Historia del surgimiento del ballet clásico. Una breve historia del ballet

La historia del ballet mundial conoce muchos nombres legendarios. En Estocolmo, se erigió un monumento frente al antiguo edificio del Museo de la Danza. La escultura de bronce encarna la imagen de la destacada bailarina rusa Galina Ulanova como el cisne (escultora Elena Yanson-Manizer). ¿Quién de nosotros no recuerda la danza de los pequeños cisnes o el adagio de Odette-Odile del fabuloso ballet fantástico de P. Tchaikovsky? lago de los cisnes"? Esta música se ha convertido en la favorita de muchas personas en todo el mundo, porque las ideas de luchar contra fuerzas oscuras que se encuentran en el camino a la felicidad, son comprensibles para los representantes culturas diferentes, personas de diferentes edades, diferentes intereses y gustos artísticos y estéticos.

- tipo de musica las artes escénicas, su contenido se revela en imágenes coreográficas. Palabra francesa"ballet" proviene del italiano "dance". El nombre francés y la raíz italiana no son accidentales. La cuna del ballet es Italia, la época de su origen es el Renacimiento. Durante mucho tiempo, a los italianos les encantaron las escenas de baile en el carnaval, que eventualmente se convirtió en espectáculos de danza. En Francia, el ballet solemne de la corte se hizo popular. En la Real Academia de Danza (París), se formó una escuela de danza clásica, una especie de lenguaje del arte coreográfico, que ha sobrevivido en gran medida hasta nuestros días. El ballet consta de música, danza - clásica y característica, pantomima, guión (libreto), escenografía.

En Rusia, el ballet se popularizó en el siglo XVIII gracias a uno de los representantes escuela francesa danza clásica de Charles Didelot. Fue él quien organizó muchas representaciones de ballet en el escenario de San Petersburgo, en las que, en particular, actuó Avdotya Istomina, cuya actuación cantó. La formación de la escuela rusa de danza clásica en el siglo XIX está asociada con las actividades del coreógrafo Marius Petipa, que representó alrededor de 60 ballets en San Petersburgo, así como con la música, autor de tres famosos ballets: El lago de los cisnes, La Bella Durmiente, El Cascanueces. Fue él quien le dio un profundo contenido psicológico a la música de ballet, en la que utilizó los principios del desarrollo sinfónico.

El debut en el ballet del compositor ruso fue de importancia histórica. Sus ballets El pájaro de fuego, Petrushka puesta en escena por el talentoso coreógrafo Mikhail Fokin, La consagración de la primavera puesta en escena por el famoso bailarín y coreógrafo Vatslav Nijinsky fueron creados para las Temporadas rusas en París, organizadas a principios del siglo XIX por Sergei Diaghilev, el famoso empresario, ardiente propagandista del arte ruso en el extranjero. La escenografía, la escenografía, el vestuario, incluso el libreto de "Petrushka" fue desarrollado por el artista. Alejandro Benois; La escenografía de La consagración de la primavera perteneció a Nicholas Roerich, quien también fue coautor del libreto. Los ballets de I. Stravinsky con efectos orquestales, ritmos audaces, hallazgos armónicos, interpretación innovadora del folclore abrieron nueva era en la historia del teatro musical. La estrella de primera magnitud en la compañía rusa de S. Diaghilev fue la bailarina Anna Pavlova. Antes de ella, el ballet estaba dominado por una brillantez virtuosa, un culto a la técnica de la danza. Anna Pavlova creó imágenes de referencia de gran espiritualidad, belleza y sinceridad. Entre ellos se encuentran "El cisne" de K. Saint-Saens, "Vals" de "Chopiniana".

La gloria del ballet ruso en el escenario musical y teatral mundial aumentó con otro alumno de la escuela de San Petersburgo, un alumno de N. Rimsky-Korsakov, Sergei Prokofiev. el es el autor enorme cantidad obras: óperas, sinfonías, sonatas y conciertos instrumentales, oratorios y cantatas, música para películas. Se considera que el pináculo del trabajo del compositor es el ballet-tragedia "Romeo y Julieta", que, gracias a una coreografía innovadora, técnicas sinfónicas. desarrollo musical se convirtió en una brillante encarnación de las imágenes profundamente psicológicas de Shakespeare, los conflictos humanos universales. La música del ballet está impregnada de las principales líneas melódicas: leitmotiv, que se combinan en una serie completa de imágenes-retratos. El tema impetuoso y frívolo de la niña Julieta, el soñador-pensativo y triste - Romeo, el excéntrico y alegre - Mercucio, el coral severo - Padre Lorenzo, el trágico y amenazante - el tema de la enemistad entre los Montesco y los Capuleto. En una serie de imágenes coreográficas, el espíritu del Renacimiento parece cobrar vida. El ballet se ha convertido en una obra maestra universalmente reconocida del género trágico. Basado en ruso cuentos populares S. Prokofiev creó los ballets nacionales "El cuento del bufón" y "El cuento del flor de piedra”, en la tradición clásica, se escribió la poética “Cenicienta”.

