Графици от различни епохи. Графика в Художествена галерия JAG

Изкуството на графиката е разнообразно. Включва политически плакати и рисунки от вестници и списания, илюстрации на книги и карикатури, индустриална приложна графика и филмова реклама. Голям дял от него заема станковата графика – рисунки и гравюри, направени самостоятелно, извън специално практическо предназначение. Наречена е така по аналогия със стативната живопис, произведенията на която художникът създава на специална машина - статив; Думата "графика" идва от гръцката grapho (графо) - пиша, рисувам. Разбира се, стативовата графика не е напълно лишена от цел. Когато хваща четката, молива или длетото на гравьора, художникът винаги има конкретна цел. Той се стреми да предаде на хората своите мисли и чувства, своето разбиране за живота, да утвърди достойното в него и да накаже отрицателното, да покаже удивителната, скрита красота на света, видяна само от него. Но в същото време авторът на стативна рисунка или гравюра не винаги преследва пропагандна или обвинителна цел с работата си, както майсторите на плакати и карикатури; той не изпълнява рекламни или утилитарни задачи, както художниците на плакати и индустриална графика; неговите изображения, накрая, не са свързани с литературни героии ситуации, както в произведенията на илюстраторите.

По същия начин майсторите на стативната живопис и скулптура, за разлика от стенописците и декораторите, създават самостоятелни произведения, които не са свързани с никакви артистичен ансамбъл- сграда, помещение, площад, парк и др.

Станковата графика има много общо със стативната живопис. Въпреки че основните им художествени средства са различни, и двата вида изкуство имат големи и до голяма степен сходни възможности за изобразяване на природата, хората и цялото богатство на материалния свят. Различните аспекти на човешкия живот, които винаги са били в центъра на изкуството, подтикнаха съставянето на различни жанрове - портрет, пейзаж, битова или батална композиция, натюрморт и др. Тези жанрове съществуват както в съветската живопис, така и в съветската графика. Светът на човешката душа е показан с особена дълбочина в множество произведения на стативната живопис, скулптура и графика. За тази психологическа природа, за многостранния и голям разговор със зрителя за човек, ние ценим особено стативното изкуство.

Имайки много общо с живописта, стативната графика, в същото време, по отношение на метода на изпълнение - главно на хартия - и в техниките на рисуване и гравиране, е близка до всички други видове графика. То, подобно на цялото семейство графични изкуства, се отличава със сравнителната скорост на изпълнение на нещата, както и добри възможноститяхното размножаване. Благодарение на това, първо, графиките имат голям потенциал да бъдат актуално изкуство, бързо реагиращо на събитията Публичен живот, изкуство живеещо в ритъма на съвремието. Тези възможности, присъщи на графиката, както ще видим по-късно, неведнъж са били използвани перфектно от нейните майстори. Второ, тъй като графичният лист обикновено се изпълнява по-бързо от картината или скулптурата (въпреки че от графика се изискват не по-малко умствена сила, талант и умение), той запазва специална спонтанност на общуването с природата, възможността за живо улавяне. Ако добавим към това, че техниката на изпълнение на графичните произведения е много разнообразна, идейната и естетическо богатствотози вид изкуство.

Много интересни неща очакват внимателния зрител на графичните произведения. Не веднага, но постепенно пред него се разкрива оригиналността и красотата на всяка графична техника – сребристата чистота на рисунката с графитен молив и кадифената чернота на италианския молив, прецизната плавност на рисунките с туш или туш, нежността на пастела. и сангвиник. Постепенно се научаваме да ценим богатата гама от сиви и черни тонове, достъпната рисунка с въглен, сос, черен акварел или мастило, прозрачната лекота на цветния акварел и по-тежкия, материален език на гваша. Ние сме възхитени от разнообразния и гъвкав език на дърворезбите, обобщените и лаконични форми на линогравюрите, изразителността на светлосенката и дълбочината на цвета в офорта, свободните, богати нюанси на цвета и мекото моделиране на литографските рисунки с молив.

Художниците често работят със смесена техника, комбинирайки в своите творби например въглен, креда и някакъв вид молив, или акварел и пастел, акварел и гваш и др.

Както в литографията, така и в техниката на гравиране, зрителят вижда крайния резултат от работата на художника - отпечатък или отпечатък, иначе отпечатък. От една дъска или камък могат да се получат много такива впечатления и всички те са еднакво оригинални произведения на изкуството. Тази особеност на отпечатъците - техният доста голям тираж при запазване на всичките им художествени достойнства - е особено ценна за нас.

По-широки кръгове съветски хора вече се запознават с изкуството. Те откриват в щампата цялата пълнота на мислите и естетическите преживявания, които доставя истинското велико изкуство, като в същото време щампата не е далечен музеен уникат, който виждаме само от време на време, а нещо, с което красивото влиза в дома ни , в ежедневието.

Съветската станкова графика е обширна област на нашето изкуство, чиято все още ненаписана история включва прекрасни страници от големи художествени търсения и постижения. Има свои блестящи традиции както в руското изкуство, така и в редица други национални художествени школи. Почти всички най-велики художници от миналото са били и големи майстори на рисунката и акварела. Акварели на Александър Иванов и К. Брюлов, множество рисунки и акварели на Репин, графики на В. Серов и Врубел са шедьоври на нашето изкуство, изпълнени с вечно очарование. Като демократично изкуство, носещо образите и мислите на художниците до хората, литографията се появява в Русия в началото на 19 век. Кипренски, Орловски, Венецианов, а по-късно Перов, Шишкин, Вл. Маковски, Левитан и други художници. През четиридесетте години на 19 век Шчедровски в албума „Ето нашите“ показва на зрителя търговия, занаятчийски хора, народни типове. Това беше първият опит за създаване на цветна литография в руското изкуство. Водещите художници от миналия век оценяват изкуството на гравирането заради относително по-голямата му достъпност до хората, поради факта, че приближава техните творения до публиката на публичния зрител. Класикът на украинската поезия и художник Т. Г. Шевченко, който работи в офорта, пише през 1857 г.: "От всички изящни изкуства сега най-много харесвам гравирането. И не без причина. Да бъдеш добър гравьор означава да си дистрибутор на красивото и поучителното в обществото." Шишкин също беше любител на офорта. И. Е. Репин многократно се обръща към различни техники за гравиране. Цялото разнообразие от жанрове - битови, исторически сцени, портрет и пейзаж - се развива в литографията, офорта и рисунката от миналия век.

В графиката от началото на 20 век, както във всяко изкуство, има сложно преплитане на понякога противоположни тенденции. Събитията от революцията от 1905 г. улавят графиката на списанието с особена сила, но те също намират ехо в стативите - офорти на С. Иванов, в пастели на В. Серов, шокиран свидетел на клането на работниците от царизма. В тези творби, както и в изображенията на миньори, работници, студенти от Касаткин, в рисунките на С. Коровин, изобразяващи войници, в листовете на Сергей Иванов, посветени на бедните мигранти, живее интересът към трудовия човек и съчувствието за неговия труден и труден живот, характерен за напредналото руско изкуство.често трагична съдба. Но в графика на тези десетилетия има и тенденция към отдалечаване от сложността и противоречията на социалната реалност. В някои случаи тази тенденция оставя отпечатъка на един вид пасивно съзерцание върху творбите на художниците, в други отвежда творците в тяхната работа в далечни дворцови зали и паркове, които са чужди на широката публика. Може би водещият жанр в предреволюционната графика беше пейзажът. В него работят големи майстори като А. Остроумова-Лебедева, В. Фалилеев, К. Юон, И. Нивински, И. Павлов, Е. Лансери и др. Те неусетно виждат красотата на многоликата природа, различните й състояния, поезията на архитектурата в нейната връзка с пейзажа. Това преклонение пред красотата на света е основното вечно съдържание на техните творби, което ни тревожи и до днес. Но понякога в техните страници се усеща нотка на съзерцание.

В предреволюционната гравюра, илюстрация на списания и книги повече, отколкото в други видове изкуство, се усеща влиянието на обществото "Светът на изкуството", може би защото много от членовете му са били графици на високо професионално ниво. От посочените художници това общество включваше Остроумова-Лебедева и Лансере. Въпреки това, всички най-добри аспекти на тяхната работа се развиват в противоречие с естетическите насоки на теоретиците на "Света на изкуството", които се застъпват за "чисто изкуство", което е далеч от живота. Картините, акварелите и рисунките на главните фигури на „Света на изкуството” А. Беноа, К. Сомов и други възкресиха галантния и безжизнен свят на придворния живот от минали епохи и бяха сложна и научена игра на историята. Така в предреволюционната графика се създават произведения, наситени с цялата драма на социалните противоречия, появява се маса от камерни лирични пейзажи и в същото време процъфтява ретроспективизмът, т.е. отклонение от модерността, естетиката на света на изкуството.

В първите години след революцията появата стативна графикамалки промени. Тези сурови години бяха времето на войнственото, шумно изкуство на плакатите, пропагандната монументална скулптура и новото изкуство на декорацията масови празници. На фона на бурното развитие на тези видове изкуство стативната графика на пръв поглед изглежда особено традиционна. По принцип тук работят същите майстори, както в предреволюционните години, и тяхната работа, която до голяма степен вече е определена, не претърпява веднага или бързо сложни промени, свързани с влиянията на новата реалност. Пейзажът и портретът стават водещи жанрове на стативната графика. Художниците с любов изобразяват древни кътчета на градовете, забележителни архитектурни паметници и вечната красота на природата, неподвластна на социалните бури. Творбите им съдържат много завладяващо майсторство и спокойно възхищение от красотата на света. Но този затворен малък свят на обърнат назад, ретроспективен пейзаж сякаш е защитен от събитията в страната от невидима стена.

Върши работа битов жанр, от които са създадени малко, те изобразяват същия тих и скромен живот, недокоснат от никакви социални катаклизми, проста домакинска работа.

Графиката от тези години е доминирана от гравюри и литографии; рисунката и акварелът не са много разпространени. Пейзажи и портрети често се публикуват в албуми с гравюри, а това са малотиражни и скъпи издания за малцина ценители.

Интимността отличава портретните творби. Модели за портретисти обикновено са художници, писатели, изпълнители, тоест доста тесен кръг от хора, духовно близки до автора. Техният вътрешен свят е разкрит фино и внимателно, но все още не на нивото на големи обобщения, които по-късно ще бъдат достъпни за съветското изкуство.

И само в портретите, изпълнени от Н. А. Андреев, по-специално в неговите изображения на В. И. Ленин, портретният жанр в графиката веднага придобива нови качества, обобщаваща сила и социален резонанс. Тези рисунки с право са включени сред най-добрите постижения съветско изкуство, те все още ни радват днес и участват в живота ни. Но в годините на тяхното създаване тези листове бяха като че ли блестящо изключение, което само потвърждаваше правилото - общата интимна природа на повечето портретни произведения. Ще започнем запознаването си със съветската стативна графика с рисунките на Андреев, които сякаш изпревариха времето си.

За Н. А. Андреев (1873 - 1932), известен скулптор, автор на московските паметници на Гогол, Островски и Паметника на свободата, рисуването беше не само необходим подготвителен етап на работа, но и независима област на творчество. В началото на 20-те години изпълнява голямо числографични портрети - Дзержински, Луначарски, Горки, Станиславски, артисти на Художествения театър и др.

Човекът в цялата цялост на неговия характер е това, което интересува портретиста Андреев. В неговите листове вътрешният свят на модела е изобразен ясно, уверено и подробно, но без полутонове и изобилие от нюанси. Запознавайки се с портретите на Андреев, ние като че ли получаваме сума от много точни, проверени знания за хората, изобразени в тях. Точността и яснотата на това знание е уникалният патос на творчеството на Андреев, на него е подчинен и начинът на изпълнение на портретите.

Много по този начин идва от скулптурната визия на художника за формата. Това е подчертаната пластичност на дизайна, задължителното търсене на изразителна линия на силуета, но и твърдостта на цвета, липсата на усещане за въздух. Но основното тук беше положителното, което даде скулптурният талант на Андреев - способността да се види моделът като цяло, основното в очертанията на главата, да се види характерният външен вид, изчистен от произволни линии и завои. Тази цялост на силуета, съчетана с най-детайлното развитие на лицето, особено на очите, съставлява уникалния стил на художника. Сангвиничният, пастелният и цветният молив й служеха добре в ръцете на Андреев, както и въгленът или италианският молив, с които се очертаваха основните обеми.

По същия начин Андреев изпълнява и няколко портрета на В. И. Ленин, които са част от неговата известна Лениниана - голям цикъл от скици, рисунки, скици и скулптури, чието създаване е основното дело на живота на Андреев през годините на Съветския съюз мощност. Портретите на Ленин от Андреев са за нас не само неща на талантлив художник, но и ценно откровение на очевидец, човек, който многократно е наблюдавал Ленин на конгреси и конгреси и в кабинета му в Кремъл. В процеса на тази работа Андреев направи много бързи скици, но има само три завършени портрета; художникът отлично разбираше сложността и спецификата на техните задачи с привидно възможната скорост на изпълнение.

В един от тези портрети лекото присвиване на очите на Ленин и едва забележимата усмивка вдъхнаха живот на образа и създадоха образ, изпълнен с човешка топлина. В същото време портретът съдържа и усещането за социалната значимост на образа на вожда и затова този лист е толкова нов по съдържание за изкуството на графичния портрет от онези години (ил. 1).

Темата за Ленин - водачът на масите е разработена с още по-голяма сила и изразителност от Андреев в профилния портрет на В. И. Ленин, често датиращ от началото на 20-те години. Импулсът и енергията на този вдъхновен образ, неговият възвишен героизъм печелят сърцата. В същото време разбирането на историческата роля на В. И. Ленин тук се отличава с такава зрялост, че тази работа на Андреев изглежда далеч пред изкуството от началото на 20-те години. С цялото богатство и постижения на изкуството от тези години, ние няма да намерим в него такова усещане за мащаба на делата на Ленин, обхвата на мисълта на Ленин, такова историческо разбиране на неговия образ. И неотдавнашното предположение на изследователката на Лениниана Л. Трифонова изглежда справедливо, че портретът, станал известен едва през 30-те години, е създаден не в началото на 20-те години, а по-късно. Лаконичният език и вътрешното съдържание придават на този лист истинска монументалност. Неслучайно този портрет вече е познат на широката публика не само от много репродукции: направен е в мозайка, рисуван е като панел при декориране на празници. Увеличена до огромни размери, рисунката не губи нищо в своята лаконична изразителност,

Г. С. Верейски (роден през 1886 г.) също работи в областта на портрета от първите години на формирането на съветската графика. Моментът за оценка на социалната значимост на личността по-късно ще заеме важно място в творчеството му, но пътят на художника към това и особено характерът на първите му творби са различни от тези на Андреев. Г. С. Верейски получава първите си умения в изкуството в частно ателие в Харков.Учене в университета, участие в студентски революционен кръг и революционните събития от 1905 г., във връзка с това, затвор и след това няколко години емиграция - това са някои моменти от биографията на художника. От 1918 г. в продължение на няколко години Верейски работи в отдела за гравиране на Ермитажа. Той идва там вече притежаващ значителна информация от историята на световното изкуство, а дългогодишната му работа в Ермитажа го обогатява още повече в това отношение. Не книжното, но живото познаване на шедьоврите на световното изкуство остави своя отпечатък върху творческия образ на художника; голяма култура, благородство, простота, зад която се крие взискателност, отличават многобройните му произведения. Верейски започва с портрети, изпълнени в литография, и въпреки че днес го познаваме като отличен чертожник и офорт, той направи най-много в областта на литографията.

От самото начало на творчеството си Верейски се отличава с лоялност към природата и наблюдателност. Затова може би дългият път в изкуството на този художник изглежда на пръв поглед плавен и спокоен. Всъщност той е белязан от постоянни търсения, подобряване на уменията,

Първият албум на Берейски „Руски артисти“ излиза през 1922 г. Тук виждаме напълно представена група художници от обществото Светът на изкуството, от основателите до второто поколение. Верейски много добре познава моделите си и точно улавя духовното настроение и характер на всеки от творците - мрачната сериозност и неприятната самота на Беноа, безрадостната съсредоточеност на Сомов, бодливото изражение, напрежението на вътрешния живот на Митрохин и др. От тези листове, както от портретите на Андреев, можем да научим много за изобразените тук хора, но в портретите на Верейски няма момент на оценка на хората, така да се каже, от разстояние; характеристиката е дадена камерно, интимно-лирично начин и все още не е повдигнат въпросът за социалната значимост на тяхната дейност. В следващите албуми от 1927 - 1928 г. Верейски по-точно намира естествената и спокойна поза на модела, рисува по-уверено и свободно. Успешни са портретите на художниците Головин, Замирайр, архитекта Шчуко, критика Яремич, Нотгафт. Верейски успя да предаде вътрешната култура, живостта на ума и очарованието на голямото образование, присъщи на хората, които изобразява.

През 30-те години Верейски работи много върху портрети на пилоти, възхищавайки се на тяхната смелост и смелост, опитвайки се да подчертае тези качества в техните описания. И когато в началото на Великата отечествена война той създава портрети на смели бойци Фисанович, Мещерски, Осипов и други, те изглеждат като продължение на разказа на художника за смелите съветски войници, започнат с творби от 30-те години.

