Модилиани, Антонио да Кореджо, Джорджоне, Пабло Пикасо са най-много известни артистикойто рисува картини в жанра на голото тяло.

Пейзаж

Основната тема на пейзажния жанр е природата, околната среда е градът, провинцията или пустинята. Първите пейзажи се появяват в древността при рисуване на дворци и храмове, създаване на миниатюри и икони. Като самостоятелен жанр пейзажът се оформя още през 16 век и оттогава се превръща в един от най-популярните живописни жанрове.

Присъства в творчеството на много художници, като се започне от Питър Рубенс, Алексей Кондратиевич Саврасов, Едуард Мане, продължи се с Исак Илич Левитан, Пит Мондриан, Пабло Пикасо, Жорж Брак и се стигне до много съвременни художници на XXI век.

"Златна есен" (1895)
Исак Левитан

Между пейзажна живописмогат да се разграничат жанрове като морски и градски пейзажи.

Ведута

Ведута е пейзаж, чиято цел е да изобрази облика на една градска зона и да предаде нейната красота и колорит. По-късно, с развитието на индустрията, градският пейзаж се превръща в индустриален пейзаж.

"Площад Сан Марко" (1730)
Каналето

Можете да оцените градските пейзажи, като се запознаете с произведенията на Каналето, Питер Брьогел, Фьодор Яковлевич Алексеев, Силвестър Феодосиевич Шчедрин.

Марина

Морски пейзаж или яхтено пристанище изобразява природата морска стихия, нейното величие. Може би най-известният маринист в света е Иван Константинович Айвазовски, чиято картина „Деветата вълна“ може да се нарече шедьовър на руската живопис. Разцветът на яхтеното пристанище настъпва едновременно с развитието на ландшафта като такъв.

"Платоходка в буря" (1886)
Джеймс Бътърсуърт

С техния морски пейзажиизвестни са още Кацушика Хокусай, Джеймс Едуард Бътърсуърт, Алексей Петрович Боголюбов, Лев Феликсович Лагорио и Рафаел Монтлеон Торес.

Ако искате да научите още повече за това как възникват и се развиват жанровете живопис в изкуството, гледайте следното видео:

Вземете го, кажете на приятелите си!

Прочетете също на нашия уебсайт:

Покажи повече

Цитирай съобщение Най-известните и значими картини в света за историята на изкуството. | 33 шедьовъра на световната живопис.

Под картините с художниците, на които принадлежат, има връзки към публикации.

Безсмъртните картини на велики художници се възхищават от милиони хора. Изкуството, класическо и модерно, е един от основните източници на вдъхновение, вкус и културно възпитание на всеки човек, а дори и по-творчески.
Със сигурност има повече световноизвестни картини от 33. Има няколкостотин от тях и всички те не биха се побрали в едно ревю. Ето защо, за удобство на гледането, ние избрахме няколко картини, които са най-значими за световната култура и често се копират в рекламите. Всяка работа е придружена интересен факт, обяснение артистичен усетили история на създаването му.

Съхранява се в галерията на старите майстори в Дрезден.

Картината има малка тайна: фонът, който отдалеч прилича на облаци, при по-внимателно разглеждане се оказва, че са глави на ангели. А двата ангела, изобразени на снимката по-долу, са се превърнали в мотив на множество пощенски картички и плакати.

Рембранд "Нощната стража" 1642 г
Съхранява се в Rijksmuseum в Амстердам.

Истинското име на картината на Рембранд е „Представянето на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Рютенбург“. Критиците на изкуството, които откриват картината през 19 век, смятат, че фигурите стоят на тъмен фон и я наричат ​​„Нощна стража“. По-късно се оказа, че слой сажди прави картината тъмна, а действието всъщност се развива през деня. Картината обаче вече е влязла в съкровищницата на световното изкуство под името "Нощна стража".

Леонардо да Винчи "Тайната вечеря" 1495-1498
Намира се в манастира Санта Мария деле Грацие в Милано.