Las inolvidables imágenes de Prokofiev de Julieta y Cenicienta fueron encarnadas en el escenario musical y teatral por Galina Ulanova. Ella enriqueció las tradiciones de la danza lírico-romántica de Anna Pavlova, llenó las características de los héroes coreográficos con psicologismo, poesía especial y una rica gama de matices emocionales. Las heroínas de Ulanova, maestra insuperable de los detalles plásticos, se caracterizan por una modestia exterior y una enorme fuerza interior. Después de actuaciones en el extranjero, donde el arte de la bailarina fue ampliamente reconocido, escribió: “En todo el mundo creen que es el alma de nuestra danza o, como dijo Stanislavsky, “la vida”. Espíritu humano", cautivar sobre todo".

La gloria de sus destacados predecesores continúa con los bailarines de ballet rusos contemporáneos. Imágenes de Maya Plisetskaya (Carmen Suite de R. Shchedrin), Ekaterina Maksimova y Vladimir Vasilyev (Spartacus de A. Khachaturian), Nina Ananiashvili (Giselle de A. Adam) y muchos otros solistas Teatro Bolshói y el Teatro de Ópera y Ballet de San Petersburgo deleitan a la audiencia. Ahora que el ballet ruso es conocido en todo el mundo, ningún país puede presumir de tales logros en este campo artístico.

Todo comenzó hace más de quinientos años en el norte de Italia. fue el renacimiento señas de identidad cuales eran la laicidad de la cultura, el humanismo y el antropocentrismo, es decir, el interés, ante todo, por la persona y sus actividades.

Durante el Renacimiento, los príncipes italianos celebraban fiestas palaciegas, en las que la danza ocupaba un lugar importante. Sin embargo, las magníficas túnicas, al igual que los salones, no permitían el movimiento desorganizado. Por lo tanto, había maestros especiales, maestros de baile que ensayaban movimientos y figuras individuales con los nobles, para luego dirigir a los bailarines. Gradualmente, la danza se volvió más y más teatral, y la palabra "ballet" en sí significaba composiciones que no transmitían una trama, sino una propiedad o estado de carácter.

A finales del siglo XV, este tipo de ballet formaba parte del espectáculo creado por poetas famosos y artistas En 1496, Leonardo da Vinci diseñó los trajes de los bailarines e inventó los efectos escénicos para la fiesta del duque de Milán.

En 1494, cuando el rey Carlos VIII de Francia entró en Italia reclamando el trono de Nápoles, sus cortesanos quedaron impresionados por la habilidad de los profesores de danza italianos. Como resultado, los maestros de baile fueron invitados a la corte francesa. Al mismo tiempo, existía la necesidad de notación, un sistema para registrar la danza. El autor del primer sistema conocido fue Tuan Arbo. Grabó pasos de baile con signos musicales.

El desarrollo continuó en Francia...

La reina francesa Catalina de Médicis invitó al italiano Baldasarino di Belgiojoso (en Francia se llamaba Balthazar de Beaujoieux) a las representaciones de la corte. El ballet se consolidó entonces como un género, donde el drama, el "cuento cantado" (recitativo) y la danza formaban una acción continua. Se considera el primero en este género y el más famoso. "Circe, o el Ballet Comedia de la Reina", entregado en 1581. La trama fue tomada de la mitología antigua. Se realizaron bailes con magníficos disfraces y máscaras por damas nobles y nobles.

En el siglo XVI, a medida que se desarrolló la música instrumental, también lo hizo la técnica de la danza. En Francia XVII siglo, comenzaron a aparecer ballets de disfraces, y luego pomposos ballets melodramáticos sobre tramas caballerescas y fantásticas, donde los episodios de danza se intercalaban con arias vocales y recitación de poemas: "El ballet de Alcine" (1610), "El triunfo de Minerva" (1615). ), “La liberación de Rinaldo” (1617). Dichos ballets consistían en diferentes números, lo que hoy se parece al divertimento y, posteriormente, se convertirá en una de las formas estructurales importantes del futuro ballet.

Más tarde, el rey Luis XIII de Francia, aficionado a la danza y que recibió una excelente educación musical, fue el autor presentación de ballet"Ballet de Merleson" (15 de marzo de 1635). La trama eran aventuras durante la caza de zorzales, uno de los pasatiempos favoritos del rey. El ballet constaba de 16 actos. Su Majestad no solo compuso el libreto, la música, la coreografía, los bocetos de escenografía y el vestuario, sino que también interpretó dos papeles: un comerciante de cebos y un campesino.

Los primeros pasos del arte joven. Gran Pierre Beauchamp

Las representaciones del ballet de la corte alcanzaron un esplendor especial durante la época del rey Luis XIV. Porque solo entonces el baile comenzó a ser realizado por algunas reglas. Fueron formulados por primera vez por el coreógrafo francés Pierre Beauchamp (1637-1705).

Luis XIV recibió su famoso apodo de "Rey Sol" después de interpretar el papel del Sol en el Ballet de la Noche. Le encantaba bailar y participar en actuaciones. En 1661, abrió la Real Academia de Música y Danza, donde fueron invitados 13 destacados maestros de danza. Su deber era preservar las tradiciones de la danza.

El director de la academia, Pierre Beauchamp, escribió los cánones de la forma noble de la danza, cuya base era la eversión de las piernas (en dehors). Esta posición le dio cuerpo humano la capacidad de moverse libremente en diferentes direcciones. Dividió todos los movimientos en grupos: sentadillas (plié), saltos (swings, entresha, cabrioles, jette, la capacidad de colgar en un salto - elevación), rotaciones (piruetas, fouettes), posiciones del cuerpo (actitudes, arabescos). La ejecución de estos movimientos se realizaba sobre la base de cinco posiciones de las piernas y tres posiciones de las manos (port de bras). Todos los pasos de danza clásica se derivan de estas posiciones de pies y manos.