Но основното постижение на Верейски в този период и след това са портрети на културни дейци. С особена яснота художникът през годините на войната усети, че темата на неговите портрети е творчеството, скъпоценната и неотменна способност на човек на изкуството да работи с творческа проницателност дори в моменти на тежки трудности. В тези листове голямото техническо умение на Верейски сякаш за първи път беше осветено от дълбоко емоционално вълнение, а неговите винаги правилни и точни портрети придобиха жива емоционалност. Директорът на Ермитажа, ориенталистът И. А. Орбели и поетът Н. Тихонов са рисувани от него през дните на обсадата на Ленинград; трудностите му оставят своя отпечатък върху облика на тези хора, но въпреки условията, в които работят, тяхната творческа дълбочина е предадена осезаемо и ясно. Същата поезия на вдъхновено търсене е и в портретите на художника E. E. Lansere, диригента E. A. Mravinsky, художника T. N. Yablonskaya (ил. 2). Отново културни дейци различни професииса представени тук, но с промяната на вътрешния им свят пламенната им отдаденост на изкуството е осветена с нов смисъл. Предишната интимност на творбите на Верейски изчезва и въпросът за социалната роля на изкуството се чува с пълна сила в неговите портрети от 1940-1950-те години. Методите на неговото психологическо писане не станаха различни, а само по-прецизни, но от обичайната съвестна правдивост на неговите характеристики, контурите на голямата вътрешна близост на хората, които той изобразява, близост в главното - в разбирането на смисъла на тяхната работа, сякаш се появи от само себе си.

Когато произнасяме името на Г. С. Верейски, често веднага си спомняме творбите на М. С. Родионов (1885 - 1956) - художник, чието изкуство е в много отношения вътрешно близко до Г. С. Верейски. И основните посоки на работа - портрет и пейзаж (върху които Верейски също е работил много), и строгата красота на начина, и внимателността в изучаването на природата бяха общи за тези художници. Изпълнена от М. С. Родионов през 1944 - 1946 г., също в техниката на литографията, серия от портрети на учени и художници - Абрикосов, Баранов, Веснин и други - очертава в нашата графика същата линия на сериозни, лишени от външна ефектност, силни във вътрешната правдивост на портретното изкуство, което е очертано и в произведенията на Г. С. Верейски.

Работата на Верейски и Родионов ни отведе далеч от първите следреволюционни години. Връщайки се към тях, трябва да допълним кръга от вече познати портрети с творбите на Б. М. Кустодиев (1878 - 1927). Голям художник, Кустодиев работи много и в областта на графиката. Интересен е портретът на Ф. И. Шаляпин, нарисуван с акварел и молив през 1921 г. Ако в първата версия на този портрет печатът на ежедневието сякаш потушава вътрешната светлина в лицето на Шаляпин, то по-късно художникът създава сложен и в същото време убедителен образ; в него се усеща талант, широта, елегантност и някаква скрита мисъл (ил. 3).

Вторият широко разпространен жанр в графиката от 20-те години е пейзажът. Един от най-големите му майстори е А. П. Остроумова-Лебедева (1871 - 1955). Рано пробуденият интерес към изкуството я отвежда в училището за техническо рисуване „Щиглиц“, където учи под ръководството на отличния учител и гравьор В. В. Мате, велик майстор на репродукционната гравюра. Творческият профил на Остроумова не беше определен веднага. След като се премества в Академията по изкуствата, тя учи там с различни учители и по-късно е приета като един от учениците на И. Е. Репин. Това е събитие, което оставя отпечатък върху цялото бъдещо творчество на художника. „Дълбоко, в основата на нашето изкуство, жизнерадостният, свеж и вечно жив реализъм на Репин е крайъгълният камък“, пише по-късно Остроумова. Постепенно интересът на художника към гравюрата и по-специално към цветната дърворезба става все по-определящ. Тя изучава прекрасни образци на това изкуство в различни колекции по време на пътуването си до Париж. От всички техники за гравиране дърворезбата в Русия в началото на 20 век има най-малко самостоятелно художествено значение и съществува главно като метод за възпроизвеждане на картини. Цветните дърворезби бяха напълно забравени. Ето защо, когато Остроумова-Лебедева представи на Академията за конкурс няколко свои гравюри и сред тях цветна дърворезба от картината на фламандския художник Рубенс „Персей и Андромеда“, журито първоначално дори отхвърли този лист, приемайки го за акварел .

През целия си дълъг творчески живот Остроумова-Лебедева носи своята привързаност към дърворезбата и акварела. За първия от тях самата художничка пише с любов и поезия:

"В това изкуство ценя невероятната стегнатост и краткост на изложението му, неговия лаконизъм и благодарение на това изключителната острота и изразителност. В гравюрата на дървото ценя безмилостната определеност и яснота на линиите... Самата техника не позволява за корекции и затова няма място за съмнения и колебания в дърворезбата...

И колко красиво е движението на инструмента върху твърдо дърво! Дъската е толкова полирана, че изглежда като кадифе, а по тази лъскава златиста повърхност бързо се движи острото длето и цялата работа на художника е да го държи в границите на волята си!

Има прекрасен момент, когато след трудна и бавна работа, свързана с постоянно напрегнато внимание - за да не сбъркате - търкаляте боята с валяк и всички линии, които сте оставили на дъската, започват да блестят с черна боя и изведнъж на дъската се появява рисунка.

Винаги съм съжалявал, че след такъв блестящ разцвет на гравюрата, какъвто беше през 16 век, XVII век, това изкуство започна да лихне, стана услуга, занаят! И винаги съм мечтал да му дам свобода!“

Още в предреволюционните години Остроумова създава много прекрасни творби - изгледи от Санкт Петербург и околностите му, пейзажи, рисувани по време на пътуванията й в Италия, Испания, Франция,

Холандия. Неизменната точност и вярност към природата вече са съчетани в тях с голяма дарба за обобщение. Особено прочувствено и поетично художникът рисува Санкт Петербург. Градът изглежда величествен в чаршафите си, пълен с хармония и красота. Хармонията на композицията, линейната яснота и чистотата на цвета отличават нейните творби.

След революцията, която според мемоарите й предизвиква у художника прилив на творческа енергия и радостен подем, Остроумова продължава да работи предимно в жанра на архитектурния пейзаж. На неговите страници, както преди, градът не е улици, оживени от активна тълпа, а преди всичко царство на красива архитектура, нейната непреходна красота.

В същото време художничката открива нови черти в облика на града, а сдържаната емоционалност на нейните картини понякога се заменя с по-бурно, стремително чувство. В рамките на един пейзажен жанр Остроумова създава много разнообразни и винаги вътрешно интегрални неща. Да си припомним например нейния акварел от 1918 г. "Петроград. Марсово поле". Този лист с бързото движение на облаците във високото небе, просторът на площада и стройната, устремена напред фигура на паметника на Суворов е изпълнен със скрито напрежение и патос. Отношението на художника тук е смело, весело, ритъмът на живота, който чува, е ясен, като марш, и като марш, музикален. Остроумова рисува с леки щрихи, обобщени във формата, като детайлизира с мъдра мярка. Изглежда, че този лист е нарисуван доста просто, но зад неговата простота има умение и голям артистичен вкус. Проявява се и в благородството на скромната и красива палитра на това нещо.

Гравюрата на дърво „Смолни” е пронизана с дива емоция, необичайна за Остроумова. Дъхът на революцията сякаш се носи в този пейзаж и сградата от спокойни класически форми сякаш отново живее, както във врящите води на октомври 1917 г. Сблъсъкът на черно и бяло изглежда удвоява силата на всеки от тези цветове. Колоните на Пропилеите, отбелязващи входа на Смолни, стават заплашително черни, земята блести с ярка белота, щрихите, които очертават пътя към сградата в дълбините, се въртят в бурно движение, едно дърво се огъва под поривистия вятър и полегато пада линии едва очертават небето над Смолни. Създава се образ, пълен с импулс, движение и романтично вълнение. Освен това колко красива и живописна е тази черна дърворезба, колко големи са чисто декоративните й предимства.

Декоративен е и цикълът от малки дърворезби, изобразяващи Павловск. Художникът видя декоративност в очертанията на купа дървета, силуета на статуя или решетка, наблюдавани в живота и затова убедителни.

Класически пример за голямото майсторство на Остроумова-Лебедева е пейзажът „Лятна градина в скреж“ (1929; ил. 4).

Спокойствието на изоставена градина ви обгръща, когато погледнете тази гравюра; сякаш се озоваваш на неговата алея – така авторът разгръща композицията на листа. Бодът от отпечатъци в дълбокия сняг и ритъмът на заснежената черна решетка очертават движението в дълбините на покривалото и то меко се закръгля там с лекия силует на мост. Движение и далечни фигури на хора оживяват целия лист, но не нарушават снежното му очарование. Именно в комбинацията от невероятно спокойствие и тишина с усещането за живот на големия град, който тече някъде съвсем наблизо, се ражда особеното очарование на тази гравюра. Поезията на зимата, нейните мътни цветове, мразовит въздух, обдухващ върховете на дърветата в крехка розова скреж, е перфектно предадена тук от художника.

По време на Великата отечествена война Остроумова-Лебедева, която вече беше на повече от седемдесет години, не напусна Ленинград. Тя сподели с всички жители невероятните трудности на блокадата и не спря да работи както може. Страниците от нейните мемоари, свързани с тези години, са не само хроника на трудности и душевни тревоги, но и свидетелство за вечен творчески огън и неуморно желание за работа. Подобна любов към изкуството и голяма отдаденост към него все още са пример за младите художници, а постиженията на Остроумова-Лебедева в гравюрата и по-специално нейното възраждане на художествената цветна дърворезба остават като непоклатим принос на голям майстор в нашето изкуство.

Произведенията на В. Д. Фалилеев (1879 - 1948) в много отношения са близки по отношение на възгледите и стила на произведенията на Остроумова-Лебедева. Той също така е майстор на черна и цветна дърворезба и се насочва към офорта и линогравюрата в постоянно търсене на нови технически възможности за своите произведения, особено колористични. Пейзажите на Фалилеев, както изобразяващи родната му страна, така и чуждите, ни привличат със същата пълнота на чувствата, способността да виждаме красотата в обикновените мотиви на природата, както произведенията на Остроумова-Лебедева, но хармонията и класическата чистота на линиите са по-рядко срещани в неговите гравюри стилът му на рисуване е по-свободен и някак по-неспокоен, колоритът е по-горещ и по-живописен. В същото време способността да обобщаваш впечатленията си и да създаваш обемен художествен образ с минимум средства прави Фалилеев подобен на Остроумова-Лебедева. В този смисъл характерен е например албумът с цветни линогравюри на Фалилеев „Италия“, където художникът, посвещавайки само един лист на един или друг град, в изключително лаконични композиции, изобразяващи понякога само фрагмент от сграда, сякаш се концентрира какво е най-характерното в облика на италианските градове.

Художникът се интересува и от бурната природа, създава серия от офорти „Дъждове“, вариращи в няколко листа, изучавайки променливия вид на морето, очертанията на бурна морска вълна. В пейзажи с мотиви на бури и дъжд някои изследователи виждат уникален отговор на графиката на революционната буря, но такова сближаване все още изглежда твърде просто. И при Фалилеев няма да рискуваме да установим подобна връзка между неговите сюжети и социални събития. Но в съвкупността на творбите му, в особеното напрежение на тяхната вътрешна структура, наистина се усеща сложността на социалния свят и то е по-отчетливо в неговите пейзажни листове, отколкото например в линогравюрата „Войски, ”, тъй като Фалилеев е преди всичко пейзажист.

И. Н. Павлов (1872 - 1951) също е представител на пейзажния жанр в графиката. В негово лице Москва имаше поет, толкова предан и неуморен да я възхвалява, колкото имаше Ленинград в лицето на Остроумова-Лебедева. Павлов е почти връстник на Остроумова, но пътят му в изкуството започва в други, по-трудни условия на живот. Син на затворнически фелдшер, по-късно пазач в катедралата „Христос Спасител“ в Москва, той трябваше да „влезе в очите на обществеността“ рано, като стана чирак в гравьорска работилница. Репродукционните гравюри от картини на В. Маковски бяха първите произведения, които му донесоха успех. Впоследствие Павлов учи в училището по техническо рисуване Щиглиц и в работилницата Мате, както и в училището на Дружеството за насърчаване на изкуствата, но не за дълго поради нуждата от работа. Художникът постига голямо умение да възпроизвежда картини, а неговите гравюри се публикуват в популярни списания от онези години, запознавайки читателите с неговите творби големи художници- от Репин до В. Маковски. Фотомеханиката обаче все повече измества този метод на възпроизвеждане. В творбите на Павлов се появява основната тема на творчеството му - древните ъгли на Москва и провинциалните градове, пейзажът на Русия, който се отдалечава в миналото.

Преходът към създаването на оригинални гравюри не беше лесен за художника, но неговата упорита работа и любов към предмета му постигнаха много. От 1914 г. започват да се появяват албуми с пейзажни гравюри на И. Н. Павлов. Неговите пейзажи са базирани на впечатления от природата на Московска област и от пътувания по Волга и Ока. Камерното възприемане на природата и търсенето на някаква интимност в нея отличават тези първи творби. "Стремих се да избера ъгли и възнамерявах да видя моите гравюри като истински пейзажи на настроението. В голям мащаб, в панорамния характер на изображението, ми се струваше, че интимността и композиционната яснота, които се опитвах да постигна, могат напълно да изчезнат, “, спомня си по-късно художникът. Започвайки голяма поредица от московски пейзажи, Павлов и тук търси предимно камерни лирични мотиви и улавя античността. „Търсих най-редките стари сгради, дворове, задънени улици, стогодишни дървени къщи, църкви със стара архитектура; Не пренебрегвах много изключителни паметници на древността... Понякога редувах старото с новото, за да подчертават типичността на взетото парче от града” - четем в спомените му.

От година на година московските гравюри на И. Н. Павлов се натрупват, съставлявайки многобройните му албуми. За сравнително кратък период от време в Москва се промени много, тихите кътчета, които И. Н. Павлов рисува, станаха неузнаваеми в огромния модерен град. И ние сме благодарни на художника, който запази за нас скромния комфорт на тихите алеи и дружелюбието на малките къщи (ил. 5). И в други руски градове - Кострома, Углич, Рязан, Торжок - Павлов е привлечен от древната архитектура. Чувстваше много добре нейната изразителност и оригиналност. Но като цяло произведенията на Павлов съдържат несравнимо по-малко артистичност и пластична красота, отколкото например пейзажите на Остроумова-Лебедева или Фалилеев. Документалната точност на творбите му често преминава във фотографски стил.

5. И. Н. Павлов. Лист от албума "Старата Москва". На Варварка. 1924 г

Цикълът на съвременните пейзажи е попълнен от Павлов през 1920 - 1930 г., когато се присъединява към Асоциацията на художниците Революционна Русия, той, подобно на много майстори на изкуството, отиде на творчески командировки в индустриалните центрове на страната. Цветната линогравюра „Астрахан“ с тъмно стадо кораби и светлините на голямата сграда на Народния комисариат по водите на брега, пейзажът „На Волга“ с резки черни силуети на платноходни кораби и леко трепереща вода, „Баку “, „Балахна” и някои други листове, изпълнени през тези години, бяха включени в списъка на най-добрите творби на художника. Листът "Звенигород. Покрайнините", създаден от 78-годишния майстор през 1949 г., също пленява със своето радостно, светло настроение.

Неуместната похвала на творчеството на Павлов от критиците в края на 40-те и началото на 50-те години прикрива недостатъците на произведенията му и, парадоксално, не позволява разкриването на истинските им достойнства. Днес често се среща пълно отричане на творчеството му. Но ние ценим страхотната работа на художника и неговия богат опит, който той щедро споделя с много майстори на съветската графика в началото на техния творчески път.

Заслугата на Павлов - заедно с В. Д. Фалилеев - е въвеждането на линогравюри в употреба от съветските художници и изобретяването на нов метод за отпечатване на отпечатъци акварелни бои- акватипия.

Сред учениците на И. Н. Павлов М. В. Маторин, майстор на цветни дърворезби и пейзажист, работи плодотворно като художник и преподавател.

В призива си към архитектурния пейзаж и древните паметници И. Н. Павлов не беше сам през 20-те години на миналия век. Вл. Ив. Соколов, ученик на Левитан, когото същият И. Н. Павлов успя да заинтересува от техниката на гравиране, издава няколко албума през 1917 - 1925 г., посветени на Сергиев Посад, стара Москва и Ростов. Всичко това са добри примери за древни пейзажи. В албумите с литографии на Юон и Кустодиев през 20-те години можете да видите Сергиев Посад, руски пейзажи, картини от недокоснат стар провинциален живот. Класическите сгради на Санкт Петербург стоят в изсечените линии на дърворезбите на П. А. Шилинговски, чийто албум с пейзажи, публикуван през 1923 г., въпреки че се нарича "Петербург. Руини и Ренесанс", съдържа предимно само тъжни снимки на руини - разрушението, причинено на Петроград от военни опустошения. След като по-късно пристигна в Армения, Шилинговски отново видя само чертите на античността, публикувайки албум с офорти „Старият Ериван“ през 1927 г. Така античният пейзаж в графиката на първото десетилетие не е случайно хоби на отделни майстори, а цяло явление.

Едва около 1927 г. интересът към него изсъхва и същият Шилинговски, голям почитател на архитектурната древност, създава албума „Нова Армения“ през следващата 1928 г., сякаш отбелязвайки в работата си характерен повратен момент, настъпил през графики.

Новото, разбира се, расте в дълбините на старото и работи, посветени на модерен пейзаж, се появи в графиката, така да се каже, в нейната дълбочина, сред вече познатите ни неща. Техни автори са художници, които вчера са посветили творчеството си на съзерцаване на непреходните красоти на архитектурата и природата. Например И. И. Нивински (1881 -1933), най-големият майстор на съветския офорт, в албума „Крим“, публикуван през 1925 г., артистично и лесно, макар и с нотка на съзерцание, предава ежедневната празничност на красивата южна природа. За 10-годишнината от октомври, по поръчка на Съвета на народните комисари, Нивински създава няколко големи гравюри „Загес“, където, изобразявайки електроцентрала в Грузия, той не само въвежда нов сюжет в своите пейзажи, но и активно търси нови изразни форми за него.

