Museo Radishevsky. Artes y manualidades

Reflejo del punto de inflexión de la era petrina en las artes y oficios. Influencias artísticas de Europa occidental (Holanda, Inglaterra, Francia, Italia). Los procesos de formación del sistema estamental y el fortalecimiento de la cultura secular y su influencia en el desarrollo de las artes y oficios. Artes y oficios de múltiples capas, desarrollo desigual de sus áreas individuales. Preservación y desarrollo de las tendencias tradicionales (cultura provincial y popular, arte eclesiástico).

Mejorar la tecnología de la producción artesanal y manufacturera. El nacimiento de la industria del arte (fabricación de tapices, vidrio artístico, loza, corte de piedra, producción de seda y tela). Producción industrial de cosas de moda, artículos de lujo. Descubrimiento y desarrollo de yacimientos de cobre, estaño, plata, piedra coloreada, arcillas de alta calidad.

El papel de la Academia de Ciencias en la "prosperidad de las artes y manufacturas libres", un reflejo de las nuevas ciencias naturales y los intereses técnicos en las artes y oficios. Nuevas formas de educación y formación de maestros en las fábricas de arte. Cierre de talleres de la Armería. La jubilación y su papel en el desarrollo de ciertos tipos de artes y oficios. El surgimiento de organizaciones gremiales de artesanos en Rusia. El trabajo de maestros extranjeros en diversas áreas de las artes y oficios.

Estilo artístico en artes y oficios. La moda, su impacto en el cambio de gustos, el cambio del entorno temático. La aparición de nuevos tipos de objetos, la renovación de las ideas estéticas en las artes y oficios. Tendencias en la síntesis de las artes. El papel de la arquitectura, el arte monumental, la gráfica y las ediciones ilustradas en el desarrollo de las artes y oficios. Tendencias decorativas de la cultura barroca en el diseño de festividades, complejos de puertas triunfales, arte de jardines y parques.

El arte del interiorismo como actividad artística especial en la obra de los arquitectos del primer cuarto del siglo XVIII. Las primeras obras de interiorismo y las principales tendencias estilísticas (barroco, rococó, clasicismo). Nuevos tipos de locales (estudios, dormitorios delanteros, salas de estar, "tornería", "salas de imágenes") y su contenido (Palacio de Verano, Palacio de A.D. Menshikov, Palacio Grand Peterhof, Monplaisir). Obras de maestros franceses. "Chinoiserie" en los interiores de la era petrina.

Solución de conjunto del tema entorno. El surgimiento de actividades de diseño en el campo de la cultura material y las artes y oficios.

El desarrollo del negocio del mueble. Nuevos tipos y formas de muebles, materiales y métodos de decoración. Influencia del mobiliario inglés y holandés. Mobiliario barroco y rococó.

Talla de madera, su papel en el interior. Relieves tallados. Iconostasio de la Catedral de Pedro y Pablo. Negocio de talla y carruaje de barcos.

Negocio de plata. Preservación de las tradiciones del siglo XVII. Establecimiento de talleres de orfebrería y platería. Arte de la joyería. Retrato en miniatura sobre esmalte. Señales de orden y personas "quejadas". Los primeros maestros de las miniaturas pictóricas fueron Grigory Musikisky y Andrey Ovsov.

Cerámica y loza de la era petrina. Azulejos holandeses en el interior. Expansión de las importaciones de productos de loza de Inglaterra y Holanda. La primera fábrica privada de A. Grebenshchikov en Moscú, la aparición de loza fina doméstica.

Aumento del consumo de vidrio, fundación de fábricas de vidrio en Yamburg y Zhabino, cerca de San Petersburgo. Espejos y accesorios de iluminación. Formación del estilo de utensilios de palacio ceremonial con grabado mate. La primera fábrica privada de vidrio y cristal de Maltsov en el distrito de Mozhaisk.

Talla de piedra y corte de gemas. Fundación de las primeras fábricas de corte en Peterhof y Ekaterimburgo. Talla de hueso. Técnicas básicas de tallado, recursos estilísticos. Tradiciones Kholmogory. La aparición de tornos, un cambio en la forma de los productos. Torneería Petrovski y A. Nartov. La influencia del grabado y el libro ilustrado sobre la talla en hueso. La fundación de la Planta de Armas de Tula, el desarrollo del arte del procesamiento artístico del acero en artículos decorativos.

Tipología de vestuario. Cambio de un traje medieval a un traje de la muestra europea. Establecimiento por Peter de las reglas para el uso y tipos de vestimenta noble. La introducción de ropa y uniformes reglamentarios para el ejército y la marina, para los oficiales. La aparición de nuevas fábricas debido a cambios en el vestuario. Sustitución de tejidos orientales por europeos occidentales. Muestras de un traje de hombre del guardarropa de Peter I.

Fundación de la fábrica de enrejados de San Petersburgo. Formación de maestros rusos.

Arte decorativo y aplicado de la era de Anna Ioannovna. Plata artística. Fundación de una fábrica de vidrio de propiedad estatal en Fontanka en San Petersburgo. Las actividades de la fábrica de tapices. Tapiz de estilo y aplicación en el interior. L.Karavak y sus proyectos en el campo del arte decorativo.

Renacimiento en la cultura artística en el reinado de Elizabeth Petrovna. Predominio de influencias francesas. Barroco y rococó en el arte ruso. Rococó en el interior, vestuario, joyería, arte de jardinería. Síntesis de arquitectura y artes y oficios en interiores barrocos y rococó. Obras de VV Rastrelli y A. Rinaldi en el campo del diseño de interiores. Materiales y técnicas decorativas para la decoración de interiores. Tipos de muebles barrocos y rococó. Telas en el interior. Encendiendo. Conjunto en diversos tipos de artes y oficios de mediados y segunda mitad del siglo.

Negocio de plata. confirmación del estilo barroco. Obras monumentales y decorativas. Grandes servicios ceremoniales. Cambiando la forma de los objetos, nuevos tipos de platos para nuevos productos. Arte de la joyería. Actividades de los maestros de la corte. Estilo rococó en el arte de la joyería. Tipos de joyas de mujer. Piedra de color en joyería.

El traje, su imagen, tipo de corte, materiales, accesorios, la naturaleza del acabado. Influencia de la moda francesa. Barroco y rococó en traje de mujer y hombre.

La invención de la porcelana doméstica. Fundación de una fábrica de porcelana en San Petersburgo. Las actividades de D.I. Vinogradov y el período "Vinogradov" de desarrollo de la porcelana rusa. Los primeros servicios del palacio, jarrones, pequeños de plástico. Creación de una fábrica de loza de propiedad estatal en San Petersburgo.

Vidrio grabado de la época isabelina. Las actividades de la fábrica de vidrio estatal de San Petersburgo y la fábrica en el río. Nazie. Barroco y Rococó en vidrio de arte. El vidrio en la decoración de interiores de palacios VV Rastrelli. Fábricas privadas de los Nemchinov y Maltsov. Los experimentos de M. V. Lomonosov en el campo del vidrio coloreado, el comienzo de su producción en la fábrica de Ust-Ruditskaya.

Talla de hueso. De estilo rococó, obra del tallista Osip Dudin.

Arte decorativo y aplicado de la segunda mitad del siglo XVIII.

Clasicismo en las artes decorativas 1760-1790 La combinación del estilo rococó con motivos antiguos. El papel de los arquitectos en las artes y oficios de la época clásica. Formación de maestros de artes y oficios en la Academia de las Artes.

Interior del primer clasicismo. Materiales y formas, colorido, decoración escultórica, abaratamiento de acabados decorativos. Trabajo interior de C. Cameron. Diversidad de técnicas decorativas, nuevos materiales, la imagen del local y del conjunto. Interiores por V. Brenna.

Clasicismo muebles, carácter, formas, influencias. prototipos antiguos. Nuevos tipos de muebles. Participación de arquitectos en el desarrollo del arte del mueble en Rusia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Muebles D. Roentgen en Rusia. Taller de G. Gambs e I. Ott. Estilo Jacob en muebles rusos. Cambio de materiales en muebles de arte (caoba, madera dorada, álamo, abedul carelio). Tejido y bordado en muebles.

Taller de Spol en Moscú. Decoración tallada en los interiores de M. Kazakov. Muebles tallados del Palacio Ostankino. El apogeo de la técnica escenográfica en muebles rusos en la segunda mitad del siglo, métodos de ejecución y materiales. Producción de muebles en Okhta en San Petersburgo. El papel maché como material para muebles y artes decorativas.

Bronce artístico ruso y francés. Los principales tipos de productos y técnicas decorativas. Bronce y cristal en luminarias. Bronce en la decoración de jarrones y muebles de piedra y porcelana. Las actividades de la Casa de Fundición. Maestros de bronce extranjeros en San Petersburgo (P. Azhi, I. Tsekh y otros).

