Pinturas de famosos artistas contemporáneos del mundo. Los artistas rusos contemporáneos merecen una mirada más cercana

"Paisaje Carretera Bosque de Abedules" 120x100
Espátula, óleo, lienzo.
Konstantin Loris-Melikov

arte del siglo XXI
— omnívoro,
cínico, irónico-sarcástico, democrático: llamado el declive de una gran era.

Los posmodernistas se encuentran en una situación en la que todo está dicho ante ellos. Y lo único que tienen que hacer es utilizar lo que han creado, mezclar estilos, crear, aunque no sea nuevo, pero sí arte reconocible...

las direcciones más brillantes:

1. Neorrealismo;


2. Arte minimalista;


3. posmoderno;


4. Hiperrealismo;


5. Instalación;


6. Ambiente;


7. Videoarte;


8. Pintada;


9. Transvanguardia;


10. Arte Corporal;


11. Stuckismo;


12. Neoplasticismo;


13. Arte callejero;


14. Arte correo;


15. Sin arte.

1. NEORREALISMO.
Éste es el arte de la Italia de posguerra, que luchó contra el pesimismo de posguerra.

El nuevo frente del arte unido
abstraccionistas y realistas y duró sólo 4 años. Pero de donde
De allí surgieron artistas famosos: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto.
Treccani. Representaban vívida y expresivamente a trabajadores y campesinos.

Han aparecido tendencias similares en otros
países, pero la escuela más llamativa es considerada la escuela del neorrealismo, que
Apareció en América gracias a los esfuerzos del monumentalista Diego Rivera.

Ver: Renato Guttuso

Frescos de Diego Rivera - Palacio Presidencial (Ciudad de México, México).

Detalle del fresco de Diego Rivera para el Hotel Prado de la Ciudad de México, “Un sueño de domingo en la Alameda”, 1948

2. ARTE MÍNIMO.
Ésta es la dirección del vanguardismo.
Utiliza formularios simples y excluye cualquier asociación.

Karl André, 1964

Esta tendencia apareció en EE.UU. al final
Años 60. Los minimalistas llamaron a Marcel Duchamp sus predecesores directos.
(ready-made), Piet Mondrian (neoplasticismo) y Kazimir Malevich
(Suprematismo), llamaron a su cuadrado negro la primera obra
arte minimalista.

Extremadamente simple y geométrico.
composiciones correctas: cajas de plástico, barras de metal,
conos: fabricados en empresas industriales según bocetos de artistas.

Mirar:

Obras de Donald Judd, Carl
Andre, Sol Levita – Museo Guggenheim (Nueva York, EE.UU.), Museo
arte contemporáneo (Nueva York, EE.UU.), Museo Metropolitano de Arte (Nueva York,
EE.UU).

3. POSMODERNO. Ésta es una larga lista de tendencias poco realistas de finales del siglo XX.

Vanchegi Mutu. Collage “Órganos genitales de una mujer adulta”, 2005

La ciclicidad es característica del arte, pero
La posmodernidad fue el primer ejemplo de la “negación de la negación”. En primer lugar
el modernismo rechazó a los clásicos, y luego el posmodernismo rechazó al modernismo, como
Anteriormente había rechazado los clásicos. Los posmodernistas regresaron a esas formas y
Estilos que existían antes del modernismo, pero en un nivel superior.

El posmodernismo es un producto de la época.
las últimas tecnologías. Por tanto, su rasgo característico es la mezcla
estilos, imágenes, diferentes épocas y subculturas. Lo principal para los posmodernistas.
se convirtió en cita, hábil malabarismo entre citas.

Ver: Tate Gallery (Londres,
Reino Unido), Museo Nacional de Arte Moderno Centro Pompidou
(París, Francia), Museo Guggenheim (Nueva York, EE.UU.).

HIPERREALISMO. Arte que imita la fotografía.

Chuck cerca. "Roberto", 1974

Este arte también se llama Superrealismo,
Fotorrealismo, Realismo Radical o Realismo Frío. Esto apareció
dirección en Estados Unidos en los años 60 y 10 años más tarde se generalizó en
Europa.

Hiperrealismo, fotorrealismo, Don Eddie,

Los artistas de este movimiento son exactamente
Copia el mundo tal y como lo vemos en la foto. En las obras de los artistas.
Se puede leer cierta ironía sobre el producto hecho por el hombre. Los artistas representan principalmente
Historias de la vida de una metrópolis moderna.

Richard Estes- Me encanta representar reflejos de la metrópoli en escaparates, en el capó de un coche o en la barra de un café.

Mirar:

obras de Chuck Close, Don Eddie, Richard Estes - Museo Metropolitano de Arte, Museo Guggenheim (Nueva York, EE. UU.), Museo de Brooklyn (EE. UU.).

5. INSTALACIÓN.
Esta es una composición en una galería que se puede crear a partir de cualquier cosa, lo principal es que hay un subtexto y una idea.

Fuente (Duchamp)

Lo más probable es que esto no suceda
direcciones, si no fuera por el icónico urinario de Duchamp. Nombres de los principales del mundo.
Instaladores: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis y Kabakov.

"Jim cenar. De la colección del Centro Pompidou"

Lo principal en la instalación es el subtexto y el espacio donde los artistas chocan con objetos banales.

Mirar:
Tate Modern (Londres, Reino Unido), Museo Guggenheim (Nueva York, EE.UU.).

6. MEDIO AMBIENTE.

Este es el arte de crear una composición tridimensional que emule un entorno real.

Como movimiento en el arte del Medio Ambiente
Apareció allá por los años 20 del siglo XX. Unos adelantados a su tiempo
décadas, el artista dadaísta, cuando presentó al público su
la obra “Merz-building” es una estructura tridimensional hecha de varios objetos y
Materiales, no aptos para otra cosa que la contemplación.

Eduardo Kienholz

Medio siglo después, este género se convirtió
Edward Kienholz y George Siegel trabajaron y tuvieron éxito. en tu trabajo
necesariamente introdujeron un elemento impactante de fantasía delirante.

Mirar:
obras de Edward Kienholz y George Siegel
— Museo de Arte Contemporáneo (Estocolmo, Suecia).

7. VIDEOARTE.

Esta tendencia surgió en el último tercio del siglo XX gracias a la llegada de las videocámaras portátiles.

Este es otro intento de devolver el arte a
realidad, pero ahora con la ayuda del vídeo y la tecnología informática.
La estadounidense Nam June Paik grabó un vídeo del Papa pasando por las calles
Nueva York y se convirtió en el primer videoartista.

Los experimentos de Nam June Paik influyeron
televisión, vídeos musicales (fue el fundador del canal MTV),
Efectos informáticos en el cine. Las obras de June Pike, Bill Viola lo hizo
la dirección de arte es un campo de actividad para la experimentación. Pusieron
el inicio de las “videoesculturas”, las “videoinstalaciones” y las “videoóperas”.

Mirar:
Videoarte, que va desde lo psicodélico hasta lo social.
(popular en China, Chen-che-yen en Youtube.com)

8. GRAFITI.

Inscripciones y dibujos en las paredes de las casas, llevando un mensaje atrevido.

Apareció por primera vez en los años 70 en el Norte.
America. En su aparición participaron galeristas de uno de los distritos.
Manhattan. Se convirtieron en mecenas de la creatividad de quienes vivían al lado de ellos.
Puertorriqueños y jamaicanos. El graffiti combina elementos urbanos.
subcultura y etnia.

el genio del arte pop Keith Haring

Nombres de la historia del graffiti: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Mathom, Kenny Scharf. Personalidad notoria
- El grafitero británico Banksy. Hay postales con sus obras en todas
Tiendas de souvenirs británicas

Mirar:
Graffiti Museum (Nueva York, EE. UU.), obras de Banksy - en el sitio web banking.co.uk.

9. TRANSVANGUARDIA.
Una de las tendencias de la pintura posmoderna. Combina el pasado, la nueva pintura y la expresividad.

Obra del artista transvanguardista Alexander Roitburd

El autor del término transvanguardia es
crítico contemporáneo Bonito Oliva. Con este término definió la creatividad.
5 de sus compatriotas: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicoló de María. Su creatividad se caracteriza por:
combinación de estilos clásicos, falta de apego a lo nacional
escuela, centrarse en el placer estético y la dinámica.

Francesco Clemente en Schirn (Frankfurt)

Ver: Museo de la Colección Peggy
Guggenheim (Venecia, Italia), Museo de Arte Moderno del Palazzo
(Venecia, Italia), Galería de Arte Contemporáneo (Milán, Italia)

10. ARTE CORPORAL.

Una de las direcciones del accionismo. El cuerpo actúa como un lienzo.

El arte corporal es una de las manifestaciones de la cultura punk de los años 70.
Directamente relacionado con la moda de entonces del tatuaje y el nudismo.

Se crean imágenes vivas justo delante de
espectadores, grabados en vídeo y luego difundidos en la galería. bruce
Nauman representando el urinario de Duchamp en la galería. Dúo Gilbert y
George son esculturas vivientes. Retrataban el tipo de inglés medio.

Ver: por ejemplo, en la web del artista Orlan orlan.eu.

11. APILISMO.

Asociación de arte británica para la pintura figurativa. Se opuso a los conceptualistas.

La primera exposición fue en Londres en 2007,
como una protesta contra la galería Tate. Según una versión, protestaron en
en relación con la compra por parte de la galería de obras de artistas eludiendo la ley. Ruido
Atrajo la atención sobre los Stuckistas en la prensa. Ahora en el mundo hay
más de 120 artistas. Su lema: un artista que no dibuja no es un artista.

Billy Infantil. Borde del bosque"

El término Stuckismo fue propuesto por Thomson.
La artista Tracey Emin exclamó sobre su novio Billy
Childisha: ¡tu cuadro está atascado, atascado, atascado! (ing. ¡Atascado!
¡Atascado! ¡Pila!)

Mirar:
en el sitio web de Stuckist,stickism.com.
Obras de Charlie Thomson y Billy Childish en la Tate Gallery (Londres, Reino Unido).

12. NEOPLASTICISMO.
Arte abstracto. La intersección de líneas perpendiculares de 3 colores.

El ideólogo de la dirección es el holandés Piet.

Mondrian. Consideraba el mundo una ilusión, por eso la tarea del artista es limpiar
pintar desde formas sensuales (figurativas) en nombre de la estética
formas (abstractas).

El artista sugirió hacer esto.
lo más concisamente posible usando 3 colores: azul, rojo y
amarillo. Llenaron los espacios entre líneas perpendiculares.

Piet Mondrian. Rojo, amarillo, azul y negro.

El neoplasticismo todavía inspira a diseñadores, arquitectos y artistas gráficos industriales.

Mirar:
obras de Piet Mondrian y Theo Vannoy Doesburg en el Museo Municipal de La Haya.

13. ARTE CALLEJERO.

Arte para el que la ciudad es una exposición o un lienzo

El objetivo de un artista callejero: entablar instantáneamente un diálogo con un transeúnte con la ayuda de su instalación, escultura, cartel o plantilla.

El arte está en constante evolución, como todo el mundo que nos rodea. Los artistas modernos del siglo XXI y sus pinturas no se parecen en nada a las que existieron en la Edad Media y el Renacimiento. Aparecen nuevos nombres, materiales, géneros y formas de expresar los talentos. En esta calificación conoceremos a diez artistas innovadores de nuestro tiempo.

