Образът на красива дама в живописта. Съдбата на красавиците от известни портрети

красотата женско тялобеше и остава желан обект за изображение на художници от всички времена и народи.

Най-вече живописната голота ни беше дадена, разбира се, от Ренесанса, когато великолепието на голи тела според древните канони беше енергично възпято. Въпреки това майсторите от по-късно време не са по-ниски в умелото представяне на женския образ. Техниките се промениха, местата, срещу които бяха изобразени девиците, а самите музи започнаха да придобиват други характеристики с течение на времето. Но образът на женската природа все още е специална тема, която вълнува умовете на всички фенове на естествената красота.

Сандро Ботичели

"Раждането на Венера" ​​1482-1486

Питър Паул Рубенс

Рубенс беше отличен портретист, рисуваше пейзажи и картини на религиозни теми, основа бароков стил, но широката публика познава Рубенс най-добре от изображения на голи жени и мъже, меко казано, не астенична физика.

„Съюз на земята и водата“, 1618 г

"Три грации", 1639 г

Франсиско Гоя

Гола Мая, около 1800 г

Не всеки знае, че Маха изобщо не е име, а име за испанските обикновени гражданки от 18-19 век.

Маха, чийто образ се формира в Андалусия, с течение на времето започва да се възприема като типичната испанска жена. Заради романтизъм, живописност, силен национален акцент и бурна страст.

Йожен Делакроа

„Свободата води народа“, 1830 г

Делакроа създава картина, базирана на Юлската революция от 1830 г., която слага край на режима на Реставрацията на монархията на Бурбоните. В писмо до брат си от 12 октомври 1830 г. Дьолакроа пише: „Ако не съм се борил за Родината, то поне ще пиша за нея“.

Голи гърди на снимката с причина. Той символизира отдадеността на френския народ от онова време, който с " голи гърди' отиде при врага.

Жул Жозеф Льофевр

Льофевр е френски салонен художник, който се специализира в изобразяването на красиви момичета. Благодарение на изображението женска красотатой заемаше много видно място като елегантен, макар и донякъде възпитан чертожник.

"Мария Магдалена в пещерата", 1836 г

Картината "Мария Магдалена в пещерата" има своя специална история. След изложбата през 1876 г. синът на Александър Дюма го купува. След смъртта му тя е изпратена в Санкт Петербург за изложба през 1896 г. Николай II я закупува за Зимния дворец и сега Мария Магдалена може да се види сред съкровищата на Ермитажа.

Едуард Мане

На Парижкия салон от 1865 г. картината предизвиква един от най-големите скандали в историята на изкуството. Съвременниците не виждат обема на изобразената фигура и смятат композицията на картината за груба и плоска. Мане беше обвинен в неморалност и вулгарност. Картината събра стотици хора, които дойдоха на изложбата само за да псуват картината и да я плюят. В резултат на това картината беше окачена в най-отдалечената зала на салона на такава височина, че беше почти невидима. Какви хора бяха нервни в онези дни.

Пиер-Огюст Реноар

Реноар е известен преди всичко като майстор на светски портрет, нелишен от сантименталност; той е първият от импресионистите, който успява с богатите парижани. Голото е един от любимите жанрове на Реноар.

„Голо в слънчева светлина“, 1876 г

Показан за първи път на Втората изложба на импресионистите през 1876 г., където получава много остри отзиви от критиците: „Вдъхнете на мосю Реноар, че женското тяло не е купчина разлагаща се плът със зелени и лилави петна, които показват, че трупът вече изгнива напълно люлка!"

"Големи къпещи се", 1887 г

И тази картина бележи прехода на Реноар от чистия импресионизъм към класицизма и енгризма. „Големи къпещи се“ е направен с по-ясни линии, по-студени цветове и когато пише тази картина, Реноар първо използва скици и скици.

Владислав Подковински

"Женски оргазъм", 1894 г

От заглавието става ясно, че в работата си той изобразява полски художникВладислав Подковински... Изложбата на картината започна с грандиозен скандал и продължи 36 дни. Неспособен да издържи на натиска, на 37-ия ден Подковински идва с нож и срязва цялото платно. Художникът умира от туберкулоза на 29 години. След смъртта му е решено картината да бъде реставрирана.

Адолф Уилям Бугро

Джон Колиър

Обхватът на темите в картините на английския художник Колиър е много широк. Въпреки това, той придобива най-голяма популярност благодарение на използването на образи на красиви жени от легенди, митове, литература и история в истински романтичната традиция като основна тема за неговите картини.

"Лейди Годива" е написана по сюжета на легендата. Голата красавица, изобразена на снимката (лейди Годива), моли своя могъщ и властен съпруг (граф Леофрик) да намали данъците за бедните в неговите владения. На което предложи почти губещ залог. Той обеща да намали данъците, ако неговата дама мине през село Ковънтри гола на кон, което съпругата му направи.

Хърбърт Джеймс Дрейпър

"Одисей и сирени", 1909 г

Дейвид Щеренберг

"Гола", 1908 г

Густав Климт

От картината са премахнати всички детайли, свързани с митологичния сюжет, остава само сцената на оплождането от златен дъжд, в който се превръща Зевс. Изборът на поза и изкривената перспектива придават на тялото на Даная изключителна сексуалност.

В нито една друга работа художникът не е донесъл женска сексуалностдо такава хипертрофия - това е самовглъбено желание.

Хърбърт Джеймс Дрейпър

Хърбърт Джеймс Дрейпър беше художник, известни произведенияна исторически и митологични теми. Въпреки че Дрейпър получи признание приживе, работата му сега е несправедливо забравена и рядко се вижда на търг.

"Планината от мъгли", 1912 г

„Планината от мъгли” е един от най-силните, чувствени и очарователни образи на художника. Представените голи момичета са красиви като нимфите на Уотърхаус, но не приличат на неговите фатална женапримамват хората към тяхната гибел.

Борис Кустодиев

Живописна пластичност, подчертана артистичност на модела и ефектен външен вид - това са основните характеристики на творчеството на Борис Кустодиев.

"Руска Венера" ​​1925-1926

„Руската Венера“ изобразява подпухнала жена във вана, но за разлика от богинята, голото момиче е заобиколено не от морска пяна, а от парата на руска баня. Преливащи мехурчета на дървена пейка потвърждават, че Венера е пред нас. Богинята е родена от пяната Средиземно море! И тук, в Русия - от пяната на банята ...

Амедео Модилиани

Модилиани с право се смята за възпявател на красотата на голото женско тяло. Той е един от първите, които изобразяват голото тяло по по-емоционално реалистичен начин. Именно това обстоятелство по едно време доведе до светкавичното закриване на първата му самостоятелна изложба в Париж. Картините на Модилиани, направени в жанра на голото тяло, се считат за перлата на неговото творческо наследство.

