Класицизмът в европейската живопис, дело на Никола Пусен. Пусен Никола - биография, факти от живота, снимки, основна информация

През втората половина на 17 век във Франция класицизмът става официално направление в изкуството. Въпреки това, в скулптурата и живописта е по-трудно, отколкото в архитектурата, тук все още личи голямото влияние на барока. Въпреки това класицизмът спечели своите позиции.

Както вече споменахме, класицизмът възниква на гребена на социалния подем на френската нация и френската държава. Основата на теорията на класицизма беше рационализмът, античността служи като естетически идеал. Произведенията на класицизма бяха провъзгласени само за красиви и възвишени, според античните идеали.

Никола Пусен става създател на течението на класицизма във френската живопис от 17 век. Още в студентските си години Пусен се интересува от изкуството на Ренесанса и античността. Той отива да усъвършенства уменията си в Италия, взема уроци във Венеция, в Рим, неволно се възхищава на бароковата живопис на Караваджо.

Темите на платната на Пусен са разнообразни: митология, история, Новия и Стария завет. Героите на Пусен са хора със силен характер и величествени дела, с високо чувство за дълг към обществото и държавата. Картините му са поетично възвишени, във всичко цари мярка и ред. Колоритът е изграден върху съзвучието на силни, дълбоки тонове. Най-добрите произведения на Пусен обаче са лишени от студена рационалност.

В първия период на творчество той пише много за древната история. Единството на човека и природата, щастливият хармоничен мироглед са характерни за неговите картини от този период. Чувственото в него става подредено, разумно, всичко придобива черти на героична, възвишена красота.

През 40-те години се наблюдава прелом в творчеството му. Свързва се с преместването в Париж, в двора на Луи XVIII, където скромният и дълбок художник се чувстваше много неудобно. Темата за смъртта, крехкостта и земната суета навлиза в картините на Пусен по това време. Лиричната спонтанност напуска картините, появява се някаква студенина и абстракция.

През последните години от живота си пейзажите на Пусен стават най-добрите.Той създава прекрасен цикъл от картини "Сезони", който има символично значение и олицетворява периодите от земното човешко съществуване.

Пусен заимства героите на тази картина от поемата "Метаморфози" на римския поет Овидий.
Полифем е циклоп, ужасно изглеждащ едноок гигант, който живееше в Сицилия, имаше лош нрав и унищожаваше всичко, което му дойде под ръка. Не се занимаваше със занаяти, а живееше с това, което природата даде, и пасеше стада. Един ден той се влюбил в морската нимфа Галатея. Тя беше неговата пълна противоположност и не само външно. Циклопите в древната митология олицетворяват разрушителните сили, а нимфите са креативни, така че Полифем не може да разчита на реципрочност. Галатея обичаше Акис, син на горския бог Пан.
Укротен от възвишеното си чувство, великанът спря да троши скали, да чупи дървета и да потапя кораби. Седнал на една крайбрежна скала, той започна да свири на своята стогласна флейта. Преди флейтата издаваше ужасни звуци. Сега от него се изля красива песен и нимфите, омагьосани от мелодията, спряха да се смеят на Полифем, Техните вечни ухажори на сатири, божества на плодородието с конски опашки, рога и копита, се успокоиха; слушаше, седнал на камък, речният бог. Самата природа замлъкна, слушайки музиката, в нея цареше мир и хармония. Това е философията на пейзажа на Пусен: светът изглежда толкова прекрасен, когато редът замени хаоса. (Между другото, въпреки че героите са от мита, природата на платното е истинска, сицилианска).
Междувременно циклопът, измамен в надеждите си, отново даде воля на злия си нрав. Той причака противник и го смаза с камък. Натъжената Галатея превърнала любимия си в прозрачна река.

Веднъж, в състояние на депресия, Пусен рисува платно - алегория "Танцът на човешкия живот".

Художникът е изобразил четири жени, олицетворяващи удоволствие, богатство, бедност и труд. Те се въртят в хоро под акомпанимента на лира, на която свири старец. Това е Хронос, известен на римляните като Сатурн. Според гръцкия мит Хронос е бил царят на боговете преди Зевс. Казаха му, че собственият му син ще го свали. Не искайки да се раздели с властта, той измисли някакъв изход от ситуацията: веднага щом жена му роди дете, Хронос го погълна. Един ден жена му го измамила: вместо бебето Зевс, тя подхвърлила повит камък на съпруга си. Зевс бил тайно транспортиран до остров Крит, където израснал, след което свалил баща си и царувал на Олимп.

В този мит Хронос символизира безмилостното време, поглъщащо създаденото от него. И Пусен имаше нужда от него в картината, за да каже: времето минава, той не го интересува и богатството се заменя с бедност, удоволствието - с труд.

Вляво на снимката зародиш(стълб) с двулицев Янус. Това е чисто римско божество. Месец януари е кръстен на него. Янус е изобразяван с две лица, гледащи в различни посоки, тъй като се смята, че той е наясно както с миналото, така и с бъдещето. „Така беше и ще бъде“ - така, очевидно, помисли Пусен, изписвайки зародиша.

Фонът на хорото е равен, спокоен пейзаж. Богът на слънцето Хелиос се вози по небето в златна колесница. Той прави този път всеки ден - защото слънцето изгрява всеки ден - и вижда отгоре делата на богове и хора, но не се намесва в нищо. С присъствието си на платното Хелиос е призван да напомни, че вечната природа е безразлична към човешките скърби и радости. Редовете на Пушкин са забележителни в това отношение:

И отново на входа на ковчега

Младите ще играят живота

И безразлична природа

Сияйте с вечна красота.

