Модерна съвременна живопис. Малко известни съвременни руски художници и техните картини

Светът е пълен с креативни хора и всеки ден се появяват стотици нови картини и се пишат нови песни. Разбира се, в света на изкуството има някои грешки, но има шедьоври на истински майстори, които просто спират дъха! Днес ще ви покажем тяхната работа.

Разширена реалност с молив

Фотографът Бен Хайне продължава да работи по своя проект, който е смесица от рисунки с молив и фотография. Първо прави скица на свободна ръка с молив върху хартия. След това фотографира рисунката на фона на реален обект и прецизира полученото изображение във Photoshop, добавяйки контраст и наситеност. Резултатът е магия!

Илюстрации Алиса Макарова

Алиса Макарова е талантлив художник от Санкт Петербург. В епоха, когато повечето изображения се създават с помощта на компютър, интересът на нашия сънародник към традиционните форми на рисуване буди респект. Един от последните й проекти е триптихът „Vulpes Vulpes“, в който можете да видите очарователни огнени червени лисици. Красота и това е всичко!

Фино гравиране

Художниците по дърво Пол Роден и Валерия Лу обявиха създаването на нова гравюра, наречена „Молецът“. Усърдната работа и изящното майсторство на авторите не оставят безразлични и най-упоритите скептици. Печатът ще бъде представен на предстояща изложба в Бруклин на 7 ноември.

Рисунки с химикал

Вероятно всеки поне веднъж по време на лекции, вместо да записва думите на учителя, рисува различни фигури в тетрадка. Не е известно дали художничката Сара Естейе е била една от тези студентки. Но че рисунките й с химикал са впечатляващи е безспорен факт! Сара просто доказа, че нямате нужда от специални материали, за да създадете нещо наистина интересно.

Сюрреалистични светове на Артьом Чебоха

Руският художник Артем Чебоха създава невероятни светове, в които съществуват само море, небе и безкрайна хармония. За новите си творби художникът избра много поетични образи - скитник, който пътува през непознати места и китове, които кръжат в облачни вълни - полетът на въображението на този майстор е просто безграничен.

Точкови портрети

Някои мислят за техниката на мазка с четка, други за контраста на светлина и сянка, но художникът Пабло Хурадо Руис рисува с точки! Художникът развива идеите на жанра поантилизъм, присъщи на авторите от епохата на неоимпресионизма, и създава свой собствен стил, в който детайлите решават абсолютно всичко. Хиляди докосвания до хартията водят до реалистични портрети, които просто искате да погледнете.

Картини от дискети

В епоха, в която много неща и технологии остаряват със скоростта на преминаващ експресен влак, е нещо обичайно да се отървете от ненужните боклуци. Въпреки това, както се оказа, не всичко е толкова тъжно и от стари предмети можете да направите много модерно произведение на изкуството. Английският художник Ник Джентри събра квадратни дискети от приятели, взе буркан с боя и нарисува зашеметяващи портрети върху тях. Получи се много красиво!

На ръба на реализма и сюрреализма

Берлинският художник Хардинг Майер обича да рисува портрети, но за да не се превърне в поредния хиперреалист, той решава да експериментира и създава поредица от портрети на ръба на реалността и сюрреализма. Тези творби ни позволяват да погледнем на човешкото лице като нещо повече от просто „сух портрет“, подчертавайки неговата основа - изображението. В резултат на тези търсения работата на Хардинг беше забелязана от Галерията за модерно изкуство в Мюнхен, която ще изложи творбите на художника на 7 ноември.

Рисуване с пръсти на iPad

Много съвременни художници експериментират с материали, за да създават картини, но японският художник Сейку Ямаока ги надмина, като използва своя iPad като свое платно. Той просто инсталира приложението ArtStudio и започна не просто да рисува, а да възпроизвежда най-известните шедьоври на изкуството. Освен това той прави това не с някакви специални четки, а с пръст, което буди възхищение дори сред хора, далеч от света на изкуството.

Картина "дърво".

Използвайки всичко - от мастило до чай, художникът по дърво Mandy Tsung създаде наистина хипнотизиращи картини, изпълнени със страст и енергия. Като основна тема тя избра мистериозния образ на жената и нейната позиция в съвременния свят.

Хиперреалист

Всеки път, когато откриете работата на хиперреалистични художници, неволно си задавате въпроса: „Защо правят всичко това?“ Всеки от тях има свой собствен отговор на тази и понякога доста противоречива философия. Но художникът Дино Томич го казва направо: „Просто много обичам семейството си.“ Рисувал ден и нощ и се стараел да не пропусне нито един детайл от портрета на близките си. Една такава рисунка му отнема поне 70 часа работа. Да се ​​каже, че родителите бяха възхитени, означава да не се каже нищо.

Портрети на войници

На 18 октомври изложба с творби на Джо Блек, озаглавена „Начини на виждане“, беше открита в галерия Opera в Лондон. За да създаде своите картини, художникът използва не само бои, но и най-необичайни материали - болтове, значки на гърдите и много други. Основният материал обаче беше... играчки войници! Най-интересните експонати на изложбата са портрети на Барак Обама, Маргарет Тачър и Мао Цзедун.

Чувствени маслени портрети

Корейската художничка Лий Рим не беше толкова известна преди няколко дни, но новите й картини „Момичета в боя“ предизвикаха широк отзвук и резонанс в света на изкуството. Лий казва: „Основната тема на моята работа е човешката емоция и психологическото състояние. Въпреки че живеем в различни среди, в определен момент се чувстваме еднакви, когато гледаме даден предмет." Може би затова, гледайки работата й, искам да разбера това момиче и да навляза в мислите й.

Изкуството на най-скъпите млади руски художници (дори тези, чиито имена отдавна се чуват) все още е доста достъпно. „Билетът за достъп“ до топ 20 ще струва по-малко от 5000 долара

Източникът на вдъхновение за новата ни класация беше скорошният любопитен световен топ 10 на най-скъпите творби на художници под 33-годишна възраст, който идва от две фамилии. Не желаейки подобна съдба за нашите автори, използвахме нашето традиционно правило „един художник - една картина“.

Освен това беше решено да се повиши възрастовата граница за млад художник от 33 на 35 години. Защото именно тази възраст се приема като формален критерий за „млад художник“ в руските конкурси, награди и биеналета. По-специално, 35 години е границата за номинацията „Ново поколение“ на наградата за иновации, за номинацията „Млад художник“ на наградата „Кандински“, за участие в Московското международно биенале на младото изкуство Youngart.ru, за стимул стипендии от Център Гараж и много други проекти за млади творци. Така, неохотно, се наложи да изключим от класацията всички, родени преди 1979 г.

Следващият критерий за избор: място на раждане - СССР. Следователно рейтингът включва не само наши настоящи сънародници, но и други художници от орбитата на руското изкуство от близка и далечна чужбина - било то Украйна, Франция или Великобритания. Така че не се обърквайте от отделни имена - така е било замислено всичко.

И разбира се, нашата оценка, както винаги, се основава единствено на продажби на публичен търг. Сделките с галерии не се вземат предвид, тъй като това е много сенчест въпрос. Цените не отчитат премията на купувача и традиционно се цитират във валутата на сделката и в долари по обменния курс към датата на продажбата. И така, ето какво имаме.

Какво може да се отбележи въз основа на резултатите?

Изкуството на младите руски художници (дори тези, чиито имена отдавна се чуват) все още е сравнително евтино. „Билет за влизане“ в топ 20 ще струва по-малко от $5000. И вече за 8 000–10 000 долара колекционерите успяха да купят най-добрите неща на известната Татяна Ахметгалиева, Валери Чтак или по-малко известния „руски французин“ Виталий Русаков. Френска галерия наскоро донесе графитите на последния в Москва в Салона за изящни изкуства - там, както казаха, художникът е доста популярен. Като цяло ще се изненадате, че за да купи целия топ 20 на младото руско изкуство, хипотетичен колекционер или инвеститор ще се нуждае от 218 903 долара (коригирани за условието „един художник - една картина“).

Търсачите на универсална „формула за успех” в изкуството и този път ще бъдат разочаровани. В творчеството на групата рекордьори няма един доминиращ стил и посока. Напротив, представена е широка гама от жанрове и направления. От постмодернизъм към реализъм. Има и пълно разнообразие в технологиите. Има графика, фотография, тъкани и керамика. Но все пак 11 от 20 творби са живопис (платно, масло или акрил). Това е поздрав за онези, които отдавна предричат ​​смъртта на живописта като цяло и в частност на съвременното изкуство.

Така че видът на изкуството и жанрът на произведението не са определящи. В същото време е ясно, че за да постигнете успех, трябва да „бъдете в тенденция“ - и не в Русия, а в света. Младите руски художници се опитват да направят това: техните творби са изключително актуализирани.

За целта в редица случаи те използват остри социални проблеми, актуални визуални мотиви и художествени похвати, смесвайки видове и жанрове изкуство в постмодерен дух. Като шаблониране на дизайн върху повърхността на платно, както в графитите, или дигитални арт техники в рисуването. Но въпреки целия им постмодернизъм и остра социална ориентация, авторите очевидно не забравят, че тези произведения също трябва да бъдат приятни за окото и да се вписват в дизайна на съвременния интериор. Оттук гладкостта и лъскавината, кима към реализъм (фотореализъм). И разбира се, нека считаме за огромен плюс за купувачите, че нашият рейтинг на млади художници все още успя да се справи без романтично сладките голи тела, които масово се продават на аукциони (за щастие, главно на интериорни търгове) и още по-ентусиазирано публикувани в блогове.

Друго, което прави впечатление, е голямата разлика между първия и втория резултат. Рекордното новаторско дигитално изкуство на Олег Доу го дели от второто място - картината на Вероника Смирнова - с цели 20 хиляди долара. Между другото, веднага щом нарушихме правилото „един художник - една снимка“ - и руският посланик на програмата Adobe Photoshop (през април 2012 г. работата на Олег Доу украси корицата на версията на Photoshop CS6) щеше да вземе още седем места в нашата класация с негови творби. Защо не Liu Chunxi? Но нашата сърна е дори с две години по-млада.

Изненадващо, почти половината от записите в нашия топ 20 идват от 2011–2013 г. Тоест, това не са някакви предкризисни „неща от отминали дни“, а доста жив търговски процес.

Трябва да се отбележи също, че само шест произведения от класацията на топ 20 получиха високите си оценки на нашите национални търгове - в Киевското „Златно сечение“ и в Московския ВЛАДЕЙ и търга на „Руската художествена галерия“. Всички останали са събирали пари на чуждестранни аукциони, най-често във Phillips, който обаче също е на руски собственици. И работата тук не е само в това, че няма пророк в собствената си страна. И не само, че в Русия закупуването на произведения на млади художници все още се възприема едва ли не като ексцентричност. И също така, че националната аукционна инфраструктура, работеща със съвременно изкуство, едва започва да се оформя. Същият търг VLADEY наскоро проведе само първия си търг, а старите хора на московския аукционен пазар със съвременно изкуство (особено изкуство на 21 век) не работят: аудиторията на купувачите е малка и не могат да се спечелят добри комисионни евтини предмети. Но в близко бъдеще тази ниша на достъпно съвременно изкуство ще бъде атакувана от други формати за търговия - нови електронни платформи, които имат силна офлайн репутация зад себе си. По-специално, онзи ден структурата на Сергей Гридчин (собственик на арт резиденцията Gridchinhall) обяви стартирането през септември на нова електронна платформа Artlet.com - веднага с хиляда творби на почти 200 съвременни художници. Те няма да бъдат включени в нашия рейтинг (няма принцип на търг), но всички трябва да отидем, а не пулове.