Su clasificación está viva hasta el día de hoy, y la terminología francesa se ha vuelto común para los artistas de todo el mundo, como el latín para los médicos.

Beauchamp hizo una contribución invaluable al ballet clásico al dividir los bailes en tres tipos principales: serios, semi-característicos y cómicos. La danza seria (el prototipo de la clásica moderna) requería un rigor académico de ejecución, belleza externa, gracia - incluso al borde de la afectación. Era una danza "noble" que se usaba para hacer el papel de un rey, dios, héroe mitológico. Semi-característico: bailes pastorales, peisan y fantásticos combinados, que debían representar las fuerzas de la naturaleza o las pasiones humanas personificadas. Las danzas de las furias, ninfas y sátiros también obedecían sus leyes. Finalmente, la danza cómica se destacó por su virtuosismo, permitiendo movimientos exagerados e improvisación. Era necesario para los bailes grotescos y exóticos que se encuentran en las comedias del teatro del clasicismo.

Así comenzó la formación del ballet, que siglo XVIII De interludios y divertimentos se convirtió en un arte independiente.

Primer teatro. primera compañía

Ganando cada vez más popularidad, el ballet se llenó de gente en los salones del palacio. Bajo la dirección de Beauchamp, se creó la Ópera de París, donde él era coreógrafo, pero las representaciones no diferían mucho de las representaciones anteriores. A ellos asistían los mismos cortesanos que interpretaban lentos minuetos, gavotas y pavanas. Los vestidos pesados, los zapatos de tacón alto y las máscaras impedían que las mujeres realizaran movimientos complejos. Luego, Pierre Beauchamp formó una compañía de ballet de solo bailarines masculinos. Sus bailes eran más graciosos y graciosos. mujeres en el escenario Ópera de París apareció recién en 1681. Grandes grupos los bailarines comenzaron a ejecutar simultáneamente movimientos complejos y acompañaron a los solistas; el baile en solitario transmitió significativamente la altura de los personajes, la fuerza de las emociones; pareja de baile formado en un pas de deux. Altamente condicionada, gravitando hacia el virtuosismo, la danza dependía de la música y alcanzó los mismos derechos que ella en la práctica y la teoría.

La coreografía francesa se vio muy enriquecida por el dramaturgo Molière y el compositor J. B. Lully, quien primero colaboró ​​con Molière como coreógrafo y bailarín en las comedias-ballets Matrimonio involuntario (1664), Georges Dandin (1668) y El comerciante en la nobleza (1670). ). ). Habiéndose convertido en compositora, Lully creó el género de la tragedia musical, donde influyó la estética del clasicismo: la monumentalidad de las imágenes, la lógica clara del desarrollo, la severidad del gusto, la persecución de las formas. La acción de las tragedias líricas se reforzaba con procesiones plásticas y decorativas, pantomimas y bailes.

Reforma teatro de ballet provocó un aumento en las habilidades escénicas: aparecieron los bailarines L. Pecourt, J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine se convirtió en la primera bailarina profesional, actuando en la ópera-ballet Triumph of Love de Lully. Más tarde fue conocida como la "Reina de la Danza".

Se realizaban bailes serios con una falda ancha, que se sujetaba con aros de caña. Las puntas de sus zapatos se asomaron por debajo de ella. Los hombres usaban corazas de brocado y faldas cortas en marcos de caña, que se llamaban "barriles". Todos tenían tacones altos. Además, cubrieron sus rostros con máscaras redondas. Colores diferentes, dependiendo de la naturaleza del personaje.

En los ballets semicaracterísticos, los trajes eran livianos, pero se agregaron atributos que caracterizan el baile: hoces, canastas, omóplatos, pieles de leopardo y otros. El vestuario para bailes cómicos no estaba tan estrictamente regulado: el director confiaba en la imaginación del artista.

Al mismo tiempo, nació todo un sistema de símbolos. Si un artista, por ejemplo, se acariciaba la frente con el canto de la mano, esto significaba una corona, es decir, rey; manos cruzadas sobre el pecho - "murió"; señaló el dedo anular de la mano - "Quiero casarme" o "casado"; imagen de la mano de movimientos ondulatorios - "navegado en un barco".

El ballet encanta a Europa

Simultáneamente con el desarrollo del ballet en todas las ciudades principales, comenzaron a aparecer sus propios teatros, coreógrafos e intérpretes. Entonces, el ballet regresó a su tierra natal, a Italia, donde en el siglo XVIII se había desarrollado su propio estilo de interpretación, que difería del manierismo francés en virtuosismo técnico y mayor inmediatez. francés y escuelas de italiano en el ballet clásico continuará por más de un siglo.

En el siglo XVII, apareció el ballet en los Países Bajos. En Inglaterra, debido a la revolución burguesa y la prohibición de los espectáculos, el teatro de ballet se desarrolló un poco más tarde, solo con la restauración de la monarquía. En 1722, se estableció el primer teatro de la corte en Dinamarca, donde bailarines profesionales participaron en las comedias y ballets de Molière. Y solo a fines del siglo XVIII, el ballet danés obtuvo su independencia. En el siglo XVIII, el ballet también existía en Alemania, Suecia y Holanda. Las formas de ejecución, que fueron tomadas de los italianos y los franceses, se enriquecieron con el color nacional.