Офортът „Паметник на В. И. Ленин в Загезе“ е успешен, с внимателна рисунка и паметникът на В. И. Ленин, естествено доминиращ в индустриалния пейзаж - творение на скулптора И. Д. Шадра (ил. 6). Красотата на този паметник, неговият величествен грандиозен силует се превръща в основен компонент на пейзажния образ тук. Сега природата се възприема от художника не само като обект на възхитено съзерцание, но и като поле на голяма човешка дейност. За първи път в графичния пейзаж ясно прозвучаха нотки на активно отношение към живота.

През втората половина на 20-те години се появяват нови мотиви в творчеството на художника И. А. Соколов (р. 1890 г.). Ученик и голям почитател на В. Д. Фалилеев, И. А. Соколов от самото начало на творчеството си изобразява сцени на труда в гравюри. Отначало това е трудната и неприятна домашна работа на жената около къщата, занаятчийската работа - тесен и ограничен свят, показан с топлина и любов. Обущар, наведен над работата си, перачка, баба с внуците си в тясна, невзрачна стая вечер, стройният силует на дантела на фона на лека тъкан със сложна шарка, очевидно изплетена от нея - това са Соколов първи произведения (ил. 7).

По своя характер те са много близки до творчеството на И. Павлов, Вл. Соколов и други художници, които ни показаха ненатрапчивите кътчета на големите градове, тяхната недокосната древност. „Изглежда, че животът, отразен в гравюрите на И. А. Соколов, се е състоял зад стените на онези малки къщи, които И. Н. Павлов изобразява“, правилно пише биографът на И. А. Соколов М. З. Холодовская.

Очевидно, тъй като художникът винаги е бил близо до картините на труда, той е един от първите, които разширяват тясната рамка на своята тема и започват да изобразяват новия свят на индустриалния труд - работата в голям металургичен завод. Първите му листове, изобразяващи Московския завод за сърп и чук, датират от 1925 г. По това време художникът вече е усвоил техниката на цветна многопластова линогравюра и изгледите на работилниците, преплитането на мощни стоманени ферми и сложното осветление на сцени с ослепителен горещ метал са възпроизведени от него точно и подробно. По-късно, вече зрял майстор, Соколов отново идва в познатата си фабрика и през 1949 г. създава поредица от гравюри, посветени на него. Този път той въвежда в поредицата портретни листове; един от тях, изобразяващ стоманопроизводителя Ф. И. Свешников, беше особено успешен за художника. Под маската на Свешников, внимателно наблюдаващ топенето, той успя да предаде скромността, простотата и чара на човек с богат жизнен и трудов опит. Но първите „фабрични“ листове на Соколов запазват своето значение за нас; в тях се крие съвестната прецизност на първите стъпки по един все още непознат за самия автор и други творци път.

През целия си живот И. Соколов работи много в областта на пейзажа. Пейзажите му от 20-те и 30-те години на ХХ век стават широко известни; студената свежест на ранната пролет и огнената дреха на есента винаги са уловени в тях с ясен, прецизен рисунък, ясни, чисти цветове. Подобрявайки техниката на цветна линогравюра, постигайки свободно предаване на богата гама от цветове, художникът използва голям брой дъски и понякога навива върху дъската не само една, както обикновено, а няколко бои. Известната му гравюра „Кузминки, есен“, пленяваща с горещите си живописни цветове, например, е изпълнена върху седем дъски в девет цвята.

Събитията от войната са отразени от художника в големите серии „Москва през 1942 г.“ и „Какво разруши врагът“. В първия от тях, рисувайки танкове, тръгващи на фронта по улиците на Москва, стада, изгонени в тила, зеленчукови градини в дворовете и т.н., художникът насища листовете си с жанрови мотиви, но все пак остава предимно пейзажист в решаването композицията като цяло. Във втората - пейзажна - поредица, документалната задача е съзнателно изведена на преден план, но тъгата също оцветява тези листове, изобразявайки болезненото унищожаване на красивите ансамбли от предградията на Ленинград. Същата документална задача е изправена пред художника в неговата поредица от следвоенните години, в която той старателно и внимателно възпроизвежда паметни места, свързани с живота и творчеството на В. И. Ленин и А. М. Горки.

Първите произведения за новия живот, като листовете на Нивински или Соколов, бяха малко на брой. Броят им обаче постепенно се увеличава. През годините на първата петилетка бяха организирани пътувания на художници и графици до най-важните нови сгради, индустриални гиганти и до първите колективни ферми. Художниците откликнаха с ентусиазъм на тези нови задачи. И въпреки че сред творбите, създадени в резултат на тези пътувания, все още имаше малко неща с високо художествено достойнство, с тази работа в графиката влезе нов свеж поток, дъх на великия живот на страната.

Сложността на тази работа се крие в недостатъчните познания на художниците за ежедневието на социалистическото строителство и в дискусионността на много въпроси на художествената форма, характерни за онези години. Многобройни художествени групи често излизат с противоположни теоретични платформи, а в споровете, които възникват тогава, самото право на съществуване на стативното изкуство понякога е поставяно под въпрос. Не бива да забравяме, че тези години бяха период на противоречиви търсения в областта на художественото образование. Често неправилната подготовка на художниците в университетите ги лишаваше от силните основи на професионалните умения и младият график трябваше да компенсира много по-късно. Вярно е, че произведенията на редица отлични майстори от по-старото поколение, както и съветите, които дадоха на младите хора, често извън официалните стени на университета, бяха много поучителни за тях. Имаше и такива ателиета като, например, ателието на Кардовски, в което художниците преминаха през плодотворно училище за реалистична рисунка и композиция. И все пак условията за работа на художниците бяха трудни. Те се подобряват едва с ликвидирането на художествените колективи в началото на 30-те години и обединяването на всички здрави творчески сили на единна реалистична платформа.

Когато графиката се обърна към модерни теми, бързо се очертаха няколко основни направления в работата на художниците. Една от тях беше, както видяхме в гравюрите на И. Соколов, чрез точно, донякъде описателно, почти документално възпроизвеждане на наблюдаваната предимно индустриална трудова ситуация. В творби от този тип имаше много от находчивото и честно желание на авторите да разкажат на зрителя възможно най-точно и пълно за нови сгради и фабрики. Не напразно художниците често не се ограничават до един лист, а улавят изгледи от завод, строеж и т.н. в цяла поредица от тях.

Второто направление може да се нарече затоплено от лирично чувство, лаконично, запазващо живостта на скицата, но и липсата на яснота, изкуството на индустриалния пейзаж, създадено в края на 20-те - началото на 30-те години на миналия век от Н. Н. Купреянов (1894 г. - 1933), ученик на толкова различни художници като Кардовски, Петров-Водкин, Остроумова-Лебедева, Купреянов изминава кратък, но труден път в изкуството, пълен с постоянни търсения. Той работи интересно не само в стативовата графика, но и в илюстрацията на книги. Купреянов е един от първите, посветили творбите си на революцията, а неговите гравюри на дърво „Бронирана кола” (1918) и „Крайцер „Аврора” (1923), донякъде преднамерени в подчертаната си ъгловатост или бързо движение на линиите, носят в себе си частица истински духовен подем, жив отклик на събитията от октомври. Скоро напускайки дърворезбите, Купреянов работи предимно в стила на свободните, изпълнени със светлина и тайнствени преходи на светлина и сенки на рисунката с туш и акварел. Камерни пейзажи и сцени от „ Серия Селищенски", в която има както топлината, така и тясната изолация на семейния свят, съставляват един от аспектите на неговото творчество. Но изкуството на Купреянов рано навлиза в откритите пространства огромна страна. В поредицата „Железопътни релси” (1927) бързата му четка изпълва лист след лист бумтящото движение на влаковете, а в забързания му ритъм се чува ехото от деловия живот на страната. В циклите „Балтийско море“, които започват да се създават през 1931 г., и „Риболовът на Каспийско море“, възникнали в резултат на пътуванията на художника там, има същата лекота на външно небрежен схематичен начин на рисуване. Зад него се усеща далеч незавършеното търсене на образи на съвременността, съчетаващи експресията на мимолетното и обемното съдържание на характерното.

Една ранна смърт прекъсна работата на художника по средата.

Третата посока в работата на графичните художници по модерни теми се появи с ранната тенденция на романтично издигнато представяне на сюжета. Тя превръща индустриалните мотиви във величествен, понякога омагьосващ спектакъл. Изглежда, че това са произведенията, които имат най-креативния, емоционален подход към природата. И наистина, сред тях често има значими и много красиво изпълнени неща. Но тяхното романтично въодушевление най-често има някак абстрактен и субективен характер, то, подобно на описателната точност на други произведения, е резултат само от първия контакт на художника с темата. Не без причина, увлечени от общи видове строителство, фабрични работилници и т.н., авторите на всички ранни промишлени произведения все още отделят много скромно място на хората в тях. Пример за произведения от романтична природа е листът на Н. И. Дормидонтов "Днепрострой" (1931; ил. 8). Дормидонтов (роден през 1898 г.) също е един от първите художници модерна темав графиката. Още от средата на 20-те години се появява неговият работен лист, посветен на работата - отначало сдържано прецизен и сух, а след това по-свободен и композиционен. В рисунката „Днепрострой” художникът е запленен от огромния мащаб на конструкцията и очарователната природа на картината на нощните работи, осветени от суровата светлина на множество електрически крушки. В неговите рисунки трудът се превръща в зашеметяващ спектакъл, мистериозен, грандиозен и леко фантастичен.

Подобна интерпретация на труда може да се види в поредица от гравюри на А. И. Кравченко (1889 - 1940), също посветени на изграждането на водноелектрическата станция Днепър (1931 г.). Тя е създадена от художника още в зрелия му период на творчество и в нея ясно се проявява грандиозното му умение,

В гравюрите от този цикъл са натрупани огромни язовирни конструкции, които се издигат нагоре, стрелите на кранове се издигат плътно около тях, високото небе се върти с облаци, а слънцето изпраща ослепителните си лъчи нагоре. Контрасти на черно и бели цветяпораждат ярка, неспокойна гама от гравюри. Зрелището на строежа на Кравченко е грандиозно и впечатляващо. А хората, които създават нов индустриален гигант в трудни условия, са дадени само като ритмично повтарящи се групи от еднакви силуетни фигури, като абстрактни носители на движение. Но тогава много художници бяха привлечени преди всичко от общата панорамна изразителност на строителната площадка, работилницата и т.н. И в гравюрите на Кравченко тя се изразява само най-талантливо.

Като цяло творчеството на Кравченко представлява ярка и самобитна страница в историята на нашата графика. Майстор на дървопечат, офорт и рисунка, много чувствителен към теми с остра социална конотация в предметите на статива, писател на научна фантастика и магьосник в илюстрациите, Кравченко бързо печели широка известност у нас и в чужбина. Произхождащ от селско семейство, той получава образование в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура. Негови учители са известни руски художници С. Иванов, В. Серов, К. Коровин, А. Архипов. Кравченко започва кариерата си като художник, но в областта на рисунката и гравюрата, към които се насочва през годините на съветската власт, работата му е особено интересна. Многобройните пътувания до Индия, Франция, Италия, Америка и Съветския съюз завършват художественото образование на Кравченко и разширяват неговия кръгозор. Кравченко работи много здраво. Той създава причудлив свят от образи в книжни илюстрации, съчетавайки фантазия и гротеска, трепетната магия на чувствата и енергията на обсебването. Той непрекъснато работи в областта на пейзажа; различните му листове улавят хармонията, красотата както на скромната природа на Московския регион, така и на известните градове на Европа. Той е един от първите графични художници, които създават сюжетни поредици, отговарящи на социални теми. Поредица от гравюри, посветени на погребението на В. И. Ленин, направени през същата година, 1924 г., е тъжен разказ на очевидец и сега придобива значение исторически труд. Впоследствие художникът отново се връща към ленинската тема, завършвайки строгата и тържествена гравюра „Мавзолей“ през 1933 г. Прави и поредица от гравюри „Животът на една жена в миналото и настоящето“ за съветския павилион на Международното изложение в Париж. В контрастни картини художникът възпроизвежда съдбата на жената-майка в царска и съветска Русия; той действаше тук като разказвач, чиято реч беше емоционална и ярка, но в образите му нямаше голяма вътрешна и пластична изразителност. След поредицата „Днепрострой“ Кравченко не изоставя индустриалната тема и през 1938 г., използвайки материали от творческа командировка, създава рисунки и офорти, посветени на завода Азовстал.

В офорта, изобразяващ разливане на стомана (ил. 9), художникът остава запленен от мощта на огромни технически конструкции и величието на картината на труда. Той свободно композира сложна сцена, ефектно я осветява с потоци светлина и искри. Освен това тук се появява истински трудов ритъм, а с него и целесъобразността на всичко, което се случва, вместо донякъде абстрактния патос на „Днепър“. Освен зрелищно забавление, листът придобива и страхотно съдържание.

Тази монументална гравюра е направена от Кравченко за Всесъюзната изложба "Индустрията на социализма". Тази изложба в съветското изкуство е свързана с масов призив на художници към модерността. Творбите за него са създадени в продължение на няколко години, като се започне от 1936 г. Малко преди началото на тази работа 1500 барабанисти от една от най-големите фабрики написаха на страниците на Правда, обръщайки се към артистите:

„Очакваме големи платна от вас. Искаме те да бъдат нещо повече от обикновени снимки. Искаме да са изпълнени със страст. Искаме да вълнуват нас и нашите деца. Искаме да ни внушават радостта от борбата и жажда за нови победи. Искаме да покажете хората на нашата страна - герои и обикновени участници в нашия строителен проект."

Тези страстни думи не само добре формулираха задачите на нашето изкуство, но и отразяваха онази атмосфера на взискателната любов на хората към изкуството, онзи възвишен интерес към него на трудещия се човек, който помагаше на художниците в тяхната работа. Организирана по инициатива на Серго Орджоникидзе и открита по време на XVIII партиен конгрес, изложбата обхваща широко живота на съветската страна. Тук бяха изложени над 1000 произведения, от които около 340 бяха в графичния отдел (с изключение на сатиричните). Сред тези листове имаше малко произведения с голямо умение и малко от тях са оцелели до наши дни. Но новите теми, които донесоха, които художниците видяха на живо - на скелето на нови сгради, в цеховете на завод - бяха голямо постижение за изкуството на графиката. Днепрострой и работата в калиевите мини в Соликамск, изграждането на метрото и развитието на Арктика, добива на злато в тайгата и работата на миньор - колко различни са тези теми от порочния кръг на житейски явления, ограничен до свят на стативовата графика по-рано, колко малко придържане към античността, основни принципи остава в него ретроспективизъм! Тук все още имаше много индустриални пейзажи. Но освен тях се появяват и сцени на труда; и човек, работещ във фабрика, на поле, в лаборатория, в мина, за първи път става герой на графичните произведения. Художниците все още не познават добре вътрешния му свят, в началото те само се чувстват добре и успяват да предадат увереното му поведение в работата му, пластичността на професионалните му движения. Ето защо един труден жест в рисунките може да бъде по-убедителен от изражението на лицето, а някои добри творби се развалят от външната грубост на героите.

Художникът А. Самохвалов (р. 1894 г.), например, в серия от акварели добре показа енергията и оптимизма на „Момичетата от Метрострой“, но също така подчерта тяхната грубост. Такъв акцент сякаш ограничава познанията ни за героините на Самохвалов и обеднява творчеството му, въпреки че в самия тон, в неговата атмосфера има черти, които наистина са били видени в живота. Работещият човек е по-замислено описан в акварела на С. М. Шор (роден през 1897 г.) „Жената-козата“ от поредицата „Стари и нови квалификации на Донбас“ (1936 г.; ил. 10). Тук се създава образът на интелигентна и енергична жена, чувствително се отгатва нейният душевен състав и морална сила. Неслучайно С. Шор става майстор на графичните портрети, най-често изпълнявани от нея с помощта на техниката на офорт.

В предвоенните години се появяват работни листове, посветени на И. А. Лукомски (роден през 1906 г.). В сепията му “Работник” (1941; ил. 11) акцентът е пренесен от индивидуалното и характерното към типичното, представено подчертано, сякаш в едър план. Вътрешната свобода и гордостта от работата могат да се видят в лицето на работника.

Важно събитие за графиката през 30-те години е подготовката на изложба от илюстрации за историята на партията. Той насочи интереса на много творци към исторически теми и ги накара да преосмислят пътя, по който е тръгнала държавата ни. Историко-революционната тема започва живота си в графиката още в началото на 20-те години. Но по това време това са само отделни произведения, главно гравюри, в които абстрактната декоративност и схематизъм често все още се считат за неразделна част от техниката на гравиране. По-късно, през 1927 г., като пълен контраст с тези творби, образът на героя от битките при Перекоп, покрит с революционен патос, се появява под длетото на украинския художник В. И. Касиян. В. И. Касиян (роден 1896 г.) - роден Западна Украйна, получил образованието си в Пражката академия за изящни изкуства, е художник с търсеща душа, с ярък темпераментен маниер. Работата му е ярка и емоционална, но той все още остава сам в класацията на тези години.

Голяма част от творбите, създадени за споменатата изложба, придобиха по-скоро стативен, отколкото илюстративен характер. Открита през 1941 г., преди войната, тя се наричаше „Изложба на нови произведения на съветската графика“ и включваше редица добри творби. Много от тях принадлежаха на майстори на книжната графика. Илюстраторите донесоха в сферата на стативовата рисунка психологическата природа на образите и точността на историческите настройки, които тогава бяха скорошни и поразителни постижения на тяхното изкуство. Това бяха листовете на колектива на художника Kukryniksy - „На барикадите“, „Чкалов на остров Уд“, „Политически води“, Кибрик - „Халтурин и Обнорски“, Шмаринов „Погребението на Бауман“ и други.

