El ballet es una forma de arte en la que la idea del creador se plasma a través de la coreografía. Una representación de ballet tiene una trama, un tema, una idea, un contenido dramático, un libreto. Solo en casos raros se llevan a cabo ballets sin trama. En el resto, por medios coreográficos, los bailarines deben transmitir los sentimientos de los personajes, la trama, la acción. Un bailarín de ballet es un actor que, con la ayuda de la danza, transmite la relación de los personajes, su comunicación entre ellos, la esencia de lo que sucede en el escenario.

La historia del surgimiento y desarrollo del ballet.

El ballet apareció en Italia en el siglo XVI. En este momento, las escenas coreográficas se incluyeron como un episodio en actuación musical, ópera. Más tarde, ya en Francia, el ballet se desarrolló como un magnífico y sublime espectáculo cortesano.

El 15 de octubre de 1581 se considera el cumpleaños del ballet en todo el mundo. Fue en este día en Francia que el coreógrafo italiano Baltazarini presentó su creación al público. Su ballet se llamó Cercea o The Queen's Comedy Ballet. La actuación duró unas cinco horas.

Primero ballets franceses se basaban en cortesanos y bailes folclóricos y melodías Junto con el musical, hubo escenas conversacionales y dramáticas en la actuación.

Desarrollo del ballet en Francia

Luis XIV facilitó el aumento de la popularidad y el florecimiento del arte del ballet. Los nobles de la corte de esa época participaban con placer en las representaciones. Incluso el rey radiante recibió su apodo de "El Rey Sol" debido al papel que interpretó en uno de los ballets del compositor de la corte Lully.

En 1661, Luis XIV fundó la primera escuela de ballet del mundo, la Royal Academy of Dance. El director de la escuela fue Lully, quien determinó el desarrollo del ballet para el próximo siglo. Como Lully era compositor, decidió la dependencia de los movimientos de danza de la construcción de frases musicales y la naturaleza de los movimientos de danza, de la naturaleza de la música. En colaboración con Molière y Pierre Beauchamp, el profesor de danza de Luis XIV, se crearon los fundamentos teóricos y prácticos del arte del ballet. Pierre Beauchamp comenzó a crear la terminología de la danza clásica. Hasta el día de hoy, los términos para designar y describir las principales posiciones y combinaciones de ballet se utilizan en francés.

En el siglo XVII, el ballet se repuso con nuevos géneros, como el ballet-ópera, el ballet-comedia. Se están haciendo intentos para crear una actuación en la que la música refleje orgánicamente historia, y la danza, a su vez, se fusionó orgánicamente con la música. Así se sientan las bases del arte del ballet: la unidad de la música, la danza y la dramaturgia.

A partir de 1681, la participación en espectáculos de ballet estuvo disponible para las mujeres. Hasta ese momento, solo los hombres eran bailarines de ballet. tu look terminado vista separada arte, el ballet recibe solo en la segunda mitad del siglo XVIII gracias a la innovación escénica del coreógrafo francés Jean Georges Nover. Sus reformas en la coreografía asignaron un papel activo a la música como base para una actuación de ballet.

Desarrollo del ballet en Rusia

La primera representación de ballet en Rusia tuvo lugar el 8 de febrero de 1673 en el pueblo de Preobrazhenskoye en la corte del zar Alexander Mikhailovich. La originalidad del ballet ruso está formada por el coreógrafo francés Charles-Louis Didelot. Afirma la prioridad de la parte femenina en la danza, aumenta el protagonismo del cuerpo de baile, fortalece la conexión entre danza y pantomima. P.I. hizo una verdadera revolución en la música de ballet. Tchaikovsky en sus tres ballets: El Cascanueces, lago de los cisnes y la Bella Durmiente. Estas obras, y detrás de ellas las actuaciones, son una perla insuperable de los géneros musicales y de danza, incomparables en la profundidad del contenido dramático y la belleza de la expresión figurativa.

En 1783, Catalina II creó el Teatro Imperial de Ópera y Ballet en San Petersburgo y el Teatro Bolshoi Kamenny en Moscú. en los escenarios teatros famosos El ballet ruso fue glorificado por maestros como M. Petipa, A. Pavlova, M. Danilova, M. Plisetskaya, V. Vasiliev, G. Ulanova y muchos otros.

El siglo XX estuvo marcado por innovaciones en la literatura, la música y la danza. En el ballet, esta innovación se manifestó en la creación de la danza, una danza plástica libre de técnica. coreografía clásica. Una de las fundadoras del ballet moderno fue Isadora Duncan.

Características de la coreografía clásica.

Uno de los principales requisitos en la coreografía clásica es la eversión de las piernas. Los primeros bailarines fueron aristócratas de la corte. Todos ellos dominaban el arte de la esgrima, que utilizaba la posición del pie en eversión, lo que permitía un mejor movimiento en cualquier dirección. De la esgrima, los requisitos de participación se convirtieron en coreografía, algo natural para los cortesanos franceses.

Otra característica del ballet, la actuación sobre los dedos de los pies, no apareció hasta el siglo XVIII, cuando Marie Taglioni utilizó por primera vez esta técnica. Cada escuela y cada bailarín aportó sus propias características al arte del ballet, enriqueciéndolo y popularizándolo.

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Famosos ballets rusos. 5 mejores

El ballet clásico es una forma de arte asombrosa que nació en Italia durante el Renacimiento maduro, "se mudó" a Francia, donde el mérito de su desarrollo, incluida la fundación de la Academia de Danza y la codificación de muchos movimientos, perteneció al rey Luis XIV. . Francia exportó el arte de la danza teatral a todos países europeos, incluida Rusia. A mediados del siglo XIX siglo, la capital del ballet europeo ya no era París, que dio al mundo las obras maestras del romanticismo "La Sylphide" y "Giselle", sino San Petersburgo. exactamente en capital del norte durante casi 60 años trabajó el gran coreógrafo Marius Petipa, creador del sistema de danza clásica y autor de obras maestras que aún no abandonan los escenarios. Después de la Revolución de Octubre, quisieron echar al ballet del barco de la modernidad, pero lograron defenderlo. tiempo soviético estuvo marcado por la creación de un número considerable de obras maestras. Presentamos cinco ballets principales nacionales, en orden cronológico.