El ballet llegó a Rusia más tarde que a otros. países europeos, pero fue aquí donde lo atrapó el apogeo, y esta es la historia de otros siglos, que merece un capítulo aparte.

La más bella de todas las artes.

La más bella de todas las artes, el ballet cuenta historias de amor y muerte en un lenguaje comprensible para todas las personas de la Tierra. Los valores perdurables, los crímenes repetidos y los milagros de la fe, el juramento y el deber encuentran su expresión en las danzas. “En el principio existía la Palabra”, dice la Biblia, pero Maya Plisetskaya objeta: “¡En el principio existía un gesto!” El arte del movimiento silencioso no requiere lenguaje humano y traducción. La belleza del cuerpo en movimiento, el cuerpo como herramienta para crear arte, ahora sirven como "tramas" para danzas sin trama. El ballet es imposible sin la técnica de la danza clásica, sin la naturaleza del cuerpo, sin sacrificio y amor incondicional, sin sudor y sangre. Y, sin embargo, el ballet es un movimiento perfecto que te hace olvidar todo lo mezquino y terrenal.

Una breve historia del ballet ruso.

La primera representación de ballet en Rusia tuvo lugar el 17 de febrero de 1672 en la corte del zar Alexei Mikhailovich en Preobrazhensky. Antes del comienzo de la función, un actor que representaba a Orfeo subió al escenario y cantó coplas en alemán, traducidas al zar por un intérprete, en las que se exaltaban las bellas propiedades del alma de Alexei Mikhailovich. En este momento, a ambos lados de Orfeo, había dos pirámides decoradas con estandartes e iluminadas con luces multicolores, que, después de la canción de Orfeo, comenzaron a bailar. Bajo Pedro I, las danzas aparecieron en Rusia en significado moderno de esta palabra: se introdujeron minuetos, bailes campestres, etc.. Emitió un decreto según el cual el baile se convirtió en la parte principal de la etiqueta de la corte, y los jóvenes nobles estaban obligados a aprender a bailar. En 1731, se inauguró el Land Gentry Corps en San Petersburgo, que estaba destinado a convertirse en la cuna del ballet ruso. Dado que los graduados del cuerpo en el futuro tenían que ocupar altos cargos gubernamentales y necesitaban el conocimiento de las costumbres seculares, el estudio Bellas Artes, incluido baile de salón, en el caso previsto lugar significativo. El 4 de mayo de 1738, el maestro de danza francés Jean-Baptiste Lande abrió la primera escuela de danza de ballet en Rusia: la "Escuela de danza de su majestad imperial" (ahora la Academia de ballet ruso que lleva el nombre de A. Ya. Vaganova).

En habitaciones especialmente equipadas Palacio de Invierno Lande comenzó a enseñar a 12 niños y niñas rusos. Los alumnos fueron reclutados entre niños de origen simple. La educación en la escuela era gratuita, los alumnos estaban en contenido completo. El ballet en Rusia se desarrolló aún más durante el reinado de Elizabeth Petrovna. Entre los cadetes del Land Corps, Nikita Beketov se destacó en el baile. Además, Beketov, quien más tarde se convirtió en el favorito de Isabel, disfrutó del favor especial de la Emperatriz, quien vistió al joven, quien se desempeñó de manera excelente. roles femeninos. En 1742, se creó la primera compañía de ballet a partir de los alumnos de la escuela de Lande, y en 1743 se comenzaron a pagar cuotas a sus participantes. El 1 de agosto de 1759, en el onomástico de la emperatriz y con motivo de la victoria sobre las tropas prusianas en Frankfurt, se representó solemnemente el ballet-drama "Refugio de la Virtud", que fue un gran éxito.

Durante el reinado de Catalina II, el ballet en Rusia ganó aún más popularidad y recibió mayor desarrollo. Con motivo de su coronación en el Palacio de Moscú, se presentó un magnífico ballet "Regreso alegre a los pastores de Arcadia y pastores de la diosa de la primavera", en el que participaron los nobles más nobles. Se sabe que el heredero al trono, Pavel Petrovich, a menudo bailaba en representaciones de ballet en el teatro de la corte. Desde la era de Catalina II, apareció en Rusia una tradición de ballets de siervos, cuando los terratenientes comenzaron compañías compuestas por siervos. De estos ballets, el ballet del terrateniente Nashchokin disfrutó de la mayor fama.

En 1766, el coreógrafo y compositor Gasparo Angiolini, dado de baja de Viena, añade un sabor ruso a las representaciones de ballet: presenta acompañamiento musical actuaciones de ballet Melodías rusas, que sorprendieron a todos y ganaron elogios universales para sí mismo. A principios del reinado de Pablo I, el ballet todavía estaba de moda. Curiosamente, bajo Paul I, se emitieron reglas especiales para el ballet: se ordenó que no debería haber un solo hombre en el escenario durante la actuación, los roles de los hombres fueron bailados por Evgenia Kolosova y Nastasya Berilova.