Тук Пусен предава философски размишления върху темите за смъртта и крехкостта на битието. Действието се развива само на преден план, като релеф. Млад мъж и момиче случайно се натъкнали на надгробен камък с надпис „И аз бях в Аркадия“, т.е. „А аз бях млад, красив, щастлив и безгрижен – помни смъртта!“. Фигурите на млади хора приличат на антични скулптури. Внимателно подбрани детайли, преследван рисунък, баланс на фигури в пространството, дори разсеяно осветление - всичко това създава някаква възвишена структура, чужда на всичко суетно и преходно. Стоическото смирение пред съдбата, мъдрото приемане на смъртта прави отношението на класицизма към античността.

Сюжетът е взет от Метаморфозите на Овидий.
Силен, възпитател и спътник на бога на лозарството и винопроизводството Бакхус, бил заловен от селяни и отведен при Мидас, цар на Фригия. Той освободи Силен, а Бакхус даде на царя, по негова молба, способността да превръща в злато всичко, до което се докосне. Но когато дори храната започнала да се превръща в злато, кралят се разкаял за алчността си и помолил за милост.
Бакхус се смилил над Мидас и му наредил да се изкъпе в река Пактол. Мидас влязъл в реката и веднага се отървал от злополучния дар, а Пактол станал златоносен.
Картината изобразява момента, в който коленичилият Мидас благодари на Бакхус за освобождението от фаталния дар. На заден план се вижда мъж, коленичил до реката, очевидно търсещ злато в речния пясък.

Миропомазването е тайнството, в което чрез помазване с миропомазване на кръстения се съобщават силите на Божията благодат, за да го укрепи в духовния живот.
Извършва се от свещеник или епископ чрез помазване на челото и другите части на тялото с мирото с произнасянето на думите "Печатът на дара на Светия Дух. Амин". Потвърждението се извършва на човек само веднъж в живота, обикновено след тайнството Кръщение.
В картината се извършва тайнството Помазване на малки деца, които са доведени от майките си. На едното дете свещеникът намазва челото с миро, а до него майката и дъщерята се подготвят за тайнството, коленичили. Едно дете е убедено от свещеника, че нищо лошо няма да се случи, всичко ще бъде наред. Картината предава настроение на вълнение, тържественост, чувство за принадлежност към голямо събитие.

Мелеагър е син на владетеля на Калидонското царство в Етолия. Той израства като смел, красив младеж и заедно с аргонавтите отива в Колхида. Докато го нямаше, баща му забрави да донесе годишния данък на Диана и богинята, като наказание за това, изпрати в царството му чудовищен глиган, който поглъщаше хора и опустошаваше нивите. Връщайки се от кампанията, Мелеагър събра всички смели мъже на Гърция и организира голям лов, по време на който щяха да хванат или убият глиган.
Много герои откликнаха на призива на Мелеагър, включително красивата Аталанта. Тази принцеса води живот, пълен с приключения, защото когато се роди, баща й, разстроен, че вместо дългоочакван син се роди дъщеря, нареди да я отведат на планината Партенум и да я изядат диви животни. Но минаващите покрай тях ловци видяха мечка, която хранеше бебе, което изобщо не се страхуваше от нея и, като се смилиха над момичето, я доведоха в дома си и я отгледаха като истински ловец.
Големият калидонски лов бил воден от Мелеагър и Аталанта, които се влюбили един в друг. Те смело преследваха звяра, а други ловци препуснаха след тях. Глиганът избяга и тогава Аталанта му нанесе смъртоносна рана, но умирайки, звярът почти я уби, ако Мелеагър не беше пристигнал навреме и не го довърши.

Когато Моисей прекара четиридесет дни и нощи на планината Синай, разговаряйки с Бог, израилският народ се умори да го чака. Имаха нужда от нов водач, който да ги води и да им покаже пътя към Обетованата земя. И те помолиха Аарон, по-големия брат на Мойсей, да създаде статуя на езически бог, за да му се покланят.
Аарон събра златни накити от всички жени и ги изля в златно теле.
Пред полирано теле, което блестеше ярко на слънцето, той постави олтар. Всички го гледаха като чудо. Аарон обеща да има голямо угощение на следващия ден. На следващия ден всички се обличаха в празнични премени. Аарон принесе всеизгаряне на олтара. След това всички започнаха да ядат, да пият, да танцуват около златния телец и да хвалят Аарон за появата на красив златен бог.
Господ видя всичко това, много се разстрои и заповяда на Мойсей да слезе при хората, защото те вършеха неправедно дело. „Твоят народ е покварен“, каза Той на Мойсей, „който ти изведе от Египетската земя“.
Когато Мойсей видял танците около златния телец, той се разгневил, отишъл до олтара и хвърлил телето в огъня.
Тогава той раздели онези, които признават законите на Господ, от тези, които не ги признават. Тези, които искаха да служат на златния телец, бяха убити от синовете на Леви. Тогава Господ каза на Мойсей да поведе хората.

