Savremeni japanski umjetnici. Stanovnik mentalne bolnice iz Japana je najskuplji živi umjetnik

Ima vrlo bogata istorija; njegova tradicija je opsežna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja u velikoj mjeri utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan vekovima bio prilično izolovan je zbog ne samo geografije, već i dominantne japanske kulturne sklonosti izolaciji koja je obeležila istoriju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati "japanskom civilizacijom", kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim elementima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na vašem (japanski papir) ili egini (svila).

Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo su bili pod utjecajem stranih umjetničkih praksi. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i Kineska umjetnost i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna na nekoliko načina. Od 17. veka japansko slikarstvo takođe pod uticajem zapadnih tradicija. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropskog romantizma. Istovremeno, novi evropski pokreti umetnosti takođe su bili pod značajnim uticajem Japana umjetničke tehnike. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizmom“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.

Duga istorija japanskog slikarstva može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju delove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i slikarske metode, kao i religiozno slikarstvo, ostavili su značajan trag u estetici japanskih slika; slikanje pejzaža vodenim tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva - drugo važan element, prepoznat na mnogim poznatim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, nešto je što se obično povezuje sa japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz svakodnevnog života. Konačno, drevne ideje o lepoti iz filozofije i kulture imale su veliki uticaj na japansko slikarstvo. drevni japan. Wabi, što znači prolazna i surova ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) još uvijek utječu na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Konačno, ako se fokusiramo na izbor deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. On je dominirao u Japanska umjetnost od 17. - 19. vijeka, dok su umjetnici koji pripadaju ovom žanru stvarali drvoreze i slike sa predmetima kao npr. prelepe devojke, kabuki glumci i sumo rvači, kao i scene iz istorije i narodne priče, putničke scene i pejzaži, flora i fauna, pa čak i erotika.

Uvek je teško napraviti listu najbolje slike iz umetničkih tradicija. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su se razvijali veliki broj jedinstvene tehnike i stilovi koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem", kombinirajući kaligrafiju i slikanje tušem kako bi se stvorila rijetka ljepota kompozicija naslikanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan doneli brikete od tvrdog mastila i bambusovu četku iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan se razvio bogato naslijeđe slikanje tušem.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je San ribarske žene. Napisana je 1814 poznati umetnik Hokusai. Prema strogim definicijama, ovo neverovatan rad Hokusai se ne može smatrati slikom, jer je to ukiyo-e drvorez iz Young Pinesa (Kinoe no Komatsu), koji je trotomna knjiga shunga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca seksualno isprepletenog s parom hobotnica. Ova slika bila je veoma uticajna u 19. i 20. veku. Rad je uticao na više pokojni umetnici kao što su Felicien Rops, Auguste Rodin, Luis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec"

Tessai Tomioka je pseudonim poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji bungjinga i jednim od prvih glavni umjetnici Nihonga stil. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala tokom kasnog Edo perioda među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessaiu, razvio je svoje sopstveni stil i tehnologije, ali svi su bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.

3. Fujishima Takeji "Izlazak sunca nad Istočnim morem"

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil). kasno XIX- početak XX veka. 1905. odlazi u Francusku, gdje je pod utjecajem Francuski pokreti tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici "Izlazak sunca nad istočnim morem", koja je naslikana 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro "Deset tipova ženskih lica, kolekcija dominirajućih ljepotica"

Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. On je daleko najpoznatiji po seriji pod nazivom Deset tipova ženska lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav Klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Zamišljena ljubav"). Jedan je od najznačajnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai "Tigar"

Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je Tohaku, Kano slikar iz 16. stoljeća koji je bio jedini slikar svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturista, napisao je neke od njih poznate slike in Japanska istorija Art XIX veka. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.