Esto continuó hasta que Auguste Poirot llegó a San Petersburgo. Durante el reinado de Alejandro I, el ballet ruso continuó su desarrollo, alcanzando nuevas alturas. El ballet ruso debe su éxito en este momento, en primer lugar, al coreógrafo francés invitado Carl Didelot, que llegó a Rusia en 1801. Bajo su liderazgo, bailarines y bailarinas como Maria Danilova, Evdokia Istomina comenzaron a brillar en el ballet ruso. En este momento, el ballet en Rusia alcanzó una popularidad sin precedentes. Derzhavin, Pushkin y Griboedov cantaron los ballets de Didelot y sus alumnos Istomin y Teleshova. Al emperador le encantaban las representaciones de ballet y casi nunca se perdía una sola. En 1831, Didelot abandonó los escenarios de San Petersburgo debido a un conflicto con el director de teatro, el príncipe Gagarin. Pronto una estrella comenzó a brillar en el escenario de Petersburgo. Ballet europeo Maria Taglioni.

Debutó el 6 de septiembre de 1837 en el ballet La Sylphide y despertó el deleite del público. Tanta ligereza, tan casta gracia, tan extraordinaria técnica y expresiones faciales nunca han sido mostradas por ninguno de los bailarines. En 1841 se despidió de San Petersburgo, habiendo bailado más de 200 veces durante este tiempo.

En 1848, la rival de Taglioni, Fanny Elsler, famosa por su gracia y sus expresiones faciales, llegó a San Petersburgo. Tras ella visitó San Petersburgo Carlotta Grisi, que debutó en 1851 en Giselle y obtuvo un gran éxito, mostrándose como una bailarina de primer nivel y una excelente actriz mímica. En este momento, los coreógrafos Marius Petipa, Joseph Mazilier y otros organizaron constantemente ballets lujosos y, al atraer artistas talentosos, intentaron presentar representaciones de ballet, a las que comenzaron a enfriarse gracias a ópera italiana. Entre los críticos de ballet de esa época se encontraba Vissarion Belinsky, conocido por sus artículos sobre Taglioni, Guerino y Sankovskaya. En el reinado de Alejandro II en el ballet ruso, comienza la promoción de talentos nacionales. Línea completa talentosos bailarines y bailarinas rusas adornaron el escenario de ballet. Si bien se observaron grandes ahorros en las producciones de ballet, la experiencia de Mariyca Petipa hizo posible la realización de elegantes espectáculos de ballet a bajos costos económicos, cuyo éxito fue facilitado en gran medida por la excelente escenografía de los artistas. Durante este período de desarrollo del ballet ruso, los bailes tienen prioridad sobre la plasticidad y las expresiones faciales.

Durante el reinado de Alejandro III ballets se dieron en el Teatro Mariinsky dos veces por semana, los miércoles y domingos. El coreógrafo seguía siendo Marius Petipa. En ese momento, bailarinas extranjeras estaban de gira en San Petersburgo, entre ellas Carlotta Brianza, quien fue la primera en interpretar el papel de Aurora en el ballet La Bella Durmiente de Pyotr Tchaikovsky. Los bailarines principales fueron Vasily Geltser y Nikolai Domashev. En el siglo XX: A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909. A principios del siglo XX, los guardianes de las tradiciones académicas eran artistas: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina Vaganova, Olga Spesivtseva. En busca de nuevas formas, Mikhail Fokin se basó en las bellas artes contemporáneas.

Ana Pavlova. Invitación al Baile aka Invitación al Valse.

La forma escénica favorita del coreógrafo era ballet en un acto con acción continua lacónica, con un colorido estilístico claramente expresado. Mikhail Fokin posee los ballets: Pabellón de Armida, Chopiniana, Noches egipcias, Carnaval, 1910; " Perejil", " danzas polovtsianas en la ópera El príncipe Igor. Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Anna Pavlova se hicieron famosas en los ballets de Fokine. El primer acto del ballet "Don Quijote", con música de Ludwig Minkus, llegó a sus contemporáneos en la versión de Alexander Gorsky.

Ballet ruso del siglo XX.

Galina Ulanova en el ballet "Giselle".

Pas de deux del ballet "El lago de los cisnes" de Tchaikovsky.

Ballet ruso del siglo XXI.

Pas de deux del ballet "Le Corsaire" de Adana.

Pas de deux del Quijote de Minkus.

Pas de deux del ballet "La Bayadère" de Minkus.

Adagio y pas de deux del ballet "Giselle" de Adam.

Enviado por copypaster el miércoles, 15/08/2007 - 01:11

El ballet es un arte bastante joven. Tiene algo más de cuatrocientos años, aunque la danza lleva decorando la vida humana desde la antigüedad.

El ballet nació en el norte de Italia durante el Renacimiento. Los príncipes italianos amaban las magníficas fiestas de palacio, en las que la danza ocupaba un lugar importante. Los bailes rurales no eran aptos para damas y caballeros de la corte. Sus túnicas, al igual que los salones donde bailaban, no permitían el movimiento desorganizado. Profesores especiales, maestros de baile, intentaron poner las cosas en orden en los bailes de la corte. Ensayaron con anticipación figuras y movimientos individuales de la danza con los nobles y dirigieron grupos de bailarines. Gradualmente, la danza se hizo más y más teatral.

El término "ballet" apareció a fines del siglo XVI (del italiano balletto - bailar). Pero entonces no significó una actuación, sino solo un episodio de baile que transmite un cierto estado de ánimo. Tales "ballets" generalmente consistían en "salidas" de personajes poco conectadas, la mayoría de las veces héroes mitos griegos. Después de tales "salidas", comenzó un baile común: el "gran ballet".