Интересът на графичните художници към исторически темипрез 20-те – 30-те години има още един аспект, свързан с литературата.

Вдъхновяващи образи на Пушкин, Лермонтов дълги годинипривлече творческото внимание на художниците. Н. П. Улянов (1875 - 1949) влага много труд в своята пушкинска поредица. Един от най-големите съветски художници от по-старото поколение, близък ученик на В. А. Серов, Улянов е майстор на историческата живопис и портрета, както и театрален художник.

Рисунките на Улянов разказват за различни периоди от живота на великия поет - от дните на лицея до последните трагични месеци; те са завършени в различна степен - някои са по-завършени, други изглеждат като скици, като страници от напрегнати и недовършени търсения, но във всички тях основното за художника е огненият живот на душата на Пушкин. Една от най-добрите е рисунка, направена във връзка с картината „Пушкин със съпругата си пред огледалото на съдебен бал“. Гордият, красив външен вид на Пушкин се появява тук в лаконичните линии на вдъхновена от Серов рисунка.

Темата за Пушкин получава друга интерпретация в графиката - в пейзажа на паметни места. В този жанр работи художникът Л. С. Хижински (роден през 1896 г.). В своите бижута, изкусно изпълнени гравюри на дърво, изобразяващи сцени от Пушкин и Лермонтов, той постига трудно съчетание на документална точност и емоционална поезия. Без тази комбинация е невъзможен успехът на мемориален пейзаж, който винаги е изграден върху фин подтекст и индивидуални асоциации.

През 30-те години новите моменти в развитието на графиката се усещат много силно. Те се състоят не само в нови насоки в творчеството на художниците, които, както видяхме - подкрепени от изложбена дейност!, придобиват голям размах, но и в новото съдържание на традиционните жанрове на портрета и пейзажа, както и във външния вид на значими произведения на художници от съюзните републики. Така В. И. Касиян, вече споменат по-горе, създава гравюри, посветени на Шевченко през тези години, изпълнени със сериозни мисли. Художникът влага много духовен огън и в по-късната си работа за великия кобзар, изобразявайки непреклонния гневен Шевченко на фона на епизоди от народната борба (ил. 12).

Най-важните творби от тези години включват пейзажи и портрети на арменския майстор М. Абегян, литографии, посветени на Молдова от украинеца Г. Пустовит, монументална гравюра на грузинския художник Д. Кутателадзе, изобразяваща С. Орджоникидзе и С. М. Киров. През този период известният азербайджански художник А. Азимзаде, карикатурист, чертожник и плакатист, създава най-интересните неща в областта на стативовата графика. Картини от миналото са пресъздадени в неговите листове по оригинален, детайлен начин, с нотка на орнаменти. Какво ново се появява в портрета и пейзажа от 30-те години? Предишната интимност на тези жанрове изчезва и техните майстори се движат все по-смело към живота, опознават нови хора, разширяват географския обхват на пейзажните произведения. Последното се отнася не само за майстори на индустриални, но и за обикновени пейзажи. Ако преди това само Е. Е. Лансери, който неуморно изучаваше природата и живота на народите на Кавказ, и Шилинговски, който рисува Армения, се отклониха от установената московско-ленинградска традиция в пейзажа, сега цяла плеяда майстори създават своите произведения извън нейния тесен граници. Художниците изобразяват природата на Централна Русия, Север, Крим, Кавказ и Централна Азия. Пейзажът става област на брилянтно използване на акварелна техника. Произведенията на графиците Л. Бруни, А. Остроумова-Лебедева, художниците С. Герасимов, А. Дейнека, П. Кончаловски свидетелстват за истинския разцвет на акварелните пейзажи. Активността на мирогледа на автора - нова функциятези работи. Може би това се вижда с особена яснота в пейзажите на онези художници, които са посетили чужбина през тези години.

Острото виждане за контрастите на чуждата реалност е присъщо, например, на парижките и римски пейзажи на А. А. Дейнека (ил. 13). Художникът не може да се предаде на спокойния чар на величествената архитектура и статуи, както неведнъж се е случвало в предреволюционната чуждестранна графика; на този красив фон окото му забелязва както фигурата на безработен, така и зловещите, самоуверени фигури на църковни служители. Именно в кръга от творби като листовете на Дейнека се раждат журналистическата страст и политическа непримиримост, характерни за съветската графика.

Тези качества се проявяват с голяма сила и в „Испанската серия“ от рисунки на ленинградеца Ю. Н. Петров (1904 - 1944). Серията на Петров е приносът на стативовата графика към борбата срещу фашизма, която в онези години вече се води активно както от майстори на карикатурата, така и от художници на политически плакати. Изкуството на Ю. Петров, чертожник и илюстратор, е изкуство на голяма култура и дълбоки чувства. Петров е участник в борбата срещу фашизма в Испания, познава и обича тази страна, нейния народ, нейните велики писатели и художници от миналото и неговите рисунки отразяват тази любов и преклонение. Испания, нейните планински пейзажи, къщи, разрушени от бомби, нейните резервирани, горди и пламенни хора - войници от Народната армия, жени и деца, загубили домовете си - са уловени в лаконични, леко тъжни и смели композиции. Някои страници от поредицата на Петров изглеждат като скици, но нежната рисунка с меко моделиране толкова точно очертава пластичността на формите и пейзажните планове, толкова благоговейно живот ги изпълва, че голямата замисленост на всеки лист става забележима. Този сериал си остава едно от най-преживените и искрени неща в нашия график. Впоследствие неговият автор загина на боен пост по време на Великата отечествена война и неговото изкуство, което обещаваше много, не успя да достигне своя зенит.

Великата отечествена война, започнала през 1941 г., драматично промени характера и темповете на развитие на всички видове изкуство. Това също предизвика големи промени в стативовата графика. Ефективността на графиката и сравнителната простота на нейните техники вече са се превърнали в особено ценни качества. Изгарящата нужда да кажат думата си в часа на изпитанията на хората, бързо да реагират на горчивината и героизма на деня, който дойде, накара много художници да рисуват, акварел, а понякога и гравюра. Наред с нейните признати майстори, някои художници, а също и много успешно илюстратори започват да работят със стативна графика.

Още от първата година на войната, наред с плакатите и карикатурите, стативната графика се превръща в една от най-активните форми на изкуството, която дълбоко развълнува сърцата на зрителите. Майсторите на рисунката и гравюрата създадоха много красиви неща, родени от гняв и вдъхновение. В този низ от произведения има отделни върхове, отличаващи се с особено пластично майсторство. Но общото ниво на военната графика е високо. Художниците създават своите рисунки в редовете на Червената армия и в обсадения Ленинград, в градовете, през които преминава тежка вълна на отстъпление, в тила, където всичко е подчинено на задачите на фронта, и извън границите на нашата страната през последния период на битката с фашизма. Графиките ни показаха различни страни на войната, различни аспекти на живота през този решаващ период в историята на нашата родина - от мимолетния сън на уморена медицинска сестра до панорамата на огромна битка. В същото време ясно се отразява разликата в талантите и въображението на художниците. В творбите на единия войната се явява като дълги военни пътища, често неприятни, а понякога толкова приятни за окото с неочакваната красота на оцелялата гора. В листовете на друг следва поредица от прости сцени от армейския живот, скицирани набързо, но точно. В рисунките на третия той е в особеното изражение на очите на войн или партизанин, срещнал смъртта повече от веднъж. Смелостта и патриотизмът на съветския народ, които се проявиха толкова ясно през годините на войната, бяха прославени от художниците в тези произведения от различен характер. Графичните произведения са изпълнени с онова особено усещане за красотата на нашия съветски живот, влошено от войната, което беляза най-добрите неща във всички видове изкуство.

Характерна особеност на графиката беше появата на голям брой скици. Художниците понякога ги изпълняваха в най-трудните бойни ситуации, опитвайки се да разкажат на хората по-точно и пълно за войната и да съберат материал за бъдещи композиции. В предговора към албума с рисунки „Фронтов дневник” на московския график П. Я. Кирпичев, Героят на Съветския съюз С. Борзенко пише: „Една след друга има картини, скицирани в свежите следи от войната, която преминава такива, каквито ги е виждал художникът по време на събитията... „Никакви опасности и трудности не го спират. Той се проправя към любимите си цели сред минните полета и работи там от сутрин до вечер, страхувайки се да не пропусне момента, страхувайки се, че огньовете ще изгаснат и пленените екипи ще отнесат повредените оръдия и танкове." Това описание на фронтовата работа на художника е много характерно, тъй като много стативни графици работят като Кирпичев по време на войната. Скиците съставляват ценния фонд на нашето изкуство, който далеч не е публикуван изцяло. Техните автори са Н. А. Аввакумс, О. Г. Верейски, М. Г. Дерегус, У. М. Джапаридзе, Н. Н. Жуков, П. Я. Кирпичев, А. В. Кокорий, Д. К-Мочалски, Е. К. Окас, У. Тансикбаев, С. С. Уранова и други създадоха цяла хроника на трудни военно ежедневие, стихотворение за човек на война, защитаващ родината си от фашизма.

Въпреки плавността, която отличава скиците, те вече показват особеностите на таланта на всеки художник - и не само неговия майстор на рисунката, но и определен набор от явления, които го докосват най-много.

Така например А. В. Кокорин (роден през 1908 г.) никога няма да подмине живописна сцена, която неочаквано видя; в графичния си дневник той скицира седла, висящи на пистолет, и счупен камион, изпод който стърчат от три страни ботуши на войници, които го ремонтират, и войник от конвоя, който спокойно шие нещо на шевна машина точно в полето, и фигурата на свещеник с голяма раница, който разговаря със съветски войник. Общата характеристика на външния вид на хората е точно уловена от Кокорин, а зад неговите прости сцени винаги усещате лека усмивка и привързаност към героите му. Именно в тези скици Кокорин натрупва своя опит като майстор на архитектурния пейзаж, способен да очертае облика на града, основните контури на неговата архитектура и живота на улицата - качества, които се развиват в следвоенния живот на художника индийски рисунки.

Топлина и лиризъм отличават скиците и рисунките на Д. К. Мочалски. Дори в най-неподходящата среда за това, в суматохата на предни пътища, водещи до последен етапвойна директно в Берлин или вече в Берлин - цитаделата на фашизма, току-що превзета от нашите войски - топлината на живота, неговият радостен лъч определено ще мига в чаршафите на Мочалски, в нежния външен вид на момиче от КАТ, във вида на боец, фиксирал жена с бебешка количка.

Н. Н. Жуков (роден през 1908 г.) се проявява като художник-физиономист, който може да види много в човека във военните си скици. Постоянният интерес към вътрешния свят на човека осмисля и най-беглите му рисунки. В листовете му се редуват пейзажи, скици на войници и жанрови сцени. Стилът на рисуване с молив на Жуков, лишен от всякаква сянка на външна ефектност, изглежда отразява поглъщането на този художник в природата, неговия замислен подход към нея. Творбите на Жуков придобиват известност още преди войната, когато той рисува серия от илюстрации към биографията на Карл Маркс. Впоследствие Жуков не изостави работата си по тази важна тема. Той положи много работа в създаването на поредица от рисунки „В. И. Ленин“. Най-сполучливите й листове са оформени под формата на лек етюд, запечатал кратък момент във верига от други, под формата на своеобразен портретен етюд. Но именно при създаването на военни скици се засили наблюдателността на художника и умението му за бързо скициране, които му бяха полезни по-късно - както в обширна серия от рисунки, посветени на децата, популярни сред зрителите, така и в портрети. Най-вече опитът от военновременната работа е отразен в илюстрациите към „Приказката за истинския човек“ от Б. Полевой, създадени от Жуков малко след войната.

Трябва да се каже, че опитът от военната работа играе роля в илюстративната работа на други художници. Този опит помогна на О. Г. Верейски да създаде рисунки за „Василий Теркин“ от А. Твардовски и за дълго време приближи А. В. Кокорин, по-късно илюстратор на „Севастополски истории“ от Л. Н. Толстой, по-близо до военната тема. Пътят на А. П. Ливанов от поредицата „Партизани“, създадена от него малко след войната, до илюстрацията на „Чапаев“ от Д. А. Фурманов също беше логичен.

Друга характерна особеност на военновременната графика е обръщането на художниците към формата на серия, т.е. поредица от листове, обединени от една идея и начин на изпълнение. Виждахме, че сериите са създавани от художници и преди, но през годините на войната те се превръщат във водещо явление в графиката. Една поредица е добра само когато зрителят научава нещо ново с всяка страница, когато художникът ръководи впечатленията си, редувайки листовете по определен начин, тоест придавайки на поредицата ясна композиция. Винаги се сблъскваме с понятието „композиция“, когато анализираме отделно произведение на изкуството. Но в действителност има и композиция от цяла графична серия като вътрешен модел на редуване на нейните листове, между които възникват различни връзки. Изграждайки ясно композицията на сериала, художникът намира в него ново средство за голяма изразителност. Авторът на поредицата по същество изпълнява едно многослично, многостранно произведение, всяка страница от което трябва да звучи цялостно и силно и в същото време да бъде неразделна част от създаденото, сякаш с един дъх. Разбира се, тази задача не е лесна. И често сборът от листове, който художникът нарича серия, по същество не е един.

Съставът на сериала е различен. Така серия може да бъде изградена върху контрастно сравнение на листове или, напротив, върху техния равномерен, идентичен звук. В друг случай авторът може да започне поредния си разказ, като постепенно увеличава емоционалното му напрежение, създавайки в една или няколко страници своеобразна кулминация на действие и чувства и го затваря с край.

Така например е съставен голям цикъл от литографии на А. Ф. Пахомов „Ленинград в дните на обсадата и освобождението“, публикуван с текст на поета Н. С. Тихонов през 1946 г. Този цикъл е първото голямо представяне в станковата графика на А. Ф. Пахомов (роден през 1900 г.), майстор на детската книга, известен с илюстрациите си към произведенията на Н. А. Некрасов и И. С. Тургенев. Литографиите на Пахомов са разкази на очевидци и ни докосват с истината на видяното, със светлината на голямата човешка солидарност и смелост.

Поредицата започва с листа „Провеждане на народното опълчение”, Веднага ни въвежда в атмосфера на безпокойство, объркване, смут щастлив живот. По-нататъшните събития се развиват бързо, животът на града се променя, обстрелите и бомбардировките стават неразделна част от него. Ленинградчани строят бункери по улиците, стоят на стража по покривите по време на аларми и спасяват ранените от разрушените къщи. Всичко това е показано в литографии, бързо сменящи се една друга, детайлизирани, като история, но изпълнени с вътрешно напрежение. В тях времето е уплътнено и наситено, хората действат, без да губят нито минута, и смело се борят с врага.

Следващата страница от албума - „До Нева за вода” (ил. 14) ни изважда от забързания ритъм на тези епизоди. Тук времето тече бавно - това е тежкият стъпало на студените и гладни дни на Ленинградската блокада. По стълбите бавно се движи момиче с непоносимо тежка кофа. Тази героиня Пахомова е един от най-силните образи не само на поредицата, но и на цялата военна графика. Погледът на зрителя се спира най-напред върху лицето на момичето – така е структурирана композицията на литографията, така повелява изключителната изразителност на това лице. Художникът детайлно развива мимиката му - тъмните очи, изразяващи дълбока умора, изглеждат особено големи на по-слабото лице, намръщените вежди са събрани в рязко движение, безкръвните устни на полуотворената уста са толкова бледи, че почти не изпъкват върху лицето и художникът леко очертава очертанията им с линия. Изглежда, че образът на това момиче ще бъде въплъщение на умора и страдание. Но най-забележителното нещо при него е комбинацията от тези черти на физическа умора и изтощение с умствена твърдост.

Устойчивостта и непокорството на героинята на Пахомов е сложна комбинация от много аспекти на нейния духовен живот, нейните вътрешни качества и в същото време това е нейното основно качество, което надделява над всички останали. Тук, наред с обичайната за Пахомов простота и безумна яснота на образа, се раждат неговата многостранност и дълбочина. Пахомов винаги е особено близо до образите на децата. И в тази литография той успя да разкаже много, показвайки как момиче излива вода от чайник; За нея това е материя, в която е изцяло погълната – едновременно необходимост и в същото време игра. Тази комбинация съдържа болезнена болка, съдържа истински живот под обсада с неговите нотки на остра трагедия насред ежедневието. Снежната шир на реката и мразовито чистият зимен въздух са добре предадени в литографията. Този лист, както и следващата рисунка „До болницата“, е най-силният, изпълнен с чувство. Те формират, така да се каже, кулминацията на поредицата. Освен това историята на художника се разказва по-спокойно и в съответствие с темпото на събитията листовете му стават по-леки и по-радостни: „Кровелицици“, „Нова година“ и други. Поредицата логично завършва със снимка на фойерверките на 27 януари 1944 г. в чест на пробива на Съветската армия блокадата на града, фойерверки, които толкова дълбоко и радостно вълнуват хората, събуждайки цял низ от спомени и надежди. Под светлините на фойерверките хората се радват по различни начини: шумно, напълно отдадени на светлия триумф на този момент и замислено, леко отдръпнати в спомените, и дълбоко, с цялото си сърце, чувствайки безопасността на децата си. Обединява ги вълнението и радостта, а близката композиция на листа прави тази солидност видима и видима.