6. Hiroši Jošida Fudži sa jezera Kavaguči

Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od glavnih ličnosti stila šin-hanga (šin-hanga je umetnički pokret u Japanu početkom 20. veka, tokom perioda Taisho i Showa, koji je oživeo tradicionalnu umetnost ukijo-e , koji se ukorijenio u periodima Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Bio je obučen u tradiciji zapadnog slikarstva ulja, koja je usvojena u Japanu tokom Meiji perioda.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu već i šire. Murakami umjetnost uključuje cela linija medija i obično se opisuje kao superavion. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama "Pumpkin"

Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Ona stvara u razne tehnike uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, umjetnost performansa, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih ovakvih serija veliki umjetnik je serija "Pumpkin". Obična bundeva sa tačkama jarko žute boje predstavljeno na pozadini weba. Zajedno, svi ovi elementi čine vizuelni jezik koji je nepogrešiv za stil umetnika, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne izrade i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, što je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. kreirao je i svoju novi stil butouha, koji pokazuje čvrst stav prema autoritetu sistem umetnosti kroz njegove slike. "Japanski duh br. 14" nastao je kao dio umjetničke sheme "BASARA", koja se u japanskoj kulturi tumači kao buntovno ponašanje niže aristokratije tokom perioda Zaraćenih država kako bi se vlastima lišila mogućnosti da traže savršena slikaživota, oblačenja u pompeznu i raskošnu odjeću i slobodne volje, koja nije odgovarala njihovom društvenom staležu.

10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"

Konačno, " Veliki talas u Kanagawi" je vjerovatno najprepoznatljivija japansko slikarstvo ikada napisano. To je zaista najviše poznato delo umjetnost napravljena u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val, kao što naziv slike govori, najvjerovatnije jednostavno ima anomalno veliku visinu. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.

Malo je vjerovatno da će Yayoi Kusama moći da odgovori šta je činilo osnovu njene karijere kao umjetnice. Ima 87 godina, njena umjetnost je priznata u cijelom svijetu. Velike izložbe njenih radova uskoro će biti održane u SAD-u i Japanu, ali još nije sve ispričala svijetu. “Još uvijek je na putu. Kreiraću ovo u budućnosti“, kaže Kusama. Nazivaju je najuspješnijom umjetnicom u Japanu. Osim toga, ona je i najskuplji živi umjetnik: 2014. godine njena slika "Bijelo br. 28" prodata je za 7,1 milion dolara.

Kusama živi u Tokiju i dobrovoljno je u psihijatrijskoj bolnici skoro četrdeset godina. Jednom dnevno ostavlja zidove da farba. Ustaje u tri sata ujutro, ne može da zaspi i želi da dobro iskoristi vrijeme na poslu. „Sada sam star, ali i dalje ću stvarati više radova i najbolji rad. Više nego što sam radio u prošlosti. Um mi je pun slika”, kaže ona.

(Ukupno 17 fotografija)

Yayoi Kusama na izložbi svojih radova u Londonu 1985. Fotografija: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od devet do šest, Kusama radi u svom trospratnom ateljeu bez ustajanja invalidska kolica. Može hodati, ali je preslaba. Žena radi na platnu položenom na stolove ili pričvršćenom na podu. Atelje je pun novih slika, svetlih radova išaranih sitnim mrljama. Umjetnica to naziva "samoutišavanjem" - beskrajnim ponavljanjem koje prigušuje buku u njenoj glavi.

Prije dodjele nagrada Praemium Imperiale Art Awards 2006. u Tokiju. Fotografija: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Preko puta će se uskoro otvoriti nova galerija, a još jedan muzej njene umjetnosti gradi se sjeverno od Tokija. Osim toga, otvaraju se dvije velike izložbe njenih radova. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektiva njene 65-godišnje karijere, otvorena je u Hirshhorn muzeju u Washingtonu 23. februara i traje do 14. maja, nakon čega će putovati u Sijetl, Los Anđeles, Toronto i Klivlend. Izložba obuhvata 60 slika Kusame.

Njen grašak pokriva sve, od Louis Vuitton haljina do autobusa u njoj rodnom gradu. Kusamino djelo se redovno prodaje za milione dolara i nalazi se širom svijeta - od New Yorka do Amsterdama. Izložbe radova japanskog umjetnika toliko su popularne da su potrebne mjere za sprječavanje stampeda i nereda. Na primjer, u Hirshhornu se ulaznice za izložbe prodaju na određeno vrijeme da se nekako reguliše protok posetilaca.

Prezentacija zajedničkog dizajna Louis Vuittona i Yayoi Kusama u New Yorku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ali Kusami još uvijek treba vanjsko odobrenje. Na pitanje u intervjuu da li je pre više decenija postigla svoj cilj da postane bogata i poznata, iznenađeno je rekla: „Kada sam bila mala, bilo mi je veoma teško da ubedim majku da želim da postanem umetnica. Da li je zaista istina da sam bogat i poznat?"

