Импресионизмът във френската живопис. Каква е разликата между руския импресионизъм в живописта и френския? Импресионизмът като изкуство

Импресионизмът е посока в живописта, възникнала във Франция през 19-20 век, която е художествен опит да се улови всеки момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-известните импресионисти в света. За щастие има повече от десет, двадесет или дори сто талантливи артисти, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Този френски художник от английски произход се смята за най-известния пейзажист от втората половина на 19 век. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Тревни площи през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен на целия свят с тъжната история за ухото си (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Ван Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Говори се, че той е бил едновременно предприемач и свещеник, но често е попадал в психиатрични болници поради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване е довело до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Художникът най-много харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, и по-точно Писаро имаше специален талант да избира мекотата на цветовете, съвместимостта, след което в картините сякаш се появяваше въздух.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Човек обаче има чувството, че трудностите не са потискали, а по-скоро са вдъхновили художника да създаде такива ярки картини като „Импресия, изгрев“, „Сградата на парламента в Лондон“, „Мост към Европа“, „Есен в Аржантьой“, „ On the Shore Trouville и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник - Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му „Кей в Гурзуф“, „Риба, вино и плодове“, „Есенен пейзаж“, „Лунна нощ. Зима” и поредица от негови творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са "Градина в снега", "При скалата", "На плажа в Диеп", "Голо", "Палми в Мартиника" и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен още приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилни и неправилни геометрични форми, строгостта на темите на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това запознанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-забележителните му творби са "На терасата", "Разходка", "Портрет на актрисата Жана Самари", "Хижата", "Алфред Сисли и неговата съпруга", " На люлката“, „Жабата“ и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували нищо за „Сините танцьорки“, „Балетни репетиции“, „Балетна школа“ и „Абсент“ – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Изборът на оригинални цветове, уникални теми за картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направиха Дега един от най-известните художници в света.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне – това са двама различни хора, работили по едно и също време и в една и съща художествена посока. Мане винаги е бил привличан от ежедневни сцени, необичайни изяви и типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие запечатани в продължение на векове. Сред известните картини на Мане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар в Folies Bergère", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

Александра Скрипкина,

Думата "импресионизъм" произлиза от френското "impression" - впечатление. Това е посока на живописта, възникнала във Франция през 60-те години на XIX век. и до голяма степен определя развитието на изкуството през 19 век. Централните фигури на това течение са Сезан, Дега, Мане, Моне, Писаро, Реноар и Сисли, като приносът на всеки от тях за неговото развитие е уникален. Импресионистите се противопоставят на условностите на класицизма, романтизма и академизма, утвърждават красотата на ежедневната реалност, простите, демократични мотиви, постигат жива автентичност на образа, опитват се да уловят „впечатлението“ на това, което окото вижда в даден момент, без фокусиране върху рисуване на конкретни детайли.

През пролетта на 1874 г. група млади художници, включително Моне, Реноар, Писаро, Сисли, Дега, Сезан и Берта Моризо, пренебрегнаха официалния салон и организираха своя собствена изложба. Подобен акт сам по себе си беше революционен и скъса с вековните основи, докато картините на тези художници на пръв поглед изглеждаха още по-враждебни към традицията. Реакцията на това нововъведение от посетители и критици далеч не беше приятелска. Те обвиниха художниците, че пишат само за да привлекат вниманието на публиката, а не по начина, по който го правят признатите майстори. Най-снизходителните смятаха работата им за подигравка, за опит да се изиграе номер на честните хора. Отне години на ожесточена борба, преди тези, по-късно признати, класици на живописта да успеят да убедят публиката не само в своята искреност, но и в своя талант.

Опитвайки се да изразят възможно най-точно своите непосредствени впечатления от нещата, импресионистите създават нов метод на рисуване. Същността му беше да предаде външното впечатление за светлина, сянка, рефлекси върху повърхността на обекти с отделни щрихи от чисти цветове, които визуално разтваряха формата в заобикалящата светло-въздушна среда. В любимите си жанрове (пейзаж, портрет, многофигурна композиция) те се опитаха да предадат своите мимолетни впечатления от света около тях (сцени на улицата, в кафенета, скици от неделни разходки и др.). Импресионистите изобразяват живот, изпълнен с природна поезия, където човек е в единство с околната среда, вечно променлив, поразителен с богатство и искрящ с чисти, ярки цветове.

След първата изложба в Париж тези художници започват да се наричат ​​импресионисти, от френската дума "импресия" - "впечатление". Тази дума беше подходяща за техните произведения, защото в тях художниците предаваха прякото си впечатление от видяното. Художниците се доближиха до образа на света по нов начин. Основната тема за тях беше трепереща светлина, въздух, в който хората и предметите са сякаш потопени. В техните картини се усещаше вятърът, влажната, затоплена от слънцето земя. Те се стремяха да покажат удивителното богатство на цветовете в природата. Импресионизмът е последното голямо художествено движение във Франция през 19 век.

Това не означава, че пътят на художниците импресионисти е бил лесен. Първоначално не ги разпознаха, рисуването им беше твърде смело и необичайно, присмиваха им се. Никой не искаше да купи техните картини. Но те упорито вървяха по своя път. Нито бедността, нито гладът можеха да ги накарат да изоставят своите вярвания. Минаха много години, много от художниците импресионисти вече не бяха между живите, когато изкуството им най-накрая беше признато.