Прекрасният музикант и певец Орфей покорява с таланта си не само хората, но дори боговете и самата природа. Той бил женен за красивата нимфа Евридика, която обичал безкрайно много. Но щастието не продължи дълго. Евридика била ухапана от отровна змия, а Орфей останал сам.
От сполетялата го мъка Орфей изпаднал в дълбока депресия. Той пееше тъжни песни в чест на починалата си съпруга. Дървета, цветя и билки оплакваха Евридика заедно с него. Отчаян, Орфей отишъл в подземното царство на мъртвия бог Хадес, където отивали душите на мъртвите, за да се опита да измъкне любимата си оттам.
Стигайки до ужасната подземна река Стикс, Орфей чул силните стенания на душите на мъртвите. Превозвачът Харон, който превозваше души на другата страна, отказа да го вземе със себе си. Тогава Орфей прокара струните на златната си китара и запя. Харон послуша и въпреки това премести певеца в Хадес.
Без да спира да свири и пее, Орфей се поклонил пред бога на подземното царство. В песента той говори за любовта си към Евридика, животът без нея е загубил смисъл.
Цялото царство на Хадес замръзна, всички слушаха тъжната изповед на певеца и музикант. Всички бяха трогнати от тъгата на Орфей. Когато певецът млъкна, тишината се възцари в царството на мрачния Хадес. Тогава Орфей се обърна към Хадес с молба да му върне любимата Евридика, като обеща да се върне тук с жена си при първа молба. когато му дойде времето.
Хадес послуша Орфей и се съгласи да изпълни молбата му, въпреки че никога преди не беше правил това. Но в същото време той постави условие: Орфей да не поглежда назад и да се обръща към Евридика през цялото пътуване, в противен случай Евридика ще изчезне
Влюбените съпрузи тръгнаха на обратния път. Хермес с фенер показа пътя. И тогава се появи царството на светлината. Зарадван, че скоро отново ще бъдат заедно, Орфей забравил обещанието си към Хадес и се огледал. Евридика протегна ръце към него и започна да се отдалечава.
Орфей бил вкаменен от мъка. Дълго време той седеше на брега на подземната река, но никой не излезе при него. Три години той живял в дълбока скръб и тъга, а след това душата му отишла в царството на мъртвите при неговата Евридика.

Нарцис е красив млад мъж, чиито родители са казали, че ще доживее до дълбока старост. но никога не вижда лицето му. Нарцис израснал като млад мъж с необикновена красота, много жени търсели любовта му, но той бил безразличен към всички. Когато Нарцис отхвърлил страстната любов на нимфата Ехо, тя изсъхнала от мъка, така че от нея останал само гласът й. Отхвърлените жени поискали от богинята на справедливостта да накаже Нарцис. Немезис се вслуша в молитвите им.
Един ден, връщайки се от лов, Нарцис погледна в чист източник и за първи път видя собственото си отражение и беше толкова възхитен от него, че страстно се влюби в него, в неговото отражение. Той не можа да се откъсне от съзерцанието на себе си и умря от самолюбие.
Боговете превърнали Нарцис в цвете, наречено нарцис.

Картината е базирана на история от Стария завет. Цар Соломон се отличавал със здрава преценка, отлична памет, богат запас от знания и значително търпение. Той слушаше внимателно хората, помагаше с мъдър съвет. Най-важното задължение за него той смяташе съдийството. И славата на справедливата му присъда се разнесе из Йерусалим.
Две млади жени живееха в Йерусалим, всяка с бебе. Те живееха заедно и спяха заедно. Веднъж насън една жена случайно смачка детето си и то умря. Тогава взела живо бебе от спяща съседка и го сложила на леглото си, а мъртвото поставила върху него. На сутринта втората жена видя мъртво бебе близо до себе си и отказа да го приеме като свое, като веднага видя, че е чуждо. Тя обвини съседа си в измама и фалшификация.
Друга жена обаче не искала да признае и настоявала на своето, не искала да се откаже от живо бебе. Дълго спорели и накрая отишли ​​при Соломон да ги съди.
Соломон изслуша всеки, След това заповяда на слугата да донесе меча и каза: „Решението ми е това. Имате двама от вас, едно живо дете. Разрежете го наполовина и нека всеки да се утеши от своята половина. " Единият каза: „Нека не е нито за мен, нито за вас, сечете“. А другият казал: „Дайте й детето, само не сечете“.
Соломон веднага разбра коя е майката на живото дете и кой е лъжецът. Той казал на охраната си: "Дайте детето на майката, която не е искала смъртта му. Тя е истинската майка на детето."

Йерусалимският храм е религиозна сграда, център на религиозния живот на еврейския народ между 10 век пр.н.е. и I век от н.е. Той е бил обект на поклонение за всички евреи три пъти в годината.
През 66-73 г. имало антиримско въстание. С потушаването на това въстание римската армия, водена от Тит, обсажда Йерусалим. От самото начало на обсадата военните действия се концентрират около храма.
Обсадата и боевете продължиха пет месеца, но многократните опити на римляните да превземат стената на двора на храма бяха неуспешни, докато Тит не нареди портите на храма да бъдат подпалени. Храмът беше в пламъци. Бунтовниците, държащи храма, се бориха докрай и когато сградата беше обхваната от пламъци. много от тях се хвърлиха в огъня. Храмът гори в продължение на 10 дни и след това Йерусалим е превърнат в развалини. Храмовата планина, на която се издигаше храмът, беше разорана. Близо 100 000 жители са пленени от римляните.

Според разказите на римските историци в Рим живеели предимно мъже, т.к. съседните племена не искали да дават дъщерите си за жени на бедни римски ухажори. Тогава Ромул уредил пиршество и поканил съседите на сабините заедно със семействата им. По време на празника римляните внезапно се втурнаха към невъоръжените гости и откраднаха момичетата от тях.
Възмутени съседи започнаха война. Римляните лесно победили латините, които нападнали Рим. Войната със сабините обаче беше много по-трудна. С помощта на дъщерята на ръководителя на капитолийската крепост Тарпей сабините завладяват Капитолия. Битката продължи много дълго време.
Сабините, под командването на крал Тит Таций, най-накрая победиха римляните и ги накараха да избягат. Ромул извикал боговете и обещал да построи храм на Юпитер Статор (Основателят), ако спре бегълците. Ситуацията обаче беше спасена от отвлечените преди това сабинянки, които заедно с новородени деца, с разпуснати коси и разкъсани дрехи, се втурнаха между бойците и започнаха да молят да спрат битката.
Сабините се съгласиха, както и римляните. Сключен е вечен мир, според който двата народа се обединяват в една държава под върховното ръководство на Тит Таций и Ромул. Римляните трябваше да носят освен името си и сабинското име - квирит, религията стана обща.