Disfraz. Cambio de tipos y siluetas de ropa en las décadas de 1770 y 1780. Introducción de vestimenta noble uniforme. Vestido ceremonial de la corte, el uso de formas nacionales estilizadas. "Estilo griego" de la década de 1790 en vestuario y peinados. Un cambio radical en el diseño del traje. Moda para mantones, bufandas, capas, mantillas, mantones.

Arte de la joyería. Actividades de I.Pozier, Dubulon, J.Ador, I.G. Scharf, IV Bukh, hermanos Duval. Gran corona imperial. Taller de diamantes de corte. Plata artística. Influencia de la plata estilo Luis XVI francés. El arte del negro sobre plata. Creciente papel de los centros de joyería del norte - Vologda, Veliky Ustyug. Fábrica de productos de niel y esmalte de los hermanos Popov en Veliky Ustyug. Esmalte con revestimiento de plata.

Porcelana, técnicas de fabricación y decoración. Fábrica de Porcelana Imperial. Clasicismo temprano en las formas y decoración de los productos. Influencia de la porcelana y loza europea. Actividades J.-D. Rasheta. Contactos del IPE con la Academia de las Artes. Jarrones decorativos y servicios palaciegos en el interior de la época del Clasicismo. Grandes servicios ceremoniales, su composición, la naturaleza del diseño. La búsqueda de formas apropiadas de objetos y técnicas para decorar productos. Escultura de porcelana (serie de figuras "Pueblos de Rusia", "Comerciantes y vendedores ambulantes"). Género dibujo y grabado en porcelana escultura y pintura en porcelana. Productos de galletas. Porcelana "Pavlovsky" de finales de la década de 1790.

Fábrica de F. Gardner en Verbilki. Servicios de pedidos.

Vidrio de arte. La planta de G. Potemkin en Ozerki. Vidrio coloreado y cristal. Vidrio en los interiores de C. Cameron. Fábrica de vidrio imperial en la década de 1790. Comunicación de productos de las fábricas de porcelana y vidrio imperiales. La planta de Bakhmetev en la provincia de Penza. El auge de la pintura sobre vidrio en las décadas de 1780 y 1790. Motivos góticos en vidrio de arte.

Las actividades de la fábrica de tapices. Conexión de tapices con la tendencia general de la pintura rusa (tema histórico, alegoría, retrato en tapiz). Transición del Rococó al Clasicismo. Tapiz en diseño de interiores.

Esculpir. El papel de C. Cameron en el desarrollo de la cultura de la piedra de colores y su uso en el interior. Nuevos métodos de uso de piedra, "mosaico ruso". Actividades de la Fábrica de Lapidarios de Peterhof. Descubrimiento de nuevos yacimientos de piedra coloreada en los Urales y Altai. Fábrica de Ekaterimburgo y fábrica de Kolyvan. Invención de máquinas para trabajar la piedra. Jarrones diseñados por A. Voronikhin y D. Quarenghi.

El apogeo del acero de Tula (muebles y artículos de decoración). Fábricas nobles y mercantiles. Fábrica de miniaturas lacadas P.I. Korobov. La aparición de la artesanía en las fábricas de arte. El desarrollo de la artesanía en la segunda mitad del siglo XVIII: pintura Khokhloma, tejido de encaje, tejido estampado, tejido de alfombras, metal artístico, etc.

Desarrollo de las artes decorativas y aplicadas. contribuyó a la mejora de las técnicas de producción artesanal y manufacturera, el surgimiento de la industria del arte (fabricación de tapices, vidrio artístico, loza, corte de piedra, producción de seda y tela), producción manufacturera de artículos de moda, artículos de lujo, descubrimiento y desarrollo de depósitos de cobre, estaño, plata, piedras de colores, arcillas de alta calidad.

El papel de la Academia de Ciencias en la "prosperidad de las artes y manufacturas libres", que refleja los nuevos intereses técnicos y de las ciencias naturales en las artes decorativas y aplicadas, es significativo. En la primera mitad del siglo XVIII aparecieron nuevas formas de educación y formación de maestros en las fábricas de arte; existen organizaciones gremiales de artesanos en Rusia, lo que no niega la amplia distribución de maestros extranjeros en diversas áreas de las artes decorativas y aplicadas.

En las artes y oficios (artículos de interior, muebles, decoración) el estilo está dictado activamente por la moda. Como resultado, aparecen nuevos tipos de objetos, se actualizan las ideas estéticas en las artes y oficios. En las artes decorativas y aplicadas de mediados del siglo XVIII, existe una tendencia a la síntesis de las artes, donde la arquitectura, la escultura, la pintura y la artesanía aplicada se fusionan en un conjunto decorativo.

Como resultado, el arte del diseño de interiores se convierte en un tipo especial de actividad artística en el trabajo de los arquitectos del siglo XVIII. Este tipo de actividad artística provoca la aparición de nuevos tipos de locales (estudios, salas delanteras, dormitorios, salas de estar, "salas de imágenes") y su contenido (Palacio de Verano, Palacio de A.D. Menshikov, Palacio Grand Peterhof, Monplaisir).

Todo esto contribuye al desarrollo del negocio del mueble, aparecen nuevos tipos y formas de muebles, materiales y formas de decorarlos. La influencia del mobiliario inglés y holandés es muy fuerte aquí. Bajo la influencia de Europa, incluso el estilo barroco y rococó en los muebles está tomando forma en Rusia.

Los muebles del clasicismo tienen un carácter y una forma característicos. En gran medida, los motivos antiguos se pueden rastrear en las formas y la decoración de los muebles. A mediados del siglo XVIII, los arquitectos participaron en el desarrollo de nuevos tipos de muebles, el arte de los muebles apareció en Rusia y los muebles de autor (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). En la segunda mitad del siglo XVIII aparecieron los primeros talleres de muebles (el taller de G. Gambs e I. Ott). Para este período en el arte de los muebles se caracteriza por el estilo de "Jacob". En la segunda mitad del siglo XVIII, los materiales en el arte del mobiliario estaban cambiando: aquí aparecieron la caoba, la madera dorada, el álamo, el abedul de Carelia; Cada vez más, los textiles y los bordados se utilizan en la fabricación de muebles.

La cerámica y la loza ocupan un lugar especial en las artes decorativas y aplicadas. Esto sucede en un principio debido a la expansión de las importaciones de productos de loza de Inglaterra y Holanda. Sin embargo, pronto apareció en Moscú la primera fábrica privada de A. Grebenshchikov, que producía loza fina rusa. Más tarde, se formó el estilo de los platos ceremoniales del palacio con grabado mate, y se extendió la moda del cristal como elemento interior. Esto implica la apertura de la primera fábrica privada de vidrio y cristal de Maltsov en el distrito de Mozhaisk.

En el siglo XVIII, debido a la creciente popularidad de las artes y oficios, la decoración de interiores, aumentó el consumo de vidrio, que se utilizó para crear una variedad de espejos y accesorios de iluminación.

Escultura y pintura de la segunda mitad del siglo XVIII.

Un papel importante en el desarrollo de la pintura del siglo XVIII fue desempeñado por creación Vladímir Lukich Borovikovsky. A pesar de que el artista no figuraba oficialmente como alumno de la Academia, sin duda utilizó los consejos de sus profesores y, sobre todo, de Levitsky. El talento natural y la perseverancia de hierro del joven artista pronto llevaron al hecho de que Borovikovsky fue ascendido a las filas de los primeros maestros de finales del siglo XVIII. Creó una serie de excelentes retratos de sus contemporáneos, incluidos G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova y muchos otros. Un interés constante en las experiencias espirituales de una persona, enfatizado el lirismo y la contemplación, avivado por una bruma de sentimentalismo, tan característico de la época, son característicos de la mayoría de las obras de Borovikovsky. El artista nunca siguió el camino de las características externas y superficiales de la imagen, esforzándose constantemente por transmitir los movimientos espirituales más sutiles de los rostros retratados.

Su obra está dominada por un retrato de cámara. Borovikovsky busca afirmar el valor propio y la pureza moral de una persona (retrato de Lizynka y Dashinka, retrato de E.N. Arsenyeva, etc.). A la vuelta de los siglos XVIII y XIX, Borovikovsky se sintió atraído por personalidades fuertes y enérgicas, se centra en la ciudadanía, la nobleza y la dignidad de los retratados. La apariencia de sus modelos se vuelve más restringida, el fondo del paisaje se reemplaza por la imagen del interior (retratos de A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, etc.).