През повече от 500-годишната история на съществуването на произведението стенописът е многократно унищожаван: през картината е направена врата, а след това е положена врата, използвана е трапезарията на манастира, където се намира изображението като оръжейна, затвор и бомбардирана. Известната фреска е реставрирана поне пет пъти, като последната реставрация отне 21 години. Днес, за да видят произведението на изкуството, посетителите трябва да резервират билети предварително и могат да прекарат само 15 минути в трапезарията.

Салвадор Дали "Устойчивостта на паметта" 1931 г

Според самия автор картината е нарисувана в резултат на асоциации, възникнали в Дали, когато видя топено сирене. Връщайки се от киното, където отиде същата вечер, Гала съвсем правилно прогнозира, че никой, който веднъж е гледал „Устойчивостта на паметта“, няма да го забрави.

Питер Брьогел Стари Вавилонската кула 1563 г
Съхранява се в Kunsthistorisches Museum във Виена.

Според Брьогел в провала, сполетял строежа Вавилонската кула, не са виновни за внезапно възникнали съгл библейска историяезикови бариери и грешки, допуснати по време на строителния процес. На пръв поглед огромната сграда изглежда достатъчно солидна, но при по-внимателно разглеждане става ясно, че всички нива са положени неравномерно, долните етажи са или недовършени, или вече се рушат, самата сграда се накланя към града и перспективите за целия проект са много тъжни.

Казимир Малевич "Черен квадрат" 1915г

Според художника той рисува картината в продължение на няколко месеца. Впоследствие Малевич прави няколко копия на "Черния квадрат" (според някои източници седем). Според една версия художникът не е успял да завърши работата по картината в точното време, така че трябва да покрие работата с черна боя. Впоследствие, след признаването на публиката, Малевич рисува нови "Черни квадрати" вече върху празни платна. Малевич рисува и картините „Червен квадрат“ (две копия) и едно „Бял квадрат“.

Кузма Сергеевич Петров-Водкин "Къпането на червения кон" 1912г
Намира се в Държавната Третяковска галерия в Москва.

Нарисувана през 1912 г., картината се оказва визионерска. Червеният кон действа като Съдбата на Русия или самата Русия, която крехкият и млад ездач не може да удържи. така художникът символично предрича с картината си „червената“ съдба на Русия през 20 век.

Питър Паул Рубенс "Изнасилването на дъщерите на Левкип" 1617-1618
Съхранява се в Старата пинакотека в Мюнхен.

Картината "Отвличането на дъщерите на Левкип" се смята за олицетворение на смела страст и телесна красота. Силните, мускулести ръце на млади мъже вдигат млади голи жени, за да ги качат на коне. Синовете на Зевс и Леда открадват булките на своите братовчеди.

Пол Гоген „Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?" 1898 г
Съхранява се в Музея за изящни изкуства в Бостън.

По указание на самия Гоген картината трябва да се чете отдясно наляво – трите основни групи фигури илюстрират поставените в заглавието въпроси. Три жени с дете представляват началото на живота; средна групасимволизира ежедневното съществуване на зрялост; в последната група, според намерението на художника, „старица, приближаваща смъртта, изглежда примирена и отдадена на мислите си“, в краката й има „странно Бяла птица...представлява безсмислието на думите."

Йожен Дьолакроа "Свободата води народа" 1830 г
Съхранява се в Лувъра в Париж

Делакроа създава картина, базирана на Юлската революция от 1830 г. във Франция. В писмо до брат си от 12 октомври 1830 г. Дьолакроа пише: „Ако не съм се борил за Родината, то поне ще пиша за нея“. Голите гърди на жената, която води народа, символизира безкористността на френския народ от онова време, който с „ голи гърди' отиде при врага.

Импресия на Клод Моне. Изгряващо слънце“ 1872 г
Съхранява се в Musée Marmottan в Париж.