10. Pedro Campos. En décimo lugar está un español, cuyo pincel puede competir fácilmente con una cámara, pinta lienzos tan realistas. En su mayor parte, crea naturalezas muertas, pero no son tanto los temas de sus pinturas los que inspiran una admiración asombrosa, sino su ejecución magistral. Texturas, reflejos, profundidad, perspectiva, volumen: Pedro Campos subordinó todo esto a su pincel, de modo que la realidad, y no la ficción, mirara al espectador desde el lienzo. Sin adornos, sin romanticismo, sólo realidad, este es precisamente el significado del género fotorrealista. Por cierto, la atención al detalle y la escrupulosidad del artista la adquirió trabajando como restaurador.

9. Richard Estes. Otro fanático del género fotorrealista, Richard Estes, comenzó con la pintura ordinaria, pero luego se dedicó a pintar paisajes urbanos. Los artistas de hoy y sus creaciones no necesitan adaptarse a nadie, y esto es maravilloso, cada uno puede expresarse como quiera en lo que quiera. Como en el caso de Pedro Campos, la obra de este maestro se puede confundir fácilmente con fotografías, ya que la ciudad que se ve en ellas se parece mucho a la real. Rara vez se ven personas en las pinturas de Estes, pero casi siempre hay reflejos, reflejos, líneas paralelas y una composición perfecta e ideal. Así, no se limita a esbozar el paisaje de la ciudad, sino que encuentra en él la perfección y trata de mostrarlo.

8. Kevin Sloan. Hay una cantidad increíble de artistas contemporáneos del siglo XXI y sus pinturas, pero no todos merecen atención. El estadounidense Kevin Sloan se destaca porque sus obras parecen transportar al espectador a otra dimensión, un mundo lleno de alegorías, significados ocultos y enigmas metafóricos. Al artista le gusta pintar animales porque, en su opinión, así tiene más libertad para transmitir la historia que con las personas. Sloan ha estado creando su “realidad con trampa” en óleos durante casi 40 años. Muy a menudo aparece un reloj en los lienzos: lo mira un elefante o un pulpo; esta imagen puede interpretarse como el paso del tiempo o como las limitaciones de la vida. Cada una de las pinturas de Sloan sorprende la imaginación, quieres descubrir qué quería transmitirle el autor.

7. Laurent Parselier. Este pintor es uno de esos artistas contemporáneos del siglo XXI cuyas pinturas recibieron reconocimiento temprano, incluso durante sus estudios. El talento de Laurent se manifestó en álbumes publicados bajo el título general "Strange World". Pinta al óleo, su estilo es ligero y tiende al realismo. Un rasgo característico de las obras del artista es la abundancia de luz que parece brotar de los lienzos. Por regla general, representa paisajes y algunos lugares reconocibles. Todas las obras son inusualmente luminosas y aireadas, llenas de sol, frescura y aliento.

6. Jeremy Mann. El nativo de San Francisco amaba su ciudad y la representaba con mayor frecuencia en sus pinturas. Los artistas modernos del siglo XXI pueden encontrar inspiración para sus pinturas en cualquier lugar: bajo la lluvia, en las aceras mojadas, en los carteles de neón, en las farolas de la ciudad. Jeremy Mann imbuye paisajes simples con estado de ánimo, historia y experimentos con técnicas y opciones de color. El material principal del maná es el petróleo.

5. Hans Rudolf Giger. En quinto lugar está el inimitable y único Hans Giger, el creador de Alien de la película del mismo nombre. Los artistas actuales y sus obras son diversos, pero cada uno es brillante a su manera. Este suizo sombrío no pinta naturaleza ni animales, prefiere la pintura “biomecánica”, en la que destaca. Algunos comparan al artista con El Bosco por la tristeza y la fantasía de sus pinturas. Aunque las pinturas de Giger emanan algo sobrenatural y peligroso, no se puede negar su técnica y habilidad: está atento a los detalles, selecciona los tonos de manera competente, piensa en todo hasta el más mínimo detalle.

4. Will Barnett. Este artista tiene su propio estilo de autor único, por lo que sus obras son fácilmente aceptadas por los grandes museos del mundo: el Museo Metropolitano de Arte, la Galería Nacional de Arte, el Museo Británico, el Museo Ashmolean y el Museo Vaticano. Los artistas contemporáneos del siglo XXI y sus obras, para ser reconocidos, deben de alguna manera destacarse del resto de las masas. Y Will Barnett puede hacerlo. Sus obras son gráficas y contrastantes; a menudo representa gatos, pájaros y mujeres. A primera vista, las pinturas de Barnett son sencillas, pero al examinarlas más detenidamente se da cuenta de que su genialidad reside en esa sencillez.

3. Neil Simón. Se trata de uno de los artistas contemporáneos del siglo XXI, cuyas obras no son tan sencillas como parecen a primera vista. Es como si los límites entre los sujetos y las obras de Neil Simon fueran borrosos; fluyen de uno a otro, arrastrando al espectador con ellos, atrayéndolo al mundo ilusorio del artista. Las creaciones de Simon se caracterizan por colores brillantes y saturados, lo que les da energía y fuerza y ​​evoca una respuesta emocional. Al maestro le encanta jugar con la perspectiva, el tamaño de los objetos, con combinaciones inusuales y formas inesperadas. Hay mucha geometría en las obras del artista, que se combina con paisajes naturales, como si estallara por dentro, pero no destruyera, sino que se complementara armoniosamente.

2. Ígor Morski. El artista actual del siglo XXI y sus pinturas a menudo se comparan con el gran genio Salvador Dalí. Las obras del maestro polaco son impredecibles, misteriosas, apasionantes, evocan una fuerte respuesta emocional y, a veces, locas. Como cualquier otro surrealista, no se esfuerza en mostrar la realidad tal como es, sino que muestra facetas que nunca veremos en la vida. Muy a menudo, el personaje principal de las obras de Morski es una persona con todos sus miedos, pasiones y defectos. Además, las metáforas en las obras de este surrealista a menudo tienen que ver con el poder. Por supuesto, este no es un artista cuya obra colgarías encima de tu cama, sino uno cuya exposición definitivamente vale la pena visitar.

1. Yayoi Kusama. Entonces, en primer lugar en nuestro ranking está una artista japonesa que ha logrado un éxito increíble en todo el mundo, a pesar de que padece algunas enfermedades mentales. La característica principal del artista son los lunares. Cubre todo lo que ve con círculos de varias formas y tamaños, llamándolo todo redes infinitas. Las exposiciones e instalaciones interactivas de Kusama son un éxito, porque a veces todo el mundo quiere (aunque no lo admita) estar dentro del mundo psicodélico de alucinaciones, espontaneidad infantil, fantasías y círculos coloridos. Entre los artistas contemporáneos del siglo XXI y sus pinturas, Yayoi Kusama es la más vendida.

El ranking de las obras más caras de artistas vivos es una construcción que dice mucho menos sobre el papel y el lugar del artista en la historia del arte que sobre la edad y la salud.

Las reglas para elaborar nuestra calificación son simples: en primer lugar, sólo se tienen en cuenta las transacciones con obras de autores vivos; en segundo lugar, sólo se tienen en cuenta las ventas en subasta pública; y en tercer lugar, se observa la regla “un artista, una obra” (si en la clasificación de obras dos registros pertenecen a Jones, solo queda el más caro y el resto no se tiene en cuenta). La clasificación se realiza en términos de dólares (al tipo de cambio de la fecha de venta).

1. JEFF KOONS Conejo. 1986. $91.075 millones

Cuanto más observas la carrera en subastas de Jeff Koons (1955), más te convences de que nada es imposible para el arte pop. Puedes admirar las esculturas de Koons en forma de juguetes con globos, o puedes considerarlas kitsch y de mal gusto: tienes razón. Una cosa no se puede negar: las instalaciones de Jeff Koons cuestan enormes cantidades de dinero.

Jeff Koons comenzó su camino hacia la fama como el artista vivo más exitoso del mundo en 2007, cuando su gigantesca instalación de metal "Hanging Heart" fue comprada por 23,6 millones de dólares en Sotheby's por la galería de Larry Gagosian, que representa a Koons. (a la prensa que esto redundaba en interés del multimillonario ucraniano Viktor Pinchuk). La galería adquirió no sólo una instalación, sino, de hecho, una obra de joyería. Aunque la obra no estaba hecha de oro (el material era inoxidable acero) y era claramente más grande que un colgante normal (la escultura mide 2,7 m de altura y pesa 1.600 kg), pero tiene un propósito similar: se dedicaron más de seis mil quinientas horas a producir la composición con un corazón. Se cubrió con diez capas de pintura, por lo que se pagaron enormes sumas de dinero por su espectacular “decoración”.

La siguiente fue la venta de “Balloon Flower” en color púrpura por £12,92 millones ($25,8 millones) en la subasta de Christie's en Londres el 30 de junio de 2008. Curiosamente, siete años antes, los anteriores propietarios de “Flor” compraron la obra por 1,1 millones de dólares, y es fácil calcular que durante este tiempo su precio de mercado se multiplicó por casi 25.

La caída del mercado del arte en 2008-2009 dio a los escépticos motivos para quejarse de que la moda de Koons había pasado. Pero se equivocaron: junto con el mercado del arte, revivió el interés por las obras de Koons. El sucesor de Andy Warhol como rey del arte pop actualizó su récord personal en noviembre de 2012 con la venta en Christie's de una escultura multicolor "Tulips" de la serie "Celebration" por 33,7 millones de dólares, comisión incluida.

Pero los "tulipanes" eran "flores" en sentido literal y figurado. Un año más tarde, en noviembre de 2013, se puso a la venta la escultura de acero inoxidable “Balloon Dog (Orange)”: ¡el precio de remate ascendió a 58,4 millones de dólares! Una suma fabulosa para un artista vivo. Una obra de un autor contemporáneo se vendía por el precio de un cuadro de Van Gogh o Picasso. Estas ya eran bayas...

Con este resultado, Koons reinó durante varios años en lo más alto del ranking de artistas vivos. En noviembre de 2018, fue superado brevemente por David Hockney (ver segundo puesto en nuestro ranking). Pero apenas seis meses después, todo volvió a la normalidad: el 15 de mayo de 2019, en Nueva York, en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's, se puso a la venta una escultura de libro de texto para Koons de 1986: una plata ". Rabbit” fabricado en acero inoxidable, imitando un globo de forma similar.

En total, Koons creó 3 chistes de este tipo más una copia original. La subasta incluyó una copia de "Rabbit" número 2, de la colección de la editorial de culto Cy Newhouse, copropietaria de la editorial Condé Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). El "Conejo" plateado fue comprado por el "padre del glamour" Cy Newhouse en 1992 por una suma impresionante para los estándares de aquellos años: 1 millón de dólares. Después de 27 años de lucha entre 10 postores, el precio de remate de la escultura fue 80 veces mayor que el precio de venta anterior. Y teniendo en cuenta la comisión del Buyer’s Premium, el resultado final fue de 91.075 millones de dólares, un récord para todos los artistas vivos.

2. DAVID HOCKNEY Retrato del artista. Piscina con dos figuras. 1972. $90.312.500

David Hockney (1937) es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX. En 2011, según una encuesta realizada entre miles de artistas y escultores británicos profesionales, David Hockney fue elegido el artista británico más influyente de todos los tiempos. Al mismo tiempo, Hockney venció a maestros como William Turner y Francis Bacon. Su obra suele clasificarse como arte pop, aunque en sus primeras obras se inclinó más hacia el expresionismo en el espíritu de Francis Bacon.