Borovikovsky es también un reconocido maestro de los retratos en miniatura. La colección del Museo Ruso contiene obras pertenecientes a su pincel: retratos de A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. Lvova y otros. El artista utilizó a menudo el estaño como base para sus miniaturas.

El retrato ruso del siglo XVIII alcanza su verdadero apogeo en la obra de DG Levitsky . Ya en una de sus primeras obras, un retrato del arquitecto A. Kokorinov, Levitsky mostró habilidades sobresalientes como pintor. El retrato del gran filósofo materialista francés D. Diderot, pintado por Levitsky en San Petersburgo en 1773, y la serie de retratos de alumnos del Instituto Smolny creada por el artista son de gran mérito artístico. Las imágenes de estas chicas están marcadas con sinceridad y calidez, se transmite con maestría la originalidad de cada una de ellas.

Los retratos de los años posteriores (Lvova, el padre del artista, los Bakunin, Anna Davia y muchas otras obras maestras de Levitsky) son una clara evidencia de su brillante talento.

Levitsky creó una extensa galería de retratos de sus contemporáneos, capturando las imágenes vivas de la gente de la época tan amplia y completamente como cualquier otra persona. El arte de Levitsky completa la historia del desarrollo de la pintura de retratos rusa en el siglo XVIII. Sin embargo, también se deben señalar algunas limitaciones históricamente determinadas de su trabajo: como otros artistas notables de su tiempo, Levitsky no pudo reflejar las contradicciones sociales de la realidad. Las personas representadas por el artista, de acuerdo con las ideas estéticas predominantes, siempre posan un poco, como si estuvieran tratando de mostrarse al espectador bajo la luz "más agradable". Sin embargo, en varias de sus obras el artista logra una sencillez y vitalidad sorprendentes.

El legado de Levitsky es enorme y todavía evoca en la audiencia una sensación de placer estético directo. La excelencia profesional de sus obras y su orientación realista sitúan al artista en uno de los lugares más honrosos de toda la historia del arte ruso.

Entre las obras más famosas de D.G. Levitsky se encuentran las siguientes: "Retrato de E.A. Vorontsova", "Retrato del arquitecto A.F. Kokorinov", "Retrato de N.A. Lvov", "Retrato de M.A. Dyakova", "Retrato de Ursula Mniszek", " Retrato de la hija de Agashi en traje ruso", etc.

En el campo del retrato, los artistas rusos de la segunda mitad del siglo XVIII también pronunciaron su nueva palabra. La nitidez de las características psicológicas, que marcaron muchos retratos de esta época, es sorprendente: el pincel de los mejores maestros rusos gravita cada vez más hacia la transferencia veraz de la imagen de una persona. Es significativo que en este momento ya se estaban creando retratos no solo de la nobleza y los "poderosos de este mundo", sino también de una serie de figuras públicas progresistas. En estos retratos, los elementos de esplendor y brillo externo están completamente ausentes; los artistas dirigen su atención a la transferencia del contenido interior de una persona, a la revelación de la fuerza de su mente, la nobleza de sus pensamientos y aspiraciones.

El desarrollo del retrato ruso encontró expresión en el trabajo de F. Rokotov.

Fyodor Stepanovich Rokotov- uno de los mejores retratistas rusos. Habiendo recibido una educación artística bajo la dirección de L.-J. Le Lorraine y el conde Pietro Rotary, trabajaban a la manera de este último, pero se adentraba más en la naturaleza que él y era diligente en la ejecución. En 1762 fue admitido como adjunto a la recién establecida San Petersburgo. Academy of Arts por el cuadro "Venus" que le regalaron y por el retrato del emperador Pedro III.

Delicada habilidad pictórica distingue los retratos de este artista. La espiritualidad íntima de la imagen, especialmente en los retratos femeninos, Rokotov aporta una gran expresividad y fuerza. La perfección altamente técnica de las obras del artista: en términos de la naturaleza del dibujo y la habilidad pictórica, solo Levitsky puede compararse con él. Los retratos creados por Rokotov se distinguen por el refinamiento del dibujo y la elegancia del color.

Las obras más famosas de Rokotov incluyen: "Retrato de una mujer desconocida con un vestido rosa", "Retrato de A.I. Vorontsov", "Retrato de G.G. Orlov con armadura", "Retrato de la coronación de Catalina II", "Retrato de A.P. Struyskaya" , "Retrato del poeta V.I. Maikov", "Retrato de Surovtseva", etc.

En la segunda mitad del siglo XVIII. en la pintura rusa comenzó a desarrollarse género doméstico. Sin embargo, la pintura de género fue considerada por la dirección de la Academia de las Artes y los estratos privilegiados de la sociedad como algo vil, indigno del pincel del artista. A pesar de esto, después de la guerra campesina dirigida por E. Pugachev, tanto en literatura, teatro y música, como en pintura de los años 1770-1780. Empezó a mostrar interés por el campesinado, su forma de vida, modo de vida. A menudo se trataba de imágenes sentimentales de pastores y pastoras idílicas que no tenían nada que ver con la vida campesina real. Sin embargo, hubo excepciones.

Uno de los primeros en la pintura rusa, el tema campesino fue desarrollado por el príncipe siervo G. A. Potemkin. Mijaíl Shibanov . Pintó los cuadros "Cena campesina", "Fiesta del pacto nupcial", etc. En las pinturas de Shibanov no hay denuncia de la servidumbre, sin embargo, en estos lienzos no hay idealización de la vida campesina. El artista se distingue por el conocimiento y la comprensión de la vida y el carácter del campesino ruso.

El tema campesino se reflejó en el trabajo del artista I. M. Tankov (1739 - 1799), autor de la pintura "Fiesta en el pueblo" e I. A. Ermenev (1746 - después de 1792), quien pintó las acuarelas "Almuerzo campesino", " Cantantes mendigos", etc.). Por primera vez en la historia del arte ruso, el artista transmitió el lado sombrío de la vida popular, la miseria de la pobreza.

En la segunda mitad del siglo XVIII. comienza el verdadero florecimiento de la escultura rusa. Se desarrolló lentamente, pero el pensamiento de la Ilustración rusa y el clasicismo ruso fueron los mayores estímulos para el desarrollo del arte de las grandes ideas cívicas, los problemas a gran escala, lo que llevó al interés por la escultura en este período. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - cada uno en sí mismo fue la individualidad más brillante, dejó su huella en el arte. Pero todos ellos estaban unidos por principios creativos comunes, que aprendieron del profesor Nicolas Gillet, quien dirigió la clase de escultura en la Academia de 1758 a 1777, ideas comunes de ciudadanía y patriotismo, y altos ideales de antigüedad.

La búsqueda de la belleza generalizada no excluye la plena profundidad de comprensión del carácter humano, el deseo de transmitir su versatilidad. Este afán es palpable en la escultura monumental y decorativa y en la escultura de caballete de la segunda mitad del siglo, pero especialmente en el género del retrato.

Sus mayores logros están relacionados, en primer lugar, con la creatividad. Fedot Ivánovich Shubin (1740-1805), compatriota Lomonosov, que llegó a San Petersburgo ya como artista, comprendió las complejidades del tallado en hueso. El primer trabajo de Shubin en su tierra natal es un busto de A.M. Golitsyn ya atestigua la plena madurez del maestro. Toda la versatilidad de las características del modelo se revela durante su inspección circular, aunque allí está sin duda el punto de vista principal de la escultura.

Shubin trabajó no solo como retratista, sino también como decorador. Hizo 58 retratos históricos ovalados de mármol para el Palacio de Chesme (ubicado en la Armería), esculturas para el Palacio de Mármol y para Peterhof, una estatua de Catalina II, la legisladora (1789-1790). No hay duda de que Shubin es el mayor fenómeno de la cultura artística rusa del siglo XVIII. El escultor francés Etienne-Maurice Falconet trabajó en Rusia junto con maestros rusos y en el monumento a Pedro el Grande en la Plaza del Senado de San Petersburgo expresó su comprensión de la personalidad de Pedro y su papel histórico en los destinos de Rusia.

Fyodor Fyodorovich Shchedrin(1751-1825). Pasó por las mismas etapas de formación en la Academia y retiro en Italia y Francia que Shubin. Ejecutado por él en 1776, "Marsyas" está lleno de movimientos turbulentos y una cosmovisión trágica. Como todos los escultores de la era clásica, Shchedrin está fascinado por las imágenes antiguas ("Endymion durmiendo"; "Venus"), al tiempo que muestra una penetración particularmente poética en su mundo.