Заглавието на произведението е „Impression, soleil levant” с лека ръкажурналист Л. Лерой стана име художествено направление"импресионизъм". Картината е нарисувана от натура в старото пристанище на Хавър във Франция.

Ян Вермеер "Момиче с перлена обица" 1665г
Съхранява се в галерия Mauritshuis в Хага.

Една от най-известните картини холандски художникЯн Вермеер често е наричан северната или холандската Мона Лиза. За картината се знае много малко: тя не е датирана, името на изобразеното момиче не е известно. През 2003 г. е заснет по едноименния роман на Трейси Шевалие Игрален филм„Момиче с перлена обица“, в която хипотетично се възстановява историята на създаването на платното в контекста на биографията и семеен животВермеер.

Иван Айвазовски "Деветата вълна" 1850 г
Съхранява се в Санкт Петербург в Държавния руски музей.

Иван Айвазовски е световноизвестен руски маринист, посветил живота си на изобразяването на морето. Той създава около шест хиляди творби, всяка от които получава признание през живота на художника. Картината "Деветата вълна" е включена в книгата "100 велики картини".

Андрей Рубльов "Троица" 1425-1427

Иконата на Света Троица, нарисувана от Андрей Рубльов през 15 век, е една от най-известните руски икони. Иконата е дъска във вертикален формат. Царете (Иван Грозни, Борис Годунов, Михаил Фьодорович) „покриват“ иконата със злато, сребро и скъпоценни камъни. Днес заплатата се съхранява в Държавния музей-резерват Сергиев Посад.

Михаил Врубел "Седнал демон" 1890г
Съхранява се в Третяковската галерия в Москва.

Сюжетът на картината е вдъхновен от поемата на Лермонтов "Демонът". Демон - образът на властта човешки дух, вътрешна борба, съмнение. Трагично сключил ръце, Демонът седи с тъжни, огромни очи, насочени в далечината, заобиколен от безпрецедентни цветя.

Уилям Блейк "Великият архитект" 1794 г
Съхранява се в Британския музей в Лондон.

Името на картината "The Ancient of Days" буквално се превежда от английски като "Древният на дните". Тази фраза се използва като име на Бог. Главен геройкартини - Бог в момента на сътворението, който не установява ред, а ограничава свободата и маркира границите на въображението.

Едуард Мане "Бар във Фоли Бержер" 1882 г
Съхранява се в Института за изкуство Courtauld в Лондон.

Folies Bergère е вариететно шоу и кабаре в Париж. Мане посещава Folies Bergère и в крайна сметка рисува тази картина, последната му преди смъртта му през 1883 г. Зад бара, сред тълпа от пиене, ядене, говорене и пушене, една барманка е погълната от собствените си мисли, наблюдавайки трапец акробат, който се вижда в горния ляв ъгъл на снимката.

Тициан "Земна любов и небесна любов" 1515-1516
Съхранява се в Галерия Боргезе в Рим.

Трябва да се отбележи, че съвременното име на картината не е дадено от самия художник, а започва да се използва само два века по-късно. До този момент картината имаше различни заглавия: "Красота украсена и неукрасена" (1613), "Три вида любов" (1650), "Божествени и светски жени" (1700) и накрая "Земна любов и небесна любов" (1792 и 1833).

Михаил Нестеров "Видение към младежа Вартоломей" 1889-1890 г.
Съхранява се в Държавната Третяковска галерия в Москва.

Първо и най значителна работаот цикъла, посветен на Сергий Радонежки. До края на дните си художникът беше убеден, че „Видението на младия Вартоломей“ е най-добрата му работа. На стари години художникът обичаше да повтаря: „Няма да живея. „Младият Вартоломей“ ще живее. Сега, ако след тридесет, петдесет години след моята смърт той все още ще каже нещо на хората, значи той е жив, значи и аз съм жив.

Питер Брьогел Стари "Притчата за слепите" 1568г
Съхранява се в музея Каподимонте в Неапол.

