Grandes compositores del mundo. Grandes compositores rusos Famosos compositores extranjeros del siglo XIX

Se considera que el siglo XX fue una época de grandes inventos que hicieron que la vida de las personas fuera mucho mejor y, en algunos aspectos, más fácil. Sin embargo, existe la opinión de que no se creó nada nuevo en el mundo de la música en ese momento, sino que solo se utilizaron las obras de generaciones anteriores. Esta lista pretende refutar una conclusión tan injusta y honrar las muchas obras musicales creadas después de 1900, así como a sus autores.

Edgar Varèse - Ionización (1933)

Varèse es un compositor francés de música electrónica que utilizó en su obra nuevos sonidos creados a partir de la popularización de la electricidad. Exploró timbres, ritmos y dinámicas, a menudo utilizando sonidos de percusión bastante ásperos. Ninguna de las composiciones podrá hacerse una idea de la obra de Varèse tan plenamente como "Ionization", creada para 13 percusiones. Entre los instrumentos se encuentran los habituales bombos orquestales, redoblantes, y en esta pieza también se puede escuchar el rugido de un león y el aullido de una sirena.

Karlheinz Stockhausen - Zyklus (1959)

Stockhausen, como Varèse, a veces creó obras extremas. Por ejemplo, Zyklus es una pieza escrita para percusión. Significa "círculo". Esta composición recibió tal nombre no por casualidad. Se puede leer desde cualquier lugar en cualquier dirección, e incluso al revés.

George Gershwin - Rapsodia del blues (1924)

George Gershwin es un compositor verdaderamente estadounidense. A menudo usa escalas de blues y jazz en sus composiciones, en lugar de las escalas diatónicas comúnmente utilizadas por la mayoría de los músicos de la tradición clásica occidental. La "Rhapsody" de Gershwin en estilo blues, su gran obra, aquella gracias a la cual definitivamente lo recordarás para siempre. A menudo sirve como un recordatorio de la década de 1920, la Era del Jazz, una época de riqueza y lujo. Es un anhelo por un buen tiempo pasado.

Philip Glass - Einstein en la playa (1976)

Philip Glass es un compositor contemporáneo que continúa creando en abundancia en la actualidad. El estilo del compositor es el minimalismo, desarrollando gradualmente el ostinato en su música.
La ópera más famosa de Glass, Einstein on the Beach, duró 5 horas sin interrupción. Fue tanto tiempo que el público iba y venía a su antojo. Es interesante porque no tiene absolutamente ninguna trama, sino que solo muestra varias escenas que describen las teorías de Einstein y, en general, su vida.

Krzysztof Penderecki - Réquiem polaco (1984)

Penderecki es un compositor apasionado por la expansión de técnicas y estilos de interpretación únicos en instrumentos convencionales. Quizás sea más conocido por su otro trabajo Lament for the Victims of Hiroshima, pero esta lista incluye el más grande: el Réquiem polaco, que combina una de las formas más antiguas de trabajo musical (el autor del primer Réquiem fue Okeghem, quien vivió en el Renacimiento) y un estilo de actuación poco convencional. Aquí Penderecki usa chillidos, gritos cortos y agudos del coro y la voz, y la adición de texto en polaco al final completa la imagen de un arte musical verdaderamente único.

Alban Berg - Wozzeck (1922)

Berg es el compositor que introdujo el serialismo en la cultura popular. Su ópera Wozzeck, basada en una trama sorprendentemente poco heroica, se convirtió en la primera ópera en el estilo audaz característico del siglo XX y, por lo tanto, marcó el comienzo del desarrollo de la vanguardia en el escenario de la ópera.

Aaron Copland - Fanfarria para el hombre común (1942)

Copland compuso música en un estilo diferente al de su colega estadounidense George Gershwin. Si bien muchas de las obras de Gershwin son adecuadas para ciudades y clubes, el uso de motivos rurales por parte de Copland incluye temas verdaderamente estadounidenses, como los vaqueros.
La obra más famosa de Copland es Fanfare for the Common Man. Cuando se le preguntó a quién estaba dedicado exactamente, Aaron respondió que era una persona común, ya que fue la gente común la que influyó significativamente en la victoria de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial.