Всички тези толкова различни художници бяха обединени от обща борба срещу консерватизма и академизма в изкуството. Импресионистите организират осем изложби, последната през 1886 г. С това всъщност приключва историята на импресионизма като направление в живописта, след което всеки от художниците поема по своя път.

Една от картините, представени на първата изложба на „независимите“, както предпочитаха да се наричат ​​художниците, принадлежеше на Клод Моне и се казваше „Импресия. Изгрев". Във вестникарска рецензия на изложбата, която се появи на следващия ден, критикът Л. Лероа се присмива по всякакъв възможен начин на липсата на „формалност“ в картините, иронично накланяйки думата „впечатление“ по всякакъв начин, сякаш заменяйки истинското изкуство в творби на млади художници. Противно на очакванията, новата дума, изречена подигравателно, се наложи и послужи като име на цялото движение, тъй като тя перфектно изрази общото, което обединяваше всички участници в изложбата - субективното преживяване на цвят, светлина, пространство. Опитвайки се да изразят непосредствените си впечатления от нещата възможно най-точно, художниците се освободиха от традиционните правила и създадоха нов метод на рисуване.

Импресионистите излагат свои собствени принципи на възприемане и показване на околния свят. Те изтриха границата между основните обекти, достойни за високо изкуство, и второстепенните обекти, установиха пряка и обратна връзка между тях. Така импресионистичният метод става максимален израз на самия принцип на живописта. Изобразителният подход към изображението просто включва идентифициране на връзката на обекта със света около него. Новият метод принуди зрителя да дешифрира не толкова превратностите на сюжета, колкото тайните на самата картина.

Същността на импресионистичното виждане за природата и нейното изображение се състои в отслабването на активното, аналитично възприемане на триизмерното пространство и свеждането му до първоначалната двуизмерност на платното, обусловена от планарна визуална обстановка, по думите на А. Хилдебранд, "далечно гледане на природата", което води до отвличане на вниманието на изобразения обект от неговите материални качества, сливане с околната среда, почти напълно го превръща във "привидност", привидност, която се разтваря в светлина и въздух. Неслучайно по-късно П. Сезан нарича лидера на френските импресионисти Клод Моне „само око“. Това "откъсване" на зрителното възприятие доведе и до потискане на "цвета на паметта", т.е. връзката на цвета с обичайните предметни представи и асоциации, според които небето винаги е синьо, а тревата е зелена. Импресионистите можеха, в зависимост от своето виждане, да нарисуват небето зелено, а тревата синя. „Обективната правдоподобност“ беше принесена в жертва на законите на зрителното възприятие. Например J. Seurat ентусиазирано разказа на всички как е открил, че оранжевият крайбрежен пясък на сянка е ярко син. По този начин в основата на изобразителния метод беше поставен принципът на контрастното възприемане на допълващи се цветове.

За един художник импресионист в по-голямата си част не е важно какво изобразява, а „как“ е важно. Обектът става само повод за решаване на чисто изобразителни, „визуални” задачи. Следователно импресионизмът първоначално имаше друго, по-късно забравено име - „хромантизъм“ (от гръцки Chroma - цвят). Импресионистите актуализират оцветяването, изоставят тъмните, земни цветове и прилагат чисти, спектрални цветове върху платното, почти без да ги смесват първо в палитрата. Натурализмът на импресионизма се състоеше във факта, че най-безинтересното, обикновено, прозаично се превърна в красиво, веднага щом художникът видя фините нюанси на сивото и синьото там.

Характерна е краткостта, етюдната природа на творческия метод на импресионизма. В края на краищата само едно кратко изследване направи възможно точното записване на отделните природни състояния. Импресионистите са първите, които скъсват с традиционните принципи на пространствената живопис, датиращи от Ренесанса и Барока. Те използваха асиметрични композиции, за да подчертаят по-добре героите и обектите, които ги интересуват. Но парадоксът беше, че изоставяйки натурализма на академичното изкуство, разрушавайки неговите канони и обявявайки естетическата стойност на фиксирането на всичко мимолетно, случайно, импресионистите останаха в плен на натуралистичното мислене и освен това в много отношения това беше крачка назад. Можем да си припомним думите на О. Шпенглер, че „Пейзажът на Рембранд се намира някъде в безкрайните пространства на света, докато пейзажът на Клод Моне е близо до гарата“

Изразът "руски импресионизъм" само преди година проряза ухото на обикновения гражданин на нашата необятна страна. Всеки образован човек знае за лекия, ярък и бурен френски импресионизъм, може да различи Моне от Мане и да разпознае слънчогледите на Ван Гог от всички натюрморти. Някой е чул нещо за американския клон на развитието на тази посока на живописта - по-градски в сравнение с френските пейзажи на Хасам и портретите на Чейс. Но изследователите спорят за съществуването на руски импресионизъм и до днес.

