Какво е рисуване? Техники на рисуване. Развитие на живописта

). Въпреки това, за целите на тази статия ще разгледаме само обектно изкуство.

Исторически всички жанрове са разделени на високи и ниски. ДА СЕ висок жанрили историческата живопис включва произведения от монументален характер, носещи някакъв вид морал, значима идея, демонстриращи исторически, военни събития, свързани с религия, митология или художествена измислица.

ДА СЕ нисък жанрвключваше всичко свързано с ежедневието. Това са натюрморти, портрети, битови картини, пейзажи, анимализъм, изображения на голи хора и др.

Анимализъм (лат. animal - животно)

Анималистичният жанр възниква в древни времена, когато първите хора рисуват хищни животни върху скалите. Постепенно тази посока се превърна в независим жанр, предполагащ изразително изобразяване на всякакви животни. Анималистите обикновено имат голям интерес към животинския свят, например могат да бъдат отлични ездачи, да отглеждат домашни любимци или просто да изучават навиците си дълго време. В резултат на намеренията на художника животните могат да изглеждат реалистично или под формата на художествени образи.

Сред руските художници много бяха добре запознати с конете, например, и. Така в известната картина на Васнецов „Богатирите“ героичните коне са изобразени с най-голямо умение: цветовете, поведението на животните, юздите и връзката им с ездачите са внимателно обмислени. Серов не обичаше хората и смяташе коня в много отношения за по-добър от човек, поради което често го изобразяваше в различни сцени. въпреки че рисува животни, той не се смята за анималист, така че мечките в известната му картина „Сутрин в борова гора“ са създадени от анималиста К. Савицки.

В царските времена портретите с домашни любимци, които са скъпи на човека, стават особено популярни. Например на картината императрица Екатерина II се появи с любимото си куче. Животни присъстваха и в портретите на други руски художници.

Примери за картини на известни руски художници в битовия жанр

Историческа живопис

Този жанр включва монументални картини, които са предназначени да предадат на обществото грандиозен план, някаква истина, морал или да демонстрират значими събития. Включва произведения на исторически, митологични, религиозни теми, фолклор, както и военни сцени.

В древните държави митовете и легендите отдавна се считат за събития от миналото, така че често са изобразявани на фрески или вази. По-късно художниците започват да отделят случилите се събития от фантастиката, което се изразява предимно в изобразяването на бойни сцени. В Древен Рим, Египет и Гърция сцени от героични битки често са били изобразявани върху щитовете на победителите, за да демонстрират триумфа си над врага.

През Средновековието, поради господството на църковните догми, преобладава религиозната тематика, през Ренесанса обществото се обръща към миналото главно с цел прослава на своите държави и владетели, а от 18 век този жанр често се обръща към с цел обучение на младежта. В Русия жанрът става широко разпространен през 19 век, когато художниците често се опитват да анализират живота на руското общество.

В произведенията на руски художници е представена например бойна живопис и. Той засяга митологични и религиозни теми в картините си. Сред тях преобладава историческата живопис, сред тях - фолклорът.

Примери за картини на известни руски художници в жанра на историческата живопис

Натюрморт (френски nature - природа и morte - мъртъв)

Този жанр на живописта е свързан с изобразяването на неодушевени предмети. Те могат да бъдат цветя, плодове, съдове, дивеч, кухненски прибори и други предмети, от които художникът често създава композиция по свой план.

Първите натюрморти се появяват в древните страни. В Древен Египет е било обичайно да се изобразяват дарове на боговете под формата на различни храни. В същото време разпознаването на обекта беше на първо място, така че древните художници не се интересуваха особено от светлосенката или текстурата на предметите от натюрморта. В Древна Гърция и Рим цветята и плодовете са били намерени в картини и в къщи за интериорна декорация, така че са били изобразявани по-автентично и живописно. Формирането и разцветът на този жанр се случва през 16-ти и 17-ти век, когато натюрмортите започват да съдържат скрити религиозни и други значения. В същото време се появиха много разновидности в зависимост от обекта на изображението (цветя, плодове, учен и др.).

В Русия рисуването на натюрморт процъфтява едва през 20 век, тъй като преди това се използва главно за образователни цели. Но това развитие беше бързо и завладяно, включително абстрактното изкуство с всичките му направления. Например, той създава красиви композиции от цветя в, ​​предпочита, работи и често „съживява“ своите натюрморти, създавайки у зрителя впечатлението, че чиниите са на път да паднат от масата или че всички предмети са на път да започнат да се въртят .

Обектите, изобразявани от художниците, разбира се, са повлияни от техните теоретични възгледи или мироглед и състояние на духа. Така това са обекти, изобразени според открития от него принцип на сферична перспектива, и експресионистични натюрморти, удивляващи със своята драма.

Много руски художници са използвали натюрморта главно за образователни цели. Така той не само усъвършенства художествените си умения, но и провежда много експерименти, подреждайки предмети по различни начини, работейки със светлина и цвят. експериментира с формата и цвета на линията, понякога се отдалечава от реализма в чист примитивизъм, понякога смесва и двата стила.

Други художници комбинираха в натюрморти това, което преди това са изобразили с любимите си неща. Например в картините можете да намерите любимата му ваза, ноти и портрет на съпругата му, които той е създал преди това, и той изобразява любимите си цветя от детството.

Много други руски художници са работили в същия жанр, например, и други.

Примери за картини на известни руски художници в жанра натюрморт

Голо (на френски nudite - голота, съкратено ню)

Този жанр има за цел да изобрази красотата на голото тяло и се появи преди нашата ера. В древния свят се е обръщало голямо внимание на физическото развитие, тъй като от него е зависело оцеляването на цялата човешка раса. Така в Древна Гърция атлетите традиционно се състезавали голи, за да могат момчетата и младите мъже да видят добре развитите си тела и да се стремят към същото физическо съвършенство. Около 7-6в. пр.н.е д. Появиха се и голи мъжки статуи, олицетворяващи физическата сила на мъжа. Женските фигури, напротив, винаги се представяха на публиката в дрехи, тъй като не беше обичайно да се излага женското тяло.

В следващите епохи отношението към голотата се променя. Така през елинизма (от края на VI в. пр. н. е.) издръжливостта минава на заден план, отстъпвайки място на възхищението от мъжката фигура. По същото време започват да се появяват първите голи женски фигури. В епохата на барока жените с извити фигури са били смятани за идеални; във времената на рококо чувствеността е от първостепенно значение, а през 19-20 век картини или скулптури с голи тела (особено мъжки) често са били забранявани.

Руските художници многократно се обръщат към жанра на голото тяло в своите творби. И така, това са танцьорки с театрални атрибути, това са позиращи момичета или жени в центъра на монументални сцени. Това има много чувствени жени, включително двойки, има цяла поредица от картини, изобразяващи голи жени в различни дейности, и това има момичета, пълни с невинност. Някои, например, изобразяват напълно голи мъже, въпреки че такива картини не са били приветствани от обществото по онова време.

Примери за картини на известни руски художници в голи жанр

Пейзаж (на френски Paysage, от pays - терен)

В този жанр приоритет е изобразяването на естествената или създадена от човека среда: природни местности, изгледи на градове, села, паметници и др. В зависимост от избрания обект се разграничават природни, индустриални, морски, селски, лирични и други пейзажи.

Първите пейзажи на древни художници са открити в неолитни скални рисунки и представляват изображения на дървета, реки или езера. По-късно природният мотив се използва за украса на дома. През Средновековието пейзажът е почти напълно заменен от религиозни теми, а през Ренесанса, напротив, на преден план излиза хармоничната връзка между човека и природата.

В Русия пейзажната живопис се развива от 18 век и първоначално е ограничена (в този стил са създадени например пейзажи), но по-късно цяла плеяда талантливи руски художници обогатява този жанр с техники от различни стилове и движения. създава така наречения нисък пейзаж, тоест вместо да преследва невероятни гледки, той изобразява най-интимните моменти от руската природа. и стигна до лиричен пейзаж, който удиви публиката с фино предаденото си настроение.

И това е епичен пейзаж, когато на зрителя се показва цялото величие на околния свят. безкрайно обърнат към древността, Е. Волков знаеше как да превърне всеки дискретен пейзаж в поетична картина, удиви зрителя с невероятната си светлина в пейзажите и можеше безкрайно да се възхищава на горски ъгли, паркове, залези и да предаде тази любов на зрителя.

Всеки от пейзажистите концентрира вниманието си върху пейзажа, който го очарова особено силно. Много художници не можеха да пренебрегнат мащабните строителни проекти и рисуваха много индустриални и градски пейзажи. Сред тях има творби и на други художници. очарован от паметниците, и

Думата "живопис" произлиза от руските думи "живея" и "пиша", което води до фразата "жива буква". Картината означава изображение на реалния свят, нарисувано с помощта на импровизирани материали (моливи, бои, пластилин и др.) върху плоски повърхности. Можем да кажем, че е и проекцията на реалния свят през призмата на въображението на художника

Видове живопис

Това е пълно с разнообразие от видове и техники за изобразяване на реалността, които зависят не само от техниката на изпълнение на произведението на художника и използваните материали, но и от съдържанието и семантичното послание на творчеството. За да предаде чувства, емоции и мисли, художникът използва преди всичко правилата на играта с цвят и светлина: връзката на цветовите нюанси и играта на светлините и сенките. Благодарение на тази тайна картините се оказват наистина живи.

За да постигнете този ефект, трябва умело да използвате цветни материали. Следователно живописта, чиито видове зависят от техниката на рисуване и видовете бои, може да използва акварел, масло, темпера, пастел, гваш, восък, акрил и др. Всичко зависи от желанието на художника.

В изобразителното изкуство има следните основни видове живопис:

1. Монументална живопис. Самото име на този вид изкуство подсказва, че творението ще живее много векове. Този тип предполага симбиоза на архитектура и изобразително изкуство. Монументалната живопис най-често може да се види в религиозни храмове: това са боядисани стени, сводове, арки и тавани. Когато рисунката и самата сграда станат едно цяло, такива произведения имат дълбок смисъл и носят световна културна стойност. Стенописите по-често попадат в този вид живопис. По правило те се правят не само с бои, но и с керамични плочки, стъкло, цветни камъни, раковини и др.

2. Станкова живопис. Видовете такова изобразително изкуство са много често срещани и достъпни за всеки художник. За да може картината да се счита за статив, творецът ще се нуждае от платно (стальт) и рамка за него. Така картината ще има самостоятелен характер и няма значение къде и в каква архитектурна структура се намира.

3. Видовете и формите на изразяване на творчеството са неограничени и този вид изкуство може да служи като доказателство. съществува от хиляди години: това са декорации за дома, рисуване на съдове, създаване на сувенири, рисуване на тъкани, мебели и т.н. Същността на творчеството е, че предметът и дизайнът върху него стават едно цяло. Счита се за лош вкус, когато художник изобразява напълно неподходящ дизайн върху обект.

4. предполага визуален дизайн за театрални представления, както и за кино. Този вид изкуство позволява на зрителя по-точно да разбере и приеме образа на пиеса, представление или филм.

Жанрове на живописта

В теорията на изкуството също е важно да се прави разлика между жанровете на живописта, всеки от които има свои собствени характеристики:

Портрет.

Натюрморт.

Иконопис.

Анимализъм.

История.

Това са основните, които съществуват от дълго време в историята на изкуството. Но прогресът не стои неподвижен. Всяка година списъкът с жанрове расте и се увеличава. Така се появи абстракция и фантазия, минимализъм и т.н.

Видове изобразително изкуство.

Рисуване

Рисуването е една от най-старите форми на изкуство, свързана с предаване на визуални образи чрез нанасяне на бои върху твърда или гъвкава основа. Най-често срещаните произведения на живописта са тези, изпълнявани върху плоски или почти плоски повърхности, като платно, опънато върху носилка, дърво, картон, хартия, обработени стенни повърхности и др. В тесен смисъл терминът живопис се противопоставя на произведения, създадени върху хартия, за която се използва терминът - графични изкуства.

Ирина Шанко
"Март, на брега на Финския залив"
платно, масло
33/58
2011 г

Класификация.

Живописта също може да се раздели на стативна и монументална. Ето едно приблизително разделение на тези типове, въпреки че почти всеки материал от стативната живопис може да се използва в монументалната живопис. Станковата живопис включва „малки“ произведения, които могат да бъдат поставени на статив или на няколко. Монументална живопис, чиято основа обикновено не се толерира - стена, таван и др.

статив:

Маслената живопис е техника, която използва бои с растително масло като основно свързващо вещество. Маслените бои се състоят от сухи пигменти и изсушаващо масло.

Шанко Ирина, "Спящи лодки", маслени бои, платно, 50/60, 2014 г.

Темперна живопис, свързващото вещество е жълтък от кокоше яйце.

Този вид живопис получи името си от името на боята - темпера. Думата се основава на латинското temperare, което означава „смесвам“. Технологията на производство на тази боя беше приблизително следната. Пигментите се смилат с вода и се сушат. След това се смесват с яйце, разредено лепило, оцет, вино или бира.