„Седнало голо тяло“, 1916 г

Егон Шиле

Живописта и графиката на Егон Шиле са нервни, изискани, драматични и много секси. Силно повлиян от психоанализата на Зигмунд Фройд, Шиле дава воля на собствените си комплекси и съмнения в работата си, а много от творбите му са с откровен сексуален характер. Това дори послужи като причина за лишаването от свобода на художника за "създаване на неморални рисунки".

"Гола на колене", 1917 г

„Полегнала жена“, 1917 г

Андерс Цорн

Шведски художник и график, който обърна специално внимание на индивидуалността на голия модел, оригиналността на нейните изражения на лицето, жестове, изражения на лицето, които са рязко уловени в неговите творби.

„В гребната лодка на Вернер“, 1917 г

"Размисли", 1889 г

Зинаида Серебрякова

Зинаида Евгениевна Серебрякова е една от първите руски жени, влезли в историята на живописта. С живописни средства художникът представя образа на чисто женско тяло. Нейните модели нямаха атлетична физика, нямат твърдост, острота, а само гладко съзвучие с околната среда.

В "Баня" Серебрякова изобразява голи жени без разкрасяване, чертите на идеализацията се появяват в нейната работа по-късно.

„Полегнало голо тяло“, портрет на Неведомская, 1935 г

AT по-късна работаСеребрякова все повече увеличава темата за произведения, изобразяващи голи модели, а Серебрякова остава вярна на голия жанр. В "Reclining Nude" тя чувства, че успява в тази тема и се позовава на нея постоянно.

Спящ модел, 1941 г

Игор Емануилович Грабар

Игор Емануилович Грабар е един от най-много известни артистив историята на руската култура от XX век. Една от най-известните му творби е портретът на Флора.

Александър Михайлович Герасимов

Друг известен руски художник, който, за разлика от предишния, се занимаваше с изобразяване на груба и опростена еротика.

"Селска баня", 1938г

По темата „Селската баня” през годините художникът написва много етюди „за себе си”. В картината има няколко голи женски тела, свързани със сложна структурна композиция. Всяка фигура е образ, индивидуален характер.

Аркадий Александрович Пластов

Аркадий Пластов - "певец на съветското селячество". В творбите си той обръща специално внимание на патриотичното дело на жените по време на Великата Отечествена война. Художникът е уловил цветния образ и простотата в картината „Трактористи“

"Трактористи", 1943 г

ЖЕНСКИЯТ ОБРАЗ В РУСКАТА ЖИВОПИС... И тайната на вашите прелести Разгадаването на живота е равнозначно... Б. Пастернак От век на век жените неизменно вдъхновяват поети, музиканти и художници да създават най-великите произведения на изкуството. Чаровните вдъхновители са различни както по възраст, така и по характер, но има нещо, което ги обединява - във всяка от тези жени живее по една мистерия. Мистерията на тяхната красота, женственост, чар. „Аз съм като жени върховна тайна, обичам "- Константин Балмонт. В руската живопис има редица блестящи произведения, в центъра на които е жена с нейния сложен духовен свят. През 18 век портретът играе водеща роля в руската живопис. Именно в този жанр руските художници достигнаха нивото Европейска живопис. Един от тях е Фьодор Семьонович Рокотов (ок. 1732-1806). Творчеството на Рокотов принадлежи към най-забележителните явления на 18 век; в своите портрети той успя да разкрие вътрешния свят, да предаде най-фините преживявания на човек. Художникът произхожда от крепостни селяни, но получава свободата си. През 1750-те години славата на Рокотов е толкова голяма, че той е поканен да нарисува портрет на престолонаследника, великия княз Петър Федорович, а през 1760-те години той рисува два портрета на императрица Екатерина II. Всеки портрет на Рокотов е преди всичко чувство, въплътено в гъвкав и богат език на живописта. Техните описания не са в състояние да предадат плъзгането на светлина върху гладка повърхност на емайла, красотата и движението на цвета, блещукащ в дълбочина или пробиващ се с приглушена топлина, фини преходи от един полутон към друг, поглъщащ здрача на фона, от които сякаш в наплив изплуват лицата на неговите герои. Творбите на Рокотов се отличават със специална духовност. женски портрети. Завладяващ е образът на младия А.П. Струйски (1772)

Любовна живопис, поети Само на нея, единствената, е дадена Душата на изменчив знак, Пренесена на платното. Очите й са като две мъгли, полуусмивка, полуплач, очите й са като две измами, покрити в мъгла от провали. Александра Петровна Струйская вдъхновява не само поетите на своето време. Два века след смъртта й Николай Заболотски, вглеждайки се в портрета на известния Рокотов, пише: ... Спомняте ли си как „от тъмнината на миналото, Едва увита в сатен, От ноптрета на Рокотов Струйская ни погледна отново? Сякаш трябваше да бъде вечна музапоет. В своя 18 век тя плени с мистериозния външен вид на друг от тях – съпруга си. Струйски описва любимата си по този начин в едно от многото стихотворения, посветени на нея: Ако някой тук заслужаваше вашите мили очи, Отдавна той щеше да построи този храм в сърцето ви, И като жертва той щеше да пренесе себе си към вас и своите сърце. Ти си достойна за себе си, Сапфира! .. и за небето. Да почитам твоите красоти, като смъртен, аз съм ням, Загубен ли съм в теб?.. С теб горя. („Елегия към Сапфира“) Една от книгите на Струйски „Еротоиди. Анакреонтични оди. Всички "оди" в него са пълни с декларации за любов към онази, която се наричаше в стихове Сапфира, а в живота - Александра, нейната любима съпруга. ************************************************ ***** ** Друг голям руски портретист втори половината на XVIIIвек е Дмитрий Григориевич Левицки (1735-1822), художник, може би не толкова изтънчен като Рокотов, но по-универсален. Цяла епоха съдържа творчеството на "освободения портретист" Д.Г. Левицки. Създава галерия от портрети, необичайни по своето проникновение, свежест и ефирност. Достатъчно е да си припомним неговата живописна сюита от седем портрета „Смолянка“ (1772-1776), посветена на възпитаниците на Смолния институт. Получава поръчка за портрети от И.И. Бецки, помощник и съветник на императрица Екатерина II. За образователни цели художникът трябваше да представи на просветеното общество резултатите от педагогическите усилия на императрицата - ученици от интерната в Смолни, особено покровителстван от нея. Пансионът, организиран през 1764 г., е замислен като затворен образователна институцияв които момичетата са получавали образование и социални умения. Левицки рисува тези смолянски жени, които са особено отличени от императрицата. Сред тях се откроява портретът на Екатерина Нелидова

