Poznati japanski umjetnici. Savremena umjetnost: Japan

Ako mislite da su svi veliki umjetnici u prošlosti, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom članku ćete naučiti o najpoznatijim i talentovanih umjetnika modernost. I, vjerujte, njihova djela će vam ostati u sjećanju ništa manje od djela maestra iz prošlih vremena.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je savremeni poljski umjetnik. Diplomirao je na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao sa. AT novije vrijeme privlači uglavnom žene. Fokusira se na ispoljavanje emocija, nastoji postići najveći mogući učinak jednostavnim sredstvima.

Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive za postizanje najbolje iskustvo. Ne plašite se eksperimentisanja sa novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve je popularniji u inostranstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kosmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.

Warren Chang

Warren Chang - moderan Američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je s velikim uspjehom na Art Center College of Design u Pasadeni 1981. godine sa diplomom likovnih umjetnosti u oblasti likovnih umjetnosti. Sljedeće dvije decenije radio je kao ilustrator razne kompanije u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je započeo karijeru kao profesionalni umjetnik 2009. godine.

Njegove realističke slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutrašnje slike i slike koje prikazuju radne ljude. Njegovo interesovanje za ovaj stil slikanja je ukorenjeno u stvaralaštvu slikara iz 16. veka Jana Vermera, a proteže se na predmete, autoportrete, portrete članova porodice, prijatelja, učenika, ateljea, učionica i enterijera doma. Njegova svrha je da realistične slike stvoriti raspoloženje i emocije kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.

Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalne vizualne umjetnosti. U proteklih 12 godina stekao je brojne nagrade i priznanja, od kojih je najprestižnija Master Signature od Udruženja uljanih slikara Amerike, najveće zajednice slikanja ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 je počastvovana mogućnošću da dobije ovu nagradu. Trenutno, Voren živi u Montereju i radi u svom studiju, a takođe predaje (poznat kao talentovani učitelj) na Akademiji umetnosti u San Francisku.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni - italijanski umetnik. Rođen u Blairu, 15. oktobra 1955. godine. Diplomirao scenografiju na Umetničkom institutu u Spoletu. Kao umjetnik, on je samouk, jer je samostalno „sagradio kuću znanja“ na temeljima postavljenim još u školi. Počeo je slikati uljem sa 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.

Brunijevo rano slikarstvo je ukorijenjeno u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje fokusirati na bliskost lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju izuzetnom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Živi i neživi predmeti dobijaju jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zavjese, već vam omogućavaju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i harmonijom muzike.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos je savremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikarstvo ulja. Rođen 1970. godine u Glivicama, Poljska, ali od 1989. godine živi i radi u SAD-u, u gradu Shasta u Kaliforniji.

Kao dijete učio je umjetnost pod vodstvom svog oca Jana, samoukog umjetnika i vajara, pa od rane godine, umjetnička aktivnost dobila punu podršku oba roditelja. Godine 1989, u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je njegova učiteljica i honorarna umjetnica Cathy Gaggliardi ohrabrila Alcasandera da se upiše. umetnička škola. Balos je potom dobio punu stipendiju na Univerzitetu Milwaukee Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.

Nakon završetka studija 1995. godine i diplomiranja, Balos se preselio u Čikago da bi pohađao školu. vizualna umjetnost, čije su metode zasnovane na djelu Jacques-Louis Davida. figurativni realizam i portretno slikarstvočinio je najveći dio Balosovog rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos koristi ljudsku figuru kako bi istakao karakteristike i nedostatke ljudske egzistencije, ne nudeći nikakva rješenja.

Kompozicije radnje njegovih slika namijenjene su samostalnoj interpretaciji od strane gledatelja, tek tada će platna dobiti svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Godine 2005. umjetnik se preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se opseg njegovog rada značajno proširio i sada uključuje slobodnije metode slikanja, uključujući apstrakciju i različite multimedijalne stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala bića kroz slikarstvo.

Alyssa Monks

Alyssa Monks - moderno Američki umjetnik. Rođena je 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Za slikanje se zainteresovala još kao dete. Studirao na New School u New Yorku i Državni univerzitet Montclair, i diplomirao na Bostonskom koledžu 1999. godine, stekao diplomu. Istovremeno je studirala slikarstvo na akademiji Lorenzo Medici u Firenci.

Potom je nastavila studije po programu za magisterij na njujorškoj Akademiji umjetnosti, na odsjeku figurativne umjetnosti, koji je diplomirala 2001. godine. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Neko vrijeme je predavala na univerzitetima i obrazovne instituciješirom zemlje, predajući slikarstvo na Akademiji umetnosti u Njujorku, kao i na Državnom univerzitetu Montclair i Koledžu umetnosti Lyme Academy.