David Hockney nació y creció en Inglaterra, en el condado de Yorkshire. La madre del futuro artista mantuvo a la familia en un rigor puritano, y su padre, un simple contable que se dedicaba a dibujar como aficionado, animó a su hijo a dedicarse a la pintura. Cuando tenía veinte años, David se mudó a California, donde vivió durante un total de unas tres décadas. Todavía tiene dos talleres allí. Hockney convirtió a los héroes de sus obras en los ricos locales, con sus villas, piscinas y jardines bañados por el sol de California. Una de sus obras más famosas del período americano, el cuadro "Splash", es la imagen de un haz de salpicaduras que emerge de una piscina después de que un hombre saltara al agua. Para representar esta gavilla, que “vive” no más de dos segundos, Hockney trabajó durante dos semanas. Por cierto, este cuadro se vendió en Sotheby's en 2006 por 5,4 millones de dólares y durante algún tiempo fue considerado su obra más cara.

Hockney (1937) ya tiene más de ochenta años, pero todavía trabaja e incluso inventa nuevas técnicas artísticas utilizando innovaciones técnicas. Una vez se le ocurrió la idea de hacer enormes collages con Polaroids, imprimió sus obras en máquinas de fax y hoy el artista domina con entusiasmo el dibujo en el iPad. Las pinturas dibujadas sobre tablilla ocupan un lugar digno en sus exposiciones.

En 2005, Hockney finalmente regresó de Estados Unidos a Inglaterra. Ahora pinta al aire libre y en el estudio paisajes enormes (a menudo compuestos por varias partes) de bosques y brezales locales. Según Hockney, durante los 30 años que pasó en California, se desacostumbró tanto al simple cambio de estaciones que realmente lo fascina y fascina. Ciclos enteros de sus obras recientes están dedicados, por ejemplo, al mismo paisaje en diferentes épocas del año.

En 2018, los precios de las pinturas de Hockney superaron varias veces la marca de los 10 millones de dólares. Y el 15 de noviembre de 2018, Christie's registró un nuevo récord absoluto para la obra de un artista vivo: 90.312.500 dólares por el cuadro "Retrato de un artista (piscina con dos figuras)".

3. GERHARD RICHTER Pintura abstracta. 1986. 46,3 millones de dólares

Clásico vivo Gerhard Richter (1932) ocupa el segundo lugar en nuestro ranking. El artista alemán era líder entre sus colegas vivos hasta que se batió el récord de 58 millones de Jeff Koons. Pero es poco probable que esta circunstancia afecte la ya férrea autoridad de Richter en el mercado del arte. A finales de 2012, el volumen de ventas anual en subastas del artista alemán es sólo superado por el de Andy Warhol y Pablo Picasso.

Durante muchos años, nada presagiaba el éxito que ahora ha tenido Richter. Durante décadas, el artista ocupó un lugar modesto en el mercado del arte contemporáneo y no buscó en absoluto la fama. Podemos decir que la fama lo superó por sí sola. Muchos consideran que el punto de partida es la compra por parte del Museo MoMA de Nueva York en 1995 de una serie de obras de Richter “18 de octubre de 1977”. El museo estadounidense pagó 3 millones de dólares por 15 cuadros en tonos grises y pronto empezó a pensar en realizar una retrospectiva completa del artista alemán. La grandiosa exposición se inauguró seis años después, en 2001, y desde entonces el interés por la obra de Richter ha crecido a pasos agigantados. De 2004 a 2008, los precios de sus cuadros se triplicaron. En 2010, las obras de Richter ya recaudaron 76,9 millones de dólares; en 2011, según el sitio web Artnet, las obras de Richter en subastas ganaron un total de 200 millones de dólares, y en 2012 (según Artprice) - 262,7 millones de dólares - más que la obra de cualquier otro artista vivo.

Mientras que, por ejemplo, el abrumador éxito de Jasper Johns en las subastas acompaña principalmente sólo a sus primeras obras, una división tan marcada no es típica de las obras de Richter: la demanda es igualmente estable para cosas de diferentes períodos creativos, de las cuales había muchas en La carrera de Richter. Durante los últimos sesenta años, este artista se ha esforzado en casi todos los géneros pictóricos tradicionales: retrato, paisaje, marina, desnudo, naturaleza muerta y, por supuesto, abstracción.

La historia de los discos de subasta de Richter comenzó con una serie de naturalezas muertas "Velas". 27 imágenes fotorrealistas de velas de principios de los años 80, durante el período en que fueron pintadas, costaban sólo 15.000 marcos alemanes (5.800 dólares) por obra. Pero todavía nadie compró “Velas” en su primera exposición en la galería Max Hetzler de Stuttgart. Entonces el tema de las pinturas se llamó anticuado; hoy “Velas” es considerada una obra de todos los tiempos. Y cuestan millones de dólares.

En febrero de 2008, "Vela", escrito en 1983, fue comprado inesperadamente por £ 7,97 millones ($16 millones). Este récord personal duró tres años y medio. Entonces en octubre de 2011 otro "Vela" (1982) fue subastado en Christie's por £ 10,46 millones ($16,48 millones). Con este disco, Gerhard Richter entró por primera vez entre los tres artistas vivos más exitosos, ocupando su lugar detrás de Jasper Johns y Jeff Koons.

Entonces comenzó la marcha victoriosa de las “Pinturas abstractas” de Richter. El artista pinta estas obras utilizando su técnica única: aplica una mezcla de pinturas simples sobre un fondo claro y luego, usando un raspador largo del tamaño del parachoques de un automóvil, las unta sobre el lienzo. Esto produce intrincadas transiciones de color, manchas y rayas. Examinar la superficie de sus “Pinturas abstractas” es como una excavación: en ellas, a través de los huecos de numerosas capas de colores, se pueden ver huellas de varias “figuras”.

9 de noviembre de 2011 en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Sotheby's, una subasta a gran escala "pintura abstracta (849-3)" 1997 quedó bajo el martillo por 20,8 millones de dólares (£13,2 millones). Y seis meses después, 8 de mayo de 2012 en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra en Christie's en Nueva York "pintura abstracta (798-3)" 1993 batió récord 21,8 millones de dólares(incluida la comisión). Cinco meses después, otro récord: "pintura abstracta (809-4)" de la colección del músico de rock Eric Clapton el 12 de octubre de 2012 en Sotheby's en Londres fue subastado por £ 21,3 millones (34,2 millones de dólares). Richter superó la barrera de los 30 millones con tanta facilidad, como si no estuviéramos hablando de pintura moderna, sino de obras maestras que ya tienen cien años, nada menos. Aunque en el caso de Richter, parece que la inclusión en el panteón de los “grandes” se produjo en vida del artista. Los precios de las obras del alemán siguen subiendo.

El siguiente disco de Richter perteneció a una obra fotorrealista: paisaje "Plaza de la Catedral de Milán (Domplatz, Mailand)" 1968. La obra fue vendida por 37,1 millones en la subasta de Sotheby's 14 de mayo de 2013. La vista de la plaza más bella fue pintada por un artista alemán en 1968 por encargo de Siemens Electro, especialmente para la oficina de Milán de la empresa. En el momento de su redacción, era la obra figurativa más grande de Richter (mide casi tres por tres metros).

El récord de la Plaza de la Catedral duró casi dos años, hasta 10 de febrero de 2015 no lo interrumpió "Pintura abstracta" ( 1986): El precio de remate alcanza las libras esterlinas. 30.389 millones ($46,3 millones). La "Pintura abstracta", que mide 300,5 × 250,5 cm, subastada en Sotheby's, es una de las primeras obras a gran escala de Richter con su técnica especial de autor de raspar capas de pintura. La última vez, en 1999, esta “pintura abstracta” fue comprada en una subasta por 607 mil dólares (desde este año hasta la venta actual, la obra se exhibió en el Museo Ludwig de Colonia). En la subasta del 10 de febrero de 2015, un cliente americano alcanzó en subasta 2 millones de libras un precio de remate de 46,3 millones de dólares, es decir, ¡desde 1999 el precio de la obra ha aumentado más de 76 veces!

4. CUI ZHUZHO “Grandes Montañas Nevadas”. 2013. $39.577 millones.

Durante mucho tiempo no seguimos de cerca la evolución de la situación en el mercado del arte chino, porque no queríamos sobrecargar a nuestros lectores con demasiada información sobre arte que “no es nuestro”. Con la excepción del disidente Ai Weiwei, ni siquiera tan caro como artista resonante, los autores chinos nos parecían demasiado numerosos y lejanos para ahondar en lo que ocurría en su mercado. Pero las estadísticas, como dicen, son serias, y si hablamos de los autores vivos más exitosos del mundo, todavía no podemos prescindir de una historia sobre los destacados representantes del arte contemporáneo en el Imperio Celeste.

Empecemos por el artista chino. Cui Ruzhuo. El artista nació en 1944 en Beijing y vivió en Estados Unidos de 1981 a 1996. Después de regresar a China, comenzó a enseñar en la Academia Nacional de las Artes. Cui Ruzhuo reinterpreta el estilo tradicional chino de pintura con tinta y crea enormes pinturas en pergamino que a los empresarios y funcionarios chinos les encanta regalarse unos a otros. En Occidente, se sabe muy poco sobre él, aunque muchos deben recordar la historia del pergamino valorado en 3,7 millones de dólares, que fue arrojado por error por los limpiadores de un hotel de Hong Kong, confundiéndolo con basura. Entonces, fue precisamente el pergamino de Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ya tiene más de 70 años y el mercado para su trabajo está prosperando. Más de 60 obras de este artista han superado el millón de dólares, aunque hasta ahora sus obras sólo han logrado éxito en las subastas chinas. Los récords de Cui Ruzhuo son realmente impresionantes. primero el "paisaje en la nieve" en la subasta Poly en Hong Kong 7 de abril de 2014 logró un precio de remate de 184 millones de dólares de Hong Kong ( 23,7 millones de dólares estadounidenses).

Exactamente un año después 6 de abril de 2015, en una subasta especial de Poly en Hong Kong dedicada exclusivamente a las obras de Cui Ruzhuo, serie "El gran paisaje nevado de la montaña Jiangnan"(Jiangnan es una región histórica de China que ocupa la margen derecha del curso inferior del Yangtze.) de ocho paisajes en tinta sobre papel alcanzó un precio de remate de 236 millones de dólares de Hong Kong ( 30.444 millones de dólares estadounidenses).

Un año después, la historia se repitió nuevamente en la subasta individual de Cui Ruzhuo realizada por Poly Auctions en Hong Kong. 4 de abril de 2016 políptico de seis partes "Grandes Montañas Nevadas" En 2013 se alcanzó un precio de remate (incluida la comisión de la casa de subastas) de HKD 306 millones. (39,577 millones de dólares estadounidenses)). Hasta el momento, se trata de un récord absoluto entre los artistas asiáticos vivos.

Según el comerciante de arte Johnson Chan, que trabaja con arte contemporáneo chino desde hace 30 años, existe un deseo incondicional de subir los precios de la obra de este autor, pero todo esto sucede a un nivel de precios que los coleccionistas experimentados difícilmente querrán. para comprar cualquier cosa. “Los chinos quieren aumentar las calificaciones de sus artistas inflando los precios de sus obras en grandes subastas internacionales como la organizada por Poly en Hong Kong, pero no hay duda de que estas calificaciones son completamente inventadas”, comenta Johnson Chan sobre Cui. El último disco de Ruzhuo.

Por supuesto, esto es sólo la opinión de un distribuidor individual, pero tenemos un historial real registrado en todas las bases de datos. Así que lo tendremos en cuenta. El propio Cui Ruzhuo, a juzgar por sus declaraciones, está lejos de la modestia de Gerhard Richter en lo que respecta a sus éxitos en las subastas. Parece que esta carrera por los récords le fascina seriamente. “Espero que en los próximos 5 a 10 años los precios de mis obras superen los precios de las obras de maestros occidentales como Picasso y Van Gogh. Éste es el sueño chino”, afirma Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Bandera. 1983. 36 millones de dólares

El tercer lugar en el ranking de artistas vivos pertenece a un estadounidense Jasper Johns (1930). El precio récord actual por el trabajo de Jones es de $ 36 millones. Pagaron tanto por su famoso "Bandera" en la subasta de Christie 12 de noviembre de 2014.

