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FGBOU VO "Universidad de Diseño y Tecnología de Omsk"

Características del diseño de un disfraz teatral infantil.

Borisova E.A., Tolmacheva G.V.

Resumen

El artículo considera un traje de teatro infantil como un objeto de diseño con muchas tareas. Por ejemplo presentación teatral"Ángeles" presenta las etapas de desarrollo de un disfraz para niños, se indican las sutilezas de su especificidad, se indican las características de fabricación. Se consideran los requisitos más característicos: funcionales, estéticos, ergométricos. Pero dado que el disfraz no solo puede cautivar al actor para que juegue y ayude a revelar la imagen, puede realizar funciones adicionales que son importantes para los niños: cognitivas y de desarrollo; adaptación y cohesión, mejorando el entendimiento mutuo en el equipo; desarrollo de un sentido de individualidad, asistencia en la autoexpresión. La apelación al tema de investigación es relevante, ya que en últimos años se están abriendo muchos círculos, se están abriendo estudios creativos y el diseño de un vestuario teatral para niños requiere un análisis profesional, serio y cuidadoso.

El contenido principal del estudio.

El teatro es una forma de arte, donde mucho está diseñado para efectos externos. El papel del traje como escenario "en movimiento" siempre ha sido y sigue siendo dominante. Pero aún más importante es el vestuario teatral en especialistas estudios de teatro que forman parte del programa de desarrollo y educación de los niños. Un disfraz es un medio de transformación de un actor, un elemento de un juego, una parte de una representación teatral. Pero también es un objeto de diseño, un producto en el que están trabajando muchos especialistas. Productor juego de niños junto con los actores y el artista forma la imagen del futuro vestuario teatral, establece tareas; diseñador de vestuario, diseñador encarnar lo que fue concebido en materiales. Los requisitos para el diseño de un vestuario teatral para un estudio donde juegan los niños tienen sus propias características asociadas a la estética, fabricación y funcionamiento de un vestuario teatral. Es deseable un ajuste holgado moderno, de acuerdo con las últimas tendencias de la moda, un enfoque simplificado pero efectivo para el acabado y la decoración. La elección de la tela debe ser coherente con el concepto de la actuación En el artículo, los autores analizaron y describieron las principales etapas del trabajo. Los más significativos al diseñar un disfraz teatral para niños son los requisitos funcionales que determinan el grado de cumplimiento del disfraz con la función objetivo principal: revelar la imagen, el carácter y los hábitos, el estado de ánimo del héroe. No menos importantes son los requisitos estéticos: los requisitos de expresión artística, armonía, unidad estilística con la época y el estilo de la actuación. El disfraz no solo debe verse espectacular desde el escenario, sino que también debe encajar armoniosamente en el concepto visual general de la actuación. A la hora de diseñar un vestuario teatral para niños es especialmente importante tener en cuenta los requisitos ergonómicos que caracterizan el grado de comodidad y adaptabilidad del producto al actor: no causar molestias durante el juego (ser higroscópico y transpirable), ser cómodo para movimientos de baile, y no causar dificultades al cambiarse de ropa entre actuaciones. Por lo tanto, la tarea principal del diseñador de vestuario es completar todas las tareas y crear la imagen del actor.

Considere las características de diseño, usando el ejemplo de la actuación "Ángeles", donde la idea artística principal era que los "Ángeles" viven entre las personas. La principal condición artística para crear disfraces fue "una imagen no estándar de ángeles y su parafernalia", para quitar los marcos y desarrollar la imaginación de los niños, que es muy útil para ellos. La creatividad se desarrolla y enriquece a medida que se amplía el alcance mundo objetivo, transformado por una persona, el alcance de sus conocimientos y habilidades. Dado que el "Ángel" en las religiones abrahámicas es un ser espiritual e incorpóreo, a menudo representado con alas, estos aspectos se tomaron como una fuente creativa al crear el proyecto. Como reemplazo alternativo de las tradicionales alas teatrales, los diseñadores desarrollaron brazaletes removibles, que , asegurado en varias capas de tela de malla color diferente y formas (de mayor a menor), recortadas en forma de plumas estilizadas y unidas a una banda elástica ajustable. Son móviles, muy funcionales, no voluminosos, al mover las manos enfatizan y mejoran el efecto de ligereza, ligereza. Tales elementos del disfraz también son una forma de inspiración para los niños, su estado de ánimo emocional durante la actuación. El color principal de los vestidos era el blanco. Simboliza la pureza, la limpieza, la inocencia, la virtud, la alegría; asociado con la luz del día. Los colores de la tela de malla para la decoración se eligieron en tonos pastel nobles correspondientes a los atributos mitológicos de los ángeles: dorado, beige, rosa, azul.