В портрета на Нелидова се предава единството на игровото начало и душевното състояние: истинска веселост и искрена страст. Ясни очи, нежна, леко провокативна усмивка, крак в перлена пантофка, леко и грациозно избутана напред - защо не Пепеляшка, която за първи път се озова на бал, всичко в очакване на чудо и щастие? Изглежда, че още един момент - и ще се появи красив принц, ще прозвучи слаб клавесин и тя, без да спира да се усмихва, ще започне своя менует ... Според съвременниците тя не е била по-ниска по умение от професионалните актриси. Нелидова не беше красавица, но на сцената тя се трансформира, ставайки необичайно очарователна. За нея може да се каже с думите на Фьодор Тютчев: Има ли в нея земен чар или неземна благодат? Душата би искала да й се моли, И сърцето е нетърпеливо да се обожава ... ******************************* ********* ******* Славата на руската живописна школа е умножена от най-талантливия художник от края на 18 - началото на 19 век Владимир Лукич Боровиковски (1757-1825). Сред руските портретисти той влезе като вече утвърден художник, който успя да спечели слава като иконописец в родната си Украйна. В.Л. Боровиковски най-добрият лирически образисъздаден под влиянието на ново направление, навлязло тогава в изкуството и литературата - сантиментализъм. Художникът особено успява да предаде тиха замечтаност, тънки чувства и модна за онова време чувствителност в прекрасни женски портрети. Боровиковски създава свой тип женски портрет. Художникът не се стреми към разнообразие композиционни техники: като правило това са полуфигури на жени, облегнати на пиедестал, изобразени на фона на парков пейзаж. Варирайки това решение с известни отклонения, художникът акцентира върху лицата на своите модели и създава одухотворени и поетични образи. Това са портретите на Е.А. Наришкина, О.К. Филипова, сестри Гагарини...

Портрет на Е.А. Наришкина.

Портрет на О.К. Филипова.

Портрет на сестри Гагарини. . Но дори и сред тези красиви платна портретът на пленително-тайнствената и мечтателно-тъжна Мария Ивановна Лопухина (1797) се откроява с особен лиризъм и красота на живописта.

В този портрет художникът въплъти идеята на своето време за женския чар. Очарованието е почти неземно и, както се оказа, краткотрайно (Лопухина почина на двадесет и две години). Но докато нищо не засенчва красивите й черти - това е вярно хармонична личноств разцвета на красотата. Цветовата гама на платното е продиктувана от идеята. Сини, люлякови, перлено бели, златисти тонове - няма нито един остър акцент. Сякаш намеквайки за невидимите нишки, свързващи човека и природата, Боровиковски прибягва до поименната гама от цветове в прехвърлянето на дрехи и пейзаж: син колан - сини метличина, люляков шал - люлякова роза. Художникът избягва ъглови форми, предпочита гладки, заоблени линии. Ритмите са спокойни - контурите на фигурата се отразяват от извивките на короните на дърветата, класове, метличина; розата е наклонена по същия начин като главата на момичето. Живописният пейзаж напълно съответства на настроението на мечтателната Лопухина. Яков Полонски написа стихотворение „Към портрета на Лопухина“, пропита с топлина: Тя отдавна отмина и тези очи вече ги няма И няма усмивка, която мълчаливо изрази Страдание - сянка на любов и мисли - сянка на тъга ... Но Боровиковски спаси красотата й. Така че част от душата й не е отлетяла от нас; И този вид и тази красота на тялото ще привлекат към него безразлични потомци. Учейки го да обича - да страда - да прощава - да мълчи... ********************************* ***** ******** Историята на женския портрет е продължена от художниците на 19 век. И един от първите сред тях е, разбира се, Карл Павлович Брюлов (1799-1852), който гениално съчетава класическите канони с романтичните тенденции в творчеството си. Брюлов се наричаше Карл Велики, обичаха го Пушкин, Гогол, Белински, Херцен. Човекът в картините на Брюлов е горд и красив. „Брюлов има човек в ред“, пише Гогол, „да покаже цялата си красота, цялата висша благодат на своята природа“. Имаме точно такъв портрет. "Ездач" (1832)

„Жованин на кон“, нарече картината самият Брюлов. Йованин е Джованина Пачини, осиновената дъщеря на графиня Юлия Павловна Самойлова. Момичето в розова рокля, което изтича на терасата и погледна с възхищение ездача, е Амазилия Пачини, втората осиновена дъщеря на Самойлова. Брюлов си постави задачата да нарисува голям конен портрет, използвайки мотива за разходка, което му позволява да предаде фигура в движение. Джованина е само на четиринадесет години, но има безстрастно лице, като истинска дама на света. Тя е пълна с неизразим чар и грация. Пренасяйки очарователните черти на младия ездач, осезаемата красота на животните, пейзажа, тъканите, художникът възпява пълнотата и радостта от живота. Вдигнатият кон, момичето, което се втурва към ездача, блясъкът на слънцето по сенчестите пътеки на парка - всичко внася в картината порив, развълнувано движение, което отличава тази композиция от статичните, съзнателно изградени церемониални портрети на предишните. време. Образът на очарователната Джованина Пачини напълно съответства на женския образ, изпят от A.S. Пушкин в стихотворението "Красота": Всичко в нея е хармония, всичко е прекрасно, Всичко е по-високо от мира и страстите; Тя почива срамежливо В своята тържествена красота; Тя се оглежда около себе си: Няма съперници, няма приятелки; Красоти на нашия блед кръг В нейния блясък изчезва. Където и да бързаш, Дори за любовна среща, Без значение каква тайна мечта имаш в сърцето си, Но, като я срещнеш, смутен, Внезапно спираш неволно, Почитайки благочестиво Пред светилището на красотата. ************************************************ ****** Галерия с женски портрети на руски художници продължава картината на най-големия художник от втория половината на XIXвек, лидерът на скитниците Иван Николаевич Крамской (1837-1887), което на пръв поглед не се вписва в представата за творчество на художник-демократ. Сърце и мисъл - това е, което Крамской оценява най-много в картината. На пътуващи изложби той най-често се изявява като автор на мъжки портрети, много оскъдни по цвят и строги по композиция. И изведнъж - "Неизвестен" (1883)