Другите имена на картината са „Слепите“, „Парабола на слепите“, „Слепите водят слепите“. Смята се, че сюжетът на картината се основава на библейската притча за слепия: "Ако слепият води слепия, тогава и двамата ще паднат в ямата."

Виктор Васнецов "Альонушка" 1881 г
Съхранява се в Държавната Третяковска галерия.

За основа е взета приказката "За сестра Альонушка и брат Иванушка". Първоначално картината на Васнецов се нарича "Глупак Альонушка". По това време сираците са били наричани „глупаци“. „Альонушка“, каза по-късно самият художник, „сякаш живееше в главата ми от дълго време, но в действителност я видях в Ахтирка, когато срещнах едно момиче с проста коса, което порази въображението ми. В очите й имаше толкова много копнеж, самота и чисто руска тъга ... Някакъв специален руски дух излъчваше от нея.

Винсент ван Гог Звездна нощ 1889 г
Съхранява се в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк.

За разлика от повечето картини на художника, Звездна нощ е нарисувана по памет. По това време Ван Гог беше в болницата Сен Реми, измъчван от пристъпи на лудост.

Карл Брюлов "Последният ден на Помпей" 1830-1833
Съхранява се в Държавния руски музей в Санкт Петербург.

Картината изобразява известното изригване на вулкана Везувий през 79 г. сл. н. е. д. и унищожаването на град Помпей близо до Неапол. Образът на художника в левия ъгъл на картината е автопортрет на автора.

Пабло Пикасо "Момиче на топка" 1905 г
Съхранява се в музея на Пушкин в Москва

Картината попада в Русия благодарение на индустриалеца Иван Абрамович Морозов, който я купува през 1913 г. за 16 000 франка. През 1918 г. личната колекция на И. А. Морозов е национализирана. AT този моменткартината е в колекцията Държавен музейИзящни изкуства на името на A.S. Пушкин.

Леонардо да Винчи Мадона Лита 1491г

Съхранява се в Ермитажа в Санкт Петербург.

Оригиналното заглавие на картината е Мадона с младенеца. Съвременно имекартината идва от името на нейния собственик - граф Лит, собственик на семейството художествена галерияв Милано. Има предположение, че фигурата на бебето не е рисувана от Леонардо да Винчи, а принадлежи на четката на един от неговите ученици. Това се доказва от позата на бебето, която е необичайна за маниера на автора.

Жан Енгр "Турски бани" 1862 г
Съхранява се в Лувъра в Париж.

Енгр завършва рисуването на тази картина, когато вече е над 80 години. С тази картина художникът обобщава своеобразен резултат от образа на къпещите се, чиито теми отдавна присъстват в творчеството му. Първоначално платното е под формата на квадрат, но година след завършването му художникът го превръща в кръгла картина - тондо.

Иван Шишкин, Константин Савицки "Сутрин в борова гора" 1889 г
Съхранява се в Третяковската галерия в Москва

„Сутрин в борова гора“ е картина на руските художници Иван Шишкин и Константин Савицки. Савицки рисува мечки, но колекционерът Павел Третяков, когато придобива картината, изтрива подписа си, така че сега като автор на картината е посочен само Шишкин.

Михаил Врубел "Принцесата лебед" 1900 г
Съхранява се в Държавната Третяковска галерия

Картината е нарисувана въз основа на сценичния образ на героинята от операта на Н. А. Римски-Корсаков "Приказката за цар Салтан" според сюжета едноименна приказкаА. С. Пушкин. Врубел създава скици за декорите и костюмите за премиерата на операта през 1900 г., а съпругата му пее ролята на принцесата Лебед.

Джузепе Арчимболдо "Портрет на император Рудолф II като Vertumn" 1590 г.
Намира се в замъка Skokloster в Стокхолм.

Една от малкото оцелели творби на художника, който прави портрети от плодове, зеленчуци, цветя, ракообразни, риби, перли, музикални и други инструменти, книги и др. "Вертумнус" е портрет на императора, представен като древноримски бог на сезоните, растителността и трансформацията. На снимката Рудолф се състои изцяло от плодове, цветя и зеленчуци.