В центъра на картината е нереидата Амфитрита, съпругата на Нептун. Тя седи на бик, чието тяло завършва с рибешка опашка, заобиколена от голяма свита. Две нереиди почтително поддържат лакътя и розовия воал на Амфитрита, а два тритона тръбят за нейната слава.
Фигурата на Нептун е изместена до ръба на картината вляво. С едната си ръка той управлява трио от бързо препускащи коне, а с другата държи тризъбец, традиционен атрибут на бога на моретата. Погледът му е обърнат към красивата Амфитрита.
Още по-вляво, над фигурата на Нептун, виждаме колесницата на богинята на любовта Афродита, придружена от купидони и със запалена факла в ръце.
Други купидони обсипват главните герои с рози и цветя от мирта, символизиращи любовното привличане и брачния съюз на Нептун и Амфитрита.
Единият купидон се цели от лъка в Нептун, а стрелите на втория вече са достигнали мъжа, носещ красивата нимфа на раменете си. Но кой е представен в тази сцена на отвличане? Лицето на мъжа не се вижда, то е покрито с ръка и затова може да се предположи, че тук е изобразена нереида Галатея, а циклопът Полифем, който се смяташе за син на Нептун, е бил влюбен в нея. И неговият жест ни става ясен: Циклопът беше външно грозен и художникът избягваше да изобразява грозотата в картината си.

Никола Пусен (19 ноември 1665 г., Рим) - френски художник, който стои в началото на класицизма. Дълго време живее и работи в Рим. Почти всичките му картини са базирани на исторически и митологични сюжети. Майстор на преследваната, ритмична композиция. Един от първите, които оцениха монументалността на местния колорит.

Никола Пусен е роден във фермата на Villers близо до Les Andelys в Нормандия. Баща му Жан произхожда от семейство на нотариус и ветеран от армията на крал Хенри IV; той даде на сина си добро образование. Майка му, Мари дьо Лейсмент, беше вдовица на прокурор от Върнън и вече имаше две дъщери, Рене и Мари. Няма доказателства за детството на художника, само предположението, че е учил при йезуитите в Руан, където е научил латински.

Там, в родината си, Пусен получава и първоначалното си художествено образование: през 1610 г. учи при Куентин Варен (фр. Quentin Varin ?; ок. 1570-1634), който по това време работи върху три платна за Анделиската църква на Дева Мария и сега украсява църквата (fr. Collegiale Notre-Dame des Andelys?).

През 1612 г. Пусен заминава за Париж, където прекарва първоначално няколко седмици в студиото на историческия художник Жорж Лалемант (фр. Georges Lallemant ?; ок. 1575-1636), а след това, отново за кратко, в портрета художник Фердинанд ван Еле (фр. Ferdinand Elle?; 1580-1649).

Около 1614-1615 г., след пътуване до Поату, той се среща в Париж с Александър Куртоа (Alexandre Courtois), камериер на вдовстващата кралица Мария де Медичи, пазител на кралските колекции и библиотека на изкуството, Пусен получава възможност да посети Лувъра и копирайте картини на италиански художници там. Александър Куртоа притежаваше колекция от гравюри от картините на италианците Рафаело и Джулио Романо, които възхитиха Пусен. Веднъж болен, Пусен прекарва известно време с родителите си, преди да се върне отново в Париж.

През септември 1618 г. Пусен живее на Saint-Germain-l'Auxerrois (fr. rue Saint-Germain-l "Auxerrois?) със златаря Жан Гиймен, при когото също обядва. Той се премества от адреса на 9 юни 1619 г. Около 1619 г. -1620, Пусен създава платното „Свети Дени Ареопагит“ (вижте Дионисий Ареопагит) за парижката църква Сен Жермен-л'Оксерой.

През 1622 г. Пусен отново тръгва по пътя към Рим, но спира в Лион, за да изпълни поръчка: парижки йезуитски колеж възлага на Пусен и други художници да нарисуват шест големи картини, базирани на сцени от живота на св. Игнатий от Лойола и св. Франсис Ксавие. Картини, направени в техниката a la detrempe, не са оцелели.

През 1623 г., вероятно по поръчка на парижкия архиепископ дьо Гонди (на френски Жан-Франсоа дьо Гонди?; 1584-1654), Пусен изпълнява La Mort de la Vierge за олтара на катедралата Нотр Дам в Париж. Това платно, което се смяташе за изгубено през 19-20 век, беше открито в църквата на белгийския град Стеребек. Кавалер Марино, с когото Пусен имаше близко приятелство, се завърна в Италия през април 1623 г.

През 1624 г., вече доста известен художник, Пусен заминава за Рим и с помощта на приятел, кавалер Марино, става член на двора на папския племенник кардинал Барберини и папския съветник Марчело Сакети. През този период Пусен изпълнява рисунки и платна на митологични теми. В Рим кавалерът Марино вдъхновява Пусен с любов към изучаването на италиански поети, чиито произведения предоставят на художника изобилен материал за неговите композиции. Той е повлиян от Карачи, Доменикино, Рафаело, Тициан, Микеланджело, изучава трактатите на Леонардо да Винчи и Албрехт Дюрер, скицира и измерва антични статуи, изучава анатомия и математика, което се отразява в картини, главно по теми от древната античност и митология, дала ненадминати образци на геометрично прецизна композиция и обмислено съотнасяне на цветовите групи.