La serie de pinturas "banderas", iniciada por Jones a mediados de la década de 1950, inmediatamente después de que el artista regresara del ejército, se convirtió en una de las centrales de su obra. Ya en su juventud, el artista se interesó por la idea del readymade, la transformación de un objeto cotidiano en una obra de arte. Sin embargo, las banderas de Jones no eran reales, estaban pintadas al óleo sobre lienzo. Así, la obra de arte adquirió las propiedades de una cosa de la vida ordinaria; era al mismo tiempo imagen de la bandera y la bandera misma. Una serie de trabajos con banderas le dieron fama mundial a Jasper Johns. Pero sus obras abstractas no son menos populares. Durante muchos años, la lista de las obras más caras, compilada de acuerdo con las reglas anteriores, estuvo encabezada por su resumen. "Inicio en falso". Hasta 2007, se consideraba que este lienzo muy brillante y decorativo, pintado por Jones en 1959, tenía un precio casi inaccesible para un artista vivo (incluso un clásico de toda la vida): $ 17 millones. Eso es lo que pagaron en oro para el mercado del arte. 1988.

Curiosamente, el mandato de Jasper Johns como poseedor del récord no fue continuo. En 1989, fue interrumpido por el trabajo de su colega Willem de Kooning: la abstracción de dos metros "Blending" se vendió en Sotheby's por 20,7 millones de dólares. Jasper Johns tuvo que mudarse. Pero ocho años después, en 1997, De Kooning murió. y “ False Start de Jones volvió a ocupar el primer lugar en el ranking de subastas de artistas vivos durante casi 10 años.

Pero en 2007 todo cambió. El récord de False Start fue eclipsado por primera vez por las obras de los jóvenes y ambiciosos Damien Hirst y Jeff Koons. Luego hubo una venta récord por 33,6 millones de dólares del cuadro “El inspector de beneficios durmientes” de Lucien Freud (ya fallecido y, por lo tanto, no participa en esta clasificación). Entonces comenzaron los discos de Gerhard Richter. En general, hasta ahora, con un récord actual de 36 millones, Jasper Johns, uno de los maestros del arte estadounidense de posguerra, que trabaja en la intersección del neodadaísmo, el expresionismo abstracto y el arte pop, ocupa el honorable tercer lugar.

6. ED RUSHEY Aplastar. 1963. 30,4 millones de dólares

El repentino éxito del cuadro “Smash” del artista estadounidense Edward Rushay (n. 1937) en la subasta Christie's 12 de noviembre de 2014 convirtió a este autor en uno de los artistas vivos más caros. El precio récord anterior por la obra de Ed Rusha (el apellido Ruscha a menudo se pronuncia en ruso como “Rusha”, pero la pronunciación correcta es Rusha) fue de “sólo” 6,98 millones de dólares: esa cantidad se pagó por su lienzo “The Burning Gas” Estación” en 2007. Siete años despues "Aplastar" con una estimación de entre 15 y 20 millones de dólares alcanzó el precio de remate 30,4 millones de dólares. Es obvio que el mercado de las obras de este autor ha alcanzado un nuevo nivel: no en vano Barack Obama decora la Casa Blanca con sus obras y el propio Larry Gagosian las exhibe en sus galerías.

Ed Ruscha nunca gravitó por la Nueva York de la posguerra con su locura por el expresionismo abstracto. En cambio, durante más de 40 años, buscó inspiración en California, donde se mudó desde Nebraska a los 18 años. El artista estuvo en los orígenes de un nuevo movimiento artístico, llamado pop art. Junto con Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud y otros cantantes de la cultura popular, Edward Ruscha participó en la exposición "Nuevas imágenes de cosas ordinarias" en el Museo de Pasadena en 1962, que se convirtió en la primera exposición de museo de arte pop estadounidense. Sin embargo, al propio Ed Rusha no le gusta que su obra sea clasificada como arte pop, conceptualismo o algún otro movimiento artístico.

Su estilo único se llama "pintura de texto". A finales de la década de 1950, Ed Ruscha comenzó a pintar palabras. Así como para Warhol una lata de sopa se convirtió en una obra de arte, para Ed Rushay se trataba de palabras y frases corrientes, extraídas de un cartel publicitario o del envoltorio de un supermercado, o de los créditos de una película (Hollywood siempre estuvo “cerca” para Rushay y, a diferencia de muchos otros artistas, Rusche respetaba la “fábrica de sueños”). Las palabras en sus lienzos adquieren las propiedades de objetos tridimensionales, son verdaderas naturalezas muertas de palabras. Al mirar sus lienzos, lo primero que me viene a la mente es la percepción visual y sonora de la palabra pintada, y solo entonces el significado semántico. Este último, por regla general, no se puede descifrar sin ambigüedades; La elección de palabras y frases de Rushay se puede interpretar de diferentes maneras. La misma palabra de color amarillo brillante "Smash" sobre un fondo azul intenso puede percibirse como una llamada agresiva a destrozar algo o a alguien; como un adjetivo solitario sacado de contexto (parte de algún titular de periódico, por ejemplo), o simplemente como una palabra separada atrapada en el flujo urbano de imágenes visuales. Ed Ruscha disfruta de esta incertidumbre. "Siempre he tenido un profundo respeto por las cosas extrañas e inexplicables... Las explicaciones en cierto sentido matan las cosas", dijo en una entrevista.

7. LANA CRISTÓBAL Sin título (RIOT). 1990. 29,93 millones de dólares

artista americano cristóbal lana(1955) entró por primera vez en el ranking de artistas vivos en 2013, después de vender su obra "Apocalypse Now" por 26,5 millones de dólares, récord que inmediatamente lo puso a la par de Jasper Johns y Gerhard Richter. El importe de esta transacción histórica - más de 20 millones de dólares - sorprendió a muchos, ya que antes los precios de las obras del artista no superaban los 8 millones de dólares, pero el rápido crecimiento del mercado de las obras de Christopher Wool ya era evidente en aquel momento: el Su trayectoria incluye 48 transacciones de subasta por montos superiores a $1 millón, y 22 de ellas (casi la mitad) tuvieron lugar en 2013. Dos años más tarde, el número de obras de Chris Wool vendidas por más de 1 millón de dólares llegó a 70, y un nuevo récord personal no se hizo esperar. en la subasta Obra de Sotheby's del 12 de mayo de 2015 “Sin título (RIOT)” se vendió por $ 29,93 millones incluyendo la Prima del Comprador.

Christopher Wool es conocido principalmente por sus obras a gran escala de letras negras sobre láminas de aluminio blanco. Ellos son los que, por regla general, establecen récords en las subastas. Todas estas son cosas de finales de los 80 y principios de los 90. Según cuenta la leyenda, un día Wool caminaba por Nueva York por la noche y de repente vio graffitis en letras negras en un camión blanco nuevo: las palabras sexo y amor. Esta visión le impresionó tanto que inmediatamente regresó al taller y escribió su propia versión con las mismas palabras. Era 1987, y la búsqueda adicional del artista de palabras y frases para sus obras de “letras” refleja el espíritu contradictorio de esta época. Se trata del lema “vender la casa, vender el coche, vender los niños”, tomado por Wool de la película “Apocalypse Now”, y la palabra “FOOL” (“tonto”) en mayúsculas, y la palabra “RIOT” (“rebelión”), que a menudo se encuentra en los titulares de los periódicos de la época.

Wool aplicó palabras y frases a láminas de aluminio utilizando plantillas con pinturas alquídicas o esmaltadas, dejando deliberadamente gotas, marcas de plantilla y otras evidencias del proceso creativo. El artista dividió las palabras de tal manera que el espectador no entendió inmediatamente el significado. Al principio, ves sólo un grupo de letras, es decir, percibes la palabra como un objeto visual, y solo entonces lees y descifras el significado de la frase o palabra. Wool utilizó una fuente que fue utilizada por el ejército estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, lo que realza la impresión de una orden, una directiva, un eslogan. Estas obras de “letras” se perciben como parte del paisaje urbano, como graffitis ilegales que han vulnerado la limpieza de la superficie de algún objeto callejero. Esta serie de obras de Christopher Wool está reconocida como una de las cumbres de la abstracción lingüística y, por ello, tan valorada por los amantes del arte contemporáneo.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 millones de dólares

británico Pedro Doig(1959), aunque pertenece a la generación de los posmodernistas Koons y Hirst, eligió un género de paisaje completamente tradicional, que durante mucho tiempo no fue del agrado de los artistas avanzados. Peter Doig reaviva con su obra el cada vez más débil interés del público por la pintura figurativa. Sus obras son muy apreciadas tanto por los críticos como por los no especialistas, y prueba de ello es el rápido aumento de los precios de sus obras. Si a principios de los años 1990 sus paisajes costaban varios miles de dólares, ahora cuestan millones.

El trabajo de Doig a menudo se llama realismo mágico. A partir de paisajes reales, crea imágenes fantásticas, misteriosas y, a menudo, sombrías. Al artista le encanta representar objetos abandonados por la gente: un edificio ruinoso construido por Le Corbusier en medio del bosque o una canoa blanca vacía en la superficie de un lago del bosque. Además de en la naturaleza y la imaginación, Doig se inspira en películas de terror, postales antiguas, fotografías, vídeos amateur, etc. Las pinturas de Doig son coloridas, complejas, decorativas y no provocativas. Es un placer poseer una pintura así. El interés de los coleccionistas también se ve alimentado por la baja productividad del autor: el artista que vive en Trinidad no crea más de una docena de cuadros al año.

A principios de la década de 2000, algunos paisajes del artista se vendieron por varios cientos de miles de dólares. Al mismo tiempo, las obras de Doig se incluyeron en la Galería Saatchi, en la Bienal del Museo Whitney y en la colección del MoMA. En 2006 se superó el nivel de subasta de 1 millón de dólares, y al año siguiente se produjo un avance inesperado: la obra "Canoa blanca", ofrecida en Sotheby's el 7 de febrero de 2007 con una estimación de entre 0,8 y 1,2 millones de dólares, fue cinco veces mayor. que la estimación preliminar y se vendió por £5,7 millones (11,3 millones de dólares). En aquel momento, se trataba de un precio récord para las obras de un artista europeo vivo.

En 2008, Doig realizó exposiciones individuales en la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno de París. Los precios multimillonarios por el trabajo de Doig se han convertido en la norma. El registro personal de Peter Doig ha comenzado recientemente a actualizarse varias veces al año; todo lo que tenemos tiempo para hacer es cambiar la imagen y el lugar de este artista en nuestro ranking de autores vivos.

La obra más cara de Peter Doig hasta la fecha es el paisaje nevado “Rosedale” de 1991. Curiosamente, el récord no se estableció en Sotheby's o Christie's, sino en la subasta de arte contemporáneo de la casa de subastas Phillips. Esto sucedió el 18 de mayo de 2017. Una vista del nevado barrio de Rosedale en Toronto se vendió a un comprador de teléfonos por 28,81 millones de dólares, unos 3 millones de dólares por encima del récord anterior (25,9 millones de dólares por “Swallowed by the Mire”). "Rosedale" participó en la exposición clave de Doig en la Whitechapel Gallery de Londres en 1998 y, en general, esta obra era nueva para el mercado y, por lo tanto, el precio récord es bien merecido.