Едгар Дега Сини танцьорки 1897 г
Намира се в Музея на изкуствата. А. С. Пушкин в Москва.

Мона Лиза може би нямаше да спечели световна слава, ако не беше открадната през 1911 г. от служител на Лувъра. Картината е открита две години по-късно в Италия: крадецът отговаря на обява във вестник и предлага да продаде Джокондата на директора на галерия Уфици. През цялото това време, докато тече разследването, Мона Лиза не напуска кориците на вестници и списания по света, превръщайки се в обект на копиране и поклонение.

Сандро Ботичели "Раждането на Венера" ​​1486 г
Съхранява се във Флоренция в галерия Уфици

Картината илюстрира мита за раждането на Афродита. Голата богиня се носи до брега в отворена черупка, тласкана от вятъра. От лявата страна на картината Зефир (западният вятър), в ръцете на съпругата си Хлорида, духа върху мида, създавайки вятър, пълен с цветя. На брега богинята е посрещната от една от грациите. „Раждането на Венера“ е добре запазено поради факта, че Ботичели е приложен към картината защитен слойот яйчен жълтък.

...
част 21 -
част 22 -
част 23 -

Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художницимодерност. И, повярвайте ми, техните произведения ще седят в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски – модерен полски художник. Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. AT последно времерисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-добро впечатление. Не се страхува да експериментира с нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. със степен бакалавър по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариерата си на професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи трудови хора. Интересът му към този стил на рисуване се корени в работата на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, ученици, ателие, класна стая и домашен интериор. Предназначението му е да реалистични картинисъздават настроение и емоция чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е наградата Master Signature от Асоциацията на художниците с маслени бои в Америка, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни - италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценография в Art Institute в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „строи къщата на знанието” върху основата, поставена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Алкасандр Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.

Като дете учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст артистичната дейност получава пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша и отива в Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в художествено училище. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. с бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да учи в Училището за изящни изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът бяха повечетопроизведения на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс - модерна американски художник. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се увлича по рисуването. Учи в New School в Ню Йорк и Държавен университетМонклер и завършва Бостънския колеж през 1999 г., получава бакалавърска степен. В същото време тя учи рисуване в академията Лоренцо Медичивъв Флоренция.

След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуства, в Департамента по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. Известно време тя чете лекции в университети и образователни институциив цялата страна, като преподава живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет в Монтклер и Колежа по изкуствата в Лаймската академия.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, аз изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи площиабстрактен дизайн, през който надничат цветни острови – части от човешкото тяло.

Снимките ми се променят модерен видкъм вече установените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривяват собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебели слоеве боя се смесват, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Въпреки това, отблизо, възхитително физични свойства маслена боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и деконструира. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“

Антонио Финели

италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също така могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.

Рисунки с молив" Наблюдател на времетоАнтонио Финели ни изпраща на вечно пътуване вътрешен святчовешката темпоралност и свързания с нея строг анализ на този свят, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то нанася върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаването през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реални резултатипреминаване на време в рамките на човек.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава диплома по история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома по специалността реставратор на произведения на изкуството. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването се заражда още като дете. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича „coiffer la pate“ и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни направления в изкуството: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Нейният любим художник Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, е роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва Харков художествено училищепрез 1998 г. остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харков държавна академиядизайн и изкуства, катедра графика, завършила 2004г.

Той редовно участва в художествени изложби, в момента има повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк диапазон от графики и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списък на неговите теми рисунки с моливсъщо много разнообразен, той рисува пейзажи, портрети, голи тела, жанрови композиции, илюстрации на книги, литературни и исторически възстановкии фантазии.