John Cage - 4'33" (1952)

Cage fue un revolucionario: primero comenzó a usar instrumentos musicales no tradicionales, como teclas y papel. Su innovación más llamativa es la modificación del piano, donde introdujo arandelas y clavos en el instrumento, lo que resultó en sonidos de percusión secos.
4'33" son básicamente 4 minutos y 33 segundos de música. Sin embargo, la música que escuchas no la está reproduciendo el artista. Escuchas ruidos al azar en la sala de conciertos, el ruido del aire acondicionado o el zumbido de los autos afuera. Lo que se consideraba silencio no es silencio: esto es lo que enseña la escuela Zen, que se convirtió en la fuente de inspiración de Cage.

Witold Lutosławski - Concierto para orquesta (1954)

Lutosławski es uno de los más grandes compositores de Polonia, especializado en música aleatoria. Se convirtió en el primer músico en recibir el premio estatal más alto de Polonia, la Orden del Águila Blanca.
"Concierto para orquesta" es el resultado de la inspiración del compositor en la obra "Concierto para orquesta" de Béla Bartók. Incluye una imitación del género Barroco Concerto Grosso entrelazado con melodías polacas. Lo más llamativo es que esta obra es atonal, no corresponde a una tonalidad mayor o menor.

Igor Stravinsky - La consagración de la primavera (1913)

Stravinsky es uno de los más grandes compositores que jamás haya existido. Parece haber tomado un poco de un gran número de compositores. Compuso en los estilos de serialismo, neoclasicismo y neobarroco.
La composición más famosa de Stravinsky es La consagración de la primavera, que fue un éxito escandaloso. En el estreno, Camille Saint-Saens salió corriendo de la sala desde el principio, regañando el registro excesivamente alto del fagot, en su opinión, el instrumento se usó incorrectamente. El público abucheó la actuación, indignado por los ritmos primitivos y el vestuario vulgar. La multitud literalmente atacó a los artistas. Es cierto que el ballet pronto ganó popularidad y se ganó el amor de la audiencia, convirtiéndose en una de las obras más influyentes del gran compositor.

Las melodías y canciones del pueblo ruso inspiraron la obra de famosos compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Entre ellos estaban P.I. Chaikovski, M.P. Mussorgsky, M. I. Glinka y A.P. Borodin. Sus tradiciones fueron continuadas por toda una galaxia de destacadas figuras musicales. Los compositores rusos del siglo XX siguen siendo populares.

Alexander Nikoláyevich Skryabin

Creatividad A. N. Scriabin (1872 - 1915), un compositor y pianista ruso talentoso, maestro, innovador, no puede dejar indiferente a nadie. A veces se pueden escuchar momentos místicos en su música original e impulsiva. El compositor se siente atraído y atraído por la imagen del fuego. Incluso en los títulos de sus obras, Scriabin repite a menudo palabras como fuego y luz. Trató de encontrar una manera de combinar el sonido y la luz en sus obras.

El padre del compositor, Nikolai Alexandrovich Scriabin, era un conocido diplomático ruso, asesor inmobiliario. Madre - Lyubov Petrovna Scriabina (nee Shchetinina), era conocida como una pianista muy talentosa. Se graduó con honores del Conservatorio de San Petersburgo. Su carrera profesional comenzó con éxito, pero al poco tiempo del nacimiento de su hijo, murió de tisis. En 1878, Nikolai Alexandrovich completó sus estudios y fue asignado a la embajada rusa en Constantinopla. La educación del futuro compositor fue continuada por sus parientes cercanos: la abuela Elizaveta Ivanovna, su hermana Maria Ivanovna y la hermana del padre Lyubov Alexandrovna.

A pesar de que a la edad de cinco años, Scriabin dominó el piano y un poco más tarde comenzó a estudiar composiciones musicales, según la tradición familiar, recibió una educación militar. Se graduó del 2º Cuerpo de Cadetes de Moscú. Al mismo tiempo, tomó clases particulares de piano y solfeo. Posteriormente ingresó al Conservatorio de Moscú y se graduó con una pequeña medalla de oro.