През 1627 г. Пусен рисува картината "Смъртта на Германик" по сюжета на древноримския историк Тацит, която се счита за програмната работа на класицизма; показва сбогуването на легионерите с умиращия командир. Смъртта на герой се възприема като трагедия със социално значение. Темата е интерпретирана в духа на спокойния и суров героизъм на античния разказ. Идеята на картината е служба на дълга. Художникът подрежда фигури и предмети в плитко пространство, разделяйки го на поредица от планове. В тази работа бяха разкрити основните характеристики на класицизма: яснота на действието, архитектурност, хармония на композицията, противопоставяне на групировките. Идеалът за красота в очите на Пусен се състоеше в пропорционалността на частите на цялото, във външния ред, хармонията, яснотата на композицията, които ще станат характерни черти на зрелия стил на майстора. Една от характеристиките на творческия метод на Пусен е рационализмът, който се отразява не само в сюжетите, но и в обмислеността на композицията. По това време Пусен създава стативни картини, предимно със среден размер, но с високо гражданско звучене, което полага основите на класицизма в европейската живопис, поетични композиции на литературни и митологични теми, белязани от възвишен ред на образите, емоционалност на интензивният, нежно хармонизиран цвят "Вдъхновението на поета" (Париж, Лувър), "Парнас", 1630-1635 (Прадо, Мадрид). Ясният композиционен ритъм, преобладаващ в произведенията на Пусен през 30-те години на 16 век, се възприема като отражение на разумен принцип, който придава величие на благородните дела на човек - „Спасяването на Мойсей“ (Лувър, Париж), „Моисей, пречистващ водите на Мера ”, „Мадона, която е Св. Яков Стари” (“Мадона на колона”) (1629 г., Париж, Лувър).

През 1628-1629 г. художникът работи за главния храм на католическата църква - катедралата Свети Петър; му е поръчано да нарисува „Мъките на Св. Еразъм“ за олтара на катедралния параклис с реликвария на светеца.

През 1629-1630 г. Пусен създава забележителното по силата на израза и жизнено правдивото "Снемане от кръста" (Санкт Петербург, Ермитаж).

В периода 1629-1633 г. темата на картините на Пусен се променя: той рядко рисува картини на религиозни теми, отнасящи се до митологични и литературни сюжети: "Нарцис и Ехо" (ок. 1629 г., Париж, Лувър), "Селена и Ендимион" ( Детройт, Институт по изкуствата); и поредица от картини, базирани на поемата на Торквато Тасо "Освободеният Йерусалим": "Риналдо и Армида", 1625-1627 г. (Музеят на Пушкин, Москва); "Танкред и Ерминия", 1630 г. (Държавен Ермитаж, Санкт Петербург).

Пусен обичал ученията на древните стоически философи, които призовавали за смелост и достойнство пред лицето на смъртта. Важно място в творчеството му заемат разсъжденията за смъртта. Идеята за крехкостта на човека и проблемите на живота и смъртта формират основата на ранна версия на картината "Аркадските овчари", около 1629-1630 г. (колекция на херцога на Девъншър, Чатсуърт), към която той се завръща през 50-те (1650 г., Париж, Лувър). Според сюжета на картината жителите на Аркадия, където царуват радост и мир, откриват надгробен камък с надпис: „И аз съм в Аркадия“. Самата смърт е тази, която говори на героите и разрушава ведрото им настроение, принуждавайки ги да мислят за неизбежните бъдещи страдания. Една от жените слага ръка на рамото на съседа си, сякаш се опитва да му помогне да се примири с мисълта за неизбежния край. Но въпреки трагичното съдържание, художникът разказва спокойно за сблъсъка на живота и смъртта. Композицията на картината е проста и логична: героите са групирани в близост до надгробната плоча и свързани чрез движения на ръцете. Фигурите са рисувани с мека и изразителна светлосенка, донякъде напомнят антични скулптури. В живописта на Пусен преобладават античните теми. Той си представя Древна Гърция като идеално красив свят, населен с мъдри и съвършени хора. Дори в драматичните епизоди от древната история той се опита да види триумфа на любовта и върховната справедливост. На платното „Спяща Венера“ (ок. 1630 г., Дрезден, Художествена галерия) богинята на любовта е представена от земна жена, като същевременно остава недостижим идеал. Едно от най-добрите произведения на античната тема, Кралството на Флората (1631, Дрезден, Художествена галерия), базирано на стиховете на Овидий, поразява с красотата на живописното въплъщение на древни образи. Това е поетична алегория за произхода на цветята, която изобразява героите на древните митове, превърнати в цветя. В картината художникът събра героите от епоса на Овидий "Метаморфози", които след смъртта се превърнаха в цветя (Нарцис, Хиацинт и други). Танцуващата Флора е в центъра, а останалите фигури са подредени в кръг, техните пози и жестове са подчинени на единен ритъм - благодарение на това цялата композиция е пронизана от кръгово движение. Мек като цвят и нежен като настроение, пейзажът е написан доста условно и прилича повече на театрална декорация. Връзката на живописта с театралното изкуство е естествена за художника от 17 век - векът на разцвета на театъра. Картината разкрива важна мисъл за майстора: героите, които страдат и умират преждевременно на земята, намират мир и радост в магическата градина на Флора, тоест новият живот, цикълът на природата, се преражда от смъртта. Скоро е нарисувана друга версия на тази картина - Триумфът на Флора (1631 г., Париж, Лувър).

Новият суперинтендант на кралските сгради на Франция, Франсоа Субле дьо Ноайе (на френски Francois Sublet de Noyers ?; 1589-1645; на длъжност 1638-1645) се заобикаля с такива специалисти като Пол Флеар дьо Шантелу (на френски Paul Freart de Chantelou ?; 1609-1694 ) и Роланд Флеар дьо Шамбре (фр. Roland Freart de Chambray ?; 1606-1676), когото инструктира по всякакъв начин да улесни завръщането на Никола Пусен от Италия в Париж. За Flear de Chantleux художникът изпълни картината "Манна от небето", която по-късно (1661) кралят ще придобие за своята колекция.

Няколко месеца по-късно Пусен все пак приема кралското предложение - „nolens volens“ и пристига в Париж през декември 1940 г. Пусен получава статута на първия кралски художник и съответно общата посока на изграждането на кралски сгради, за силното недоволство на придворния художник Симон Вю.