Редакционен уебсайт

внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултати от търгове на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търг, са предназначени за използване изключително в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети страни. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане от оторизиран орган.

Класацията на най-скъпите произведения на живи художници е конструкция, която говори много по-малко за ролята и мястото на художника в историята на изкуството, отколкото за възрастта и здравето

Правилата за съставяне на нашия рейтинг са прости: първо, вземат се предвид само транзакции с произведения на живи автори; второ, вземат се предвид само продажбите на публичен търг; и трето, спазва се правилото „един художник - едно произведение“ (ако в класацията на произведенията два записа принадлежат на Джоунс, тогава остава само най-скъпият, а останалите не се вземат предвид). Класирането се извършва в долари (по обменния курс към датата на продажбата).

1. ДЖЕФ КУНС Заек. 1986 г. 91,075 милиона долара

Колкото по-дълго наблюдавате аукционната кариера на Джеф Кунс (1955), толкова по-убедени сте, че за поп изкуството няма нищо невъзможно. Можете да се възхищавате на скулптурите на Кунс под формата на играчки с балони или да ги смятате за кич и лош вкус - ваше право. Едно нещо не може да се отрече: инсталациите на Джеф Кунс струват луди суми пари.

Джеф Кунс започна пътя си към славата като най-успешния жив художник в света през 2007 г., когато неговата гигантска метална инсталация "Висящо сърце" беше закупена за 23,6 милиона долара от Sotheby's. Работата беше купена от галерията на Лари Гагосян, която представлява Кунс. пишат те на пресата, че това е в интерес на украинския милиардер Виктор Пинчук). Галерията се сдоби не просто с инсталация, а всъщност с произведение на ювелирното изкуство. Въпреки че произведението не беше от злато (материалът беше неръждаем стомана) и очевидно беше по-голям по размер от обикновена висулка (скулптурата е висока 2,7 м, тежи 1600 кг), но има подобна цел. Повече от шест и половина хиляди часа бяха изразходвани за производството на композицията със сърце покрити с десет слоя боя, в резултат на което за ефектната „украса“ са платени огромни суми.

Следващата беше продажбата на „Цвете от балон“ в лилаво за £12,92 милиона ($25,8 милиона) на търг на Christie’s в Лондон на 30 юни 2008 г. Интересното е, че седем години по-рано предишните собственици на „Цвете“ закупиха произведението за $1,1 млн. Лесно е да се изчисли, че през това време пазарната му цена се е увеличила почти 25 пъти.

Спадът на пазара на изкуство през 2008–2009 г. даде повод на скептиците да се оплакват, че модата на Кунс е преминала. Но те грешат: заедно с пазара на изкуство интересът към произведенията на Кунс се възражда. Наследникът на Анди Уорхол като краля на поп изкуството актуализира личния си рекорд през ноември 2012 г. с продажбата на Christie's на многоцветна скулптура „Лале“ от поредицата „Празненство“ за 33,7 милиона долара, включително комисионна.

Но „лалетата“ бяха „цветя“ в буквалния и преносен смисъл. Само година по-късно, през ноември 2013 г., последва продажбата на скулптурата от неръждаема стомана „Куче с балон (оранжево)“: цената на чука беше цели 58,4 милиона долара! Страхотна сума за жив артист. Творба на съвременен автор беше продадена на цената на картина на Ван Гог или Пикасо. Това вече бяха горски плодове...

С този резултат Кунс царува няколко години на върха на класацията на живите артисти. През ноември 2018 г. той беше изпреварен за кратко от Дейвид Хокни (виж второто място в нашата класация). Но само шест месеца по-късно всичко се върна към нормалното: на 15 май 2019 г. в Ню Йорк, на търг на следвоенно и съвременно изкуство в Christie's, скулптурата на Кунс от 1986 г. беше обявена за продажба - сребърна “ Заек” от неръждаема стомана, имитираща балон с подобна форма.

Общо Кунс създаде 3 такива шеги плюс едно оригинално копие. На търга беше включен екземпляр от „Заек” номер 2 - от колекцията на култовия издател Сай Нюхаус, съсобственик на издателство Conde Nast (списанията Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Сребърният „Заек“ е закупен от „бащата на блясъка“ Сай Нюхаус през 1992 г. за внушителната сума по стандартите на онези години - 1 милион долара. След 27 години в борбата на 10 наддавачи цената на скулптурата беше 80 пъти по-висока от предишната продажна цена. И като се вземе предвид комисионната на купувача, крайният резултат беше 91,075 милиона долара, рекорд за всички живи артисти.

2. ДЕЙВИД ХОКНИ Портрет на художника. Басейн с две фигури. 1972. $90,312,500

Дейвид Хокни (1937) е един от най-значимите британски художници на 20 век. През 2011 г., според проучване сред хиляди професионални британски художници и скулптори, Дейвид Хокни беше избран за най-влиятелния британски художник на всички времена. В същото време Хокни победи майстори като Уилям Търнър и Франсис Бейкън. Работата му обикновено се класифицира като поп арт, въпреки че в ранните си творби гравитира повече към експресионизма в духа на Франсис Бейкън.

Дейвид Хокни е роден и израснал в Англия, в графство Йоркшир. Майката на бъдещия художник държеше семейството в пуританска строгост, а баща му, обикновен счетоводител, който малко любителски рисуваше, насърчи сина си да се занимава с рисуване. През двадесетте си Дейвид се премества в Калифорния, където живее общо около три десетилетия. Той все още има две работилници там. Хокни направи героите на произведенията си местни богати хора, техните вили, басейни, тревни площи, напоени с калифорнийско слънце. Едно от най-известните му произведения от американския период - картината "Splash" - е изображение на сноп пръски, издигащи се от басейн, след като човек скочи във водата. За да изобрази този сноп, който "живее" не повече от две секунди, Хокни работи две седмици. Между другото, тази картина беше продадена в Sotheby's през 2006 г. за 5,4 милиона долара и известно време се смяташе за най-скъпата му работа.

Хокни (1937) вече е над осемдесетте, но все още работи и дори изобретява нови художествени техники, използвайки технически иновации. Някога му хрумва идеята да прави огромни колажи от полароиди, отпечатва творбите си на факс машини, а днес художникът с ентусиазъм умее да рисува на iPad. Картини, нарисувани на таблет, заемат достойно място в изложбите му.

През 2005 г. Хокни най-накрая се завърна от Щатите в Англия. Сега той рисува на открито и в ателието огромни (често състоящи се от няколко части) пейзажи от местни гори и пустини. Според Хокни, през 30-те години, прекарани в Калифорния, той толкова е отвикнал от простата смяна на сезоните, че тя наистина го очарова и очарова. Цели цикли от последните му творби са посветени например на един и същи пейзаж през различни периоди от годината.

През 2018 г. цените на картините на Хокни прескочиха няколко пъти границата от 10 милиона долара. А на 15 ноември 2018 г. Christie’s регистрира нов абсолютен рекорд за творчество на жив художник - 90 312 500 долара за картината „Портрет на художник (Басейн с две фигури)“.

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна живопис. 1986 г. 46,3 милиона долара

Жива класика Герхард Рихтер (1932)заема второ място в нашата класация. Германският артист беше лидер сред живите си колеги, докато не счупи рекорда на Джеф Кунс от 58 милиона. Но това обстоятелство едва ли ще разклати и без това железния авторитет на Рихтер на пазара на изкуството. В края на 2012 г. годишният оборот на търговете на германския художник е на второ място след тези на Анди Уорхол и Пабло Пикасо.

Дълги години нищо не предвещаваше успеха, сполетял Рихтер сега. В продължение на десетилетия художникът заемаше скромно място на пазара на съвременното изкуство и изобщо не се стремеше към слава. Можем да кажем, че славата го застигна сама. Мнозина смятат, че отправната точка е закупуването от нюйоркската MoMA през 1995 г. на поредицата от произведения на Рихтер „18 октомври 1977 г.“. Американският музей плати 3 милиона долара за 15 картини в сиви тонове и скоро започна да мисли за провеждане на пълноценна ретроспектива на немския художник. Грандиозната изложба беше открита шест години по-късно, през 2001 г., и оттогава интересът към творчеството на Рихтер нараства главоломно. От 2004 до 2008 г. цените на картините му се утрояват. През 2010 г. произведенията на Рихтер вече са донесли 76,9 милиона долара, през 2011 г., според уебсайта Artnet, произведенията на Рихтер на търговете са спечелили общо 200 милиона долара, а през 2012 г. (според Artprice) - 262,7 милиона долара - повече от работата на всеки друг жив артист.

Докато, например, огромният успех на Джаспър Джонс на търга съпътства предимно само ранните му творби, такова рязко разделение не е типично за творбите на Рихтер: търсенето е еднакво стабилно за неща от различни творчески периоди, от които имаше много в Кариерата на Рихтер. През последните шестдесет години този художник се опита в почти всички традиционни жанрове на живописта - портрет, пейзаж, море, голо тяло, натюрморт и, разбира се, абстракция.

Историята на аукционните рекорди на Рихтер започва с поредица от натюрморти „Свещи“. 27 фотореалистични изображения на свещи в началото на 80-те години на миналия век, по време на рисуването им, струват само 15 хиляди германски марки (5800 долара) на произведение. Но все още никой не купи „Свещи“ на първата им изложба в галерия Макс Хетцлер в Щутгарт. Тогава темата на картините беше наречена старомодна; днес “Свещи” се смята за творба за всички времена. И те струват милиони долари.

През февруари 2008 г. "Свещ",написана през 1983 г., неочаквано беше купена за £ 7,97 милиона ($16 милиона). Този личен рекорд продължи три години и половина. Тогава през октомври 2011 гдруг "Свещ" (1982)отиде под чука в Christie's за £ 10,46 милиона ($16,48 милиона). С този рекорд Герхард Рихтер влезе за първи път в челната тройка на най-успешните живи артисти, заемайки мястото си зад Джаспър Джонс и Джеф Кунс.

Тогава започва победоносното шествие на „Абстрактните картини“ на Рихтер. Художникът рисува такива произведения, използвайки уникалната си техника: той нанася смес от прости бои върху светъл фон и след това с помощта на дълъг скрепер с размерите на автомобилна броня ги размазва върху платното. Това води до сложни цветови преходи, петна и ивици. Разглеждането на повърхността на неговите „Абстрактни картини“ е като изкоп: върху тях се виждат следи от различни „фигури“ през пролуките на многобройни цветни слоеве.

9 ноември 2011 гна търг на Sotheby’s за съвременно и следвоенно изкуство, мащабен "Абстрактна живопис (849-3)" 1997 г. отиде под чука за 20,8 милиона долара (13,2 милиона британски лири). И шест месеца по-късно, 8 май 2012 гна търга за следвоенно и съвременно изкуство в Christie's в Ню Йорк "Абстрактна живопис (798-3)" 1993 г. беше записана 21,8 милиона долара(включително комисионна). Пет месеца по-късно - нов рекорд: "Абстрактна живопис (809-4)"от колекцията на рок музиканта Ерик Клептън на 12 октомври 2012 г. в Sotheby’s в Лондон беше продаден за £ 21,3 милиона ($34,2 милиона). Бариерата от 30 милиона беше взета от Рихтер с такава лекота, сякаш не говорим за съвременна живопис, а за шедьоври, които вече са на сто години - не по-малко. Въпреки че в случая с Рихтер изглежда, че включването в пантеона на „великите“ е станало по време на живота на художника. Цените на работата на германеца продължават да растат.