“Koristeći filtere kao što su staklo, vinil, voda i para, izobličavam ljudsko tijelo. Ovi filteri vam omogućavaju da kreirate velike površine apstraktni dizajn, kroz koje proviruju ostrva boja - delovi ljudskog tela.

Moje slike se mijenjaju moderan izgled na već ustaljene, tradicionalne položaje i gestove kupaćih žena. Oni bi pažljivom gledaocu mogli reći mnogo o takvim naizgled samorazumljivim stvarima kao što su prednosti plivanja, plesa i tako dalje. Moji likovi su pritisnuti na staklo prozora tuš kabine, izobličujući vlastito tijelo, shvaćajući da time utiču na ozloglašeni muški pogled na golu ženu. Debeli slojevi boje su pomešani zajedno da imitiraju staklo, paru, vodu i meso izdaleka. Međutim, izbliza, divno fizička svojstva uljane boje. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boja, pronalazim trenutak kada apstraktni potezi postaju nešto drugo.

Kada sam prvi put počeo da slikam ljudsko telo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsednut njime i osetio sam da moram da svoje slike učinim što realnijim. Ja sam "ispovijedao" realizam sve dok se nije počeo sam rasplitati i dekonstruirati. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikarstva u kojem se susreću reprezentativno slikarstvo i apstrakcija – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku, ja ću to učiniti.”

Antonio Finelli

italijanski umetnik - posmatrač vremena” – Antonio Finelli rođen je 23. februara 1985. godine. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inostranstvu: Rim, Firenca, Novara, Đenova, Palermo, Istanbul, Ankara, Njujork, a nalaze se iu privatnim i javnim kolekcijama.

Crteži olovkom" Čuvar vremena” Antonio Finelli nas šalje na vječno putovanje unutrašnji svet ljudska temporalnost i rigorozna analiza ovog svijeta koja je s njim povezana, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ono ostavlja na koži.

Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, spola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se nada i da će na telima svojih likova pronaći dokaze o nemilosrdnosti vremena. Antonio svoje radove definiše jednim, opštim naslovom: “Autoportret”, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledaocu da kontemplira stvarni rezultati protok vremena unutar osobe.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-godišnja italijanska umjetnica, kćerka diplomate. Ima troje djece. Dvanaest godina je živjela u Rimu, tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirao historiju umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu na specijalnosti restaurator umjetničkih djela. Prije nego što je pronašla svoj poziv i potpuno se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristkinja, dizajnerica i glumica.

Flaminijina strast za slikanjem nastala je u detinjstvu. Njen glavni medij je ulje jer voli “coiffer la pate” i igra se sa materijalom. Sličnu tehniku ​​naučila je u radovima umjetnika Pascal Torua. Flaminia je inspirisana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i raznim umjetničkim pokretima: uličnom umjetnošću, kineskim realizmom, nadrealizmom i renesansnim realizmom. Njen omiljeni slikar Caravaggio. Njen san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.

Denis Chernov

Denis Černov je talentovan ukrajinski umetnik, rođen je 1978. godine u Sambiru, oblast Lavov, Ukrajina. Nakon diplomiranja u Harkovu umetnička škola 1998. godine boravi u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Takođe je studirao u Harkovu državna akademija dizajn i umjetnost, smjer grafika, diplomirao 2004.

Redovno učestvuje u umjetničke izložbe, na ovog trenutka bilo ih je više od šezdeset, kako u Ukrajini tako iu inostranstvu. Većina radova Denisa Černova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španiji, Grčkoj, Francuskoj, SAD, Kanadi i Japanu. Neka dela su prodata na Christie's.

Denis radi u širokom spektru grafike i slikarske tehnike. Crteži olovkom jedna su od njegovih omiljenih metoda slikanja, lista njegovih tema crteži olovkom takođe veoma raznolik, slika pejzaže, portrete, aktove, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književni i istorijske rekonstrukcije i fantazije.

Jednobojno slikarstvo Japana jedan je od jedinstvenih fenomena umjetnosti Istoka. Njemu je posvećeno mnogo radova i studija, ali se često doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako, duhovni svijet japanskog umjetnika je veoma bogat i njemu nije stalo toliko do estetske komponente, koliko do duhovne. Umetnost Istoka je sinteza spoljašnjeg i unutrašnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želim da obratim pažnju ne na istoriju monohromatskog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome će se raspravljati.

Ekran "Pine" Hasegawa Tohaku, 1593.