Al comienzo de su actividad creativa, Scriabin siguió conscientemente a Chopin, eligiendo los mismos géneros. Sin embargo, incluso en ese momento, su propio talento ya era evidente. A principios del siglo XX, escribió tres sinfonías, luego "El poema del éxtasis" (1907) y "Prometeo" (1910). Curiosamente, el compositor complementó la partitura de "Prometheus" con una parte de teclado ligero. Fue el primero en utilizar música ligera, cuyo propósito se caracteriza por la divulgación de la música por el método de la percepción visual.

La muerte accidental del compositor interrumpió su trabajo. Nunca se dio cuenta de su plan para crear el "Misterio" - una sinfonía de sonidos, colores, movimientos, olores. En esta obra, Scriabin ha querido transmitir a toda la humanidad sus pensamientos más íntimos e inspirarle para crear un mundo nuevo, marcado por la unión del Espíritu Universal y la Materia. Sus obras más significativas fueron sólo un prefacio de este grandioso proyecto.

Famoso compositor ruso, pianista, director de orquesta S.V. Rachmaninov (1873 - 1943) nació en una rica familia noble. El abuelo de Rachmaninoff era músico profesional. Las primeras lecciones de piano se las dio su madre, y posteriormente invitaron al profesor de música A.D. Ornátskaya. En 1885, sus padres lo asignaron a un internado privado al profesor del Conservatorio de Moscú N.S. Zverev. El orden y la disciplina en la institución educativa tuvieron un impacto significativo en la formación del futuro carácter del compositor. Más tarde se graduó del Conservatorio de Moscú con una medalla de oro. Cuando aún era estudiante, Rachmaninoff era muy popular entre el público de Moscú. Ya ha creado su "Primer Concierto para piano", así como algunos otros romances y obras de teatro. Y su "Preludio en do sostenido menor" se convirtió en una composición muy popular. Gran P.I. Tchaikovsky llamó la atención sobre el trabajo de graduación de Sergei Rachmaninov: la ópera "Oleko", que escribió bajo la impresión de A.S. Pushkin "gitanos". Pyotr Ilyich hizo que se representara en el Teatro Bolshoi, trató de ayudar con la inclusión de esta obra en el repertorio del teatro, pero murió inesperadamente.

Desde los veinte años, Rachmaninov enseñó en varios institutos, dio lecciones privadas. Por invitación del famoso filántropo, figura teatral y musical Savva Mamontov, a la edad de 24 años, el compositor se convierte en el segundo director de orquesta de la Ópera Privada Rusa de Moscú. Allí se hizo amigo de F.I. Chaliapin.

La carrera de Rachmaninov fue interrumpida el 15 de marzo de 1897 debido al rechazo de su innovadora Primera Sinfonía por parte del público de San Petersburgo. Las críticas a este trabajo fueron verdaderamente devastadoras. Pero el compositor estaba más molesto por la crítica negativa que dejó N.A. Rimsky-Korsakov, cuya opinión Rachmaninoff apreció mucho. Después de eso, cayó en una depresión prolongada, de la que logró salir con la ayuda de un hipnotizador N.V. Dahl.

En 1901, Rachmaninoff completó su Segundo Concierto para piano. Y a partir de ese momento comienza su activa labor creativa como compositor y pianista. El estilo único de Rachmaninoff combinó himnos de la iglesia rusa, romanticismo e impresionismo. Consideraba que la melodía era el principal principio rector de la música. Esto encontró su máxima expresión en la obra favorita del autor: el poema "Las campanas", que escribió para la orquesta, el coro y los solistas.

A fines de 1917, Rachmaninoff salió de Rusia con su familia, trabajó en Europa y luego se fue a América. El compositor estaba muy molesto por la ruptura con la Patria. Durante la Gran Guerra Patriótica, dio conciertos benéficos, cuyas ganancias se enviaron al Fondo del Ejército Rojo.

La música de Stravinsky se destaca por su diversidad estilística. Al comienzo de su actividad creativa, se basó en las tradiciones musicales rusas. Y luego en las obras se puede escuchar la influencia del neoclasicismo, característico de la música de Francia de ese período y la dodecafonía.