Говорейки за пейзажния жанр, не е възможно да не се обърне внимание на работата на великите пейзажисти. Сега е трудно да си представим, че преди двеста години такова нещо като пейзаж все още не е съществувало. Традициите на руската пейзажна живопис започват да се оформят едва през края на XVIIIвекове. Преди това художниците рисуват под влиянието на италиански и френски майстори, облагородявайки природата според академичните закони на строителството, които се считат за задължителни в живописта от онова време.

Асоциацията направи огромен принос за развитието на руския пейзаж пътуващи изложби(Скитници) под ръководството на И. Н. Крамской. Художниците пееха красотата на дискретната руска природа, простотата селски пейзаж, необятните простори на Русия.

Основни майстори на пейзажа:

• Алексей Кондратиевич Саврасов (1830-1897)
• Иван Константинович Айвазовски (1817–1900)

Иван Иванович Шишкин (1832-1898)

Изкуство от И.И. Шишкин е изненадващо ясен и прозрачен. Картините му са химн на дивата природа, нейната красота. Той създава пейзажно изкуство с иглолистни гъсталаци, с безгранична шир, с цялата простота на северния пейзаж.

На 12-годишна възраст, по настояване на баща си, той е назначен в 1-ва Казанска гимназия. Не съм завършил пълния курс. През 1852 г. се премества в Москва и постъпва в Училището по живопис, скулптура и архитектура. Тук А. Н. Мокрицки става ментор на Шишкин. След завършване на курса (1856 г.) талантливият студент е посъветван да продължи образованието си в Санкт Петербург в Академията на изкуствата. Обучението му се ръководи от С. М. Воробьов.

Учителите веднага отбелязаха склонността на Шишкин към пейзажна живопис. Още през първата година от престоя си в академията той е награден с малък сребърен медал за "Изглед в околностите на Санкт Петербург". През 1858 г. художникът получава Голям сребърен медал за картината "Изглед на остров Валаам".

Постигнатите успехи позволиха на Шишкин да пътува в чужбина като стипендиант на Академията. Пътуването започва в Мюнхен (1861 г.), където Иван Иванович посещава работилниците на популярните анималисти Б. и Ф. Адамови. През 1863 г. Шишкин се премества в Цюрих, след това в Женева, Прага, Дюселдорф. Закопнял за родината си, той се завръща в Петербург през 1866 г., преди да изтече стипендията му.

В Русия художникът е удостоен със званието академик (1865 г.). Оттогава започва най-плодотворният период от творчеството на художника. Създадени са картините „Изсичане на гората“ (1867), „Ръж“ (1878), „Борови дървета, осветени от слънцето“ (1886), „Сутрин в борова гора“ (1889); мечките са рисувани от К. А. Савицки), " корабна горичка“(1898) и много други.

Шишкин активно работи на открито, като често прави артистични пътувания из Русия. Той излага творбите си почти всяка година - първо в академията, а след създаването на Дружеството за пътуващи художествени изложби (1870 г.) и в тези експозиции.

Иван Илич Левитан (1860-1900)

Роден на 30 август 1860 г. в литовския град Кибартай в еврейско семейство. Баща ми беше малък служител в градската управа. Скоро след раждането на най-малкия син семейството се премества в Москва. На 13-годишна възраст Исак е приет в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура в класа на А. К. Саврасов и В. Д. Поленов. От самото начало на обучението си Левитан изкарва прехраната си, като взема уроци и поръчва портрети. Той блестящо завършва колеж, но заради произхода си получава диплома за учител по калиграфия.

Първата голяма картина Тиха обител“, пише той след пътуване през 1890 г. до руския север. Платното е закупено от П. М. Третяков за неговата галерия. През 1892 г. художникът е принуден да напусне Москва, тъй като евреите нямат право да живеят в столиците. Той се установява в село, разположено по протежение на Владимирската магистрала, по която затворниците са карани в Сибир. Художникът е заснел тези места в картината "Владимирка" (1892). През 90-те години. Левитан направи още едно пътуване, този път по Волга. Там се роди картината „Свеж вятър. Волга“ (1891-1895). Обострянето на туберкулозата накара художника да напусне чужбина, във Франция, след това в Италия, въпреки че усилията на приятели му помогнаха да получи разрешение да живее в Москва.