Константин Коровин

Историята на руския импресионизъм започва с картината "Портрет на хористка" на Константин Коровин, както и с неразбиране и осъждане на обществеността. Когато за първи път видях тази работа, И. Е. Репин не повярва веднага, че работата е направена от руски художник: „Испанец! Виждам. Смело, сочно пише. Чудесен. Но това е просто рисуване заради самото рисуване. Испанец обаче с темперамент...“. Самият Константин Алексеевич започва да рисува своите платна по импресионистичен начин още в студентските си години, като не е бил запознат с картините на Сезан, Моне и Реноар, много преди пътуването си до Франция. Само благодарение на опитното око на Поленов Коровин разбра, че той използва техниката на французите от онова време, до която стигна интуитивно. В същото време руският художник е предаден от темите, които използва за своите картини - признатият шедьовър "Северна идилия", написан през 1892 г. и съхраняван в Третяковската галерия, ни показва любовта на Коровин към руските традиции и фолклор. Тази любов е внушена на художника от „Кръга на мамута“ - общност от творческа интелигенция, която включва Репин, Поленов, Васнецов, Врубел и много други приятели на известния филантроп Сава Мамонтов. В Абрамцево, където се намира имението на Мамонтов и където се събират членове на художествения кръг, Коровин има късмета да се срещне и да работи с Валентин Серов. Благодарение на това познанство творчеството на вече завършения художник Серов придоби чертите на лек, ярък и стремителен импресионизъм, който виждаме в една от ранните му творби - „Отворен прозорец. Люляк".

Портрет на хористка, 1883 г

Северна идилия, 1886 г

Птича череша, 1912 г

Гурзуф 2, 1915 г

Пристан в Гурзуф, 1914 г

Париж, 1933 г

Валентин Серов

Картината на Серов е проникната от черта, присъща само на руския импресионизъм - картините му отразяват не само впечатлението от видяното от художника, но и състоянието на душата му в момента. Например в картината "Площад Сан Марко във Венеция", рисувана в Италия, където Серов отива през 1887 г. поради тежко заболяване, преобладават студени сиви тонове, което ни дава представа за състоянието на художника. Но въпреки доста мрачната палитра, картината е референтна импресионистична работа, тъй като върху нея Серов успя да улови реалния свят в неговата подвижност и променливост, да предаде мимолетните си впечатления. В писмо до своята булка от Венеция Серов пише: „В този век се пише всичко, което е трудно, нищо окуражаващо. Искам, искам това, което носи удоволствие, и ще пиша само това, което е удовлетворяващо.”

отворен прозорец. Люляк, 1886 г

Площад Сан Марко във Венеция, 1887 г

Момиче с праскови (Портрет на В. С. Мамонтова)

Коронация. Потвърждение на Николай II в катедралата Успение Богородично, 1896 г

Момиче, огряно от слънцето, 1888 г

Къпане на кон, 1905 г

Александър Герасимов

Един от учениците на Коровин и Серов, възприел техния изразителен мазок, ярка палитра и етюден стил на писане, е Александър Михайлович Герасимов. Разцветът на творчеството на художника идва по времето на революцията, което не може да не се отрази в сюжетите на неговите картини. Въпреки факта, че Герасимов даде четката си в услуга на партията и стана известен с изключителните си портрети на Ленин и Сталин, той продължи да работи върху импресионистични пейзажи, които бяха близки до душата му. Работата на Александър Михайлович „След дъжда“ ни разкрива художника като майстор на предаването на въздух и светлина в картината, което Герасимов дължи на влиянието на своите изтъкнати наставници.

Художници в дачата на Сталин, 1951 г

Сталин и Ворошилов в Кремъл, 50-те години на ХХ век

След дъжда. Мокра тераса, 1935 г

Натюрморт. Полски букет, 1952 г

Игор Грабар

В разговор за късния руски импресионизъм не може да не се обърнем към творчеството на великия художник Игор Емануилович Грабар, който възприема много от техниките на френските художници от втората половина на 19 век благодарение на многобройните си пътувания до Европа. Използвайки техниките на класическите импресионисти, Грабар изобразява в своите картини чисто руски пейзажни мотиви и ежедневни сцени. Докато Моне рисува цъфтящите градини на Живерни, а Дега рисува красиви балерини, Грабар изобразява суровата руска зима и селския живот със същите пастелни цветове. Най-вече Грабар обичаше да изобразява скреж върху платната си и му посвети цяла колекция от творби, състояща се от повече от сто малки многоцветни скици, създадени по различно време на деня и при различно време. Трудността при работата върху такива рисунки беше, че боята се втвърди на студа, така че трябваше да работя бързо. Но точно това позволи на художника да пресъздаде „този момент“ и да предаде своето впечатление от него, което е основната идея на класическия импресионизъм. Често стилът на рисуване на Игор Емануилович се нарича научен импресионизъм, защото той отдава голямо значение на светлината и въздуха върху платната и създава много изследвания върху възпроизвеждането на цветовете. Нещо повече, именно на него дължим хронологичното подреждане на картините в Третяковската галерия, на която той е директор през 1920-1925 г.

Брезовата алея, 1940 г

Зимен пейзаж, 1954 г

Слана, 1905 г

Круши върху синя покривка, 1915 г

Ъгъл на имението (Лъч на слънцето), 1901 г

Юрий Пименов

Напълно некласически, но все пак импресионизмът се развива в съветската епоха, ярък представител на който е Юрий Иванович Пименов, който стига до образа на „мимолетно впечатление в пастелни цветове“, след като работи в стила на експресионизма. Една от най-известните творби на Пименов е картината "Нова Москва" от 30-те години на миналия век - лека, топла, сякаш нарисувана с въздушните щрихи на Реноар. Но в същото време сюжетът на това произведение е напълно несъвместим с една от основните идеи на импресионизма - отхвърлянето на използването на социални и политически теми. "Нова Москва" Пименов просто перфектно отразява социалните промени в живота на града, които винаги са вдъхновявали художника. „Пименов обича Москва, нейните нови, нейните хора. Художникът щедро дарява това усещане на зрителя“, пише художникът и изследовател Игор Долгополов през 1973 г. И наистина, гледайки картините на Юрий Иванович, ние сме пропити с любов към съветския живот, новите квартали, лиричното домакинство и урбанизма, уловени в техниката на импресионизма.