Следващият запис на Рихтер принадлежи на фотореалистична работа - пейзаж „Катедралния площад, Милано (Домплац, Майланд)“ 1968 г. Работата беше продадена за 37,1 милионана търг на Sotheby's 14 май 2013 г. Гледката на най-красивия площад е нарисувана от немски художник през 1968 г. по поръчка на Siemens Electro специално за офиса на компанията в Милано. По време на написването си това е най-голямата фигуративна творба на Рихтер (с размери почти три на три метра).

Рекордът на Cathedral Square продължи почти две години, докато 10 февруари 2015 гне го прекъсна "Абстрактна живопис" ( 1986): Цената на чука достига £ 30,389 милиона ($46,3 милиона). „Абстрактната картина“ с размери 300,5 × 250,5 см, изложена на търг на Sotheby’s, е една от първите мащабни творби на Рихтер в неговата специална авторска техника за изстъргване на слоеве боя. Последният път през 1999 г. тази „абстрактна картина“ беше купена на търг за 607 хиляди долара (от тази година до настоящата продажба произведението беше изложено в музея Лудвиг в Кьолн). На аукциона на 10 февруари 2015 г. американски клиент на аукционни стъпки от £2 милиона достигна цена от $46,3 милиона.Тоест от 1999 г. насам произведението е поскъпнало повече от 76 пъти!

4. CUI ZHUZHO „Големи снежни планини.“ 2013 г. 39,577 милиона долара.

Дълго време не следяхме отблизо развитието на ситуацията на китайския пазар на изкуство, без да искаме да претоварваме читателите си с твърде много информация за „не нашето“ изкуство. С изключение на дисидента Ай Уейвей, който дори не е толкова скъп, колкото резонансен художник, китайските автори изглеждаха твърде многобройни и далечни от нас, за да се ровим в случващото се на техния пазар. Но статистиката, както се казва, е сериозна и ако говорим за най-успешните живи автори в света, тогава все още не можем да направим без разказ за изключителните представители на съвременното изкуство в Поднебесната империя.

Да започнем с китайския художник Цуи Ружуо. Художникът е роден през 1944 г. в Пекин и е живял в САЩ от 1981 до 1996 г. След завръщането си в Китай започва да преподава в Националната художествена академия. Cui Ruzhuo преосмисля традиционния китайски стил на рисуване с мастило и създава огромни картини на свитъци, които китайските бизнесмени и официални лица обичат да си подаряват един на друг. На Запад се знае много малко за него, въпреки че мнозина сигурно помнят историята за свитъка за 3,7 милиона долара, който по погрешка беше изхвърлен от чистачи в хотел в Хонконг, смятайки го за боклук. И така, това беше точно свитъкът на Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo вече е над 70, а пазарът за работата му процъфтява. Повече от 60 творби на този художник са преминали границата от $1 млн. Въпреки това творбите му досега са постигнали успех само на китайски аукциони. Рекордите на Cui Ruzhuo са наистина впечатляващи. Първо него "Пейзаж в снега"на Poly Auction в Хонконг 7 април 2014 гпостигна ударна цена от 184 милиона HK$ ( 23,7 милиона щатски долара).

Точно една година по-късно 6 април 2015 г.,на специален Poly Auction в Хонконг, посветен изключително на творбите на Cui Ruzhuo, серия „Големият снежен пейзаж на планината Дзяннан“(Jiangnan е историческа област в Китай, заемаща десния бряг на долното течение на Яндзъ) от осем пейзажа с мастило върху хартия достигна цена от чук от 236 милиона HK$ ( 30,444 милиона щатски долара).

Година по-късно историята се повтори отново на самостоятелния търг на Cui Ruzhuo, проведен от Poly Auctions в Хонконг. 4 април 2016 гшестделен полиптих „Големите снежни планини“ 2013 г. достигна цена на чук (включително комисионна на аукционна къща) от 306 милиона HKD (39,577 милиона щатски долара)). Досега това е абсолютен рекорд сред живите азиатски артисти.

Според търговеца на произведения на изкуството Джонсън Чан, който работи с китайско съвременно изкуство от 30 години, има безусловно желание да се повишат цените за работата на този автор, но всичко това се случва на ниво на цените, където опитните колекционери едва ли искат да си купя нещо. „Китайците искат да повишат рейтингите на своите художници, като надуят цените на произведенията им на големи международни търгове като този, организиран от Poly в Хонг Конг, но няма съмнение, че тези рейтинги са напълно изфабрикувани“, коментира Джонсън Чан за Cui Последният запис на Ruzhuo.

Това, разбира се, е само мнението на един отделен търговец, но имаме реален запис, записан във всички бази данни. Така че ще го вземем предвид. Самият Cui Ruzhuo, съдейки по изявленията му, е далеч от скромността на Герхард Рихтер, що се отнася до неговите аукционни успехи. Изглежда тази надпревара за рекорди сериозно го увлича. „Надявам се, че в следващите 5-10 години цените на моите творби ще надвишат цените на творбите на западни майстори като Пикасо и Ван Гог. Това е китайската мечта“, казва Цуи Ружуо.

5. ДЖАСПЪР ДЖОНС Флаг. 1983 г. 36 милиона долара

Трето място в класацията на живите артисти принадлежи на американец Джаспър Джонс (1930). Текущата рекордна цена за работата на Джоунс е $ 36 милиона. Платиха толкова много за неговата прочута "Знаме"на търг на Christie's 12 ноември 2014 г.

Поредицата от „знаменни“ картини, започната от Джоунс в средата на 50-те години, веднага след завръщането на художника от армията, стана една от централните в творчеството му. Още в младостта си художникът се интересува от идеята за редимейд, превръщането на ежедневен предмет в произведение на изкуството. Знамената на Джоунс обаче не бяха истински, те бяха рисувани с маслени бои върху платно. Така произведението на изкуството придобива свойствата на вещ от обикновения живот, то е едновременно и образ на знамето, и самото знаме. Серия от творби със знамена донесе световна слава на Джаспър Джон. Но неговите абстрактни творби са не по-малко популярни. В продължение на много години списъкът на най-скъпите произведения, съставен съгласно горните правила, се оглавява от неговия абстракт "фалстарт". До 2007 г. това много ярко и декоративно платно, нарисувано от Джоунс през 1959 г., се смяташе за цена, почти недостъпна за жив художник (дори класика за цял живот) - $ 17 милиона. Толкова са платили за него в злато за пазара на изкуството 1988 г.

Интересното е, че мандатът на Джаспър Джонс като рекордьор не беше непрекъснат. През 1989 г. той е прекъснат от работата на колегата си Вилем де Кунинг: двуметровата абстракция „Смесване" е продадена на Sotheby's за 20,7 милиона долара. Джаспър Джонс трябва да се премести. Но 8 години по-късно, през 1997 г., де Кунинг умира, и “ False Start от Jones отново заема първо място в аукционната класация на живи художници за почти 10 години.

Но през 2007 г. всичко се промени. Рекордът False Start първо беше засенчен от творбите на младите и амбициозни Деймиън Хърст и Джеф Кунс. След това имаше рекордна продажба за 33,6 милиона долара на картината „Инспекторът по съня“ на Люсиен Фройд (вече починал и следователно не участва в този рейтинг). Тогава започнаха рекордите на Герхард Рихтер. Като цяло засега с актуален рекорд от 36 милиона на почетното трето място е Джаспър Джонс, един от майсторите на американското следвоенно изкуство, работещ на пресечната точка на неодадаизма, абстрактния експресионизъм и поп арта.

6. ЕД РУШИ Разбийте. 1963 г. 30,4 милиона долара

Внезапният успех на картината „Разбиване“ на американски художник Едуард Ръшай (р. 1937 г.)на търга Christie's, 12 ноември 2014 гнаправи този автор един от най-скъпите живи художници. Предишната рекордна цена за работата на Ед Руша (фамилното име Руша често се произнася на руски като „Руша“, но правилното произношение е Руша) беше „само“ 6,98 милиона долара: толкова беше платено за платното му „Горещият газ“ Гара” през 2007 г. Седем години по-късно "Разбиване"с оценка от $15-20 милиона достигна цената на чука 30,4 милиона долара. Очевидно е, че пазарът на произведения на този автор е достигнал ново ниво - не напразно Барак Обама украсява Белия дом със свои творби, а самият Лари Гагосян го излага в своите галерии.

Ед Руша никога не е гравитирал към следвоенния Ню Йорк с неговата лудост по абстрактния експресионизъм. Вместо това, в продължение на повече от 40 години, той търси вдъхновение в Калифорния, където се премества от Небраска на 18-годишна възраст. Художникът стои в основата на ново движение в изкуството, наречено поп арт. Заедно с Уорхол, Лихтенщайн, Уейн Тибо и други певци на популярната култура, Едуард Руша участва в изложбата „Нови образи на обикновените неща“ в музея на Пасадена през 1962 г., която става първата музейна изложба на американското поп изкуство. Самият Ед Руша обаче не обича, когато работата му се класифицира като поп арт, концептуализъм или друго течение в изкуството.

Неговият уникален стил се нарича "рисуване на текст". В края на 50-те години Ед Руша започва да рисува думи. Точно както за Уорхол консерва със супа се превърна в произведение на изкуството, за Ед Рушай това бяха обикновени думи и фрази, взети или от билборд или опаковка в супермаркет, или от надписите на филм (Холивуд винаги е бил „наблизо“ за Рушай и за разлика от много колеги художници, Руше уважаваше „фабриката за мечти“). Думите върху неговите платна придобиват свойствата на триизмерни обекти, това са истински натюрморти от думи. При разглеждане на неговите платна първото нещо, което изниква в съзнанието, е визуалното и звуковото възприемане на нарисуваното слово и едва след това смисловото значение. Последното, като правило, не може да бъде еднозначно дешифрирано; Изборът на Рушай от думи и фрази може да се тълкува по различни начини. Същата ярко жълта дума „Smash“ на тъмно син фон може да се възприеме като агресивен призив да разбиете нещо или някого на парчета; като самотно прилагателно, извадено от контекста (част от някое вестникарско заглавие, например), или просто като отделна дума, уловена в градския поток от визуални образи. Ед Руша се радва на тази несигурност. „Винаги съм имал дълбоко уважение към странните, необясними неща... Обясненията в известен смисъл убиват нещата“, каза той в интервю.

7. КРИСТОФЪР ВЪЛНА Без заглавие (RIOT). 1990 г. 29,93 милиона долара

американски художник Кристофър Уул(1955) за първи път влезе в класацията на живите художници през 2013 г. - след като продаде произведението "Апокалипсис сега" за 26,5 милиона долара.Този рекорд веднага го постави наравно с Джаспър Джонс и Герхард Рихтер. Сумата на тази историческа транзакция - повече от $20 милиона - изненада мнозина, тъй като преди това цените на творбите на художника не надвишаваха $8 милиона, но бързият растеж на пазара за произведения на Кристофър Уул вече беше очевиден по това време: художникът досегашният опит включва 48 аукционни транзакции за суми над $1 милион, като 22 от тях (почти половината) са се състояли през 2013 г. Две години по-късно броят на произведенията на Крис Уул, продадени за над 1 милион долара, достигна 70, а нов личен рекорд не закъсня. На търга Sotheby’s 12 май 2015 г. Работа „Без заглавие (RIOT)“беше продаден за $ 29,93 милионавключително премията на купувача.