"Don Quixote"

Escena del ballet Don Quijote. Una de las primeras producciones de Marius Petipa

Estreno del ballet de L.F. Minkus "Don Quijote" Teatro Bolshói. 1869 Del álbum del arquitecto Albert Kavos

Escenas del ballet Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (centro). Puesta en escena de A.A. Gorsky. Moscú, Teatro Bolshoi. mil novecientos

Música de L. Minkus, libreto de M. Petipa. Primera producción: Moscú, Teatro Bolshoi, 1869, coreografía de M. Petipa. Producciones posteriores: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1871, coreografía de M. Petipa; Moscú, Teatro Bolshoi, 1900, San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1902, Moscú, Teatro Bolshoi, 1906, todos - coreografía de A. Gorsky.

Ballet "Don Quijote" - lleno de vida y júbilo presentación teatral, una eterna fiesta de la danza, que nunca cansa a los adultos y a la que los padres llevan con gusto a sus hijos. Aunque lleva el nombre del héroe de la célebre novela Cervantes, está basado en uno de sus episodios, "La boda de Kiteria y Basilio", y narra las aventuras de jóvenes héroes, cuyo amor acaba venciendo, a pesar de la oposición. del obstinado padre de la heroína, que quería casarla con el rico Gamache.

Entonces Don Quijote no tiene casi nada que ver con eso. Toda la actuación es un artista alto y delgado, acompañado por un colega bajo y barrigudo, que representa Sancho Panzú, da vueltas por el escenario, impidiendo a veces que veas las composiciones de Petipa y Gorsky hermosos bailes. El ballet, en esencia, es un concierto de disfraces, una celebración de la danza clásica y característica, donde todos los artistas de cualquier compañía de ballet tienen algo que hacer.

La primera representación del ballet tuvo lugar en Moscú, donde Petipa viajaba de vez en cuando para elevar el nivel de la compañía local, que no podía compararse con la brillante compañía del Teatro Mariinsky. Pero en Moscú era más fácil respirar, por lo que el coreógrafo, en esencia, representó un ballet que recuerda los maravillosos años de la juventud en un país soleado.

El ballet fue un éxito y dos años más tarde Petipa lo trasladó a San Petersburgo, lo que requirió una reelaboración. en la capital del norte bailes caracteristicos mucho menos interesado que los clásicos puros. Petipa amplió "Don Quijote" a cinco actos, compuso un "acto blanco", el llamado "Sueño de Don Quijote", un verdadero paraíso para los amantes de las bailarinas en tutús, dueñas de lindas piernas. El número de cupidos en el "Sueño" llegó a cincuenta y dos...

Don Quijote llegó a nosotros en una reelaboración del coreógrafo moscovita Alexander Gorsky, quien era aficionado a las ideas de Konstantin Stanislavsky y quería hacer que el viejo ballet fuera más lógico y dramáticamente convincente. Gorsky destruyó las composiciones simétricas de Petipa, canceló los tutús en la escena del "Sueño" e insistió en el uso de un maquillaje moreno para las bailarinas españolas. Petipa lo llamó "cerdo", pero ya en la primera alteración de Gorsky, el ballet se representó en el escenario del Teatro Bolshoi 225 veces.

"Lago de los cisnes"

Escenografía para la primera función. Gran teatro. Moscú. 1877

Escena del ballet "El lago de los cisnes" de P.I. Tchaikovsky (coreógrafos Marius Petipa y Lev Ivanov). 1895

Música de P. Tchaikovsky, libreto de V. Begichev y V. Geltser. Primera producción: Moscú, Teatro Bolshoi, 1877, coreografía de V. Reisinger. Producción posterior: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1895, coreografía de M. Petipa, L. Ivanov.

El ballet favorito de todos, cuya versión clásica se representó en 1895, en realidad nació dieciocho años antes en el Teatro Bolshoi de Moscú. La partitura de Tchaikovsky, cuya fama mundial estaba por llegar, era una especie de colección de "canciones sin palabras" y parecía demasiado complicada para la época. El ballet tuvo lugar unas 40 veces y se hundió en el olvido.

Después de la muerte de Tchaikovsky, El lago de los cisnes se representó en el Teatro Mariinsky, y todas las producciones posteriores del ballet se basaron en esta versión, que se convirtió en un clásico. La acción recibió una gran claridad y lógica: el ballet contó sobre el destino de la bella princesa Odette, quien fue convertida en cisne por voluntad del genio malvado Rothbart, sobre cómo Rothbart engañó al príncipe Siegfried, quien se enamoró de ella, recurriendo a los encantos de su hija Odile, y sobre la muerte de los héroes. La partitura de Tchaikovsky fue reducida en aproximadamente un tercio por el director Ricardo Drigo y reorquestada. Petipa creó la coreografía para el primer y tercer acto, Lev Ivanov para el segundo y cuarto. esta división manera perfecta respondía a la vocación de ambos geniales coreógrafos, el segundo de los cuales tuvo que vivir y morir a la sombra del primero. Petipa es el padre del ballet clásico, el creador de composiciones impecablemente armoniosas y el cantor de una mujer-hada, una mujer-juguete. Ivanov es un coreógrafo innovador con una sensibilidad inusual para la música. El papel de Odette-Odile fue interpretado por Pierina Legnani, “Reina de las bailarinas milanesas”, también es la primera Raymonda e inventora de las 32 fouettes, el tipo de rotación más difícil en las zapatillas de punta.