9. FRANK STELLA Cabo de Pinos. 1959. 28 millones de dólares

Frank Stella es un destacado representante de la abstracción pospictórica y el minimalismo en el arte. En cierto momento, se le clasifica como representante del estilo de pintura de borde duro. Al principio, Stella contrastó la estricta geometría, la monocromía ascética y la estructura de sus pinturas con la espontaneidad y el caos de las pinturas de expresionistas abstractos como Jackson Pollock.

A finales de los años 50, el famoso galerista Leo Castelli se fijó en el artista y le concedió por primera vez una exposición. En él presentó las llamadas “Pinturas Negras”, lienzos pintados con líneas negras paralelas con finos espacios de lienzo sin pintar entre ellas. Las líneas forman formas geométricas, que recuerdan un poco a las ilusiones ópticas, esas mismas imágenes que parpadean, se mueven, se retuercen, crean una sensación de espacio profundo si las miras durante mucho tiempo. Stella continuó el tema de las líneas paralelas con finas franjas divisorias en sus obras sobre aluminio y cobre. Los colores, la base pictórica e incluso la forma de las pinturas cambiaron (entre otras, destacan obras en forma de las letras U, T, L). Pero el principio fundamental de su pintura seguía siendo la claridad de contorno, la monumentalidad, la forma simple y la monocromía. En las décadas siguientes, Stella se alejó de la pintura geométrica hacia formas y líneas suaves y naturales, y de las pinturas monocromáticas hacia transiciones de color brillantes y variadas. En los años 70, Stella quedó cautivada por los enormes motivos utilizados para pintar barcos. El artista los utilizó para cuadros enormes con elementos de ensamblaje: incluyó en sus obras trozos de tubos de acero o mallas de alambre.

En sus primeras entrevistas, Frank Stella analiza abiertamente los significados que se le dan a sus obras, o más bien, la falta de ellos: "Lo que ves es lo que ves". Un cuadro es un objeto en sí mismo y no una reproducción de algo. "Es una superficie plana con pintura y nada más", dijo Stella.

Bueno, firmada por Frank Stella, esta "superficie con pintura" podría valer millones de dólares hoy. Por primera vez, Frank Stella entró en el ranking de artistas vivos en 2015 con la venta de la obra “Crossing the Delaware” (1961) por 13,69 millones de dólares, comisión incluida.

Cuatro años después, el 15 de mayo de 2019, la primera obra (1959) “Cabo de Pinos” estableció un nuevo récord: el precio de remate superó los 28 millones de dólares, comisión incluida. Esta es una de las 29 “pinturas negras”, las mismas con las que Stella debutó en su primera exposición en Nueva York. Frank Stella, graduado de la Universidad de Princeton, tenía 23 años en ese momento. A menudo no tenía suficiente dinero para comprar pinturas al óleo para los artistas. El joven artista ganaba dinero haciendo trabajos de reparación, le gustaban mucho los colores puros de la pintura y entonces surgió la idea de trabajar con esta pintura sobre lienzo. Usando pintura de esmalte negro, Stella pinta rayas paralelas, dejando finas líneas de lienzo sin imprimación entre ellas. Además, escribe sin reglas, a ojo, sin boceto previo. Stella nunca supo exactamente cuántas líneas negras habría en una pintura en particular. Por ejemplo, en la pintura "Cabo de Pinos" había 35. El título de la obra hace referencia al nombre del cabo en la Bahía de Massachusetts - Punta de Pinos. A principios del siglo XX era un gran parque de atracciones y hoy es una de las zonas de la ciudad de Revere.

10. YOSHITOMO NARA Cuchillo a la espalda. 2000. 24,95 millones de dólares

Yoshitomo Nara (1959) es una de las figuras clave del arte neopop japonés. Japonés, porque a pesar de la fama mundial y de muchos años de trabajo en el extranjero, su trabajo todavía se distingue por una marcada identidad nacional. Los personajes favoritos de Nara son las niñas y los perros al estilo de los cómics manga y anime japoneses. Las imágenes que inventó “han ido al pueblo” desde hace muchos años: están impresas en camisetas, souvenirs y con ellas se fabrican diversos “merchandising”. Nacido en una familia pobre, lejos de la capital, no sólo es amado por su talento, sino también valorado como un hombre hecho a sí mismo. El artista trabaja de forma rápida y expresiva. Se sabe que algunas de sus obras maestras se completaron literalmente de la noche a la mañana. Las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara suelen ser muy lacónicas, si no mezquinas, en sus medios de expresión, pero siempre conllevan una fuerte carga emocional. Las adolescentes de Nara a menudo miran al espectador con ojos entrecerrados y crueles. En sus ojos hay audacia, desafío y agresión. En sus manos hay un cuchillo o un cigarrillo. Existe la opinión de que las perversiones de comportamiento representadas son una reacción a la moral social opresiva, varios tabúes y los principios de educación adoptados por los japoneses. La severidad y la vergüenza casi medievales empujan los problemas hacia adentro y crean el terreno para una explosión emocional tardía. “El cuchillo detrás de tu espalda” refleja sucintamente una de las ideas principales del artista. En esta obra hay una mirada llena de odio de una niña y una mano colocada amenazadoramente detrás de su espalda. Hasta 2019, las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara ya habían alcanzado el millón, o incluso varios millones, más de una vez. Pero veinte millones es la primera vez. Nara es uno de los artistas nacidos en Japón más famosos del mundo. Y ahora el más caro del mundo. El 6 de octubre de 2109, en Sotheby's de Hong Kong, le quitó este título a Takashi Murakami y superó notablemente a la artista de vanguardia Yayoi Kusama, de 90 años (los precios máximos de subasta de sus pinturas ya se acercan a los 9 millones de dólares).

11. ZENG FANZHI Última cena. 2001. 23,3 millones de dólares

En la subasta de Sotheby's en Hong Kong 5 de octubre de 2013 año lienzo a gran escala "La última cena" artista de pekin Zeng Fanzhi (1964) se vendió por una cantidad récord de 160 millones de dólares de Hong Kong. 23,3 millones de dólares EE.UU. El coste final de la obra de Fanzhi, escrita, por supuesto, bajo la influencia de la obra de Leonardo da Vinci, resultó ser el doble de la estimación preliminar de unos 10 millones de dólares. El precio récord anterior de Zeng Fanzhi era de dólares 9,6 millones, pagado en la subasta de Christie's en Hong Kong en mayo de 2008 por la obra. "Serie de máscaras. 1996. No. 6".

“La Última Cena” es la pintura más grande (2,2 × 4 metros) de Fanzhi de la serie “Máscaras”, que abarca el período de 1994 a 2001. El ciclo está dedicado a la evolución de la sociedad china bajo la influencia de las reformas económicas. La introducción de elementos de una economía de mercado por parte del gobierno de la República Popular China condujo a la urbanización y la desunión del pueblo chino. Fanzhi representa a los residentes de las ciudades chinas modernas que tienen que luchar por un lugar bajo el sol. La conocida composición del fresco de Leonardo en la lectura de Fanzhi adquiere un significado completamente diferente: la escena de la acción se traslada de Jerusalén a un aula de una escuela china con los típicos tableros de jeroglíficos en las paredes. "Cristo" y los "apóstoles" se han convertido en pioneros con corbatas escarlatas, y sólo "Judas" lleva corbata dorada; esta es una metáfora del capitalismo occidental que penetra y destruye la forma de vida habitual en un país socialista.

Las obras de Zeng Fanzhi son estilísticamente cercanas al expresionismo europeo e igualmente dramáticas. Pero al mismo tiempo están llenos de simbolismo y especificidad chinos. Esta versatilidad atrae a coleccionistas chinos y occidentales a la obra del artista. Una confirmación directa de esto es la procedencia de “La Última Cena”: la obra fue subastada por el famoso coleccionista de la vanguardia china de los años 80 y principios de los 90, el barón belga Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Puente. 1980. 20,6 millones de dólares

en la subasta Christie's 13 de mayo de 2015 trabajo abstracto "Puente" Artista estadounidense de 85 años Robert Ryman(Robert Ryman) fue vendido por 20,6 millones de dólares teniendo en cuenta la comisión: el doble que la estimación más baja.

Robert Ryman(1930) no se dio cuenta de inmediato de que quería convertirse en artista. A la edad de 23 años, se mudó a Nueva York desde Nashville, Tennessee, con el deseo de convertirse en saxofonista de jazz. Hasta convertirse en un músico famoso, tuvo que trabajar como guardia de seguridad en el MoMA, donde conoció a Sol LeWitt y Dan Flavin. El primero trabajó en el museo como secretario nocturno y el segundo como guardia de seguridad y ascensorista. Impresionado por las obras de los expresionistas abstractos que vio en el MoMA (Rothko, De Kooning, Pollock y Newman), Robert Ryman comenzó a pintar él mismo en 1955.

Ryman es a menudo considerado un minimalista, pero prefiere que lo llamen “realista” porque no le interesa crear ilusiones, solo demuestra las cualidades de los materiales que utiliza. La mayoría de sus obras están pintadas con pinturas de todos los tonos posibles de blanco (desde el grisáceo o amarillento hasta el blanco deslumbrante) basándose en una forma cuadrada lacónica. Durante su carrera, Robert Ryman probó muchos materiales y técnicas: pintó al óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, gouache, etc. sobre lienzo, acero, plexiglás, aluminio, papel, cartón ondulado, vinilo, papel pintado, etc. Su amigo, el restaurador profesional Orrin Riley, le aconsejó sobre la corrosividad de los materiales que pensaba utilizar. Como dijo una vez el artista: "Nunca tengo una pregunta Qué escribir, lo principal es Cómo escribir". Se trata de la textura, la naturaleza de los trazos, el límite entre la superficie de la pintura y los bordes de la base, así como la relación entre la obra y la pared. Desde 1975, un elemento especial de su trabajo han sido los montajes, que Ryman diseña él mismo y deja deliberadamente visibles, enfatizando que su trabajo es “tan real como las paredes de las que cuelgan”. Ryman prefiere dar a sus obras "nombres" en lugar de "títulos". El "nombre" es lo que ayuda a distinguir una obra de otra, y Ryman a menudo nombra sus obras mediante marcas de pintura, empresas, etc., y el "título" afirma algún tipo de alusiones y significados profundos y ocultos, cuya presencia en sus obras. el artista lo niega regularmente. Nada importa excepto el material y la técnica.

13. DAMIEN HURST Primavera soñolienta. 2002. 19,2 millones de dólares

Al artista inglés Damien Hirst (1965) Estaba destinado a ser el primero en ocupar el primer lugar en esta clasificación en una disputa con el clásico vivo Jasper Johns. El trabajo ya mencionado "False Start" podría haber seguido siendo un líder insumergible durante mucho tiempo si 21 de junio de 2007 instalación de Hirst, que entonces tenía 42 años "Primavera soñolienta"(2002) no se vendió en Sotheby's por £ 9,76 millones, es decir, por $19,2 millones. La obra, por cierto, tiene un formato bastante inusual. Por un lado, una vitrina con muñecos de pastillas (6.136 pastillas), una instalación esencialmente clásica. Por otro lado, esta vitrina se hace plana (10 cm de profundidad), se coloca en un marco y se cuelga en la pared como un panel de plasma, garantizando así plenamente la comodidad de posesión típica de los cuadros. En 2002, la hermana de esta instalación, Sleepy Winter, se vendió por 7,4 millones de dólares, más de la mitad del precio. Alguien “explicó” la diferencia de precio diciendo que las pastillas se decoloran más en invierno. Pero está claro que esta explicación es absolutamente infundada, porque el mecanismo de fijación de precios para tales cosas ya no está relacionado con su carácter decorativo.