Работата на Пименов още веднъж доказва, че всичко "руско", донесено от други страни, има свой специален и уникален път на развитие. Така френският импресионизъм в Руската империя и Съветския съюз абсорбира чертите на руския мироглед, национален характер и начин на живот. Импресионизмът, като начин за предаване само на възприемането на реалността в нейната чиста форма, остава чужд на руското изкуство, защото всяка картина на руски художници е изпълнена със смисъл, осъзнатост, състояние на променливата руска душа, а не само мимолетно впечатление . Ето защо следващия уикенд, когато Музеят на руския импресионизъм ще представи отново основната експозиция на московчани и гости на столицата, всеки ще намери нещо за себе си сред чувствените портрети на Серов, урбанизма на Пименов и нетипичните за Кустодиев пейзажи.

Нова Москва

Лирично домакинство, 1965 г

Гримьорната на Болшой театър, 1972 г

Рано сутрин в Москва, 1961 г

Париж. Улица Сен Доминик. 1958 г

Стюардеса, 1964 г

Може би за повечето хора имената на Коровин, Серов, Герасимов и Пименов все още не са свързани с определен стил в изкуството, но Музеят на руския импресионизъм, който отвори врати през май 2016 г. в Москва, все пак събра произведенията на тези художници под един покрив.

Импресионизмът (фр.presspressionisme, отpress - впечатление), течение в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, чиито майстори, фиксирайки своите мимолетни впечатления, се стремят да уловят най-естествено и безпристрастно реалния свят в неговата подвижност и променливост. Импресионизмът възниква във френската живопис в края на 1860-те години. Едуард Мане (който формално не е член на импресионистичната група), Дега, Реноар, Моне внасят свежест и непосредственост във възприемането на живота в изобразителното изкуство.

Френските художници се обърнаха към образа на мигновени ситуации, изтръгнати от потока на реалността, съчетават духовния живот на човек, образа на силни страсти, одухотворяването на природата, интереса към националното минало, желанието за синтетични форми на изкуството с мотивите на световната скръб, желанието да се изследва и пресъздаде "сенчестата", "нощната" страна на човешката душа, с прословутата "романтична ирония", позволила на романтиците смело да сравняват и изравняват високото и ниското, трагично и комично, реално и фантастично. Художниците импресионисти използваха фрагментарните реалности на ситуациите, използваха привидно небалансирани композиционни конструкции, неочаквани ъгли, гледни точки, разфасовки на фигури.

През 1870-1880 г. се формира пейзажът на френския импресионизъм: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley развиват последователна пленерна система, създават в своите картини усещане за искряща слънчева светлина, богатство от цветове на природата, разтваряне на формите във вибрацията на светлината и въздуха. Името на посоката идва от името на картината на Клод Моне "Импресия. Изгряващо слънце" ("Impression. Soleil levant"; изложена през 1874 г., сега в Musée Marmottan, Париж). Разлагането на сложни цветове в чисти компоненти, които се наслагват върху платното в отделни щрихи, цветни сенки, отблясъци и валери дават началото на безпрецедентно лека, трепетна импресионистична живопис.

Някои аспекти и техники на тази тенденция в живописта са използвани от художници от Германия (М. Либерман, Л. Коринт), САЩ (Дж. Уислър), Швеция (А. Л. Зорн), Русия (К. А. Коровин, И. Е. Грабар) и много други национални училища по изкуствата. Концепцията за импресионизъм се прилага и към скулптурата от 1880-1910 г., която има някои импресионистични характеристики - желанието да се предаде мигновено движение, плавност и мекота на формата, пластична схематичност (работи на О. Роден, бронзови статуетки на Дега и др. .). Импресионизмът в изобразителното изкуство оказва влияние върху развитието на изразните средства на съвременната литература, музика и театър. Във взаимодействие и в противоречие с изобразителната система на този стил неоимпресионизмът и постимпресионизмът възникват в художествената култура на Франция в края на 19 и началото на 20 век.

неоимпресионизъм(Френски неоимпресионизъм) - тенденция в живописта, възникнала във Франция около 1885 г., когато нейните основни майстори J. Seurat и P. Signac разработиха нова живописна техника на дивизионизма. Френските неоимпресионисти и техните последователи (Т. ван Рейзелберг в Белгия, Г. Сегантини в Италия и др.), развивайки тенденциите на късния импресионизъм, се стремят да приложат съвременни открития в областта на оптиката в изкуството, придавайки методичен характер на изкуството. методите за разлагане на тонове в чисти цветове; същевременно преодоляват хаотичността, фрагментарността на импресионистичната композиция, прибягват до плоско-декоративни решения в своите пейзажи и многофигурни пана.