Веднага след завръщането на Пусен в Париж през декември 1940 г. Луи XIII поръчва на Пусен мащабно изображение на „Евхаристията“ (L'Institution de l'Eucharistie) за олтара на кралския параклис на двореца Сен Жермен. По същото време, през лятото на 1641 г., Пусен рисува фронтисписа за изданието на Biblia Sacra, където изобразява Бог, засенчващ две фигури: отляво - женски ангел, пишещ в огромен фолио, гледащ към някой невидим, и вдясно - напълно забулена фигура (с изключение на пръстите на краката) с малък египетски сфинкс в ръцете.

От Франсоа Субле дьо Нойер се получава поръчка за картината „Чудото на Св. Франциск Ксавие“ (Le Miracle de Saint Francois-Xavier) за послушничеството на йезуитския колеж. Христос в това изображение беше критикуван от Симон Вуе, който каза, че Исус „изглеждаше повече като гърмящ Юпитер, отколкото като милостив Бог“.

Хладно рационалният нормативизъм на Пусен печели одобрението на двора на Версай и е продължен от придворни художници като Шарл Лебрен, които виждат в класическата живопис идеалния художествен език за възхвала на абсолютистката държава на Луи XIV. По това време Пусен рисува известната си картина „Щедростта на Сципион“ (1640 г., Москва, Държавен музей за изящни изкуства „Пушкин“). Картината принадлежи към зрелия период на творчеството на майстора, където принципите на класицизма са ясно изразени. На тях отговаря строга ясна композиция и самото съдържание, прославящо победата на дълга над личното чувство. Сюжетът е заимстван от римския историк Тит Ливий. Командирът Сципион Стари, станал известен по време на войните между Рим и Картаген, връща на вражеския командир Алуций неговата булка Лукреция, пленена от Сципион по време на превземането на града заедно с военна плячка.

В Париж Пусен има много поръчки, но създава партия от противници в лицето на художниците Вю, Брекие и Филип Мерсие, които преди това са работили по декорирането на Лувъра. Школата на Вуе, която се радваше на покровителството на кралицата, беше особено интригуваща срещу него.

През септември 1642 г. Пусен напуска Париж, отдалечавайки се от интригите на кралския двор, с обещание да се върне. Но смъртта на кардинал Ришельо (4 декември 1642 г.) и последвалата смърт на Луи XIII (14 май 1643 г.) позволяват на художника да остане в Рим завинаги.

През 1642 г. Пусен се завръща в Рим, при своите покровители: кардинал Франческо Барберини и академик Касиано дал Поцо, и живее там до смъртта си. Оттук нататък художникът работи само със средно големи формати, поръчани от големи любители на изкуството - Дал Поцо, Шантелу (Freart de Chantelou), Пуантел (Jean Pointel) или Серизие (Serizier). 1640-те - началото на 1650-те - един от плодотворните периоди в творчеството на Пусен: той рисува картините "Елиазар и Ревека", "Пейзаж с Диоген", "Пейзаж с главния път", "Присъдата на Соломон", "Аркадски овчари" , вторият автопортрет. Темите на неговите картини от този период са добродетелите и доблестта на владетели, библейски или древни герои. В своите платна той показва съвършени герои, верни на гражданския дълг, безкористни, щедри, като същевременно демонстрира абсолютния универсален идеал за гражданство, патриотизъм и духовно величие. Създавайки идеални образи, основани на реалността, той съзнателно коригира природата, отнемайки красивото от нея и изхвърляйки грозното.

Около 1644 г. той рисува картината „Бебето Моисей, потъпкващо короната на фараона“ (Moise enfant foulant aux pieds la couronne de Pharaon), първата от 23, предназначена за неговия парижки приятел и покровител Жан Пуантел. Важно място в творчеството на художника заема библейският Мойсей. За библиофила, Жак-Огюст II дьо Ти (1609-1677) работи върху Разпятието (La Crucifixion), като в кореспонденция признава трудността на тази работа, която го е довела до болезнено състояние.

В последния период на творчество (1650-1665) Пусен все повече се обръща към пейзажа, неговите герои са свързани с литературни, митологични сюжети: „Пейзаж с Полифем“ (Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин). Но техните фигури на митични герои са малки и почти невидими сред огромните планини, облаци и дървета. Героите на древната митология действат тук като символ на духовността на света. Същата идея е изразена и от композицията на пейзажа – проста, логична, подредена. Пространствените планове са ясно разделени в картините: първият план е равнина, вторият е гигантски дървета, третият е планина, небе или морска повърхност. Разделението на планове беше подчертано и цветово. Така се появява система, наречена по-късно „пейзажен трикольор“: в картината на първия план преобладават жълти и кафяви цветове, във втория - топъл и зелен, в третия - студен и преди всичко син. Но художникът е убеден, че цветът е само средство за създаване на обем и дълбоко пространство, той не трябва да отвлича вниманието на зрителя от ювелирно точната рисунка и хармонично организираната композиция. В резултат на това се роди образ на идеален свят, устроен според висшите закони на разума. От 1650-те години в творчеството на Пусен се засилва етическият и философски патос. Обръщайки се към сюжетите на древната история, оприличавайки библейските и евангелските герои на героите на класическата античност, художникът постига пълнотата на образното звучене, ясната хармония на цялото („Почивка на полета в Египет“, 1658 г., Ермитаж музей, Санкт Петербург).

В периода 1660-1664 г. той създава поредица от пейзажи „Четирите годишни времена” с библейски сцени, символизиращи историята на света и човечеството: „Пролет”, „Лято”, „Есен” и „Зима”. Пейзажите на Пусен са многостранни, редуването на плановете се подчертава от ивици светлина и сянка, илюзията за пространство и дълбочина им придава епична сила и величие. Както в историческите картини, главните герои обикновено са разположени на преден план и се възприемат като неразделна част от пейзажа. Изучавайки пейзажите на Болонската живописна школа и холандските художници, живеещи в Италия, Пусен създава така наречения „героичен пейзаж“, който, подреден според правилата на балансирано разпределение на масите, със своите приятни и величествени форми , послужили му като сцена за изобразяване на идиличен златен век. Пейзажите на Пусен са пропити със сериозно, меланхолично настроение. В изобразяването на фигурите той се придържа към антиките, чрез които определя по-нататъшния път, който следва френската школа в живописта след него. Като исторически художник Пусен има дълбоки познания по рисуване и дарба за композиция. В рисунката той се отличава със строга последователност на стила и коректност.