Ya en el arte del siglo XVII, especialmente en la segunda mitad del mismo, se observan tendencias que allanaron el camino para el rápido desarrollo del arte realista secular del siglo XVIII. La convención pictórica de iconos da paso a la reproducción en vivo de personas, paisajes y hechos históricos. El adorno floral tradicional, que se interpretó de forma más bien condicional, se reemplaza por la reproducción de flores, frutas, hojas, guirnaldas y conchas reproducidas de manera realista. En las obras de artes aplicadas, la pintura de temática religiosa adquiere un carácter casi profano, a veces enfáticamente decorativo y teatral. Las formas de los objetos se vuelven magníficas, solemnes, con una amplia variedad de decoraciones. Muchos tipos antiguos de artículos para el hogar están desapareciendo, como tazas con estantes planos con asas, hermanos de plata. Los cucharones antiguos tradicionales se convierten en artículos premium puramente decorativos que han perdido su significado práctico. Aparecen nuevos tipos de utensilios: copas decoradas con ornamentos barrocos, escenas cotidianas e inscripciones de contenido profano, copas en forma de águila, copas de cuerno sobre soportes y muchos otros. Los utensilios de la iglesia y los artículos domésticos del clero ahora no diferían en estilo de las cosas puramente seculares y, a veces, incluso las superaban en mayor esplendor y valor material.

Después de la exclaustración de las tierras en 1764, la Trinidad-Sergius Lavra pierde sus posesiones, pero su riqueza en ese momento era tan grande que esta reforma no afectó ni el alcance del trabajo de construcción en el monasterio, ni el rico diseño de los interiores de la iglesia. , las habitaciones personales del gobernador y del metropolitano que residían en el monasterio, así como de la riqueza de su sacristía y tesorería. El monasterio siguió recibiendo contribuciones de las emperatrices y altos dignatarios de la corte, el metropolitano de Moscú y otros clérigos. Como regla general, estas fueron obras realizadas por los mejores maestros de Moscú, San Petersburgo, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl y otros centros de artes aplicadas. Por lo tanto, la colección Lavra de artes aplicadas del siglo XVIII. representa los más diversos tipos de tecnología de joyería de este tiempo.

El arte de la caza de la plata adquiere una forma peculiar, sobre todo a partir de mediados del siglo XVIII. Estos son predominantemente grandes rizos barrocos, magistralmente ejecutados en bastante alto relieve, en combinación con la imagen de frutas, canastas de flores, cupidos, guirnaldas de flores y hojas. Chasing a menudo se hacía calado y en este caso tenía un fondo adicional, que iluminaba el patrón.

Un ejemplo clásico de esta acuñación es el enorme oklad del Evangelio realizado en Moscú en 1754 con la aportación de la emperatriz Isabel1. Platos de plata con imágenes pintadas de esmalte de la Trinidad, evangelistas y escenas de la vida de Cristo se colocan en cajas y cuadrados altos cincelados. Son seculares.

El artesano de Moscú P. Vorobey hizo en 17682 un cuenco de plata (que se usaba en el monasterio como cuenco de agua). Está decorado con un excelente ornamento cincelado de originales cartuchos rizados y anchas hojas sobre fondo dorado. Las patas del cuenco son patas de león que sostienen bolas suaves en sus garras. El salero de 1787, decorado con relieve y niel, fue un regalo de un maestro de Moscú al metropolitano Platon3.

El nuevo centro de fabricación de joyas, San Petersburgo, se presenta en la colección del museo con un asa de plata cincelada con un pico en forma de cabeza de águila, realizada en 1768 por el artesano Claes Johann Ehlers4. El mismo artesano realizó un plato de plata cincelada con un adorno barroco en el campo y una representación de una escena bíblica: una ballena arroja a Jonás a la orilla5. Al mismo tiempo, el maestro representó aquí la costa de San Petersburgo con la Fortaleza de Pedro y Pablo y la aguja de la catedral. Rukoma y un plato: la contribución de Metropolitan Platon.

Las cosas de propósito ritual también adquirieron un carácter decorativo secular, y su solemnidad fue enfatizada por un tamaño sin precedentes. Típico del siglo XVIII. conjunto de vasos litúrgicos (cáliz, patena, estrella y dos platos) realizados en 1789 por A. V. Sheremetyev6. El cuenco de alta comunión aquí tiene una gran bandeja en forma de campana cincelada, una carcasa de plata calada en el cuerpo del cuenco y un cáliz con esmalte pintado. Los diskos y platos de gran diámetro elaborados especialmente para este cáliz están decorados con grabados que transmiten escenas iconográficas tradicionales.

El arte de la filigrana adquiere un carácter completamente diferente. En lugar de un rizo plano con brotes, enrollado sobre una superficie lisa de metal en obras antiguas, el dibujo de filigrana del siglo XVIII. complicado por decoraciones adicionales superpuestas en la parte superior, a veces en combinación con esmalte y piedras preciosas. En algunos casos, la filigrana se hace calada y se superpone a un fondo adicional. A veces, la cosa estaba hecha de hilos escaneados.

Una obra de filigrana destacada es el tabernáculo de 1789 de la contribución del metropolitano Platon7. Hay filigrana calada, filigrana combinada con esmalte y filigrana superpuesta sobre fondo plateado liso. El tabernáculo parece un ataúd secular, como lo demuestra su forma completamente no eclesiástica, elegante decoración y flores plantadas en las esquinas hechas de finas piezas de metal con esmalte.

Un ejemplo de hábil filigrana en relieve se puede encontrar en el libro "Oficial del servicio del obispo", también la contribución del metropolitano Platon en 17898.

Gran desarrollo se recibe en el siglo XVIII. Solvychegodsk y Veliky Ustyug esmaltes con su fondo de un solo color (azul o blanco), sobre los cuales se superponen figuras humanas, flores y otras imágenes en forma de placas de metal separadas, a veces coloreadas adicionalmente con esmaltes. El museo tiene una gran colección de artículos para el hogar de Solvychegodsk y Ustyug.

En el siglo XVIII. para el interior de los templos de Lavra, también se hicieron estructuras monumentales de plata según los dibujos de artistas famosos de Moscú y San Petersburgo. Para el altar de la Catedral de la Trinidad, por orden del Metropolitano Platon, se hizo un gran siete cirio de plata en forma de laurel9, también decoró la tabla de plata del iconostasio de la Catedral de la Trinidad. El artesano moscovita David Prif realizó un dosel de plata sobre el santuario de Sergio de Radonezh (encargado por la emperatriz Anna Ivanovna10) según un dibujo de Caravaca. Así, el arte aplicado del siglo XVIII. representada en la colección del museo por las obras más características.

Las obras de artesanía artística de la colección del museo permiten rastrear su desarrollo desde los primeros monumentos del gran ducado de Moscú hasta finales del siglo XVIII. Durante este largo período, las habilidades técnicas cambiaron y mejoraron, las viejas formas de los objetos desaparecieron y aparecieron nuevas formas, la naturaleza de la decoración cambió, siempre en función de puntos de vista estéticos, determinados por las condiciones socioeconómicas y políticas de su tiempo, el desarrollo de la mercados nacionales y extranjeros, la escala y el método de producción.

Sobre las obras de los siglos XIV-XV. revela una imagen del renacimiento gradual de las artesanías artísticas después de la ruina tártaro-mongola de la tierra rusa en el siglo XIII. Los maestros de Moscú y otros centros de arte de la antigua Rusia dominan diversas técnicas artísticas y mejoran la técnica de la artesanía.

En el siglo XVI. Moscú finalmente gana un lugar destacado en la vida cultural del país. El arte aplicado de este período se distingue por una variedad de formas y decoraciones artísticas, así como por una gran habilidad técnica. Se perfecciona el complejo arte del esmalte, que ha adquirido un carácter mayoritariamente ornamental, se perfecciona el arte del niel sobre oro, el cincelado y el grabado.

Las obras de plata para el hogar y la iglesia siguen las tradiciones del arte popular y están asociadas con las condiciones de vida de la gente, sus rituales y forma de vida.

El brillo y la decoración de los productos del siglo XVII, la complicación de la ornamentación, la aparición de esmaltes pintados, el uso de una gran cantidad de piedras preciosas, perlas y vidrios de colores dan un carácter más secular al arte aplicado.

En el siglo XVIII. se adoptaron nuevas formas de objetos, la naturaleza realista del ornamento y la pintura sobre esmalte.En la colección del Museo de Zagorsk, este período está representado por los mejores talleres en Moscú y San Petersburgo. Sus obras nos permiten juzgar los nuevos cambios que se están produciendo en el arte aplicado.

La alta habilidad artística de las obras de artes aplicadas, presentadas durante más de cinco siglos, coloca la colección del Museo de Zagorsk en un lugar destacado en la historia de la cultura artística rusa.