постимпресионизъм(от лат. post - след и импресионизъм) - общото наименование на основните тенденции във френската живопис от края на 19 - началото на 20 век. От средата на 1880-те майсторите постимпресионисти търсят нови изразни средства, които могат да преодолеят емпиризма на художественото мислене и да им позволят да преминат от импресионистичната фиксация на отделни моменти от живота към въплъщение на неговите дългосрочни състояния, материал и духовни константи. Периодът на постимпресионизма се характеризира с активно взаимодействие на отделни тенденции и индивидуални творчески системи. Постимпресионизмът обикновено се нарежда като творчество на майсторите на неоимпресионизма, групата Набис, както и на В. Ван Гог, П. Сезан, П. Гоген.

Справочните и биографични данни на художествената галерия Small Bay Planet са изготвени въз основа на материали от Историята на чуждестранното изкуство (под редакцията на М. Т. Кузмина, Н. Л. Малцева), Художествената енциклопедия на чуждестранното класическо изкуство и Голямата руска енциклопедия.

Много от търсенията на Мане бяха подети и развити от група художници, които влязоха в историята на изкуството под името импресионисти. Импресионизмът, последното голямо художествено движение в изкуството на 19 век, възниква във Франция през 60-те години на XIX век. Името му идва от френската дума импресия - впечатление. Това беше името на пейзажа на Клод Моне („Импресия. Изгрев“, 1872), показан през 1874 г., заедно с творбите на други млади френски художници, на изложбата на „независимите“ във фотографското студио на Надар в Париж. Това беше първата изложба на импресионистите, въпреки че по това време водещите представители на импресионизма вече бяха напълно оформени художници.
Импресионизмът е сложно художествено явление, което често предизвиква противоречиви оценки и до днес. Отчасти това се дължи на факта, че с него се свързват творци с подчертана индивидуалност, често с твърде различни творчески търсения. Но някои важни общи черти позволяват да се обединят редица майстори на френското изобразително изкуство (както и на литературата и музиката) в едно движение.
Импресионизмът възниква в дълбините на френското реалистично изкуство. Младите представители на тази тенденция се нарекоха последователи на Курбе. Подобно на реализма от средата на 19 век, импресионизмът, особено в ранните етапи на своето развитие, се противопоставя враждебно на официалното академично изкуство. Художниците импресионисти бяха отхвърлени от Салона, тяхното изкуство срещна яростни атаки от официалната критика.
Следвайки майсторите на реализма от средата на века, импресионистите се противопоставиха на смъртоносното, отделено от живота на академичното изкуство. Своята основна задача те смятаха за образа на съвременната реалност в нейните различни индивидуални проявления. Те се опитаха да уловят най-простите мотиви от съвременния живот и природата, които рядко привличаха вниманието на художниците преди. Протестирайки срещу сухотата и абстрактността на академичното изкуство, срещу неговите условни печати и схеми, импресионистите се стремят да предадат цялата свежест на своите преки впечатления от реалността, цветното богатство на видимия свят, неговото разнообразие и променливост. Оттук - търсенето на нов творчески метод, характерен за импресионизма, развитието на някои нови средства за художествено изразяване. На първо място, това е своеобразно разбиране на композицията, свободен, директен, сякаш случаен, интерес към предаването на динамиката на околния свят и накрая, специално внимание към изобразителните проблеми, към прехвърлянето на светлина и въздух. Излагайки като задължително изискване работата върху плеъра, импресионистите обогатяват живописта с много колористични постижения, преодоляват условностите на цветната гама, характерни за повечето от предшествениците си, постигат големи успехи в предаването на светловъздушната среда, ефекта на светло на цвят. Всичко това придава на живописта на импресионистите свежест и колоритно богатство.
Въпреки това, отдавайки дължимото на безспорните реалистични постижения на импресионистите, не може да не се отбележи ограничеността на техния мироглед и метод. Самият подход на импресионистите към изобразяването на действителността е изпълнен с опасност от плъзгане по повърхността на явленията, отхвърляне на великия живот и още повече социалните обобщения. Стремейки се преди всичко да предадат най-директно света около себе си, импресионистите отдават водещо значение на визуалното впечатление. Фиксирането на мимолетни, мимолетни визуални усещания в тяхната работа достига удивителна автентичност, но понякога замества дълбокото и всеобхватно познаване на света. Ето защо, въпреки че изкуството на импресионизма се обогатява с нови теми и мотиви, то вече не решава големи теми с висока социална значимост. Импресионистите перфектно предават природата, изпълнена със слънце и въздух, преливащ блясък на цветове и игра на светлина; те са уловили върху своите платна завладяващия блясък и динамика на съвременния живот; те откриха художествената стойност на много мотиви от действителността; но те се оказаха неспособни да изразят напредналите демократични идеали на своето време. Социалните, а понякога дори психологическите проблеми престават да интересуват тези художници и тяхното изкуство губи активното социално значение, което прогресивният романтизъм и демократичният реализъм имат във Франция. Следователно, вече във връзка с импресионизма, може да се говори за елементите на кризата на реалистичното изкуство, което е лишено от истинско демократично съдържание и критична острота.