През октомври 1664 г. съпругата на Пусен, Ан-Мари, умира: тя е погребана на 16 октомври в римската базилика Сан Лоренцо в Лучина. Последното, незавършено платно на майстора е „Аполон и Дафне“ (1664; придобито от Лувъра през 1869 г.). 21 септември 1665 г. Никола Пусен съставя завещание да го погребе скромно, без почести, до съпругата му. Смъртта дойде на 19 ноември.

Никола Пусен(Никола Пусен) - велик френски художник, известен като майстор на живописта в стила. Рисува картини в исторически и митологични жанрове. Никола Пусен е роден през 1594 г. в Les Andelys, Нормандия. От малък се увлича по рисуването. Първоначалното си художествено образование получава в Нормандия. След като навършва 18 години, заминава за Париж, където продължава да учи изкуството на рисуването. Тук негови учители бяха такива художници като Фердинанд Ван Ел, Кетен Варен, Жорж Лалеманд. Той често посещава Лувъра, където копира картини на известни художници, възприема стила на писане, изучава тънкостите и тайните на живописта.

Изкуството на Никола Пусен се разделя на първи и втори парижки период, както и първи и втори италиански периоди. Първият парижки период на художника е от 1612 до 1623 година. Това е периодът на обучение и формиране на художника. Единствените оцелели произведения от този период на Пусен са рисунки с писалка и четка за стихотворението на Марино.

От 1623 до 1640 г. започва първият италиански или първият римски период. След като заминава за Италия през 1623 г., той остава тук до края на живота си, като се връща в Париж само за две години с указ на краля на Франция. Втори парижки период 1640-1642 приключва толкова скоро, защото неговата картина, която е толкова различна от тази, приета във Франция, се противопоставя на много местни художници, както и на придворни. В резултат на враждебност към неговата личност той беше принуден да се върне в Италия. Вторият италиански период 1643-1665 г. е последната част от живота на художника.

Великият художник, дал безценен принос за развитието на класицизма, умира на 19 ноември 1665 г. В момента негови картини се намират в най-големите музеи в света, включително Лувъра в Париж, Държавния музей за изящни изкуства „Пушкин“ в Москва и Ермитажа в Санкт Петербург.

Автопортрет

Вдъхновението на поета

Щедростта на Сципион

Венера показва оръжия на Еней

Марк Фурий Камил освобождава децата на Фалерия с учителя, който ги е предал

Мидас и Бакхус

Нарцис и Ехо

Пастири от Аркадия

Преклонение пред златния телец

Изнасилването на сабинянките

Норманец по произход, Никола Пусен (1594-1665) е роден в Les Andelys, малък град на брега на Сена. Младият Пусен получи добро образование и възможност да изучава началните етапи на изкуството на художника. По-подробно запознаване с тайните на занаятчийството той научава след преместването си в Париж, където учи при майсторите.

Портретистът Фердинанд Ван Ел става първият наставник на младия художник, а по-късно Пусен учи при майстора на църкви - Куентин Варен и придворния художник Жорж Лалемант, който се придържа към сравнително новия стил на маниеризъм по това време. Копирането на картини от признати майстори на живописта също му помогна да „напълни ръката си“, той можеше свободно да прави това в Лувъра.

Първият период на творчество в Италия

През 1624 г. името на Пусен вече е известно сред ценителите на живописта, а самият той все повече се увлича от работата на италианските майстори. Решавайки, че е научил всичко, което може от френските наставници, Пусен се премества в Рим. Освен италианската живопис, Пусен високо цени и поезията, до голяма степен благодарение на познанството си с Джамбатиста Марино, представител на галантната поезия. Те се сприятеляват в Париж и Никола илюстрира поемата на приятеля си „Адонис“. От ранния парижки период на творчеството на художника до днес са оцелели само илюстрации.

Пусен изучава математика и анатомия, скулптурите на античността служат като модели за неговите скици, а научните трудове на Дюрер и да Винчи помагат да се разбере как пропорциите на човешкото тяло трябва да бъдат пренесени в изкуството. Придобива теоретични знания по геометрия, оптика и законите на перспективата.

Карачи, Тициан, Рафаело и Микеланджело - работата на тези майстори дълбоко впечатлява френския художник. Първите години от живота му в Рим са време на търсене на собствен стил, а работата му тогава се характеризира с остри ъгли, мрачни тонове и изобилие от сенки. По-късно неговият художествен стил се променя, цветовата схема става по-топла, а елементите на картините се подчиняват на един център. Темата на творчеството от онова време бяха героичните сюжети и действия на древната митология.

По поръчка на един от римските покровители на Пусен, Касиано дел Поцо, художникът създава поредица от картини "Седемте тайнства", а "Разрушаването на Йерусалим" и "Изнасилването на сабинянките" му донасят по-широка слава. Към митологичните теми на своите картини той добави модерни тенденции, рационализирайки композицията и прехвърляйки действието на преден план на картината. Пусен се стреми да постигне естествеността на позициите на героите и да придаде ясно значение на техните жестове и изражения на лицето. Хармонията и единството с природата, характерни за древните митове, вдъхновяват художника, това може да се види в картините "Венера и сатири", "Диана и Ендимион", "Образованието на Юпитер".