Млада, красива жена, облечена с целия лукс на модата, се вози в карета през зимния Петербург. Аничковият мост остава встрани, заснежен. Перспективата на Невски проспект се топи в мразовита мъгла. На фона на яркото небе ясно изглежда гордо отметната назад глава на красива дама, осъзнала своя чар. Спокойно, студено непознатият гледа другите. Във вид на известно високомерие, подчертано от горда поза. Коя е тя, "Неизвестен" Крамской? Светска дама? актриса? От кого художникът е нарисувал тази жена? Може би образът на красавица просто се е родил във въображението на художника? Дори Репин, близък познат на Крамской, не знае нищо за неговия прототип, въпреки че трябва да се отбележи, че Репин нарича тази работа портрет, а не картина. Арогантността, красотата и тайната тъга на „Непознатата“ за някои се свързват с образа на Анна Каренина, създаден от Л.Н. Толстой. Трудно е да се каже кой е изобразил Крамской на платното си. Едно нещо е сигурно - художникът явно се възхищаваше на своята героиня. Никога досега Крамской не беше рисувал толкова многоцветен, сияен портрет, никога не беше рисувал с такава любов преливащия блясък на кадифе, меката купчина кожа, сатенената повърхност на панделките и блясъка на златните гривни. И ние гледаме с удоволствие гордата красота, възхищавайки се на живописното майсторство на Крамской. Бяло щраусово перо и светла коприна, подплатена с кадифена шапка, подчертаваха свежо, мургаво лице. Синият кадифен костюм, гарниран с козина и панделки, се съчетава добре със златната кожа, която увива седалката на каретата. Меките, гладки линии на фигурата са пълни с благодат и благодат. И само в огромните, полузатворени с дълги, пухкави мигли се спотайваше тъга. Тези очи блестят като звезди и в блясъка им се вижда блясъка на неизплаканите сълзи. Кой знае, може би зад външното излъчване на красота и лукс се крие трагедията на душата, погубена висшето общество, а образът на "Непознатия" Крамской отразява женския образ, създаден от М.Ю. Лермонтов в стихотворението „Като лъч на зора, като розите на Леля ...“: Горд с хора, покорни на съдбата, Не откровени, не престорени, Нарочно, изглежда, Тя е създадена за щастие. Но какво не унищожава светлината? Кой благороден ще събори, Коя душа няма да бъде изцедена, Чия гордост няма да се увеличи? И чий поглед няма да излъже елегантната му маска? ************************************************ ** Месечен цикъл края на XIX- началото на 20-ти век, наречен Сребърен век в руското изкуство, поставя нови задачи, нови направления и съответно нови имена в живописта. Една от централните фигури на изкуството в началото на века - Валентин Александрович Серов (1865-1911), основен художник, автор на повече от двеста портрета.

Момиче с праскови (Портрет на В. С. Мамонтова). 1887 г

„Момиче, озарено от слънцето (Портрет на М.Я. Симонович)“, 1888. За картините на Серов „Момиче с праскови“ (1887) и „Момиче, озарено от слънцето“ (1888), руският изкуствовед Д.В. Сарабянов пише, че тяхната импресионистична яркост и динамика на свободния мазък бележи обрат от критичен реализъмСкитници към "поетическия реализъм". Серов рисува първата от тези картини на двадесет и две, втората на двадесет и три. В състояние на наслада и екстаз, чувствайки млада сила и ентусиазъм в себе си, Серов пише един от своите шедьоври - „Момичето, осветено от слънцето“ Момичето на снимката е Маша Симонович, братовчедхудожник. Серов се стреми да предаде очарованието на мимолетния и моментен, един миг от живота, изпълнен с искрящи цветове на живота. Момичето седи на ствола на старо дърво, върху тънката си, нежна кожа, възхитително и вълшебно играе слънчеви лъчи, и необичайно преобразява цялото й дете стройна фигуралюлееща се маса от сянка към светлината. Спокойният поглед на нейните сияйни сини очи, нежната руменина на красиво, мило лице, уютната поза на почиващ човек - всичко това сякаш вдъхва на зрителя усещане за мир, дава усещане за хармония, красота на всеки момент от живота. Т.Е. Грабар, художник, изкуствовед, реставратор, след смъртта на Серов пише за „Момичето, озарено от слънцето“: „Това нещо е толкова съвършено, толкова свежо, ново и „днешно“, че едва ли можете да повярвате на датата му - 1888 г. , Това нещо е създадено в момент на изключителен подем, в най-редкия и най-истински творчески екстаз ... " Картината на Серов е в съзвучие с редовете на руския поет символист Константин Балмонт от стихотворението "Перли": Ти си светлата радост на въздушна мечта, наслада, но насладата не е в любовта. Ти си ми за миг, като приказка, дадена, О, колко си спокойна, колко си стройна и нежна. Минута, и сега вълната бяга, И аз си тръгвам просветен. ************************************************* Лице новото изкуство на границата на деветнадесети и двадесети век до голяма степен се определя от художниците на асоциацията "Светът на изкуството", които гравитираха към модерността. Един от най-сложните художници на "Света на изкуството" е Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Програмната работа на Сомов е портрет на рано починалата художничка Елизавета Михайловна Мартинова, известна като "Дамата в синьо", създадена през 1897-1900 г.

Облечена в стара рокля с дантелена яка и дълбоко деколте, тя е въплъщение на тъга, умора, меланхолия, разочарование, неспособност да се бори в живота. Портретът на Сомовски отразява женския идеал на своето време с неговата поетизация на страданието и болката, специална изтънченост и сложност, изискана крехкост. Гледайки „Дамата в синьо“, човек си спомня стихотворението на съвременника на Сомов, поета Фьодор Сологуб: „Ти блестеше тъжно между светли приятелки И сам не влезе в техния завладяващ кръг. Невидим за хората Ти се отвори само за мен И ще се срещнем В синя тишина И, влюбен в тишината на нощта, В теб ще вперя безсънни очи Ти ще ми кажеш без думи Как и как ти живееш, И ще вържеш моята мъка, И ще изгориш моите мъки. ************************************************* Ако Сологуб и Балмонт са представители на символизма в поезията Сребърен век, тогава основателят на това художествено направлениев руската живопис с право може да се нарече Михаил Александрович Врубел (1856-1910). Гравитирайки към символично-философското обобщаване на образите, той развива свой особен живописен език - широка мазка на "кристална" форма, цвят, разбиран като цветен сняг, и цветове, искрящи като скъпоценни камъни. Врубел е привлечен от поетичните образи на Пушкин и Лермонтов.