Идеологическата ограниченост на това течение беше основната причина за краткия му разцвет. Възходът на импресионизма датира от 1870-те и началото на 1880-те години. През 1886 г. се състоя последната изложба на импресионистите, но преди нея имаше значителни различия в групата. И въпреки че в бъдеще много видни майстори на импресионизма продължават да работят, те или се отклоняват от принципите на тази тенденция, изпитвайки недоволство от нейните ограничения (Реноар), или вече не създават нищо фундаментално ново. За кризата, която преживява импресионизмът от средата на 80-те години на XIX век, е особено важно, че много от постиженията на това течение, доведени до крайности, се превръщат в своята противоположност. По това време някои художници, все по-безразлични към съдържанието на своето изкуство, дават цялата си сила на изобразителни и технически търсения, често ги комбинират с декоративни тенденции (C. Monet). Желанието да предадат слънчевата светлина възможно най-точно ги води до прекомерно изсветляване на палитрата, желанието да уловят вибрациите на въздуха - до злоупотреба със системата от отделни щрихи. Упоритите технически търсения в областта на светлината и цвета често се извършват в ущърб на пластичната форма и модел. Много импресионисти, отказвайки сюжетна тематична картина, стигат до етюд, пренебрегвайки цялостна, обмислена, холистична композиция.
До 1886 г. всички задачи, поставени от импресионизма, са решени. По-нататъшното развитие в областта на тесните задачи в тази посока беше невъзможно, то спешно изискваше формулирането на нови големи теми, по-дълбоки проблеми, както и по-голяма широта и разнообразие на творческия метод.
Възникнал и достигнал най-пълния си разцвет във Франция, от края на 1880-те години импресионизмът се разпространява и в други страни, където много видни художници се присъединяват към това течение.
Едгар Дега. Най-големият френски художник от онова време Едгар Дега (1834-1917) е тясно свързан с импресионизма. Той е един от организаторите и участниците в почти всички изложби на импресионистите. В това течение обаче Дега заема специално място. С импресионизма го свързва желанието да се улови динамиката на съвременния живот, интересът към предаването на светлината, някои живописни и колористични търсения. В същото време много от метода на импресионистите му беше дълбоко чужд. По-специално, той не одобряваше ангажимента им към визуалното впечатление, смятайки, че подходът им към реалността е твърде пасивен. Дега отрича да е работил върху играча и създава почти всички свои картини в студиото. Обобщавайки своите наблюдения върху природата, художникът винаги се е стремял да предаде нейната същност и характер. „Невъзможно е да си представя изкуството по-малко директно от моето“, каза Дега. „Моята работа е резултат от размисъл, изучаване на майстори, това е въпрос на вдъхновение, характер, търпеливо наблюдение.“
Дега преминава през академична школа в работилницата на Ламот. Страстта към Енгр и Пусен е отразена в много от ранните творби на художника, решени в класически дух („Състезанието на спартанските момчета и момичета“, 1860 г., Лондон, Национална галерия). Вече в тези картини се проявява усъвършенстваното майсторство на рисуването, присъщо на Дега, интересът към прехвърлянето на движение, както и желанието за обновяване на академичната живопис с остро наблюдение на природата. В бъдеще Дега се обръща изключително към образа на съвременния живот. Характерните черти на умението на Дега за първи път се проявяват в неговите портрети, много от които могат да бъдат посочени сред най-добрите примери за реалистичен портрет на съвременността. Те предават моделите правдиво и точно, отличават се със сериозността и тънкостта на психологическите характеристики, оригиналността на композиционните решения, класическата строгост на рисунката и изтънченото владеене на цвета. Сред тях са портрет на семейство Белели (1860-1862, Лувър), портрет на жена (1867, Париж, Лувър), портрет на бащата на художника и китариста Паган (ок. 1872, Чикаго, частна колекция ) и невероятна смелост, жизненост и непосредственост на решението портрет на Лепик с дъщерите му (площад Конкорд, 1873 г.).
Жанровите произведения на Дега съставляват блестяща картина на нравите на съвременния Париж. Техните теми са разнообразни и обхващат много явления от съвременната действителност. Остротата на наблюдението и внимателното изучаване на природата често се съчетават в тях с язвителна ирония и песимистично отношение към изобразеното. Дега често фокусира вниманието си върху непривлекателните страни на реалността и ги предава със студената безпощадност, присъща на неговия скептичен ум. Това е характерно за неговите картини, изобразяващи живота на бохемата, посетители на кафенета, певци, изпълняващи концерти в кафенета. И така, в известната картина "Абсент" (1876 г., Лувър) Дега успява с голяма реалистична убедителност и острота да улови характерната сцена на съвременния живот и да създаде изразителни образи на двама паднали хора.
Любимата тема на творчеството на Дега е театърът и балетът. С еднакво майсторство художникът изобразява скучното, досадно ежедневие на балерините – уроци, репетиции, сцени в гримьорните и пъстрата, празнична феерия на балетните представления. В тези творби се отразява присъщата способност на Дега да улови и предаде често преходните, мигновени, но винаги характерни пози и движения на фигури, изражения на лицето.
Вниманието на Дега е привлечено и от трудови сцени. В множество изображения на перачки (Париж, Лувър; Ню Йорк, частна колекция) художникът успява да предаде както тежестта на труда, така и неговата досадна монотонност. В тези произведения Дега често се издига до социални обобщения в характерните и остро предадени образи на жени от народа. Вярно, за разлика от Домие, той не се характеризира с желанието да подчертае моралната сила и достойнството на обикновения човек.