La historia de Rusia a fines del siglo XVII, el primer cuarto del siglo XVIII, es inseparable del nombre de una de las figuras políticas más importantes de Rusia: Pedro I. Las innovaciones significativas en este momento invaden no solo el campo de la cultura y el arte. , pero también industria: metalurgia, construcción naval, etc. A principios del siglo XVIII, aparecieron los primeros mecanismos y máquinas herramienta para el procesamiento de metales. Mucho en esta área fue hecho por los mecánicos rusos Nartov, Surnin, Sobakin y otros.

Al mismo tiempo, se están sentando las bases del sistema estatal de educación general y especial. En 1725, se estableció la Academia de Ciencias, bajo la cual se abrió un departamento de oficios artísticos.

A.Nartov. Torno. época de Pedro. siglo 18

En el siglo XVIII, se formaron nuevos principios de arquitectura y planificación urbana.Este período estuvo marcado por un aumento en la configuración de productos de los rasgos característicos del barroco europeo occidental (Holanda, Inglaterra).

Como resultado de los compromisos de Pedro I, los elementos de las formas tradicionales rusas desaparecen rápidamente de la vida real y aristocrática del palacio, y aún permanecen en las viviendas de las masas de la población rural y urbana, así como en el uso de la iglesia. Fue en el primer cuarto del siglo XVIII cuando se delineó una diferencia significativa en el desarrollo estilístico, que permaneció durante mucho tiempo como característica de la creatividad profesional y la artesanía popular. En este último, se desarrollan directa y orgánicamente tradiciones centenarias de arte aplicado ruso, ucraniano, estonio, etc.

Las normas de la vida noble requieren una demostración de riqueza, sofisticación y brillantez en la vida de una persona soberana. Las formas de la antigua forma de vida, incluida la de Peter (todavía empresarial, estricta), finalmente fueron expulsadas a mediados del siglo XVIII. La posición dominante en el arte ruso está ocupada por el llamado estilo rococó, que lógicamente completó las tendencias del barroco tardío. Los interiores ceremoniales de esta época, por ejemplo, algunas habitaciones de los palacios Peterhof y Tsarskoye Selo, están decorados casi en su totalidad con tallas elaboradas.

Las características generales de la ornamentación de rocalla (curvatura de líneas, disposición abundante y asimétrica de flores, hojas, conchas, ojos, etc. estilizados o realistas) se reproducen completamente en la arquitectura y el mobiliario rusos de esa época, cerámica, ropa, carruajes, armas ceremoniales , etc. Sin embargo, el desarrollo del arte aplicado ruso tomó un camino completamente independiente. A pesar de la innegable similitud de las formas de nuestros propios productos con los de Europa occidental, no es difícil notar las diferencias entre ellos. Entonces, pero en comparación con los productos de muebles franceses, rusos tienen formas mucho más libres y son más suaves en contorno y dibujo. Los maestros aún conservaban las habilidades de la talla popular, más grandes y generalizadas que en Occidente. No menos característica es la policromía de los productos rusos y la combinación de dorado y pintura, que es rara en Francia, pero aceptada en todas partes en Rusia.

A partir de los años 60 del siglo XVIII, comenzó la transición al clasicismo en la arquitectura rusa con sus formas lacónicas y estrictas, vuelta a la antigüedad y marcada por una gran moderación y gracia. El mismo proceso ocurre en el arte aplicado.

En la planificación, el equipamiento y la decoración de las mansiones y palacios de la ciudad (arquitectos Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.) existe una clara simetría, claridad proporcional. Las paredes del local (entre ventanas o frente a ellas) están ocultas por espejos y paneles de damasco de seda, telas decorativas de algodón y paños.

.

Sofá - Estilo rococó. Rusia (detalle). mediados del siglo XVIII

Sillón de estilo clásico. Rusia. Segunda mitad del siglo XVIII

Los pisos son de madera de varias especies, ya veces cubiertos con lona o tela; los techos están pintados (por ejemplo, la técnica de grisalla imitando molduras en relieve). En lugar de parquet apilado, se utilizan suelos de tablones de abeto "encerados". Las paredes y los techos suelen estar tapizados con tela o empapelados. Si se disponen chimeneas de mármol de tamaño impresionante en las habitaciones delanteras, entonces se erigen estufas más tradicionales sobre pedestales o patas, revestidas con azulejos, en las cámaras íntimas. La diferencia entre las lámparas es igual de notable: en los pasillos, estos son candelabros, candelabros, apliques costosos y hechos de joyería, en las cámaras, candelabros y lámparas mucho más modestos. Hay aún más contraste en las formas de los muebles del frente y del hogar. Todo esto habla no tanto del deseo de los propietarios de palacios y mansiones de ahorrar dinero, sino de su consideración del entorno objetivo como un factor importante en la atmósfera psicológicamente apropiada.

La mayoría de los muebles y una serie de otros productos a fines del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX no se necesitaban constantemente; si no era necesario, se retiraban o se trasladaban a partes del local que se utilizaban inactivamente. Los muebles para sentarse deben estar cubiertos. En la misma conexión, muebles transformables con un plano de trabajo: mesas de té y cartas, una mesa de comedor plegable, una mesa para bordar, un sistema de mesas de diferentes alturas que encajan entre sí, etc. una variedad de apariencia de locales en varios situaciones cotidianas. Al mismo tiempo, se destacaron una serie de procesos domésticos que tuvieron lugar fuera del edificio durante la estación cálida, en la terraza y en el parque. Como resultado, se están difundiendo nuevos tipos de productos: muebles de jardinería, toldos para sombrillas, lámparas de parque, etc. En el siglo XVIII, se organizaron talleres de siervos en fincas individuales, produciendo lotes bastante grandes de muebles, porcelana, alfombras y otros productos.

A finales del siglo XVIII, en el equipamiento de grandes palacios, la separación del propio diseño de productos (muebles, lámparas, relojes, tapices y otros utensilios y decoraciones) como un área especial de actividad creativa de su producción artesanal ya afecta significativamente. Los diseñadores son principalmente arquitectos y artistas profesionales. En la producción de productos para el mercado masivo, se utilizan máquinas y métodos mecánicos de procesamiento de materiales, convirtiendo al ingeniero en una figura líder en la producción. Esto conduce a una distorsión y pérdida de las altas cualidades estéticas inherentes a los bienes de consumo, a la separación de la industria del arte. Esta tendencia fue natural en las condiciones del desarrollo capitalista de la sociedad y una de las principales de todo el siglo XIX.

En el curso del desarrollo intensivo de las relaciones capitalistas en Rusia en el siglo XIX, las capacidades de producción industrial aumentaron. A mediados del siglo XIX, la necesidad de personal artísticamente profesional de desarrolladores de productos y artesanos ya se sentía agudamente. Para su formación, se abren instituciones educativas especializadas en Moscú (Conde Stroganov) y San Petersburgo (Baron Stieglitz). Su mismo nombre, "escuelas técnicas de dibujo", habla del surgimiento de un nuevo tipo de artista. Desde 1860, se ha desarrollado una educación artesanal especial de maestros intérpretes. Se publican muchos libros sobre la tecnología de procesamiento de diversos materiales: madera, bronce, hierro, oro, etc. Se publican catálogos comerciales, en sustitución de la revista publicada anteriormente "Economic Store". Desde mediados del siglo XIX se han formado ciencias relacionadas con temas de salud ocupacional y el uso de artículos del hogar. Sin embargo, a lo largo del siglo XIX, toda la producción fabril en masa en términos artísticos quedó completamente subordinada a la idea indivisamente dominante de la belleza como diseño decorativo y ornamental de los productos. La consecuencia de esto fue la introducción en la forma de la mayoría de los productos del estilo elementos del clasicismo: terminaciones de perfiles complejos, columnas estriadas, rosetones, guirnaldas, adornos basados ​​​​en motivos antiguos, etc. En varios casos, estos elementos fueron introducido en las formas de incluso equipos industriales: máquinas herramienta.

En el desarrollo estilístico de las artes aplicadas y los productos para el hogar en el siglo XIX, convencionalmente se distinguen cronológicamente tres grandes períodos: la continuación de las tendencias del clasicismo en línea con el llamado estilo Imperio (primer cuarto de siglo); clasicismo tardío (alrededor de 1830-1860) y eclecticismo (después de la década de 1860).

El primer cuarto del siglo XIX estuvo marcado por un resurgimiento general del alcance ideológico y constructivo de la arquitectura rusa, que también provocó un renacimiento significativo en las artes aplicadas.

Sillón estilo imperio. Primer cuarto del siglo XIX.

La victoria en la guerra de 1812 acelera y completa en cierta medida el proceso de formación de la cultura nacional rusa, que adquiere un significado paneuropeo. La actividad de los arquitectos más famosos: Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, estrechamente relacionada con el clasicismo del período anterior, cae solo en la primera década del siglo. Están siendo reemplazados por una galaxia de maestros tan notables como Rossi, Stasov, Grigoriev, Beauvais, quienes aportaron nuevas ideas y un espíritu estilístico diferente al arte ruso.