La siguiente tarea del proyecto es la economía. Por lo tanto, el principal material del que se propone para la fabricación de disfraces es el algodón, es un tejido económico y natural que posee propiedades higroscópicas y de resistencia. Decorar la ropa es uno de los medios de expresión personal más accesibles y atractivos, lo que le permite declarar su propia singularidad. El decorado se propone a partir de malla de nylon, que a pesar de su suavidad mantiene muy bien su forma, a la vez que es ligera (lo que es importante para un disfraz infantil y que es un problema habitual en el vestuario de teatro)

El módulo del elemento decorativo es una cinta cortada de una cuadrícula. No requiere procesamiento adicional, debido a esto, se resuelven varios problemas: reducción del tiempo de producción, simplificación de la tecnología de fabricación, ligereza y eficacia. Debido a la suavidad y las propiedades plásticas de la tela de malla, es posible formar líneas de decoración, pliegues, pliegues y moldes complejos, curvos y cóncavos de diferentes maneras. La transparencia de la cuadrícula permite, al aplicar un color a otro, crear el efecto de ligereza, ligereza, transición de color de uno a otro, lo que enfatiza la fantasía y la irrealidad de las imágenes de la actuación.

Varios actores están en el escenario al mismo tiempo. Para mantener un estilo único en el proyecto, se eligieron las mismas siluetas: blanca y trapezoidal. Psicológicamente, el mismo color y silueta del vestuario cumple la función de unir a los actores en un solo equipo, formar un sentido de cohesión, perteneciente a acción común y tarea Por otro lado, la decoración del vestuario y su color para cada actor se hace deliberadamente diferente, enfatizando la individualidad. Una combinación armoniosa de color y decoración en un disfraz es especialmente importante, ya que son ellos quienes hacen que los disfraces sean hermosos, armoniosos e interesantes para los niños.

Una tarea importante en el diseño de un vestuario teatral para niños es su modernidad. Los psicólogos aconsejan que para que un niño no se sienta incómodo entre sus compañeros, es necesario vestirlo con ropa elegante e interesante de un corte moderno que corresponda a las tendencias, por lo que existe un sentido de individualidad, confianza en sí mismo, que también es importante. por la emancipación de un actor en el escenario. La ropa puede dar confianza a una persona que por alguna razón es cerrada, pero que en su corazón aspira al liderazgo. Por ejemplo, si el niño es introvertido, lamentablemente puede ocurrir el efecto contrario. Se sentirá terriblemente incómodo y esto le impedirá hacer sus cosas habituales, comunicarse con otros actores y espectadores. Para los niños, las actuaciones son, ante todo, una forma de comunicarse entre sí, por lo tanto, cuando los actores están vestidos con elegancia, estilo, expresividad, son libres, enérgicos, contagiosos, y esto ya es un medio de socialización, adaptación y la capacidad de construir comunicación tanto entre ellos como con la audiencia. La responsabilidad por las propias acciones y la conciencia de la propia capacidad para influir en el mundo que lo rodea generalmente fortalece la satisfacción y la confianza en sí mismo del niño.

Al crear vestuario teatral, es difícil e importante cumplir con los requisitos funcionales, ergométricos y estéticos. Los niños necesitan comodidad, deben ser cómodos para moverse, al mismo tiempo. acción teatral implica el "apego" de la audiencia a los actores, es decir, el efecto externo del vestuario es importante.

¿Traje tan teatral? este no es solo un medio para transformar al actor, un elemento del juego, sino que también es un objeto de diseño, al diseñarlo, es importante tener en cuenta muchos factores que afectan la funcionalidad del disfraz.

En el transcurso del estudio del proyecto, se puede concluir que el diseño de un vestuario teatral para niños requiere que se tengan en cuenta funciones adicionales:

cognitivo y en desarrollo;

estética y lúdicamente atractivo;

adaptado.

Al mismo tiempo, es importante tener en cuenta la psicología, el simbolismo, las asociaciones para ayudar a los jóvenes actores a comprender y revelar imágenes, personajes y mejorar el entendimiento mutuo entre artistas y espectadores.