Изобразителният маниер на Дега се развива от прецизността на изпълнението в ранните му творби до все по-голяма свобода и широта. В живописните си търсения той в много отношения се доближава до импресионистите; палитрата му се изсветлява, той използва чист цвят, налага го с отделни щрихи или щрихи (в пастели). Художникът проявява голям интерес към предаването на светлина (предимно изкуствена) и въздух. Последното е особено очевидно в много изображения на конни надбягвания. Но приблизителният, монотонен и ограничен маниер на импресионистите беше необичаен за него. Живописни търсения, технически експерименти, разработване на остри и разнообразни цветови решения Дега съчетава със строг рисунък и голямо внимание към композицията. Въпреки цялата си жизненост, изненада и непосредственост, композициите на Дега винаги са внимателно обмислени и майсторски изградени.
В късния период на творчеството Дега работи главно в пастели, често изобразявайки голи тела. Обикновено това са жени, заети с миене, сресване на косата, излизане от банята, обличане. Художникът рязко улавя в тези творби различни, понякога неудобни и грозни движения на човешкото тяло.Всички тези творби се отличават с високо и оригинално майсторство. Въпреки това почти изключителният призив на Дега към образа на голото свидетелство за добре познатите идеологически и тематични ограничения на късната му работа.
Освен маслени картини и пастели, Дега оставя много произведения в графиката. Създава и редица скулптури (балерини, конни жокеи, голи тела), главно в края на живота си, когато поради почти пълна загуба на зрение е лишен от възможността да се занимава с живопис.
Дега има голямо влияние върху много френски художници от края на 19 век, по-специално върху така наречените „художници на Монмартър“. Най-значимият от последователите на Дега е Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901), остър чертожник и тънък колорист, който работи много в плаката и създава в редица литографии изразителни, често сатирични образи на парижката бохема, но не без критични функции.
Пиер Огюст Реноар. Съвсем различен характер има творчеството на Реноар (1841-1919), един от най-видните представители на импресионизма. За разлика от Дега, той беше жизнерадостен художник, който улови в платната си поетични образи на съвременни парижани и цветни сцени от парижкия живот. Реноар започва своята артистична кариера като художник на порцелан. В работилницата на Gleyre, където учи живопис за кратко време, Renoir се сближава с C. Monet и Sisley, споделяйки с тях отхвърлянето на академичната рутина и страстта на Courbet. Влиянието на последното бележи много от творбите на Реноар, създадени през 1860-те години, например „Кръчмата на леля Антония“ (1865 г., Стокхолм, Национален музей), портрет на Сисли със съпругата му (1868 г., Кьолн, музей Валраф-Ричарт), "Лиза" (1867 г., Есен, музей Фолкванг). Още в тези ранни творби Реноар обръща значително внимание на предаването на светлина и на живописните и колористични проблеми.
Картини, направени в края на 1860-те години, по-специално "Жабата" (1868-1869, Москва, Музей на Пушкин), бележат началото на импресионистичния период в творчеството на художника, когато той изпълнява най-известните си творби. По това време (края на 1860-те и 1870-те) той рисува предимно портрети и жанрови картини, като отделя известно внимание на пейзажа.
Сред портретите на Реноар най-успешни са детските и женските. Негови творби като The Lodge (1874, Лондон, Courtauld Institute), Girl with a Fan (Ermitage Museum), Portrait of Madame Charpentier with Children (1878, New York, Metropolitan Museum of Art), Portrait of the Artist Samary (1877 , Москва, Музей на Пушкин), пресъздават характерните образи на съвременните парижани, техния особен, неповторим чар. Тези портрети не могат да бъдат наречени психологически, но те привличат с изобразително умение и убедителност на прехвърлянето на модели, жизненост на израза, особена поезия и усещане за пълнота на живота, присъщи на повечето творби на Реноар.
Жанровите картини на Реноар не се различават по разнообразието или значимостта на темата. Разходки извън града на парижани, празници на открито - това са сюжетите на много от неговите картини. В тях, както в цялото творчество на художника, е отразено неговото весело отношение и донякъде повърхностно, необмислено отношение към действителността. Но тяхното достойнство е свежестта и непосредствеността на интерпретацията, способността да усетите поетичното очарование на простите мотиви, да разкриете живописното богатство на реалността. Неговият цвят става звучен, разнообразен и преливащ, ярка слънчева светлина наводнява платната му, пъстра шумна парижка тълпа е дадена в единство с околната светлинна и въздушна среда, изтривайки контурите на фигурите и лишавайки предметите от тяхната пластична сигурност („Мулен де ла Галет“ “, 1876, Париж, Лувър; Закуската на лодкарите, 1881, Вашингтон, галерия Филипс). Приемайки принципите и метода на импресионизма през този период, Реноар обаче запазва в пълна степен своя индивидуален мироглед и техники. Техниката му на рисуване съчетава характерния за импресионистите фракционен щрих и остъкляване, което придава на платната на Реноар не само рядко колоритно богатство, но и колористично единство.
В късния период на творчеството Реноар се отдалечава от импресионизма. „Стигнах границите на импресионизма и заявих, че не мога нито да пиша, нито да рисувам“, пише художникът в началото на 1880-те. Проблемът за предаване на светлина и въздух го заема много по-малко по това време, той обръща повече внимание на композицията, стреми се към обобщение, монументалност, пластична сигурност в интерпретацията на фигурите. Но всички промени, които настъпват в творчеството на художника, се отнасят изключително до формалната страна на неговото изкуство. По това време Реноар допълнително ограничава предмета на своята работа, като се фокусира основно върху изобразяването на голото тяло. Увлечението по формалните проблеми е съчетано с чисто декоративни тенденции, което в крайна сметка води до значителна условност в интерпретацията на формите и цвета в много от по-късните творби на художника.