El rigor y la monumentalidad son rasgos característicos de la arquitectura y las formas de varios artículos domésticos del estilo Imperio. En este último, los motivos decorativos cambian notablemente, más precisamente, su tipología se expande mediante el uso de símbolos decorativos del Antiguo Egipto y Roma: grifos, esfinges, fajas, atributos militares ("trofeos"), coronas con guirnaldas, etc. En comparación con ejemplos de el clasicismo temprano en general aumenta la cantidad de decoración, su "peso visual" en la solución compositiva de los productos. La monumentalización, a veces, como engrosamiento de las formas, se produce por la mayor generalización y geometrización de los motivos ornamentales clásicos - ribetes, coronas, liras, armaduras, etc., que se alejan cada vez más de sus prototipos reales. La pintura pintoresca (escenas, paisajes, ramos) de objetos desaparece casi por completo. El adorno se esfuerza por un lugar, un contorno, una aplicabilidad. Los productos en su mayor parte, especialmente los muebles, se vuelven grandes, macizos, pero diversos en configuración general y silueta. La pesadez del estilo Imperio en los muebles casi desapareció ya en la década de 1830.

A partir de mediados del siglo XIX se iniciaron nuevas búsquedas en el campo de la arquitectura, la creatividad aplicada e industrial.

Nació un movimiento artístico paneuropeo, llamado "Biedermeier", llamado así por el burgués de uno de los personajes del escritor alemán L. Eichrodt (la obra fue publicada en la década de 1870) con su ideal de comodidad, intimidad.

Hierro de fábrica. Rusia. Segunda mitad del siglo XIX

En la segunda mitad del siglo XIX, el trabajo manual fue expulsado aún más de la producción de artículos utilitarios para el hogar. Durante siglos, los métodos y técnicas de su solución artística, los principios de modelado, que han evolucionado a lo largo de los siglos, entran en conflicto con las nuevas tendencias económicas en el carácter masivo y la rentabilidad de producir cosas en el mercado. La respuesta a la situación cambiante es doble. Algunos maestros, la mayoría de ellos, hacen concesiones. Considerando indestructible la visión tradicional de todas las cosas cotidianas como objeto de arte decorativo y aplicado, comienzan a adaptar los motivos ornamentales del clasicismo a las capacidades de la máquina y las tecnologías seriales. Aparecen tipos de decoración y decoración de productos “eficaces”. Ya en la década de 1830 en Inglaterra, Henry Cool presentó el eslogan exteriormente reformista de decorar los productos de fábrica con elementos "del mundo de las bellas artes". Muchos industriales adoptan con entusiasmo el eslogan, tratando de aprovechar el apego de la masa de consumidores a las formas de muebles para el hogar decoradas exteriormente y enriquecidas ornamentalmente.

Otros teóricos y practicantes de las artes aplicadas (D. Reskin, W. Morris), por el contrario, proponen organizar un boicot a la industria. Su credo es la pureza de las tradiciones de la artesanía medieval.

En los países de Europa Occidental y Rusia, por primera vez, los artesanos y artesanos, en cuyo trabajo aún se conservaban profundas tradiciones populares, atrajeron la atención de teóricos y artistas profesionales. En Rusia, las ferias de Nizhny Novgorod de las décadas de 1870 y 1890 demuestran la viabilidad de estas tradiciones en las nuevas condiciones. Muchos artistas profesionales, V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich y otros, recurren con entusiasmo a los orígenes populares del arte decorativo. En varias regiones y provincias de Rusia, en ciudades como Pskov, Voronezh, Tambov, Moscú, Kamenetz-Podolsk y otras, están surgiendo empresas artesanales, cuya base es el trabajo manual. El trabajo de los talleres en Abramtsovo cerca de Moscú, en Talashkino cerca de Smolensk, la empresa de P. Vaulin cerca de San Petersburgo y el artel de cerámica Murava en Moscú fue de particular importancia para el renacimiento de las artesanías creativas que estaban desapareciendo.

Samovar. Siglo 19

Rusia. segunda mitad

bomba industrial. Siglo 19

Sin embargo, los productos de todos estos talleres constituían una parte tan insignificante del consumo total que no podían tener ningún efecto perceptible en la producción en masa, aunque demostraron la legitimidad de la existencia de un arte decorativo que preserva las tradiciones populares junto con la producción masiva de máquinas. de cosas. Más tarde, esto fue confirmado por la invasión de la tecnología de las máquinas en áreas de las artes decorativas y aplicadas como la joyería (joyería), el tejido de alfombras, la sastrería, lo que condujo a una fuerte caída en su calidad artística.

En las formas del grueso de los productos manufacturados de la segunda mitad del siglo XIX, prácticamente no se está desarrollando nada nuevo. Sin embargo, la novedad de la situación más general ya en este momento contribuye a la adición de requisitos previos internos para búsquedas innovadoras: la conciencia de las búsquedas estilísticas como una necesidad creativa importante, como una manifestación de la individualidad artística del maestro. Si hasta ahora las tendencias estilísticas (góticas, renacentistas, barrocas, clasicistas, etc.) nacieron y se difundieron, por regla general, como resultado de tendencias generales, casi “globales”, espontáneamente cristalizadas en el desarrollo estético del mundo, entonces a partir de A mediados del siglo XIX, la originalidad estilística se considera un logro creativo directo de un artista individual, un arquitecto. En este sentido, se activa con fuerza el interés por el patrimonio del arte de todos los tiempos y pueblos. Este rico patrimonio se convierte en una fuente de imitaciones, préstamos directos o se somete a un extraño procesamiento creativo.

Mesa con sillón moderno. Finales del siglo XIX

Como resultado, la mayor parte de los productos es una imagen inusualmente abigarrada, en la que parpadean claras o sutiles reminiscencias de la antigüedad, la época románica, el gótico, el renacimiento italiano o francés, el arte de Bizancio y la Rusia antigua, el barroco, etc. , a menudo mezclando eclécticamente el diseño de un producto, interior, edificio. Por lo tanto, este período de la historia de la arquitectura y las artes aplicadas se denominó ecléctico. Sin embargo, los artículos (lámparas, cubos de metal, comederos, platos, taburetes, etc.) son relativamente baratos, pero hechos sin ningún propósito artístico, a menudo en formas feas y de mala calidad.

La búsqueda de un nuevo estilo se lleva a cabo teniendo en cuenta la necesidad real en las condiciones de producción mecánica, un enfoque fundamentalmente nuevo para la formación de productos, por un lado, y la preservación de las tradiciones decorativas del pasado, por el otro. otro. La burguesía, que a fines del siglo XIX había tomado una posición fuerte en la economía rusa, luchó por su propia ideología artística en la arquitectura y el diseño: el culto a lo racional, la relativa libertad de los arcaísmos de la cultura noble, alentando todo en arte que podía competir con los estilos del pasado. Tal era el estilo Art Nouveau a fines del siglo XIX: "arte nuevo" en Bélgica, Gran Bretaña y los EE. UU., "Jugendstil" en Alemania, "estilo Secesión" en Austria, "estilo libre" en Italia. Su nombre - "moderno" (del francés moderne) significaba "nuevo, moderno" - del lat. modo - "justo ahora, recientemente". En su forma pura, desvaneciéndose y mezclándose con otras tendencias estilísticas, no duró mucho, hasta alrededor de 1920, es decir, unos 20-25 años, como casi todas las tendencias estilísticas de los siglos XVII-XX.

Art Nouveau es diverso en diferentes países y en el trabajo de maestros individuales, lo que complica la comprensión de las tareas que resolvió. Sin embargo, la característica fue la erradicación casi completa de todos los motivos y técnicas decorativos y ornamentales utilizados anteriormente, su renovación radical. Las tradicionales cornisas, rosetones, capiteles, flautas, cinturones de “ola entrante”, etc. son reemplazados por plantas locales estilizadas (lirios, lirios, claveles, etc.), cabezas femeninas con cabello largo y rizado, etc. A menudo no hay decoración en absoluto , y el efecto artístico se logra debido a la expresividad de la silueta, la articulación de la forma, las líneas, por regla general, ligeramente trazadas, como si fluyeran libremente, pulsando. En las formas de los productos Art Nouveau, casi siempre se puede sentir una voluntad caprichosa del artista, la tensión de una cuerda bien estirada, proporciones exageradas. En manifestaciones extremas, todo esto se exacerba agudamente, elevado a un principio. Por momentos, surge un desprecio por la lógica constructiva de la forma, una pasión casi fingida por el lado espectacular del quehacer, especialmente en la resolución de interiores, muchas veces efectivamente teatrales.