Техниката на рисуване с темпера се състои в последователно нанасяне на няколко слоя. Върху подготвената повърхност се нанася лек слой боя. Първо, художниците очертаха контурите, изобразиха околната среда, природата и облеклото. На последния етап бяха нарисувани изображения на хора. В същото време при темперната живопис беше много важно всеки от слоевете да изсъхне добре, в противен случай следващите можеха да се размажат. За щастие структурата на боите им позволи да изсъхнат много бързо. Следователно работата на художника върху изображението продължи почти непрекъснато.

Андрей Рубльов, "Троица", 1411 или 1425-27, дърво, темпера, 142/114 см, Държавна Третяковска галерия, Москва.

_____________________________________________________________________________________________________

Лепило, базирано на животинско лепило Техника, при която лепилото служи като свързващо вещество за пигмента: животински (риба, плът, кост, казеин) или растителен (нишесте, гума, трагакант).

Боите при боядисване с лепило са непрозрачни, покривни, повърхността за боядисване е матова. С високо съдържание на лепило в боята повърхността придобива блясък и цветът става по-интензивен.

Мария със спящия Исус, 1455 г.

_____________________________________________________________________________________________________

Енкаустика, рисуване с восъчни бои.

Енкаустиката (от старогръцки ἐγκαυστική – [изкуството на] горене) е живописна техника, при която восъкът е свързващото вещество на боите. Боядисването се извършва с разтопени бои (откъдето идва и името).

Апостол Петър (началото на 6 век)

_____________________________________________________________________________________________________

Монументален:

Фреска, една от техниките за стенопис, характеризираща се с рисуване върху мокра мазилка.

Фреско (от италиански fresco - свеж), афреско (италиански affresco) - рисуване върху мокра мазилка е една от стенописните техники, противоположна на "A secco" (рисуване върху суха). Когато изсъхне, съдържащата се в мазилката вар образува тънък прозрачен калциев филм, което прави фреската издръжлива.

Понастоящем терминът „фреско“ може да се използва за обозначаване на всяка стенопис, независимо от техниката му (секо, темпера, маслена живопис, акрилна живопис и др.). Понякога рисуват върху вече изсъхнала фреска с темпера.

Римска фреска, 40-30 г. пр.н.е. д.

_____________________________________________________________________________________________________

А secco, за разлика от фреското, е рисуване върху суха мазилка.

А secco се нарича още казеинова и силикатна живопис (Минералната живопис е технически вид монументална живопис, основана на използването на разтворимо стъкло като свързващо вещество.) върху изсъхнала мазилка. Използва се за извършване на работа както на вътрешни, така и на външни повърхности на сгради. Техниката позволява последващи корекции с темпера и измиване с чиста вода.

Леонардо да Винчи. Тайната вечеря.1498

_____________________________________________________________________________________________________

Сграфито, стенопис, чиято същност е многостепенното нанасяне на боя.

Сграфито (на италиански: sgraffito) или графито (на италиански: graffito) е техника за създаване на стенни изображения, чието предимство е голямата им издръжливост.

Най-простият случай на двуцветно сграфито е нанасянето на един слой мазилка върху стената, която се различава по цвят от основата. Ако надраскате слой на места, долният, с различен цвят, ще се оголи и ще получите двуцветна шарка. За да се получи многоцветно сграфито, върху стената се нанасят няколко слоя мазилка с различни цветове (мазилката е боядисана с различни пигменти); след това мазилката се изстъргва на различна дълбочина, за да се разкрие слой с желания цвят.

Такива картини са много трудоемки и трудни за коригиране, следователно, когато рисувате с тази техника, често се използва шаблон, за да се избегнат грешки.

Двуцветно сграфито, Бржезнице, Чехия

_____________________________________________________________________________________________________

Акрилни, вододисперсни бои.

Акрилните бои стават по-тъмни, когато изсъхнат. Те могат да се използват и като алтернатива на маслената боя, използвайки добре познати техники. Съхнат много бързо - това е предимството им пред другите бои. Може да се прилага както в много течно, разредено състояние (разреден с вода), така и в пастообразно състояние, сгъстено със специални сгъстители, използвани от художниците, докато акрилът не образува пукнатини, за разлика от маслените бои. Боята се нанася като равномерен филм, има лек блясък, не изисква фиксиране с фиксатори или лакове и има свойството да образува филм, който се отмива след изсъхване само със специални разтворители.

Акрилните бои и лакове могат да се използват върху всякакви немазни основи.

Прясната акрилна боя може лесно да се отстрани от предметите с вода, но когато изсъхне, са необходими специални разтворители.

_____________________________________________________________________________________________________

Контур - линейни очертания на изобразената фигура, нейния контур.

Абстрактно изкуство - едно от формалистичните направления в изобразителното изкуство, възникнали в края на 19 - началото на 20 век. Абстракционистите изоставиха изобразяването на предмети и явления от обективния свят (оттук и другото име на абстракционизма - безпредметно изкуство). Тяхната работа е опит да изразят чувствата и мислите си чрез цветови комбинации от самите петна или линии, без да изобразяват реални обекти и предмети. Абстракционистите изоставиха рисунката, перспективата, цвета и всички други средства на визуалния език на изкуството на живописта. По този начин те нарушават професионалните основи на живописта и унищожават нейните истински художествени възможности. Абстракционизмът обезобразява естетическия вкус на хората и ги отдалечава от разбирането за красотата на природата и живота.

Адаптация - способността на окото да се адаптира към определени условия на осветление. Има адаптации към светлината, тъмнината и цвета. Особеността на последното е способността на окото да не забелязва цвета на осветлението на обектите.

В здрач и обикновено при слаба светлина, нервните окончания (фоторецептори), наречени пръчици в окото, са най-чувствителни към светлина. С тяхна помощ окото възприема черно-бели градации. При силна светлина през деня други фоторецептори, колбичките, чрез които се възприема цвета, са по-чувствителни. При адаптиране към светлина чувствителността на зрението намалява, а при адаптиране към тъмнина се увеличава. Когато окото се адаптира към тъмнината, ние започваме ясно да различаваме детайлите на пейзажа. Поради повишената чувствителност на окото към тъмнината в облачен ден и в здрач, начинаещият художник губи от поглед нивото на общото осветление, което при тези условия е много по-слабо, отколкото в слънчев или светлосив ден. При здрач светлинните обекти не му изглеждат намалени в лекота до степен, в която осветеността е станала по-ниска от предишната дневна осветеност. Той също така слабо забелязва по-близките тонални връзки, характерни за здрача и сивия ден. Освен това, въпреки затъмняването, начинаещият художник разграничава в природата (или сянката) много фини градации на светлина и сянка върху обектите и позволява прекомерна пъстрота и фрагментация. Така отначало той не е в състояние точно да оцени и предаде тези действителни промени в лекотата и цвета, които се случват в природата.

Адаптацията се основава на различни промени, които настъпват в окото ни, когато интензитетът на осветеност се промени. Например, през деня зеницата намалява с 1-2 мм, в резултат на което малко светлина преминава в окото. На тъмно се разширява с 8-10 мм, като пропуска много светлина. Знаейки, че площта на зеницата е пропорционална на квадрата на диаметъра, можем да установим, че ако зеницата се удвои по размер, тогава количеството светлина, което предава, се увеличава четирикратно; ако зеницата се увеличи четири пъти, количеството светлина, което пропуска, се увеличава 16 пъти. Това отчасти е причината да различаваме основните светлинни съотношения при здрач. По този начин зеничният рефлекс към светлина и тъмнина компенсира до известна степен намаляването на осветеността.

Академизъм - оценъчен термин, отнасящ се до онези движения в изкуството, чиито представители са изцяло ориентирани към утвърдените художествени авторитети, вярват, че прогресът на модерното изкуство не е в жива връзка с живота, а в най-близкото му доближаване до идеалите и формите на изкуството от минали епохи, и защитават абсолютната, независима от мястото и времето норма на красотата. Исторически академизмът се свързва с дейността на академии, които възпитават млади художници в духа на необосновано следване на художествените образци на античността и италианския Ренесанс. Възникнала за първи път в Болонската академия от 16-ти век, тази тенденция е широко развита в академиите от следващите времена; това е характерно и за Руската академия на изкуствата през 19 век, което предизвиква борба с академията на напредналите художници реалисти. Канонизирайки класическите методи и сюжети, академизмът огради изкуството от модерността, обявявайки го за „ниско“, „долно“, недостойно за „високо“ изкуство.

Понятието академизъм не може да се отъждестви с всички дейности на художествените академии от миналото. Академичната образователна система имаше много предимства. По-специално, въз основа на дълга традиция, висока култура на рисуване, която беше един от най-силните аспекти на академичното образование.

Акварелни бои - лепило на водна основа, направено от фино смлени пигменти, смесени с гума, декстрин, глицерин, понякога с мед или захарен сироп; Произвеждат се сухи - под формата на плочки, полусурови - в порцеланови чаши или полутечни - в туби.

В акварела можете да рисувате върху суха или влажна хартия веднага, пълноцветно, и можете да работите с глазури, като постепенно изяснявате цветовите отношения на природата. Трябва да знаете, че акварелът не търпи корекции, мъчения или многобройни прерисувания със смесени бои.

Често художниците използват акварелната техника в комбинация с други материали: гваш, темпера, въглен. Но в този случай се губят основните качества на акварелната живопис - наситеност, прозрачност, чистота и свежест, тоест точно това, което отличава акварела от всяка друга техника.

Акцент - техниката за подчертаване с линия, тон или цвят на всеки изразителен обект, детайли на изображението, към които е необходимо да се насочи вниманието на зрителя.

Alla prima -- техническа техника в акварела или маслената живопис, която се състои в това, че скица или картина се рисува без предварителни маркировки и подрисуване, понякога наведнъж, в една сесия.

Художник на животни - художник, посветил работата си предимно на изобразяването на животни.

Ахроматични цветове - бяло, сиво, черно; Те се различават само по лекота и липса на цветен тон. За разлика от тях има хроматични цветове, които имат цветови нюанс с различна лекота и наситеност.

Blik - елемент на chiaroscuro, най-яркото място на осветената (предимно лъскава) повърхност на обект. С промяна на гледната точка, акцентът променя местоположението си върху формата на обекта.

Valeur - термин от художествената практика, който определя качествената страна на отделен, предимно светлосенчест тон, в отношенията му с околните тонове. В реалистичната живопис материалните свойства на обективния свят се предават главно чрез обективно правилни тонални отношения. Но за да възпроизведе живо, цялостно материалността, пластичността и цвета на обекта при определено състояние на осветеност и в определена ситуация, художникът трябва да постигне много голяма точност и изразителност в отношенията на тоновете; богатството и тънкостта на връзките между преходите, водещи до изразителността на живописта, са основните характеристики на valeur. Сред най-големите майстори на 17-19 век. - като Веласкес, Рембранд, Шарден, Репин - живописта винаги е богата на стойност.

Визията е живописна - виждане и разбиране на цветовите отношения на природата, като се отчита влиянието на околната среда и общото състояние на осветеност, което е характерно за природата в момента на нейното изобразяване. В резултат на такава визия в скицата се появява правдивостта на светлинните и цветови отношения, богатството на топли и студени нюанси, тяхното цветово единство и хармония, предавайки природата с цялото благоговение на живота. В този случай те говорят за живописността на скица или картина.

Артистична визия - способност да се дава необходимата естетическа оценка на качествата, заложени в природата. Преди да изобрази природата, художникът вече вижда в основните й черти нейното фигуративно живописно решение, като се съобразява с определен материал.

Витражи - рисуване върху стъкло с прозрачни бои или орнамент от парчета разноцветно стъкло, закрепени с метална подвързия, използвани за запълване на отвори за прозорци и врати. Светлинните лъчи, проникващи през стъклото, придобиват повишена яркост и образуват игра на цветни отражения в интериора.

Въздушна перспектива - видими промени в някои характеристики на обекти под въздействието на въздуха и пространството. Всички близки обекти се възприемат ясно, с много детайли и текстура, докато далечните обекти се възприемат общо, без детайли. Контурите на близките обекти изглеждат остри, докато тези на далечните обекти изглеждат меки. На голямо разстояние светлите обекти изглеждат по-тъмни, а тъмните – по-светли. Всички близки обекти имат контрастираща светлинна светлина и изглеждат триизмерни, всички далечни обекти имат слаба светлинна светлина и изглеждат плоски. Благодарение на въздушната мъгла, цветовете на всички далечни обекти стават по-малко наситени и придобиват цвета на тази мъгла - синьо, млечно бледо или виолетово. Всички близки обекти изглеждат многоцветни, докато далечните обекти изглеждат едноцветни. Художникът взема предвид всички тези промени, за да предаде пространството и състоянието на осветеност - важни качества на пленерната живопис.

Визуално възприемане - процесът на отразяване на обекти и явления от реалността в цялото разнообразие от техните свойства, които пряко засягат органите на зрението. Наред със зрителните усещания във възприятието участва и минал опит от знания и представи за конкретен обект. Възможно е да се разбере и разбере същността на това, което се възприема, само ако наблюдаваните обекти и явления се сравняват с вече видени (постоянно и постоянно зрително възприятие). Към това трябва да се добави, че визуалното възприятие е придружено от асоциативни усещания, чувство за красота, които са свързани с лично преживяване на сетивни преживявания от влиянието на околната среда.