Ono što vidimo na monohromatskim slikama rezultat je umetnikove interakcije sa trijadom bora: papir, kist, mastilo. Stoga, da bi se pravilno razumjelo djelo, potrebno je razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398

Papir za Japanski majstor Nije lako improvizovanog materijala, koju on podređuje svom hiru, već je, naprotiv, „brat“, pa se shodno tome razvio i odnos prema njoj. Papir je dio okolne prirode, prema kojem su se Japanci oduvijek odnosili s poštovanjem i trudili se da ga ne potčine, već da mirno koegzistiraju s njim. Papir je u prošlosti drvo koje je stajalo na određenom području, određeno vrijeme, "vidjela" nešto oko sebe, a ona sve to čuva. Ovako japanski umjetnik doživljava materijal. Često su majstori, prije početka rada, dugo gledali Prazan list(razmišljao o tome) i tek onda prešao na slikanje. Čak i danas, savremeni japanski umjetnici koji prakticiraju Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju svoj papir. Kupuju ga po narudžbini iz fabrika papira. Za svakog umjetnika određene debljine, propusnosti vlage i teksture (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor sa vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) – dakle, svaka slika se doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u bambusovom gaju" Shubun, 1446.

Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedno je spomenuti takve poznati spomenici Japanska književnost, kao što su "Beleške uz uzglavlje" Seija Šonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Šikibua: i u "Beleškama" i u "Genjiju" možete pronaći scene kada dvorjani ili ljubavnici razmenjuju poruke. Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajuće sezone, nijanse, a način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u hramu Ishiyama" Kyosen

Četka- druga komponenta je nastavak majstorove ruke (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se i kistovi izrađivali po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Odabrao je dlačice potrebne dužine, odabrao veličinu četke i najudobniju dršku. Majstor piše samo svojom četkicom i ničim drugim. (Od lično iskustvo: bio na majstorskoj klasi Kineski umetnik Jiang Shilun, publika je tražila da pokaže šta mogu njegovi učenici koji su bili prisutni na majstorskom kursu, a svaki od njih je, uzimajući u ruke majstorovu četku, rekao da neće ispasti ono što su očekivali, jer kist nije njihov, nisu navikli na to i ne znaju kako da ga pravilno koriste.

Skica tušem "Fuji" od Katsushike Hokusaija

mastilo- treći važan element. Mastilo se dešava različite vrste: može dati sjajni ili mat efekat nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, stoga pravi izbor maskara takođe nije nevažna.

Yamamoto Baitsu, kasno 18- XIX vek.

Glavni predmeti monohromatskog slikarstva su pejzaži. Zašto nemaju boju?

Dvostruki ekran "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam predmet, već njegova suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Dakle, slika je uvijek nagoveštaj, upućena je našim osjećajima, a ne viziji. Potcenjivanje je podsticaj za dijalog, a time i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici - one se formiraju umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je, gdje je htio, tamo ostavio mastan trag, a na drugom mjestu, naprotiv, nije dobro nacrtao - na slici sve ima svoje značenje i značaj, i ne nosi nasumičan lik.

Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne konotacije i drugačije se percipira. različiti ljudi u različitim stanjima, dakle, emocionalna neutralnost omogućava gledaocu da najadekvatnije uđe u dijalog, pozicionira ga za percepciju, kontemplaciju i razmišljanje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga, svaka jednobojna slika je harmonična u smislu omjera tinte i netaknute površine papira u njoj.

Zašto večina prostor za papir nije iskorišten?

"Pejzaž" Syubun, sredina 15. veka.

Prvo, praznina prostora uranja gledaoca u sliku; drugo, slika se stvara kao da je na trenutak isplivala na površinu i da će nestati - to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, u onim područjima gdje nema mastila dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali u stvarnosti je to uvijek interakcija dva materijala - papira i mastila).

Sesshu, 1446

Zašto pejzaž?

"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on mora učiti od nje, štititi je na svaki mogući način, a ne uništavati ili pokoravati. Stoga se u mnogim pejzažima mogu vidjeti male slike ljudi, ali su one uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje se uklapaju u prostor oko njih i nisu uvijek uočljive - sve su to simboli pogled na svet.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

U zaključku, želim reći da japansko monohromatsko slikarstvo nije nasumično prskano mastilo, nije hir umjetnikovog unutrašnjeg ega - to je čitav sistem slika i simbola, ono je skladište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i harmonizacije sebe i svijeta oko sebe.

Evo, mislim, odgovora na glavna pitanja koja gledalac ima kada se suoči sa monohromatskim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam pomoći da to najispravnije shvatite i uočite kada se sretnete.

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju historiju je prošla veliki broj promjene. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Zajedno sa neverovatna priča Japansko slikarstvo je takođe spremno da predstavi mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim istorijski period zemlje prije pne. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koji su rađeni na grnčariji sa štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na bronzanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e., pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su unutar kripta, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.