Кристофър Уул е известен предимно с мащабните си творби с черни букви върху бели алуминиеви листове. Те са тези, които по правило поставят рекорди на търговете. Това са все неща от края на 80-те - началото на 90-те години. Както гласи легендата, един ден Уул се разхождал из Ню Йорк вечерта и изведнъж видял графити с черни букви върху нов бял камион - думите sex и luv. Тази гледка го впечатли толкова много, че той веднага се върна в работилницата и написа своя версия със същите думи. Беше 1987 г. и по-нататъшното търсене на думи и фрази от страна на художника за неговите „буквени“ произведения отразява противоречивия дух на това време. Това е лозунгът „продай къщата, продай колата, продай децата“, взет от Уол от филма „Апокалипсис сега“ и думата „FOOL“ („глупак“) с главни букви и думата „RIOT“ („бунт“), често се среща в заглавията на вестниците от онова време.

Вълната прилага думи и фрази върху алуминиеви листове с помощта на шаблони с алкидни или емайлирани бои, като умишлено оставя капки, следи от шаблони и други доказателства за творческия процес. Художникът разделя думите по такъв начин, че зрителят не разбира веднага значението. Първоначално виждате само група от букви, тоест възприемате думата като визуален обект и едва след това четете и дешифрирате значението на фразата или думата. Уол използва шрифт, използван от американските военни след Втората световна война, който засилва впечатлението за заповед, директива, лозунг. Тези „буквени“ творби се възприемат като част от градския пейзаж, подобно на незаконни графити, които са нарушили чистотата на повърхността на някой уличен обект. Тази поредица от творби на Кристофър Уул е призната за един от върховете на лингвистичната абстракция и затова е високо ценена от любителите на съвременното изкуство.

8. ПИТЪР ДОЙГ Роуздейл. 1991 г. 28,81 милиона долара

британски Питър Дойг(1959), въпреки че принадлежи към поколението на постмодернистите Кунс и Хърст, избра за себе си напълно традиционен жанр на пейзажа, който дълго време не беше в полза на напредналите художници. С работата си Питър Дойг съживява затихващия интерес на публиката към фигуративната живопис. Творбите му са високо оценени както от критици, така и от неспециалисти, а доказателство за това е бързото покачване на цените на произведенията му. Ако в началото на 90-те пейзажите му струваха няколко хиляди долара, сега те струват милиони.

Работата на Дойг често се нарича магически реализъм. Въз основа на реални пейзажи той създава фантастични, загадъчни и често мрачни образи. Художникът обича да изобразява обекти, изоставени от хората: порутена сграда, построена от Льо Корбюзие насред гората или празно бяло кану на повърхността на горско езеро. Освен от природата и въображението, Дойг се вдъхновява от филми на ужасите, стари пощенски картички, снимки, любителски видеоклипове и др. Картините на Дойг са цветни, сложни, декоративни и непровокативни. Удоволствие е да притежаваш такава картина. Интересът на колекционерите се подхранва и от ниската производителност на автора: художникът, живеещ в Тринидад, създава не повече от дузина картини годишно.

В началото на 2000-те години отделни пейзажи на художника се продават за няколкостотин хиляди долара. По същото време творбите на Дойг са включени в галерия Saatchi, в биеналето на музея Whitney и в колекцията на MoMA. През 2006 г. беше преодоляно нивото на търга от $1 милион, а на следващата година се случи неочакван пробив: произведението "Бялото кану", предложено на Sotheby's на 7 февруари 2007 г. с оценка от $0,8-1,2 милиона, беше пет пъти по-високо от предварителната оценка и беше продаден за £5,7 милиона ($11,3 милиона). По това време това е рекордна цена за произведения на жив европейски художник.

През 2008 г. Дойг има самостоятелни изложби в галерия Тейт и Музея за модерно изкуство в Париж. Многомилионни цени за работата на Дойг се превърнаха в норма. Личният рекорд на Питър Дойг наскоро започна да се актуализира няколко пъти в годината - всичко, което трябва да направим, е да променим картината и мястото на този художник в нашата класация на живите автори.

Към днешна дата най-скъпата творба на Питър Дойг е снежният пейзаж „Rosedale” от 1991 г. Интересното е, че рекордът не е поставен на Sotheby’s или Christie’s, а на търга за съвременно изкуство в аукционната къща Phillips. Това се случи на 18 май 2017 г. Изглед към снежния квартал на Торонто Rosedale, продаден на купувач на телефон за 28,81 милиона долара, с около 3 милиона долара над предишния рекорд (25,9 милиона долара за „Swallowed by the Mire“). "Rosedale" участва в ключовата изложба на Doig в галерия Whitechapel в Лондон през 1998 г. и като цяло тази творба беше свежа за пазара и затова рекордната цена е напълно заслужена.

9. FRANK STELLA Cape of Pines. 1959 г. 28 милиона долара

Франк Стела е виден представител на пост-живописната абстракция и минимализма в изкуството. На определен етап той се класифицира като представител на стила на рисуване с твърд ръб. Отначало Стела противопоставя строгата геометричност, аскетичния монохром и структура на своите картини със спонтанността и хаоса на картините на абстрактни експресионисти като Джаксън Полок.

В края на 50-те години художникът е забелязан от известния галерист Лео Кастели и за първи път получава награда за изложба. На нея той представя т. нар. „Черни картини” – платна, изрисувани с успоредни черни линии с тънки интервали от нерисувано платно между тях. Линиите образуват геометрични фигури, донякъде напомнящи оптични илюзии, същите тези картини, които трептят, движат се, извиват се, създават усещане за дълбоко пространство, ако ги гледате дълго време. Стела продължи темата за успоредните линии с тънки разделителни ивици в своите работи върху алуминий и мед. Цветовете, живописната основа и дори формата на картините се променят (открояват се произведения във формата на буквите U, T, L). Но основният принцип на неговата живопис все още е яснота на очертанията, монументалност, проста форма и монохромност. През следващите десетилетия Стела се отдалечава от подобна геометрична живопис към гладки, естествени форми и линии и от едноцветни картини към ярки и разнообразни цветови преходи. През 70-те години Стела е пленена от огромните шарки, използвани за рисуване на кораби. Художникът ги използва за огромни картини с елементи на сглобяване - той включва парчета стоманени тръби или телена мрежа в творбите.

В ранните си интервюта Франк Стела открито обсъжда значенията, вложени в творбите му, или по-скоро липсата им: „Това, което виждате, е това, което виждате“. Една картина сама по себе си е обект, а не репродукция на нещо. „Това е плоска повърхност с боя върху нея и нищо друго“, каза Стела.

Е, подписана от Франк Стела, тази „повърхност с боя върху нея“ може да струва милиони долари днес. За първи път Франк Стела влезе в класацията на живите художници през 2015 г. с продажбата на творбата „Пресичане на Делауеър“ (1961) за 13,69 милиона долара, включително комисионна.

Четири години по-късно, на 15 май 2019 г., беше поставен нов рекорд от ранната (1959) работа „Cape of Pines“: цената на чука беше над 28 милиона долара, включително комисионна. Това е една от 29-те „черни картини” – същите, с които Стела дебютира на първата си изложба в Ню Йорк. Възпитаникът на Принстънския университет Франк Стела е на 23 години по това време. Често не му достигаха пари за маслени бои за художници. Младият художник спечелил пари от ремонтни дейности, много харесал чистите цветове на боята и тогава възникнала идеята да работи с тази боя върху платно. Използвайки черна емайлова боя, Стела рисува успоредни ивици, оставяйки тънки линии от негрундирано платно между тях. При това той пише без линии, на око, без предварителна скица. Стела никога не знаеше точно колко черни линии ще има в дадена картина. Например, в картината „Cape of Pines” те бяха 35. Заглавието на произведението се отнася до името на нос в залива Масачузетс - Point of pines. В началото на ХХ век това е голям увеселителен парк, а днес е един от районите на град Ревере.

10. YOSHITOMO NARA Нож зад гърба му. 2000 г. 24,95 милиона долара

Йошитомо Нара (1959) е една от ключовите фигури на японското нео-поп изкуство. Японски - защото въпреки световната известност и дългогодишната работа в чужбина, творчеството му все още се отличава с подчертана национална идентичност. Любимите герои на Нара са момичета и кучета в стила на японската манга и аниме комикси. Изображенията, които той измисли, „отидоха при хората“ в продължение на много години: те се отпечатват върху тениски, сувенири и различни „мерч“ се правят с тях. Роден в бедно семейство, далеч от столицата, той е не само обичан заради таланта си, но и ценен като човек, който сам се е изградил. Художникът работи бързо и експресивно. Известно е, че някои от неговите шедьоври са завършени буквално за една нощ. Картините и скулптурите на Йошитомо Нара като правило са много лаконични, ако не и пестеливи в изразните си средства, но винаги носят силен емоционален заряд. Тийнейджърките на Нара често гледат на зрителя с нелюбезен присвити очи. В очите им има дързост, предизвикателство и агресия. В ръцете му - или нож, или цигара. Има мнение, че изобразените извращения на поведението са реакция на потисническия обществен морал, различни табута и възприетите от японците принципи на образование. Почти средновековна строгост и срам тласкат проблемите навътре и създават почва за забавен емоционален взрив. „Ножът зад гърба ти” лаконично отразява една от основните идеи на художника. В тази творба има изпълнен с омраза поглед на момиче и ръка, поставена заплашително зад гърба. До 2019 г. картините и скулптурите на Йошитомо Нара вече бяха достигнали границата от един милион или дори няколко милиона повече от веднъж. Но двадесет милиона са за първи път. Нара е един от най-известните художници, родени в Япония. И сега най-скъпият жив. На 6 октомври 2109 г. в Sotheby’s в Хонконг той взе тази титла от Такаши Мураками и забележимо победи 90-годишната авангардна художничка Яйои Кусама (максималните цени на търг за нейните картини вече наближават 9 милиона долара).

11. ЗЕНГ ФАНЧЖИ Тайната вечеря. 2001 г. 23,3 милиона долара

На търг на Сотбис в Хонконг 5 октомври 2013 ггодина мащабно платно "Тайната вечеря"Художник от Пекин Zeng Fanzhi (1964)беше продаден за рекордната сума от 160 милиона хонконгски долара - 23,3 милиона долараСАЩ. Крайната цена на творбата на Фанджи, написана, разбира се, под влиянието на творчеството на Леонардо да Винчи, се оказа два пъти по-висока от предварителната оценка от около $10 млн. Предишният ценови рекорд на Зенг Фанжи беше $ 9,6 милиона, платени на търг на Christie’s в Хонконг през май 2008 г. за творбата „Поредица маски. 1996. бр. 6".

„Тайната вечеря“ е най-голямата (2,2 × 4 метра) картина на Фанджи от поредицата „Маски“, обхващаща периода от 1994 до 2001 г. Цикълът е посветен на еволюцията на китайското общество под влияние на икономическите реформи. Въвеждането на елементи на пазарна икономика от правителството на КНР доведе до урбанизация и разединение на китайския народ. Fanzhi изобразява жителите на съвременните китайски градове, които трябва да се борят за място под слънцето. Добре познатата композиция на фреската на Леонардо в прочита на Фанджи придобива съвсем различно значение: сцената на действието се пренася от Йерусалим в класна стая на китайско училище с типични йероглифни дъски по стените. „Христос“ и „апостолите“ се превърнаха в пионери с алени вратовръзки, а само „Юда“ носи златна вратовръзка - това е метафора за западния капитализъм, който прониква и унищожава обичайния начин на живот в социалистическа страна.