Con todas las debilidades: pretenciosidad, a veces estridencia de formas, ha surgido un nuevo enfoque para resolver el edificio, el interior, el mobiliario con la lógica de una solución funcional, constructiva y tecnológica.

Candelabro de estilo moderno. Principios del siglo 20

Juego de platos. Finales del siglo XIX.

Tocador moderno. Principios del siglo 20

Art Nouveau en la gran mayoría de sus muestras no abandonó la decoración de productos, sino que solo reemplazó los antiguos motivos y técnicas decorativas por otros nuevos. Ya a principios del siglo XX, en la época de los triunfos del nuevo estilo, de nuevo, al principio tímidamente, luego ampliamente, volvió la moda por los viejos estilos, que tenía cierta conexión con los preparativos para la celebración del centenario de la Guerra Patria de 1812. La exposición "Arte moderno", organizada en San Petersburgo en 1903, mostró claramente el nacimiento de la "modernidad clasicista".

Los resultados de la modernidad son complejos. Esta es la limpieza del arte aplicado del eclecticismo y del “anti-maquinismo” de los campeones de la artesanía manual, y de los intentos fallidos de restaurar los estilos del pasado. Estos son los primeros síntomas de la salida de la arquitectura y las artes aplicadas al camino del funcionalismo y el constructivismo, al camino del diseño moderno. Al mismo tiempo, habiendo descubierto pronto una tendencia hacia la nacionalización del estilo, el Art Nouveau provocó una nueva ola de búsquedas puramente decorativas. Muchos pintores recurren al arte aplicado y al diseño de interiores (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitando hacia el colorido de un cuento de hadas ruso, al "pan de jengibre", etc. En la perspectiva del proceso histórico posterior, resolviendo problemas urgentes de producción industrial en masa, tales experimentos no podrían tener un significado ideológico y artístico serio, aunque dieron impulso al desarrollo de otra rama del arte aplicado: la artesanía y, en particular, el arte teatral y decorativo. .

Art Nouveau, por así decirlo, despejó y preparó el camino para el establecimiento de nuevos principios estéticos y creativos en el arte de crear cosas cotidianas, aceleró el surgimiento de una nueva profesión artística: el diseño artístico (diseño).

La formación del funcionalismo y el constructivismo en direcciones especiales en la arquitectura y el diseño artístico de los países occidentales ocurrió a fines de la década de 1910 en relación con la estabilización de la vida y el éxito de la economía después de la Primera Guerra Mundial. Pero los cimientos fundamentales de la nueva arquitectura moderna se determinaron en el período anterior a la guerra en el trabajo de arquitectos como T. Garnier y O. Perret (Francia), X. Berlaga (Holanda), A. Loos (Austria), P .Behrens (Alemania), F. Wright (EE. UU.), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusia) y otros, cada uno de ellos superó la influencia de la modernidad a su manera y luchó.

En 1918, se formaron departamentos especiales para la arquitectura y la industria del arte bajo el Departamento de Bellas Artes del Comisariado del Pueblo para la Educación. Se presta especial atención a la formación de especialistas. En 1920, VI Lenin firmó un decreto sobre el establecimiento de los Talleres Técnicos y Artísticos Estatales Superiores (VKHUTEMAS). Los graduados crearon nuevas muestras de telas, muebles, platos, etc.

La educación en los talleres (en 1927 se transformaron en el Instituto Artístico y Técnico de toda la Unión VKhUTEIN), se llevó a cabo en las facultades: arquitectura, cerámica, textiles, etc. En la facultad de procesamiento de madera y metal bajo la dirección de A. Ródchenko, D. . Lissitzky, V. Tatlin y otros maestros buscaban nuevas formas y diseños de varios objetos. Todas las actividades de VKHUTEMAS tenían como objetivo desarrollar en los estudiantes las habilidades de un enfoque integrado para diseñar el entorno de la materia de la vida cotidiana y la producción.

En la década de 1920, se desarrolló una tendencia de “arte de producción”, desarrollando los principios del funcionalismo y el constructivismo, esforzándose por establecer en la mente de los artistas el ideal estético de una producción material racionalmente organizada. Cualquier forma anterior de arte fue declarada por los "fabricantes" como burguesa, inaceptable para el proletariado. De ahí su negación no sólo de las bellas artes "prácticamente inútiles", sino también de todo arte puramente decorativo, como la joyería.En la década de 1920, las condiciones técnicas y económicas para la puesta en práctica de sus ideas aún no estaban maduras en nuestro país.

VKHUTEMAS y los "trabajadores de la producción" de la década de 1920 estaban íntimamente relacionados ideológica y estéticamente con la "Bauhaus" y en varios momentos importantes representaron con ella, en esencia, una sola tendencia en el diseño artístico de esa época. En el marco de este nuevo movimiento se formó la estética del diseño moderno, superando las contradicciones de las artes aplicadas del período anterior. La actividad artística práctica de los fundadores del diseño fue también el desarrollo del arsenal de medios artísticos y expresivos del arte de crear cosas. En sus obras (muebles, lámparas, utensilios, tejidos, etc.) se prestó la máxima atención a propiedades de los materiales y formas tales como la textura, el color, la expresividad plástica, la estructura rítmica, la silueta, etc., que se han vuelto cruciales en la productos de composición sin entrar en conflicto con los requisitos de lógica constructiva y fabricabilidad de la forma. Otra área que se desarrolló con éxito en nuestro país en la década de 1920 es el diseño de ingeniería. En 1925, en Moscú, según el proyecto del destacado ingeniero V. Shukhov, se erigió la famosa torre de radio, cuya silueta calada se convirtió durante mucho tiempo en un símbolo de la radio soviética. Un año antes, J. Gakkel creó la primera locomotora diesel soviética basada en los últimos logros tecnológicos, cuya forma aún hoy parece bastante moderna. En la década de 1920, se dio cuenta de la necesidad de investigación científica sobre las leyes de la actividad humana en el entorno objetivo creado artificialmente por él. El Instituto Central del Trabajo se está organizando, dentro de sus muros se investigan los temas de la organización científica del trabajo, la cultura de la producción. La atención de científicos y diseñadores es atraída por cuestiones de biomecánica, organoléptica, etc. Entre los trabajos notables de esos años se encuentra el proyecto del lugar de trabajo de un conductor de tranvía (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Locomotora. Principios de la década de 1930

Un lugar importante en la cultura del siglo XVIII. artes decorativas y aplicadas ocupadas. La decoración interior rococó hizo que el espacio fuera ligero, las paredes parecían delgadas, ocultas por paneles decorativos y espejos, reflejados entre sí, las pantallas jugaban un papel importante. Los muebles se vuelven elegantes, parecen frágiles, adquieren contornos extraños. Los colores del papel pintado y los muebles están dominados por los colores pastel.

Se suponía que la habitación debía dar la impresión de un tocador (una habitación destinada a la comunicación solo con personas cercanas).

Los interiores rococó a menudo se complementaban con productos chinos auténticos: biombos, porcelana, pinturas lacadas o composiciones decorativas estilizadas como pinturas chinas.

De mediados del siglo XVIII. con el desarrollo del neoclasicismo, el diseño de interiores se volvió simple y bastante estricto. Si los interiores franceses eran un modelo del rococó, los interiores ingleses eran un modelo del neoclasicismo. Los interiores del arquitecto inglés fueron especialmente famosos Roberto Adán(1728-1792). Al crear casas señoriales, el artista las decoró con columnas, pilastras y esculturas. Este estilo se llama "estilo Adam". Se distingue por la elegancia, la decoración, la inclusión orgánica a veces de objetos antiguos genuinos.

En ropa y peinados del siglo XVIII. También se detectan cambios de estilo. En la era de Luis XV, la apariencia de una persona se convirtió en una obra de arte: los baños de la nobleza eran pretenciosos y refinados, los peinados fantásticos (las pelucas se pusieron de moda), las moscas negras en una cara empolvada se convirtieron en un lenguaje especial en un amor. diálogo. “Una mujer, vestida y peinada como un juguete, y calzada con zapatos estrechos con tacones, tenía que caminar con mucho cuidado para mantener el equilibrio y no desmoronarse, esto desarrolló el hábito de la marcha flotante y los movimientos suaves del minueto. . Querían ver a la mujer como una muñeca preciosa, un ave del paraíso, una flor exquisita. Tales criaturas encajaban en un ambiente fantástico y caprichosamente aireado de interiores de rocalla” (2, 45).

El disfraz, especialmente para las mujeres, se convierte en una obra de arte. Tal traje era incómodo y poco práctico, pero inusualmente atractivo.

El traje de hombre era tan elegante como el de mujer, y se eligieron delicadas tonalidades de colores pastel.