Igor Stravinsky nació en Oranienbaum (ahora la ciudad de Lomonosov) en 1882. El padre del futuro compositor Fyodor Ignatievich es un famoso cantante de ópera, uno de los solistas del Teatro Mariinsky. Su madre era la pianista y cantante Anna Kirillovna Kholodovskaya. Desde los nueve años, los maestros le dieron lecciones de piano. Después de completar el gimnasio, a pedido de sus padres, ingresa a la facultad de derecho de la universidad. Durante dos años, de 1904 a 1906, tomó lecciones de N.A. Rimsky-Korsakov, bajo cuya dirección escribió las primeras obras: el scherzo, la sonata para piano, el fauno y la suite de la pastora. Sergei Diaghilev apreció mucho el talento del compositor y le ofreció su cooperación. El trabajo conjunto resultó en tres ballets (escenificados por S. Diaghilev): El pájaro de fuego, Petrushka, La consagración de la primavera.

Poco antes de la Primera Guerra Mundial, el compositor se fue a Suiza y luego a Francia. Comienza una nueva etapa en su obra. Estudia los estilos musicales del siglo XVIII, escribe la ópera Edipo Rey, música para el ballet Apolo Musagete. Su letra ha cambiado varias veces a lo largo del tiempo. Durante muchos años, el compositor vivió en los Estados Unidos. Su última obra famosa es Requiem. Una característica del compositor Stravinsky es la capacidad de cambiar constantemente estilos, géneros y direcciones musicales.

El compositor Prokofiev nació en 1891 en un pequeño pueblo de la provincia de Yekaterinoslav. El mundo de la música le fue abierto por su madre, una buena pianista que a menudo interpretaba obras de Chopin y Beethoven. También se convirtió en una verdadera mentora musical para su hijo y, además, le enseñó alemán y francés.

A principios de 1900, el joven Prokofiev logró asistir al ballet de la Bella Durmiente y escuchar las óperas Fausto y el Príncipe Igor. La impresión recibida de las representaciones de los teatros de Moscú se expresó en su propio trabajo. Escribe la ópera "The Giant", y luego la obertura de "Desert Shores". Los padres pronto se dan cuenta de que ya no pueden enseñar música a su hijo. Pronto, a la edad de once años, el compositor novato conoció al famoso compositor y maestro ruso S.I. Taneyev, quien personalmente le preguntó a R.M. Gliera para dedicarse a la composición musical con Sergei. S. Prokofiev a la edad de 13 años aprobó los exámenes de ingreso al Conservatorio de San Petersburgo. Al comienzo de su carrera, el compositor realizó numerosas giras y actuaciones. Sin embargo, su trabajo causó incomprensión entre el público. Esto se debió a las características de las obras, las cuales se expresaron en lo siguiente:

• estilo modernista;
• destrucción de los cánones musicales establecidos;
• extravagancia e inventiva de las técnicas de composición

En 1918, S. Prokofiev se fue y regresó solo en 1936. Ya en la URSS, escribió música para películas, óperas y ballets. Pero luego de ser acusado, junto con otros compositores, de "formalismo", prácticamente se mudó a vivir al campo, pero continuó escribiendo obras musicales. Su ópera "Guerra y paz", los ballets "Romeo y Julieta", "Cenicienta" se convirtieron en propiedad de la cultura mundial.

Los compositores rusos del siglo XX, que vivieron en el cambio de siglo, no solo conservaron las tradiciones de la generación anterior de intelectuales creativos, sino que también crearon su propio arte único, para el cual las obras de P.I. Chaikovski, M.I. Glinka, NA Rimsky-Korsakov.

Entre estas melodías hay un motivo para cualquier estado de ánimo: romántico, positivo o triste, para relajarse y no pensar en nada o, por el contrario, para ordenar sus pensamientos.

El compositor y pianista italiano trabaja en la dirección del minimalismo, a menudo recurre al ambiente y combina hábilmente la música clásica con otros estilos musicales. Es conocido en un amplio círculo por sus composiciones atmosféricas que se han convertido en bandas sonoras de películas. Por ejemplo, seguramente reconocerás la música de la cinta francesa "1+1" escrita por Einaudi.