Kusama je rođen u Matsumotu, u planinama centralnog Japana, 1929. godine u bogatoj i konzervativnoj porodici koja je prodavala sadnice. Ali to nije bio sretan dom. Njena majka je prezirala svog muža koji je varao i poslala malu Kusamu da ga špijunira. Djevojčica je viđala oca sa drugim ženama i to je kod nje izazvalo doživotnu odbojnost prema seksu.

Izlog Louis Vuitton dizajnirao je Kusama 2012. godine. Fotografija: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Kao dijete počela je doživljavati vizualne i slušne halucinacije. Prvi put kada je videla bundevu, zamislila je da joj govori. Buduća umjetnica se nosila s vizijama stvarajući ponavljajuće obrasce kako bi utopila misli u svojoj glavi. Čak iu takvim mlada godina umjetnost je za nju postala svojevrsna terapija koju će kasnije nazvati "umjetnička medicina".

Rad Yayoi Kusame izložen u Muzeju savremena umetnost Vitni 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamina majka se oštro protivila želji svoje kćerke da postane umjetnica i insistirala je da djevojčica slijedi tradicionalni put. „Nije mi dozvolila da crtam. Želela je da se udam - rekla je umetnica u intervjuu. Ona je bacila moj rad. Hteo sam da se bacim pod voz. Svaki dan sam se svađao sa svojom majkom i zbog toga mi je um bio oštećen.

Godine 1948, nakon završetka rata, Kusama je otišao u Kjoto da uči tradicionalno japansko nihonga slikarstvo sa strogim pravilima. Mrzela je ovu umjetnost.

Jedan od eksponata izložbe Yayoi Kusame u Whitney Museum of Modern Art 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kada je Kusama živjela u Matsumotu, pronašla je knjigu Georgije O'Keeffe i bila je zadivljena njenim slikama. Djevojka je otišla u američku ambasadu u Tokiju da pronađe članak o O'Keeffeu u imeniku i sazna njenu adresu. Kusama joj je napisala pismo i poslala neke crteže, i na njeno iznenađenje, Američki umjetnik odgovorila joj je.

“Nisam mogao vjerovati svojoj sreći! Bila je toliko ljubazna da je odgovorila na iznenadni izliv osećanja skromne osobe japanske devojke, koga nikada u životu nije srela niti je čula za njega”, napisala je umetnica u svojoj autobiografiji Infinity Net.

Yayoi Kusama u izlogu koji je dizajnirala za Louis Vuitton u New Yorku 2012. godine. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Uprkos O'Keeffeovim upozorenjima da mladi umjetnici u SAD-u teško prolaze, a da ne spominjemo mlade neudate djevojke iz Japana, Kusama je bila nezaustavljiva. Godine 1957. uspjela je dobiti pasoš i vizu. Ušivala je dolare u svoje haljine kako bi zaobišla strogu poslijeratnu deviznu kontrolu.

Prva stanica bio je Seattle, gdje je održala izložbu u maloj galeriji. Zatim je Kusama otišla u Njujork, gde je bila gorko razočarana. “Za razliku od poslijeratnog Matsumota, New York je u svakom pogledu bio zlo i nasilno mjesto. Za mene je to bilo previše stresno i ubrzo sam zaglibio u neurozu. Da stvar bude gora, Kusama se našla u potpunom siromaštvu. Stara vrata su joj služila kao krevet, a ona je iz kanti za smeće vadila riblje glave i pokvareno povrće kako bi od njih napravila supu.

Instalacija Infinity Mirror Room - Love Forever ("Soba sa ogledalima beskonačnosti - ljubav zauvek"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ova teška situacija navela je Kusamu da se još više uživi u svoj posao. Počela je da stvara svoje prve slike u seriji Infinity Web, pokrivajući ogromna platna (jedno od njih je dostizalo 10 metara visine) očaravajućim talasima malih petlji kojima se činilo da nikad kraja. Sama umjetnica ih je opisala na sljedeći način: "Bijele mreže koje obavijaju crne tačke tihe smrti na pozadini beznadnog mraka ništavila."