„Метаморфозите“ на Овидий послужиха като основа за „Царството на флората“, картината се превърна в своеобразен химн на прераждането и пролетното обновяване на природата. Придобитите по-рано теоретични знания му позволяват стриктно да следва приетите закони на композицията, а топлите, ясни цветове правят картините наистина живи („Танкред и Ерминия“, „Венера и пастирите“). Предварителната подготовка придава допълнителна точност на изображенията: той прави модели на фигури от восък и преди да започне работа по картината, той експериментира с играта на светлината и позицията на тези фигури.

Парижки интриги и завръщане в Рим

Най-успешните години в кариерата на Пусен са годините, прекарани в работа по украсата на галерия Лувър по покана на кардинал Ришельо (втората половина на 30-те години). Получил титлата на първия кралски художник, той работи върху галерията и много други поръчки. Такъв успех не допринесе за популярността му сред колегите художници, а онези, които също кандидатстваха за работа в Лувъра, бяха особено недоволни.

Интригите на недоброжелателите принуждават художника да напусне Париж и през 1642 г. отново да се премести в Рим. През този период на творчество (до 50-те години) Библията и Евангелието стават източник на теми за картините на Пусен. Ако в ранните произведения цари естествена хармония, сега героите на картините са библейски и митологични герои, които са победили своите страсти и имат сила на волята (Кориолан, Диоген). Емблематичната картина от този период е „Аркадските пастири“, която композиционно говори за неизбежността на смъртта и мирното приемане на това съзнание. Тази картина се превърна в пример за класицизъм, маниерът на художника придоби по-сдържан характер, не толкова емоционално лиричен, колкото в произведенията от първия римски период. В цветовата схема контрастът на няколко цвята стана преобладаващ.

Художникът не е имал време да завърши последната си работа "Аполон и Дафне", но именно в неговите картини се формира френският класицизъм.

Никола Пусен (на френски Nicolas Poussin; в Италия той се нарича Николо Пусино (на италиански Niccolò Pussino); 1594, Les Andelys, Нормандия - 19 ноември 1665, Рим) - френски художник, един от основателите на класицизма. Значителна част от активния си творчески живот прекарва в Рим, където е от 1624 г. и се ползва с покровителството на кардинал Франческо Барберини. Привличайки вниманието на крал Луи XIII и кардинал Ришельо, той е удостоен с титлата на първия художник на краля. През 1640 г. той пристига в Париж, но не може да се адаптира към ситуацията в кралския двор и преживява редица конфликти с водещи френски художници. През 1642 г. Пусен се завръща в Италия, където живее до смъртта си, изпълнявайки поръчки от френския кралски двор и малка група просветени колекционери. Умира и е погребан в Рим.

Каталогът на Jacques Thuillier от 1994 г. изброява 224 картини на Пусен, чието приписване е извън съмнение, както и 33 произведения, чието авторство може да бъде оспорено. Картините на художника са базирани на исторически, митологични и библейски сюжети, белязани от строг рационализъм на композицията и избора на художествени средства. Пейзажът става важно средство за себеизразяване за него. Един от първите художници, Пусен, оценява монументалността на местния колорит и теоретично обосновава превъзходството на линията над цвета. След смъртта му неговите изявления се превръщат в теоретична основа на академизма и дейността на Кралската академия по живопис. Творческият му маниер е проучен отблизо от Жак-Луи Давид и Жан Огюст Доминик Енгр.
През 19-20 век оценките за мирогледа на Пусен и интерпретацията на творчеството му се променят коренно.

Най-важният първоизточник на биографията на Никола Пусен е оцелялата кореспонденция - общо 162 съобщения. 25 от тях, написани на италиански, са изпратени от Париж до Касиано дал Поцо - римския покровител на художника - и датирани от 1 януари 1641 г. до 18 септември 1642 г. Почти цялата останала кореспонденция, от 1639 г. до смъртта на художника през 1665 г., е паметник на приятелството му с Пол Фриард дьо Шантелу, придворен съветник и кралски метрдотел. Тези писма са написани на френски език и не претендират за висок литературен стил, като са важен източник на ежедневните дейности на Пусен. Кореспонденцията с Дал Поцо е публикувана за първи път през 1754 г. от Джовани Ботари, но в леко преработен вид. Оригиналните писма се съхраняват във Френската национална библиотека. Публикуването на писмата на художника, издадени от Дидо през 1824 г., е наречено "фалшифицирано" от биографа на Пусен Пол Дежарден.

Първите биографии на Пусен са публикувани от неговия римски приятел Джовани Пиетро Белори, който е служил като библиотекар на кралица Кристина от Швеция, и Андре Фелибиен, който се среща с художника в Рим по време на мандата му като секретар на френското посолство (1647 г.), а след това като кралски историограф. Книгата на Белори Vite de "Pittori, Scaltori ed Architetti moderni е посветена на Колбер и е публикувана през 1672 г. Биографията на Пусен съдържа кратки ръкописни бележки за естеството на неговото изкуство, които са запазени в ръкописа в библиотеката на кардинал Масими. Само в средата на 20-ти век стана ясно, че "Забележки върху живописта", т.е. едва през 1903 г.

Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excellent peintres anciens et modernes на Фелибиен е публикуван през 1685 г. Пусен е посветен на 136 страници in-quarto. Според П. Дежарден това е „истинска агиография”. Стойността на това произведение се дава от пет дълги писма, публикувани в състава му, включително едно, адресирано до самия Фелибиен. Тази биография на Пусен е ценна и с това, че съдържа личните спомени на Фелибиен за неговия външен вид, нрави и ежедневни навици. Фелибиен очерта хронологията на творчеството на Пусен, базирайки се на разказите на неговия зет Жан Дюге. Но и Белори, и Фелибиен са апологети на академичния класицизъм. Освен това италианецът се стреми да докаже влиянието на италианската академична школа върху Пусен.

Това е част от статия в Уикипедия, използвана под лиценза CC-BY-SA. Пълният текст на статията тук →