En 2007, muchos reconocieron a Hirst como el autor de la obra más cara entre los artistas vivos. La pregunta, sin embargo, es de la categoría de “según cómo se cuente”. El hecho es que Hirst se vendió por libras caras y Jones por dólares ahora más baratos, e incluso hace veinte años. Pero incluso si contamos al pie de la letra, sin tener en cuenta la inflación de 20 años, entonces el trabajo de Hirst era más caro en dólares y el de Jones en libras. La situación era límite y cada uno era libre de decidir quién era considerado más querido. Pero Hearst no duró mucho en el primer lugar. En el mismo 2007, fue desbancado del primer lugar por Koons con su “Hanging Heart”.

Justo en vísperas de la caída mundial de los precios del arte contemporáneo, Hirst emprendió una tarea sin precedentes para un artista joven: una subasta en solitario de sus obras, que tuvo lugar el 15 de septiembre de 2008 en Londres. La noticia de la quiebra del banco Lehman Brothers, anunciada la víspera, no estropeó en absoluto el apetito de los amantes del arte contemporáneo: de las 223 obras ofrecidas por Sotheby's, sólo cinco no encontraron nuevos propietarios (uno de los compradores, por cierto, fue Víctor Pinchuk). Trabajar "Tauro dorado"- un enorme toro disecado en formaldehído, coronado con un disco de oro - trajo tanto £10,3 millones (18,6 millones de dólares). Este es el mejor resultado de Hirst si se calcula en libras (la moneda en la que se realizó la transacción). Sin embargo, estamos clasificando en términos de dólares, por lo que (que el Becerro de Oro nos perdone) seguiremos considerando “Sleepy Spring” como la mejor venta de Hirst.

Desde 2008, Hirst no ha tenido ventas al nivel de “Sleepy Spring” y “The Golden Calf”. Los nuevos registros de la década de 2010, para las obras de Richter, Jones, Fanzhi, Wool y Koons, llevaron a Damien al sexto lugar en nuestro ranking. Pero no emitamos un juicio categórico sobre el fin de la era Hearst. Según los analistas, Hirst como "superestrella" ya ha pasado a la historia, lo que significa que será comprado durante mucho tiempo; Sin embargo, el mayor valor en el futuro se augura para las obras creadas durante el período más innovador de su carrera, es decir, en los años noventa.

14. MAURIZIO CATTELAN A él. 2001. 17,19 millones de dólares

El italiano Maurizio Cattelan (1960) llegó al arte tras trabajar como guardia de seguridad, cocinero, jardinero y diseñador de muebles. El artista autodidacta se ha hecho mundialmente famoso por sus esculturas e instalaciones irónicas. Dejó caer un meteorito sobre el Papa, convirtió a la esposa de un cliente en un trofeo de caza, hizo agujeros en el suelo del Museo de los Antiguos Maestros, mostró un dedo medio gigante a la Bolsa de Milán y llevó un burro vivo a la feria Frieze. Cattelan promete instalar en un futuro próximo un retrete dorado en el Museo Guggenheim. Al final, las travesuras de Maurizio Cattelan recibieron un amplio reconocimiento en el mundo del arte: fue invitado a la Bienal de Venecia (la instalación "Otros" en 2011, una bandada de dos mil palomas que miran amenazadoramente desde todos los tubos y vigas a la multitud de visitantes que pasan por debajo), organizó una retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York (noviembre de 2011) y finalmente le pagaron mucho dinero por sus esculturas.

Desde 2010, la obra más cara de Maurizio Cattelan ha sido una escultura de cera de un hombre mirando desde un agujero en el suelo, similar en apariencia al propio artista (Sin título, 2001). Esta escultura-instalación, que existe en tres copias más la copia del autor, se mostró por primera vez en el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam. Entonces este travieso personaje se asomó desde un agujero en el suelo de la sala con cuadros de pintores holandeses de los siglos XVIII y XIX. En esta obra, Maurizio Cattellan se asocia con un atrevido criminal que invade el espacio sagrado de una sala de museo con pinturas de grandes maestros. Quiere así privar al arte del halo de santidad que le confieren las paredes de los museos. La obra, que requiere agujeros en el suelo para mostrarse cada vez, se vendió por 7.922 millones de dólares en Sotheby's.

El récord duró hasta el 8 de mayo de 2016, cuando la obra aún más provocativa de Cattelan, “Él”, que representa a Hitler arrodillado, fue subastada por 17.189 millones de dólares. El nombre es extraño. Elegir un personaje es arriesgado. Como todo de Cattelan. ¿Qué quiere decir Él? ¿“Suyo” o “Su infernal majestad”? Está claro que definitivamente no estamos hablando de glorificar la imagen del Führer. En esta obra, Hitler aparece más bien de forma impotente y lamentable. Y es absurdo: la encarnación de Satanás es tan alta como un niño, vestida con un traje de colegial y arrodillada con una expresión humilde en su rostro. Para Cattelan, esta imagen es una invitación a pensar en la naturaleza del mal absoluto y una forma de deshacerse de los miedos. Por cierto, la escultura "Él" es muy conocida por el público occidental. Sus hermanos de la serie han sido expuestos más de 10 veces en los principales museos del mundo, incluidos el Centro Pompidou y el Museo Solomon Guggenheim.

15. MARK GROTJAN Sin título (S III lanzado a Francia Cara 43.14). 2011. $16,8 millones

El 17 de mayo de 2017, una de las pinturas más poderosas de Mark Grotjahn jamás subastadas apareció en la subasta nocturna de Christie's en Nueva York. El cuadro "Sin título (S III lanzado a Francia Cara 43.14)" fue exhibido por el coleccionista parisino Patrick Seguin con una estimación de entre 13 y 16 millones de dólares, y como la venta del lote estaba garantizada por un tercero, nadie se sorprendió especialmente. por el establecimiento de un nuevo récord personal en subasta por parte del artista de 49 años. El precio de remate de 14,75 millones de dólares (incluyendo la prima de compra de 16,8 millones de dólares) superó el récord de subasta anterior de Grotjahn en más de 10 millones de dólares, colocándolo en el club de artistas vivos cuyas obras se venden por sumas de ocho cifras. Ya hay unos treinta resultados de siete cifras (ventas superiores a 1 millón de dólares, pero no más de 10 millones de dólares) en el tesoro de subastas de Mark Grotjahn.

Mark Grotjahn (1968), en cuya obra los expertos ven la influencia del modernismo, el minimalismo abstracto, el pop y el op art, alcanzó su estilo característico a mediados de la década de 1990, después de mudarse con su amigo Brent Peterson a Los Ángeles y abrir una galería allí. "Habitación 702" Como recuerda el propio artista, en ese momento empezó a pensar en lo que para él era primero en el arte. Buscaba un motivo con el que experimentar. Y me di cuenta de que a él siempre le habían interesado la línea y el color. Los experimentos en el espíritu del rayonismo y el minimalismo con perspectiva lineal, numerosos puntos de fuga y formas triangulares abstractas multicolores finalmente dieron a Grotjahn fama mundial.

A partir de paisajes abstractos y coloridos con múltiples líneas de horizonte y puntos de perspectiva que se desvanecen, finalmente llegó a formas triangulares que recuerdan a las alas de una mariposa. Las pinturas de Grotjahn 2001-2007 Eso es lo que llaman “mariposas”. Hoy en día, mover el punto de fuga o utilizar varios puntos de fuga a la vez, espaciados en el espacio, se considera una de las técnicas más poderosas del artista.

La siguiente gran serie de obras se llamó "Rostros"; en las líneas abstractas de esta serie se pueden distinguir los rasgos de un rostro humano, simplificado al estado de una máscara en el espíritu de Matisse, Jawlensky o Brancusi. Hablando de la extrema simplificación y estilización de las formas, de la solución compositiva de las pinturas, cuando los contornos dispersos de ojos y bocas parecen mirarnos desde la espesura del bosque, los investigadores notan la conexión entre los "Rostros" de Grotjahn y el arte de las tribus primitivas de África y Oceanía, mientras que al propio artista simplemente “le gusta la imagen de ojos mirando desde la jungla. A veces me imaginaba caras de babuinos o monos. No puedo decir que fui influenciado consciente o inconscientemente por el arte africano primitivo; más bien, fui influenciado por artistas que fueron influenciados por él. Picasso es el ejemplo más obvio."

Las obras de la serie "Faces" se consideran brutales y elegantes, agradables a la vista y agradables a la mente. Con el tiempo, la textura de estas obras también cambia: para crear el efecto del espacio interior, el artista utiliza amplias pinceladas de pintura espesa, incluso salpicando al estilo de Pollock, pero la superficie de la pintura se nivela de modo que, tras un examen detenido, parece absolutamente plano. El cuadro “Sin título (S III Released to France Face 43.14)”, que estableció un récord en subasta, pertenece precisamente a esta famosa serie de Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Mi vaquero solitario. $15,16 millones

japonés Takashi Murakami (1962) entró en nuestra calificación con escultura. "Mi vaquero solitario", vendido en Sotheby's en mayo de 2008 por $ 15,16 millones. Con esta venta, Takashi Murakami fue considerado durante mucho tiempo el artista asiático vivo de mayor éxito, hasta que fue eclipsado por la venta de La última cena de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami trabaja como pintor, escultor, diseñador de moda y animador. Murakami quería tomar algo verdaderamente japonés como base para su trabajo, sin préstamos occidentales ni de ningún otro tipo. Durante sus años de estudiante, quedó fascinado por la pintura tradicional japonesa nihonga, que luego fue reemplazada por el arte popular del anime y el manga. Así nació el psicodélico Mr DOB, patrones de flores sonrientes y esculturas de fibra de vidrio brillantes y relucientes, como sacadas directamente de las páginas de los cómics japoneses. Algunos consideran que el arte de Murakami es comida rápida y la encarnación de la vulgaridad, otros llaman al artista el japonés Andy Warhol, y en las filas de este último, como vemos, hay muchas personas muy ricas.

Murakami tomó prestado el nombre de su escultura de la película de Andy Warhol "Lonely Cowboys" (1968), que los japoneses, como él mismo admitió, nunca habían visto, pero le gustó mucho la combinación de palabras. Murakami complació a los fanáticos de los cómics eróticos japoneses y se rió de ellos con una escultura. Aumentado en tamaño, y también tridimensional, el héroe del anime se convierte en un fetiche de la cultura de masas. Esta declaración artística está bastante en el espíritu del arte pop occidental clásico (recuerde el conjunto de muebles de Allen Jones o “La Pantera Rosa” de Koons), pero con un toque nacional.

17. KAWS. Álbum de KAWS. 2005. $14,784,505

KAWS es el seudónimo del artista estadounidense Brian Donnelly de Nueva Jersey. Es el participante más joven de nuestro ranking, nacido en 1974. Donelly comenzó como animador en Disney (pintó fondos para la caricatura “101 Dálmatas” y otras). Desde joven se interesó por el graffiti. Al principio, su diseño característico era una calavera con "X" en lugar de las cuencas de los ojos. Las obras del joven escritor fueron amadas por figuras del mundo del espectáculo y personas de la industria de la moda: creó la portada del álbum de Kanye West y lanzó colaboraciones con Nike, Comme des Garçons y Uniqlo. Con el tiempo, KAWS se convirtió en una figura muy conocida en el mundo del arte contemporáneo. Su figura característica, que recuerda a Mickey Mouse, ha echado raíces en museos, espacios públicos y colecciones privadas. Érase una vez, KAWS lanzó una edición limitada de juguetes de vinilo junto con la marca My Plastic Heart, e inesperadamente se convirtieron en objeto de gran interés coleccionable. Uno de los apasionados coleccionistas de estos “juguetes” es el fundador de Black Star, el rapero Timati: ha coleccionado casi por completo toda la serie “Cavs Companions”.