Instalacija Yayoi Kusama na otvaranju nove zgrade Muzeja savremene umetnosti Garaže u Centralnom parku kulture i kulture Gorkog u Moskvi 2015. Fotografija: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Ovo opsesivno-kompulzivno ponavljanje pomoglo je da se otjera neuroza, ali nije uvijek spašavalo. Kusama je stalno patila od napada psihoze i završila je u njujorškoj bolnici. Budući da je ambiciozna i svrsishodna i sa zadovoljstvom preuzima ulogu egzotične Azijke u kimonu, pridružila se gomili uticajnih ljudi u umjetnosti i komunicirao sa priznatim umjetnicima kao što su Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama je kasnije rekla da je Vorhol oponašao njen rad.

Kusama je ubrzo stekao određeni stepen slave i izlagao u prepunim galerijama. Osim toga, slava umjetnika postala je skandalozna.

Šezdesetih godina prošlog veka, kada je Kusama bila opsednuta tačkama, počela je da organizuje dešavanja u Njujorku: provocirala je ljude da se skinu goli na mestima kao što su Central Park i Bruklinski most, i slikala njihova tela tačkama.

Pregledano na Art Basel Hong Kong 2013. Fotografija: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Decenijama pre uspona pokreta Okupirajmo Volstrit, Kusama je organizovala događaj u finansijskoj četvrti Njujorka, rekavši da želi da "uništi muškarce sa Volstrita tačkama". Otprilike u isto vrijeme počela je prekrivati ​​razne predmete - stolicu, čamac, kočiju - ispupčenjima faličnog izgleda. "Počeo sam da pravim penise da izlečim svoju seksualnu averziju", napisao je umetnik, opisujući kako je ovo kreativni proces postepeno pretvorio strašno u nešto poznato.

Instalacija Prolazeće zime u galeriji Tate u Londonu. Fotografija: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama nikada nije bila udata, iako je, dok je živela u Njujorku, deset godina imala vezu nalik braku sa umetnikom Džozefom Kornelom. "Nisam volela seks, a on je bio impotentan, tako da smo bili veoma dobri jedno za drugo", rekla je ona u intervjuu za Art Magazine.

Kusama je postala sve poznatija po svojim nestašlucima: ponudila je da spava s američkim predsjednikom Richardom Nixonom ako on okonča Vijetnamski rat. "Hajde da se ukrasimo tačkama", napisala mu je u pismu. Interesovanje direktno za njenu umjetnost je izblijedilo, pala je u nemilost i ponovo su počeli problemi s novcem.

Yayoi Kusama tokom retrospektive njenog rada u Whitney Museum of Modern Art u New Yorku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Vijesti o Kusaminim eskapadama stigle su do Japana. Počeli su je nazivati ​​"nacionalnom katastrofom", a njena majka je rekla da bi bilo bolje da joj je kćerka umrla od bolesti u djetinjstvu. Početkom 1970-ih, osiromašeni i fijasko Kusama se vratio u Japan. Prijavljena je u psihijatrijsku bolnicu, gdje i danas živi, ​​i potonula u umjetnički mrak.

Godine 1989. Centar za savremenu umjetnost u New Yorku je bio domaćin retrospektivi njenog rada. Ovo je bio početak sporog, ali oživljavanja interesovanja za Kusaminu umjetnost. Ispunila je prostoriju sa ogledalom bundevama za instalaciju koja je predstavljena na Venecijanskom bijenalu 1993. godine, a 1998. imala je veliku izložbu u MoMa muzeju moderne umjetnosti u New Yorku. Tu je jednom priredila hepening.

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

U posljednjih nekoliko godina, Yayoi Kusama je postao međunarodni fenomen. Savremena galerija Tate u Londonu i Whitney Museum u New Yorku održali su velike retrospektive koje su privukle ogromnu publiku i učinile njen kultni uzorak točkica veoma prepoznatljivim.

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umjetnica neće prestati raditi, ali je počela razmišljati o svojoj smrtnosti. “Ne znam koliko dugo mogu preživjeti čak i nakon smrti. Postoji buduća generacija koja ide mojim stopama. Biće mi čast ako ljudi uživaju u gledanju mojih radova i ako su dirnuti mojom umjetnošću.”

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Uprkos komercijalizaciji svoje umjetnosti, Kusama razmišlja o grobu u Macumotou - ne u porodičnom trezoru, već naslijedila od svojih roditelja - i kako ga ne pretvoriti u svetilište. „Ali još ne umirem. Mislim da ću živjeti još 20 godina”, kaže ona.