Много творби на други художници са посветени на военновременния Ленинград. Нека споменем и серия от линогравюри на С. Б. Юдовин (1892 - 1954). Видяхме как в поредицата на Пахомов техниката на литография позволява на художника да представи всяка замислена от него картина в детайли, вниквайки в детайлите, съчетавайки тяхната линейна финес с живописността на топящите се простори на зимния пейзаж. Серията на Юдовин е изпълнена в линогравюра. Юдовин се характеризира с повишени чувства, трагичните нотки звучат силно в листовете му. И цялата образна структура на неговите листове, и маниерът на изпълнение са подчинени на това усещане за трагичност на случващото се. Тежкият черен цвят и студеният блясък на снега царуват в неговите гравюри. В смразяващата тишина на града трудно се тътрет хора, огъващи се под тежестта на бремето, под бремето на неволите на обсадата. Техните фигури, които обикновено се виждат сякаш отгоре, рязко се открояват на фона на заснежените улици. Ъгловат дизайн, безпощадна светлина, грабваща сиени от тъмнината; ежедневието, което стана рамка на трагедията - това са гравюри на Юдовин. Напразно е да се упрекват творците за тяхната груба правдивост, за липсата на оптимизъм. Природата на таланта на Юдовин му позволи да изрази с особена чувствителност трагичните аспекти на борбата на ленинградците с врага.

Но графиката като цяло се характеризираше с по-ярка представа за света, дори когато изобразява изпитанията, сполетяли съветския народ. Можем да видим това вече в поредицата на Пахомов и ще намерим ново потвърждение за това, като се запознаем с поредицата от рисунки на Д. А. Шмаринов „Няма да забравим, няма да простим!“ Шмаринов (роден през 1907 г.) е един от онези художници, с чиито усилия съветската книжна илюстрация постига голям успех през 30-те години. Получава добра професионална подготовка в художествените ателиета на Прахов в Киев и Кардовски в Москва. Талантът му на психолог и голяма вътрешна култура отличават книжните му творби. През годините на войната Шмаринов създава плакати и стативни рисунки. Поредицата "Няма да забравим, няма да простим!" е изпълнена от него през 1942 г. за кратко време, но концепцията й се формира през цялата първа година на войната.

Историята на художника започва не постепенно, а от самото начало - той веднага ни шокира с високия трагизъм на рисунката "Екзекуция". Картините на изпитанията и премеждията на войната следват една след друга, но ярката тема за смелостта на съветския народ, възникнала от първата страница на поредицата, печели и в най-горчивите й страници. Една от най-добрите рисунки от този цикъл е листът „Завръщане“ (ил. 15). Хиляди съветски колхозници са били запознати в живота си със ситуацията, в която се намира жената, изобразена от художника. Шмаринов я рисува в мига, когато за първи път пред очите й се открива гледката на нейния разрушен, разрушен дом, който я принуждава да спре в някакъв ступор на скръбна и възмутена мисъл. Нейното дълбоко вълнение почти не се проявява външно. Това е сдържаността на силния човек, който не си позволява взрив от чувства, момент на отчаяние. И колко много казва пейзажът на зрителя тук! Прозрачната чистота на въздуха, яркостта на слънчевия блясък и сенките, плъзгащи се по размразената земя - тази картина на ранна пролет, изпълнена с чар, носи радост в сложния подтекст на сцената. Лист започва да звучи като лирическа история и това е много характерно за таланта на Шмаринов. Рисунките на Шмаринов, изпълнени с въглен и черен акварел, преминават през много етапи в процеса на работа. Но те щастливо избягват сухата външна пълнота, запазвайки благоговейната жизненост на щрихите, сякаш току-що положени от художника.

Само в последните две страници от поредицата - „Завръщане“ и „Среща“ - няма образи на фашистите и въпреки че радостта все още е много далеч тук, атмосферата става по-ярка, героите дишат по-лесно. Суровият живот от първата година на войната, чиито събития обобщава художникът, му подсказва композицията на поредицата - нестихващото трагично напрежение на повечето страници и ярките нотки на последните рисунки.

През годините на войната В. А. Фаворски (роден през 1886 г.), един от най-старите съветски художници и голям майстор на дърворезбата, също се насочва към стативната графика. През цялата му кариера книжната илюстрация привлича вниманието му в най-голяма степен. И сега съветските и чуждестранните зрители се възхищават преди всичко на хармоничния епичен свят на неговите гравюри за „Словото за похода на Игор“, трагизма и дълбочината на илюстрациите за „Борис Годунов“, многосричния, пълен с философски обобщения и понякога сурови, понякога завладяващи нюанси на живота в поредица от гравюри за „Малки трагедии“ на Пушкин. Но още в края на 20-те години Фаворски създава и прекрасен портрет на Ф. М. Достоевски - напълно независимо нещо, макар и, разбира се, тясно свързано с книгите на писателя. Светлината и сянката са в противоречие в този смущаващ лист; внимателно и мощно е изваян образът на човек, обхванат от вихрушка от болезнени мисли. Тук влизаме в контакт с духовен живот с изключителна интензивност, разпознаваме вътрешен свят, пълен с противоречия и борба. Чувства се голямо умение в свободното разнообразие от щрихи и мъдрото използване на цвета.

През 40-те години Фаворски създава листовете „Минин и Пожарски“, „Кутузов“. Художникът не беше сам в творческия си призив към славните страници от историята на нашата родина; Те естествено привлякоха особено внимание на художници и графици през военните години. В поредица от ритмично деликатни линогравюри, изпълнени по едно и също време в Самарканд, потокът от ежедневието е уловен с бавна грация и лаконизъм. Белият фон, който играе голяма роля във всички нейни листове, подчертава изяществото на силуетите и музикалността на простите, но обмислени композиции.

По-късно художникът неведнъж се обръща към стативната графика (лист „Летящи птици“, 1959; виж фронтиспис и др.), но книжната илюстрация го занимава в неизмеримо по-голяма степен.

Видно място във военновременната графика заема творчеството на Л. В. Сойфертис (роден през 1911 г.). Сойфертис преди това е работил в областта на сатиричната графика на списанието, а сега често се появява на страниците на списанието Krokodil. По време на войната участва в битките при Севастопол, Новоросийск и Одеса. Сойфертис трябваше да види много трудни неща във войната, смъртта беше близо до него повече от веднъж, но неговият ярък и светъл талант извлече от това не ожесточени бойни сцени, не трагедия и смърт, а усмивката на живота, оставайки дори себе си под бомбардировка. Своеобразно остроумие и забавление характеризират обрисуваните от него ситуации. Морякът бърза към фронтовата линия в обсадения Севастопол, а момчетата - заедно за скорост - усърдно лъскат обувките му. „Имало едно време“ е името на този лист. Има въздушна битка над града в слънчевото небе, жените го наблюдават, а възрастната жена кротко шие нещо, седнала точно там на стол на портата. Моряците на прозореца на вестника четат последните новини, стоящи в тясна група, настръхнали с щикове на пушки (фиг. 16), моряк и фотограф са разположени в кратер от бомба - те се нуждаят от снимка за партиен документ. Всичко това, разбира се, може да се нарече битови епизоди, но това е ежедневието, установено на две крачки от фронтовата линия, и най-непретенциозните, дори смешни на пръв поглед сцени тук са изпълнени с дъх на голяма смелост и героизъм. Истинска грация отличава рисунките на Сойфертис. И ако в „Самаркандската серия“ на Фаворски преследваните линии и силуети на линогравюри бяха изящни, в Сойфертис леките, крехки, привидно небрежни линии на контурна рисунка и жив, дишащ, леко оцветен прозрачен акварелен пълнеж са изящни и красиви.

Сойфертис остава художник на мимолетни усмивки и голяма симпатия към хората в своите рисунки от 50-те години. Неговата поредица „Метро“ е поредица от жанрови сцени, забелязани в суматохата на московските подземни дворци, а рисунките и офортите, посветени на децата, все още се виждат учудващо бдително, все още осветени от взискателен интерес към човека. Понякога трогателни и забавни, понякога подигравателни и дори леко гротескни, придобиващи острота в сравненията, тези листове винаги ни разкриват нови черти на живота, нещо ново в обичайния поток на ежедневието.

Голямо количество материал, натрупан по време на войната, не се вписва спокойно в архивите на художниците. Много от тях продължават да работят по военни теми и след края на войната. Особено много рисунки и гравюри за войната бяха показани на изложби в първите мирни години. В същото време работата на графиците естествено следва пътя на обобщаване на техните знания и визуални впечатления, по пътя от скица и скица до стативен лист и цяла графична серия. Така през 1946 - 1950 г. художникът В. В. Богаткин (р. 1922) прави няколко серии литографии по материали от неговите военни скици. През годините на войната Богаткин едва започва своята творческа работа. Той рисуваше много; една от рисунките му, изобразяваща млад войник на брега на Тиса (1945 г.), придобива значителна известност. Но основната област на работата му беше пейзажът. Тишината на пустите улици на обсадения Ленинград, потъмнялата Москва, Берлин в дните на краха на фашизма, планините от счупена техника по улиците му, съветските танкове пред Бранденбургската врата са уловени от Богаткин в неговите литографии. С течение на годините точността на това, което видяхме, съдържащо се в тези листове, създадени в горещите следи от войната, се оценява все повече от нас.

В края на 40-те и началото на 50-те години картината на развитието на станковата графика е сложна и до голяма степен противоречива. Художниците успяха да забележат и предадат някои много значими аспекти от нашия живот и преди всичко да покажат човек, преминал през войната, радостта от завръщането му на работа и страстната му жажда за творчество. Това беше особено очевидно в някои произведения, посветени на колективния труд; красотата на мирните полета на нашата Родина се усещаше в тях като новооткрито, завоювано наследство. В същото време в потока от рисунки, изобразяващи съветските хора и тяхната работа, бяха ясно отразени чертите на илюстративността и бедността на мислите и чувствата. Прозаичната документация попречи на много художници в тези произведения да се издигнат до нивото на поетично обобщение на нашия живот. Появиха се много рисунки и гравюри на исторически и революционни теми, художниците посвещаваха силите и таланта си за създаването им, но влиянието на култа към личността беше особено тежко за тях. Това не позволява на художниците да създават произведения с голяма идеологическа наситеност и води в някои произведения до неправилно отразяване на ролята на народа като творец на историята.

Графиката от тези години се развива едностранчиво в техническо отношение. Много графични техники почти не се използват, преобладават рисунките с туш, въглен и черен акварел. Само в областта на пейзажите са разпространени истинските акварелни картини и някои видове гравюри. Но разнообразието от техники често съжителстваше в пейзажа с вътрешната пасивност на нещата.

От друга страна, през тези години са създадени и произведения с големи художествени качества. Така през този период се развива оригиналният и силен талант на Б. И. Пророков, сега един от водещите майстори на съветската графика. Творчеството на Пророков е тясно свързано с годините на войната, с видяното и преживяното от художника по това време. Но Пророков не само се върна през всичките тези години с паметта на сърцето си към войната, той успя да каже с изкуството си най-необходимите думи за мира.

Б. И. Пророков е роден през 1911 г. в Иваново-Вознесенск. Склонността му към рисуването се проявява рано, още в гимназията. Неговите училищни рисунки, изпратени на конкурса на вестник „Комсомолская правда“, бяха отличени с първа награда. Това дава право на техния автор да получи билет за Висшия художествено-технически институт (Вхутейн). Ученето там обаче даде малко на Пророков и продължи по-малко от две години. Само съветите на най-големия майстор на политическата графика Д. С. Мур, който преподаваше литография, бяха много ценни за Пророков. Без да получава специално образование, Пророков преминава през добра школа - политическа и художествена - докато работи в " Комсомолская правда" и впоследствие в списание "Крокодил". По задачи за вестника той пътува много из страната; като вестникар се научи да прави голямо количество скици за бъдеща употреба, за да изпълни бързо всяка задача. Повечето от Предвоенните творби на Пророков са карикатури на вътрешни и международни теми.Индивидуалните плакати, също изпълнени от него, и по-специално листът, изобличаващ зверската антихуманистична същност на фашизма, вече предвещават публицистичната интензивност, страст и острота на бъдещите му творби.

От първите месеци на войната Пророков работи във вестника на гарнизона на полуостров Ханко, който героично издържа обсадата на врага.

„Понякога ни е неудобно да говорим за подвига на човек на изкуството толкова високо, колкото за подвига на войник или командир, докато писател или художник случайно не замени убит командир в битка и ръководи отбраната на височина“, пише участник в защитата на Ханко, който говори за това в историята „Гангутците". Вл. Рудни. - Но не си представям упорита борба на моряците на Гангут * ( * Полуостров Ханко се е наричал Гангут по времето на Петър I) през четиридесет и първата година без пророчески смях и сатира, без неговите ежедневни живописни фейлетони, гравюри, портрети, изрязани поради липса на цинк за клишета върху балатум, изтръгнати от подовете на разрушените от войната къщи." Художникът остави Ханко с последните отряди „моряци. Кронщат и Ленинград под обсада, Малая земя близо до Новоросийск, Берлин и Порт Артур - това са основните етапи на неговия военен път. И навсякъде, дори в най-трудните условия и точно на фронтовата линия, художникът рисува много.

Първият следвоенен сериал на Пророков, „В Китай на Гоминдан“, е създаден от него въз основа на това, което видя в Далечния изток веднага след поражението на японските милитаристи. Малък по обем, той само очертава някои черти от живота на китайския народ, все още изпитващ колониално потисничество и борещ се за своето национално освобождение. Но страстта на автора към живота вече е напълно отразена тук. Със симпатия художникът изобразява китайския партизанин - прост, скромен и смел младеж, с омраза и насмешка - елегантните американци, които организираха нечовешки състезания с рикши; той споделя, както ни се струва, както лудостта на бесен оратор на събрание, така и тежката умора на теглич на рикша, приклекнал под палещото слънце до файтон. В следващите творби на Пророков ще усетим като че ли неговия авторски глас, неговото винаги пламенно възмущение или любов и затова творбите му ще ни пленят с особена сила.

В следващите цикли от рисунки "Ето я, Америка!" и "За мир!" Гласът на публициста Пророков се засили. Ежедневието на неговите страници придобива гневната сила на политическо разобличение на империализма. В рисунката „Танковете на агресора до дъното“ художникът в движещ се, патетичен образ показва волята на работниците за мир, силата на тяхната солидарност. Порив на възмущение освободи силите и събра монолитна група от хора, хвърлящи танк във водата. Лист е лаконичен по композиция, изпълнен с патоса на борбата; лесно издържа на голямо увеличение и неведнъж привържениците на мира извън границите на страната ни са го носили като плакат на демонстрации. Серия "Ето я, Америка!" е изпълнена от Пророков като илюстрация към книга с памфлети и есета за Америка. Но по същество се превърна в стативен цикъл - толкова самостоятелно, ясно и безтекстово е съдържанието на листите му. По същия начин по-късните илюстрации на Пророков към книгата „Маяковски за Америка“ придобиха стативни черти. Апелът към Маяковски беше дълбоко логичен в работата на Пророков. Художникът е много близък до страстната интензивност на стиховете на Маяковски и характерното за тях редуване на гняв и сарказъм, смели алегорични образи и задължителната политическа оценка на явленията.

Във всичките си произведения след войната Пророков се бори за мир, разобличава империализма, безчовечността на неговата колониална политика и милитаристичните му планове. Но повечето силно представянеХудожник на мира е поредицата му „Това не бива да се случва отново!“, в която за първи път след затихването на боевете се докосва до неизлезлите от сърцето му военни видения.

В поредицата му са подчертани два листа с противоположни настроения: на единия - „Хирошима” - обречено лице, което все още ни гледа от ада на атомна експлозия, на другия - млада майка, с оръжие в ръце, защитаваща дете , защитавайки светъл живот на земята. Между тези два листа, като в рамка, са нанизани военни снимки. В тях хората се борят със смъртта, която носи фашизмът; и в часа на смъртта те презират врага, така както млада жена презира палачите, в чиито очи има кърваво видение на Бабин Яр (ил. 17). Няма детайли, които да разсеят огромното напрежение, всеки лист е чувства, взети в най-високия им момент, това е болка, която все още не е решена да свърши. Остър силует и близък план са избрани тук като задължителни художествени техники. Само художник с голяма смелост и пламенна вяра в хората можеше да ни повтори с такава зашеметяваща сила жестоката истина за отминалата война. Страниците му изпълнени с болка, гняв и страдание не оставят никого безразличен. Заветът на чешкия комунист Й. Фучик „Хора, бъдете бдителни!“ звучи отново за нас в тази поредица от съветския художник.

Сред произведенията, посветени на В. И. Ленин, се открояват рисунки на най-големия майстор на книжната илюстрация Е. А. Кибрик (роден през 1906 г.). В отделни листове от поредицата художникът, който внимателно изучава материали, свързани с дейността на Ленин в годината на революцията, не само усвоява първата истина за външното сходство, но и се придвижва по-нататък до дълбините на вътрешните характеристики.

Листът "В. И. Ленин в подземието" (ил. 18) възпроизвежда юлските дни на 1917 г., когато Ленин, живеещ в Петроград, е принуден да се скрие от хрътки на временното правителство. Как самият художник си е представял сюжета на тази рисунка? Според него тук той е искал да покаже на Ленин теоретика, учения, мислителя, който в онези дни ежедневно говори със статии, въоръжаващи партията в нейната борба за диктатурата на пролетариата; художникът описва конкретния момент, който трябваше да бъде изобразен, така: „...Ленин, както беше типично за него, се разхождаше из стаята, размишлявайки върху огромния материал, който животът носеше всеки ден и в който той трябваше да схване най-важното нещо, какво "Трябва да насочим партията с друга статия в Правда. След като намери това основно нещо, той бързо седна на масата, веднага забрави за всичко на света и се потопи в работа." Характерно е, че Кибрик си представя образ в движение и, рисувайки един момент във верига от други, взема предвид предходния. Тишината на малка, уединена стая е пълна с напрежението на големия труд. Художникът успя да предаде добре заетостта и поглъщането на Левин в работата му чрез концентрираното изражение на лицето му и позата му на бързо пишещ човек.