Цветова гама - цветове, които преобладават в дадено произведение и определят характера на цветовата му структура. Казват: гама от студени, топли, бледи нюанси на цвета и т.н.

Хармония - връзка, пропорционалност, последователност. В изобразителното изкуство - комбинация от форми, връзката на части или цветове. В живописта това е съответствието на детайлите с цялото не само по размер, но и по цвят (цветово единство, гама от свързани нюанси). Източникът на хармония са моделите на промяна на цвета в природните обекти под въздействието на силата и спектралния състав на осветлението. Хармонията на цветовата структура на скица или картина също зависи от характеристиките на физиологията и психологията на визуалното възприемане на светлината и цветовите качества на обективния свят (контрастно взаимодействие на цветовете, феноменът на ореола и др.).

Гравиране- печатна репродукция на рисунка, изрязана или гравирана върху дървена дъска (дървогравюра), линолеум (линогравюра), метална плоча (офорт), камък (литография) и др. Особеност на гравюрата е възможността за нейното копиране: от една дъска, гравирана от художника, можете да отпечатате голям брой многоцветни отпечатъци (печати). В зависимост от естеството на обработка на печатната форма (картон или плоча) и метода на печат се прави разлика между изпъкнало и дълбоко гравиране.

Графични изкуства - един от видовете изобразително изкуство, близък до живописта по съдържание и форма, но имащ свои задачи и художествени възможности. За разлика от живописта, основното визуално средство на графиката е едноцветна рисунка (т.е. линия, chiaroscuro); ролята на цвета остава относително ограничена в него. От техническа страна графиката включва рисуване в правилния смисъл на думата във всичките му разновидности. По правило графичните произведения се изпълняват на хартия, а понякога се използват и други материали.

В зависимост от предназначението и съдържанието графиката се разделя на станкова графика, която включва произведения със самостоятелно значение (които не изискват задължителна връзка с художествения текст за разкриване на съдържанието си и не се ограничават до стеснена, строго определена практическа цел), книжна графика, която образува идейно-художествено единство с литературния или придружаващия текст и същевременно предназначена за декоративно-художествено оформление на книга, плакат, който е най-разпространеният вид изобразително изкуство, предназначен да осъществява политически, пропаганда, художествено производство или приложни задачи чрез художествени средства (етикети, сертификати, пощенски марки и др.).

Гризай - изображение в черно-бяла боя (или едноцветно, например кафяво); Често се използва за спомагателна работа при извършване на подрисуване или скициране, както и за образователни цели при овладяване на техниките на тонални изображения, изпълнени с акварелни или маслени бои. Изображението се създава само на базата на тоналните (светлинни) съотношения на обектите в натурален мащаб.

Грундиране - тънък слой от специален състав (лепило, масло, емулсия), нанесен върху платно или картон, за да придаде на повърхността им желания цвят и текстурни свойства и да ограничи прекомерната абсорбция на свързващото вещество (масло). Ако работите с маслени бои върху негрундирана основа (например платно), боите не залепват, изсъхват, маслото от боята попива в тъканта, разрушавайки платното и слоя боя. Въз основа на състава на свързващото вещество се разграничават почвите: масло, лепило, емулсия, синтетика. По цвят - тонирани и цветни. Грундът, като правило, се състои от 3 елемента: тънък слой лепило, който покрива цялата повърхност на платното с филм (т.е. оразмеряване) и няколко слоя грунд боя, включително тънък завършващ слой. Оразмеряване - тънък слой лепило (дърводелско, казеиново или желатиново) - предпазва платното от проникване на грунд боя или масло в тъканта или върху задната страна на платното и здраво свързва следващите слоеве грунд към платното. Грундовата боя изравнява повърхността на платното, създава необходимия (обикновено бял) цвят и осигурява здрава връзка на слоя боя с грунда.

Грунд - в технологията на боядисване: процесът на нанасяне на грунд върху повърхност, предназначена за боядисване.

гваш - боя на водна основа с голяма покривност. Боите изсветляват бързо след изсъхване и е необходим значителен опит, за да се предвиди степента, в която тонът и цветът им ще се променят. Използват гваш бои, за да пишат върху хартия, картон и шперплат. Творбите са с матова кадифена повърхност.

Детайлиране - внимателно проучване на детайлите на формата на обектите в изображението. В зависимост от задачата, която художникът си поставя, степента на детайлност може да варира.

Допълнителни цветове - два цвята, които произвеждат бяло при оптично смесване (червено и синкаво-зелено, оранжево и синьо, жълто и синьо, виолетово и зеленикаво-жълто, зелено и лилаво). Когато тези двойки допълващи се цветове се смесят механично, се получават нюанси с намалена наситеност. Допълващите се цветове често се наричат ​​контрастни цветове.

Жанр - исторически установено вътрешно разделение във всички видове изкуство; Видът на произведението на изкуството в единството на специфичните свойства на неговата форма и съдържание. Понятието "жанр" обобщава характеристиките, характерни за огромна група произведения на всяка епоха, нация или световно изкуство като цяло. Всяка форма на изкуство има своя система от жанрове. В изобразителното изкуство - въз основа на предмета на изображението (портрет, натюрморт, пейзаж, историческа и батална живопис), а понякога и естеството на изображението (карикатура, карикатура).

Рисуване - един от основните видове изобразително изкуство. Правдивото предаване на външния вид на обекта, неговите външни характеристики е възможно и с графични средства - линия и тон. Но само живописта може да предаде всички изключително разнообразни цветове на околния свят.

Според техниката на изпълнение живописта се разделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, стъклопис, акварел, гваш, пастел. Тези наименования произлизат от класьора или от използваните материално-технически средства. Целта и съдържанието на картината изискват избора на такива визуални средства, с помощта на които най-пълно може да се изрази идейно-творческият замисъл на художника.

По жанр живописта се разделя на стативна, монументална, декоративна, театрално-декоративна и миниатюрна.

Декоративна живопис няма самостоятелно значение и служи като декорация на екстериора и интериора на сградите под формата на цветни панели, които с реалистични изображения създават илюзията за „пробив“ на стената, увеличавайки размера на помещението или, напротив, , с умишлено сплескани форми, визуално стесняват и затварят пространството. Модели, венци, гирлянди и други видове декор, които украсяват произведения на монументалната живопис и скулптура, свързват заедно всички елементи на интериора, подчертавайки тяхната красота и съответствие с архитектурата. Декоративната живопис също украсява неща: ковчежета, ковчежета, подноси, сандъци и др. Неговите теми и форми са подчинени на предназначението на нещата.

Миниатюрна живопис получи голямо развитие през Средновековието, преди изобретяването на печата. Ръкописните книги бяха украсени с най-добрите заглавия, окончания, подробни илюстрации и миниатюри. Руските художници от първата половина на 19 век умело използват техниката на рисуване на миниатюри, когато създават малки (предимно акварелни) портрети. Чисти дълбоки акварелни цветове, техните изящни комбинации и изящна финост на писане отличават тези портрети.

Монументална живопис - специален вид мащабни картини, украсяващи стените и таваните на архитектурни конструкции (фреска, мозайка, пано). Тя разкрива съдържанието на основни обществени явления, оказали положително влияние върху развитието на обществото, възхвалява ги и ги увековечава. Височината на съдържанието на монументалната живопис, значителният размер на нейните произведения и връзката с архитектурата изискват големи цветови маси, строга простота и лаконизъм на композицията, яснота на силуетите и обща пластична форма.

Станкова живопис - наименованието идва от машината (стальта), на която се създава картината. Използваната материална основа е дърво, картон, хартия, но най-често опънато на носилка платно. Картината е поставена в рамка и се възприема като самостоятелно произведение на изкуството, независимо от заобикалящата я среда. В тази връзка, за създаване на произведения на станковата живопис се използват малко по-различни художествени средства, дават се по-фини и подробни цветови и тонални отношения, дават се по-сложни и подробни психологически характеристики на героите.

Театър и декоративна живопис - декори, костюми, грим, реквизит, изработени по скици на художника; помагат за по-дълбоко разкриване на съдържанието на представлението. Специалните театрални условия за възприемане на живописта изискват отчитане на множеството гледни точки на публиката, тяхната по-голяма дистанция, влиянието на изкуственото осветление и цветовите акценти. Сценографията дава представа за мястото и времето на действието и активизира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. В скиците на костюми и грим театралният художник се стреми да изрази остро индивидуалния характер на героите, техния социален статус, стила на епохата и много други.

Академична живопис - рисуване, направено за всякакви образователни цели.

Рисуване върху мокро - техническа техника на маслена и акварелна живопис. При работа с масла е необходимо да завършите работата преди боите да изсъхнат и да изключите стъпки като подрисуване, остъкляване и пребоядисване. Суровото рисуване има добре известни предимства - свежест на боядисания слой, добро запазване и сравнителна простота на техниката на изпълнение.

При акварелите, преди да се започне работа върху мокра хартия, хартията се навлажнява равномерно с вода. Когато водата се абсорбира в хартията и изсъхне малко (след 2-3 минути), те започват да пишат; щрихи на боя, лежащи върху влажна повърхност, се размазват, сливат се един с друг, създавайки плавни преходи. По този начин можете да постигнете мекота при предаване на очертанията на обектите, ефирност и пространственост на изображението.

Увяхване - нежелани промени в засъхващия слой боя, поради което картината губи своята свежест, губи блясъка си, звучността на цветовете, потъмнява и става черна. Причината за изсъхването е прекомерно намаляване на свързващото масло в боята, абсорбирано от почвата или подлежащия слой боя, както и нанасянето на бои върху предходен слой блажни бои, който не е напълно изсъхнал.

Пълнота .- този етап от работата върху скица или картина, когато е постигната най-голяма пълнота на въплъщението на творческата концепция или когато е изпълнена определена визуална задача.

„Партиди“ основни бои - предварителна подготовка върху палитрата на смес от цветове, които съответстват на основните тонални и цветови отношения на природни обекти (пейзаж). По време на работния процес в тези основни смеси се въвеждат различни вариации на нюанси и се добавят нови цветове. Въпреки това, цветовете на основните обекти, подготвени върху палитрата, не позволяват да се изпадне в прекомерно оцветяване и не позволяват да се загуби характерът на основните цветови отношения. При акварела тези поддържащи „смеси“ се правят в отделни чаши.

Скица - рисунка от живота, направена предимно извън работилницата с цел събиране на материал за по-значима работа, за упражнение, а понякога и за някаква специална цел (например по указание на вестник, списание). За разлика от технически подобна скица, изпълнението на скицата може да бъде много детайлно.

Идеализацията в изкуството - отклонение от истината на живота поради умишлено или неволно украсяване на обекта на изображението от художника. Идеализацията обикновено се проявява в преувеличаване и абсолютизиране на положителното начало като някакво крайно, уж вече постигнато съвършенство; в изглаждането на житейските противоречия и конфликти; в въплъщение на абстрактен, наджизнен идеал и т.н. Идеализацията винаги означава скъсване с принципите на реализма и по един или друг начин се оказва свързана с идеологията на реакционните класи, които са склонни да се отдалечат от истинската картина на живота и заменят изучаването на реалността със субективно украсени представи за нея.

От идеализацията трябва да се разграничава отразяването в реалистичното изкуство на определен социално прогресивен житейски идеал, който, като важен аспект на идейното съдържание на всеки реалистичен художествен образ, понякога може да бъде определящ принцип в художественото решение на образа.

Идеята на картината - основната идея на произведението, определяща неговото съдържание и образна структура, изразена в подходяща форма.

Илюзорно - сходство на изображението с природата; граничи с оптична илюзия. Поради илюзорността художествената изразителност на произведението и дълбочината на неговото съдържание могат да бъдат загубени, ако в картината желанието за външно сходство затъмнява основното - нейното намерение.

Импресионизъм - посока в изкуството от последната третина на 19 - началото на 20 век, чиито представители се стремят най-естествено и безпристрастно да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост, да предадат своите мимолетни впечатления. Импресионизмът започва през 1860 г. във френската живопис. Е. Мане, О. Реноар, Е. Дега въвеждат в изкуството свежест и спонтанност на възприятието на живота, изобразяването на мигновени, привидно случайни движения и ситуации, очевиден дисбаланс, фрагментарна композиция, неочаквани гледни точки, ъгли, раздели на фигури . През 1870-80г Импресионизмът се появява във френския пейзаж. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley развиват последователна пленерна система. В допълнение към художниците, скулпторите (О. Роден, М. Росо, П. П. Трубецкой) се интересуват от мигновеното движение и плавната форма.

Импресионизмът развива реалистичните принципи на изкуството, но работата на неговите последователи често се отразява в отклонение от изучаването на основните явления на социалната реалност, постоянните стабилни качества на материалния свят. Тази посока на творчество доведе късните импресионисти до формализъм.

Интериор - вътрешен изглед на помещението. Изобразяването на интериор изисква задълбочено познаване на перспективата. Важно е да намерите място, откъдето можете да композирате изображението по по-интересен начин. Завършеният образ на интериора, в допълнение към интересната композиция, правилната перспективна конструкция, разположението на обектите в пространството, трябва да даде представа за осветлението.