Puede que no sepas nada de ballet, pero el lago de los cisnes es conocido por todos. A últimos años existencia Unión Soviética, cuando los ancianos líderes se reemplazaban entre sí con bastante frecuencia, la sentida melodía del dúo "blanco" de los personajes principales del ballet y el estallido de los brazos de las alas de la pantalla del televisor anunciaron el triste evento. Los japoneses aman tanto el lago de los cisnes que están listos para verlo por la mañana y por la noche, interpretado por cualquier compañía. Ni una sola compañía de gira, de la que hay muchas en Rusia, y especialmente en Moscú, puede prescindir de Lebedinoy.

"Cascanueces"

Escena del ballet El Cascanueces. Primera puesta en escena. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Ópera Mariinskii. 1892

Escena del ballet El Cascanueces. Primera puesta en escena. Ópera Mariinskii. 1892

Música de P. Tchaikovsky, libreto de M. Petipa. Primera producción: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1892, coreografía de L. Ivanov.

De libros y sitios web, aún circula información errónea de que El Cascanueces fue puesta en escena por el padre del ballet clásico Marius Petipa. De hecho, Petipa escribió solo el guión, y la primera producción del ballet estuvo a cargo de su subordinado, Lev Ivanov. Una tarea imposible recayó en la suerte de Ivanov: el guión, creado al estilo del extravagante ballet de moda en ese momento con la participación indispensable de un artista invitado italiano, estaba en evidente contradicción con la música de Tchaikovsky, que, aunque escrita en estricta conformidad con las instrucciones de Petipa, se distinguió por su gran sentimiento, riqueza dramática y desarrollo sinfónico complejo. Además, la heroína del ballet era una adolescente, y la bailarina-estrella estaba preparada solo para el pas de deux final (un dúo con un compañero, que consta de un adagio, una parte lenta, variaciones, bailes en solitario y una coda (final virtuoso)). La primera producción de El Cascanueces, donde la primera, predominantemente un acto de pantomima, difería marcadamente de la segunda, un acto de diversión, no tuvo mucho éxito, los críticos destacaron solo el Vals de los copos de nieve (participaron 64 bailarines) y el Pas de deux del hada gragea y el príncipe de la tos ferina, que se inspiró en el Adagio con una rosa de La bella durmiente de Ivanov, donde Aurora baila con cuatro caballeros.

Pero en el siglo XX, que supo penetrar en las profundidades de la música de Tchaikovsky, El cascanueces estaba destinado a un futuro verdaderamente fantástico. Hay innumerables representaciones de ballet en la Unión Soviética, países europeos y Estados Unidos. En Rusia, las producciones de Vasily Vainonen en el Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de Leningrado (ahora el Teatro Mariinsky en San Petersburgo) y Yuri Grigorovich en el Teatro Bolshoi de Moscú son especialmente populares.

"Romeo y Julieta"

Ballet Romeo y Julieta. Julieta - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

La Sra. Patrick Campbeple como Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare. 1895

Final de Romeo y Julieta. 1940

Música de S. Prokofiev, libreto de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Primera producción: Brno, Teatro de Ópera y Ballet, 1938, coreografía de V. Psota. Producción posterior: Leningrado, Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet. S. Kirov, 1940, coreografía de L. Lavrovsky.

Si la frase de Shakespeare en una conocida traducción rusa dice "No hay historia más triste en el mundo que la historia de Romeo y Julieta", luego dijeron sobre el ballet del gran Sergei Prokofiev escrito en esta trama: "No hay historia más triste en el mundo que la música de Prokofiev en el ballet". Verdaderamente asombrosa en belleza, riqueza de colores y expresividad, la partitura de "Romeo y Julieta" en el momento de su aparición parecía demasiado complicada e inadecuada para el ballet. Los bailarines de ballet simplemente se negaron a bailar con ella.

Prokofiev escribió la partitura en 1934, y originalmente no estaba destinada al teatro, sino a la famosa Escuela Coreográfica Académica de Leningrado para celebrar su 200 aniversario. El proyecto no se implementó debido al asesinato en 1934 en Leningrado de Sergei Kirov, en el líder teatro musical la segunda capital vino a cambiar. Tampoco se concretó el plan de montar Romeo y Julieta en el Bolshoi de Moscú. En 1938, el estreno se realizó en un teatro de Brno, y solo dos años después, el ballet de Prokofiev finalmente se representó en la tierra natal del autor, en el entonces Teatro Kirov.

El coreógrafo Leonid Lavrovsky, en el marco del género “drambalet” (una forma de drama coreográfico característico del ballet de los años 30-50), muy bien acogido por las autoridades soviéticas, creó un espectáculo impresionante y emocionante con escenas de masas cuidadosamente esculpidas y finamente características psicológicas definidas de los personajes. A su disposición estaba Galina Ulanova, la bailarina y actriz más refinada, que permaneció insuperable en el papel de Julieta.

La partitura de Prokofiev fue rápidamente apreciada por los coreógrafos occidentales. Las primeras versiones del ballet aparecieron ya en la década de 1940. Sus creadoras fueron Birgit Kuhlberg (Estocolmo, 1944) y Margarita Froman (Zagreb, 1949). Famosas producciones de "Romeo y Julieta" pertenecen a Frederick Ashton (Copenhague, 1955), John Cranko (Milán, 1958), Kenneth MacMillan (Londres, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburgo, 1973).I. Moiseev, 1958, coreografía de Y. Grigorovich, 1968.

Sin "Spartacus" el concepto de "ballet soviético" es impensable. Este es un verdadero éxito, un símbolo de la época. periodo soviético desarrolló otros temas e imágenes, profundamente diferentes del ballet clásico tradicional heredado de Marius Petipa y los Teatros Imperiales de Moscú y San Petersburgo. Los cuentos de hadas con finales felices fueron archivados y reemplazados por historias heroicas.