La obra de KAWS estableció un récord para la obra del artista (14,7 millones de dólares) en la subasta de Sotheby's en Hong Kong el 1 de abril de 2019. Anteriormente, estuvo en la colección del diseñador de moda japonés Nigo. El álbum KAWS es un homenaje a la portada del famoso álbum de 1967 de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Sólo que en lugar de personas aparecen los Kimpson, personajes estilizados de la serie animada Los Simpson con una "X" en lugar de ojos.

18. JIN SHANI Novia tayika. 1983. 13,89 millones de dólares

Entre los artistas chinos relativamente jóvenes y contemporáneos, que pertenecen todos a la llamada “nueva ola” del arte chino de finales de los años 1980, nuestra calificación incluyó inesperadamente a un representante de una generación y una escuela completamente diferentes. Jin Shangyi, que ahora tiene más de 80 años, es uno de los representantes destacados de la primera generación de artistas de la China comunista. Las opiniones de este grupo de artistas se formaron en gran medida bajo la influencia de su aliado comunista más cercano: la URSS.

El arte oficial soviético, el realismo socialista y la pintura al óleo, que entonces era inusual en China (a diferencia de la pintura tradicional china con tinta), alcanzaron la cima de su popularidad en la década de 1950, y el artista soviético Konstantin vino a enseñar en la Universidad de Arte de Beijing. durante tres años (de 1954 a 1957) Methodievich Maksimov. Jin Shani, que en ese momento era el más joven del grupo, terminó en su clase. El artista siempre recordó a su maestro con gran calidez y dijo que fue Maksimov quien le enseñó a comprender y representar correctamente un modelo. K. M. Maksimov formó a toda una galaxia de realistas chinos, ahora clásicos.

En la obra de Jin Shan se puede sentir la influencia tanto del “estilo severo” soviético como de la escuela de pintura europea. El artista dedicó mucho tiempo a estudiar la herencia del Renacimiento y el clasicismo, al tiempo que consideraba necesario preservar el espíritu chino en sus obras. El cuadro “La novia tayika”, pintado en 1983, se considera una obra maestra universalmente reconocida, un nuevo hito en la obra de Jin Shan. Fue subastado por China Guardian en noviembre de 2013 y se vendió varias veces más de lo estimado: 13,89 millones de dólares, comisión incluida.

19. BANKSY Parlamento descompuesto. 2008. $12,14 millones

Los murales con la etiqueta de Banksy comenzaron a aparecer en las murallas de las ciudades (primero en Gran Bretaña y luego en todo el mundo) a finales de los años 1990. Sus graffitis filosóficos y al mismo tiempo conmovedores estaban dedicados a los problemas del ataque estatal a las libertades de los ciudadanos, los crímenes contra el medio ambiente, el consumo irresponsable y la inhumanidad del sistema de migración ilegal. Con el tiempo, los “reproches” del muro de Banksy ganaron una popularidad mediática sin precedentes. De hecho, se convirtió en uno de los principales exponentes de la opinión pública condenando la hipocresía de los estados y las corporaciones, produciendo una creciente injusticia en el sistema capitalista.

La importancia de Banksy, el sentido del "nervio del tiempo" y la precisión de sus metáforas fueron apreciados no sólo por los espectadores, sino también por los coleccionistas. En la década de 2010, se donaron cientos de miles, o incluso más de un millón de dólares, por sus obras. Llegó al punto en que los graffitis de Banksy fueron arrancados y robados junto con pedazos de las paredes.

En una era de vigilancia digital avanzada, Banksy todavía se las arregla para mantener el anonimato. Existe una versión de que ya no se trata de una sola persona, sino de un grupo de varios artistas, encabezados por una mujer talentosa. Eso explicaría mucho. Y la disimilitud externa de los escritores, captada por las lentes de las cámaras de los testigos, y el método impersonal de aplicación de la plantilla (proporciona alta velocidad y no requiere la participación directa del autor), y el conmovedor romance de los sujetos de las pinturas ( bolas, copos de nieve, etc.). Sea como fuere, la gente del proyecto Banksy, incluidos sus asistentes, saben mantener la boca cerrada.

En 2019, la obra más cara de Banksy se convirtió inesperadamente en el lienzo de cuatro metros Parlamento Devuelto (parlamento “degradado”, “decaído” o “devuelto”). Los chimpancés que discuten en la Cámara de los Comunes parecen burlarse del público en el año del escandaloso Brexit. Es sorprendente que el cuadro haya sido pintado 10 años antes de este punto de inflexión histórico, por lo que alguien lo considera profético. En una subasta de Sotheby's el 3 de octubre de 2019, durante una feroz puja, un comprador desconocido compró este aceite por 12.143.000 dólares, seis veces más caro que la estimación preliminar.

20. JOHN CURREN “Dulce y sencillo”. 1999. $12.007 millones

artista americano John Curran (1962) conocido por sus pinturas figurativas satíricas sobre provocativos temas sexuales y sociales. Las obras de Curren logran combinar las técnicas pictóricas de los viejos maestros (especialmente Lucas Cranach el Viejo y los manieristas) y fotografías de moda de revistas de moda. Para lograr una mayor grotescaidad, Curren a menudo distorsiona las proporciones del cuerpo humano, agranda o reduce sus partes individuales y representa a los héroes en poses rotas y amaneradas.

Curren comenzó en 1989 con retratos de niñas extraídos de un álbum escolar; continuó a principios de la década de 1990 con pinturas de bellezas tetonas, inspiradas en fotografías de Cosmopolitan y Playboy; en 1992 aparecieron retratos de ancianas adineradas; y en 1994, Curren se casó con la escultora Rachel Feinstein, quien se convirtió en su principal musa y modelo durante muchos años. A finales de la década de 1990, la maestría técnica de Curren, combinada con el kitsch y lo grotesco de sus pinturas, le dieron popularidad. En 2003, Larry Gagosian se encargó de promocionar al artista, y si un marchante como Gagosian se hace cargo del artista, el éxito está garantizado. En 2004, se celebró una retrospectiva de John Curran en el Museo Whitney.

Por esta época, sus obras comenzaron a venderse por sumas de seis cifras. El récord actual para una pintura de John Curren pertenece a la obra "Sweet and Simple", vendida en Christie's el 15 de noviembre de 2016 por 12 millones de dólares. La pintura con dos desnudos apenas superó la estimación más baja de 12 a 18 millones de dólares. Y, sin embargo, Para John Curran, quien ahora tiene más de 50 años, este es definitivamente un gran avance en mi carrera. Su anterior récord, en 2008, fue de 5,5 millones de dólares (pagados, por cierto, por el mismo trabajo, “Sweet and Simple”).

21. BRYCE MARDEN Los atendidos. 1996-1999 $10.917 millones

Otro artista abstracto estadounidense vivo que figura en nuestro ranking es Brice Marden (1938). Las obras de Marden en el estilo minimalista y, desde finales de la década de 1980, la pintura gestual, destacan por su paleta única y ligeramente apagada. Las combinaciones de colores en las obras de Marden están inspiradas en sus viajes por el mundo: Grecia, India, Tailandia, Sri Lanka. Entre los autores que influyeron en el desarrollo de Marden se encuentran Jackson Pollock (a principios de la década de 1960, Marden trabajó como guardia de seguridad en el Museo Judío, donde presenció con sus propios ojos el "goteo" de Pollock), Alberto Giacometti (conoció sus obras en París) y Robert Rauschenberg (un tal Marden trabajó como su asistente durante un tiempo). La primera etapa del trabajo de Marden estuvo dedicada a lienzos minimalistas clásicos que consisten en bloques rectangulares de colores (horizontales o verticales). A diferencia de muchos otros minimalistas, que buscaban la calidad ideal de obras que parecieran impresas por una máquina en lugar de dibujadas por una persona, Marden conservó rastros de la obra del artista y combinó diferentes materiales (cera y pinturas al óleo). Desde mediados de la década de 1980, bajo la influencia de la caligrafía oriental, la abstracción geométrica fue reemplazada por líneas sinuosas en forma de meandros, cuyo fondo eran los mismos campos de color monocromáticos. Una de estas obras “significativas”, “The Attended”, se vendió en Sotheby’s en noviembre de 2013 por 10,917 millones de dólares, comisión incluida.

22. Pierre Soulages Pintura 186 x 143 cm, 23 de diciembre de 1959. 10,6 millones de dólares.

23. ZHANG XIAOGAN Amor eterno. 10,2 millones de dólares

Otro representante del arte moderno chino: simbolista y surrealista. Zhang Xiaogang (1958). En la subasta de Sotheby's en Hong Kong 3 de abril de 2011, donde se vendía arte de vanguardia chino de la colección del barón belga Guy Ullens, un tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" se vendió por $ 10,2 millones. En aquel momento, esto supuso un récord no sólo para el artista, sino para todo el arte contemporáneo chino. Dicen que la obra de Xiaogang fue comprada por la esposa multimillonaria Wang Wei, que planea abrir su propio museo.

Zhang Xiaogang, interesado en el misticismo y la filosofía oriental, escribió la historia del "Amor eterno" en tres partes: vida, muerte y renacimiento. Este tríptico se incluyó en la icónica exposición China/Vanguardia de 1989 en el Museo Nacional de Arte. También en 1989, las manifestaciones estudiantiles fueron brutalmente reprimidas por los militares en la Plaza de Tiananmen. Después de este trágico acontecimiento, las cosas empezaron a apretarse: la exposición en el Museo Nacional se dispersó y muchos artistas emigraron. En respuesta al realismo socialista impuesto desde arriba, surgió la dirección del realismo cínico, uno de cuyos principales representantes fue Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Henry Moore indefenso. 1967. 9,9 millones de dólares

Americano Bruce Nauman (1941), ganador del premio principal de la 48ª Bienal de Venecia (1999), tardó mucho en alcanzar su récord. Nauman inició su carrera en los años sesenta. Los conocedores lo consideran, junto con Andy Warhol y Joseph Beuys, una de las figuras más influyentes del arte de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, la intensa intelectualidad y la absoluta falta de decoración de algunas de sus obras obviamente impidieron su rápido reconocimiento y éxito entre el público en general. Nauman a menudo experimenta con el lenguaje y descubre significados inesperados en frases familiares. Las palabras se convierten en los personajes centrales de muchas de sus obras, incluidos pseudoletreros y paneles de neón. El propio Nauman se llama a sí mismo escultor, aunque durante los últimos cuarenta años se ha probado en géneros completamente diferentes: escultura, fotografía, videoarte, performances, gráficos. A principios de los años noventa, Larry Gagosian pronunció palabras proféticas: “Aún tenemos que darnos cuenta del verdadero valor del trabajo de Nauman”. Así sucedió: 17 de mayo de 2001 en Christie's, obra de Nauman de 1967 "Henry Moore indefenso (vista trasera)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estableció un nuevo récord en el segmento del arte de posguerra. Un molde de las manos de Nauman atadas a la espalda, hecho de yeso y cera, fue subastado por $ 9,9 millones a la colección del magnate francés Francois Pinault (según otras fuentes, la estadounidense Phyllis Wattis). El presupuesto para el trabajo fue de sólo 2 o 3 millones de dólares, por lo que el resultado fue una verdadera sorpresa para todos.

Antes de esta venta legendaria, sólo dos de las obras de Nauman habían superado la marca del millón de dólares. Y en toda su carrera en subastas, hasta el momento sólo seis obras, además de “Henry Moore...”, han conseguido sumas de siete cifras, pero sus resultados aún no pueden compararse con los nueve millones.