Творбите на Зенг Фанчжи са стилово близки до европейския експресионизъм и също толкова драматични. Но в същото време са пълни с китайска символика и специфика. Тази гъвкавост привлича както китайски, така и западни колекционери към работата на художника. Пряко потвърждение за това е произходът на „Тайната вечеря“: произведението беше предложено на търг от известния колекционер на китайски авангард от 80-те и началото на 90-те години на миналия век, белгийският барон Гай Юленс.

12. РОБЪРТ РАЙМАН Мост. 1980 г. 20,6 милиона долара

На търга Christie's, 13 май 2015 габстрактна работа "мост" 85-годишен американски художник Робърт Райман(Робърт Райман) беше продаден 20,6 милиона доларакато се вземе предвид комисионната - два пъти по-скъпо от долната оценка.

Робърт Райман(1930) не осъзнава веднага, че иска да стане художник. На 23-годишна възраст той се премества в Ню Йорк от Нашвил, Тенеси, искайки да стане джаз саксофонист. Докато стане известен музикант, той трябва да работи като охранител в MoMA, където се запознава със Сол Леуит и Дан Флавин. Първият работи в музея като нощен секретар, а вторият като охранител и асансьор. Впечатлен от творбите на абстрактни експресионисти, които е видял в MoMA - Ротко, Де Кунинг, Полок и Нюман, Робърт Райман започва да рисува сам през 1955 г.

Райман често е смятан за минималист, но той предпочита да бъде наричан „реалист“, защото не се интересува от създаване на илюзии, той само демонстрира качествата на материалите, които използва. Повечето от творбите му са рисувани с бои във всички възможни нюанси на бялото (от сивкаво или жълтеникаво до ослепително бяло) на базата на лаконична квадратна форма. По време на кариерата си Робърт Райман изпробва много материали и техники: рисува с масло, акрил, казеин, емайл, пастел, гваш и др. върху платно, стомана, плексиглас, алуминий, хартия, велпапе, винил, тапети и др. приятел, професионален реставратор Орин Райли го посъветва относно корозивността на материалите, които смяташе да използва. Както веднъж каза художникът, „Никога нямам въпроси Каквопишете, основното е какпиши". Всичко зависи от текстурата, естеството на щрихите, границата между повърхността на боята и ръбовете на основата, както и връзката между произведението и стената. От 1975 г. специален елемент от работата му са стойките, които Райман проектира сам и умишлено оставя видими, подчертавайки, че работата му е „толкова реална, колкото стените, на които висят“. Райман предпочита да дава на произведенията си "имена", а не "заглавия". „Името“ е това, което помага да се разграничи едно произведение от друго и Райман често назовава произведенията си по марки бои, компании и т.н., а „заглавието“ претендира за някакви алюзии и дълбоко скрити значения, присъствието на които в творбите му художникът редовно отрича. Нищо няма значение освен материалите и техниката.

13. ДЕЙМИЪН ХЪРСТ Сънлива пролет. 2002 г. 19,2 милиона долара

На английския художник Деймиън Хърст (1965)беше предопределен да бъде първият, който заема първо място в този рейтинг в спор с живия класик Джаспър Джонс. Вече споменатата работа „Грешен старт“ можеше да остане непотопим лидер дълго време, ако 21 юни 2007 гинсталация от 42-годишния тогава Хърст "Сънлива пролет"(2002) не беше продаден в Sotheby's за £ 9,76 милиона, тоест за 19,2 милиона долара. Работата, между другото, има доста необичаен формат. От една страна има витрина с манекени хапчета (6136 хапчета), по същество класическа инсталация. От друга страна, тази витрина е направена плоска (дълбочина 10 см), поставена в рамка и окачена на стената като плазмен панел, като по този начин напълно осигурява комфорта на притежание, характерен за картините. През 2002 г. сестрата на тази инсталация, Sleepy Winter, беше продадена за 7,4 милиона долара, повече от половината от цената. Някой "обясни" разликата в цената, като каза, че таблетите са по-бледи през зимата. Но е ясно, че това обяснение е абсолютно безпочвено, тъй като механизмът на ценообразуване на такива неща вече не е свързан с тяхната декоративна природа.

През 2007 г. мнозина признаха Хърст за автор на най-скъпата творба сред живите художници. Въпросът обаче е от категорията „зависи как броите“. Факт е, че Хърст беше продаден за скъпи лири, а Джоунс за сега по-евтини долари, и дори преди двадесет години. Но дори ако броим по номинална стойност, без да вземаме предвид 20-годишната инфлация, тогава работата на Хърст е била по-скъпа в долари, а тази на Джоунс в лири. Ситуацията беше гранична и всеки беше свободен да реши кой се счита за най-скъп. Но Хърст не издържа много дълго на първо място. През същата 2007 г. той беше изместен от първото място от Кунс с неговото „Висящо сърце“.

Точно в навечерието на глобалния спад на цените на съвременното изкуство, Хърст предприе безпрецедентно начинание за млад художник - самостоятелен търг на негови творби, който се проведе на 15 септември 2008 г. в Лондон. Новината за фалита на банката Lehman Brothers, обявена предишния ден, изобщо не развали апетита на любителите на съвременното изкуство: от 223 произведения, предложени от Sotheby's, само пет не намериха нови собственици (един от купувачите, между другото, беше Виктор Пинчук). работа "Златен Телец"- огромен препариран бик във формалдехид, увенчан със златен диск - донесе толкова £10,3 милиона ($18,6 милиона). Това е най-добрият резултат на Хърст, ако се изчисли в лири (валутата, в която е извършена транзакцията). Ние обаче се класираме по отношение на долари, така че (да ни прости Златният телец) все още ще считаме „Sleepy Spring“ за най-добрата продажба на Хърст.

От 2008 г. Хърст не е имал продажби на нивото на "Сънлива пролет" и "Златният телец". Свежите записи от 2010 г. - за произведенията на Рихтер, Джоунс, Фанжи, Ул и Кунс - преместиха Деймиън на шесто място в нашата класация. Но нека не даваме категорична преценка за края на ерата на Хърст. Според анализаторите Хърст като „суперзвезда“ вече е влязъл в историята, което означава, че ще бъде купуван за много дълго време; Въпреки това, най-голяма стойност в бъдещето се предвижда за творби, създадени през най-новаторския период от кариерата му, тоест през 90-те години.

14. МАУРИЗИО КАТЕЛАН Него. 2001 г. 17,19 милиона долара

Италианецът Маурицио Кателан (1960) идва в изкуството след работа като охранител, готвач, градинар и дизайнер на мебели. Самоукият художник стана световно известен със своите иронични скулптури и инсталации. Той хвърли метеорит върху папата, превърна жената на клиент в ловен трофей, направи дупки в пода на Музея на старите майстори, показа гигантски среден пръст на фондовата борса в Милано и доведе живо магаре на панаира във Фриз. В близко бъдеще Кателан обещава да постави златна тоалетна в музея Гугенхайм. В крайна сметка лудориите на Маурицио Кателан получиха широко признание в света на изкуството: той беше поканен на Венецианското биенале (инсталацията „Други“ през 2011 г. - стадо от две хиляди гълъби, които гледат заплашително от всички тръби и греди към тълпите на посетители, минаващи отдолу), уреди той получи ретроспектива в музея Гугенхайм в Ню Йорк (ноември 2011 г.) и накрая получи много пари за своите скулптури.

От 2010 г. най-скъпата творба на Маурицио Кателан е восъчна скулптура на мъж, гледащ от дупка в пода, подобен на външен вид на самия художник (Без заглавие, 2001). Тази скулптурна инсталация, която съществува в три копия плюс копие на автора, беше показана за първи път в музея Boijmans van Beuningen в Ротердам. Тогава този палав герой погледна от дупка в пода на залата с картини на холандски художници от 18-19 век. В тази творба Маурицио Кателан се свързва с дързък престъпник, който нахлува в свещеното пространство на музейна зала с картини на велики майстори. Така той иска да лиши изкуството от ореола на святост, който му придават музейните стени. Творбата, която изисква дупки в пода да бъдат излагани всеки път, беше продадена за 7,922 милиона долара в Sotheby’s.

Рекордът се задържа до 8 май 2016 г., когато още по-провокативната творба на Кателан „Той“, изобразяваща коленичил Хитлер, беше продадена на търг за $17,189 млн. Това е нещо странно. Името е странно. Изборът на персонаж е рисковано. Като всичко от Cattelan. Какво означава Той? „Неговото“ или „Неговото адско величество“? Ясно е, че категорично не говорим за прославяне на образа на фюрера. В това произведение Хитлер се появява по-скоро в безпомощен, жалък вид. И абсурдно - въплъщението на Сатаната е направено високо като дете, облечено в ученически костюм и коленичило със смирено изражение на лицето. За Кателан този образ е покана да се замислим за природата на абсолютното зло и начин да се отървем от страховете. Между другото, скулптурата „Той“ е добре позната на западната публика. Нейните братя от поредицата са били излагани повече от 10 пъти във водещи музеи по света, включително Център Помпиду и Музеят на Соломон Гугенхайм.

15. МАРК ГРОТЯН Без заглавие (S III, издаден във Франция, лице 43.14). 2011. 16,8 милиона долара

На 17 май 2017 г. на вечерния търг на Christie’s в Ню Йорк се появи една от най-въздействащите картини на Марк Гротян, предлагани някога на търг. Картината „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ беше изложена от парижкия колекционер Патрик Сегуин с оценка от 13–16 милиона долара и тъй като продажбата на партидата беше гарантирана от трета страна, никой не беше особено изненадан чрез установяването на нов личен рекорд на търга от 49-годишния художник. Цената на чука от 14,75 милиона долара (и включително премията на купувача от 16,8 милиона долара) надхвърли предишния аукционен рекорд на Grotjahn с повече от 10 милиона долара, поставяйки го в клуба на живите художници, чиито творби се продават за осемцифрени суми. Вече има около тридесет и седемцифрени резултати (продажби над $1 милион, но не повече от $10 милиона) в аукционната съкровищница на Mark Grotjahn.

Марк Гротян (1968), в чието творчество експертите виждат влиянието на модернизма, абстрактния минимализъм, поп и оп изкуството, достига до характерния си стил в средата на 90-те години, след като се премества с приятеля си Брент Питърсън в Лос Анджелис и отваря галерия там "Стая 702" Както самият художник си спомня, по това време той започва да мисли какво е на първо място за него в изкуството. Търсеше мотив, с който да експериментира. И разбрах, че той винаги се е интересувал от линия и цвят. Експериментите в духа на районизма и минимализма с линейна перспектива, множество изчезващи точки и многоцветни абстрактни триъгълни форми в крайна сметка донесоха световна слава на Grotjahn.

От абстрактни цветни пейзажи с множество линии на хоризонта и изчезващи точки на перспектива, той в крайна сметка стигна до триъгълни форми, напомнящи крила на пеперуда. Картини на Гротян 2001–2007 Това е, което те наричат ​​"пеперуди". Днес преместването на точката на изчезване или използването на няколко точки на изчезване наведнъж, разположени една от друга в пространството, се смята за една от най-мощните техники на художника.