Al diseñar vestuario teatral para un estudio infantil, como resultado de un estudio de anteproyecto, se eligió lo siguiente: el mismo color y siluetas de vestidos, con el fin de mantener un estilo único de la actuación, crear un sentido de cohesión y unidad. los actores en un equipo. Una variedad de decoración y su color cumplen la tarea de individualización. Para el desarrollo de la actividad cognitiva: se utilizaron varias partes removibles, grandes elementos decorativos hechos de telas de malla ligera. Para involucrarse en el proceso creativo del juego, se eligieron colores pastel, decoración espectacular, dando fabulosidad, evocador alegría, enfatizando el simbolismo mitológico.

traje de teatro infantil

Literatura

1. Amirzhanova A.Sh., Tolmacheva G.V. El papel de la creatividad en la formación de una personalidad artística // Revista Internacional de Educación Experimental. - 2015. Nº 12-3. S.319-321. URL: http://elibrary.ru/download/74553964. pdf

2. Goethe, IV. A la doctrina del color. Sáb / Trans. De inglés. - M.: "Refl-book", K.: "Vakler". - 1996, - S.281-349

4. Hoffman AB Moda y gente. Nueva teoría de la moda y el comportamiento de la moda.4ª edición. - M.: KDU. - 2010. - P.228

5. Kostyukova Yu.A., Zakharova A.S., Chagina L.L. Características del diseño de vestuario teatral // Boletín de KSTU. - Kostromá: 2011. - Nº 1 (26). - Pág.99. URL: archivo: // /C: /Usuarios/%D0%95%D0%B2%D0%B3%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F/Descargas/1vestnik_kostromskogo_gosudarstvennogo_tekhnologicheskogo_uni. pdf

6. Timofeeva M.R., Tolmacheva G.V. Diseño textil. Tecnologías Innovadoras // Revista Internacional de Tecnologías Aplicadas y investigación fundamental. - 2015. Nº 12-4. págs. 722-726. URL: http://elibrary.ru/download/90776650. pdf

7. http://www.iddosug.net/articles. php? arte=2283 Editorial"Ocio"

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Después de crear al menos un rol, quedará claro para usted. qué significa para un artista una peluca, una barba, un disfraz, una cosa falsa, necesaria para su imagen escénica.

KS Stanislavsky

Todo es importante en un traje teatral: composición, plasticidad, ritmo, color, línea. Y el color es tan importante que se puede comparar con la pintura. El color es especialmente importante en el vestuario teatral histórico y fantástico, así como en el vestuario pop. El traje crea un cierto entorno predeterminado alrededor de una persona, un microcosmos especial que ayuda al actor a adaptarse más fácilmente al nuevo rendimiento, a la nueva entorno, a otras personas. A diferencia de otros tipos de arte, el disfraz es muy flexible, móvil: es fácil cambiarlo parcial o incluso por completo. Esta propiedad del disfraz hizo posible más de una vez reflejar rápidamente eventos importantes en la vida pública u otra información sobre ellos, a veces antes de los eventos mismos. En este sentido, es interesante recordar los trajes del período de la Gran Revolución Socialista de Octubre: pantalones de montar rojos, chaquetas de cuero, Budyonovka, gorras sin visera, chalecos, bufandas rojas. M. Gorky comentó una vez que si la revolución creó trajes coloridos, entonces los necesitaba. Hay recuerdos interesantes de los primeros años de trabajo de la Cheka, cómo en esos años muchos "antiguos" intentaron encajar con los nuevos amos del país. No se afeitaban, andaban con toscas túnicas de soldado y algunos se ponían chaquetas de cuero. Estas chaquetas fueron la mejor evidencia puntos de vista políticos. Por supuesto, Gorky tenía razón: los disfraces de los revolucionarios no fueron un accidente: ayudaron a crear una imagen generalizada de estas personas desesperadamente valientes, valientes y desinteresadas. Se puede crear un disfraz basado en una forma o color. Cada elemento puede convertirse en una referencia, pero el color sigue siendo el primero en cuanto a la fuerza del impacto emocional. Basta con nombrar cualquier color, ya que inmediatamente aparece una serie asociativa. Pero hay un punto muy importante: los colores cálidos, especialmente brillantes, se expanden visualmente y acercan la figura del actor al espectador. Los colores puros y fríos hacen que la figura sea visualmente más pequeña y, por así decirlo, se adentra más en la escena.

Hablando de disfraces de carteles, uno puede recordar a los pueblos de la India, quienes, en el curso de la lucha por su independencia, por sugerencia de Mahatma Gandhi, dejaron de comprar productos ingleses e introdujeron ropa modesta hecha con materiales caseros. Los británicos percibieron este disfraz como una rebelión y, a veces, incluso lo fusilaron por ello. Así, el traje lleva un lenguaje pictórico específico.

Al comenzar a crear vestuario para un espectáculo, variedad, circo u otro espectáculo, el artista se enfrenta a la pregunta: ¿qué encarnaré, para quién y cómo?