Glass es una de las personalidades más polémicas en el mundo de los clásicos modernos, que o bien es elogiado hasta los cielos, o hasta los nues. Ha estado con su propio Philip Glass Ensemble durante medio siglo y ha escrito música para más de 50 películas, incluidas The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life y The Fantastic Four. Las melodías del compositor minimalista estadounidense desdibujan la línea entre la música clásica y la popular.

Autor de muchas bandas sonoras, el mejor compositor de cine de 2008 según la European Film Academy y posminimalista. Cautivó a los críticos desde el primer álbum Memoryhouse, en el que la música de Richter se superpuso a las lecturas de poesía, y los álbumes posteriores también usaron prosa ficticia. Además de escribir sus propias composiciones ambientales, Max arregla obras clásicas: Las cuatro estaciones de Vivaldi encabezó las listas de iTunes con su arreglo.

Este creador de música instrumental de Italia no está asociado con el cine sensacionalista, pero ya es conocido como compositor, virtuoso y experimentado profesor de piano. Si describe el trabajo de Marradi en dos palabras, estas serán las palabras "sensual" y "mágico". Sus composiciones y portadas atraerán a los amantes de los clásicos retro: las notas del siglo pasado se traslucen en los motivos.

El famoso compositor de cine ha creado acompañamiento musical para muchas películas y dibujos animados de gran recaudación, como Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Su estrella hace alarde en el Paseo de la Fama de Hollywood, y en su estantería están los Oscar, los Grammy y los Globos de Oro. La música de Zimmer es tan diferente como las películas enumeradas, pero independientemente del tono, toca una fibra sensible.

Hisaishi es uno de los compositores japoneses más famosos, habiendo ganado cuatro Premios de Cine de la Academia Japonesa a la mejor banda sonora. Joe se hizo famoso por escribir la banda sonora del anime Nausicaa of the Valley of the Wind. Si eres fan de Studio Ghibli o de las cintas de Takeshi Kitano, seguro que admiras la música de Hisaishi. Es sobre todo luz y luz.

Este multiinstrumentista islandés es solo un niño en comparación con los maestros enumerados, pero a los 30 logró convertirse en un reconocido neoclásico. Grabó acompañamiento para un ballet, ganó un premio BAFTA por la banda sonora de la serie de televisión británica "Murder on the Beach" y lanzó 10 álbumes de estudio. La música de Arnalds recuerda a un fuerte viento en una playa desierta.

Las obras más famosas de Lee Rum son Kiss the Rain y River Flows in You. El compositor y pianista coreano New Age escribe clásicos populares que son comprensibles para los oyentes de cualquier continente, con cualquier gusto musical y educación. Sus melodías ligeras y sensuales se convirtieron para muchos en el comienzo del amor por la música de piano.

El compositor estadounidense es interesante en eso, pero al mismo tiempo escribe la música más agradable y bastante popular. Las melodías de O'Halloran se han utilizado en Top Gear y en varias películas. Quizás el álbum de banda sonora más exitoso fue el del melodrama Like Crazy.

Este compositor y pianista sabe mucho sobre el arte de la dirección y cómo crear música electrónica. Pero su campo principal son los clásicos modernos. Cacchapalla ha grabado muchos discos, tres de ellos con la Royal Philharmonic Orchestra. Su música fluye como el agua, es genial relajarse debajo de ella.

A finales de los siglos 17-18. comienzan a aparecer nuevos cánones musicales, que compositores y músicos seguirán durante mucho tiempo. Este siglo dio la música del mundo, que hizo una contribución invaluable al patrimonio cultural mundial. Los compositores del siglo XVIII son famosos por personalidades como:

Este es uno de los más grandes compositores alemanes, cuyo interés por la personalidad y la creatividad no se desvanece con el tiempo, sino que, por el contrario, va en aumento. Pero, desafortunadamente, durante su vida no recibió reconocimiento. Johann no tuvo más remedio que seguir una carrera en la música, porque sus antepasados ​​eran famosos por su musicalidad.