Ya en 1941, uno de los principales compositores soviéticos Aram Khachaturian habló sobre su intención de escribir música para una actuación monumental y heroica que se representará en el Teatro Bolshoi. El tema fue un episodio de la historia romana antigua, un levantamiento de esclavos dirigido por Espartaco. Khachaturian creó una partitura colorida con motivos armenios, georgianos y rusos y llena de hermosas melodías y ritmos ardientes. La producción iba a ser puesta en escena por Igor Moiseev.

Su trabajo tardó muchos años en llegar a la audiencia, y no apareció en el Teatro Bolshoi, sino en el Teatro. Kírov. El coreógrafo Leonid Yakobson creó una actuación deslumbrante e innovadora, abandonando los atributos tradicionales del ballet clásico, incluido el baile en puntas, utilizando plástico libre y bailarinas con sandalias.

Pero el ballet "Spartacus" se convirtió en un éxito y un símbolo de la época en manos del coreógrafo Yuri Grigorovich en 1968. Grigorovich impresionó al espectador con una dramaturgia completamente construida, una interpretación sutil de los personajes de los personajes principales, una puesta en escena hábil de escenas de multitudes, pureza y belleza de adagios líricos. Llamó a su trabajo "una actuación para cuatro solistas con un corps de ballet" (cuerpo de ballet - artistas involucrados en episodios de baile masivo). Vladimir Vasiliev interpretó el papel de Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova y Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet era predominantemente masculino, lo que hace que el ballet "Spartacus" sea único.

Además de las conocidas lecturas de Spartacus de Yakobson y Grigorovich, hay unas 20 producciones más del ballet. Entre ellos se encuentra la versión de Jiri Blazek para el Ballet de Praga, Laszlo Seregi para el Ballet de Budapest (1968), Jüri Vamos para la Arena di Verona (1999), Renato Zanella para el Ballet de Viena Ópera Estatal(2002), Natalia Kasatkina y Vladimir Vasilev para el Teatro Académico Estatal de Ballet Clásico de Moscú (2002) dirigida por ellos.

Enviado por copypaster el miércoles, 15/08/2007 - 01:11

El ballet es un arte bastante joven. Tiene algo más de cuatrocientos años, aunque la danza lleva decorando la vida humana desde la antigüedad.

El ballet nació en el norte de Italia durante el Renacimiento. Los príncipes italianos amaban las magníficas fiestas de palacio, en las que la danza ocupaba un lugar importante. Los bailes rurales no eran aptos para damas y caballeros de la corte. Sus túnicas, al igual que los salones donde bailaban, no permitían el movimiento desorganizado. Profesores especiales, maestros de baile, intentaron poner las cosas en orden en los bailes de la corte. Ensayaron con anticipación figuras y movimientos individuales de la danza con los nobles y dirigieron grupos de bailarines. Gradualmente, la danza se hizo más y más teatral.

El término "ballet" apareció a fines del siglo XVI (del italiano balletto - bailar). Pero entonces no significó una actuación, sino solo un episodio de baile que transmite un cierto estado de ánimo. Tales "ballets" generalmente consistían en "salidas" de personajes poco relacionados, la mayoría de las veces los héroes de los mitos griegos. Después de tales "salidas", comenzó un baile común: el "gran ballet".

La primera representación de ballet fue el Queen's Comedy Ballet, presentado en Francia en 1581 por el coreógrafo italiano Baltazarini di Belgiojoso. Fue en Francia que mayor desarrollo ballet. Al principio se trataba de ballets de máscaras, y luego de pomposos ballets melodramáticos sobre tramas caballerescas y fantásticas, donde los episodios de danza eran reemplazados por arias vocales y recitación de poemas. No se sorprenda, en ese momento el ballet no era solo un espectáculo de danza.

Durante el reinado de Luis XIV, las representaciones del ballet de la corte alcanzaron un esplendor especial. Al mismo Louis le encantaba participar en ballets y recibió su famoso apodo "El Rey Sol" después de interpretar el papel del Sol en el "Ballet de la Noche".

En 1661 creó la Real Academia de Música y Danza, que incluía a 13 destacados maestros de baile. Su deber era preservar las tradiciones de la danza. El director de la academia, el profesor de danza real Pierre Beauchamp, identificó las cinco posiciones básicas de la danza clásica.

Pronto se inauguró la Ópera de París, cuyo coreógrafo fue el mismo Beauchamp. Bajo su liderazgo, un compañía de ballet. Al principio, estaba formada únicamente por hombres. mujeres en el escenario Ópera de París apareció recién en 1681.

En el teatro se representaron óperas-ballet del compositor Lully y comedias-ballet del dramaturgo Molière. Al principio, los cortesanos participaban en ellos, y las actuaciones casi no diferían de las actuaciones de palacio. Se bailaron los ya mencionados minuetos lentos, gavotas y pavanas. Las máscaras, los vestidos pesados ​​y los zapatos de tacón alto dificultaban que las mujeres realizaran movimientos complejos. Por lo tanto, las danzas de los hombres se distinguían entonces por mayor gracia y gracia.

A mediados del siglo XVIII, el ballet estaba ganando gran popularidad en Europa. Todas las cortes aristocráticas de Europa buscaron imitar el lujo de la corte real francesa. abierto en las ciudades teatros de ópera. Numerosos bailarines y profesores de baile encontraron trabajo fácilmente.

Pronto, bajo la influencia de la moda, el traje de ballet femenino se volvió mucho más ligero y libre, debajo de él se adivinaron las líneas del cuerpo. Los bailarines abandonaron los zapatos con tacones, reemplazándolos con zapatos ligeros sin tacones. El vestuario de los hombres también se volvió menos engorroso: pantalones ajustados hasta las rodillas y medias que permitían ver la figura del bailarín.

Cada innovación hizo que los bailes fueran más significativos y la técnica de baile más alta. Gradualmente, el ballet se separó de la ópera y se convirtió en un arte independiente.

Aunque la escuela de ballet francesa fue famosa por su gracia y plasticidad, se caracterizó por cierta frialdad y formalidad en la interpretación. Por lo tanto, coreógrafos y artistas buscaban otros medios de expresión.