La primera pregunta implica una idea. El concepto de la imagen y la atmósfera de la actuación. El segundo es una comprensión de las obligaciones con la audiencia y el conocimiento de la audiencia.

La idea de la trama anticipa su composición, dicta los personajes, su carácter moral, y por ende su apariencia.

El proceso de elaboración de un vestuario teatral se divide en tres etapas:

1)el período de acumulación y comprensión de material basado en la dramaturgia.

El artista, basado en el conocimiento de las leyes de composición, las leyes del teatro, así como las tareas de esta actuación, las utiliza en su trabajo. En este caso, tanto el director como los actores están involucrados.

2)trabajando en un boceto

3)traducción de este boceto en volumen y material.

La búsqueda de la verdad no es posible sin emociones. Es por eso que las emociones causadas por el disfraz, la actuación no deben ser aleatorias, sino que los pensamientos y asociaciones deben ser organizados y resueltos por el artista. Todo está muy interconectado, porque el espectador percibe no solo con la ayuda del oído, el olfato, sino también con la ayuda de la vista. Y la visión es una especie de mundo de imágenes, que se forma por asociaciones, por experiencia de vida. Un artista debe ser psicólogo al mismo tiempo; debe ser capaz de predecir las asociaciones de su espectador. Cada autor-dramaturgo requiere su propia forma especial de actuación, por lo tanto, un artista, como un actor, debe tener la capacidad de "reencarnarse" según el material que encuentre: ya sea la dramaturgia de V. Shakespeare, A. Ostrovsky o N. Pogodin.

La credibilidad externa no siempre decide la mayor verdad de la imagen. Shakespeare es ilustrativo a este respecto. Es posible transferir a los verdaderos guerreros Elsinore y daneses con armaduras pesadas al escenario, pero en tales escenarios y disfraces será posible representar no Hamlet, sino, en el mejor de los casos, escenas cotidianas de la Edad Media del norte. Shakespeare, con su poderosa generalización, no tolera la verbosidad y la fragmentación, ni en la interpretación del director ni en el diseño. Requiere la escala del pensamiento artístico, la simplicidad y la máxima consideración de cada detalle. Es por eso que trabajar en las obras de Shakespeare es la piedra de toque de todos. artista de teatro.

La dirección del trabajo del artista teatral también depende de las exigencias del género.

Frente a teatro dramático, debe recordar que la base de la actuación es el actor y que la tarea principal del decorador es presentar al actor de la manera más favorable, crear circunstancias típicas para las notas y que enfaticen el significado de la acción.

En oner el artista actúa en mayor igualdad con los performers. Debido a que la música está asociada a las sensaciones visuales, la escenografía actúa aquí como una forma de expresión pictórica de la música. Esta forma debería impresionar, de ahí la necesidad de un comienzo espectacular completo en la ópera. Pero el entretenimiento no debe reducirse a oropeles, estereotipos y hermosuras, que hasta los grandes maestros del escenario pecaron. Nuestros mejores decoradores de ópera, Williams y Dmitriev, siempre han luchado contra el prestigio operístico puramente exterior, siendo capaces de expresar el espíritu monumental de una interpretación de ópera de una forma bastante concisa y sobria. Debido al hecho de que en las escenas de multitudes grandes grupos actores, el color del vestuario es de particular importancia. El movimiento de la multitud alrededor del escenario puede dar al espectáculo un tremendo poder dinámico si el artista encuentra la clave de color adecuada. Así, por ejemplo, el artista F. Fedorovsky en la ópera Khovanshchina de M. Mussorgsky logró determinar la atmósfera emocional de la actuación de acuerdo con la música, con su verdadero dramatismo.

Un artista de teatro, a diferencia de un pintor, escultor y grafista, que dicen en sus cosas lo que quieren decir en este momento, puede hacer públicos sus pensamientos y sentimientos sólo por medio de material dramático apropiado. Cuanto mayor sea la calidad de este material, más interesante será para el decorador trabajar en él.

La dramaturgia soviética brinda las oportunidades más ricas para el trabajo creativo de un artista teatral. El artista cada vez tiene que volver a buscar la forma de la actuación moderna, y si encuentra que coincide con la esencia tanto como sea posible obra dramatica, es difícil para todos los directores posteriores, incluso los más experimentados, deshacerse de él. Por ejemplo, el diseño de la "Tragedia Optimista" de Vs. Vishnevsky en el Estado de Leningrado teatro académico El drama que lleva el nombre de A. S. Pushkin (1955) repite hasta cierto punto la decisión de la misma obra en el Teatro de Cámara de Moscú (1933).