Рисунката "В. И. Ленин в Разлив" има различно настроение: има вълнение, сдържан импулс. Потокът на мислите на Ленин е далеч от околностите, а просторите на крайезерния пейзаж също сякаш разширяват границите на страницата. В цитираната по-горе книга Кибрик описва подробно процеса на своята работа върху тези композиции и всеки, който е запознат с неговите рисунки, ще бъде заинтересован да прочете тези страници,

До средата на 50-те години в графиката се появяват прекрасни неща за нашата модерност. Художникът Ю. И. Пименов - художник, график и театрален декоратор - с голямата си серия "Московска област" ни отвори цял един голям свят, пълен с ярката радост от живота. Пименов има рядък дар за поетично описание на ежедневието, способността да вижда красотата на ежедневието. А красотата, забелязана в обикновеното, винаги намира своите особено близки пътеки до сърцето на зрителя. Нагорещеният въздух на горещ ден в района на Москва и фигурата на момиче върху дъсчен мост, нахални работници на строителната площадка на нови къщи и блясъкът на дъжда на площад в покрайнините на Москва - това са простите теми на рисунките на Пименов и акварели. „Струва ми се, че за един жанров художник,” пише той, „най-ценните находки са онези автентични парчета от видян живот, където в обикновени, неизмислени, реални случаи от всеки ден се разкрива великата истина на страната.” Бързият работен ритъм на нашето време, неговата особена, енергична и делова красота живеят в творбите на художника (виж корицата). Активността, активността може да е основният чар на образите на Пименов и по-специално на неговите постоянни героини - жени, работещи на строителни обекти, заети с ремонт на апартаменти, шиене и домакинска работа. Светлият, светъл колорит на неговите акварели придава празнична нотка дори на най-обикновените на пръв поглед сцени и неща. Голяма живописност художникът внася и в техниката черен акварел и въглен. С градациите на черното той успява да предаде дълбочината на сенките, хвърлени от дърветата върху водата, и прозрачния студ на ранната пролет, и свежестта на дъжда на перона на гарата, и смолистия комфорт на горски път. Пименов е много завършен художник. Неговият поглед към света, кръгът от любимите му сюжети остава същият в поредица от живописни неща от 40-те - 50-те години на ХХ век - жанрови сцени, натюрморти, които така просто и поетично разказват за неговия съвременник, а в графиките му, и дори в проза - в книга за Подмосковието, написана с пламенна страст, бързо, грациозно и леко, с чисто художествено виждане за живота в неговите наистина красиви, многоцветни маски.

Живот в движение, нов и радостен, раждащ се всеки ден, Пименов бърза да улови в по-късната си поредица „Нови квартали“.

Посещавайки повече от веднъж чужбина през 50-те години, Пименов създава цяла поредица от малки платна и скици въз основа на впечатленията си от тези пътувания или директно по време на пътуванията си. Неговият поглед тук си остава преди всичко поглед на човек, влюбен в красотата, журналистиката не му е присъща. Но изпълнените с тъга текстове на някои от чуждестранните му произведения неволно звучат като контраст със звънкото щастие на листовете му, посветени на обикновените дни и дела от нашия живот.

Чуждестранните произведения на Пименов не бяха сами в нашия график. През 50-те години на миналия век и след това, когато международните културни връзки на страната ни се разшириха и много артисти посетиха различни странисвят се появи цяла група сериали, създадени по впечатления от тези пътувания. Те обикновено съдържаха сцени от уличния живот, пейзажи и индивидуални портретни листове. Художниците разказаха за това, което са видели, показвайки живописни кътчета на природата, известни паметници на архитектурата и скулптурата, характеристики на ежедневието, срещани по време на пътуванията на хората. Принудителната плавност характеризира повечето от тези произведения. Но в резултат на пътуването се създават цялостни серии, в които репортажът и скичността са заменени от истинско художествено обобщение. От запознаването с такива цикли зрителят получава не само верига от ярки туристически впечатления, но и нови знания за определена страна и естетическо удоволствие.

Едно от тези неща беше поредицата на Н. А. Пономарев (роден през 1918 г.) „Северен Виетнам“, създадена през 1957 г. Образът на тази страна, видян от художника, е пълен с очарование: сиво-синьо високо небе, простори на спокойни води, оризови полета и верига от люлякови скали на хоризонта, понякога ясно видими, понякога се стопяват в перлена мъгла . В тези листове живее спокойната, леко съзерцателна поезия на ежедневието. Хората са изобразени с дълбока симпатия - скромните, трудолюбиви хора на Виетнам - рибари, миньори, жени, отиващи на пазара (ил. 19), чакащи прехода в залива. Деликатният и фин колорит придава изразителност на рисунките. Поредицата за Виетнам в много отношения беше повратна точка за своя автор. Художникът започва кариерата си с рисунки с въглен и черен гваш, посветени на миньорите на Донбас (1949-1950). Имаха много добросъвестност и труд и по-малко творческо вдъхновение. Рисувайки Виетнам, художникът открива в работата си не само нови поетични нотки, но и способностите на колорист, който знае как да види хармонията и декоративността на смесените техники на гваш и пастел.

От сериите, изпълнени по чужди впечатления, интересни са и произведенията на О. Г. Верейски (роден през 1915 г.). О. Верейски, сега виден илюстратор на книги на съветски писатели и стативен график, дължи първите си познания за изкуството на баща си Г. С. Верейски. Учи и в Художествената академия в Ленинград. С еднаква свобода О. Верейски владее както мекия живописен тон на рисунката с черен акварел или мастило, така и ярките контрасти на ясната, дефинирана техника на рисуване с перо. Напоследък художникът се интересува от някои техники на гравиране и повтаря някои от рисунките си, изпълнени в резултат на пътувания до Египет, Сирия и Ливан, в отпечатъци. Един от най-добрите сред тях е лист, наречен "Почивка на пътя. Сирия" (ил. 20). Тя е красива като цвят и лаконична композиция, но основното й очарование е в образа на жена. Изящната красота и леката тъга на лицето, сдържаната нежност на жеста и естествената грация на жената са пресъздадени от художника с истинска естетическа наслада. Страниците на „Американската серия“ на О. Верейски, който видя не само церемониалните, но и сенчестите, ежедневни черти на американския живот, също са пълни с точни наблюдения.

Познанията ни за тази страна се допълват и от елегантните, линейни скици на В. Горяев, художник с остър, донякъде саркастичен маниер, илюстратор на Марк Твен и редовен сътрудник на списание „Крокодил“.

Следвоенната графика се характеризира с големи успехи на художници от съюзните републики. Най-силните графични екипи вече са сформирани в Украйна, Естония, Литва и Латвия. И рисунката, и акварелът имат своите големи артистив тези републики и изкуството на графиката се развива тук и тогава, когато в края на 1940-те - началото на 1950-те години в RSFSR то е в упадък.

Като пример за украинска станкова графика може да се цитира поредицата „Украински народни думи и песни“ на М. Дерегус. Широко замислен, включващ листове с различни настроения и теми, този цикъл характеризира зрелостта на украинската графика, въпреки че в работата на самия Дерегус - пейзажист и илюстратор par excellence - той стои някак отделно. Тъгата и надеждата на страницата „Мисълта на Марус Богуславка” и трагедията на самотата, измамената вяра в хората на страницата на „Мисълта на тримата азовски братя” са заменени от смелата поезия на нашите дни в композицията „ Мисълта на партизаните” с централен образ на Ковпак. В графиката успешно работят младите украински художници В. Панфилов, който посвети своите гравюри на стоманолеярите, и И. Селиванов, който създаде листове на исторически и революционни теми. Типичен жанр за украинската графика е индустриалният пейзаж, обикновено изпълняван в техниката на гравиране. Негови майстори са В. Мироненко, А. Пащенко, Н. Родзин и др.

В балтийските републики пейзажната графика е много разнообразна. Тук има силен поток от камерен лиричен пейзаж, емоционален и с голямо очарование. Нейни създатели са естонски художници, гравьори Р. Кальо, А. Каеренд, Л. Еносаар, акварелист К. Бурман (младши), латвийски графици А. Юнкер, литовски Н. Кузминскис и др. Техните творби съдържат лирични размисли, обогатяващо душата близко общуване с природата и всеки път ново разбиране за красотата на родните полета, живописния древен Талин и др.

В работата на най-стария естонски чертожник Г. Рейндорф пейзажните изображения придобиват по-философски нюанси. Сега ни е трудно да си представим напълно дългия творчески път на този художник, тъй като почти всичките му предвоенни творби са изгубени по време на Великата отечествена война. Но следвоенният период от неговата дейност също беше плодотворен. Рейндорф е роден през 1889 г. в Санкт Петербург. След като успешно завършва училището по техническо рисуване Щиглиц, той получава правото да пътува в чужбина и заминава за Франция. Краткият период на пенсиониране в чужбина е прекъснат от Първата световна война. Завръщайки се в родината си, Рейндорф работи в областта на приложната и пейзажна графика и се занимава с преподавателска дейност. Основните му творчески интереси през 40-те - 50-те години са пейзажът и отчасти книжната илюстрация. През тези години той изпълнява творбите си главно под формата на рисунки; Преди това художникът създава и експресивни листове за гравиране. Стремежът на Рейндорф към обективна точност на изобразяването понякога е за сметка на емоционалната наситеност на неговите листове, но в най-добрите му творби тези два принципа са съчетани. Най-характерни в това отношение са листовете му “В горещите дни на август” (1955). Своеобразна хармония обединява всичко живо в този селски пейзаж, а майсторската техника на рисуване с графитен молив придава на листовете тонално богатство и особен филигран на изпълнение.

В балтийските графики има и линия на романтичен пейзаж, наситен с патоса на бурни, неспокойни човешки чувства. В гравюрите на латвийските художници П. Упитис, О. Абелит и в отделни листове на М. Озолиньш образите на природата са оцветени с остра емоционалност и са изпълнени с вътрешно напрежение.

В офортите на жителя на Рига Е. Андерсън пейзажът се превръща в среда, в която се разгръща величественото действие на труда.

Много балтийски художници се изявяват както като пейзажисти, така и като автори на тематични произведения и това само обогатява техните творби. В многостранната работа на естонския художник Е. К. Окас (р. 1915 г.) например можете да намерите пейзажи, портрети и тематични неща. Окас е роден в Талин в работническо семейство и учи там - първо в Държавното художествено-индустриално училище, а след това в Държавното висше художествено училище. По време на Великата отечествена война работи като фронтов художник. Окас е едновременно художник и майстор на книжната илюстрация. Но ако образите, които е създал за страници от книги, понякога разделени от нас с десетилетия и векове, героите на стативовите му произведения винаги живеят в модерността, вдъхвайки й съвсем не спокойна атмосфера. Усещането за сложността на съвременния свят с неговите остри социални противоречия изпълва например листовете от холандската и италианската поредица от пътни скици на Окас, основно изпълнени от него в различни техники на гравиране. Бдителни и брутално правдиви, тези гравюри звучат като истинска журналистика. Литовският художник В. Юркунас (роден през 1910 г.) също работи както в книжната, така и в стативната графика. Завършва художественото училище в Каунас през 1935 г. и непрекъснато се занимава с преподавателска дейност. В неговите гравюри хората изглеждат особено тясно свързани с родната природа, родната земя. Това са героите на поемата на Майронис (1960; ил. 21), възпроизведена от него, такъв е малкият колхозник, спечелил симпатиите на много зрители - образът на младежта, която върви по красива земя, невероятно проста и весела , зашеметяващ с уникалната цялост на чувствата („Ще бъда доячка“, 1960). Техниката на линогравюрата в листовете на В. Юркунас е едновременно лаконична и гъвкава, тя естествено служи за създаване на неговите ярки, оптимистични образи.

Балтийските трафиканти работят със страст в областта на портрета и ако сред произведенията на художниците на RSFSR сега имаме, в допълнение към неизменно успешните, но вече редки изпълнения на Г. С. Верейски, само остро характерните офортни портрети на М. Фейгин, в балтийските страни ще бъдем доволни от изтънченото и разнообразно майсторство на редица портретисти.

Естонският художник Е. Айнман (роден през 1913 г.) постига много в този жанр. Получава образование в Държавното училище за приложни изкуства и Висшето художествено училище в Талин.Творческият му път започва по време на Великата отечествена война. Сега в дълга поредица от неговите творби чертите на неговия талант са ясно видими. Отношението на художника към вътрешния свят на своите модели е внимателно и грижовно. Уважението към хората е характерна черта на творчеството му. Винаги се появява, независимо дали художникът рисува стар рибар или млад ученик в професионално училище, медицинска сестра или актриса. В същото време прекият опит на автора и оценката на модела остават някъде встрани, основното става сдържан и обективен разказ за него. Портретите на Айнман пленяват с изтънчеността на своя графичен стил, чужд на външните ефекти. Тази тънкост отличава неговите листове, изпълнени с графитен или италиански молив, акварел и литография.

Емоционална и лирична е портретната работа на естонския художник А. Бах-Лиманд, който е особено добър в изобразяването на жени и деца. Портретите и автопортретът на литовския художник А. Макунайте, който работи в линогравюра, са изпълнени със сериозни мисли. Портретите с въглен, създадени от младата латвийска чертожничка Ф. Паулук, са изразителни.

Графиката в Украйна и балтийските държави има дълги традиции и затова нейните успехи са в много отношения естествени. Но дори в такива републики като например Киргизстан или Казахстан, където графичното изкуство е много младо, то вече има забележим напредък.

Водещият график в Киргизстан е възпитаник на Московския полиграфически институт, който от много години работи в град Фрунзе, Л. Илийна (родена през 1915 г.). Монументалност, големи форми, лаконизъм са характерни черти на нейните линогравюри. През последните години Илина, малко отдалечавайки се от книжната илюстрация, създава много стативни творби, по-специално пейзажната серия от дърворезби „Родни земи“ (1957) и голяма серия цветни линогравюри, посветени на жената на нейната република. Чертите на новото, които отличават нашия живот, може би са особено забележими в женските съдби, показани от киргизкия художник. Трудът вече не огъва жените, а само придава величие и значимост на позата им. Свободното, спокойно отношение отличава както момичето, отглеждащо цвекло (1956), така и делегатите на далечния Тиен Шан, които слушат внимателно оратора (1960). Линогравюрите на Л. Илина са пластични, обемът е свободно изваян в тях с жив, груб ход, големи цветни петна. При това винаги се запазва силуетната декоративност на листа (ил. 22).

В Азербайджан художникът М. Рахман-заде (роден през 1916 г.) работи интересно в областта на цветната литография, изобразявайки офшорни нефтени находища в Каспийско море. Тя умее да въвежда в поредицата си различни мотиви, които изглеждат сходни и в същото време всеки път разкриват нещо ново в индустриалния пейзаж. Листът "Надлез" от нейните творби от 1957 г. се откроява сред другите поради хармонията на композицията, звучното съчетание на яркожълтия тон на водата и черната ажурна конструкция. Това са част от постиженията на републиканските гравьори и чертожници.

Днешната графика е много различна от графиката на първото следвоенно десетилетие. Какво ново, толкова различно от предишното, се появи в него? Ако по-рано модерността е била уловена с истинско поетично обобщение само в отделни неща, сега нейните живи черти са разпръснати в много графични произведения. Масовото обръщане на творците към модерността дава резултати. Модерността се овладява в нейните не външни, дълбоки черти, художниците откриват като че ли ново лице на нашата страна, на съветския народ. В много отношения графиката от последните години има нещо общо с живописта. Художниците на тези изкуства виждат суровото и бързо лице на времето, особено активно светоусещане прониква в тяхната работа. И стремежът към нови, неизпитани художествени форми също се оказва общ за тях. В графиката всичко това се отнася преди всичко до графиката. Възходът му започва в средата на 50-те години на миналия век, а сега може да се говори за истинския му разцвет. Този разцвет е свързан преди всичко с притока на нови млади сили в стативната гравюра. Но за него допринесоха и вече опитни артисти. В пейзажите на А. Ведерников, например, Ленинград, обременен с много традиции на неговото изобразяване, неочаквано се появява в такъв нов облик, искрящ с чисти цветове, който изглежда се вижда за първи път. Техниката на цветната литография на Ведерников не имитира нито рисунка с цветен молив, нито детайлна акварелна живопис. Художникът оперира с обобщени форми, смели съчетания на няколко чисти тона. Неговото търсене на декоративност в цветната литография е едно от многото, които сега са характерни за графиката.

Сред успехите на графиката включваме дърворезбите на Ф. Д. Константинов за селския труд и особено неговия пейзажен лист „Пролет в колхоза“ (1957; ил. 23) и пейзажите на арменския художник М. М. Абегян - „Скалистият бряг на Занги”, „В планините Бжни” (1959) и много други произведения на художници от по-старото и средно поколение.

Но новото, което отличава съвременната графика, се усеща особено ясно в нещата на младите хора. И. Голицин, А. Ушин, Г. Захаров, Ю. Манухин, И. Ресет, Л. Тукачев, К. Назаров, В. Попков, Д. Нодия, И. Некрасов, В. Волков - цяла плеяда млади хора който се представи блестящо в печата. Виждаме обикновени крайградски пейзажи в „Проводна сюита“ на А. Ушин (роден през 1927 г.), студент в Ленинградското художествено-педагогическо училище (ил. 24). На страниците му не се случват събития, само електрическите влакове се втурват в тишина и в същото време тук се случва много - стоманени ферми, поддържащи жици, се издигат нагоре, снопове светлина от прозореца на влака разкъсват гъстата тъмнина на нощта, бяла мълния от дъжд го пресича и облаци се трупат в ослепителна купчина в черните небеса - животът продължава, уникален, жив, усеща се много остро, в най-активното си, интензивно състояние. Именно това остро, активно възприемане на живота в неговата постоянна динамика отличава много от творбите на младите. Обединява техните творби. Но освен това младите хора са много индивидуални в творчеството си. Всеки от изброените творци вече има свое лице в изкуството, своя преценка за живота, свое разбиране за гравюрния език.