Клод Моне. Всички черти на импресионизма намериха най-пълен израз в творчеството на Клод Моне (1840-1926). Той беше лидер на това течение, той беше първият, който формулира неговите принципи, разработи програмата на играча и техниката на рисуване, характерна за импресионизма. Много постижения на това движение са свързани с неговото име. И в същото време именно в изкуството на Моне бяха особено ясно проявени ограниченията на импресионизма и кризата, която той преживя от средата на 1880-те години.
Ранните творби на Моне свързват импресионизма с реалистичното изкуство на Курбе, Коро и Добини и свидетелстват за влиянието на Е. Мане. Това са предимно пейзажи, портрети и фигуративни композиции на открито: „Закуска на тревата“ (1866, Москва, Пушкински музей), „Камила“ (1866, Бремен, музей), „Жена в градината“ (1865-1866). , Ермитаж). Много от тях са рисувани на пленер, художникът обръща голямо внимание на предаването на светлината в тях. От края на 1860 г. Моне работи почти изключително в областта на пейзажа, предавайки в своите платна директни впечатления от природата или градските гледки, придавайки все по-голямо значение на предаването на светлина и въздух. Най-добрият период от неговото творчество са 70-те години на XIX век, когато създава убедителни и настроени картини на френската природа, отличаващи се с голяма свежест и колористична свобода. По това време той намира много нови пейзажни мотиви, прости, но привлекателни, въвежда в изкуството образа на града, площадите и булевардите, оживени от мъждукащи вагони и бързаща тълпа. За да изрази тези мотиви, художникът търси подходяща живописна техника - жив, чист цвят, трептене, отделен мазък ("Булевардът на капуцините в Париж", 1873 г., Москва, Пушкинският музей, пейзажи, направени в Аржантьой). Въпреки това, в бъдеще фиксирането на преходна светлина и атмосферни ефекти често се превръща в самоцел за Моне. Формата и очертанията на предметите се разтварят в светловъздушната среда, губят своята плътност и материалност, превръщат се в нестабилни цветни петна. Моне се стреми към научна точност при предаването на въздействието на светлината и въздуха върху локалните цветове на предметите, изучава законите на допълнителните цветове, като обръща специално внимание на предаването на рефлекси и по този път на технически изследвания стига до значителни преувеличения. Формално-техническата страна замени дълбокото познаване и разкриване на реалността в творчеството му и замъгли цялостния художествен образ в много от по-късните му произведения. Самият мотив на природата престава да интересува художника и се превръща само в претекст за пренасяне на цветове и светлинни и въздушни ефекти. Това е особено важно за работата на Моне от края на 1880-те години, когато той създава поредица от пейзажи, изобразяващи един и същи мотив в различни часове на деня: поредица от купи сено, катедрали в Руан, гледки към Темза, Венеция. Възприемането на природата в тези произведения става все по-субективно, а желанието за предаване на мимолетни визуални впечатления води до отхвърляне на композиционно изградената картина и замяната й с произволно изследване. Много от по-късните творби на Моне са белязани не само от формални технически, но и от декоративни търсения. Това обуславя в някои случаи значителна условност и обмисленост на композиционните и цветови решения (серия "Води").
Като глава на френския импресионизъм, Моне оказва голямо влияние върху редица художници, които се присъединяват към това движение и работят главно в областта на пейзажа. Сред тях заслужават да бъдат споменати преди всичко Писаро и Сисли.
Камил Писаро. Камил Писаро (1830-1903) в ранните си творби развива традициите на френския реалистичен пейзаж (Курбе, Коро, Барбизон). След това, от края на 1860-те години, след като се сближава с Е. Мане и младите художници, групирани около него, Писаро се обръща към играча, към светлата, преливаща се палитра и става един от характерните представители на френския импресионизъм. В своите картини Писаро изобразява улиците на Руан и Париж, неговите предградия и околности, бреговете на Сена, ливади и селски пътища. За разлика от други импресионисти, той често въвежда фигури на селяни в своите селски пейзажи. Както всички импресионисти, Писаро обръща голямо внимание на изобразителните търсения, предаването на светлина и въздух. Светлинните и въздушните ефекти обаче рядко стават основен мотив в картините му. В най-добрите си пейзажи Писаро с цялото си сърце възприема природата, предава богатството и разнообразието на нейния живот. Обобщавайки непосредствените си впечатления, художникът обикновено внимателно обмисля композиционната структура на пейзажа и знае как да придаде монументалност на най-обикновените мотиви.
Алфред Спели. По-лирично е творчеството на Алфред Сислей (1839-1899). Другар на Моне в работилницата на Глейр, той се присъединява към Коро и Добини в ранните му творби и след това става един от първите участници в импресионистични изложби. Работейки изключително в областта на пейзажната живопис, Сисли обикновено рисува природата на Ил дьо Франс. Привличаха го интимни, преки мотиви - ниви, села, брегове на реки и канали и той умееше да разкрие тяхната оригиналност и привлекателност. Сисли имаше тънък усет за цвят, той чувствително улавяше променливостта на природата, състоянието на светлинната и въздушната среда. Но, възприемайки метода на импресионизма, той е по-сдържан в своите формално-технически търсения от други импресионисти, по-специално от Моне.