Картината "Принцесата лебед" е един от най-поетичните женски образи на Врубел. Въплъщава женската мечта за щастие. В люляковия здрач на северните пролетни нощи се извършва голямо тайнство. Покорена от любовта на царевич Гвидон и самата тя познава ответното горещо чувство, безсилна пред неизбежната съдба, принцесата лебед напуска своята люлка – с коварните и любими вълни на студеното море; тя трябва да се оформи земен човек, стане жена. Плътното, лъскаво оперение на лебеда вече започва да се топи, превръщайки се в лек пухкав облак, който след това, като момичешки сълзи, ще се пролее върху плахите пролетни лазурни цветя. И трудно й е, и боли, и тази трансформация е радостна. В красивите й неземни очи живеят и трептят страх, копнеж, любов и упрек към царевича за отказ от лебедовата автокрация, за подчинение на волята му ... Както В.М. Васнецов за тази картина, изображението е създадено от "редки по красота, наистина приказни цветове". Вижте играта на синкаво-перлени, синкаво-бели, лилаво-лилаво-сиви цветове. Лебедът, така да се каже, възниква от елементите на залезното сиво море, от морските вълни. Розовата светлина на залеза се плъзга по повърхността на снежнобялите крила, по леката, прозрачна покривка и блещукане скъпоценни камънина кокошника и пръстените на принцесата. Картината органично обединява фини текстове, вълнуваща мистерия, приказна фантазияи истинската реалност. Лебедовата принцеса се превърна в своеобразен символ на нов размирен век - в крайна сметка Врубел завършва платното си през 1900 г. Забележителният руски теософ и поет В.С. Соловьов, който се смята за предшественик на символизма в поезията на Сребърния век, има стихотворение, съответстващо на настроението на картината на Врубел: Днес, цялата в лазур, моята царица се появи пред мен, - Сърцето ми биеше от сладка наслада, И в лъчите на изгряващия ден С тиха светлина душата светна. А в далечината, догаряйки, димеше Злият пламък на земния огън. Платното изобразява не само приказна красота, но също истински мъж- чудесен оперен певецНадежда Ивановна Забела, че именно тази жена е била предназначена да изиграе огромна роля в живота на М. Врубел. Гласът и пеенето на Забела успя да улови четката на Врубел в тази известна картина. Сред световете Сред световете, в блясъка на светилата на Една Звезда, повтарям името... Не защото я обичам, А защото тъгувам с другите. И ако съмнението ми тежи, търся отговор само от Нея, Не защото от Нея е светлина, А защото не ми трябва светлина с Нея. / Инокентий Аненски / - прекрасен поет, чиято поезия е толкова съзвучна с творчеството на поета. ************************************************ ***** *** Борисов-Мусатов Виктор Елпидифорович (1870-1905) - художник, член на Съюза на руските художници (от 1904 г.) оказва влияние върху формирането на символизма в руската живопис в началото на 20 век. От отраженията на призрачна нестабилност, Покривало от тайнствени сънища Появява се, като глас на цигулка, Образът на дама от люлякови тонове.

"Дамата на верандата" Грациозна млада жена седи на верандата. Роклята пасва на стройна фигура. Фантастични сиви сенки върху роклята, сивкаво-опушено отражение, падащо върху тъжно лице и голи рамене - всичко това подчертава илюзорността, нереалността на образа. Лилава балюстрада на верандата. Дори цветният храст зад жената със синкаво-сиви листа и розата, стисната в ръката, лежаща на колене, не е алена, не бяла, а розово-сива. Зад балюстрадата има огрявана от слънце градина. Но в женската фигура има пълно отчуждение от всичко светло и радостно: сякаш самата фея на тъгата и самотата се появи пред нас ... прахът е толкова бял, - Не са необходими думи или усмивки: Останете същите като ти беше; Остани неясна, мрачна, Есенна утринна бледа Под тая увиснала върба, На мрежестия фон от сенки... Минута - и вятърът, забързан, Разпръсква чаршафите в шарки, Минута - и сърцето, събудено, Вижда, че не си ти... Остани без думи, без усмивка, Остани като призрак, докато шарените сенки са толкова нестабилни И белият прах е толкова чувствителен ... **************** ********** ***************** Традицията за създаване на женски образи, които са идеалът за външна и вътрешна красота, не е прекъсната в руското изкуство от съветския период. Този художник беше нетипичен за съветско изкуство, и затова приживе талантът му остава непотърсен. Както често се случва, за съжаление, с велики артисти, славата дойде при него посмъртно. Константин Алексеевич Василиев (1942-1976) загива трагично в разцвета на необикновения си и рядък творчески талант, когато е едва на 34 години и когато пътят към успеха изглежда се отваря. Наследството на художника е впечатляващо - 400 картини, графични произведенияи скечове, в които той възпява своята специална Русия. Картините му пресъздават света Славянски митове, традиции, легенди, света на хармонията между човека и природата. Един от най-очарователните женски образи е създаден от Василиев в картината „В очакване“, написана малко преди смъртта му - през 1976 г.

Дървената рамка на прозореца, на която момичето стои с горяща свещ в ръка, създава впечатлението за „картина в картината“. Мразовитата шарка на стъклото на прозореца, която обрамчва лицето и гърдите на момичето, я прави да изглежда като тайнствената птица Сирин с тъмна корона на главата и снежнобяло крило. Комбинацията от бели и кафяви тонове в картината предизвиква чувство на безпокойство, неясна тревога. Светлината на горяща свещ допълнително подчертава неизразимия копнеж в сивите очи на момичето. Кого чака? Вашият любим? Може би самата Съдба ще почука на вратата й в тази мразовита зимна вечер? И, както изглежда, сърцето й усеща: тази съдба няма да й донесе щастие... Викам Chaconne Бах, И мъж ще влезе зад нея, Той няма да стане мой скъп съпруг. Но ние ще заслужим такова нещо, че двадесетият век ще бъде смутен. Взех го случайно За онзи, комуто е дарена тайна, С когото е съдено най-горчивото, Той ще дойде при мен в двореца Фонтан Късно през нощта в мъгливата новогодишна нощ да пием вино. И той ще си спомни Богоявленска вечер, Клен в прозореца, сватбени свещи И смъртен полет стихове... Но не първата клонка люляк, Нито пръстен, нито сладостта на молитвите - Той ще ми донесе смърт. Темата за женските образи в живописта е неизчерпаема. Специален чар и спонтанност отличават жените в младостта им, красота и грация - в зрялост, духовност - в напреднала възраст ...

По отношение на своята променливост модата губи само от времето, въпреки че това е спорен въпрос. Освен това модата се променя не само по отношение на дрехите, стиловете или аксесоарите, но и по отношение на женската красота. Призната красота от една епоха, след половин век може да се счита за грозна жена (но всички знаем, че няма грозни жени). През цялото време художниците са били много чувствителни към капризите на модата, тъй като винаги са се стремели да изобразяват най-красивите жени на своята епоха.

Древна Гърция и Рим

За съжаление около женските идеалиЗа античността трябва да се съди по стенописи и скулптури, пълноценни картинине са запазени. AT Древна ГърцияБогинята Афродита, заоблена дама с дълга гъста червена коса, се смяташе за еталон на женската красота. Така е изобразена в картината на Сандро Ботичели "Раждането на Венера", макар и създадена още през 1485 г. В древен Рим красотата е била най-ценена женско лице, а пищността на формите беше на второ място. Например картината „Прозерпина” (1874) на Данте Росети е създадена с такова око.

Средна възраст

През Средновековието, за възпяването на женската красота, човек можеше да отиде на кладата, така че не останаха художествени доказателства. Беше строго забранено да се демонстрира женска фигура. Облеклото трябваше напълно да скрие тялото, а косата беше скрита под шапки. Еталонът на женската красота бяха светите жени, които се отдадоха на служба на Бога.

Възраждане

Ренесансът е наречен така поради възраждането на интереса към идеалите на Античността, включително по въпросите на женската красота. Широки бедра, подпухналост, удължено лице, здрав руж - така трябваше да изглежда първата красавица от 15-16 век. Точно така са изобразени жените в картините на Сандро Ботичели, Рафаел Санти и Микеланджело. Идеалът на ренесансовата красота може да се нарече италианската Симонета Веспучи, която е изобразена в няколко картини на Ботичели "Пролет" (1478), "Раждането на Венера" ​​(1485), "Портрет на млада жена" (1485). През Ренесанса модата е била високо чело, а за да постигнат този ефект, модниците обръснаха веждите и линията на косата. Това ясно се вижда в известната картина "Мона Лиза" на Леонардо да Винчи.