Неповторимо звучат просторните пейзажи и лирическите сцени на Г. Захаров с подчертания ритъм на едри черно-бели щрихи и петна. Замислените, леко иронични пейзажи-романи на И. Голицин са детайлизирани, където всяка къща е цяла история за живота на огромен град, а кръстовището на улицата ни разкрива в миг и донякъде песимистична визия, свитък от човешкото ежедневие . Гъвкавата техника на гравиране на сребро на Голицин е до голяма степен повлияна от Фаворски. Изтънчеността на дърворезбите, нейното тонално богатство, толкова подчинено на Фаворски, сякаш разшириха хоризонтите на Голицин, художник на по-голямата, по-мъжествена техника на линогравюрата (ил. 25),

Малко суров, значим и в най-обикновените си проявления животът тече 24. A. A. При гумите. Дъжд. 1960 г. на голям град в офорти от ленинградеца В. Волков. Освободени от суматохата на малките неща, неговите чаршафи монументализират реалността, сякаш разкриват нейния смел, величествен ритъм в потока на ежедневието. А хората са показани от художника в един, но съществен аспект - това са сурови, мълчаливи хора на труда.

Грузинският художник Д. Нодиа активно и динамично вижда индустриалния пейзаж и сцените на труда. Прозрачният свят на младостта, прекрасна смесица от детска яснота на душата и възрастна тънкост на умствените движения, се разкрива от Я. Манухин в крехкия образ на популярната му „Стрънче трева“.

Същият художник в гравюра, посветена на борбата за мир, постига особена експресия на образ, въплъщаващ гнева и болката на Хирошима. В същото време Манухин научи много от близостта на неговия стативен лист до изкуството на плаката (ил. 26).

Интересно изказващият се през последните години като художник В. Попков (ил. 27) разказва подробно и с ентусиазъм за работата на транспортните работници в поредица от гравюри и гвашове. Във всички тези творби младите творци ни разкриват различни аспекти на нашето съвремие, погледнати по свой начин и много свежо.

Разбира се, не всичко в графиката е успешно сега. Тук се намират и малки ежедневни текстове и илюстративно изкуство. Често ги срещаме в сериали, посветени на труда, както и със скучен протокол в индустриалния пейзаж. Има и неща, чието цялостно значение се изчерпва с външната им декоративност. От друга страна, новите неща, които се откриха през последните години в графиката, се родиха и в рисунката, макар че тук не се появи такава мощна група млади хора. Показателен в това отношение е творческият път на В. Е. Цигал (роден през 1916 г.). Започва в първите следвоенни години с поредица от рисунки с мастило и акварел, в които животът и работата на съветските хора са показани автентично, често лирично и топло, но все още без големи художествени открития. Цигал беше отчасти възпрепятстван в това от неговата прекомерна активност, желанието му да обхване с изкуството си твърде широк кръг от житейски явления. Цигал работи бързо, големи серии от неговите листове се появяват на почти всички големи изложби. Но истинската творческа концентрация дойде при него едва когато, след като започна да пътува и да изучава живота на селяните в планинските села на Дагестан, той се увлече за относително дълго време от тази тема, която, разбира се, беше доста възнаграждаваща за художник. Така се появява неговият сериал "Дагестан" (1959 - 1961), който е голяма крачка напред за Цигал. В този цикъл има и неизгубеното очарование на новостта на живота на планинарите, разкрито пред художника, и някои много скрити битови черти, забелязани от приятелски поглед, и своеобразно усещане за хармония между човека и природата. Неговите страници са изградени върху фино съпоставяне на мотиви, които са често срещани в Дагестан, но изведнъж ясно ни разкриват спецификата на начина на живот и взаимоотношенията между хората, вечни и в същото време някак неуловимо модерни (ил. 28).

В съвременния възход на стативовата графика своето място намери и сложното/фино изкуство на акварела. В акварела се нуждаете особено от дясно око и бърза, точна ръка. Това прави корекциите почти невъзможни, а движението на четката с боя и вода е измамно лесно и изисква строга дисциплина от художника. Но колористичните възможности на акварела са богати, а полупрозрачността на хартията под прозрачен слой боя й придава уникална лекота и изящество. "Акварелът е картина, която тайно би искала да се превърне в графика. Акварелът е графика, която се превръща в картина учтиво и деликатно, изграждайки постиженията си не върху убийствена хартия, а върху необикновеното откровение на нейната еластична и нестабилна повърхност", един от тях веднъж писа най-големите експерти в съветската графика А. А. Сидоров. Майсторите на акварела сега, както и през 30-те години, са предимно пейзажисти. Творбите на С. Бойм, Н. Волков, Г. Храпак, С. Семенов, В. Алфеевски, Д. Генин, А. Могилевски и много други показват живота на съвременния град, природата в богатството на нейните цветове, в нейното красиво разнообразие. А пасивната описателност все по-рядко намира своя дом в пейзажа.

Това са някои от характеристиките на съвременната съветска графика. Картината му обаче е толкова сложна и богата, че със сигурност заслужава отделно описание. Нашата цел беше само да се запознаем с творчеството на повечето известни майстористативна графика и отделни моменти от нейната история.

Художникът Ю. И. Пименов, чиито рисунки бяха обсъдени по-горе, пише: "Пътят на художника е пътят на очарованието от живота и пътят на неговото изразяване, пълен с разочарования и провали. Но във всяко искрено нещо се появява зърно, микрочастица от желаното, и намира някъде – после ехо, някъде вълна от това чувство се приема и разцъфтява.” В името на това „зърно от желаното“, в името на отговорната вълна от чувство, която е абсолютно необходима на художника, се извършва цялата му упорита и радостна работа.

Отдавна планираме да направим класация на най-скъпите произведения на хартия от художници в орбитата на руското изкуство. Най-добрият мотив за нас беше нов рекорд за руска графика - 2,098 милиона паунда за рисунка на Казимир Малевич на 2 юни

Когато публикуваме нашите оценки, ние наистина обичаме да добавяме различни видове отказ от отговорност, за да предотвратим евентуални въпроси. И така, първият принцип: само оригинални графики. Второ: използваме резултатите от открити търгове за произведения на художници, включени в орбитата на руското изкуство, според базата данни на сайта (може би галерийните продажби са били на по-високи цени). Трето: Разбира се, би било изкушаващо да поставим $3,7 милиона на Аршил Горки на първо място в Housatonic. Самият той, както е известно, се стремеше по всякакъв начин да бъде смятан за руски художник, без да се стеснява от мистификация, взе псевдоним в чест на Максим Горки и т.н.; през 2009 г. творбите на Горка бяха показани от Руския музей и Третяковската галерия на изложбата „Американски художници от Руската империя“, ние го включихме в базата данни с резултатите от търга на AI, но започването на рейтинга на руската графика с него е несправедливо на формално основание. Четвърто: един лист – един резултат. За тази класация избрахме само произведения, състоящи се от един лист хартия; формалният подход би ни принудил да вземем предвид още три артикула, всеки от които беше продаден като един лот: 122 оригинални рисунки с мастило за „Книгата на маркизата” от Константин Сомов, две папки с 58 рисунки и гвашове за „ Братя Карамазови” от Ф. М. Достоевски от Борис Григориев и част от колекцията на Яков Перемен. Пето: един автор – едно произведение. Ако формално вземем топ 10 по цена (без резултатите на Горка и сглобяемите партиди), тогава ще има пет листа на Кандински, три на Шагал и по един на Малевич и Серебрякова. Скучно е. Шесто: анализираме периода от 2001 г. до наши дни. Седмо: ценовият рейтинг е съставен в долари, резултатите в други валути са конвертирани в долари по обменния курс в деня на търговията. Осмо: всички резултати са дадени, като се вземе предвид комисионната на продавача.

Рисунката на Казимир Малевич „Глава на селянин“, която е подготвителна скица за изгубената картина „Селянско погребение“ от 1911 г., съвсем очаквано стана топ лот на руския търг на Sotheby’s на 2 юни 2014 г. в Лондон. Творбите на Малевич се появяват на пазара на изкуство изключително рядко; „Глава на селянин“ е първата творба, изложена на търг след продажбата на „Супрематична композиция“ за 60 милиона долара в Sotheby's през 2008 г. и една от последните значими частни творби на художника колекции. Тази скица е една от 70-те творби, изложени от художника в Берлин през 1927 г., а след това оставени в Германия, за да ги спаси от забраната и изкуственото забравяне, които неизбежно ще ги очакват в Русия. Творбата дойде на търг на Sotheby’s от мощна немска частна колекция от руски авангард. Почти всички партиди в тази колекция надхвърлиха оценката си, но рисунката на Малевич беше просто извън конкуренцията. Дадоха му три пъти по-висока оценка - 2,098 милиона паунда. Това е най-скъпата графика на руски художник.

Списъкът с най-скъпите графични произведения на Василий Кандински включва цели 18 оригинални рисунки на стойност над един милион долара. Неговите акварели по нищо не отстъпват на живописта си по своето абстрактно послание. Нека си припомним, че от графичната работа на Кандински - „Първият абстрактен акварел“ от 1910 г. - обикновено се брои историята на съвременното абстрактно изкуство. Както гласи легендата, един ден Кандински, седнал в полумрака на ателието си в Мюнхен и гледайки своята фигуративна творба, не можел да различи нищо в нея освен цветни петна и форми. И тогава той осъзна, че трябва да изостави обективността и да се опита да улови „движенията на душата“ чрез цвят. Резултатът е произведение, лишено от всякаква връзка с външния свят - „Първият абстрактен акварел“ (Париж, Център Жорж Помпиду).

Платната на Кандински са рядкост на пазара и са много скъпи, но графиките ще се впишат перфектно във всяка колекция и ще изглеждат прилично в нея. Можете да си позволите тиражни графики за няколко хиляди долара. Но за оригинална рисунка, която например е скица за известна картина, ще трябва да платите в пъти повече. Най-скъпият акварел досега, „Без заглавие“ от 1922 г., беше продаден по време на бума на изкуството през 2008 г. за 2,9 милиона долара.

Марк Шагал е необичайно продуктивен художник за времето си. Днес Деймиън Хърст и Джеф Кунс са подпомагани от армия от асистенти, а Марк Захарович е създал сам хиляди оригинални графични произведения през 97-те години от живота си, да не говорим за масово произведени произведения. Нашата база данни с резултати от търг на Шагал включва повече от 2000 оригинални произведения на хартия. Този художник непрекъснато се покачва в цената и инвестиционните перспективи за закупуване на неговите произведения са очевидни - основното е, че автентичността на произведението е потвърдена от Комитета на Шагал. В противен случай творбата едва не може да бъде изгорена (точно това заплашва собственикът от Комитета на Шагал, който наскоро изпрати за експертиза в Париж картина, която се оказа фалшива). Така че изборът трябва да бъде направен само в полза на безусловно автентична графика. Цената му може да достигне 2,16 милиона долара - толкова платиха през май 2013 г. за рисунката „Ездачи“ (хартия върху картон, гваш, пастел, цветни моливи).

Пастелът „Полегнало голо” е не само най-скъпата графична творба на Зинаида Серебрякова, но и най-скъпата й творба изобщо. Гола тема женско тялое един от основните в творчеството на художника. Голите тела на Серебрякова се развиха от изображения на къпещи се и руски красавици в баня в руския период на творчество до легнали голи тела, по-скоро в духа на европейското изкуство в парижкия период. Гледайки красивите, чувствени, идеализирани голи тела на Серебрякова, е трудно да си представим колко трагична е съдбата на художника - съпругът й умира от тиф, оставяйки я с четири деца на ръце; Трябваше да живея от ръка на уста и в крайна сметка да емигрирам в Париж (както по-късно се оказа, завинаги), оставяйки децата в Русия (само две по-късно бяха транспортирани до Франция, другите две трябваше да бъдат разделени за повече над 30 години).

Зинаида Серебрякова култивира съвършената, вечна, класическа красота в творбите си. В някои отношения пастелът още по-добре предава лекотата и ефирността на нейните женски образи, които почти винаги съдържат нещо от самата художничка и нейните деца (дъщерята Катя беше един от любимите й модели).

Един доста голям пастел, Reclining Nude, беше закупен по време на бума на изкуството през юни 2008 г. за £1,07 милиона ($2,11 милиона). Никоя друга работа оттогава не е успяла да победи този рекорд. Интересното е, че в топ 10 на аукционните продажби на Зинаида Серебрякова има само голи тела, а три от творбите са просто пастели.

На търга на Sotheby’s в Лондон на 27 ноември 2012 г., посветен на живопис и графика на руски художници, топ лотът не беше картина, а рисунка с молив върху хартия - „Портрет на Всеволод Мейерхолд“ от Юрий Аненков. Осем участници спориха за работата в залата и по телефоните. В резултат на това рисунката, оценена на 30–50 хиляди паунда, струва на новия собственик няколко десетки пъти повече от оценката. Резултатът от 1,05 милиона паунда (1,68 милиона долара) за една нощ направи „Портрет на Всеволод Мейерхолд“ най-скъпата графика на автора и зае трето място в списъка с най-високи аукционни цени за произведения на Аненков изобщо.

Защо беше толкова силен интересът към портрета? Аненков е брилянтен портретист, оставил изображения на най-добрите фигури на епохата - поети, писатели, режисьори. Освен това той е много талантлив в графиката: стилът му съчетава техниките на класическата рисунка с авангардните елементи на кубизма, футуризма, експресионизма... Успява като театрален и филмов художник, като илюстратор на книги. Вниманието на обществеността със сигурност беше привлечено от личността на модела в портрета - известният режисьор Всеволод Майерхолд. Е, за капак на всичко тази рисунка идва от колекцията на композитора Борис Тьомкин, родом от Кременчуг, емигрирал в САЩ и станал известен американски композитор, четирикратен носител на Оскар за музикално творчество във филми.

Един от основните художници на асоциацията Светът на изкуството, Лев (Леон) Бакст, разбира се, трябваше да бъде в списъка ни с най-успешните комерсиално графици. Неговите изискани театрални произведения – костюми за най-добрите танцьориепоха, декори за постановки - дайте ни днес представа какъв луксозен спектакъл бяха „Руските сезони“ на Дягилев.

Най-скъпата графична творба на Бакст, „Жълтата султанка“, е създадена в годината, когато балетът на Дягилев за първи път тръгва на турне в Съединените щати. По това време Бакст вече е известен художник, разпознаваемият стил на неговите театрални произведения се е превърнал в марка, а влиянието му се усеща в модата, интериорния дизайн и бижутата. Чувственият гол "Жълта султанка", израснал от неговите театрални скечове, предизвика ожесточена битка между два телефона на търг на Christie's на 28 май 2012 г. В резултат те достигнаха цифрата от 937 250 паунда ( 1 467 810 долара), като се вземе предвид комисионната, въпреки факта, че оценката беше 350-450 хиляди паунда.

В творбите на Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов се появява светът на благороднически гнезда, тънещи в забрава, мъгливи имение паркове и грациозни млади дами, които се разхождат по алеите. Някои наричат ​​стила му „елегия в живописта“, характеризиращ се с мечтателност, тиха меланхолия и тъга по едно отминало време. За Борисов-Мусатов благородническите имения са светът на настоящето, но има нещо неземно в неговите отражения за този свят; тези паркове, веранди и езера изглежда са мечтани от художника. Сякаш предчувстваше, че скоро този свят вече няма да съществува и самият той вече няма да съществува (тежка болест отне художника на 35 години).

Виктор Борисов-Мусатов предпочита пастеля и акварела пред маслената живопис, те му придават необходимата лекота на рисуване с четка и мъгла. Появата на неговия пастел „Последният ден“ на руския търг на Sotheby’s през 2006 г. беше събитие, тъй като основните творби на Борисов-Мусатов са в музеи, а само около дузина творби са били предлагани на открити търгове през годините. Пастелът „Последният ден” идва от колекцията на В. Направник, син на руския диригент и композитор Едуард Направник. Този пастел е изобразен в „Портрет на Мария Георгиевна Направник“ на Зинаида Серебрякова, който сега се съхранява в Чувашкия художествен музей. В монографията „Борисов-Мусатов” (1916) Н. Н. Врангел споменава „Последният ден” в списъка на творбите на художника. Така, както се очакваше, несъмнено оригиналният артикул достигна рекордната за художника цена от 702 400 паунда, или 1 314 760 долара.

Александър Дейнека беше брилянтен график, в началните етапи на творческата си кариера графиката го привлече дори повече от живописта, преди всичко с пропагандния си потенциал. Художникът работи много като илюстратор на книги и списания и създава плакати. По-късно тази „списание-плакатна работа“ го умори, той започна да работи все повече и повече в живописта, в монументалното изкуство, но придобитите умения на чертожник се оказаха много полезни - например при създаването на подготвителни скици за картини. „Момиче, връзващо панделка на главата си“ - скица за картината „Къпеща се“ (1951 г., колекция на Третяковската галерия). Тази най-скъпа досега творба на Дейнека датира от късния период на творчеството, когато стилът на художника от авангардните търсения на 20-те и 30-те години на миналия век вече е силно еволюирал към социалистическия реализъм. Но Дейнека беше искрен и в социалистическия реализъм. Силата и красотата на здравото човешко тяло е една от любимите теми в творчеството на Дейнека. „Момиче, връзващо панделка“ ни препраща към неговите голи тела, подобни на гръцки богини – съветски Венери, които намират щастие в работата и спорта. Това е рисунка по учебник Дейнека и затова не е изненадващо, че беше продадена за рекордните 27 500 000 рубли (1 012 450 долара) на търга на Sovcom.