Връщайки се у дома, през 1898 г. Левитан започва да преподава пейзажен клас в училището, което завършва. Здравето му се влошава и през 1899 г. художникът по покана на А. П. Чехов заминава за Ялта. Връщайки се, той отново започва да преподава, но здравето му продължава да се влошава и на 4 август 1900 г. Левитан умира.

Пейзажите на певеца на руската природа не са просто фотографско изображение на природата - художникът успя да предаде нейния жив дъх. Нищо чудно, че критикът В. В. Стасов нарече картините на Левитан емоционални стихове. В същото време Левитан е не само велик пейзажист. Творческото му наследство включва още рисунки, акварели, илюстрации към книги.

Град Пльос се свързва с името на Исак Левитан. Левитан идва в Плес три лета подред, през 1888-1890 г. В околностите на Пльос няма нито един ъгъл и пътека, където и да отидете Голям майстор. Вдъхновен от магическата красота на Пльос, той рисува тук почти 200 картини и скици! Сега известни картини: „Край вечен покой", "След дъжда. Плес”, „Вечер. Golden Plyos, Birch Grove и много други са станали украса на колекциите на Третяковската галерия, Руския музей и много колекции в Русия и чужбина.

Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927)

Роден на 1 юни 1844 г. в имението Борок (сега Поленово в Тулска област) в семейството на археолога и библиограф Д. В. Поленов. След като получава средно образование, Василий постъпва в Академията на изкуствата в Санкт Петербург (1863 г.), а малко по-късно започва да посещава лекции в юридическия факултет на университета.

През 1872 г. Поленов, който завършва и двата курса с отличие, получава пътуване в чужбина за сметка на академията. Посещава Виена, Венеция, Флоренция, Неапол, дълго време живее в Париж. Посещението у дома беше краткотрайно; през 1876 г. художникът е доброволец в Сръбско-черногорско-турската война.

През следващите години той пътува много в Близкия изток и Гърция (1881-1882, 1899, 1909), Италия (1883-1884, 1894-1895). През 1879 г. се присъединява към Обществото на скитниците. През 1882-1895г. преподава в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура.

Като признание за заслугите на Поленов през 1893 г. той е избран за редовен член на Академията на изкуствата. От 1910 г. той се занимава с развитието на провинциалните театри, като три години по-късно става ръководител на специална секция в Московското общество на народните университети.

Поленов е известен като автор на произведения от различни жанрове. Обръща се към исторически и религиозни теми - "Христос и грешницата" (1886-1887), "На Тивериадското езеро" (1888), "Сред учителите" (1896); през 1877 г. създава серия от скици на кремълските катедрали и дворцови зали; по различно време прави театрални декори. По негови скици са построени църкви в Абрамцево (съвместно с В. М. Васнецов) и в Бехов близо до Таруса (1906 г.). Но най-голяма слава му донасят пейзажите на Поленов: „Московски двор“ (1878), „Бабина градина“, „Лято“ (и двата 1879), „Обрасло езерце“ (1880), „Златна есен“ (1893). ), предаващи поетичен чар на ъглите на градския живот и девствената руска природа.

Последните години от живота си художникът прекарва в имението Борок, където организира музей на изкуството и научни колекции. От 1927 г. тук работи музей-имението на В. Д. Поленов.

Алексей Кондратиевич Саврасов (1830 - 1897)

Художникът е роден на 12 (24) май 1830 г. в Москва, в семейството на търговец от 3-та гилдия Кондратий Артемиевич Саврасов. Противно на желанията на баща си, който мечтаеше да адаптира сина си към "търговските дела", момчето влезе в Московското училище за живопис и скулптура през 1844 г., където учи в класа на пейзажиста К. И. Рабус. По време на обучението си през 1850 г. той завършва картината „Камък в гората край Разлив“, която изкуствоведите смятат за малко нескопосана по композиция. През същата година за картината „Изглед към Московския Кремъл на лунна светлина“ той получава званието некласен художник.