La primera representación de ballet fue el Queen's Comedy Ballet, presentado en Francia en 1581 por el coreógrafo italiano Baltazarini di Belgiojoso. Fue en Francia donde tuvo lugar el mayor desarrollo del ballet. Al principio se trataba de ballets de máscaras, y luego de pomposos ballets melodramáticos sobre tramas caballerescas y fantásticas, donde los episodios de danza eran reemplazados por arias vocales y recitación de poemas. No se sorprenda, en ese momento el ballet no era solo un espectáculo de danza.

Durante el reinado de Luis XIV, las representaciones del ballet de la corte alcanzaron un esplendor especial. Al mismo Louis le encantaba participar en ballets y recibió su famoso apodo "El Rey Sol" después de interpretar el papel del Sol en el "Ballet de la Noche".

En 1661 creó la Real Academia de Música y Danza, que incluía a 13 destacados maestros de baile. Su deber era preservar las tradiciones de la danza. El director de la academia, el profesor de danza real Pierre Beauchamp, identificó las cinco posiciones básicas de la danza clásica.

Pronto se inauguró la Ópera de París, cuyo coreógrafo fue el mismo Beauchamp. Bajo su liderazgo, se formó una compañía de ballet. Al principio, estaba formada únicamente por hombres. Las mujeres aparecieron en el escenario de la Ópera de París solo en 1681.

En el teatro se representaron óperas-ballet del compositor Lully y comedias-ballet del dramaturgo Molière. Al principio, los cortesanos participaban en ellos, y las actuaciones casi no diferían de las actuaciones de palacio. Se bailaron los ya mencionados minuetos lentos, gavotas y pavanas. Las máscaras, los vestidos pesados ​​y los zapatos de tacón alto dificultaban que las mujeres realizaran movimientos complejos. Es por eso bailes masculinos se distinguían entonces por mayor gracia y gracia.

A mediados del siglo XVIII El ballet del siglo ganó gran popularidad en Europa. Todas las cortes aristocráticas de Europa buscaron imitar el lujo de la corte real francesa. abierto en las ciudades teatros de ópera. Numerosos bailarines y profesores de baile encontraron trabajo fácilmente.

Pronto influenciado por la moda femenina traje de ballet se volvió mucho más ligero y libre, debajo de él se adivinaron las líneas del cuerpo. Los bailarines abandonaron los zapatos con tacones, reemplazándolos con zapatos ligeros sin tacones. El vestuario de los hombres también se volvió menos engorroso: pantalones ajustados hasta las rodillas y medias que permitían ver la figura del bailarín.

Cada innovación hizo que los bailes fueran más significativos y la técnica de baile más alta. Gradualmente, el ballet se separó de la ópera y se convirtió en un arte independiente.

Aunque la escuela de ballet francesa fue famosa por su gracia y plasticidad, se caracterizó por cierta frialdad y formalidad en la interpretación. Por lo tanto, coreógrafos y artistas buscaban otros medios de expresión.

A fines del siglo XVIII, nació una nueva tendencia en el arte: el romanticismo, que tuvo una fuerte influencia en el ballet. En un ballet romántico, el bailarín se paraba sobre zapatillas de punta. Maria Taglioni fue la primera en hacer esto, cambiando por completo las ideas anteriores sobre el ballet. En el ballet "La Sylphide" aparecía como una frágil criatura del otro mundo. El éxito fue impresionante.

En este momento, aparecieron muchos ballets maravillosos, pero, desafortunadamente, el ballet romántico fue el último apogeo. arte de la danza en el oeste. del segundo mitad del XIX El ballet del siglo, habiendo perdido su significado anterior, se ha convertido en un apéndice de la ópera. Solo en la década de 1930, bajo la influencia del ballet ruso, comenzó el renacimiento de esta forma de arte en Europa.

En Rusia, la primera representación de ballet, "El ballet de Orfeo y Eurídice", se realizó el 8 de febrero de 1673 en la corte del zar Alexei Mikhailovich. Las danzas ceremoniales y lentas consistían en un cambio de graciosas posturas, reverencias y movimientos, alternando con el canto y el habla. No jugó ningún papel significativo en el desarrollo de la danza escénica. Fue solo otra "diversión" real, que atrajo con su rareza y novedad.

Solo un cuarto de siglo después, gracias a las reformas de Pedro I, la música y la danza entraron en la vida de la sociedad rusa. en la nobleza establecimientos educativos introdujo la enseñanza obligatoria de la danza. En la corte, músicos licenciados en el extranjero, artistas de ópera y compañías de ballet.

En 1738, se abrió la primera escuela de ballet en Rusia, y tres años más tarde, 12 niños y 12 niñas de los sirvientes del palacio se convirtieron en los primeros bailarines profesionales en Rusia. Al principio, actuaron en los ballets de maestros extranjeros como figurantes (como se llamaba a los bailarines del cuerpo de baile), y luego en las partes principales. El notable bailarín de esa época, Timofey Bublikov, brilló no solo en San Petersburgo, sino también en Viena.

A principios del XIX siglo, el arte del ballet ruso ha alcanzado la madurez creativa. Los bailarines rusos aportaron expresividad y espiritualidad al baile. Sintiendo esto con mucha precisión, A. S. Pushkin llamó a la danza de su contemporáneo Avdotya Istomina "un vuelo lleno de alma".