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju istoriju pretrpeo je veliki broj promena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Zajedno sa neverovatna priča Japansko slikarstvo je takođe spremno da predstavi mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim istorijski period zemlje prije pne. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koji su rađeni na grnčariji sa štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na bronzanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e., pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su unutar kripta, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.

U 7. veku nove ere. e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle potiču i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali upravo je ona donijela mnogo novih stvari u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crno-sivim tonovima. Većina izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. On je stvorio klasične slike ali njegovi likovi su bili veoma šareni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina pejzaža je rađena na pozadini pozlate.

Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne evropske i kineske tehnike, koje su bile isprepletene sa tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici prvo u potpunosti oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Edo period zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno da uđe nova faza razvoj. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dato vrijeme stvari su bile veoma različite od onoga što se dešavalo u drugim zemljama. Ovdje se naglo rasplamsava konkurencija između evropskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Evropi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da zapaženih kritičara prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Da bi se izbjegla velika pompa oko ovog problema, Evropski stilovi a tehnike su počele biti zabranjene na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.

Pojava evropskih stilova

Zatim dolazi period Taisho. U to vrijeme u domovinu se vraćaju mladi umjetnici koji su otišli da studiraju u stranim školama. Naravno, oni sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.

Na ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima su antičke japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili i ljubitelji klasike i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu su očuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci su, s druge strane, prisiljeni slijediti primjer potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

WWII painting

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvija se zasebno i nezavisno. Ali nije moglo ovako da traje zauvek.

Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih, još na početku rata, počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali počinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.

Prema tome, japanski art tokom Drugog svetskog rata bio nesposoban. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.

Eternal Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". Ovo definira stil i tehniku ovu umjetnost. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da mu daju svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, u početku su crtali slike, a kasnije su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve što se naziva monohromatskim.

Slikanje japanskim tušem, unatoč širokoj raznolikosti slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, već je rasprostranjena i daleko izvan njenih granica.

Moderni period

Krajem Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljani imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu dočarati savremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Evropske i američke ideje su uspješno usvojene, ali takvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je oduvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

Nemoguće je ne spomenuti moderne moderne subkulture poput animea i sličnih stilova. Mnogi umjetnici pokušavaju brisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Klasika i tradicionalni žanrovi se zapravo ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična država ostala jedina koja nije pratila zapadne trendove, nije se prilagođavala modi. Uprkos brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su uspjeli odbraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno se zbog toga u moderno doba slike rađene u klasičnim stilovima visoko cijene na izložbama.

Zdravo, dragi čitaoci tragaoci za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, koji su usavršavale generacije majstora. Danas ćemo govoriti o najsjajnijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Rođenje umjetnosti

Drevna slikarska umjetnost u Japanu prvenstveno je povezana s posebnostima pisanja i stoga se zasniva na osnovama kaligrafije. Prvi primjeri uključuju fragmente bronzanih zvona, posuđa i kućnih predmeta pronađenih tokom iskopavanja. Mnogi od njih su obojeni prirodnim bojama, a istraživanja sugeriraju da su proizvodi napravljeni prije 300. godine prije Krista.

Nova etapa u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne papirne svitke - primijenjene su slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevlast religijskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, odnosno od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba do danas, nažalost, nisu sačuvana.

U periodu 15.-18. stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika sa razvijenim individualni stil. Označili su vektor dalji razvoj vizualna umjetnost.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti Shubun (početak 15. stoljeća)

Kako bi postao izvanredan majstor, Xubong je proučavao tehnike pisanja kineskih Sung umjetnika i njihov rad. Potom je postao jedan od osnivača slikarstva u Japanu i tvorac sumi-ea.

Sumi-e - umetnički stil, koji se zasniva na crtežu tušem, što znači jedna boja.

Šubun je učinio mnogo da se novi stil ukorijeni u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti i druge talente, uključujući buduće poznate slikare, kao što je Sesshu.

Najviše popularno slikarstvo Shubun se zove "Čitanje u gaju bambusa".

"Čitanje u gaju bambusa" Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Postao je tvorac škole, nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone Kano škole, ali postepeno se njegov individualni "rukopis" počeo pratiti u njegovim djelima. Tohakua je vodila Sesshova grafika.