A fines del siglo XVIII, nació una nueva tendencia en el arte: el romanticismo, que tuvo una fuerte influencia en el ballet. En un ballet romántico, el bailarín se paraba sobre zapatillas de punta. Maria Taglioni fue la primera en hacer esto, cambiando por completo las ideas anteriores sobre el ballet. En el ballet "La Sylphide" aparecía como una frágil criatura de inframundo. El éxito fue impresionante.

En este momento, aparecieron muchos ballets maravillosos, pero, desafortunadamente, el ballet romántico se convirtió en Último periodo apogeo arte de la danza en el oeste. del segundo mitad del XIX El ballet del siglo, habiendo perdido su significado anterior, se ha convertido en un apéndice de la ópera. Solo en la década de 1930, bajo la influencia del ballet ruso, comenzó el renacimiento de esta forma de arte en Europa.

En Rusia, la primera representación de ballet, "El ballet de Orfeo y Eurídice", se realizó el 8 de febrero de 1673 en la corte del zar Alexei Mikhailovich. Las danzas ceremoniales y lentas consistían en un cambio de graciosas posturas, reverencias y movimientos, alternando con el canto y el habla. No jugó ningún papel significativo en el desarrollo de la danza escénica. Fue solo otra "diversión" real, que atrajo con su rareza y novedad.

Solo un cuarto de siglo después, gracias a las reformas de Pedro I, la música y la danza entraron en la vida de la sociedad rusa. en la nobleza establecimientos educativos introdujo la enseñanza obligatoria de la danza. Músicos dados de baja del extranjero, artistas de ópera y compañías de ballet comenzaron a actuar en la corte.

En 1738, se abrió la primera escuela de ballet en Rusia, y tres años más tarde, 12 niños y 12 niñas de los sirvientes del palacio se convirtieron en los primeros bailarines profesionales en Rusia. Al principio, actuaron en los ballets de maestros extranjeros como figurantes (como se llamaba a los bailarines del cuerpo de baile), y luego en las partes principales. El notable bailarín de esa época, Timofey Bublikov, brilló no solo en San Petersburgo, sino también en Viena.

A principios del XIX siglo, el arte del ballet ruso ha alcanzado la madurez creativa. Los bailarines rusos aportaron expresividad y espiritualidad al baile. Sintiendo esto con mucha precisión, A. S. Pushkin llamó a la danza de su contemporáneo Avdotya Istomina "un vuelo lleno de alma".

El ballet en esta época ocupaba un lugar privilegiado entre otros tipos arte teatral. Las autoridades le prestaron gran atención, proporcionaron subsidios estatales. Las compañías de ballet de Moscú y San Petersburgo actuaron en teatros bien equipados y los graduados escuelas de teatro Anualmente se repone la plantilla de bailarines, músicos y decoradores.

Arturo San León

En la historia de nuestro teatro de ballet, a menudo se encuentran nombres de maestros extranjeros que desempeñaron un papel importante en el desarrollo del ballet ruso. En primer lugar, estos son Charles Didelot, Arthur Saint-Leon y Marius Petipa. Ayudaron a crear la escuela de ballet rusa. Pero los talentosos artistas rusos también permitieron revelar el talento de sus maestros. Esto invariablemente atrajo a los coreógrafos más grandes de Europa a Moscú y San Petersburgo. En ninguna parte del mundo podrían encontrarse con una compañía tan grande, talentosa y bien entrenada como en Rusia.

A mediados del siglo XIX, el realismo llegó a la literatura y el arte rusos. Los coreógrafos trataron febrilmente, pero en vano, de crear actuaciones realistas. No tomaron en cuenta que el ballet es un arte condicional y que el realismo en el ballet difiere significativamente del realismo en la pintura y la literatura. Comenzó la crisis del arte del ballet.

Una nueva etapa en la historia del ballet ruso comenzó cuando el gran compositor ruso P. Tchaikovsky compuso por primera vez música para el ballet. Era el lago de los cisnes. Antes de eso, la música de ballet no se tomaba en serio. ella era considerada inferior creatividad musical, sólo un acompañamiento al baile.

Gracias a Tchaikovsky, la música de ballet se convirtió en un arte serio junto con la ópera y musica sinfonica. Antes la música dependía completamente de la danza, ahora la danza tenía que obedecer a la música. Se necesitaban nuevos medios de expresión. nuevo enfoque para crear una actuación.

El mayor desarrollo del ballet ruso está relacionado con el nombre del coreógrafo de Moscú A. Gorsky, quien, habiendo abandonado las técnicas obsoletas de la pantomima, utilizó las técnicas de la dirección moderna en una actuación de ballet. Dando gran importancia al diseño pictórico de la actuación, atrajo a los mejores artistas para trabajar.

Pero el verdadero reformador del arte del ballet es Mikhail Fokin, quien se rebeló contra la construcción tradicional de un espectáculo de ballet. Argumentó que el tema de la actuación, su música, la época en la que se desarrolla la acción, cada vez requieren diferentes movimientos de baile, un patrón de baile diferente. Al montar el ballet "Noches egipcias", Fokine se inspiró en la poesía de V. Bryusov y los dibujos del antiguo Egipto, y las imágenes del ballet "Petrushka" se inspiraron en la poesía de A. Blok. En el ballet Dafnis y Cloe, abandonó el baile de puntas y, en movimientos libres y plásticos, revivió frescos antiguos. Su " Chopiniana " revivió la atmósfera del ballet romántico. Fokin escribió que "sueña con crear un ballet-drama a partir de la diversión del ballet, de la danza, un lenguaje hablado comprensible". Y lo logró.

ana pavlova

En 1908 comenzaron las representaciones anuales de bailarines de ballet rusos en París, organizadas por figura teatral S. P. Diaghilev. Los nombres de los bailarines de Rusia, Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm, se hicieron conocidos en todo el mundo. Pero el primero de esta fila es el nombre de la incomparable Anna Pavlova.