Следващата голяма поредица от творби се нарича „Лица“; в абстрактните линии на тази серия могат да се различат чертите на човешко лице, опростени до състоянието на маска в духа на Матис, Явленски или Бранкузи. Говорейки за изключителното опростяване и стилизиране на формите, за композиционното решение на картините, когато разпръснатите контури на очите и устата сякаш ни гледат от горската гъсталака, изследователите отбелязват връзката между „Лицата” на Гротян и изкуството на примитивните племена на Африка и Океания, докато самият художник просто „харесва очите на изображението, гледащи от джунглата. Понякога си представях лицата на павиани или маймуни. Не мога да кажа, че бях съзнателно или подсъзнателно повлиян от примитивното африканско изкуство; по-скоро бях повлиян от художници, които бяха повлияни от него. Пикасо е най-очевидният пример."

Творбите от поредицата „Лица” се наричат ​​брутални и елегантни, приятни за окото и приятни за ума. С течение на времето текстурата на тези произведения също се променя: за да създаде ефекта на вътрешното пространство, художникът използва широки щрихи гъста боя, дори пръски в стила на Полък, но повърхността на картината е изравнена, така че при внимателно разглеждане изглежда абсолютно плосък. Картината „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“, която постави рекорд на търг, принадлежи именно към тази известна поредица на Марк Гротян.

16. ТАКАШИ МУРАКАМИ Моят самотен каубой. 15,16 милиона долара

японски Такаши Мураками (1962)влезе в нашата класация със скулптура "Моят самотен каубой", продаден на Sotheby's през май 2008 г. за $ 15,16 милиона. С тази продажба Такаши Мураками дълго време беше смятан за най-успешния жив азиатски художник - докато не беше засенчен от продажбата на "Тайната вечеря" на Зенг Фанджи.

Такаши Мураками работи като художник, скулптор, моден дизайнер и аниматор. Мураками искаше да вземе нещо наистина японско като основа за своята работа, без западни или други заеми. През студентските си години той е очарован от традиционната японска живопис нихонга, която по-късно е заменена от популярното изкуство аниме и манга. Така се раждат психеделичният Mr DOB, шарки от усмихнати цветя и ярки, лъскави скулптури от фибростъкло, сякаш направо от страниците на японските комикси. Някои смятат изкуството на Мураками за бързо хранене и въплъщение на вулгарността, други наричат ​​художника японския Анди Уорхол - а в редиците на последния, както виждаме, има много много богати хора.

Мураками заимства името на своята скулптура от филма на Анди Уорхол „Самотни каубои“ (1968), който японците, както самият той призна, никога не са гледали, но много му хареса комбинацията от думи. Мураками едновременно зарадва феновете на еротичните японски комикси и им се присмя с една скулптура. Увеличен по размер, а също и триизмерен, аниме героят се превръща във фетиш на масовата култура. Това артистично изявление е съвсем в духа на класическия западен поп арт (спомнете си комплекта мебели на Алън Джоунс или „Розовата пантера“ на Кунс), но с национален привкус.

17. KAWS. Албум на KAWS. 2005 г. 14 784 505 долара

KAWS е псевдонимът на американския артист Brian Donnelly от Ню Джърси. Той е най-младият участник в нашата класация, роден през 1974 г. Донели започва като аниматор в Дисни (рисува фонове за анимационния филм „101 далматинци“ и др.). От младостта си се интересува от графити. Неговият характерен дизайн първоначално беше череп с „X“ на мястото на очните кухини. Творбите на младия писател бяха обичани от фигури от шоубизнеса и хора от модната индустрия: той създаде корицата за албума на Kanye West и издаде колаборации с Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. С течение на времето KAWS става известна фигура в света на съвременното изкуство. Фигурата му, напомняща на Мики Маус, е пуснала корени в музеи, обществени пространства и частни колекции. Някога KAWS пусна ограничено издание на винилови играчки заедно с марката My Plastic Heart и те неочаквано станаха обект на голям колекционерски интерес. Един от страстните колекционери на тези „играчки“ е основателят на Black Star, рапърът Тимати: той почти напълно е събрал цялата серия „Cavs Companions“.

Работата на KAWS постави рекорд за творчеството на художника - 14,7 милиона долара - на търг на Sotheby's в Хонг Конг на 1 април 2019 г. Преди това тя беше в колекцията на японския моден дизайнер Ниго. Албумът KAWS е почит към обложката на известния албум на The Beatles от 1967 г. Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band. Само че вместо хора върху него има Кимпсън - стилизирани герои от анимационния сериал Семейство Симпсън с "Х" вместо очи.

18. ДЖИН ШАНИ Таджикска булка. 1983 г. 13,89 милиона долара

Сред сравнително младите и съвременни китайски художници, които всички принадлежат към така наречената „нова вълна“ от края на 80-те години на миналия век в китайското изкуство, нашият рейтинг съвсем неочаквано включва представител на съвсем различно поколение и различна школа. Джин Шанги, вече над 80-годишен, е един от видните представители на първото поколение художници в комунистически Китай. Възгледите на тази група творци се формират до голяма степен под влиянието на техния най-близък комунистически съюзник – СССР.

Официалното съветско изкуство, социалистическият реализъм и маслената живопис, която тогава беше необичайна за Китай (за разлика от традиционната китайска живопис с мастило), бяха на върха на популярността си през 50-те години и съветският художник Константин дойде да преподава в Пекинския художествен университет за три години (от 1954 до 1957 г.) Методиевич Максимов. Джин Шани, който по това време беше най-младият в групата, се озова в неговия клас. Художникът винаги си спомняше своя учител с голяма топлина, казвайки, че Максимов го е научил правилно да разбира и изобразява модел. К. М. Максимов обучи цяла плеяда китайски реалисти, сега класици.

В творчеството на Джин Шан се усеща влиянието както на съветския „суров стил“, така и на европейската живописна школа. Художникът посвети много време на изучаването на наследството на Ренесанса и класицизма, като смяташе за необходимо да запази китайския дух в творбите си. Картината „Таджикската булка“, нарисувана през 1983 г., се счита за всеобщо признат шедьовър, нов крайъгълен камък в творчеството на Джин Шан. Тя беше обявена на търг от China Guardian през ноември 2013 г. и продадена няколко пъти повече от оценката - за 13,89 милиона долара, включително комисионната.

19. БАНКСИ Разграден парламент. 2008 г. 12,14 милиона долара

В края на 90-те години на миналия век по градските стени (първо във Великобритания, а след това и по целия свят) започват да се появяват стенописи с етикет Banksy. Неговите философски и в същото време трогателни графити са посветени на проблемите на държавната атака срещу свободите на гражданите, престъпленията срещу околната среда, безотговорното потребление и нехуманността на системата за нелегална миграция. С течение на времето „упреците“ на стената на Банкси придобиха безпрецедентна медийна популярност. Всъщност той се превърна в един от основните изразители на общественото мнение, осъждащо лицемерието на държавите и корпорациите, създавайки нарастваща несправедливост в капиталистическата система.

Значението на Банкси, чувството за „нерва на времето“ и точността на неговите метафори бяха оценени не само от зрителите, но и от колекционерите. През 2010 г. стотици хиляди или дори повече от милион долара бяха дадени за неговите творби. Стигна се дотам, че графитите на Банкси бяха разбити и откраднати заедно с парчета от стените.

В ерата на напреднало цифрово наблюдение Банкси все още успява да запази анонимност. Има версия, че това вече не е един човек, а група от няколко художници, начело с талантлива жена. Това би обяснило много. И външното различие на писателите, уловени в обективите на камерите на свидетели, и безличният метод на нанасяне на шаблон (осигурява висока скорост и не изисква прякото участие на автора), и трогателната романтика на субектите на картините ( топки, снежинки и др.). Както и да е, хората от проекта Banksy, включително неговите помощници, знаят как да си държат устата затворена.

През 2019 г. най-скъпата творба на Банкси неочаквано стана четириметровото платно Devolved Parliament („деградирал“, „упаднал“ или „деволвиран“ парламент). Шимпанзета, спорещи в Камарата на общините, сякаш се подиграват на публиката в годината на скандалния Брекзит. Изненадващо е, че картината е нарисувана 10 години преди тази историческа повратна точка и затова някой я смята за пророческа. На търг на Sotheby's на 3 октомври 2019 г., по време на ожесточено наддаване, неизвестен купувач закупи това масло за 12 143 000 долара - шест пъти по-скъпо от предварителната оценка.

20. ДЖОН КЪРЪН „Сладко и просто“. 1999 г. 12,007 милиона долара

американски художник Джон Къран (1962)известен със своите сатирични фигуративни картини на провокативни сексуални и социални теми. Творбите на Curren успяват да съчетаят техниките на рисуване на старите майстори (особено Лукас Кранах Стари и маниеристите) и модни фотографии от лъскави списания. Постигайки по-голяма гротеска, Кюрен често изкривява пропорциите на човешкото тяло, увеличава или намалява отделните му части и изобразява героите в разчупени, маниерни пози.

Curren започва през 1989 г. с портрети на момичета, прерисувани от училищен албум; продължава в началото на 90-те с картини на едрогърди красавици, вдъхновени от снимки от Cosmopolitan и Playboy; през 1992 г. се появяват портрети на богати възрастни дами; и през 1994 г. Curren се жени за скулптора Rachel Feinstein, която се превръща в негова основна муза и модел в продължение на много години. До края на 90-те години техническото майсторство на Curren, съчетано с кича и гротескността на неговите картини, му донасят популярност. През 2003 г. Лари Гагосян се заема с рекламирането на художника и ако дилър като Гагосян се заеме с художника, успехът е гарантиран. През 2004 г. в музея на Уитни се проведе ретроспекция на Джон Къран.

По това време творбите му започват да се продават за шестцифрени суми. Настоящият рекорд за картина на Джон Кърън принадлежи на творбата „Сладко и просто“, продадена на 15 ноември 2016 г. в Christie's за 12 милиона долара. Картината с две голи тела едва надмина по-ниската оценка от 12–18 милиона долара. И все пак, за Джон Кърън, който вече е над 50, това определено е пробив в моята кариера. Предишният му рекорд през 2008 г. беше 5,5 милиона долара (платени, между другото, за същата работа, „Sweet and Simple“).

21. БРАЙС МАРДЪН Присъствали. 1996–1999 10,917 милиона долара

Друг жив американски абстрактен художник в нашата класация е Брайс Мардън (1938). Творбите на Марден в стила на минимализма, а от края на 80-те години - жестовата живопис, се открояват с уникалната си, леко приглушена палитра. Цветовите комбинации в творбите на Марден са вдъхновени от пътуванията му по света – Гърция, Индия, Тайланд, Шри Ланка. Сред авторите, повлияли върху развитието на Мардън, са Джаксън Полок (в началото на 60-те Мардън работи като охранител в Еврейския музей, където става свидетел на „капенето” на Полок със собствените си очи), Алберто Джакомети (запознат с творбите му в Париж) и Робърт Раушенберг (някой Марден работи като негов асистент за известно време). Първият етап от работата на Марден е посветен на класически минималистични платна, състоящи се от цветни правоъгълни блокове (хоризонтални или вертикални). За разлика от много други минималисти, които търсят идеалното качество на произведения, които изглеждат сякаш са отпечатани от машина, а не нарисувани от човек, Марден запазва следи от работата на художника и комбинира различни материали (восък и маслени бои). От средата на 80-те години на миналия век, под влиянието на ориенталската калиграфия, геометричната абстракция беше заменена от криволичещи меандърови линии, чийто фон бяха същите монохромни цветни полета. Едно от тези „смислени“ произведения, „The Attended“, беше продадено на Sotheby’s през ноември 2013 г. за 10,917 милиона долара, включително комисионна.