Osnova rada bili su jednostavni, sažeti, ali realistični pejzaži s nekompliciranim imenima:

• "Borovi";
• "Javor";
• Borovi i cvjetnice.

Pines, Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bili vrsni majstori 18. veka. Najstariji, Ogata Korin, u potpunosti se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.

Ogata Korin slikala je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:

• "Cvijet šljive crveno-bijeli";
• "Talasi Matsushime";
• "Hrizanteme".

Waves of Matsushima, Korin Ogata

Mlađi brat - Ogata Kenzan - imao je mnogo alijasa. Barem se bavio slikarstvom, ali je bio poznatiji kao divan keramičar.

Ogata Kenzan je savladao mnoge grnčarske tehnike. Odlikovao ga je nestandardni pristup, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je bila i njegova posebnost. Voleo je da stavlja kaligrafiju na proizvode poput svitka ili odlomaka iz poezije. Ponekad su radili zajedno sa svojim bratom.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Radio je u stilu ukiyo-e - vrsta drvoreza, drugim riječima, graviranja. Za sve vreme stvaralaštva promenio je oko 30 imena. poznato delo- "Veliki talas sa Kanagave", zahvaljujući kojem je postao poznat i van domovine.

"Veliki talas od Kanagave" Hokusai Katsushika

Posebno naporno Hokusai je počeo da radi nakon 60 godina, što je donelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir bili su upoznati sa njegovim radom, i in donekle uticalo je na rad evropskih majstora.

Ando Hirošige (1791-1858)

Jedan od najveći umetnici 19. vijek. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio Hokusaijev rad, bio inspirisan njegovim radom. Način na koji je prikazao prirodu gotovo je jednako upečatljiv kao i broj samih djela.

Edo - bivše ime Tokyo.

Evo nekoliko figura o njegovom radu, koje su predstavljene ciklusom slika:

• 5,5 hiljada - broj svih gravura;
• “100 pogleda na Edo;
• "36 pogleda na Fudži";
• "69 Kisokaido stanica";
• "53 Tokaido stanice".

Slika Ando Hiroshige

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko kopija svojih gravura.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, vajar, modni dizajner, ime je stekao već krajem 20. veka. U svom radu se pridržava modnih trendova sa elementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtanih filmova.

Slika Takashi Murakamija

Radovi Takashija Murakamija svrstavaju se u subkulturu, ali su u isto vrijeme nevjerovatno popularni. Na primjer, 2008. godine jedno od njegovih djela kupljeno je na aukciji za više od 15 miliona dolara. Svojevremeno je moderni kreator radio zajedno sa modnim kućama "Marc Jacobs" i "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Saradnica prethodnog umjetnika, stvara savremene nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice megagradova i stvorenja kao iz drugog svemira - duhove, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se može vidjeti netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.

Njene slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničeni na papir. Prebacuju se na kožu, plastične materijale.

2006. godine, u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih konstrukcija koje su danju i noću odražavale ljepotu prirode sela i grada. Jedan od njih je ukrasio stanicu podzemne željeznice.

Hej Arakawa

Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom u klasičnom smislu te riječi – on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, kao i rada cijelog tima.

Hej Arakawa često učestvuje na raznim bijenalima, na primjer, u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini, zasluženo prima različite vrste nagrade.

Ikenaga Yasunari

Moderni slikar Ikenaga Yasunari uspio je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnoj formi i tradicionalne tehnike Japana potiču iz antike. U svom radu slikar koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugalj. Umjesto uobičajenog lana - lanena tkanina.

Ikenaga Yasunari slika

Slična tehnika kontrastiranja prikazanog doba i izgled heroine ostavljaju utisak da su nam se vratile iz prošlosti.

popularan u novije vrijeme u online zajednici, seriju slika o složenosti života krokodila napravio je i japanski karikaturist Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko slikarstvo je nastalo oko 3. veka pre nove ere, i od tada se mnogo promenilo. Prve slike su primijenjene na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U eri novog doba majstori kista su stekli sve velika ličnost, kreirano različitim pravcima, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo- koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne konstrukcije.

Hvala vam puno na pažnji, dragi čitaoci! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetničke umjetnosti omogućile su da ih bolje upoznate.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak ka poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!