Pavlova, lírica, frágil, con líneas corporales alargadas, ojos enormes, evocaba grabados que representaban bailarinas románticas. Sus heroínas transmitieron un sueño puramente ruso de una vida armoniosa y espiritualizada o el anhelo y la tristeza por una vida incumplida. "El cisne moribundo" gran bailarina Pavlova, es un símbolo poético del ballet ruso de principios del siglo XX.

Fue entonces, bajo la influencia de la habilidad de los artistas rusos, que el ballet occidental se sacudió y ganó un segundo impulso.

Después de la Revolución de Octubre de 1917, muchas figuras del teatro de ballet abandonaron Rusia, pero a pesar de esto, la escuela de ballet ruso sobrevivió. El patetismo del movimiento hacia una nueva vida, los temas revolucionarios y, lo que es más importante, el alcance de la experimentación creativa inspiró a los maestros de ballet. Su tarea era acercar el arte coreográfico a la gente, hacerlo más vital y accesible.

Así surgió el género del ballet dramático. Eran representaciones, por lo general basadas en las tramas de personajes famosos. obras literarias, que fueron construidos de acuerdo con las leyes actuación dramática. El contenido en ellos se presentó con la ayuda de pantomima y danza pictórica. A mediados del siglo XX, el ballet dramático estaba en crisis. Los coreógrafos intentaron preservar este género de ballet, mejorando el espectáculo de las actuaciones con la ayuda de efectos escénicos, pero, por desgracia, en vano.

A fines de la década de 1950, se produjo un punto de inflexión. Los coreógrafos y bailarines de una nueva generación han revivido géneros olvidados: ballet en un acto, ballet sinfónico, miniatura coreográfica. Y desde la década de 1970 han surgido compañías de ballet independientes, independientes de los teatros de ópera y ballet. Su número aumenta constantemente, entre ellos hay estudios de danza libre y danza moderna.

Todo comenzó hace más de quinientos años en el norte de Italia. fue el renacimiento señas de identidad cuales eran la laicidad de la cultura, el humanismo y el antropocentrismo, es decir, el interés, ante todo, por la persona y sus actividades.

Durante el Renacimiento, los príncipes italianos celebraban fiestas palaciegas, en las que la danza ocupaba un lugar importante. Sin embargo, las magníficas túnicas, al igual que los salones, no permitían el movimiento desorganizado. Por lo tanto, había maestros especiales, maestros de baile que ensayaban movimientos y figuras individuales con los nobles, para luego dirigir a los bailarines. Gradualmente, la danza se volvió más y más teatral, y la palabra "ballet" en sí significaba composiciones que no transmitían una trama, sino una propiedad o estado de carácter.

A finales del siglo XV, este tipo de ballet formaba parte del espectáculo creado por poetas famosos y artistas En 1496, Leonardo da Vinci diseñó los trajes de los bailarines e inventó los efectos escénicos para la fiesta del duque de Milán.

En 1494, cuando el rey Carlos VIII de Francia entró en Italia reclamando el trono de Nápoles, sus cortesanos quedaron impresionados por la habilidad de los profesores de danza italianos. Como resultado, los maestros de baile fueron invitados a la corte francesa. Al mismo tiempo, existía la necesidad de notación, un sistema para registrar la danza. El autor del primer sistema conocido fue Tuan Arbo. Grabó pasos de baile con signos musicales.

El desarrollo continuó en Francia...

La reina francesa Catalina de Médicis invitó al italiano Baldasarino di Belgiojoso (en Francia se llamaba Balthazar de Beaujoieux) a las representaciones de la corte. El ballet se consolidó entonces como un género, donde el drama, el "cuento cantado" (recitativo) y la danza formaban una acción continua. Se considera el primero en este género y el más famoso. "Circe, o el Ballet Comedia de la Reina", entregado en 1581. La trama fue tomada de la mitología antigua. Se realizaron bailes con magníficos disfraces y máscaras por damas nobles y nobles.

En el siglo XVI, como desarrollo música instrumental la técnica de la danza se volvió más complicada. En Francia XVII siglo, comenzaron a aparecer ballets de disfraces, y luego pomposos ballets melodramáticos sobre tramas caballerescas y fantásticas, donde los episodios de danza se intercalaban con arias vocales y recitación de poemas: "El ballet de Alcine" (1610), "El triunfo de Minerva" (1615). ), “La liberación de Rinaldo” (1617). Dichos ballets consistían en diferentes números, lo que hoy se parece al divertimento y, posteriormente, se convertirá en una de las formas estructurales importantes del futuro ballet.

Más tarde, el rey Luis XIII de Francia, aficionado a la danza y que recibió una excelente educación musical, fue el autor del espectáculo de ballet "Merlezon Ballet" (15 de marzo de 1635). La trama eran aventuras durante la caza de zorzales, uno de los pasatiempos favoritos del rey. El ballet constaba de 16 actos. Su Majestad no solo compuso el libreto, la música, la coreografía, los bocetos de escenografía y el vestuario, sino que también interpretó dos papeles: un comerciante de cebos y un campesino.

Los primeros pasos del arte joven. Gran Pierre Beauchamp

Las representaciones del ballet de la corte alcanzaron un esplendor especial durante la época del rey Luis XIV. Porque solo entonces el baile comenzó a realizarse de acuerdo con ciertas reglas. Fueron formulados por primera vez por el coreógrafo francés Pierre Beauchamp (1637-1705).

Su famoso apodo "Rey Sol" Luis XIV recibió después de interpretar el papel del Sol en el "Ballet de la Noche". Le encantaba bailar y participar en actuaciones. En 1661, abrió la Real Academia de Música y Danza, donde fueron invitados 13 destacados maestros de danza. Su deber era preservar las tradiciones de la danza.