Член-основател на Асоциацията на пътуващите художествени изложби (виж Скитници). AT ранни творбиС. е доминиран от романтични ефекти („Изглед към Кремъл в лошо време“, 1851 г., Третяковска галерия).

През 1850-60-те години. Саврасов по-често се обръща към спокойни, повествователни образи, в редица случаи белязани от желание за цветово единство в неговите произведения (Островът на Елк в Соколники, 1869 г., пак там), за да засили емоционалното звучене на chiaroscuro. Резултатът от тези търсения беше картината „Градовете пристигнаха“ (1871 г., пак там), където Саврасов, изобразявайки външно неописуем мотив и подчертавайки момента на прехода в живота на природната среда (настъпването на ранната пролет), успя да покаже дълбока искреност родна природа. Следващите творби на Саврасов („Селският път“, 1873 г., „Дворът“, 1870 г.; „Гробът над Волга“, 1874 г., частна колекция, Москва) също се различават по лирическа непосредственост, интерес към откритото.

Алексей Саврасов, един от най-големите представители на лиричната посока в руския пейзаж, предостави огромно въздействиевърху руските пейзажисти от края на 19 - началото на 20 век.

Починал е А.К. Саврасов на 26 септември 1897 г., погребан в Москва, на Ваганковско гробище. Алеята, на която е погребан, носи неговото име. Любимият му ученик беше Исак Левитан

Архип Иванович Куинджи (1841-1910)

Роден през януари 1841 г. в Мариупол в семейството на обущар от гръцки произход. Осиротяла, отгледана в семейство на роднини. Започва да рисува рано и усвоява рисуването предимно сам.

През 1855 г. отива пеш във Феодосия, за да учи при И. К. Айвазовски. Влияние известен художник-мариниствърху младия Куинджи несъмнено беше. В края на 60-те години. Куинджи пристига в Петербург. Художникът представя първите си творби през 1868 г. в изложбата на Академията на изкуствата и скоро твърдо се утвърждава като майстор на пейзажа: „Есенно свлачище“ (1872); "Забравеното село" (1874); "Чуматски тракт в Мариупол" (1875 г.) и др.

През 1870 г. за първи път посещава остров Валаам, където впоследствие рисува много. Според съвременниците пейзажите, създадени там, привличат вниманието на публиката.

Картината "Украинска нощ" (1876) просто зашемети обществеността и определи специалния път на автора в изкуството. От нея Куинджи започва своя „стремеж към светлина” – той се стреми да постигне пълна илюзия за естествено осветление. Това се проявява в най-висока степен в картината „Нощ на Днепър“ (1880) с искряща лунна пътека, в кадифен мрак.

Художникът разкрива по нов начин възможностите на пейзажа, преобразявайки, пречиствайки и възвисявайки реалността. Той постигна изключителна интензивност и яркост на цветовете, нови цветови схеми. Характерни за него са многобройните "слънчеви" картини и скици (включително "Бреза горичка", 1879).

Интензивният контраст на наситени тонове, светлинни ефекти - всичко това беше необичайно за живописта от 19-ти век. явление. Неразбирането на колегите принуждава Куинджи да откаже участие в изложби в момента на най-големия успех. Последният път, когато излага творбите си, е през 1882 г.

Художникът живее като отшелник в Крим, където създава серия от големи платна и стотици скици, продължавайки да експериментира с боя и цвят. Сред късните произведения на Куинджи - единственият, който притежава сюжетна картина„Христос в Гетсиманската градина” (1901) и „Нощ” (1905-1908), дишащи с необикновена хармония

През 1909 г. Архип Иванович основава Дружеството на художниците (което по-късно получава неговото име), което оказва подкрепа на хората на изкуството. Художникът завещава на това дружество цялото си състояние и произведенията, които се намират в работилницата.