El ballet en ese momento ocupó un lugar privilegiado entre otros tipos de arte teatral. Las autoridades le prestaron gran atención, proporcionaron subsidios estatales. Las compañías de ballet de Moscú y San Petersburgo actuaron en teatros bien equipados, y los graduados de las escuelas de teatro repusieron anualmente el personal de bailarines, músicos y decoradores.

Arturo San León

En la historia de nuestro teatro de ballet, a menudo se encuentran nombres de maestros extranjeros que desempeñaron un papel importante en el desarrollo del ballet ruso. En primer lugar, estos son Charles Didelot, Arthur Saint-Leon y Marius Petipa. Ayudaron a crear la escuela de ballet rusa. Pero los talentosos artistas rusos también permitieron revelar el talento de sus maestros. Esto invariablemente atrajo a los coreógrafos más grandes de Europa a Moscú y San Petersburgo. En ninguna parte del mundo podrían encontrarse con una compañía tan grande, talentosa y bien entrenada como en Rusia.

A mediados del siglo XIX siglo, el realismo llegó a la literatura y el arte rusos. Los coreógrafos trataron febrilmente, pero en vano, de crear actuaciones realistas. No tomaron en cuenta que el ballet es un arte condicional y que el realismo en el ballet difiere significativamente del realismo en la pintura y la literatura. Comenzó la crisis del arte del ballet.

Una nueva etapa en la historia del ballet ruso comenzó cuando el gran compositor ruso P. Tchaikovsky compuso por primera vez música para el ballet. Era el lago de los cisnes. Antes de eso, la música de ballet no se tomaba en serio. ella era considerada inferior creatividad musical, sólo un acompañamiento al baile.

Gracias a Tchaikovsky, la música de ballet se convirtió en un arte serio junto con la ópera y la música sinfónica. Antes la música dependía completamente de la danza, ahora la danza tenía que obedecer a la música. Se requerían nuevos medios de expresión y un nuevo enfoque para crear una actuación.

El mayor desarrollo del ballet ruso está relacionado con el nombre del coreógrafo de Moscú A. Gorsky, quien, habiendo abandonado las técnicas obsoletas de la pantomima, utilizó las técnicas de la dirección moderna en una actuación de ballet. Dando gran importancia al diseño pictórico de la actuación, atrajo a los mejores artistas para trabajar.

Pero el verdadero reformador del arte del ballet es Mikhail Fokin, quien se rebeló contra la construcción tradicional de un espectáculo de ballet. Argumentó que el tema de la actuación, su música, la época en la que se desarrolla la acción, cada vez requieren diferentes movimientos de baile, un patrón de baile diferente. Al montar el ballet "Noches egipcias", Fokine se inspiró en la poesía de V. Bryusov y los dibujos del antiguo Egipto, y las imágenes del ballet "Petrushka" se inspiraron en la poesía de A. Blok. En el ballet Dafnis y Cloe, abandonó el baile de puntas y, en movimientos libres y plásticos, revivió frescos antiguos. Su " Chopiniana " revivió la atmósfera del ballet romántico. Fokin escribió que "sueña con crear un ballet-drama a partir de la diversión del ballet, de la danza, un lenguaje hablado comprensible". Y lo logró.

ana pavlova

En 1908 comenzaron las representaciones anuales de bailarines de ballet rusos en París, organizadas por figura teatral S. P. Diaghilev. Los nombres de los bailarines de Rusia, Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm, se hicieron conocidos en todo el mundo. Pero el primero de esta fila es el nombre de la incomparable Anna Pavlova.

Pavlova, lírica, frágil, con líneas corporales alargadas, ojos enormes, evocaba grabados que representaban bailarinas románticas. Sus heroínas transmitieron un sueño puramente ruso de una vida armoniosa y espiritualizada o el anhelo y la tristeza por una vida incumplida. El cisne moribundo, creado por la gran bailarina Pavlova, es un símbolo poético del ballet ruso de principios del siglo XX.

Fue entonces, bajo la influencia de la habilidad de los artistas rusos, que el ballet occidental se sacudió y ganó un segundo impulso.

Después de la Revolución de Octubre de 1917, muchas figuras del teatro de ballet abandonaron Rusia, pero a pesar de esto, la escuela de ballet ruso sobrevivió. El patetismo del movimiento hacia una nueva vida, los temas revolucionarios y, lo que es más importante, el alcance de la experimentación creativa inspiró a los maestros de ballet. Su tarea era acercar el arte coreográfico a la gente, hacerlo más vital y accesible.

Así surgió el género del ballet dramático. Eran representaciones, por lo general basadas en las tramas de personajes famosos. obras literarias, que fueron construidos de acuerdo con las leyes actuación dramática. El contenido en ellos se presentó con la ayuda de pantomima y danza pictórica. A mediados del siglo XX, el ballet dramático estaba en crisis. Los coreógrafos intentaron preservar este género de ballet, mejorando el espectáculo de las actuaciones con la ayuda de efectos escénicos, pero, por desgracia, en vano.

A fines de la década de 1950, se produjo un punto de inflexión. Los coreógrafos y bailarines de una nueva generación han revivido géneros olvidados: ballet en un acto, ballet sinfónico, miniatura coreográfica. Y desde la década de 1970 han surgido compañías de ballet independientes, independientes de los teatros de ópera y ballet. Su número aumenta constantemente, entre ellos hay estudios de danza libre y danza moderna.