El director de la academia, Pierre Beauchamp, escribió los cánones de la forma noble de la danza, cuya base era la eversión de las piernas (en dehors). Esta posición le dio al cuerpo humano la oportunidad de moverse libremente en lados diferentes. Dividió todos los movimientos en grupos: sentadillas (plié), saltos (swings, entresha, cabrioles, jette, la capacidad de colgar en un salto - elevación), rotaciones (piruetas, fouettes), posiciones del cuerpo (actitudes, arabescos). La ejecución de estos movimientos se realizaba sobre la base de cinco posiciones de las piernas y tres posiciones de las manos (port de bras). Todos los pasos de danza clásica se derivan de estas posiciones de pies y manos.

Su clasificación está viva hasta el día de hoy, y la terminología francesa se ha vuelto común para los artistas de todo el mundo, como el latín para los médicos.

Beauchamp hizo una contribución invaluable al ballet clásico al dividir los bailes en tres tipos principales: serios, semi-característicos y cómicos. La danza seria (el prototipo de la clásica moderna) requería un rigor académico de ejecución, belleza externa, gracia - incluso al borde de la afectación. Era una danza "noble" que se usaba para hacer el papel de un rey, dios, héroe mitológico. Semi-característico: bailes pastorales, peisan y fantásticos combinados, que debían representar las fuerzas de la naturaleza o las pasiones humanas personificadas. Las danzas de las furias, ninfas y sátiros también obedecían sus leyes. Finalmente, la danza cómica se destacó por su virtuosismo, permitiendo movimientos exagerados e improvisación. Era necesario para los bailes grotescos y exóticos que se encuentran en las comedias del teatro del clasicismo.

Así comenzó la formación del ballet, que siglo XVIII De interludios y divertimentos se convirtió en un arte independiente.

Primer teatro. primera compañía

Ganando cada vez más popularidad, el ballet se llenó de gente en los salones del palacio. Bajo la dirección de Beauchamp, se creó la Ópera de París, donde él era coreógrafo, pero las representaciones no diferían mucho de las representaciones anteriores. A ellos asistían los mismos cortesanos que interpretaban lentos minuetos, gavotas y pavanas. Los vestidos pesados, los zapatos de tacón alto y las máscaras impedían que las mujeres realizaran movimientos complejos. Luego, Pierre Beauchamp formó una compañía de ballet de solo bailarines masculinos. Sus bailes eran más graciosos y graciosos. Las mujeres aparecieron en el escenario de la Ópera de París solo en 1681. Grandes grupos de bailarines comenzaron a realizar movimientos complejos en sincronía y acompañaron a los solistas; el baile en solitario transmitió significativamente la altura de los personajes, la fuerza de las emociones; pareja de baile formado en un pas de deux. Altamente condicionada, gravitando hacia el virtuosismo, la danza dependía de la música y alcanzó los mismos derechos que ella en la práctica y la teoría.

La coreografía francesa se vio muy enriquecida por el dramaturgo Molière y el compositor J. B. Lully, quien primero colaboró ​​con Molière como coreógrafo y bailarín en las comedias-ballets Matrimonio involuntario (1664), Georges Dandin (1668) y El comerciante en la nobleza (1670). ). ). Habiéndose convertido en compositora, Lully creó el género de la tragedia musical, donde influyó la estética del clasicismo: la monumentalidad de las imágenes, la lógica clara del desarrollo, la severidad del gusto, la persecución de las formas. Acción tragedias líricas reforzado por procesiones plásticas y decorativas, pantomimas, danzas.

La reforma del teatro de ballet provocó un aumento en las habilidades interpretativas: aparecieron los bailarines L. Pecourt y J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine se convirtió en la primera bailarina profesional, actuando en la ópera-ballet Triumph of Love de Lully. Más tarde fue conocida como la "Reina de la Danza".

Se realizaban bailes serios con una falda ancha, que se sujetaba con aros de caña. Las puntas de sus zapatos se asomaron por debajo de ella. Los hombres usaban corazas de brocado y faldas cortas en marcos de caña, que se llamaban "barriles". Todos tenían tacones altos. Además, cubrían sus rostros con máscaras redondas de diferentes colores, según la naturaleza del personaje.

En los ballets semicaracterísticos, los trajes eran livianos, pero se agregaron atributos que caracterizan el baile: hoces, canastas, omóplatos, pieles de leopardo y otros. El vestuario para bailes cómicos no estaba tan estrictamente regulado: el director confiaba en la imaginación del artista.

Al mismo tiempo, nació todo un sistema de símbolos. Si un artista, por ejemplo, se acariciaba la frente con el canto de la mano, esto significaba una corona, es decir, rey; manos cruzadas sobre el pecho - "murió"; señaló el dedo anular de la mano - "Quiero casarme" o "casado"; imagen de la mano de movimientos ondulatorios - "navegado en un barco".

El ballet encanta a Europa

Simultáneamente con el desarrollo del ballet en todas las ciudades principales, comenzaron a aparecer sus propios teatros, coreógrafos e intérpretes. Entonces, el ballet regresó a su tierra natal, a Italia, donde en el siglo XVIII se había desarrollado su propio estilo de interpretación, que difería del manierismo francés en virtuosismo técnico y mayor inmediatez. francés y escuelas de italiano en el ballet clásico continuará por más de un siglo.

En el siglo XVII, apareció el ballet en los Países Bajos. En Inglaterra, por la revolución burguesa y la prohibición de los espectáculos teatro de ballet se desarrolló un poco más tarde, solo durante la restauración de la monarquía. En 1722, se estableció el primer teatro de la corte en Dinamarca, donde bailarines profesionales participaron en las comedias y ballets de Molière. y solo a finales del XVIII siglo, el ballet danés obtuvo su independencia. En el siglo XVIII, el ballet también existía en Alemania, Suecia y Holanda. Las formas de ejecución, que fueron tomadas de los italianos y los franceses, se enriquecieron con el color nacional.

El ballet llegó a Rusia más tarde que a otros países europeos, pero fue aquí donde lo encontró el apogeo, y esta es una historia de otros siglos, que merece un capítulo aparte.