Un papel similar en el teatro soviético fue desempeñado por el diseño de "Egor Bulychev" de V. Dmitriev por M. Gorky (Teatro Evg. Vakhtangov, 1932), así como "Rift" de N. Akimov por B. Lavrenev (Teatro que lleva el nombre de Evg. Vakhtangov, 1927;) y N. Shifripym "Virgin Soil Upturned" de M. Sholokhov (Teatro ejército soviético, 1957)

E.O. Kibrik: “Cada objeto, figura o elemento individual debe colocarse de esta manera. para que sean fácil y claramente percibidos por el espectador. Al crear vestuario, escenografía, el artista debe pensar en la actuación como un todo. Para hacer esto, debe separar el principal del secundario. La tarea principal del artista es lograr la unidad de la idea de diseño y su implementación.

Por supuesto, el vestuario es una parte muy importante de la actuación, y no solo para el actor de este papel, sino también para sus compañeros. El traje a veces revela algunos de los rasgos del propio personaje, velados en la obra.

Pero la dificultad radica en el hecho de que uno debe tener en cuenta la apariencia del actor y el personaje, las características de su personaje. El disfraz debe ayudar al actor a transmitir el estado del personaje durante la actuación. Para ello, es necesario prever su interacción con las cosas y con otros personajes. Además, es muy importante cómo interactúa el disfraz con el escenario, bajo diferentes efectos de iluminación.

Para nadie es un secreto que el teatro es una convención, es decir, como si "arreglara" con el espectador las reglas del juego. Las reglas siempre son diferentes, dependiendo de las tareas, pero todavía hay una cosa principal para todos: debe haber armonía y buen gusto. Para el teatro es muy importante que la convención adoptada en esta representación sea comprensible para el público. La violación de las condiciones del juego conduce a una violación de la integridad del trabajo.

En el curso del trabajo, el artista se familiariza con el traje histórico, con la vida de esa época, que se mostrará en la actuación, esboza los trajes más adecuados. Y, analizando esto, es necesario encontrar enfoques modernos a la divulgación de la obra, que hará comprensible la representación al público de hoy. En esta búsqueda, el artista se guía por su cosmovisión moderna, su conocimiento de la estética moderna, su elevada percepción de todo lo nuevo y relevante.

Habiendo definido el concepto principal, pasamos a los detalles: al desarrollo de siluetas, acabados, detalles. Y en esta etapa hay una búsqueda de la individualidad de cada personaje. Para ello, se dibujan pequeños bocetos a color. Reflejan el curso de la reflexión, la búsqueda.

La siguiente etapa son los bocetos de trabajo, que son aprobados por el consejo artístico y los actores. El boceto de trabajo debe ser una buena guía para el trabajo de los talleres: debe definir claramente la forma, la silueta, las proporciones, los acabados. Además, dichos bocetos deben dibujarse no solo desde el frente, sino también desde el costado de la espalda y, en el caso de siluetas complejas, de perfil.

Cuando se completa la parte gráfica del trabajo y se aprueban los bocetos, comienza la última etapa importante del trabajo en el disfraz: la traducción del boceto en material, en un disfraz. Para el artista, la parte crucial es la instalación. Si bien el disfraz aún no está listo, es necesario juntar todas las telas y adornos y fijarlos primero en el maniquí. Luego verifique la primera impresión general en el escenario e ilumine los maniquíes como se iluminará a los actores.

En la prueba, los actores dicen cómo se sienten con este disfraz, expresan sus deseos. Pero lo principal en el proceso de todos los retoques y alteraciones es no perder la idea principal, la idea. Peter Brook no dijo accidentalmente. ¿Cuál es el mayor elogio para el desempeño, si podemos decir que es sólido? Solo una composición integral completa puede llamarse obra de arte.

En un traje teatral, la silueta está determinada no solo y no tanto por el estilo que prevalece en el arte, sino por la naturaleza de la imagen escénica, los datos psicofísicos del actor.

En cada traje, como regla, hay muchas líneas: el contorno: la silueta, las líneas de las tablas, las líneas de las coquetas, los bolsillos, la corbata. Todos ellos son diferentes en naturaleza y dirección. La tarea del artista es combinarlos de tal manera que la mejor manera servir como una composición. Por ejemplo, las líneas verticales, así como las suaves y redondeadas, crean una sensación de movimiento tranquilo; diagonal - más animada; horizontal: una sensación de lentitud, casi estática; los asimétricos parecen moverse activamente. En los adornos antiguos, una línea horizontal denotaba la Tierra, una línea discontinua: fuerzas formidables de la naturaleza (relámpagos), una línea ondulada: agua.