Барокова епоха

В края на 16-ти и началото на 17-ти век идеалът за женска красота бяха жените с бяла кожа (слънчевото изгаряне се смяташе за участ на селските жени) с малки гърди, малки крака, бледо лице, но с великолепни бедра. Освен това всеки аристократ трябваше да има висока, сложна прическа. Тези модни тенденцииясно видими в портрета на любимата Луи XIVМадам дьо Монтеспан (1670) от Пиер Миняр. Именно към този период известна творбаЯн Вермеер "Жена с перлена обица" (1665).

Епоха рококо

Ако на снимката една жена прилича повече на порцеланова кукла, заобиколена от ветрила, чадъри, маншони и ръкавици, то спокойно можем да кажем, че говорим за епохата на Рококо. В началото на 18 век на мода идва „леката анорексия“: женската красота става крехка, с тесни бедра, малки гърди, хлътнали бузи. Има доказателства, че за да се получи ефектът на "хлътнали бузи", някои дами премахват страничните зъби, оставяйки само предните - красотата изисква жертви. Каноните за красота на епохата на рококо са прекрасно илюстрирани от портретите на Франсоа Буше, като "Портрет на маркиза дьо Помпадур" (1756 г.).

Епохата на романтизма

Едва през втората половина на 19 век естественият руж, здравата свежест и заоблеността на формите отново стават стандарти за женска красота. И най-привлекателната част от женското тяло са заоблените рамене, които бяха просто необходими за излагане на всяка красота. Именно тези жени се срещат в картините на Адолф Бугро, такива жени са изобразявани от първите импресионисти („Раждането на Венера“ от Бугро, „Големите къпещи се“ от Реноар, „ сини танцьори» Дега).

Началото на 20 век

„Руската Венера“, „Търговецът за чай“, „Момичето от Волга“ на Борис Кустодиев перфектно илюстрират каноните на красотата от началото на 20 век. Всичко, на което романтизмът се възхищаваше в една жена, стана още по-великолепно и тежко. 20-40 години на ХХ век

Средата на 20 век

Мерилин Монро се превръща в идеал за женска красота от средата на миналия век. Ниска блондинка, без никакви излишъци към слабост или подпухналост. Анди Уорхол, основателят на поп изкуството, доброволно използва нейния образ в творбите си.
Все още не си струва да говорим за по-нататъшното развитие на идеалите за женска красота, особено във връзката им с живописта. Трябва само да се отбележи, че историята се развива в кръг, а слабостта и болестта отново са на мода.

Момчета, влагаме душата си в сайта. Благодаря за това
за откриването на тази красота. Благодаря за вдъхновението и настръхването.
Присъединете се към нас на Facebookи Във връзка с

На първо място, ние знаем две неща за картината: нейния автор и, вероятно, историята на платното. Но за съдбата на онези, които ни гледат от платна, не знаем толкова много.

уебсайтРеших да говоря за жени, чиито лица са ни познати, но историите им не са.

Жана Самари
Огюст Реноар, Портрет на актрисата Жана Самари, 1877 г

Актрисата Жана Самари, въпреки че не успя да стане театрална звезда (играеше главно прислужници), имаше късмет в нещо друго: известно време тя живееше недалеч от работилницата на Реноар, който рисува четири нейни портрета през 1877-1878 г. като по този начин прослави много повече, отколкото можеше да я направи актьорска кариера. Жана играе в представления от 18-годишна възраст, на 25 се омъжи и роди три деца, след което дори написа детска книга. Но тази очарователна дама, за съжаление, не живее дълго: на 33-годишна възраст тя се разболява от коремен тиф и умира.

Сесилия Галерани
Леонардо да Винчи, Дама с хермелин
1489-1490

Сесилия Галерани беше момиче от знатно италианско семейство, което вече беше сгодено на 10 (!) години. Въпреки това, когато момичето беше на 14 години, годежът беше отменен по неизвестни причини и Сесилия беше изпратена в манастир, където се срещна (или всичко беше нагласено) с херцога на Милано Лудовико Сфорца. Започва афера, Сесилия забременява и херцогът настанява момичето в замъка си, но след това е време да влезе в династичен брак с друга жена, която, разбира се, не харесва присъствието на любовницата си в къщата им. Тогава, след раждането на Галерани, херцогът взе сина му за себе си и я омъжи за обеднял граф.

В този брак Сесилия роди четири деца, запази почти първия литературен салон в Европа, посети херцога и играеше с удоволствие с детето му от нова любовница. След известно време съпругът на Сесилия почина, войната избухна, тя загуби благополучието си и намери подслон в къщата на сестрата на същата съпруга на херцога - в такава прекрасна връзка тя успя да бъде с хората. След войната Галерани се завръща в имението си, където живее до смъртта си на 63-годишна възраст.

Зинаида Юсупова
В.А. Серов, "Портрет на княгиня Зинаида Юсупова", 1902 г

Най-богатата руска наследница, последната от фамилията Юсупови, принцеса Зинаида беше невероятно красива и въпреки факта, че високопоставени лица, наред с други, търсеха нейното благоволение, тя искаше да се омъжи по любов. Тя изпълни желанието си: бракът беше щастлив и донесе двама сина. Юсупова прекарва много време и енергия в благотворителни дейности, а след революцията тя го продължава в изгнание. Любимият най-голям син загина в дуел, когато принцесата беше на 47 години и тя трудно можеше да понесе тази загуба. С настъпването на вълненията Юсупови напуснаха Санкт Петербург и се установиха в Рим, а след смъртта на съпруга си принцесата се премести при сина си в Париж, където прекара остатъка от дните си.

Мария Лопухина
В.Л. Боровиковски, „Портрет на M.I. Лопухина", 1797 г

Боровиковски рисува много портрети на руски благороднички, но този е най-очарователният. Мария Лопухина, член на графската фамилия Толстой, е изобразена тук на крехката възраст от 18 години. Портретът е поръчан от нейния съпруг Степан Авраамович Лопухин скоро след сватбата. Лекотата и леко надменният поглед изглеждат или обичайната поза за такъв портрет на епохата на сантиментализма, или признаци на меланхолично и поетично разположение. Съдбата на това мистериозно момиче се оказа тъжна: само 6 години след картината Мария почина от консумация.