Борис Дмитриевич Григориев емигрира от Русия през 1919 г. Той стана един от най-известните руски художници в чужбина, но в същото време беше забравен в родината си в продължение на много десетилетия, а първите му изложби в СССР се състояха едва в края на 80-те години. Но днес той е един от най-търсените и високо ценени автори на руския арт пазар, неговите произведения, както живопис, така и графика, се продават за стотици хиляди и милиони долари. Художникът беше изключително работоспособен, вярваше, че може да се справи с всяка тема, всяка поръчка.

Вероятно най-известните са неговите цикли „Раса“ и „Лицата на Русия“ - много близки по дух и различни само по това, че първият е създаден преди емиграцията, а вторият вече в Париж. В тези цикли ни се представя галерия от типове ("лица") на руското селячество - старци, жени и деца гледат навъсено зрителя, привличат окото и в същото време го отблъскват. Григориев в никакъв случай не е склонен да идеализира или украсява тези, които рисува, напротив, понякога довежда образите до гротеска. Едно от „лицата“, изпълнено с гваш и акварел върху хартия, стана най-скъпата графична работа на Борис Григориев: през ноември 2009 г. на търг на Sotheby’s платиха за него 986 ​​500 долара.

И накрая, десетият автор в нашия списък с най-скъпите произведения на руската графика е Константин Сомов. Син на куратора на колекциите на Ермитажа и музикант, любовта към изкуството и всичко красиво е възпитана в него от детството.След като учи в Художествената академия при Репин, Сомов скоро се оказва в обществото "Светът на изкуството", което популяризира близкият му култ към красотата. Това желание за декоративност и „красота“ е особено очевидно в многобройните му рисунки, базирани на изображения галантна ера, интересът към който се наблюдава в работата на други световни художници (Лансър, Беноа). „Сомовски” маркизи и галантни господа на тайни срещи, сцени на светски приеми и маскаради с арлекини и дами с перуки ни препращат към естетиката на барока и рококо.

Цените на произведенията на Сомов на пазара на изкуството започнаха да растат с феноменални и не винаги разбираеми темпове от 2006 г. насам, някои от картините му надвишиха оценката 5 или дори 13 пъти. Картините му струват милиони лири. Що се отнася до графиката, най-добрият резултат на Сомов досега е 620 727 долара - това е само една от рисунките от "галантната" серия "Маскарад".

На 22 април 2010 г. 86 творби - живопис и графика - от почти две дузини автори бяха продадени като единична партида № 349 на Sotheby's в Ню Йорк. Тази продажба, между другото, създава объркване в аукционната статистика на онези художници, чиито творби бяха включени в този лот. Да, колекцията е много ценна сама по себе си, има дълга, сложна и трагична история и, от една страна, е добре, че колекцията попадна в същите ръце. Но, от друга страна, ако някой ден собственикът реши да продаде отделни произведения, тогава за повечето автори просто няма ценово ниво. След оглушителната „художествена подготовка“, предшестваща продажбата на колекцията, тя можеше да се появи, но не и при препродажба щеше да бъде огромен минус.

Известни художници, скулптори, графици

Айвазовски Иван Константинович(1817–1900) - руски художник, майстор на морския пейзаж („Деветата вълна“, „Черно море“).

Боровиковски Владимир Лукич(1757–1825) - руски и украински портретист, сантименталист (портрети на М. И. Лопухина, А. Б. Куракин).

Бош (Бос ван Акен) Йероним (Йероним)(ок. 1460–1516) - холандски художник, един от най-големите майстори на Северния Ренесанс.

Ботичели Сандро (Алесандро ди Мариано ди Вани Филипепи)(1445–1510) - най-великият италиански художник на епохата Ранен Ренесанс.

Брьогел Старият Питер („Селянинът“)(ок. 1525–1569) - фламандски художник и график, майстор на пейзажа и жанровите сцени.

Брюлов Карл Павлович(1799–1852) - руски художник, чертожник, майстор на силно драматични платна („Последният ден на Помпей“) и церемониални портрети („Конница“).

Ван Гог Винсент(1853–1890) - холандски художник, представител на постимпресионизма. Картините му се отличават с цветови контрасти и устремен ритъм. Той създава трагични образи по болезнено интензивен, изключително експресивен начин, изграден върху контрасти на цветовете, бурен ритъм и свободната динамика на импасто щрихи („Нощно кафене“, „Пейзаж в Овер след дъжд“).

Ван Дайк Антонис (1599–1641) -Фламандски художник, виртуоз на живописта, ученик на Рубенс. Творбите му са белязани с благородна духовност (“Автопортрет”).

УангЕйк Иън(ок. 1385 или 1390–1441) - фламандски художник от Ранния Ренесанс, майстор на портрета, автор на повече от 100 композиции на религиозни теми, един от първите художници, които овладяват техниката на рисуване с маслени бои.

Васнецов Виктор Михайлович(1848–1926) - руски пътуващ художник. Създава платна по теми от руски епос и приказки („Альонушка“, „Трима богатири“).

Вато Антоан(1684–1721) - френски художник, майстор на жанровата живопис.

Веласкес Диего (Веласкес Родригес де Силва)(1599–1660) - испански художник. Платната на Веласкес ("Закуска", "Предаване на Бреда") се отличават с чувство за хармония, финес и богатство на цветовете.

Венецианов Алексей Гаврилович(1780–1847) - руски художник. Повечето от творбите му са на теми от селския живот, написани от живота.

Верешчагин Василий Василиевич(1842–1904) - руски батален художник. В творбите си той показва ужасите на войната („Апотеоз на войната“). Убит при експлозията на броненосеца Петропавловск в Порт Артур.

Вермеер от Делфт ян(1632–1675) - холандски художник, отличаващ се с поетичното си възприемане на ежедневието („Момиче, четещо писмо“).

Веронезе (Каляри) Паоло(1528–1588) - италиански ренесансов художник. Създадените от него картини се отличават със своята празничност и изисканост.

Врубел Михаил Александрович(1856–1910) - руски художник от Сребърния век. Гравитира към философската обобщеност, трагизма и символичното тълкуване на сюжета („Принцесата на мечтите“, „Демон“).

Вучетич Евгений Викторович(1908–1974) - руски съветски скулптор (фигура на Родината на Мамаев курган във Волгоград).

Ге Николай Николаевич(1831–1894) - известен руски художник, майстор на портрети, исторически и религиозни картини („Тайната вечеря“, „Петър I разпитва царевич Алексей Петрович в Петерхоф“, „Какво е истината?“).

Гейнсбъро Томас(1727–1788) - Английски художник, график, портретист и пейзажист.

Гоген Йожен Анри Пол(1848–1903) - Френски художник, скулптор, керамик и график. Наред със Сезан и Ван Гог той се счита за най-големия представител на постимпресионизма.

Гоя Франсиско Хосе де(1746–1828) - Испански художник и график, смел новатор на формата. Сред творбите му са фрески, картини („Гола Мая“) и поредица от гравюри („Капричос“).

Греко (Ел Греко)(Доменикос Теотокопулос) (1541–1614 ) - испански художник от гръцки произход, чиито творби се характеризират с мистична екзалтация („Портрет на инквизитор“).

Дейвид Жак Луис(1748–1825) - френски художник, привърженик на класическата живописна школа („Клетвата на Хораций“).

Дали Салвадор(1904–1989) - испански художник, един от най-видните представители на сюрреализма. В своите картини той придава видима автентичност на неестествени ситуации и комбинации от предмети.

Дега Едгар ( 1834–1917) - Френски художник импресионист, майстор на пастел („Сини танцьорки“).

Делакроа Йожен ( 1798–1863) - Френски художник и график, ръководител на френския романтизъм („Свободата, водеща хората“).

Джорджоне(1477–1510) - италиански художник, един от основоположниците на високовъзрожденското изкуство („Спящата Венера“, „Юдит“).

Джото ди Бондоне(1266–1337) - италиански художник, основател на модерната живопис („Оплакването на Христос“).

Донатело (Донато ди Николо ди Бето Барди) ( 1386–1466) - Италиански скулптор, един от „бащите” на Ренесанса.

Дюрер Албрехт(1471–1528) - немски художник и график от епохата на Ренесанса, теоретик на изкуството (автопортрети, Мадона с детето, гравюри).

Кандински Василий Василиевич(1866–1944) - руски художник и график, авангардист, един от основоположниците на абстрактното изкуство.

Канова Антонио(1757–1822) - италиански скулптор, най-значимият представител на класицизма в европейската скулптура.

Караваджо Микеланджело да (Микеланджело Мериси Караваджо)(1571–1610) - италиански художник, реформатор на европ живопис XVIIв., един от най-големите майстори на барока.

Кипренски Орест Адамович(1782–1836) - руски художник и чертожник, представител на романтизма (портрети на А. С. Пушкин).

Клод Петър Карлович(1805–1867) - руски скулптор, представител на класицизма, художник на животни (коне на Аничковия мост в Санкт Петербург).

Коровин Константин Алексеевич(1861–1939) - руски художник и театрален художник, добър майстор на пленерната живопис, близък до импресионизма.

Крамской Иван Николаевич(1837–1887) - руски художник, скитник, учител на И. Е. Репин („Майска нощ“). Майстор на психологическия портрет, който разкрива сложни душевни движения („Чужденецът”).

Кранах Лукас Стария(1472–1553) - немски художник и график, съчетал художествените принципи на Ренесанса с готическата традиция, брилянтен портретист.

Куинджи Архип Иванович(1841–1910) - руски пейзажист, скитник. Творбите на Куинджи демонстрират декоративна звучност на цветовете и светлинните ефекти, близки до живота до илюзия („Нощ на Днепър“).

Ларионов Михаил Федорович(1881–1964) - руски художник, авангардист, абстракционист, създател на така наречения районизъм.

Левитан Исак Илич(1860–1900) - руски художник-пътешественик, пейзажист, създател на „пейзажа на настроението“, разкриващ фините нюанси на природните състояния („Над вечния мир“).

Левицки Дмитрий Григориевич(1735–1822) - руски портретист от 18 век, майстор на церемониалните портрети.

Леонардо да Винчи(1452–1519) - италиански художник, скулптор, архитект и учен. Той олицетворява идеала за женска красота в световноизвестната картина „Джоконда” („Мона Лиза”).

Лизипос(IV в. пр. н. е.) - древногръцки скулптор, придворен художник на Александър Велики.

Мазачо (Томазо ди Джовани ди Симоне Касаи)(1401–1428) - италиански художник, в творбите си се стреми да въплъти идеята за човешкото съвършенство.

Малевич Казимир Северинович(1878–1935) - руски абстрактен художник („Черен квадрат“), основател на супрематизма.

Мане Едуар(1832–1883) - френски художник, един от най-ярките представители на импресионизма. Творбите му се отличават със свежест и остро възприемане на реалността („Концерт в Тюйлери“).

Матис Анри(1869–1954) - френски художник, график, основател на орнаменталния стил в стъклописите, гравюрите, литографиите, основател на фовизма.

Микеланджело Буонароти(1475–1564) - италиански художник, скулптор и архитект („Давид“, картина на Сикстинската капела в Рим).

Мирон от Елевтер(V век пр.н.е.) - гръцки скулптор от епохата, която непосредствено предшества най-високия разцвет на гръцкото изкуство (края на VI - началото на V век). Най-известната творба на Мирон е „Дискобол“.

Модилиани Амедео(1884–1920) - италиански художник. Произведенията на Модилиани се отличават с музикална изтънченост на силуета и цвета, лаконична композиция.

Моне Оскар Клод(1840–1926) - френски художник, един от основоположниците на импресионизма.

Мунк Едвард(1863–1944) - норвежки художник и график, един от основоположниците на експресионизма („Викът“).

Мухина Вера Игнатиевна(1889–1953) - съветски скулптор-монументалист („Работник и колхозница“).

Перов Василий Григориевич (Криденер)(1834–1882) - руски художник, един от членовете-учредители на „Асоциацията на пътуващите художествени изложби“ („Тройка“, „Портрет на Ф. М. Достоевски“, „Ловци на почивка“).

Петров-Водкин Кузма Сергеевич(1878–1939) - руски съветски художник („Къпането на червения кон“), символист, романтик.

Пикасо Пабло Руис(1881–1973) - френски художник, работил в няколко посоки - кубизъм, реализъм и др. Създал творби, изпълнени с болка и протест („Герника“), автор на известния „Гълъб на мира“.

Пиросмани Нико(1862–1918) - грузински художник-примитивист. Рисува групови портрети и знаци, които остро предават усещането за пълнота и радост от живота.

Праксител(IV в. пр.н.е.) - древногръцки скулптор, роден в Атина ок. 390 пр.н.е д. Автор на известните композиции „Хермес с бебето Дионис“, „Аполон, убиващ гущера“. Повечето от произведенията на Праксител са известни от римски копия или от описания на древни автори.

Пусен Никола(1594–1665) - френски художник, представител на школата на класицизма („Пейзаж с Полифем“).

Рафаел Санти(1483–1520) - италиански художник и архитект, чиито картини се отличават с класическа яснота и величествена духовност. Той прославяше земното съществуване на човека, хармонията на неговото духовно и физическа сила("Сикстинската мадона").

Рейнолдс Джошуа(1723–1792) - английски художник и теоретик на изкуството. Майсторски портретист („J. O. Heathfield“), той също пише върху исторически и митологични теми.

Рембранд Харменс ван Рейн(1606–1669) - холандски художник, чертожник, гравьор. Рисува сложни по своята психологическа структура сцени и портрети (“Нощна стража”, “Даная”).

Реноар Огюст(1841–1919) - френски художник, график и скулптор, близък до импресионистите. Той възпя чувствената красота и радостта от битието.

Репин Иля Ефимович(1844–1930) - руски и украински художник. Той разкри духовната красота на народа, свободолюбието му („Казаците пишат писмо до турския султан“, „Шлепаните на Волга“, „Те не чакаха“).

Рьорих Николай Константинович(1874–1947) - руски художник, от 20-те години на миналия век живее в Индия, чиято философия оказва огромно влияние върху творчеството му.

Роден Огюст(1840–1917) - френски скулптор, новатор на формата („Мислителят“, „Гражданите на Кале“).

Рокотов Федор Степанович(1735–1808) - изключителен руски художник. Сред творбите на художника са деликатни, поетични портрети, пропити от съзнание за духовната и физическа красота на човека.

Рубенс Питър Паул(1577–1640) - фламандски художник. Неговите пейзажи са пропити с усещане за мощни природни сили. Сцени селски живот(“Завръщането на жътварите”) са пропити с демократичен дух.

Рубльов Андрей(ок. 1360-ок. 1430) - велик руски художник, иконописец, най-големият майстор на московската школа по живопис. Творбите на Рубльов са пропити с дълбока човечност и възвишена духовност („Троица“, рисунки на много катедрали, икони).

Саврасов Алексей Кондратиевич(1830–1897) - руски пейзажист, скитник. Той предава поетичната красота и значимост на ежедневните мотиви („Градовете пристигнаха“).

Сарян Мартирос Сергеевич(1880–1972) - арменски художник. Майстор на жизнеутвърждаващи, емоционални пейзажи, ярки и декоративно обобщени по стил („Долината на Арарат“, „Армения“), остри психологически портрети и празнични колоритни натюрморти.

Сезан Пол(1839–1906) - френски художник, постимпресионист („Бреговете на Марна“, „Праскови и круши“).

Серов Валентин Александрович(1865–1911) - руски художник и график, скитник. Ранни творби(“Момиче с праскови”) се отличават със своята свежест и наситеност на цветовете.

Снайдерс Франция(1579–1657) - фламандски художник, майстор на натюрморти и животински композиции в бароков стил („Бой с петли“, „Продавач на плодове“).

Суриков Василий Иванович(1848–1916) - Руски пътуващ художник, много платна са посветени на повратни моменти в руската история („Боярина Морозова“ и др.). Майстор на портрета.

Тинторето (Робусти) Якопо(1518–1594) - италиански художник, един от най-големите художници на венецианската школа от късния Ренесанс.

Тициан (Тициан Вечелио)(1476–1576) - италиански художник, ръководител на венецианската школа. Творбите му се отличават с жизнерадост, многостранно възприемане на живота („Венера и Адонис“, „Даная“), а в по-късните произведения - интензивен драматизъм.

Торвалдсен Бертел(1768–1844) - датски скулптор, представител на класицизма. Скулптурите на Торвалдсен се характеризират с пластична пълнота, сдържаност и идеализация на образите („Джейсън“).

Тропинин Василий Андреевич(1776–1857) - руски художник, майстор на романтичния портрет.

Анри дьо Тулуз-Лотрек(1864–1901) - френски график и художник, постимпресионист.

Фидий(V век пр. н. е.) - древногръцки скулптор от високия класически период. Творчеството на Фидия се смята за едно от най-високите постижения древно изкуство(статуи на Атина, Зевс Олимпийски).

Хокусай Кацушика(1760–1849) - японски художник и чертожник, майстор на цветни дърворезби.

Челини Бенвенуто(1500–1571) - италиански скулптор, архитект и писател. Един от най-известните представители на маниеризма.

Шагал Марк(1887–1985) - френски художник, последовател на сюрреализма. Повечето от образите му са вдъхновени от руски и еврейски народни мотиви.

Шишкин Иван Иванович(1832–1898), руски художник, един от най-големите майстори на реалистичната пейзажна живопис. Академик (1865), професор (1873), ръководител на пейзажната работилница (1894–1895) на Художествената академия. Член-основател на Асоциацията на пътуващите художествени изложби.

Ешер Морис Корнелис(1898–1972) - Холандски график. Известен е най-вече със своите концептуални литографии, гравюри върху дърво и метал, в които майсторски изследва пластичните аспекти на концепциите за безкрайност и симетрия, както и особеностите на психологическото възприемане на сложни триизмерни обекти.

Ярошенко Николай Александрович(1846–1898) - руски пътуващ художник. Портрети, пейзажи, жанрови сцени („Стокър“, „Стар и млад“) се отличават с драматизъм.