Cuando la danza se convierte en una representación musical, comienza el ballet. Este el nivel más alto La creatividad coreográfica entrelaza hábilmente la pintura, la música, la coreografía, convirtiéndose en una bien coordinada actuación que no deja indiferente a nadie.

Es difícil determinar qué idioma nos dio el nombre de arte aristocrático, ya sea en latín - ballo ("Yo bailo") o en francés - balleto. Y aunque la humanidad ha estado bailando desde tiempos inmemoriales, la primera mención del ballet se remonta al siglo XV, cuando al italiano Domenico Piacenza, componiendo música para el próximo baile real, se le ocurrió la idea de unir varias danzas en una sola. escribiendo el final para ellos. En 1581, en París, Baltasarini de Belgioso, "el mayor intendente de la música", combinó coreografía y acompañamiento musical en su representación "El ballet de la comedia de la reina".

fundador Ballet clásico fue Luis XIV. Fue él quien separó el ballet de las bolas brillantes en una forma separada de actuación, y él mismo hizo su debut en el "Ballet de Cassandra" en 1651, siendo un joven de trece años. Un par de años después apareció nuevo rendimiento – « ballet real noche", en la que brillaba como el sol naciente. De ahí su apodo, el Rey Sol. Los bailarines modernos pueden envidiar su talento y exigir: 5-6 roles en cada actuación. Además, actuó no solo frente a halagadores cortesanos, sino también en teatros reales frente a miles de personas. En 1661, la Real Academia de Danza se abrió en París por su decreto, pero entonces se le dio aún más importancia a los trajes y la música. Jean Georges Nover, un coreógrafo de Francia, se convirtió en un reformador, dando al género los contornos coreográficos que ya nos son familiares. Vale la pena señalar que hasta 1681 solo los hombres participaban en el ballet. La primera bailarina fue Mademoiselle La Fontaine, una bailarina legendaria.

Desarrollo del ballet en Rusia

Muchos países se han adaptado el nuevo tipo artes escénicas para adaptarse a sus tradiciones y cultura. En el siglo XVIII, a través de la ventana a Europa abierta por Pedro el Grande, el ballet voló hacia el Imperio Ruso. Muchos investigadores atribuyen bufones y bufones en la corte de Alexei Mikhailovich a los primeros héroes de las representaciones de ballet, pero esto es fundamentalmente incorrecto: en la Rusia anterior a Petrine no había análogos de ballet. Minuetos, bailes country y otros términos entonces incomprensibles para el público ruso aparecieron bajo su hijo, quien inmediatamente emitió un decreto para enseñar a los jóvenes a bailar. El cuerpo de la nobleza de la tierra, fundado por Anna Ioannovna en 1731, se convirtió en la cuna del ballet ruso. Los futuros militares después de graduarse tenían que brillar en la alta sociedad, por lo que se prestó especial atención al arte coreográfico. El fundador de este género en Rusia es justamente considerado Jean-Baptiste Lande, maestro de danza del cuerpo. En 1738 se le permitió abrir " escuela de baile Su Majestad Imperial ”(ahora la Academia de Ballet Ruso A. Ya. Vaganova). Tanto Elizaveta Petrovna como Catalina II amaban el ballet, en cuya época se desarrollaron las compañías en las cortes de los terratenientes. El Ballet XIX de San Petersburgo fue compuesto casi en su totalidad por coreógrafos franceses, desde Charles Didelot hasta el no menos brillante Marius Petipa. El favor imperial por esta forma de arte creció con cada actuación. En el trabajo de P. I. Tchaikovsky había un solo concepto de musica: la orquesta creó una cierta atmósfera, permitiendo que el público capturara emociones y sentimientos. En 1877 tuvo lugar la producción del legendario "El lago de los cisnes".

En el siglo XX, el teatro minuciosamente creado por el francés Petipa comenzó a perder terreno gradualmente: se requería algo nuevo, modernista. Luego, una ola de experimentos de Diaghilev llegó a San Petersburgo, cuyas bailarinas no se correspondían mucho con la estética de la danza clásica: la prima bailaba casualmente, pero no sin genio artístico, como Anna Pavlova, y no sin cierto estilo, como Tamara Karsavina. Pues como no mencionar escandalosamente famosa matilde Kshesinskaya: la gente común no ha ido al teatro, pero ella vida social todos estaban interesados. Después de la revolución, muchas compañías se vieron obligadas a emigrar, por lo que el ballet ruso podría no haber sobrevivido hasta nuestros días, si no fuera por el crítico de arte Anatoly Vasilyevich Lunacharsky, gracias a él, los bolcheviques permitieron un "ballet brillante y sublime". En la segunda mitad del siglo XX habrá verdadero genio con un salto fenomenal y una espalda flexible - Maya Plisetskaya - una destacada bailarina de la era soviética, inscribió para siempre su nombre en el mundo historia del ballet.

El ballet moderno no se olvida de la escuela milenaria clásica y al mismo tiempo lucha contra los estándares. Las representaciones son cada vez más atrevidas e impactantes, y la moda de una lectura original de las producciones tradicionales no desaparece. Los coreógrafos nacionales siguen deleitando al público con su arte, confirmando una vez más que el ballet ruso es considerado uno de los mejores del mundo por algo. Y las entradas para el ballet en, a pesar del costo considerable, se agotan con meses de anticipación.

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