Джованина и Амачилия Пачини
Карл Брюлов, Конница, 1832 г

"Конница" Брюлов - брилянтен официален портрет, в който всичко е луксозно: и яркостта на цветовете, и великолепието на драпериите, и красотата на моделите. Изобразява две момичета, носещи фамилното име Пачини: най-голямата Джованина седи на кон, най-малката Амасилия я гледа от верандата. Поръчаха им снимка на Карл Брюлов - нейният дългогодишен любовник приемна майка, графиня Юлия Павловна Самойлова, една от красиви жениРусия и наследница на колосално богатство. Графинята гарантира голяма зестра за порасналите си дъщери. Но се оказа, че до старост тя е практически съсипана и тогава осиновените дъщери на Йованин и Амасилия чрез съда събират обещаните пари и имущество от графинята.

Симонета Веспучи
Сандро Ботичели, Раждането на Венера
1482–1486

Известната картина на Ботичели изобразява Симонета Веспучи, първата красавица от флорентинския Ренесанс. Симонета е родена в богато семейство, на 16-годишна възраст се омъжва за Марко Веспучи (роднина на Америго Веспучи, който „открива“ Америка и дава името на континента). След сватбата младоженците се установиха във Флоренция, бяха приети в съда Лоренцо Медичи, в онези години известен с пищни празници и приеми.

Красивата, в същото време много скромна и доброжелателна Симонета бързо се влюби във флорентински мъже. Самият владетел на Флоренция Лоренцо се опитва да се погрижи за нея, но най-активен в търсенето й е брат му Джулиано. Красотата на Симонета вдъхновява много художници от онова време, сред които е Сандро Ботичели. Смята се, че от момента на срещата им Симонета е моделът за всички Мадони и Венери на Ботичели. На 23-годишна възраст Симонета умира от консумация, въпреки усилията на най-добрите придворни лекари. След това художникът изобразява своята муза само по памет, а на стари години завещава да бъде погребан до нея, което и е направено.

Вера Мамонтова
В.А. Серов, "Момиче с праскови", 1887 г

Повечето известна картинапортрет майстор Валентин Серов е написан в имението на богат индустриалец Сава Иванович Мамонтов. Всеки ден в продължение на два месеца дъщеря му, 12-годишната Вера, позира за художника. Момичето порасна и стана очарователно момиче, женен за взаимна любов Александър Самарин, който принадлежи към известните благородно семейство. След меден месец в Италия, семейството се установява в град Богородск, където едно след друго се раждат три деца. Но неочаквано през декември 1907 г., само 5 години след сватбата, Вера Саввишна умира от пневмония. Тя беше само на 32 години, а съпругът й никога не се жени повторно.

Александра Петровна Струйская
F.S. Рокотов, "Портрет на Струйская", 1772 г

Този портрет на Рокотов е като ефирен намек. Александра Струйская беше на 18 години, когато беше омъжена за много богат вдовец. Има легенда, че за сватбата съпругът й я подарил ни повече, ни по-малко нова църква. И цял живот й пишеше поезия. Дали този брак е бил щастлив не е известно със сигурност, но всеки, който е бил в къщата им, обърна внимание на това колко различни са съпрузите. За 24 години брак Александра роди на съпруга си 18 деца, 10 от които починаха в ранна детска възраст. След смъртта на съпруга си тя живя още 40 години, твърдо управлява имението и остави прилично състояние на децата.

Галина Владимировна Адеркас
Б.М. Кустодиев "Търговец на чай", 1918 г

„Търговецът на чай“ на Кустодиев е истинска илюстрация на онази светла и добре охранена Русия, където има панаири, въртележки и „хрупката на френския хляб“. Картината е нарисувана в следреволюционната гладна 1918 г., когато човек може само да мечтае за такова изобилие.

Галина Владимировна Адеркас позира за съпругата на търговеца в този портрет-картина - естествена баронеса от семейство, което проследява историята си до един ливонски рицар от 18 век. В Астрахан Галя Адеркас беше съквартирантка на Кустодиеви от шестия етаж; съпругата на художника доведе момичето в студиото, забелязвайки колоритен модел. През този период Адеркас е много млада - първа година студентка по медицина - и на скиците фигурата й изглежда много по-слаба. След като завършва университет и работи известно време като хирург, тя напуска професията и съветски годинитя пее в руския хор, участва в дублажа на филми, омъжва се и започва да свири в цирка.

Лиза дел Джокондо
Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-1519

Може би един от най-известните и мистериозни портрети на всички времена и народи е известната Мона Лиза от великия Леонардо. Сред многото версии за това кой е собственикът на легендарната усмивка, следната беше официално потвърдена през 2005 г.: на платното е изобразена Лиза дел Джокондо, съпругата на Франческо дел Джокондо, търговец на коприна от Флоренция. Портретът може да е поръчан от художник, за да отбележи раждането на син и покупката на къща.

Заедно със съпруга си Лиза отгледа пет деца и най-вероятно бракът й се основава на любов. Когато съпругът й почина от чума и Лиза също беше поразена от тази тежка болест, една от дъщерите не се уплаши да вземе майка си при себе си и да я остави да си отиде. Мона Лиза се възстановява и живее известно време с дъщерите си, умирайки на 63-годишна възраст.

В началото на ХХ век се появява нашият календар нов празник, чието име звучеше като революционен лозунг: „Международен женски ден на солидарността на работещите жени в борбата за равни права“.
За щастие с времето този ден придоби съвсем друго значение и за нас 8 март е празник на женската красота и чар.

В желанието си да съчетаем историческото с приятното, събрахме няколко картини на сладки, кокетни и силни дейци от велики художници - вечни пленници на женската красота и добродетели!

Алексей Венецианов, родом от Москва, за първи път посети селото на 35-годишна възраст, когато след сватбата младоженците отидоха да посетят родителите на съпругата си в провинция Твер.

Художникът беше толкова очарован от природата, че веднага имаше желание да се засели сред руските простори и купува имение в Сафоновка.

Тук той рисува картината „На обработваема земя”. Цялата работа на Венецианов е проникната от поезия, неговите картини, посветени на селския живот, идеализират селския живот.

От детството си Зинаида Серебрякова е влюбена в картините на Венецианов. В нея ранни картиниусеща се невидима връзка с творчеството на руския писател от бита. Сто години по-късно селянките на Венецианов сякаш продължават да живеят в нейните картини.

Селските момичета на художника са величествени, с царствена осанка, вършат лежерно ежедневната си работа - истинска поезия на духовността!

Зинаида Евгениевна Серебрякова. Жътва
1915 г., 177×142 см.

Приписват се картините "Жътва" и "Побеляване на платното". най-добрите работиЗинаида Серебрякова. Те са написани в семейното имение Нескучное в Харковска губерния, където семейство Серебрякови прекарва лятото и есента от 1898 г.

През 1914 г., след дълго пътуване през северната част на Италия, Зинаида пристига в Нескучное и веднага започва да работи върху картината „Жътва“.

Изучаване на творчеството на художниците Италиански ренесанс, едва наскоро видян в музеи и галерии, се усеща в класически изградена композиция, а монументалността на формите подчертава красотата на женските фигури на фона на пейзаж с неравномерно напускащи хоризонта житни полета.
Тези картини се считат за последните идилични картини на предреволюционна Русия.