Basado en la danza. Una actuación de ballet se basa en una historia llamada libreto. La pantomima juega un papel importante en el ballet. Con su ayuda, los bailarines transmiten sus sentimientos y la esencia de lo que está pasando.

tipos de ballet

Inicialmente, solo la danza clásica se llamaba ballet, pero gradualmente este concepto comenzó a extenderse a las danzas folclóricas, modernas, características, acrobáticas.

También hay un espectáculo de ballet con coloridos decorados y disfraces. Además, muy vista popular el arte es ballet sobre hielo, donde en lugar de zapatillas de ballet llamadas zapatillas de punta, se calzan patines, y los propios artistas son patinadores artísticos profesionales. El ballet es una forma de arte maravillosa, pero requiere una cierta cantidad de resistencia, buena salud, resistencia, fuerza de voluntad y diligencia. Para demostrar los movimientos elevados en el escenario, es necesario practicar todos los días en la sala de ballet.

origen del ballet

La palabra "ballet" proviene de la palabra latina ballo, que significa "yo bailo". Italia se considera el lugar de nacimiento de esta forma de arte. En el siglo XVI aparecieron las primeras escenas de danza. Después de algún tiempo, el ballet de la corte se hizo popular en Francia. Obras maestras como el ballet El lago de los cisnes aún estaban muy lejos, y las danzas que se representaban en los palacios se parecían poco al arte que ahora se puede ver en el escenario.

A fines del siglo XVIII, el traje de ballet se volvió más corto y aireado, y aparecieron los primeros zapatos de punta: zapatos profesionales para bailarinas.

Comienza la popularización del arte coreográfico, aparecen sus amantes, que asisten regularmente a las representaciones. En aquellos días, no había instituciones separadas que se llamaran teatro de ballet, pero se comenzó a prestar gran atención al arte de la danza. Los grandes compositores Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Minkus y otros comienzan a crear musica romantica para ballets. El primero completo actuaciones de ballet.

ballet en rusia

En Rusia, el público aprendió qué era el ballet en 1673. Luego, bajo el mando del zar Alexei Mikhailovich, tuvo lugar la primera representación de ballet. El maestro de ballet y coreógrafo francés Charles-Louis Didelot tuvo una gran influencia en el ballet ruso. Conectó la danza y la pantomima, dio gran importancia al cuerpo de baile y enfatizó los solos femeninos.

El maestro de ballet Marius Petipa fortaleció la escuela rusa de ballet, su nombre aún es conocido por los fanáticos del arte coreográfico. El final del siglo XIX en los círculos de ballet se llama la "era Petipa".

Luego, un nuevo nombre retumbó en Rusia, que había un gran impacto al mundo del ballet. Este es Mikhail Fokin. Se convirtió en un verdadero reformador e hizo cambios significativos en las actuaciones. Cambió la construcción tradicional del ballet y los patrones en la danza. Fokine revivió ballets románticos como Chopiniana. Su musa fue la incomparable bailarina Anna Pavlova. Su "Cisne moribundo" es un símbolo del ballet ruso de principios del siglo XX.

Actuación inmortal "El lago de los cisnes"

Pyotr Ilyich Tchaikovsky causó sensación en el mundo del ballet. Escribió música para varias representaciones de ballet, incluido el famoso ballet El lago de los cisnes. Esta obra de arte es bien conocida por todos, incluso por aquellos que están completamente alejados de la coreografía.

El ballet más popular del mundo se creó en 1876. Es difícil creer que las dos primeras producciones no tuvieron ninguna popularidad y no impresionaron a la audiencia. gran compositor durante su vida no encontró el éxito grandioso de su creación. Solo en 1895 se mostró el ballet revivido presentado por los coreógrafos Lev Ivanov y Marius Petipa en el escenario del Teatro Mariinsky. Fue Lev Ivanov quien revivió la actuación, montando primero el segundo acto, que incluía danza legendaria pequeños cisnes. A Marius Petipa le gustó su visión de la trama y comenzaron a trabajar juntos en la producción.

Una nueva version ballet "El lago de los cisnes" fue un éxito rotundo. La coreografía de los dos grandes coreógrafos es clásica, cualquier teatro de ópera y ballet del mundo definitivamente asignará a esta función el papel más importante de su repertorio.

ballet contemporáneo

Hablando de lo que es el ballet, no se puede dejar de mencionar las representaciones teatrales modernas, que se diferencian del ballet clásico en trajes más atrevidos y movimientos relajados. Si el clásico asume movimientos estrictos y claros, entonces el moderno representa una interpretación de danza más libre. En el ballet moderno han aparecido nuevos movimientos que se han vuelto más plásticos y acrobáticos. Los conocedores del ballet reaccionan de manera diferente a la innovación en la coreografía. Alguien todavía percibe solo los clásicos y cree que una verdadera actuación de ballet debería tener lugar solo en lugares como el Teatro de Ópera y Ballet, mientras que alguien cree que el ballet, como mundo moderno debe evolucionar y no permanecer en un solo lugar.

Esto es natural y natural, puedes aceptar este hecho o no, pero esto no se puede evitar. El ballet moderno es multifacético y de varios niveles, y muchos bailarines famosos están felices de participar en nuevas producciones en las que perfeccionan sus habilidades.

El futuro del ballet

¿Qué es el ballet? A muchas personas creativas les encanta y entienden los movimientos. Un verdadero amante del ballet no puede imaginar la vida sin danza. Algunos creen que las representaciones de ballet se crean solo para un aficionado y no entienden cuál es el punto. este arte. Sin embargo, ningún país del mundo se imagina vida cultural sin ballet es ese tipo las artes escénicas que vivirá para siempre. Cambiará, aparecerán nuevas producciones, nuevos coreógrafos y bailarines talentosos, nuevos conocedores y solo espectadores, pero su popularidad nunca desaparecerá, porque la danza es inmortal.