Рисуване - произведение на станковата живопис, което вярно въплъщава замисъла на художника, отличаващо се със значимостта на съдържанието, правдивостта и пълнотата на художествената форма. Картината е резултат от дълги наблюдения и размишления върху живота на художника. Предшества се от скици, скици, скици, в които художникът записва отделни явления от живота, събира материал за бъдещата картина и търси основата на нейната композиция и колорит. Когато създава картина, художникът разчита на природата, изхожда от нея както в общата концепция, така и в отделни детайли. Наблюдението, въображението и дизайнът играят голяма роля в този процес. Картината по свой начин носи определена идейно-образна концепция, а изразните форми са визуално надеждни. Всеки детайл, част е свързан с цялото, всеки елемент изразява образ. Декадентските формалистични тенденции се характеризират с криза в сюжета и тематичната картина, отхвърляне на значими идеологически въпроси и психологизъм. Не само, че темата е изхвърлена от картините, но има и скъсване със сюжетното изображение изобщо. Според формата на изображението картината става безсмислена, абстрактна.

Адхезивни бои - сухи бои, произведени на прах и смесени от самия художник с лепилна вода. Добре смлени, те понякога се използват от художници при декориране на репродукции на оригинали като заместители на гвашовите бои. Най-често те се използват за театрални декорации.

Наг - вид мека гума, използвана в случаите, когато трябва да изсветлите тона на засенчване в рисунки с молив. Нагълът е мек и лесно се омесва с пръсти; моливът не се изтрива с него, а се притиска леко към онези части от рисунката, които се изсветляват: графитът залепва върху марката и се задържа за нея, след като се отдели от хартията. Ако областите, които се изсветляват, са много малки, нагълът придобива вид на заострен конус.

Нагът може да бъде направен по следния начин. Обикновена дъвка се поставя в бензин за два до три дни (или керосин), след което се държи още два дни. След това омекотената гума се омесва с картофено брашно (нишесте), като брашното се взема на щипки и с количеството му се регулира вискозитетът на сместа.

Цвят (проучване или рисуване) - естеството на връзката на всички цветови елементи на изображението, неговата цветова структура. Основното му предимство е богатството и последователността на цветовете, които съответстват на самата природа, предавайки в единство с chiaroscuro обективните свойства и състояние на осветеност на изобразения момент. Оцветяването на скицата се определя от: 1) последователност на цветовите отношения, пропорционални на природата, като се вземе предвид общото тонално и цветово състояние на осветеността, 2) богатството и разнообразието от рефлекси на светлинно-въздушната и предметната среда, 3) контрастното взаимодействие на топли и студени нюанси, 4) влиянието на цвета на осветлението, което обединява цветовете на природата, ги прави подчинени и свързани.

Истинското отразяване на състоянието на реалните светлинни условия влияе върху чувствата на зрителя, създава настроение и предизвиква подходящи естетически преживявания.

Четки . Четките се предлагат в колински, катерица и косъмчета. Косматите четки са предназначени за работа с маслени бои, но могат да се използват и при рисуване с темперни и гваш бои. В акварелите се използват четки за катерица и колински. Формите са плоски и кръгли. Размерът на четката се обозначава с цифра. Броят на плоските четки и четките с флейта съответства на тяхната ширина в милиметри, а броят на кръглите четки съответства на техния диаметър (също изразен в милиметри).

След работа с маслени бои измийте четките с топла вода и сапун. Не мийте четките в ацетон: това ще увреди косата ви. Акварелните четки се измиват в чиста вода след употреба. В никакъв случай четките не трябва да се оставят да изсъхнат, особено след работа с маслени бои; поставете четките в буркана с косъм надолу, тъй като косъмът ще се деформира. Измитата четка трябва да бъде увита в хартия, тогава тя ще запази формата си.

Състав - изграждане на скица или картина, съгласуване на нейните части. При изобразяване от натура: подбор и разположение на обекти, избор на най-добра гледна точка, осветление, определяне на формата и размера на платното, идентифициране на композиционния център, подчиняване на второстепенните части на произведението към него. При създаване на картина: избор на тема, разработване на сюжет, намиране на формата и размера на произведението, характеристики на героите, техните взаимоотношения един с друг, пози, движения и жестове, изразителност на лицата, използване на контрасти и ритми - всичко това са компоненти на композиционната структура на картината, служещи за най-доброто въплъщение на замисъла на художника. В такава композиция всичко се взема предвид: масите на обектите и техните силуети, ритъмът, с който са разположени върху платното, перспективата, въображаемата линия на хоризонта и гледната точка на изобразеното, цветът на картината. , групирането на героите, посоката на техните възгледи, посоката на линията на перспективно намаляване на обектите, разпределението на светлосенките, позите и жестовете и др.

Постоянство на визуалното възприятие - тенденцията да се възприема обект, неговия размер, форма, лекота, цвят като стабилни и непроменени, независимо от промените, настъпващи в него (разстояние от зрителя, промени в осветлението, влияния на околната среда и др.) - Постоянство на размера - тенденцията да възприемат размера на даден обект като постоянен, въпреки промяната на разстоянието до него. По правило начинаещите чертожници не забелязват обещаващи промени.

Постоянство на формата - склонността да се възприема действителната форма, дори ако обектът е завъртян така, че изображението му върху ретината да се различава от действителната форма. (Например, квадратно парче хартия, лежащо на маса, изглежда квадратно, дори ако проекцията му върху ретината не е квадратна.)

Постоянство на яркостта - тенденцията да се възприема лекотата на обекта като постоянна, въпреки промените в осветеността; зависи главно от постоянно съотношение на интензитета на светлината, отразена както от обекта, така и от заобикалящата го среда.

Постоянство на цвета - склонността да се възприема цвета на обекта (неговия локален цвят) независимо от променящите се условия на осветление, неговата сила и спектрален състав (денем, вечер, изкуствен).

Поради феномена на константността, възприемането и предаването в рисуването на предмети и явления точно такива, каквито изглеждат на окото при специфични условия на осветеност, в определена среда и на определено разстояние, представлява известна трудност в началото на обучението. Начинаещ художник, въпреки че знае, че цветът се променя в зависимост от условията на осветление, го вижда непроменен и не смее, например, да рисува зелени дървета в лъчите на залязващото слънце като червеникави или да рисува синьото небе като сложна розова охра , както се появява при залез слънце.

За неопитен художник изглежда, че белият предмет е бял във всичките си части, а тъмният предмет е тъмен. Междувременно, в пълномащабна настройка, повърхността на тъмен обект, обърната към светлината, ще отразява повече светлинни лъчи, отколкото сянката на бял обект и следователно сянката на бял обект ще бъде по-тъмна от светлата част на тъмен обект обект.

Докато работи върху пейзажна скица, неопитен художник не забелязва как се приближава здрач, въпреки че осветлението е намаляло значително.

Околните обекти могат да бъдат осветени от светлина с различен спектрален състав, което променя спектралния състав на светлината, отразена от обектите. Но окото на начинаещ художник дори не забелязва тази промяна в цвета.

Постоянството на възприятието може да се увеличи и засили по много причини. Колкото по-силно е хроматичното осветление и колкото по-голямо е разстоянието, от което се наблюдава обектът, толкова по-слабо се проявява постоянството. Способността на повърхността на обекта да отразява силно светлинните лъчи също допринася за постоянното възприятие: светлите предмети показват по-забележимо влиянието на цвета на осветлението. Светлинните и цветови адаптации подобряват постоянството на възприятието. Наблюдавайки зимен пейзаж в облачно време, можете да забележите само сложни сивкави нюанси. Ако погледнете същия зимен мотив от прозореца на електрическо осветена стая, пейзажът извън прозореца ще се възприеме като наситено синкав. Ако напуснете стаята под открито небе, след няколко минути синият тон на пейзажа ще изчезне. По същия начин, нулева константност в публиката се появява при цветно осветление на театралната сцена; след като топлото електрическо осветление в залата изчезне, завесата се отваря и зрителят е възхитен от сцената на зимни, лунни или други светлинни условия.

В резултат на практиката художникът придобива способността да забелязва промените в цвета на обект в природата поради околната среда и осветлението, вижда и предава цялото богатство и разнообразие на външния свят, голямо разнообразие от цветови градации. В резултат на това върху платното се появява убедително осветление, цветът изглежда сложен и обогатен от околната среда и осветлението. Много художници и учители изпълняваха специални упражнения, създавайки визуални модели, за да разберат колористичните особености на различни условия на осветление. К. Моне, например, написа поредица от изследвания, изобразяващи един и същ обект (купа сено), и по този начин изследва промяната в цвета при различни условия на осветление в природата. За да развие постоянно възприятие, Н. Н. Кримов постави бял куб, боядисан от едната страна с черна боя, и го освети от тази страна с мощна лампа, оставяйки бялата страна в сянка. В същото време неговите ученици бяха убедени, че черната, осветена страна на куба е по-светла от бялата, в сянката. Кримов покани учениците да създадат малък картонен екран акордеон, чиито плоскости бяха боядисани в различни цветове и осветени от две страни: от едната страна с електрическа лампа, от другата с дневна светлина. Лъчите от лампата бяха насочени към области, боядисани със студени цветове, докато топлите цветове бяха насочени към дневна светлина. Учениците се убедиха, че условията на осветление значително променят цветовете на обектите и по този начин се освободиха от постоянното възприятие на цветовете.

Начинаещият художник трябва да се освободи от постоянството на възприятието и да може да възприема формата на предмета, неговата лекота и цвят, определени от светлинната среда, осветлението и пространството.

Дизайн - в изобразителното изкуство същност, характерна особеност на структурата на формата, предполагаща естествено съотношение между частите на формата и нейните пропорции.

Контраст - 1) рязка разлика, противопоставянето на две величини: размер, цвят (светло и тъмно, топло и студено, наситено и неутрално), движение и др .; 2) светлинен и хроматичен контраст - явление, при което възприеманата разлика е значително по-голяма от физическата основа. На светъл фон цветът на даден обект изглежда по-тъмен; на тъмен фон изглежда по-светъл. Светлият контраст се проявява най-ясно на границата между тъмни и светли повърхности. Хроматичният контраст е промяна в нюанса и наситеността под влияние на околните цветове (едновременен контраст) или под влияние на предварително наблюдавани цветове (последователен контраст). Например: зеленото до червеното увеличава неговата наситеност. Сивият цвят на червен фон придобива зеленикав оттенък. Хроматичният контраст е по-силен, когато взаимодействащите си цветове са приблизително равни по яркост.

копие - процесът на получаване на копия на чертеж или чертеж; може да се направи по различни начини: чрез прищипване, проследяване, притискане, преначертаване на светлина, преначертаване върху решетка, както и с помощта на пантограф и епидиаскоп.

Пилинг - метод за копиране без промяна на мащаба: оригиналът се поставя върху празен лист хартия и с помощта на тънка игла се убождат всички характерни точки на картината или чертежа, през които след това се изчертават линии с молив върху убодената хартия .

Проследяване - метод за копиране без промяна на мащаба. Върху оригинала се нанася паус, върху който се рисува изображение с молив или мастило; Работната повърхност на проследяващата хартия трябва първо да се обезмасли - избършете с креда на прах или магнезиев карбонат.

Изстискване - метод за копиране без промяна на мащаба: суха трансферна хартия се поставя под оригинала или копието му върху паус; По линиите на оригиналното изображение се рисува заточена игла, поради което преведеното изображение се отпечатва върху празен лист хартия. Обратната страна на оригинала (паус) може да се изтрие с мек молив, като в този случай прехвърленото изображение става по-ясно.

Прерисуване срещу светлината - метод за копиране без промяна на мащаба. Оригиналът се поставя върху стъкло и се покрива с чиста хартия или паус; зад стъклото има източник на светлина (дневна или електрическа); Линиите на оригинала, показващи се през хартията, са очертани с молив. Има специални копирни машини, пригодени за тази цел.

Преначертайте върху мрежата - метод за копиране с възможна промяна в мащаба (увеличаване или намаляване на картината) с помощта на координатна мрежа, направена върху оригинала и празен лист хартия. Изображението е начертано "в клетки". Килиите са изградени квадратни или правоъгълни. Прерисуването в клетки е много трудоемко и не може да предаде точно линиите на оригинала, тъй като се извършва на око и на ръка.

Корпусна (пастообразна) лента за боядисване - изпълнение на скица или картина с плътен, непрозрачен, сравнително дебел слой маслена боя, често с релефна текстура.

Crocs - бърза скица от живота, по-рядко бегло фиксиране на композиционна концепция под формата на рисунка. Терминът "croki" не се използва често; по общото си значение се доближава до по-широкото понятие “скица”.

Дърворезба - гравиране на дърво, основният технически вид повдигната гравюра, най-старата техника на гравиране изобщо. Гравюрата се извършва, като върху дъска, обикновено крушова или букова дървесина, се изрязват онези части от нанесения върху нея гравюрен дизайн, които трябва да останат бели. При надлъжно или ръбово гравиране влакната на плочата са успоредни на нейната повърхност, а работата се извършва предимно с остри ножове. Възможностите на тази техника са относително ограничени, но трудностите са значителни (тъй като устойчивостта на влакнестия материал към ножа е неравномерна в различни посоки). Крайното гравиране се извършва върху дъска, като зърното е перпендикулярно на повърхността; нейният основен инструмент е чакълът, който позволява много фина и разнообразна техника.