22. Пиер Сулаж Картина 186 x 143 cm, 23 декември 1959 г. 10,6 милиона долара

23. ДЖАН СЯОГАН Вечна любов. 10,2 милиона долара

Друг представител на китайското модерно изкуство - символист и сюрреалист Джан Сяоган (1958). На търг на Сотбис в Хонконг 3 април 2011 г, където се продаваше китайско авангардно изкуство от колекцията на белгийския барон Ги Уленс, триптих на Джан Сяоган "Вечна любов"беше продаден за $ 10,2 милиона. По онова време това е рекорд не само за художника, но и за цялото китайско съвременно изкуство. Те казват, че работата на Сяоган е била купена от съпругата на милиардера Ван Вей, която планира да отвори свой собствен музей.

Джан Сяоганг, който се интересува от мистицизъм и източна философия, написа историята на „Вечната любов” в три части – живот, смърт и прераждане. Този триптих беше включен в емблематичната изложба Китай/Авангард от 1989 г. в Националния художествен музей. Също през 1989 г. студентските демонстрации бяха брутално потушени от военните на площад Тянанмън. След това трагично събитие винтовете започват да се затягат - изложбата в Народния музей е разпръсната, много художници емигрират. В отговор на наложения отгоре социалистически реализъм възниква посоката на циничния реализъм, един от основните представители на която е Джан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Безпомощен Хенри Мур. 1967 г. 9,9 милиона долара

американски Брус Науман (1941), носител на главната награда на 48-ото Венецианско биенале (1999), отне много време, за да постигне своя рекорд. Науман започва кариерата си през шейсетте години. Познавачите го наричат, наред с Анди Уорхол и Йозеф Бойс, една от най-влиятелните фигури в изкуството от втората половина на ХХ век. Но интензивната интелектуалност и абсолютната липса на декоративност на някои от творбите му очевидно са попречили на бързото му признание и успех сред широката публика. Науман често експериментира с езика, откривайки неочаквани значения в познати фрази. Думите стават централни герои на много от неговите творби, включително неонови псевдо-знаци и пана. Самият Науман нарича себе си скулптор, въпреки че през последните четиридесет години се е опитал в напълно различни жанрове - скулптура, фотография, видео изкуство, пърформанси, графики. В началото на деветдесетте години Лари Гагосян изрича пророчески думи: „Тепърва трябва да осъзнаем истинската стойност на работата на Науман“. Ето как се случи: 17 май 2001 гв Christie's, работата на Науман от 1967 г „Безпомощен Хенри Мур (изглед отзад)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) постави нов рекорд в сегмента на следвоенното изкуство. Отливка от ръцете на Науман, вързани на гърба, направена от гипс и восък, отиде под чука за $ 9,9 милионакъм колекцията на френския магнат Франсоа Пино (според други източници, американката Филис Ватис). Оценката на работата беше само $2-3 милиона, така че резултатът беше истинска изненада за всички.

Преди тази легендарна разпродажба само две от творбите на Науман са преминали границата от един милион долара. А в цялата му аукционна кариера досега само шест произведения, освен „Хенри Мур...”, са излезли за седемцифрени суми, но резултатите им все още не могат да се мерят с девет милиона.

„Безпомощният Хенри Мур“ е една от поредицата полемични творби на Науман за фигурата на Хенри Мур (1898–1986), британски художник, който през шейсетте години е смятан за един от най-великите скулптори на ХХ век. Младите автори, които се оказаха в сянката на признатия майстор, тогава го атакуваха с пламенна критика. Работата на Науман е отговор на тази критика и в същото време размисъл върху темата за творчеството. Заглавието на творбата се превръща в каламбур, тъй като съчетава две значения на английската дума bound – обвързан (в буквалния смисъл) и обречен на определена съдба.

внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултати от търгове на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търг, са предназначени за използване изключително в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети страни. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане от оторизиран орган.

"Пейзаж Birch Grove Road" 120x100
Палитра, масло, платно
Константин Лорис-Меликов

изкуството на 21 век
— всеяден,
циничен, иронично-саркастичен, демократичен – наречен упадък на една велика епоха.

Постмодернистите са в ситуация, в която всичко е казано преди тях. И всичко, което трябва да направят, е да използват създаденото от тях, да смесват стилове, да създават, макар и не ново, но разпознаваемо изкуство...

най-ярките посоки:

1. неореализъм;


2. Минимално изкуство;


3. постмодерен;


4. Хиперреализъм;


5. Инсталация;


6. Заобикаляща среда;


7. Видео изкуство;


8. Графити;


9. Трансавангард;


10. Боди арт;


11. Стъкизъм;


12. неопластицизъм;


13. Улично изкуство;


14. Мейл арт;


15. No-art.

1. НЕОРЕАЛИЗЪМ.
Това е изкуството на следвоенна Италия, която се бори срещу следвоенния песимизъм.

Новият фронт на изкуството се обедини
абстракционисти и реалисти и продължи само 4 години. Но от
От него излязоха известни художници: Габриел Мучи, Ренато Гутузо, Ернесто
Трекани. Те ярко и изразително изобразяват работници и селяни.

Подобни тенденции се появиха и в други
страни, но за най-ярката школа се смята школата на неореализма, която
се появява в Америка благодарение на усилията на монументалиста Диего Ривера.

Гледайте: Ренато Гутузо

Фрески от Диего Ривера - Президентски дворец (Мексико Сити, Мексико).

Детайл от фреската на Диего Ривера за хотел Прадо в Мексико Сити, „Сън за неделя в парк Аламеда“, 1948 г.

2. МИНИМУМ ЧЛ.
Това е посоката на авангарда.
Използва прости форми и изключва всякакви асоциации.

Карл Андре, 1964 г

Тази тенденция се появи в САЩ в края
60-те години. Минималистите нарекоха Марсел Дюшан свои преки предшественици.
(готови), Пит Мондриан (неопластизъм) и Казимир Малевич
(супрематизъм), нарекоха черния му квадрат първата творба
минимално изкуство.

Изключително семпла и геометрична
правилни композиции - пластмасови кутии, метални пръти,
конуси - направени в промишлени предприятия по скици на художници.

Виж:

Произведения на Доналд Джъд, Карл
Андре, Сол Левита – Музей Гугенхайм (Ню Йорк, САЩ), музей
съвременно изкуство (Ню Йорк, САЩ), Музей на изкуствата Метрополитън (Ню Йорк,
САЩ).

3. ПОСТМОДЕРНО. Това е голям списък от нереалистични тенденции от края на 20 век.

Ванчеги Муту. Колаж „Полови органи на възрастна жена”, 2005 г

Цикличността е характерна за изкуството, но
Постмодерността беше първият пример за „отрицание на отрицанието“. Първо
модернизмът отхвърли класиката, а след това постмодернизмът отхвърли модернизма, т.к
преди това е отхвърлил класиката. Постмодернистите се върнаха към тези форми и
стилове, които са съществували преди модернизма, но на по-високо ниво.

Постмодернизмът е продукт на епохата
най-новите технологии. Следователно неговата характерна особеност е смесването
стилове, образи, различни епохи и субкултури. Основното за постмодернистите
стана цитат, ловко жонглиране с цитати.

Вижте: Галерия Тейт (Лондон,
Великобритания), Национален музей за модерно изкуство Център Помпиду
(Париж, Франция), Музей Гугенхайм (Ню Йорк, САЩ).

ХИПЕРРЕАЛИЗЪМ. Изкуство, което имитира фотографията.

Чък Клоуз. "Робърт", 1974 г

Това изкуство се нарича още суперреализъм,
Фотореализъм, радикален реализъм или студен реализъм. Това се появи
посока в Америка през 60-те години и 10 години по-късно става широко разпространена в
Европа.

Хиперреализъм, фотореализъм, Дон Еди,

Художниците на това движение са точно
копирайте света, както го виждаме на снимката. В творбите на художниците
може да се прочете известна ирония върху създадения от човека продукт. Художниците изобразяват предимно
истории от живота на съвременен метрополис.

Ричард Естес- любов към изобразяването на отраженията на метрополията във витрините на магазините, на капака на колата или на плота на кафене

Виж:

творби на Чък Клоуз, Дон Еди, Ричард Естес – Метрополитен музей на изкуството, музей Гугенхайм (Ню Йорк, САЩ), Бруклин музей (САЩ).

5. ИНСТАЛАЦИЯ.
Това е композиция в галерия, която може да се създаде от всичко, най-важното е да има подтекст и идея.

Фонтан (Дюшан)

Най-вероятно това няма да се случи
посоки, ако не за емблематичния писоар на Дюшан. Имена на главните в света
монтажници: Дайн, Раушенберг, Бойс, Кунелис и Кабаков.

„Джим Дайн. От колекцията на център "Помпиду"

Основното в инсталацията е подтекстът и пространството, в което артистите сблъскват банални предмети.

Виж:
Тейт Модерн (Лондон, Великобритания), Музей Гугенхайм (Ню Йорк, САЩ).

6. ОКОЛНА СРЕДА.

Това е изкуството за създаване на триизмерна композиция, която емулира реална среда.

Като движение в изкуството на околната среда
се появява още през 20-те години на 20 век. Няколко изпреварили времето си
десетилетия, художникът дадаист, когато представи на публиката своята
произведението „Мерц-сграда“ е триизмерна структура, направена от различни предмети и
материали, неподходящи за нищо друго освен за съзерцание.

Едуард Киенхолц

Половин век по-късно този жанр става
Едуард Киенхолц и Джордж Сийгъл работиха и успяха. В работата си
те непременно внасяха шокиращ елемент на измамна фантазия.

Виж:
произведения на Едуард Киенхолц и Джордж Сийгъл
— Музей за съвременно изкуство (Стокхолм, Швеция).

7. ВИДЕО ИЗКУСТВО.

Тази тенденция възниква през последната третина на 20 век благодарение на появата на преносимите видеокамери.

Това е пореден опит за връщане на изкуството
реалност, но вече с помощта на видео и компютърни технологии.
Американецът Нам Джун Пайк направи видео как папата минава по улиците
Ню Йорк и стана първият видео артист.

Експериментите на Nam June Paik повлияха
телевизия, музикални видеоклипове (той е основателят на канала MTV),
компютърни ефекти в киното. Творбите на Джун Пайк, Бил Виола успяха
посоката на изкуството е поле на дейност за експериментиране. Те поставят
началото на „видео скулптури”, „видео инсталации” и „видео опери”.

Виж:
видео изкуство, вариращо от психеделично до социално
(популярно в Китай, Chen-che-yen в Youtube.com)

8. ГРАФИТИ.

Надписи и рисунки по стените на къщи, носещи дръзко послание.

Появява се за първи път през 70-те години в Северна
Америка. За изявата им са ангажирани галеристи от един от кварталите
Манхатън. Те станаха покровители на творчеството на тези, които живееха в съседство с тях.
Пуерториканци и ямайци. Графитите съчетават елементи на градския
субкултурни и етнически.