Зинаида Евгениевна Серебрякова. "Побеляване на платното"
1917 г., 141.8×173.6 см.

Дантела, пудра, червило - всичко, от което се нуждае един чаровник...

Френските дами също работят неуморно върху картините на художници. В епохата на Рококо най-модерната професия за жителите на града беше работата на модист.

Елегантни и луксозни тоалети, корсети, бродерии и дантела бяха мислите на жените, защото беше необходимо да бъдем в крак с модната мадам Помпадур!

А фантазиите на младите девойки бяха въплътени от майсторки на всякакви професии - модничарки. Франсоа Буше в картината "Модистката" сякаш крадешком наднича в стаята и шпионира дамите, които обсъждат бъдещия модел.

Франсоа Буш. "Модисте"
53×64 см.

През 18 век, по време на Просвещението във Франция, в изкуството е обичайно да се възхваляват и утвърждават добродетелите на третото съсловие, а в живописта простотата и естествеността се считат за добра форма.

Жан-Батист Греуз в картината "Перачка" не само изобразява грациозен и очарователен млад работник - по този начин той пее за упорита работа.

В Русия през втората половина на 18 век Греуз става моден художник, благородството се надпреварваше да поръчва портрети за него, самата императрица Екатерина II, по съвет на Дидро, придобива картината Паралитик от художника.

Разбира се, такава популярност на творчеството на Греуз не остана незабелязана от руската живопис, неговите картини оказаха голямо влияние върху руския портрет.

Жан-Батист Грьоз "Перачка"
1761 г., 32×40 см.

Майсторки на дантела

Василий Тропинин беше наречен "Руска мечта" за очарователни женски портрети. За първи път в руската живопис създава нов типжанр портрет - поетичен образ на момиче на работа.

Младите красавици в картините „Дантелачка” и „Златна шивачка”, заети с работата си, откъсват очи от работата си за минута и поглеждат лукаво към зрителя.

Василий Андреевич Тропинин. "Златоработник"
1826, 64×81 см.

Тропинин е крепостен художник и едва на 47 години получава свободата си. Символично е, че именно 1823 г., годината, в която е написана „Дантелачката“, носи свобода и официално признание на художника.

Тази година за първи път той показва свои творби в Художествената академия, а художникът е удостоен със званието „назначен за академици“. Така един интимен портрет на жителка на града донесе свобода и успех на своя създател.

Тропинин." Дантелец "

Домашен майстор

Домакинството винаги е било на плещите на жените и кухненските задължения са пряка отговорност. За някои това е благословия, а за мнозина – караница. За героинята на картината "Готвачът" на Бернардо Строци това е задължение и свещен ритуал.

Можете да си зададете много въпроси, като гледате снимката. Например, защо младо момиче изкормва птица в елегантна рокля и мъниста? Тя има ли голямо семейство, защото вечерята трябва да има доста ястия?

Кой е изобразен на картината - може би художникът е изобразил жена си и затова тя гледа зрителя толкова нежно? Тази опция е напълно възможна: картината на Строци върху домашен парцел е рядкост и за жена му той може да направи изключение.

Бернардо Строци "Готвачът"
1625, 185×176 см.

Авторът на снимката - италиански художникбарокова епоха със забележителна биография. Приключенският характер на Строци се отразява във всичките му дейности: в младостта си той се присъединява към ордена на капуцините и става свещеник, след това учи живопис в работилницата на генуезкия художник Сори и в същото време работи като корабен инженер в генуезците флота.

По-късно художникизбягал от манастира и се укрил от преследването на монасите във Венеция. Но Строци никога не изоставя рисуването. Основната му тема са портрети, религиозни и митологични сцени, а живописта на Караваджо оказва голямо влияние върху творческия му стил.

„Професията“ на овчарка някога е била много популярна и художниците често са се обръщали към нея. трогателно изображениеоткриваме овчарка на средна възраст в работата на Ван Гог, който рисува обикновени селяни с особена топлина и любов.

Вижте цвета на снимката: жълт житни полета- цветът на слънцето и топлината, нежно контрастиращи със синята пелерина на овчаря, - често срещан похват в творбите на художника, но не предизвиква смущаващи чувства, както в другите му картини.

Ван Гог предава чувствата си необичайно точно с цветови нюанси. Каквито и вихри да бушуват наоколо, една жена е спокойна и покорна на трудната съдба ... И нашето доминиращо и искрено чувство при вида на тази картина е „съпричастност“.

Винсент ван Гог. "Краварка"
1889 г., 52,7×40,7 см.
Художникът създава тази творба, докато е на лечение в Сен Реми в южната част на Франция. През този период от 1889-1890 г. той изучава работата на основателя на школата в Барбизон Жан-Франсоа Миле и през това време прави копия на 23 негови картини, сред които „Пастирката“ (въпреки че е трудно да се нарече тази на Ван Гог рисуване на копие).

Винсент пише на брат си за своята професия така:
„Уверявам ви, че съм изключително заинтересован да правя копия и тъй като в момента нямам модели, няма да изоставя работата по фигурата с тези копия.
Използвам черно-бели репродукции на Дьолакроа и Миле, сякаш са сцени от реалния живот. И тогава импровизирам цвят, макар че, разбира се, не точно така, сякаш съм го направил сам, но се опитвам да запомня техните картини.
Но този „спомен“, смътната хармония на цветовете им... е моето тълкуване."

Сравнявайки картините на двамата художници, изглежда, че Ван Гог е нарисувал овчарката във въображението си.

Просо "Овчарка" 1, Просо "Овчарка" 2.

Жан-Батист Шарден наблюдава живота на обикновените граждани и пише истории от тях. Ежедневието. От картината "Перачка" диша тих домашен уют, където всичко е затоплено от грижите на домакинята.

Докато мама мие, синът е зает с простото си забавление. В картините на Шарден винаги присъстват детски образи, които подчертават любовта на майката към детето. Демонстрацията на тези отношения му помага да създаде духовна атмосфера на топлина и скромен, но значим и пълноценен живот на гражданите.

Женският труд в картините на художничката се отъждествява с благороден труд, извършен с особено старание и любов.

Жан Батист Симеон Шарден. "перачка"

Редакции на социалния труд - ние нов святда строим!

Нови професии се овладяват от жените в съветската страна. При нас те не са просто някакви западни фешънисти - съветска женаможе би ще построим метро!

В графичната серия от 30-те години на миналия век на Александър Самохвалов портретите на момичета, работещи в метрото, въплъщават идеала на социалистическия труд.

Ентусиазъм, млада енергия, оптимизъм и сила преливат в тези дела - ние ще градим нова държава. Ето я с бормашина, с лопата, красива, силна и щастлива, всичко може!

Художникът се присъедини към идеологическия път на страната, той искрено вярва в универсалното творчество в полза на по-светло бъдеще. А духовните пориви на твореца - въпросът е доста осезаем, вижте само работата!