За разлика от всеки тип задълбочено гравиране, дърворезбата може да бъде отпечатана заедно с набор на обикновена печатна преса и затова често се използва в илюстрацията на книги.

Късметлия . Художниците лакират почвите, за да ги предпазят от проникването на масла от боите, въвеждат лакове в състава на свързващото вещество на боята, нанасят ги върху втвърдения слой боя преди по-нататъшна работа (за по-добро свързване на слоевете) и накрая лакират готови работи. В същото време лакът подсилва наситеността на цветовете. Лаковото фолио предпазва картината от директен контакт с вредните атмосферни газове, прах и сажди във въздуха. Лаковете в блажната боя спомагат за по-равномерното и бързо изсъхване, а слоевете боя се залепват по-добре с земята и помежду си. Картините е по-добре да се покриват с терпентинови лакове, отколкото с маслени лакове (тогава те потъмняват по-малко). Фиксиращият лак фиксира работи, направени с въглен, сангвина, пастели и акварели.

Моделиране на формата с цвят - процесът на моделиране на обект, идентифициране на неговия обем и материал с цветови нюанси, като се вземат предвид техните промени в лекота и наситеност.

глазура - една от техниките на боядисване, състояща се от нанасяне на много тънки слоеве трайни и полупрозрачни бои върху изсъхнал плътен слой от други бои. В този случай се постига особена лекота и звучност на цветовете, която е резултат от тяхното оптично смесване.

Линогравюра - гравиране върху линолеум, вид повдигната гравюра. По отношение на техниката и художествените средства линогравюрата е подобна на дърворезбата и често се различава от нея в щампа само по липсата на фини детайли.

Литография - в изобразителното изкуство, широко разпространен вид графична техника, свързана с работа върху камък (плътен варовик) или метална плоча, която го замества (цинк, алуминий).

Художникът извършва литография, като рисува върху зърнеста или гладка повърхност на камък с дебел литографски молив и специално мастило. След ецване на камъка с киселина (действаща върху повърхност, която не е покрита с мазнина), дизайнът се отмива: вместо това се нанася печатарско мастило, което полепва само върху негравираните частици от камъка, които точно съответстват на дизайна. Боята се търкаля с валяк върху навлажнения камък; печатът се извършва на специална машина.

Местен цвят - цветова характеристика на даден обект (неговия цвят) и не е претърпял никакви промени. В действителност това не се случва. Цветът на обекта постоянно се променя донякъде под влиянието на силата и цвета на осветлението, околната среда, пространственото разстояние и вече не се нарича локален, а условен. Понякога локалният цвят не означава цвят на обекта, а хомогенно петно ​​от условен цвят, взето в основни отношения със съседните цветове, без да се разкрива мозайка от цветни рефлекси, без нюанси на тези основни петна.

начин - във връзка с художествената практика: естеството или методът на изпълнение като чисто техническа характеристика (например „широк маниер“).

В историята на изкуството терминът "маниер" понякога се отнася до общите свойства на изпълнение, характерни за художник или художествена школа през определен период на творческо развитие (например "късен маниер на Тициан").

Манерност - в художествената практика: свойства на подход и изпълнение, които нямат простота и естественост, което води до претенциозни, пресилени или конвенционални резултати. Най-често маниеризмът се нарича склонност към всякакъв външно ефектен, заучен маниер и всякакви предварително замислени художествени техники, склонност към стилизация. Крайният израз на маниеризма се дава от формалистичната практика на съвременното буржоазно изкуство.

Маслени бои - багрила, смесени с растително масло: ленено семе (главно), маково или ядково масло; Маслените бои постепенно се втвърдяват при излагане на светлина и въздух. Много субстрати (платно, дърво, картон) се грундират предварително, за да се работи върху тях с маслени бои. Най-често използваният грунд е следният: материалът се намазва с течно лепило за дърво и когато изсъхне, се избърсва с пемза, след което се намазва с фин тебеширен прах, смесен с лепилна вода до консистенция на заквасена сметана. За да почистите четките, измийте ги в керосин, терпентин или бензин и накрая в топла вода и сапун, като изстискате боята от корена на четката и след това изплакнете с чиста вода.

Същественост Изобразените предмети са предадени предимно от характера на светлотеницата. Обектите, състоящи се от различни материали, имат характерни градации на светлина и сянка. Цилиндричният гипсов обект има плавни преходи от светлина през полусянка, сянка и рефлекс. Стъкленият цилиндричен съд не е с изразени градации на светлина и сянка. По формата му има само акценти и рефлекси. Металните предмети също се характеризират главно с отблясъци и отражения. Ако предадете природата на chiaroscuro в рисунката, тогава обектите ще изглеждат материални. Друго, още по-важно условие, от което зависи изобразяването на материалните качества на предметите, е последователността в рисунката или живописната скица на тонални и цветови отношения между обектите, които са пропорционални на природата. При възприемане на материалните качества на предметите нашето съзнание разчита основно на техните тонални и цветови съотношения (разлики). Следователно, ако естеството на chiaroscuro, тоналните и цветовите отношения се предадат според визуалния образ на природата, ние получаваме правдив образ на материалните качества на обекти от натюрморт или пейзажни обекти.

Многопластово боядисване - най-важната техническа разновидност на маслената живопис, изискваща разделянето на работата на няколко последователни етапа (дорисуване, регистрация, остъкляване), разделени от прекъсвания за пълно изсъхване на боята. При изпълнение на голяма тематична композиция, както и при продължителна работа като цяло, многослойната живопис е единствената цялостна техника на маслена живопис. До средата на 19в. всички големи напреднали художници от миналото са използвали тази техника като своя основна. По-късно импресионистите и техните последователи го изоставят.

От тясно технологична гледна точка, несвързана с техниката на старите майстори, концепцията за многопластова живопис може да съответства само на регистрация върху изсъхнал слой боя (без подрисуване или глазура).

Моделиране - в изобразителното изкуство: прехвърляне на обемно-пластични и пространствени свойства на обективния свят чрез градации на светлина и сенки (живопис, графика) или съответната пластичност на триизмерни форми (скулптура, по-специално релеф). Моделирането обикновено се извършва, като се вземе предвид перспективата, а в живописта, освен това, с помощта на цветови градации, неразривно свързани с chiaroscuro. Задачите на моделирането не се ограничават до просто възпроизвеждане на обективния свят: участвайки в идеологическите и образни характеристики на обекта, той обобщава, подобрява и разкрива най-същественото и характерно.

Модернизъм - общо обозначение на тенденциите в изкуството и литературата от края на 19-20 век. (кубизъм, дадаизъм, сюрреализъм, футуризъм, експресионизъм, абстрактно изкуство и др.). Основните характеристики на модернизма: отричане на когнитивната и социалната роля на изкуството, неговата идеологическа природа, националност, замяна на изкуството с всякакви трикове, пълно изкривяване или игнориране на професионалните традиции на реалистичното художествено наследство.

Мозайка - специална техническа разновидност на монументалната живопис, основана на използването на многоцветни тела - смалта, естествени цветни камъни, цветни емайли върху печена глина и др. Като основен художествен материал. Изображението е съставено от парчета от такива материали, добре напаснати едно към друго, монтирани върху цимент или специален мастик и след това полирани. По т. нар. метод на директен монтаж мозайката се изработва от лицевата страна - на предназначеното за това място (стена, свод и др.) или върху отделна плоча, която след това се вгражда в стената. При обратен монтаж цветните парчета се виждат от художника само отзад, тъй като са залепени с лицевата си повърхност върху временна тънка подплата (отстранява се след пренасяне на мозайката върху стената). Първият от тези методи е сравнително сложен и отнема много време, но е по-съвършен от артистична гледна точка.

статив - машина (оттук и определението за „станкова живопис“), необходима на художника, за да поддържа желания наклон на картината по време на работа. Основното изискване за статив е стабилността.

Монотипия - специален вид графична техника, свързана с процеса на печат, но рязко различна от всеки вид гравиране при пълно отсъствие на механични или технически въздействия върху повърхността на дъската. Боите се нанасят ръчно върху гладка повърхност и след това се печатат на машина. Полученият отпечатък е единствен и единствен.

Ммонументалност в произведенията на стативната живопис се определя от социалната значимост на предмета на картината, нейния героичен патос, дълбочината и силата на въплъщение на идеите в подходящи образи - прости, строги, величествени и изразителни.

Скица в цвят - скица с малък размер, гладко и бързо изпълнена. Основната цел на такава скица е да се придобие способността за цялостно възприемане на природата, за намиране и предаване на правилните цветови отношения на основните й обекти. Известно е, че пълноценната изобразителна структура на изображението се определя от пропорционалното пренасяне на различията между основните цветови петна на природата. Без това никакво внимателно проучване на детайли, рефлекси, мозайки от цветови нюанси няма да доведе до пълноценно картинно изображение.

Националност - връзката на изкуството с народа, обуславянето на художествените явления от живота, борбата, идеите, чувствата и стремежите на масите, изразяването в изкуството на техните интереси и психология. Един от основните принципи на социалистическия реализъм.

Природата - в практиката на изобразителното изкуство това са всякакви природни явления, обекти и предмети, които художникът изобразява, наблюдавайки непосредствено като модел. По правило от живота се изпълняват само скица, скица, скица, портрет, а понякога и пейзаж.

Натурализъм - във визуалните изкуства се изразява изолирано от широки обобщения, от идеологически представи и води до метод на чисто външно копиране на всичко, което е в зрителното поле. Начинаещите художници също понякога смятат, че надеждното изобразяване на природата, като същевременно предава нейните обемни, материални и пространствени качества, е абсолютната цел на изобразителното изкуство. Разбира се, необходимо е да се владее визуална грамотност и технически техники на рисуване. Но също толкова важно е едновременно да се развива способността да се вижда реалността през очите на художник. Картинното изображение не е огледален образ на природата. „Живописът“, каза И. И. Левитан, „не е протокол, а обяснение на природата чрез изобразителни средства“. Художникът подбира и обобщава в пъстрото многообразие на природата онези елементи, които могат изразително да предадат идейно-образната концепция. Той се опитва да разкрие същността на изобразеното, показва какво го е вълнувало. Това разкрива личността на художника, неговия мироглед, както и неговия вкус и практически опит в използването на цветни материали и техники.

Натюрморт - един от жанровете на изобразителното изкуство, посветен на възпроизвеждането на предмети от бита, плодове, зеленчуци, цветя и др. Задачата на художника, изобразяващ натюрморт чрез живопис, е да предаде колористичната красота на предметите около човек, техните обемна и материална същност, а също и да изрази отношението си към изобразеното . Изображението на натюрморт е особено полезно в образователната практика за овладяване на умения за рисуване. В натюрморта художникът разбира законите на цветовата хармония и придобива техническото умение за живописно моделиране на формата.

Художествено обобщение - способността на художника да познава обективната реалност, идентифицирайки основните, съществени неща в обекти и явления чрез сравнение, анализ и синтез. Произведението на изобразителното изкуство е резултат от изразителността на общото, като в същото време се запазва цялата уникалност на конкретния визуален образ.

В тясно професионално разбиране обобщаването е последният етап от процеса на рисуване или рисуване от натура, следващ детайлната разработка на формата. На този етап от работата детайлите се обобщават, за да се създаде цялостен образ на природата въз основа на нейното цялостно визуално възприятие.

Художествен образ - специфична форма на отразяване на реалността в конкретно чувствена, визуално възприемана форма. Създаването на художествен образ е тясно свързано с подбора на най-характерното, с подчертаването на съществените страни на даден предмет или явление в рамките на индивидуалната уникална природа на тези обекти и явления. Известно е, че човешкото съзнание отразява не само обективния визуален образ на обект или явление, но и емоционалните качества на тяхното възприемане. Следователно художественият образ в живописта съдържа не само реалните черти на изобразения предмет, но и неговото сетивно и емоционално значение. Всеки образ е както правдиво отражение на обективната действителност, така и израз на естетическите чувства на художника, неговото индивидуално, емоционално отношение към изобразеното, вкус и стил.

Обратна перспектива - погрешна техника за рисуване на перспектива, чиято същност е, че паралелните и хоризонталните линии в пространството в картината са изобразени не сближаващи се, а разминаващи се; се среща доста често в древната иконопис, като следствие от непознаването на елементарните правила за изграждане на перспектива от художниците (в някои случаи се допуска умишлено нарушаване на правилата за изграждане на перспектива).

Общо тонално и цветово състояние на природата - резултат от различна сила на осветление. За да се предаде състоянието на различна осветеност (сутрин, следобед, вечер или в сив ден), при изграждането на цветовата структура на скицата не винаги се използват светли и ярки цветове на палитрата. В някои случаи художникът изгражда връзка в намалена гама от лекота и сила на цвета (сив ден, тъмна стая), в други случаи със светли и ярки цветове (например слънчев ден). По този начин художникът поддържа тоналните и цветови отношения на етюда в различни тонални и цветови гами (скали). Това помага да се предаде състоянието на осветеност, което е особено важно в пейзажната живопис, тъй като именно това състояние определя емоционалното му въздействие (вижте тоналната и цветовата скала на изображението).