Color

Se puede crear un disfraz basado en una forma o color. Cada elemento puede convertirse en una referencia, pero el color sigue siendo el primero en cuanto a la fuerza del impacto emocional. Basta con nombrar cualquier color, ya que inmediatamente aparece una serie asociativa. Pero hay un punto muy importante: los colores cálidos, especialmente brillantes, se expanden visualmente y acercan la figura del actor al espectador. Los colores puros y fríos hacen que la figura sea visualmente más pequeña y, por así decirlo, se adentra más en la escena.

Se sabe que en diferentes paises ah, en diferente tiempo se dio preferencia a cualquier color o cualquier esquema de colores. Estas preferencias se crean razones sociales y cualidades individuales de las personas.

Por ejemplo, Pavel Ivanovich Chichikov (N.V. Gogol "Dead Souls") - "el terrateniente según sus necesidades" - no podía usar uniforme, ni uniforme. Pero un frac negro sería demasiado específico para él, ya que se percibe sin ambigüedades en la época a la que se refiere el tiempo del poema. Y luego se pone un "frac color arándano con chispa" cuando fue a la fiesta del gobernador, donde "los fracs negros titilaban y se desparramaban y amontonaban aquí y allá, como moscas que se escurren sobre un azúcar refinada blanca y brillante". La alternancia de los nombres de color del color Chichikov no es un accidente. La variabilidad está a la par con características de Chichikov como: "no se puede decir que es viejo, pero no demasiado joven", "no guapo, pero no feo". Se puede suponer que aquí el color de Gogol tiene una connotación emocional; este es un medio de caracterización psicológica del personaje. Dado que el frac negro hablaba de la frivolidad de su dueño, Chichikov, para causar una impresión sólida, prefería usar fracs de colores.

Y ahora sobre el grado de saturación de color, es decir. sobre el tono Tiene la capacidad de evocar ciertas emociones. Todos los colores que están por un lado del gris parecen claros y alegres (hacia el blanco), y por el otro lado, más tétricos. Al estar entre ellos, el del medio es el más tranquilo para nuestros ojos.

Composiciones en las que predominan los tonos medios y cercanos evocan sensaciones de equilibrio. El tono promedio, dependiendo del entorno, se vuelve más claro o más oscuro. El blanco y el negro permanecen inalterables en cualquier entorno. El tono medio acromático es la mejor medida para ajustar con precisión la saturación de los tonos de color.

Para controlarse, el artista puede hacer un tapete de color gris medio para su boceto, y luego obtendrá una idea precisa de las ventajas y desventajas tonales de sus disfraces.

En trajes complejos con muchos detalles, tres tonos pueden no ser suficientes. Puedes utilizar uno o dos tonos adicionales, que deben gravitar hacia los tres principales para que el disfraz no pierda legibilidad.

En el vestuario teatral, se le da gran importancia a la silueta, especialmente si se toma como base el traje histórico. Debe modernizarse con más cuidado, porque al cambiarlo, cambian las características del estilo dominante en el arte. Basta con cambiar el volumen, la masa, la textura, el color, el acabado. Pero la silueta que más revela el espíritu de la época, portando su aroma, debe conservarse en sus rasgos principales. Aunque en el teatro todo puede no estar de acuerdo con las reglas.

En un traje teatral, la silueta está determinada no solo y no tanto por el estilo que prevalece en el arte. Cuanto el carácter de la imagen escénica, los datos psicofísicos del actor. Pero sea cual sea la decisión, la silueta sigue siendo el elemento más importante de la composición del vestuario. En el modelado, las siluetas se dividen en estructurales, que revelan y repiten formas. cuerpo humano, y también enfatizar cómo sus ventajas. También lo son los defectos, y los decorativos, que se desvían de los contornos naturales de la figura, enmascaran las formas y líneas. Tales siluetas distorsionan visualmente las proporciones. Son los más adecuados para resolver tareas complejas de vestuario: para identificar imágenes muy características, para crear fantásticos, trajes fabulosos. Puede haber siluetas complejas, que consisten condicionalmente en una o varias formas geométricas.

La línea de la silueta es igual de importante. Abre las formas de los volúmenes principales y adicionales de ropa, crea una idea de plasticidad. La línea ayuda al espectador a percibir las proporciones no solo de todo el traje como un todo, sino también de todas las relaciones de las pequeñas formas y su armonía dentro de él.