поп арт гений Кийт Харинг

Имена от историята на графитите: Кийт Харинг,
Жан-Мишел Баския, Джон Матом, Кени Шарф. Известна личност
- Британски художник на графити Banksy. Във всички има пощенски картички с негови творби
Британски магазини за сувенири

Виж:
Музей на графитите (Ню Йорк, САЩ), творби на Банкси - на уебсайта banksy.co.uk.

9. ТРАНСАВАНТГАРДА.
Едно от направленията в постмодерната живопис. Съчетава минало, нова живопис и изразителност.

Работа на трансавангардния художник Александър Ройтбурд

Авторът на термина трансавангард е
съвременен критик Бонито Олива. С този термин той дефинира творчеството
5 негови сънародници - Сандро Чиа, Енцо Куки, Франческо
Клементе, Мимо Паладино, Николо де Мария. Тяхното творчество се характеризира с:
комбинация от класически стилове, липса на привързаност към националното
училище, акцент върху естетическата наслада и динамика.

Франческо Клементе в Ширн (Франкфурт)

Гледайте: Музей на колекцията на Пеги
Гугенхайм (Венеция, Италия), Музей на модерното изкуство в Палацо
(Венеция, Италия), Галерия за съвременно изкуство (Милано, Италия)

10. БОДИ АРТ.

Едно от направленията на акционизма. Тялото действа като платно.

Боди артът е едно от проявленията на пънк културата от 70-те години.
Пряко свързано с тогавашната мода на татуировките и нудизма.

Живи картини се създават точно отпред
зрители, записан на видео и след това излъчен в галерията. Брус
Науман изобразява писоара на Дюшан в галерията. Дует Гилбърт и
Георги са живи скулптури. Те изобразяват вида на средностатистическия англичанин.

Вижте: например на сайта на художника Орлан orlan.eu.

11. СТАКИЗЪМ.

Британска художествена асоциация за фигуративна живопис. Противопоставя се на концептуалистите.

Първата изложба беше в Лондон през 2007 г.
като протест срещу галерия Тейт. Според една от версиите те протестирали в
във връзка със закупуването от страна на галерията на произведения на художници в заобикаляне на закона. Шум
привлече вниманието към Stuckists в пресата. Сега в света има
повече от 120 художници. Тяхното мото: художник, който не рисува, не е художник.

Били Чайлдиш. Края на гората"

Терминът Stuckism е предложен от Томсън.
Художничката Трейси Емин възкликна за гаджето си Били
Чайлдиша: твоята картина е заседнала, заседнала, заседнала! (англ. Stuck!
Закъсал! Купчина!)

Виж:
на уебсайта на Stuckist stuckism.com.
Творби на Чарли Томсън и Били Чайлдиш в галерия Тейт (Лондон, Обединеното кралство).

12. НЕОПЛАСТИЦИЗЪМ.
Абстрактно изкуство. Пресечната точка на перпендикулярни линии от 3 цвята.

Идеологът на посоката е холандецът Пиет

Мондриан. Той смята света за илюзия, така че задачата на художника е да очисти
рисуване от чувствени форми (фигуративно) в името на естетическото
(абстрактни) форми.

Художникът предложи да се направи това
възможно най-лаконично с помощта на 3 цвята - син, червен и
жълто. Те запълваха пространствата между перпендикулярните линии.

Пит Мондриан. Червено, жълто, синьо и черно

Неопластицизмът все още вдъхновява дизайнери, архитекти и индустриални графични художници.

Виж:
произведения на Пит Мондриан и Тео Ваной Дусбург в Общинския музей на Хага.

13. УЛИЧНО ИЗКУСТВО.

Изкуство, за което градът е изложба или платно

Целта на уличния артист: незабавно да въвлече минувач в диалог с помощта на своята инсталация, скулптура, плакат или шаблон.

Много хора смятат, че в 21 век вече не са останали творци. В действителност обаче това не е така. И в днешно време има много талантливи и известни художници, чиито творби се показват на изложби, които печелят много пари. По-долу е даден списък на 20-те най-известни и добре печелещи артисти, които се занимават активно с творчество не само в Русия.

Руският художник Александър Иванов, роден през 1962 г., е най-известен с работата си, озаглавена „Любов“, която е нарисувана през 1996 г. и е продадена за почти 100 000 рубли. Стилът му е абстракционизъм. Той също е бизнесмен, занимава се с колекционерска дейност и открива музея на Фаберже в Германия, в Баден-Баден.

Олга Булгакова е една от малкото талантливи и известни художници в Русия, родена през 1951 г., член-кореспондент на Руската академия на изкуствата. Представител на живописното движение от ерата на Брежнев, което се нарича „карнавал“. Най-известната й творба е „Сънят на червената птица“, написана през 1988 г.

Руският художник Михаил Брусиловски, работещ под псевдонима Миша Шаевич, е включен в този рейтинг и заема 18-то място. Този световно известен художник

Талантливият руски художник Лев Табенкин е роден през 1952 г. в руската столица Москва. Този художник гледа на картината като скулптор. Има чувството, че неговите писмени герои са изваяни от глина. Една от най-известните картини на Лев е „Джаз оркестър“, нарисувана през 2004 г. Той беше продаден за 117 650 рубли.

Проектът AES+F се състои от четирима души; всъщност името се състои от началните букви на фамилиите на участниците: Татяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святски, Владимир Фриднес. Креативността на тази компания се характеризираше с много добро представяне през 90-те години и беше оценена едва през 2000-те. В наши дни в по-голямата си част те създават големи анимирани стенописи, които се излъчват на десетки екрани. Едно от най-известните произведения на тази компания: "Войн 4".

Руският художник Сергей Волков е роден в Петрозаводск през 1956 г. Неговите творби се характеризират с това, че създават в периода на перестройката. Картините са рисувани много експресивно, където се забелязват много обмислени изявления и идеология. Най-известната му картина е Двойно виждане. Триптих“.

Художниците Александър Виноградов и Владимир Дубосарски са родени в Москва през 1963 и 1964 г. Те започнаха да работят заедно през 1994 г., след като се срещнаха на фестивал, създавайки необичаен и грандиозен проект. Оригиналният дизайн е спечелил уважението на много колекционери. Техни картини висят на известни места като Третяковската галерия, Руския музей и дори Центъра Помпиду. Самите те са създатели на галерия Art Strelka и организатори на фестивала Art Klyazma.

Руският художник Владимир Янкилевски също беше включен в списъка на най-високо платените и известни артисти. Той е роден в Москва през 1938 г. Бащата на Владимир също е бил художник, а синът му е наследил професията му. Владимир работи в стила на сюрреализма - творчество с парадоксални комбинации. През 1970 г. той рисува една от най-известните картини, наречена „Триптих 10. Анатомия на душата II“.

Художникът Владимир Немухин е роден през 1925 г. в малкото село Прилуки, разположено в района на Москва. Участва в много чуждестранни изложби в Европа. През 90-те години живее и развива дейност в Германия, но през 2005 г. се мести в Русия. Неговата работа се характеризира с триизмерна композиция, наличие на контрарелеф и различни напречни мотиви, например тесте карти.

Художник с необичайно име, син на испански политически емигрант, е роден в малкото село Василиевка в района на Самара през 1943 г. Той е организатор на групата на художниците "Арго" и е член на Московския съюз на художниците. Франсиско е удостоен и с Държавна награда за постижения в областта на изобразителното изкуство. Художникът развива активна творческа дейност както в Русия, така и в чужбина.

Художникът Александър Меламед беше един от членовете на много известния творчески дует Комаров-Меламед, който се разпадна през 2003 г., след което започнаха да работят поотделно. Резиденция от 1978 г. е Ню Йорк. Той написва повечето от известните си творби заедно с Виталий Комар; заедно те също създават движението Соц Арт и са организатори на изложбата Булдозер.

Този руски художник, известен като един от основателите на московския концептуализъм, е роден в Москва през 1937 г., където завършва Полиграфическия институт. Според самия Виктор Пивоваров първата му творба е написана на петгодишна възраст. Представител е и на „неофициалното” изкуство. Негови картини се намират в някои от най-известните и големи изложбени центрове: Руския музей, Третяковската галерия, Музея на Пушкин. А. С. Пушкин.

Този художник е роден през 1934 г. в Тбилиси. Той е един от най-ярките представители на монументалната живопис. Зураб е известен с работата си под формата на паметника на Петър I, който се намира в Москва, както и паметника, разположен пред сградата на ООН в Ню Йорк. Зураб е президент на Руската художествена академия, която управлява собствен музей-галерия. Творенията на този художник са известни не само в Русия, но и в целия свят.

Руският художник Оскар Рабин е известен с това, че е организатор на изложбата "Булдор" през 1974 г., а четири години по-късно е лишен от съветско гражданство. Става популярен и като един от първите художници, които се занимават с частна продажба на картини в Съветския съюз. В момента постоянното му местоживеене и работа е Париж. Негови картини се намират в големи музеи и изложбени центрове: Московския музей за модерно изкуство, Третяковската галерия, Руския музей и др.

Руският художник Олег Целков е известен като художника, поставил началото на основното творческо движение през 60-те години на 20 век, показвайки много груби и остри черти в картините си, включително в изобразяването на хора, които приличат на глинени фигури. От 1977 г. Олег продължава творческия си път в Париж. Негови картини се намират в следните изложбени центрове: Руски музей, Третяковска галерия, Ермитаж. Една от най-известните картини е „Момче с балони“, нарисувана през 1954 г.

Роден в Москва през 1934 г., руският художник Григорий Брускин, или Гриша, е един от членовете на Съюза на художниците от 1969 г. Той спечели най-голямата слава благодарение на голям търг на Sotheby's, където продаде творбата си, озаглавена „Фундаментален лексикон“, за най-високата цена, която стана рекорд. В момента живее и работи както в Ню Йорк, така и в Москва, поради което го наричат ​​още американски художник.

Този руски художник се отличава с това, че изобразява реалистични неща с изключителна прецизност. Истинската му творческа дейност започва от момента, в който през 1985 г., когато излага в Малая Грузинская, той печели вниманието и признанието на колекционери от Ню Йорк. Оттогава негови творби са излагани в много европейски страни и се намират в изложбени центрове в Америка, Германия и Полша. Сега живее и развива творческа дейност в Москва.

Този дует, уви, съществува до 2003 г., но има огромен успех. Двама руски художници станаха известни благодарение на създаването на такова движение като Sots Art, което е издънка на неофициалното изкуство. Това беше своеобразен отговор на създаването на поп арт на Запад. Платна с произведения на тези художници са в големи музеи, включително Лувъра.

Руският художник е известен с това, че съчетава в творчеството си както живопис, така и текст, което по-късно започва да се нарича социално изкуство. През съветския период е популярен като илюстратор на детски книги. Известно време живее в Ню Йорк, след това в Париж. Той е първият художник, който прави изложба в Центъра Помпиду. Творческите му творби се намират в Третяковската галерия, Руския музей и Центъра Помпиду.

Този талантлив руски художник, работещ заедно със съпругата си Емилия, може да се счита за главния художник на страната, основател на московския концептуализъм. Той е роден в Днепропетровск през 1933 г., но от 1988 г. живее в Ню Йорк. Негови творби могат да се видят в Ермитажа, Третяковската галерия и Руския музей. Иля получи наградата на японския император, а двете му творби, наречени „Бръмбар“ и „Луксозна стая“, са най-скъпите картини.