Сила на звука - изображение на триизмерна форма върху равнина. Осъществява се преди всичко чрез правилното конструктивно и перспективно изграждане на предмета. Друго важно средство за предаване на обем върху равнина е градирането на светлина и сянка, изразено в цвят: акцент, светлина, полусянка, правилна и падаща сянка, рефлекс. Образът на обема върху изобразителната равнина се улеснява и от посоката на щриха или засенчването, тяхното движение по посока на формата (на плоски повърхности те са прави и успоредни, на цилиндрични и сферични повърхности са извити).

ореол - явление, известно още като „облъчване“; възниква в резултат на разсейването на ярка светлина в прозрачната течност, изпълваща очната ябълка. Поради повишената чувствителност на окото на тъмно, то реагира силно при наблюдение на източници на ярка светлина (огън или запалена лампа). През деня те не изглеждат ярки, но привечер или през нощта могат да заслепят очите. Окото почти не възприема цвета на ярки източници на светлина, но ореолът около светещи тела или силно осветени обекти има по-изразен цвят. Пламъкът на свещта изглежда почти бял, а ореолът около него изглежда жълт. Силен акцент върху лъскава повърхност изглежда бял, а ореолът около него придобива цвета на източника на светлина. Тънките стволове на дърветата на фона на небето са напълно обвити в ореол, тоест изглеждат сини, а на фона на жълт залез изглеждат оранжеви или червени. Когато в изображението се предаде ореол, окото възприема обектите като светещи (свещи, ярки прозорци денем и нощем, звезди в небето и др.). Изобразен без ореол, незаменим спътник на ярка светлина, стволът на дървото и короната му изглеждат като твърда апликация на фона на светло небе, звездите без ореол създават впечатлението за петна боя, напръскани върху тъмен фон, ярки отблясъци без ореол на фона на кана изглеждат като светли петна.

Основата - в технологията на рисуване: материалът, върху който се нанасят грундът и боядисаният слой на картината. Най-разпространеният тип основа е платно, дърво (това е най-често срещаната основа в Античността, Средновековието и Ренесанса), по-рядко се използват картон, хартия, метал, стъкло, линолеум и др.. В някои видове живопис (например фреска, акварел и др.) основата се използва без специална подготовка.

Измиване - 1) акварелна техника с много течна боя или мастило. За да боядисате сравнително голяма площ със светъл тон, оцветете около половин чаша вода с боя, оставете боята да се утаи (по-добре е да я филтрирате по-късно) и използвайте четка, за да вземете „разтвора“ отгоре, без да докосвате дъното на стъклото; 2) изсветляване на боята или отстраняването й от хартията с четка, потопена в чиста вода, и събиране на напоената боя с попивателна хартия (процедурата се повтаря няколко пъти).

Отношенията са оцветени в тон - разлики в светлотата и цвета на обектите: кое е по-светло в природата, кое е по-тъмно, плюс разлики в цвета и неговата наситеност.

Hue (нюанс) - малка, често едва забележима разлика в цвета, лекотата или наситеността на цвета.

Офорт - гравиране с игла или линия, широко използван технически вид дълбоко гравиране върху метал. Работа върху офорт чрез надраскване на основата за гравиране със специални игли, обикновено използвайки техниката на рисуване със свободна линия. Неравномерната продължителност на ецване на детайлите на изображението с киселини води до разлики в силата и наситеността на щриха. Техниката на ецване се характеризира със сравнителна простота и голяма гъвкавост.

Визуално усещане - резултат от взаимодействието на лъчиста енергия с органа на зрението и възприемането на това взаимодействие от съзнанието. В резултат на това човек получава разнообразни усещания за светлина и цвят, богати цветови градации, които характеризират формата на обекти и природни явления в различни условия на осветление, среда и пространство.

Палитра - 1) малка тънка дъска с четириъгълна или овална форма, върху която художникът смесва бои, докато работи; 2) точен списък на боите, които даден художник използва в своята творческа практика.

Панорама - платно за рисуване под формата на затворена кръгла лента. Върху платното пред живописното изображение са поставени различни реални реквизити, които създават илюзията за пряк преход на реалното пространство на преден план в картинното пространство на картината. Панорамата е разположена в специално изградена картинна зала с централна, обикновено затъмнена, зрителна площадка. За разлика от панорамата, диорамата е живописна картина под формата на извита полукръгла лента.

Ненадминати примери досега са панорамите, създадени от художника Ф. А. Рубо „Отбраната на Севастопол“ (1902-1904) и „Битката при Бородино“ (1911).

Пастел - цветни моливи без рамка, направени от цветен прах. Получават се чрез смесване на прахообразна боя с лепило (черешово лепило, декстрин, желатин, казеин). Работят с пастели върху хартия, картон или платно. Боите се нанасят с щрихи, както на рисунката, или се втриват с пръсти със засенчване, което ви позволява да постигнете най-фините цветни нюанси и деликатни цветови преходи, матова кадифена повърхност. Когато работите с пастел, можете лесно да премахнете или покриете слоеве боя, тъй като тя се изстъргва свободно от земята. Работите, направени с пастели, обикновено се фиксират със специален разтвор.

Пастозност - 1) в техниката на маслената живопис: значителна дебелина на слоя боя, използвана като художествена среда. Действайки като техническа особеност, импастото винаги остава забележимо за окото и се проявява в известна неравномерност на слоя боя, в „релефен щрих“ и т.н. В тесен, чисто технологичен смисъл импастото понякога се нарича дебелослойна живопис с равна повърхност, в която импасто може да бъде невидимо (рисуване на тялото); 2) специално свойство на пластичността на бояджийския материал, което позволява на невтечнената маслена боя да запази напълно формата, която й придава четката.

Пейзажи - изглед, изображение на всяка област; в живописта и графиката жанр и отделна творба, в която основен обект на изображение е природата. Често се изобразяват изгледи на градове и архитектурни комплекси (архитектурен пейзаж), морски изгледи (яхтено пристанище).

Пъстрота (раздробяване) на изображението - дефекти в рисунка или скица, които се появяват, когато начинаещ художник рисува или рисува природата на части, „от упор“. В резултат на това формата на обектите е претоварена с детайли, контурите им са остри, много обекти и техните повърхности изглеждат еднакви по тон и сила на цвета. Това се случва, защото неопитният художник, въпреки че сравняваше предметите по тон и цвят, ги гледаше последователно, отделно. Когато художникът развие умението за едновременно (цялостно) виждане и сравнение на обекти според три цветови свойства (цвят, лекота, наситеност), тоналното разнообразие на изображението изчезва.

Устройствени планове - условно обособени области от пространството, разположени на различни разстояния от наблюдателя. На снимката има няколко плана: първи, втори, трети или преден, среден, заден. Пространството върху равнината на платното или хартията се предава главно чрез правилна перспективна конструкция. Ако обекти или обеми на пространствени планове са начертани без стриктно спазване на техните перспективни промени, цветовата схема няма да направи много, за да изобрази пространството. Предаването на пространствените качества на изображението се улеснява и от характера на щриха (в рисунката - характера на щриха). Техниката на засенчване на обекти на преден план е по-дефинирана, твърда и плътна. Ударът на боята е по-пастозен, релефен, фракционен. Далечните планове са предадени с по-меко докосване, тънък глазурен слой боя.

Пластмаса - хармония, изразителност и гъвкавост на формите, линиите, забелязани от художника в изобразената природа.

Пленерна живопис - рисуване на пленер. Промените в цветовете на природата под въздействието на светлина и въздух са от съществено значение при писането на скица на открито. Особено внимание трябва да се обърне на общия тон и цветовото състояние на природата (в зависимост от силата и цвета на осветлението) и явлението въздушна перспектива. Определящият момент в пленерната живопис е последователността на тоналната и цветовата скала при изграждането на тоналните и цветовите отношения на скицата (вижте тоналната и цветна скала на изображението):

Подрисуване - подготвителният етап на работа върху картина, изпълнена с помощта на техниката на маслена живопис. Подбоядисването обикновено се извършва с тънък слой боя и може да бъде едноцветно или многоцветно.

Носилка. Платното, върху което художникът рисува, е опънато върху носилка. Целта му е да държи платното опънато. Това се осигурява чрез нетвърдо закрепване на дървените дъски на подрамката. Ако ъглите на носилката са плътно затегнати, е трудно да се коригира провисването на платното поради влага. На ламелите на подрамката се правят скосове, насочени към вътрешната страна на подрамката. В противен случай, в точките на контакт на платното с вътрешните ребра на носилката, платното се деформира и върху него се появяват вътрешните ребра на носилката. Големите рамки за носилки се изработват с кръст, което ги предпазва от диагонални изкривявания и отклонения на ламелите.

Penumbra - една от градациите на светлина и сянка върху повърхността на триизмерен обект, междинна между светлина и сянка (както в природата, така и в изображението).

Портрет - изображение, което улавя външния вид на конкретен човек, неговите индивидуални черти. Изкуството на портрета изисква, наред с външната прилика, външният вид на човека да отразява неговите духовни интереси, социално положение и характерни черти на епохата, към която принадлежи. Личното отношение на художника към изобразените хора, неговият мироглед, отпечатъкът от неговия творчески маниер също трябва да присъстват в портрета.

Примитивизъм - едно от формалистичните течения в изобразителното изкуство. Характеризира се с пълно отхвърляне на постиженията на реализма в името на имитирането на художествените форми на така наречените примитивни епохи (примитивни племена), умишлено заемане на характеристиките на детските рисунки и др.

Регистрации - в техниката на маслената живопис, основният етап на изпълнение на голямо платно, което следва подрисуването, предшестващо глазурата. Броят на регистрациите зависи от напредъка на работата на художника; всеки от тях завършва с пълно изсъхване на боята. В широкия и неточен смисъл на думата подрисуване понякога се нарича подрисуване, както и всяка обработка на вече завършено платно или детайли от него.

Пропорции - отношението на размерите на обектите или техните части един към друг и към цялото. В рисунката или живописта тези отношения се предават в пропорционално съответствие, тоест подобни, намалени или увеличени с еднакъв брой пъти. Спазването на пропорциите е от решаващо значение, тъй като те са най-характерната черта на обекта и формират основата на вярно и изразително изображение.

Пропорционалност на отношенията - законът на реалистичната живопис, който определя връзката на всяко светло петно ​​​​от скицата с други, пропорционално на визуалния образ на природата, важно условие за истинско и цялостно изображение на реалността. Нашето визуално възприятие и разпознаване на формата, цвета, материала на обектите и състоянието на осветеност се основава на техните тонални и цветови отношения. Характеристиките на тона и цвета се възприемат визуално не изолирано, а в зависимост от околната среда, заедно с други тонове и цветове. Затова художникът възпроизвежда тоналните и цветовите различия на природата в скица, както и перспективните размери на обектите, използвайки метода на пропорционалното съответствие между образа и визуалния образ на природата. Така се постига осветеност на скицата, вярно моделиране на обемната форма, материалност, пространствена дълбочина и други изобразителни качества на изображението.

Процесът на рисуване от живота включва специален ред на работа в началото, в средата и в крайния етап. Този процес върви от общото към детайлното изработване на формата и завършва с обобщаване - открояване на главното и подчиняване на второстепенното на него. В живописта на тези етапи се решават следните специфични задачи: 1) намиране на съотношенията на основните цветни петна, като се вземе предвид тоналното и цветовото състояние на осветеността (неговата сила и спектрален състав), 2) цветно-тонални „участъци“ в рамките на откритите основни връзки, цветово моделиране на обемната форма на отделни обекти , 3) ​​на етапа на обобщение - омекотяване на острите контури на обекти, заглушаване или засилване на тона и цвета на отделните обекти, подчертаване на основното, подчиняване на вторичното към него. В крайна сметка целият живописен образ е доведен до цялост и единство, до впечатлението, което зрението получава, когато вижда природата като цяло.

Разредители . За акварелните и гвашовите бои единственият разредител е водата. За разреждане на маслени бои се използват състави от терпентинов произход (пинен № 4) или петролни продукти, смесени с алкохол или ленено масло (разредители № 1, 2). Добавянето например на пинен към блажната боя помага за по-бързото й изсъхване. Освен това, за да се осигури по-добра адхезия на слоевете боя, втвърдената повърхност на слоя боя се избърсва с пинен преди повторно боядисване.

Ъгъл - перспективно намаляване на формата на обект, което води до промяна на обичайната му форма; изразени контракции, които възникват при наблюдение на обект отгоре или отдолу.

Кадър. Картина, създадена от художник, има рамка. Той допълва композицията, придава й единство и насочва вниманието на зрителя към самото произведение. Най-често рамката има правоъгълна форма, понякога кръгла или овална. Често рамковите летви имат тънки профили, като стъпала, спускащи се към самата картина. Те помагат на окото на зрителя по-лесно да се потопи в света на изобразеното. Художниците третират рамката като съществена част от живописната композиция и я рисуват в светли и тъмни цветове с различни нюанси. Има рамки с богати пластични мотиви, конвенционални флорални или геометрични орнаменти.