"Helpless Henry Moore" forma parte de una serie de obras polémicas de Nauman sobre la figura de Henry Moore (1898-1986), artista británico que en los años sesenta fue considerado uno de los más grandes escultores del siglo XX. Los autores jóvenes, que se encontraban a la sombra del maestro reconocido, lo atacaron con ardientes críticas. La obra de Nauman es una respuesta a esta crítica y al mismo tiempo una reflexión sobre el tema de la creatividad. El título de la obra se convierte en un juego de palabras, ya que combina dos significados de la palabra inglesa atado: atado (en el sentido literal) y condenado a un destino determinado.

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Se suele denominar arte moderno a todo tipo de movimientos artísticos surgidos a finales del siglo XX. En el período de posguerra, fue una especie de salida que nuevamente enseñó a la gente a soñar e inventar nuevas realidades de vida.

Cansados ​​de las duras reglas del pasado, los jóvenes artistas decidieron romper las viejas normas artísticas. Buscaban crear prácticas nuevas, previamente desconocidas. En contraste con el modernismo, recurrieron a nuevas formas de revelar sus historias. El artista y el concepto detrás de su creación se han vuelto mucho más importantes que el resultado de la actividad creativa en sí. El deseo de alejarse del marco establecido propició la aparición de nuevos géneros.

Comenzaron a surgir disputas entre los artistas sobre el significado del arte y las formas de expresarlo. ¿Que es arte? ¿Por qué medios se puede lograr un arte genuino? Los conceptualistas y minimalistas encontraron la respuesta por sí mismos en la frase: “Si el arte puede serlo todo, entonces no puede ser nada”. Para ellos, una desviación de los medios visuales habituales resultó en diversos eventos, sucesos y actuaciones. ¿Cuál es la peculiaridad del arte contemporáneo en el siglo XXI? De esto es de lo que hablaremos en el artículo.

La gráfica tridimensional en el arte del siglo XXI

El arte del siglo XXI es famoso por los gráficos en 3D. Con el desarrollo de la tecnología informática, los artistas tienen acceso a nuevos medios para crear su arte. La esencia de los gráficos tridimensionales es crear imágenes modelando objetos en un espacio tridimensional. Si se consideran la mayoría de las formas de arte contemporáneo del siglo XXI, la creación de imágenes en 3D parece ser la más tradicional. Los gráficos 3D tienen muchas facetas, en el verdadero sentido de la palabra. Se utiliza para crear programas, juegos, imágenes y vídeos en una computadora. Pero también se puede ver justo debajo de los pies, sobre el asfalto.

Los gráficos 3D llegaron a las calles hace varias décadas y desde entonces siguen siendo una de las formas más importantes de arte callejero. Muchos artistas pintan en sus “cuadros” imágenes tridimensionales que pueden sorprender por su realismo. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner y muchos otros artistas contemporáneos crean hoy un arte que puede sorprender a cualquiera.

arte callejero del siglo XXI

Anteriormente, la ocupación era exclusiva de los ricos. Durante siglos estuvo cubierto por los muros de instituciones especiales, donde se negaba el acceso a los no iniciados. Evidentemente, su enorme poder no podía languidecer para siempre dentro de los sofocantes edificios. Fue entonces cuando salió a las calles grises y lúgubres. Eligió cambiar nuestra historia para siempre. Aunque al principio no todo fue tan sencillo.

No todos estaban contentos con su nacimiento. Muchos lo consideraron resultado de una mala experiencia. Algunos incluso se negaron a prestar atención a su existencia. Mientras tanto, la creación siguió creciendo y desarrollándose.

Los artistas callejeros enfrentaron dificultades en el camino. A pesar de toda su diversidad de formas, a veces era difícil distinguir el arte callejero del vandalismo.

Todo empezó en los años 70 del siglo pasado en Nueva York. En aquella época, el arte callejero estaba en su infancia. Y su vida fue sustentada por Julio 204 y Taki 183. Dejaron inscripciones en diferentes lugares de su zona, ampliando luego el área de distribución. Otros muchachos decidieron competir con ellos. Aquí empezó la diversión. El entusiasmo y las ganas de lucirse dieron como resultado una batalla de creatividad. Todos estaban ansiosos por descubrir para sí mismos y para los demás una forma más original de dejar su huella.

En 1981, el arte callejero logró cruzar el océano. En esto le ayudó el artista callejero francés BlekleRat. Se le considera uno de los primeros grafiteros de París. También se le llama el padre del graffiti con esténcil. Su toque característico son los dibujos de ratas, que hacen referencia al nombre de su creador. El autor notó que después de reorganizar las letras de la palabra rata (rata), el resultado es arte (arte). Blek señaló una vez: "La rata es el único animal libre en París y se está extendiendo por todas partes, al igual que el arte callejero".

El artista callejero más famoso es Banksy, quien considera a BlekleRat su principal maestro. Las obras de actualidad de este talentoso británico pueden silenciar a cualquiera. En sus dibujos, creados con plantillas, expone la sociedad moderna con sus vicios. Banksy tiene un estilo tradicional que le permite dejar una impresión aún mayor en el público. Un dato interesante es que la identidad de Banksy sigue siendo un misterio. Nadie ha logrado todavía resolver el misterio de la identidad del artista.

Mientras tanto, el arte callejero está ganando impulso rápidamente. Una vez relegado a movimientos marginales, el arte callejero ha ascendido al escenario de las subastas. Las obras de los artistas se venden por sumas increíbles por parte de quienes alguna vez se negaron a hablar de él. ¿Qué es esto, la fuerza vivificante del arte o las tendencias dominantes?

Formularios

Hoy en día existen varias manifestaciones bastante interesantes del arte contemporáneo. Repaso por las formas más insólitas del arte contemporáneo. se le presentará a su atención a continuación.

Confeccionado

El término readymade proviene del inglés, que significa “listo”. De hecho, el objetivo de esta dirección no es crear nada material. La idea principal aquí es que dependiendo del entorno de un objeto, la percepción que una persona tiene del objeto en sí cambia. El fundador del movimiento es Marcel Duchamp. Su obra más famosa es la “Fuente”, que es un urinario con autógrafo y fecha.

Anamorfosis

La anamorfosis es una técnica para crear imágenes de tal manera que sólo puedan verse completamente desde un determinado ángulo. Uno de los representantes más brillantes de esta tendencia es el francés Bernard Pras. Crea instalaciones utilizando lo que tiene a mano. Gracias a su habilidad, logra crear obras asombrosas, que, sin embargo, sólo pueden verse desde un determinado ángulo.

Fluidos biológicos en el arte.

Uno de los movimientos más controvertidos del arte contemporáneo del siglo XXI es el dibujo pintado con fluidos humanos. A menudo, los seguidores de esta forma de arte moderno utilizan sangre y orina. El color de las pinturas en este caso a menudo adquiere un aspecto lúgubre y aterrador. Hermann Nitsch, por ejemplo, utiliza sangre y orina de animales. El autor explica el uso de materiales tan inesperados por una infancia difícil durante la Segunda Guerra Mundial.

Pintura de los siglos XX-XXI.

Una breve historia de la pintura contiene información de que finales del siglo XX se convirtió en el punto de partida de muchos artistas icónicos de nuestro tiempo. En los difíciles años de la posguerra, la esfera experimentó su renacimiento. Los artistas buscaron descubrir nuevas facetas de sus capacidades.

suprematismo

Kazimir Malevich es considerado el creador del suprematismo. Como principal teórico, proclamó el suprematismo como una forma de limpiar el arte de todo lo innecesario. Al abandonar los métodos habituales de transmisión de imágenes, los artistas buscaron liberar el arte de lo extraartístico. La obra más importante de este género es el famoso “Cuadrado Negro” de Malevich.

Arte pop

El arte pop tiene sus orígenes en Estados Unidos. En los años de la posguerra, la sociedad experimentó cambios globales. La gente ahora podía permitirse más. El consumo se ha convertido en la parte más importante de la vida. La gente empezó a ser elevada a la categoría de cultos y los productos de consumo a símbolos. Jasper Johns, Andy Warhol y otros seguidores del movimiento buscaron utilizar estos símbolos en sus pinturas.

Futurismo

El futurismo fue descubierto en 1910. La idea principal de este movimiento fue el deseo de algo nuevo, la destrucción del marco del pasado. Los artistas representaron este deseo utilizando una técnica especial. Los trazos nítidos, los flujos, las conexiones y las intersecciones son signos de futurismo. Los representantes más famosos del futurismo son Marinetti, Severini, Carra.

Arte contemporáneo en Rusia del siglo XXI.

El arte contemporáneo en Rusia (siglo XXI) surgió suavemente del arte clandestino y "no oficial" de la URSS. Los jóvenes artistas de los años 90 buscaban nuevas formas de hacer realidad sus ambiciones artísticas en un nuevo país. En esta época nació el accionismo moscovita. Sus seguidores desafiaron el pasado y su ideología. La destrucción de fronteras (literal y figurativamente) permitió retratar la actitud de la generación más joven ante la situación del país. El arte contemporáneo del siglo XXI se ha vuelto expresivo, aterrador e impactante. De esos a los que la sociedad se ha estado cerrando durante tanto tiempo. Acciones de Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Contra todos", "Barricada en Bolshaya Nikitskaya"), el movimiento "ETI" ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet reparte regalos", "Mad Dog o el último tabú”, custodiado por un solitario Cerbero”), Avdey Ter-Oganyan (“Pop Art”) cambió para siempre la historia del arte moderno.

Nueva generación

Slava PTRK es un artista contemporáneo de Ekaterimburgo. Algunos pueden recordar su obra de Banksy. Sin embargo, las obras de Slava contienen ideas y sentimientos que sólo son familiares para un ciudadano ruso. Una de sus obras más destacadas es la campaña “Tierra de Oportunidades”. El artista creó una inscripción con muletas en el edificio de un hospital abandonado en Ekaterimburgo. Slava compró muletas a los residentes de la ciudad que alguna vez las usaron. El artista anunció la acción en su página de la red social, añadiendo un llamamiento a sus conciudadanos.

Museos de Arte Contemporáneo

Quizás en algún momento las bellas artes contemporáneas del siglo XXI parecieron un medio marginal, pero hoy en día cada vez más personas se esfuerzan por unirse al nuevo campo del arte. Cada vez más museos abren sus puertas a nuevos medios de expresión. Nueva York ostenta un récord en el campo del arte contemporáneo. También hay dos museos aquí, que se encuentran entre los mejores del mundo.

El primero es el MoMA, que es un depósito de pinturas de Matisse, Dali y Warhol. El segundo es un museo, cuya arquitectura inusual se encuentra junto a las obras de Picasso, Marc Chagall, Kandinsky y muchos otros.

Europa también es famosa por sus magníficos museos de arte contemporáneo del siglo XXI. El Museo KIASMA de Helsinki permite tocar los objetos expuestos. El centro de la capital de Francia sorprende por su arquitectura inusual y obras de artistas contemporáneos. El Stedelijkmuseum de Ámsterdam alberga la mayor colección de pinturas de Malevich. La capital de Gran Bretaña cuenta con una gran cantidad de objetos de arte contemporáneo. El Museo de Arte Moderno de Viena tiene obras de Andy Warhol y otros talentosos artistas contemporáneos.

El arte contemporáneo del siglo XXI (pintura), misterioso, incomprensible, fascinante, ha cambiado para siempre el vector de desarrollo no solo de una esfera separada, sino también de toda la vida de la humanidad. Refleja y crea modernidad al mismo tiempo. En constante cambio, el arte de la modernidad permite a una persona que tiene prisa constante detenerse un momento. Detente a recordar los sentimientos que se encuentran en lo más profundo de tu interior. Deténgase para acelerar el ritmo nuevamente y láncese hacia el torbellino de eventos y asuntos.