El futuro genio nació en 1685 en la localidad de Eisenach. Debe sus primeros pasos en la música a su padre, quien le enseñó a tocar el violín. Bach tenía una voz maravillosa y cantaba en el coro de la escuela de la ciudad. La gente de alrededor no tenía dudas de que el niño se convertiría en un excelente músico.

Al quedarse huérfano temprano, a la edad de 15 años, Johann comenzó una vida independiente. A pesar del hecho de que el joven compositor vivía en circunstancias de hacinamiento y mudanzas frecuentes, el interés de Bach por la música nunca decayó, constantemente amplió su conocimiento de la música a través de la autoeducación.

A diferencia de sus compañeros compositores, que intentaron imitar a los músicos extranjeros en todo, Bach utilizó activamente canciones y danzas populares alemanas en sus obras. Pero Johann no solo era un compositor talentoso, sino también un excelente intérprete en el órgano y el clavicémbalo. Si no era conocido como compositor, todos reconocían su maestría al tocar estos instrumentos.

Pero a la sociedad de la corte no le gustó la música del compositor: se consideró demasiado brillante, emocional, humana. Pero a pesar del rechazo del público a sus obras, nunca se ajustó a sus gustos. Bach escribió sus mejores obras musicales en Leipzig, donde se mudó con su familia y permaneció hasta el final de su vida. Allí creó la mayor parte de las cantatas, "La Pasión según Juan", "La Pasión según Mateo", la Misa en si menor.

La mayor alegría, apoyo y apoyo del compositor fue su familia. Los hijos también se convirtieron en músicos talentosos y ganaron fama durante la vida de Bach. Su segunda esposa y su hija mayor tenían una voz muy hermosa. Por lo tanto, Johann continuó escribiendo obras musicales para su familia.

En los últimos años de su vida, Bach comenzó a tener serios problemas de visión y, tras una operación fallida, quedó ciego. Pero a pesar de esto, no abandonó su trabajo y continuó creando composiciones, dictándolas para su grabación. Su muerte pasó mayormente desapercibida en la comunidad musical, y pronto fue olvidado. El interés por su música apareció solo 100 años después, cuando, bajo la dirección de Mendelssohn, se interpretó una de sus más bellas creaciones, La Pasión según San Mateo, y al mismo tiempo se publicó una colección de sus composiciones musicales.

Este genio de la música no fue apreciado por sus contemporáneos, quienes no pudieron darse cuenta de toda la fuerza y ​​profundidad de su talento, lo despreciaron por su carácter fuerte e independiente, pero siglos después, su obra es interesada y admirada por su talento. Wolfgang nació el 27 de enero de 1756. Su padre era músico de la corte y, al notar las tempranas habilidades musicales de la hermana de Mozart, comenzó a enseñarle música.

Esto marcó el comienzo del trabajo de Wolfgang. A una edad temprana, el niño mostró habilidades excepcionales para la música: a la edad de 5-6 años, ya creó sus primeras obras musicales, mientras poseía un oído musical único y una memoria asombrosa. El padre, al ver que su hijo tiene talentos musicales raros, decide iniciar una gira de conciertos para que Wolfgang gane fama y no se convierta en un músico de la corte.

Pero a pesar de que todos admiraban al niño ya la edad de 12 años sus obras se hicieron famosas, la sociedad no pudo apreciar todo el potencial del joven músico. Por lo tanto, al regresar de la gira, Wolfgang se convirtió en músico de la corte y sufrió mucho por la posición en la que se encontraba. Pero no queriendo soportar el hecho de que no fue respetado y tratado inapropiadamente, se fue de Salzburgo a Viena.

Fue durante su estancia en Viena cuando su talento alcanzó su punto máximo. Pronto se casó con una hermosa muchacha llamada Constanta Weber, e incluso la desaprobación de sus padres no pudo interferir con su felicidad. Los años que pasó en Viena no pueden llamarse fáciles, más bien al contrario. En necesidad, Mozart tuvo que trabajar muy duro, lo que afectó su salud. A pesar de que sus óperas "Las bodas de Fígaro", "Don Giovanni" tienen éxito, la sociedad aún no puede comprender todo el genio de Wolfgang.