Реализъм - метод на художествено творчество, основан на дълбоко познаване на живота и образно отразяване на неговата същност и красота. Реализмът в живописта се основава на изобразяването на живота във формите на самия живот. Художникът непрекъснато изучава живота с молив и четка в ръка и перфектно владее умението да изобразява правдиво предмети и предмети от реалността. Без органично познание и обобщение на живота, от една страна, и умение всичко това да се въплъти в конкретен визуален образ, от друга страна, художественият образ в картината се превръща в диаграма, лишена от житейска убедителност.

Социалистически реализъм - метод на социалистическото изкуство, насочен към правдиво, исторически специфично отразяване на действителността в нейното революционно развитие с цел идейно и естетическо възпитание на хората в духа на социализма и комунизма.

Рефлекс - светлинно или цветно отражение, което се появява върху формуляр в резултат на отразяването на светлинни лъчи от околните обекти. Цветовете на всички обекти са взаимно свързани чрез рефлекси. Колкото по-голяма е разликата в светлотата и цвета между два съседни обекта, толкова по-забележими са рефлексите. При грапави, матови повърхности те са по-слаби, при гладки повърхности са по-забележими и по-отчетливи като очертания. На полирани повърхности те са особено отчетливи (в този случай са подсилени от огледално отражение).

рисуване -1) пълно възпроизвеждане на обективния свят: обемно-пространствено моделиране, правилни пропорции, правдив израз, ясно изразен характер и др. Това е основата за реалистично изобразяване на действителността като цяло - с всякакви технически средства и техники. Да се ​​научиш да рисуваш е най-важната част от професионалното образование на художника, графика и скулптора; 2) вид художествена графика, основана на технически средства и възможности за рисуване. За разлика от живописта, рисуването се извършва предимно с твърдо оцветяващо вещество (молив, въглен, сангина и др.), като правило, чрез инсулт и линия, с спомагателна роля на цвета; 3) отделно произведение от съответния вид графика.

Ритъм и каданс - повторяемост на определени композиционни елементи на произведението, тяхната специална пропорционалност, водеща до хармонична, естествена съгласуваност на цялото. Ритъмът може да се прояви чрез контрасти и съответствия на групи от фигури, предмети, линии, движения, светлосенки и цветни петна, пространствени планове и др.

Светлина - елемент от изрязани градации, използван за обозначаване на осветената част от повърхността на обектите.

Лекота (тон) - сравнителна степен на разлика от тъмното: колкото по-далеч от тъмното, толкова по-голяма е светлотата на цвета.

Апертура - степента на лекота на обекта, неговия тон. Диафрагмата зависи от наличието на други (съседни) тонове, както и от цвета на обектите.

Светотене - правилни градации на светлина и тъмнина върху триизмерната форма на обект, благодарение на които, както в натура, така и в рисунка, такива свойства на обекта като обем и материал се възприемат от окото. Основните градации на chiaroscuro: акцент, светлина, полусянка, правилна сянка, рефлекс, падаща сянка.

Свойства на цвета - цветен тон или нюанс: червено, синьо, жълто, жълто-зелено, лекота и наситеност (степента на разлика от сивото, т.е. степента на близост до чистия спектрален цвят). В процеса на рисуване цветовете на пълномащабната настройка се сравняват въз основа на тези три свойства, техните цветови разлики се намират и пренасят в скицата в пропорционални отношения.

Свързващо вещество - това е стягащо вещество (лепило, масло, гасена вар, жълтък от пилешко яйце), с помощта на което частиците на пигмента се свързват помежду си и се фиксират към повърхността на почвата, образувайки слой боя. Видовете живопис - фреска, маслена живопис, темпера - се различават точно по състава на свързващото вещество, въпреки че пигментът обикновено е един и същ.

Силует - тъмно едноцветно плоско изображение на светъл фон. човек, животно или предмет. Терминът идва от името на френския министър на финансите от 18 век. Е. дьо Силует, който беше карикатурен под формата на профил в сянка.

Символ. - изображение, което алегорично изразява някакво широко понятие или абстрактна идея. В случай, че връзката на символа с понятието, което той изразява, произтича от вътрешното сходство в съдържанието, връзката между изобразения предмет и неговия алегоричен смисъл, използването на символа става целесъобразно и възможно в реалистичното изобразително изкуство. Символът се използва, когато искат да изразят широко, многосъдържащо понятие в лаконична и стегната форма.

Съдържание и форма в изкуството - неразривно свързани и взаимозависими категории, едната от които показва какво точно е отразено и изразено в произведението (съдържание), а втората посочва как, с какви средства се постига това (форма). Водещата, определяща роля принадлежи на съдържанието. То се превръща в определено явление на живота, съзнателно и естетически осмислено от художника в процеса на творческа работа. Категорията художествена форма в изобразителното изкуство включва: сюжет, композиция, вид, рисунка, цветова структура, обем, пространственост, структура на светлина и сенки и др. Трябва да се отбележи, че художествените достойнства на произведението са в пряка зависимост от това колко професионално подготвен художникът е в използването на форми на изразяване. Без практическо овладяване на културата на използване на цвят е невъзможно да се изрази фигуративното съдържание чрез рисуване в определен материал.

Сравнение - метод за определяне на пропорции, тонални и цветови съотношения и др. Свойствата и качествата се разпознават от нашето съзнание чрез сравнение. Можете да разберете естеството на формата на даден обект, да определите неговия тон и цвят само като го сравните с други обекти. За да изобрази правдиво природата, художникът трябва да създаде в скицата разлики в обектите по размер, тон и цвят, които са пропорционални на природата. Само чрез метода на сравнение (с пълно възприемане на природата) човек може да определи в природата цветовите отношения между обектите и да ги предаде на платно или хартия.

Стилизация - 1) умишлена имитация на художествен стил, характерен за автор, жанр, движение, за изкуството и културата на определена социална среда, националност, епоха. Обикновено включва свободна интерпретация на съдържанието и стила на изкуството, послужило като прототип; 2) в изобразителното изкуство и главно в декоративното изкуство и дизайна, обобщаване на изобразени фигури и предмети с помощта на конвенционални техники; стилизацията е особено характерна за орнамента, където превръща обекта на изображението в шаблонен мотив.

стил - 1) общността на идеологическите и художествени характеристики на произведения на изкуството от определена епоха. Появата и промяната на стиловете се определя от хода на историческото развитие на обществото (например класицизъм, барок и др.); 2) национални характеристики на изкуството (китайски, мавритански стил и др.). Те също така говорят за стила на група художници или един художник, ако работата им се отличава с ярки индивидуални черти.

Суха четка - в живописта и графиката, спомагателна техническа техника, състояща се от работа с твърди четки, които са слабо наситени с боя. Като самостоятелна техника сухото четкане се използва предимно в декоративното изкуство.

Сфумато - в живописта и графиката, термин, свързан с живописта на италианския Ренесанс, започвайки от Леонардо да Винчи и означаващ мекотата на изпълнение, неуловимостта на очертанията на обекта в резултат на определен художествен подход.

Парцел - 1) конкретно събитие или явление, изобразено на снимката. Същата тема може да бъде изследвана в много истории; 2) понякога под сюжет се разбира всеки обект на живата природа или обективния свят, взет за изобразяване. Често сюжетът замества концепцията за мотив, който е в основата на произведението (особено пейзаж).

Творчески процес (творчество) - процесът на създаване на произведение на изкуството, като се започне от създаването на въображаема концепция до нейното изпълнение, процесът на превръщане на наблюденията на реалността в художествен образ. В живописта творчеството се състои в създаването на произведение в пряко надеждни видими форми.

Предмет - кръг от явления, избрани от художника, за да изобразят и разкрият идеята на творбата.

Темперни бои - лепилни бои на водна основа, приготвени от сухи прахове, смесени с яйчен жълтък, разреден с лепилна вода. В момента се произвеждат и полутечни бои, затворени в туби и приготвени с жълтък, цяло яйце или емулсия от растително масло с яйце и лепило. С темперни бои можете да рисувате плътно, като маслени бои, и тънко, като акварел, като ги разреждате с вода. Съхнат по-бавно от гваша. Недостатъкът е разликата в нюансите на мокра и суха боя. Картините, рисувани с темперни бои, имат матова повърхност, така че понякога се покриват със специален лак, който премахва тази тъпота.

Сянка - елемент на chiaroscuro, най-слабо осветените зони в природата и в изображението. Прави се разлика между естествени и падащи сенки. Правилните сенки са тези, които принадлежат на самия обект. Падащите са сенки, хвърляни от тялото върху околните предмети.

Топли и студени цветове . Топлите цветове обикновено се свързват с цвета на огъня, слънцето, предметите с нажежаема жичка: червено, червено-оранжево, жълто-зелено. Студените цветове се свързват с цвета на водата, леда и други студени предмети: зелено-синьо, синьо, синьо-синьо, синьо-виолетово. Тези качества на цвета са относителни и зависят от местоположението на друг цвят наблизо. Ултрамаринът, например, е студен сам по себе си, но до пруско синьо ще бъде топъл, а червеният краплак ще изглежда по-студен от червения цинобър.

Цветовият облик на видимата природа винаги съдържа както топли, така и студени нюанси. Тази топло-студена от нюанси се основава предимно на естествени цветови контрасти в светлина и сянка. В природата често се случва цветовете на предметите да са студени, а сенките им да са топли и обратното. Феноменът на студа се улеснява и от така нареченото контрастно зрително възприятие на цветовете: от наличието на топъл цвят във възприеманата природа, впечатлението за студен цвят се появява върху ретината на очите, въпреки че това не е така в природата. Топлината и студенината в живописта е естествено явление и неразделно качество на живописното изображение на скица на природата или картина.

Техника - в областта на изкуството: съвкупност от специални умения и техники, чрез които се изпълнява произведение на изкуството. Понятието „техника“ в тесния смисъл на думата обикновено съответства на прекия, непосредствен резултат от работата на художника със специален материал и инструмент, способността да се използват художествените възможности на този материал; в по-широк смисъл това понятие обхваща и съответните елементи от изобразително естество - пренасяне на материалността на обектите, извайване на триизмерна форма, моделиране на пространствени отношения и др. Без изключение всички технически средства трябва да водят до известен, поне скромен, художествен резултат.

Техническите средства на изкуството не остават неутрални по отношение на съдържанието. Основните характеристики на реалистичната техника се определят преди всичко от нейното подчинение на идейно-образната структура на произведението.

Tтехника на рисуване - виж маслена живопис, акварел, гваш, темпера, живопис с лепило, пастел, енкаустика, фреска, мозайка.

Тон (непридружен от думата „цвят“) - в терминологията на художниците е еквивалентен на концепцията за лекота на цвета (боята). Всеки хроматичен или ахроматичен цвят може да има различна лекота. Може да се каже за тона в един цвят, като червено, „светъл тон на червена боя“ или „тъмен тон на боя“. Понякога терминът „тон“ се използва във връзка с цвят, например „златист тон на панел“, „кафяв тон на картина“. Художниците често използват термина „лекота“ или „апертура“ на цвета вместо термина „тон“ на цвят.

Ключ - термин, обозначаващ външните характеристики на цвета или светлината и сянката в произведенията на живописта и графиката. По-често се използва във връзка с цвета и съвпада с термина „цветова гама“.

Тонална и цветова гама на изображението . Прехвърлянето на тонални и цветови отношения, пропорционални на природата, може да се извърши в различни диапазони на лекота и наситеност на цветовете в палитрата. Това зависи от общото състояние на интензитета на осветеност на природата и от разстоянието й от художника.За да предаде това състояние, преди да започне всяка работа от природата, художникът първо установява какъв вид светлина и цветова сила на светлината и ярките петна на природата ще бъде в скицата. Художникът може да вземе най-светлите и наситени обекти в естествен цвят в скица или с пълната сила на светлите и ярки цветове на палитрата, или само с половината от техните възможности. Така се поддържа тоналната и цветовата гама на изображението, в която се отразяват тоналните и цветовите съотношения на обектите в натурален мащаб.

Тоново изображение - изображение с различни тонални преходи от светлина към сянка, тоест с области, които имат различна тонална сила. Типичен пример за тонално изображение е снимка, маслена или акварелна рисунка в един цвят (гризайл), както и рисунка с молив, направена чрез техниката на засенчване.

Тонални отношения . Разпознаването на триизмерната форма на обектите и техния материал става в нашето съзнание въз основа на визуалното възприемане на техните светлинни отношения. Следователно художникът трябва да възпроизведе светлинните отношения на рисунката, използвайки метода на подобието. Чрез градации на светлина и сянка върху обемна форма и пренасяне на пропорционални на природата тонални съотношения между оцветяването (материала) на обектите, художникът постига истинско обемно моделиране на формата, изразяване на материалност, пространствена дълбочина и състояние на осветеност (тонално). рисуване, рисуване по техниката гризайл).

Текстура - характерни черти на повърхността на предмети, изработени от различни материали, както в натура, така и в изображение (релеф на слоя боя от щрихи). Текстурата може да бъде гладка, груба, релефна. Текстурата на буквата до голяма степен зависи от свойствата на цветния материал, от характеристиките на природния обект, който художникът изобразява, както и от задачата и материала на изпълнение. В акварела текстурата до голяма степен зависи от повърхността на хартията. В текстурата на буквата се разкрива индивидуалният почерк на художника.

Фас (цяло лице) - лицева страна, изглед отпред. Този термин показва, че моделът (глава или предмет на човек) е разположен фронтално, успоредно на равнината на картината.