Análisis de escenografía

5.a. Primera opción. En el centro hay un círculo (cilindro hueco), como símbolo de inevitabilidad y fugacidad. Sobre ella hay una escalera de cuerda, situada en forma de cruz católica. La cruz juega un papel importante en la representación como símbolo de la fe, no la que imponen los arzobispos, inquisidores, etc., sino la que inspira esperanza. De círculo a lados diferentes escaleras de cuerda divergentes que descienden del escenario. Dado que la era que estamos considerando es la era de la Inquisición, y como resultado, la era de la mezquindad, la traición, las personas aparecen como serpientes a lo largo de estas escaleras desde diferentes ángulos. Además, en el contexto de un círculo de terciopelo rojo, un backstage. Desciende en el momento del derramamiento de sangre, en el momento del estallido de las hostilidades. Y eso marca la pauta. Thiel puede crear una imagen del espíritu de Flandes con cuerdas colgantes, moviéndose con la ayuda de las cuales se asemeja a un pájaro.

5B. Segunda opción. Esta opción se basa en el mástil del barco con sus velas, escaleras de cuerda. Al comienzo de la actuación, las "velas" se sostienen en el "mástil", con el desarrollo de la trama se bajan. Y luego se abre un color rojo, luego gris, luego naranja. Depende de las acciones que se desarrollen en el escenario. El cilindro juega el papel de un lugar frontal (al comienzo de la representación).

Métodos de creación de colecciones

Colección de vestuario teatral para esta función

Los métodos que se han utilizado en este tesis:

1.comparativo-analítico.

Con base en este método, un trabajo de investigación sobre el estudio del traje histórico de Flandes en el siglo XVI. Como resultado, se reveló que la ropa de este período estuvo influenciada por Francia y España. En cuanto al color, los trajes de los campesinos están dominados por tonos más oscuros y terrosos, en varias combinaciones interesantes. Y, por el contrario, en el traje de los nobles: colores más brillantes y saturados. Esta diferencia es la influencia española.

Pero en esta colección se decidió cambiar este principio cromático del traje histórico. Rey, reina, séquito en la corte (todos españoles) - en blanco y negro. Viven según el principio del ajedrez. Y este modo de existencia no puede llamarse vida. Es un juego. Mate.

2. El método asociativo se basa en asociaciones recibidas de una fuente creativa, en este caso de la obra de teatro de G. Gorin "The Legend of Til".

Cada personaje de esta obra tiene rasgo distintivo, cada uno tiene su propio carácter, su propia imagen única. Además, casi todos los personajes cambian a lo largo de la obra, por lo que también cambia el vestuario.

TEATRO - aspecto sintético arte que nos permite no solo escuchar, no solo imaginar, sino también mirar, ver. El teatro nos brinda la oportunidad de ser testigos de dramas psicológicos y partícipes de hechos y acontecimientos históricos. Teatro, presentación teatral es creado por el esfuerzo de muchos artistas, desde el director y el actor hasta el diseñador de producción, porque la actuación es una "conjugación varias artes, cada uno de los cuales en este plan se transforma y adquiere una nueva cualidad..."

traje de teatro es un componente de la imagen escénica del actor, es signos externos y las características del personaje retratado, ayudando a la reencarnación del actor; medios de influencia artística en el espectador. Para un actor, un traje es materia, una forma inspirada en el significado del papel.

Así como el actor en palabra y gesto, movimiento y timbre de su voz crea una nueva esencia de la imagen escénica, a partir de lo que se da en la obra, así el artista, guiado por los mismos datos de la obra, encarna la imagen por medio de su arte.

A lo largo de la historia centenaria del arte teatral, el diseño de escenarios ha sufrido constantemente una transformación evolutiva, provocada no solo por la mejora de la tecnología escénica, sino también por todas las vicisitudes de los estilos y la moda de los tiempos correspondientes. Dependía de la naturaleza de la estructura literaria de la obra, del género de la dramaturgia, de la composición social de la audiencia y del nivel de la técnica escénica.

Los períodos de estructuras arquitectónicas estables de la antigüedad dieron paso a las etapas primitivas de la Edad Media, que a su vez dieron paso a los teatros de la corte real con lujo autosuficiente de representaciones. Hubo actuaciones en tela, en escenarios constructivos complejos, solo en diseño de iluminación, sin decoración en absoluto, en un escenario desnudo, en una plataforma, solo en un pavimento.

El papel del traje como escenario "en movimiento" siempre ha sido dominante. El punto de vista sobre su "relación" con el actor, el tiempo y la historia, y finalmente, con su "compañero" inmediato, el diseño artístico del escenario, cambió.