U 7. veku nove ere. e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle potiču i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali upravo je ona donijela mnogo novih stvari u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crno-sivim tonovima. Većina izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. On je stvorio klasične slike ali njegovi likovi su bili veoma šareni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina pejzaža je rađena na pozadini pozlate.

Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristio je moderne evropske i Kineski tehničari koji su isprepleteni sa tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici prvo u potpunosti oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Edo period zamjenjuje Meiji, a sada japansko slikarstvo primoran da ode u nova faza razvoj. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dato vrijeme stvari su bile veoma različite od onoga što se dešavalo u drugim zemljama. Ovdje se naglo rasplamsava konkurencija između evropskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Evropi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da zapaženih kritičara prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Da bi se izbjegla velika pompa oko ovog problema, Evropski stilovi a tehnike su počele biti zabranjene na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.

Pojava evropskih stilova

Zatim dolazi period Taisho. U to vrijeme u domovinu se vraćaju mladi umjetnici koji su otišli da studiraju u stranim školama. Naravno, oni sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.

Na ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima su antičke japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili i ljubitelji klasike i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu su očuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci su, s druge strane, prisiljeni slijediti primjer potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

WWII painting

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvija se zasebno i nezavisno. Ali nije moglo ovako da traje zauvek.

Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih, još na početku rata, počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali počinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.

Shodno tome, japanska likovna umjetnost tokom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razvijati. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.

Eternal Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". Ovo definira stil i tehniku ovu umjetnost. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da mu daju svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, u početku su crtali slike, a kasnije su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve što se naziva monohromatskim.

Slikanje japanskim tušem, unatoč širokoj raznolikosti slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, već je rasprostranjena i daleko izvan njenih granica.

Moderni period

Krajem Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljani imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu dočarati savremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Evropske i američke ideje su uspješno usvojene, ali takvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je oduvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

Da ne spominjem moderno moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju brisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Classics and tradicionalnim žanrovima u stvari, ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična država ostala jedina koja nije pratila zapadne trendove, nije se prilagođavala modi. Uprkos brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su uspjeli odbraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno se zbog toga u moderno doba slike rađene u klasičnim stilovima visoko cijene na izložbama.

Svaka zemlja ima svoje heroje savremene umjetnosti, čija su imena poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim kolekcijama.

U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim savremeni umetnici Japan.

Keiko Tanabe

Rođena u Kjotu, Keiko je pobjeđivala na mnogim likovnim konkursima kao dijete, ali više obrazovanje uopšte nije primljen u oblasti umetnosti. Radila je u odeljenju za međunarodne odnose japanske samoupravne trgovinske organizacije u Tokiju, u velikoj advokatskoj kancelariji u San Franciscu i u privatnoj konsultantska firma u San Diegu, mnogo putovao. Počevši od 2003. godine napustila je posao i nakon što je naučila osnove akvarela u San Diegu, posvetila se isključivo umjetnosti.

Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete moderne žene u drevnim Japanska tradicija slikanje Menso četkom, mineralnim pigmentima, čađom, tušem i platnom kao podlogom. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući stilu Nihonga, postoji osjećaj da su nam došli iz davnih vremena.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je ovladao tehnika akvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutrašnja stanja osoba koja ih posmatra.

Hiroko Sakai

Karijera umjetnika Hiroko Sakaija započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirao na Univerzitetu Seinan Gakuin i francuska škola Dizajn enterijera Nihon u oblasti dizajna i vizuelizacije, osnovala je „Atelje Yume-Tsumugi doo“. i uspješno vodi ovaj studio 5 godina. Mnogi njeni radovi krase predvorja bolnica, kancelarije velikih korporacija i neke opštinske zgrade u Japanu. Nakon preseljenja u Sjedinjene Države, Hiroko je počeo da slika u ulju.

Riusuke Fukahori

Trodimenzionalna djela Ryuusukija Fukahorija su poput holograma. Oni su gotovi akrilne boje nanesena u nekoliko slojeva, te prozirna tečnost smole - sve to, zajedno sa tradicionalnim metodama kao što su crtanje senki, omekšavanje ivica, kontrola transparentnosti, omogućava Ryusukiju da kreira skulpturalnu sliku i daje dubinu i realizam radu.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu je kao osnovu svog rada odabrao win-win temu - crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku slagalica.

Tetsuya Mishima

Većina slika moderne Japanski umetnik Mishima se pravi u ulju. Slikarstvom se profesionalno bavi od 90-ih, ima ih nekoliko lične izložbe i veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.