Заден план - всяка среда или равнина, разположена зад обекта на изображението.

форма - 1) външен вид, очертание; предполага наличието на обем, структура, пропорции; 2) в изобразителното изкуство художествената форма е художествено средство, използвано за създаване на образ и разкриване на съдържание (виж съдържание и форма).

Формализъм - общо обозначение за множество*>1X антиреалистични школи и направления в изобразителното изкуство: кубизъм, футуризъм, конструктивизъм, сюрреализъм, супрематизъм, пуризъм, дадаизъм, абстрактно изкуство, поп арт и др. Всички тези видове формализъм се основават на неестественото отделяне на художествената форма от съдържанието, върху признаването на независимостта и независимостта на формата, погрешно твърдейки, че създава произведения на изкуството чрез различни комбинации от „чисти“ линии или цветове. Формалистичното изображение грубо изкривява реалността, губи способността за визуално разбиране на света и понякога се превръща в безсмислени, шарлатански експерименти.

формат - формата на равнината, върху която е направено изображението. Определя се от общите очертания на природата, съотношението на височината към ширината. Изборът на формат зависи от съдържанието и съответства на композицията на изображението. За една фигуративна структура форматът е от съществено значение.

Стенопис - най-важният технически вид монументална живопис, използваща вар като основно свързващо вещество.

Цвят в рисуването. Цветът като цяло е свойството на обектите да предизвикват определено визуално усещане в съответствие със спектралния състав на отразените лъчи. В ежедневието на всеки предмет или предмет се приписва определен цвят. Този цвят се нарича предметен или локален (тревата е зелена, небето е синьо, морската вода е синя и т.н.). Начинаещите художници като правило имат преобладаващо виждане за цвят, което води до аматьорско оцветяване. В изобразителен смисъл е възможно правилно да се изобрази обект само ако се предаде не цвета на обекта, а цвета, променен от осветлението и околната среда. Цветът на даден обект се променя с увеличаване и намаляване на интензитета на светлината. Той също варира в зависимост от спектралния състав на осветлението. Средата, в която се намира обектът, също отразява цветни лъчи, които при попадане върху повърхността на други обекти образуват цветни отблясъци върху тях. Цветът също се променя поради взаимодействието на контраста. По този начин цветът на обекта винаги е мозайка, съставена от цветни и светлосенчести петна (рефлекси и отблясъци) и в този случай се нарича не обективен, а условен. Този цвят е едно от основните визуални средства на реалистичната живопис.

Общоприето е, че самият цвят може да има някои ефекти върху човека. Понякога хората смятат, че тъмните и светлите цветове създават весело настроение; сиво и черно предизвикват чувство на униние и т.н. В психологията се провеждат изследвания и експерименти по този въпрос, но някои закономерности по този въпрос все още не са идентифицирани. Художникът не използва горните цветови стойности. Той няма общо правило за емоционалното въздействие на цвета при „различни поводи“. Абсолютно не е необходимо да рисувате картина в тъмен или ярък цвят, ако нейната тема е трагична или тъжна, а за радостни теми не е необходим ярък цвят. Например, сюжетите на картините на Суриков „Меншиков в Березово“ и „Боярина Морозова“ са посветени на трагичната съдба на хора със силна воля и убеждения. Колоритът на първата картина е доминиран от тъмни тонове. Втората картина се основава на богати цветови комбинации от пленерно рисуване на зимен пейзаж, ярки дрехи на тълпата и празнично оцветяване на „килим“. Естеството на природния обект и състоянието на осветеност определят колорита на тези произведения. По този начин цветът на картината се създава от система от цветови отношения, насочени към изобразяване на реални условия и условия на живот. Цветът е средство за изобразяване на триизмерната форма на обекта, неговата материалност, пространствени качества, колористичното състояние на осветеност на природата и само чрез разкриване на семантичното съдържание на картината той оказва необходимото емоционално въздействие.

Цветово единство и сродство на боите. Цветът на осветлението, неговият спектрален състав, съответно влияе върху различните цветове на обектите и обектите на природата, подчинявайки ги на определена гама. Резултатът е колористично единство от цветове. Правдивото отражение на тези качества прави една скица от живота особено правдива и хармонична по отношение на живописта.

Цветови взаимоотношения - разлики в естествените цветове по нюанс (сянка), лекота и наситеност. В природата цветът винаги се възприема във връзка със заобикалящите го цветове, с които се намира в строго взаимодействие и зависимост. Следователно цветовите отношения на скицата трябва да бъдат предадени пропорционално на цветовите отношения на природата. Това е законът за колористичното пренасяне на цветовете от видимата природа върху гамата от цветове на палитрата, определя се от психофизиологията на нашето визуално възприятие и мислене.

Цялост на изображението - резултат от работа от природата, използвайки метода на взаимоотношения (сравнения) с цялостна визия за природата, в резултат на което художникът се отървава от такива недостатъци на рисунка или скица като фрагментация и пъстрота.

Целостта на възприятието - способността на художника да вижда обекти от природата едновременно, всички наведнъж. Само в резултат на цялостно визуално възприятие можете правилно да определите пропорциите на обектите, тоналните и цветовите отношения и да постигнете целостта на изображението на пълномащабна продукция. Целостта на възприятието се крие в професионалната способност за виждане и „позиционирането на окото“ на художника.

Има редица съвети как практически да възприемате природата като цяло: 1) в момента на наблюдение, когато определяте цветовите отношения, присвийте или „отворете“ очите си за цялата природа, 2) П. П. Чистяков съветва „умствено да имате в пред вас, така да се каже, плоско стъкло, дава отношения”, 3) Р. Фалк, за целостта на визията, препоръчва да се изреже правоъгълен отвор (2X1 cm) в парче картон и да се гледа природата в равнината. на този прозорец (окото получава цялостна изобразителна структура на основните цветови отношения на природата, подобна на мозайка от скъпоценни камъни); 4) можете също така да възприемате природата цялостно и да разбирате нейните цветови връзки, като използвате „черно огледало“ (ако боядисате едната страна на прозрачно стъкло с черна боя, ще получите огледало, в което на ярка слънчева светлина можете да видите пейзажни обекти в намалена яркост.В такова огледало обектите, отразени в една равнина в намалена форма, могат да се видят всички едновременно.Това ще ви позволи по-точно да уловите тоналните и цветовите отношения на природата).

Екстериор (за разлика от интериора) - изображение на екстериора на сграда.

Енкаустика - рисуването с восък е рядко използван в момента вид живописна техника, базирана на използването на восък като свързващо вещество. Най-добрият метод за рисуване с восък по отношение на резултати и издръжливост е античната енкаустика. Предимствата му се крият в изключителните качества на специално приготвена вакса, която почти не се влияе от времето и влагата, никога не се напуква и запазва цвета си непроменен.

Скица - подготвителна скица на скица или картина. В процеса на работа от живота скиците се използват като спомагателен материал; Те разработват варианти за композиции от лист хартия или платно. Скиците се правят както под формата на бързи скици с молив, така и в материала.

Етюд - спомагателно изображение с ограничен размер, направено от натура с цел внимателното му изучаване. Чрез скицата художникът усъвършенства професионалните си умения. Основната цел на ескизната работа винаги остава вярното и живо въплъщение на изобразителната концепция, създаването на картина. В реалистичното изкуство скицата винаги играе поддържаща роля.

Етюд е резултат от надценяване на ролята на етюда, то неминуемо води до обедняване на идейно-образно съдържание. Общоприето е, че скицирането е породено от импресионизма, който ограничава дейността на художника до бегла работа от живота, заменяйки скицата с картина.

Ефект на Пуркин - промяна в относителната яркост на цветовете при увеличаване или намаляване на осветлението. Например, през деня относителната яркост на червеното и жълтото изглежда силна, а на здрач - зеленото и синьото. Работата тук е, че през деня при нормално осветление окото ни вижда през едни клетки на ретината, така наречените колбички, а при много слаба светлина през други – пръчици. Конусите са по-чувствителни към жълто и червено, докато пръчиците са по-чувствителни към синьо-зелено. Леонардо да Винчи също отбелязва: „Зеленото и синьото подсилват цветовете си в частична сянка, докато червеното и жълтото придобиват цвят на най-осветените места.“

Живописта е вид изобразително изкуство, което се състои в създаване на картини и платна, които най-пълно и реалистично отразяват действителността.

Произведение на изкуството, направено с бои (маслени, темперни, акварелни, гваш и др.), нанесени върху всяка твърда повърхност, се нарича живопис. Основното изразно средство на живописта е цветът, способността му да предизвиква различни чувства и асоциации засилва емоционалността на изображението. Художникът обикновено рисува необходимия цвят за рисуване върху палитра и след това превръща боята в цвят върху равнината на рисуване, създавайки цветен ред - оцветяване. Според естеството на цветовите комбинации може да бъде топло и студено, весело и тъжно, спокойно и напрегнато, светло и тъмно.

Образите в картината са много визуални и убедителни. Живописта е способна да предаде обем и пространство, природа в равнина, да разкрие сложния свят на човешките чувства и характери, да въплъти универсални идеи, събития от историческото минало, митологични образи и полети на фантазия.

За разлика от живописта като самостоятелен вид изобразително изкуство, изобразителният подход (метод) може да се използва и в другите му видове: в рисунката, графиката и дори в скулптурата. Същността на изобразителния подход се състои в изобразяването на обект във връзка със заобикалящата го пространствена светлинно-въздушна среда, в фина градация на тонални преходи.

Разнообразието от обекти и събития от околния свят, близо

интересът на художниците към тях води до появата през 17-ти -

XX век жанрове на живописта: портрет, натюрморт, пейзаж, анималистичен, битов (жанрова живопис), митологичен, исторически, бойни жанрове. В произведенията на изкуството може да има комбинация от жанрове или техни елементи. Например, натюрморт или пейзаж могат успешно да допълнят портретно изображение.

Според техническите техники и използваните материали живописта може да се раздели на следните видове: маслена, темперна, восъчна (енкаустика), емайл, лепило, водни бои върху мокра мазилка (фреско) и др. В някои случаи е трудно да се отделете живописта от графиката. Творбите, направени в акварел, гваш и пастел, могат да бъдат свързани както с живопис, така и с графика.

Боядисването може да бъде еднослойно, направено веднага, или многослойно, включващо подбоядисване и остъкляване, прозрачни и полупрозрачни слоеве боя, нанесени върху изсъхналия слой боя. Така се постигат най-фините нюанси и нюанси на цвета.

Важни средства за художествена изразителност в живописта са, в допълнение към цвета (цвета), петното и характера на удара, обработката на повърхността на боята (текстура), стойности, показващи фини промени в тона в зависимост от осветлението, рефлекси, които се появяват от взаимодействието на съседни цветове.

Изграждането на обема и пространството в живописта е свързано с линейна и ефирна перспектива, пространствени свойства на топли и студени цветове, светлосенчесто моделиране на формата, предаване на общия цветови тон на платното. За да създадете картина, освен цвят, имате нужда от добра рисунка и изразителна композиция. Художникът, като правило, започва работа върху платното, като търси най-успешното решение в скици. След това в множество живописни скици от живота той

разработва необходимите елементи на композицията. Работата върху картина може да започне с рисуване на композицията с четка, подрисуване и

директно рисуване на платното с едни или други изобразителни средства. Освен това дори подготвителните скици и етюди понякога имат самостоятелно художествено значение, особено ако принадлежат на четките на известен художник. Живописта е много древно изкуство, което е претърпяло еволюция в продължение на много векове от палеолитните скални рисунки до най-новите тенденции в живописта на 20 век. Живописта има широк спектър от възможности за реализиране на идеи от реализъм до абстракционизъм. В хода на нейното развитие са натрупани огромни духовни съкровища. В древни времена възниква желанието да се възпроизведе реалният свят така, както го вижда човек. Това доведе до появата на принципите на chiaroscuro, елементи на перспектива и появата на обемно-пространствени живописни изображения. Откриха се нови тематични възможности за изобразяване на действителността чрез изобразителни средства. Живописта е служила за украса на храмове, жилища, гробници и други съоръжения и е била в художествено единство с архитектурата и скулптурата.

Средновековната живопис е била предимно с религиозно съдържание. Отличава се с израза на звучни, предимно местни цветове и изразителност на контурите.

Фонът на стенописите и картините като правило е конвенционален, абстрактен или златен, въплъщаващ божествената идея в мистериозното си трептене. Цветната символика играе важна роля.

През Ренесанса усещането за хармонията на Вселената, антропоцентризма (човекът в центъра на Вселената) се отразява в живописни композиции на религиозни и митологични теми, в портрети, битови и исторически сцени. Ролята на живописта се увеличи, развивайки научнообоснована система от линейна и въздушна перспектива, chiaroscuro.

Появява се абстрактната живопис, която бележи изоставянето на фигуративността и активното изразяване на личното отношение на художника към света, емоционалност и условност на цвета, преувеличение и геометризиране

форми, декоративност и асоциативност на композиционните решения.

През 20 век Търсенето на нови цветове и технически средства за създаване на картини продължава, което несъмнено ще доведе до появата на нови стилове в живописта, но маслената живопис все още остава една от най-любимите техники на художниците.