El amor por todo lo elegante contribuyó al florecimiento de la joyería y la porcelana.

El apogeo del arte de la porcelana europea también cae a mediados del siglo XVIII. y asociado con el estilo rococó. Las más famosas son la porcelana francesa de la ciudad de Sevres y la porcelana alemana de Meissen (Sajonia). En sus composiciones, los maestros de Meissen representaron "fiestas galantes", el entretenimiento refinado de los aristócratas.

El rococó no fue un estilo como el gótico y el barroco, no se convirtió en un movimiento artístico grande y holístico. La difusión de los gustos de la era de los Regentes estuvo preparada por la propia suerte de la nobleza francesa, que prosperó en el siglo XVIII. solo en uno: en el arreglo de una vida segura y feliz. Era una vida ociosa rodeada de lujo elegante. El arte era un adorno de la vida ociosa de la nobleza francesa.

Las artes decorativas juegan un papel especial (incluso la gastronomía se eleva al nivel de arte).

La principal tarea del arte es agradar, el arte en sí mismo se identifica con el lujo, el juego y la burla.

Los espejos se convierten en una decoración de pared favorita, se colocan uno contra el otro, dando un número infinito de reflejos.

La necesidad de artículos de lujo creó en Francia ramas enteras de la producción artística gracias al trabajo de ebanistas, tejedores, escultores, joyeros y bordadores.

Los motivos decorativos favoritos del rococó son la concha, los tallos y las flores.

En el campo de la decoración, el neoclasicismo se volvió hacia el interior de los salones, que estaban amueblados a la manera antigua. Las hazañas del ejército napoleónico trajeron nuevos motivos decorativos: espadas, estandartes. En la época napoleónica se producen cambios en la vestimenta y el peinado. La moda de todo lo antiguo se está extendiendo: desde la silueta y el corte de los vestidos, que recuerdan a los quitones y las túnicas, hasta los rizos sueltos que caen libremente. No solo desaparecieron las crinolinas y las fizhmas, sino que también se pusieron de moda los diamantes, piedras talladas engastadas en un marco (gemas).

A diferencia de otras formas de arte en la música del siglo XVIII. el barroco como dirección estilística todavía estaba ampliamente representado. Los más grandes maestros de la era barroca en la música fueron Bach y Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) fue el músico más grande del siglo XVIII y la influencia de su música sigue creciendo. Su trabajo de composición fue sorprendentemente versátil a pesar de una vida aparentemente modesta (era cantor, líder y director del coro de la iglesia). Desde la infancia, Bach fue profundamente religioso y se adhirió a la fe protestante. Fue la Reforma en Alemania la que promovió el fervor del canto protestante (canto coral). Al hacer la ceremonia de la iglesia más simple y más rigurosa, el protestantismo aumentó la importancia de la música en ella. La iglesia se convirtió en el centro del arte musical y el organista de la iglesia era su representante. El arte del órgano estaba muy extendido en Alemania, por lo que no es de extrañar que el órgano acompañara toda la vida de Bach. Su acervo organístico incluye varios géneros, entre los que destacan los preludios corales y los ciclos polifónicos a dos voces. yo fuga. La música de Bach expresa humildad religiosa, patetismo, lirismo e impulso. Junto a la naturalidad y la sencillez, la sublimidad y la trascendencia son inherentes a sus escritos. Entre las creaciones musicales de Bach hay un gran número de verdaderas obras maestras que han recibido reconocimiento mundial.

Junto a Bach surge otra gran figura del barroco musical - Georg Friedrich Händel(1685-1759). Su vida transcurrió en las grandes ciudades europeas, recibió una excelente educación musical. La primera ópera, Rinaldo, representada en Londres, le dio fama a Handel. Handel escribió música en una variedad de géneros, pero los oratorios (grandes obras sinfónicas vocales con una trama desarrollada) forman el pináculo de su legado. La fuente literaria de los oratorios más famosos del compositor fue la primera parte de la Biblia: el Antiguo Testamento. Haendel vivió en Inglaterra y los acontecimientos de su historia política, así como el alcance épico de los relatos bíblicos, no pudieron sino despertar su interés.

El compositor se caracterizó principalmente por los temas civiles. Al elegir temas bíblicos, Handel admira el poder de las pasiones humanas. Era la pasión, el dinamismo, la imagen del enfrentamiento lo que caracterizaba al Barroco.

Si la primera mitad del siglo XVIII. en la música, el barroco se definió como un estilo musical, luego su segunda mitad se convirtió en el apogeo de los compositores de la escuela clásica vienesa:

Gluck, Haydn, Mozart y Beethoven. Los mayores logros del clasicismo se asociaron con Viena, la capital del vasto Imperio austríaco, una ciudad totalmente saturada de música.

La escuela clásica vienesa respondió a los estados de ánimo e ideas de la Ilustración. El arte musical reflejó las búsquedas espirituales y los procesos artísticos contradictorios de su época. Por ejemplo, Lessing influyó en la obra de Mozart.

Los principios del clasicismo encontraron su encarnación en la música de la Ilustración.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) entró en la historia de la música como reformador del arte operístico, quien sentó las bases de un nuevo estilo operístico. Las óperas que escribió Gluck eran inusuales tanto en contenido como en la forma de expresar los sentimientos de los personajes. Las actividades de Gluck tuvieron lugar en Viena y París y también estuvieron asociadas con controversias en filosofía y estética, en las que estaban involucrados los ilustradores. Criticaron la ópera de la corte y creían que el teatro antiguo combinaba idealmente música, plasticidad y recitación.

Gluck trató de dramatizar la ópera, de darle veracidad y naturalidad. Todas las mejores óperas de Gluck, empezando por Orfeo, fueron escritas precisamente sobre temas antiguos, en los que el compositor encontró personajes poderosos y pasiones fuertes. Durante la vida de Gluck, sus óperas provocaron una feroz controversia, pero el tiempo ha demostrado la viabilidad de los principios, y no es casualidad que otros destacados compositores también los implementaran.

José Haydn(1732-1809) durante casi tres décadas fue director de orquesta (director de un coro y de una capilla orquestal), y dedicó únicamente su tiempo libre a componer música. Si Gluck reformó la ópera, Haydn creó sinfonías perfectas. Su trayectoria creativa transcurrió por diferentes épocas artísticas, pero la obra del compositor estuvo conectada precisamente con el Siglo de las Luces. Los ilustradores creían en el progreso de la sociedad y del hombre, y la música de Haydn expresa optimismo y la búsqueda de la felicidad. Las creaciones de Haydn son bastante racionalistas: se caracterizan por la consideración y la armonía, que también está en consonancia con los principios racionalistas de la Ilustración.

En sus oratorios, Haydn aborda el tema de la naturaleza, cuyo culto fue característico de un educador como Rousseau. Fue Haydn quien se convirtió en el compositor más brillante de la Ilustración.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) comenzó a componer a una edad temprana, viajó mucho, ganó fama temprano. Al igual que Gluck, Mozart se convirtió en el gran reformador de la ópera, no solo sinfonizándola, sino también actualizándola. Al elegir una obra como Crazy Day o The Marriage of Figaro, Mozart mostró su compromiso con las ideas educativas. En La flauta mágica, el compositor presenta una especie de utopía, cercana a la fe de los ilustradores en el progreso moral de la humanidad. La música de Mozart combina sorprendentemente naturalidad y armonía, sinceridad y perfección, claridad impecable y emoción estremecedora. El mayor logro de la música de Mozart fue el famoso "Requiem", su última composición.

Alemán compositor Ludwig van Beethoven(1770-1827) pasó la mayor parte de su vida en Viena. Sus escritos también llevan la impronta de la Ilustración. El compositor se mostró precisamente en los géneros de la sonata y la sinfonía, que finalmente tomaron forma precisamente en esta época. Sus obras revelan la consideración de la idea total y los detalles individuales, la claridad de las formas.

En sus obras más famosas se plasma el tema heroico, el tema de la lucha, que está conectado tanto con la personalidad del propio compositor como con las peculiaridades de su biografía: sobrevivió a los acontecimientos de la Gran Revolución Francesa como un diecinueveavo. joven de años. Aunque las ideas de la Ilustración fueron características de la música de Beethoven, él ya representa una nueva era, anticipando el romanticismo. El estilo musical del compositor difiere del arte de otros clásicos vieneses en alcance, dramatismo y fuerza emocional. Tales son la "Sonata Patética", la Tercera Sinfonía ("Heroica"), la Quinta y la Novena Sinfonías, especialmente la "Oda a la Alegría", que completa la última. Todo el legado de Beethoven en su conjunto tuvo un tremendo impacto en el desarrollo de la música, especialmente en la formación del romanticismo.