Poco antes de su muerte, Mozart escribió su mayor obra, la ópera La flauta mágica. Simultáneamente con él, crea "Requiem", pero no tiene tiempo para completarlo. En la noche del 4 al 5 de diciembre de 1791 murió el brillante compositor. Aún se desconocen las circunstancias de su muerte, lo que da pie a muchas disputas entre los especialistas. Solo después de su muerte, la sociedad musical y el mundo entero reconocieron el genio de Mozart, y sus obras todavía se consideran obras maestras de la música.

Sus "Estaciones" durante varios siglos han estado a la par con otras obras brillantes. Un violinista virtuoso que recibió reconocimiento durante su vida, viajó mucho, un excelente maestro: todo esto se trata del famoso compositor italiano Antonio Vivaldi.

Antonio nació el 4 de marzo de 1678 y se convirtió en el único hijo de la familia que eligió el campo musical. Su talento musical se manifestó muy temprano, y su primer maestro fue Giovanni Batista, quien para ese momento había ganado la fama de virtuoso. El estudio de su forma de actuar sugiere que el niño tomó lecciones de otros músicos famosos.

El joven Antonio decide optar por la carrera de sacerdote y el 18 de diciembre de 1693 recibe un título eclesiástico menor. Posteriormente, recibió otros tres títulos eclesiásticos "inferiores" y dos "superiores", necesarios para obtener el sacerdocio. Pero a pesar de la carrera espiritual, Vivaldi continuó haciendo música con mucho éxito.

Y sus intensos estudios dieron sus frutos: Antonio fue nombrado profesor en uno de los mejores "conservatorios" de Venecia. Su amplia y polifacética actividad musical ha convertido al “conservatorio” en uno de los más destacados de la ciudad. Al comienzo de su obra, el compositor presta gran atención a la dirección instrumental, lo que se explica por el hecho de que el norte de Italia y Venecia eran considerados el centro de los mejores instrumentistas.

Antonio Vivaldi ganó fama fuera de Italia, sus obras fueron un éxito y se consideró un gran honor estudiar con él. En Mantua, el compositor conoce a Anna Giraud y su hermana Paolina. Pronto, ambas niñas se convirtieron en residentes permanentes de la casa de Vivaldi, lo que provocó el descontento de los líderes de la iglesia, a quienes no les gustaba el hecho de que Antonio viajaba con frecuencia.

El 16 de noviembre de 1737, en nombre del cardenal, se prohibió al compositor entrar en Ferrara, lo que en aquellos días se consideraba una desgracia. Esto significó que ahora toda la carrera espiritual de Vivaldi fue destruida y causó daños materiales bastante importantes. Sus relaciones con la dirección del "conservatorio" empeoraron cada vez más. Y no se trataba solo de sus frecuentes viajes: la música de Vivaldi ya comenzaba a considerarse anticuada.

A finales de 1740, Antonio se separó del "conservatorio", que le debía muchos años de fama. En un largo viaje y atravesando dificultades financieras, Vivaldi organiza una venta de sus conciertos a bajo precio. A la edad de 62 años, el compositor decide dejar Italia y buscar la felicidad en otros países. Pero, a pesar de que alguna vez fue aceptado por todos, sus obras fueron admiradas, al final de su vida, Antonio Vivaldi fue olvidado y abandonado por todos. El famoso virtuoso italiano murió el 28 de julio de 1741 en Viena. Es uno de los representantes más brillantes de los compositores de esa época, y sus composiciones instrumentales ocupan un lugar digno en el patrimonio musical mundial.

Los compositores del siglo XVIII tuvieron un gran impacto en el desarrollo futuro de la música, aunque no siempre recibieron reconocimiento durante su vida y se hicieron famosos. Es solo que la sociedad de esa época no pudo apreciar toda la fuerza de su talento, su belleza y profundidad. El marco que se les impuso era demasiado estrecho para su talento, para ellos la música era el sentido de la vida. Pero los descendientes pudieron apreciar su trabajo, y hasta el momento continúan interpretando sus brillantes obras en todos los conciertos.