En el proceso de desarrollo progresivo del arte del teatro moderno, la innovación de la dirección, la transformación del método de diseño artístico, el papel del arte del vestuario no está disminuyendo, al contrario. Con el crecimiento de sus contrapartes más jóvenes y flexibles -el cine y la televisión- el teatro, sin duda, adquiere en busca y tormento nuevas formas de técnicas espectaculares, precisamente aquellas que defenderían y definirían la posición del teatro como el valor perdurable de un teatro independiente. forma de arte. El vestuario, como elemento más móvil de la escenografía teatral, ocupa el primer lugar en esta búsqueda.

alto cultura moderna el arte teatral, el sutil y profundo trabajo de dirección sobre la obra y la representación, el talento de los actores requieren del artista que diseña la representación, una penetración especialmente cuidadosa en la dramaturgia de la representación, un estrecho contacto con la dirección. El diseño moderno no está canonizado por las reglas. Es individual y concreto en cada caso particular. “El trabajo de un director es inseparable del trabajo de un artista. Primero, el director debe encontrar sus propias respuestas a los problemas básicos de diseño de escenarios. El artista, a su vez, debe sentir las tareas de ambientación y buscar persistentemente los medios expresivos..."

El vestuario teatral se crea primero por medios visuales, es decir, un boceto.

TRAJE DE TEATRO, elemento de rendimiento. En la historia del teatro se conocen tres tipos principales de vestuario teatral: personaje, obra y vestuario. actor. Estos tres tipos principales de vestuario existen en todas las etapas de las artes escénicas, desde el preteatro ritual y folclórico hasta la práctica artística moderna.

Un disfraz de personaje es una especie de composición figurativo-plástica sobre la figura del performer, puesta en movimiento por él y sonorizada (pronunciando el texto o cantando), ocultando en ocasiones su figura por completo, de forma similar a como la máscara le cubría el rostro. Ejemplos de vestuario de personajes en rituales y ceremonias de diferentes países del mundo. La silueta en forma de campana del traje indio era una paráfrasis del templo torre-tienda de Nagar Shakhara y montaña sagrada Menú (centro y eje del mundo en mitología hindú). Chino: con su forma, diseño, ornamentación y color expresa el antiguo simbolismo cosmológico de la alternancia natural de la Luz y la Oscuridad, la fusión del Cielo y la Tierra en el acto de crear el mundo. El traje de chamán de los pueblos del norte encarna las imágenes de un pájaro fantástico asociado con el "mundo superior" y un animal (un habitante del "mundo inferior"). El sur de Rusia es una especie de modelo del Universo. En las representaciones tradicionales de la Ópera de Pekín, el traje era la imagen de un dragón formidable, en el teatro japonés "No", los motivos de la naturaleza, y en la era barroca del siglo XVII. - Feria o Mundo. Si para las representaciones rituales y folclóricas, los disfraces de personajes (como todos los demás elementos de la escenografía) fueron el fruto del trabajo de maestros folclóricos anónimos, entonces en el siglo XX, desde sus inicios, los artistas comenzaron a componerlos: I. Bilibin - en la ópera el gallo de oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - en Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - en Zar Maximiliano, P. Filonov - en tragedia vladimir mayakovski, finalmente, K.Malevich - en el proyecto victoria sobre el sol(las tres producciones en 1913). Y luego, a fines de la década de 1910, la primera mitad de la década de 1920. toda una serie de disfraces de personajes fueron creados por los futuristas italianos E. Prampolini, F. Depero y otros, O. Schlemmer de la Bauhaus alemana, y en el ballet, por P. Picasso, que mostró a los grotescos Gerentes en Desfile E. Satie y F. Leger - Deidades negras en creación del mundo D. Millau. Finalmente, la "arquitectura" de vestuario cubista de A. Vesnin adquirió un significado de carácter en las actuaciones de A. Tairov - en Anunciación, sus composiciones suprematistas sobre las figuras de los héroes Fedra. Sobre el otras escenas: los "trajes de concha" de Y. Annenkov en la obra Gas G. Kaiser y A. Petritsky - en Viy, así como fantásticos collages como vestuario de personajes para la actuación. auditor, que fueron creados por los estudiantes de P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg y A. Sashin) sobre el tema de sellos, escudos de armas, sellos, sobres, etc. - el carácter del administrador de correos, recetas, firmas, jeringas, clysters, termómetros - el personaje del Doctor, botellas, embutidos, jamones, sandías, etc. - el carácter del Hombre-Taberna. En la segunda mitad del siglo XX M. Kitaev y S. Stavtseva crearon trajes como personajes visuales independientes, que se muestran separados de los actores, como un elemento de la escenografía, y como diferente tipo composiciones sobre las figuras de los actores - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Y. Kharikov.

Un traje de juego es un medio para transformar la apariencia de un actor y uno de los elementos de su juego. En las representaciones rituales y folclóricas, la transformación tenía con mayor frecuencia un carácter grotesco-paródico, cuando los hombres se vestían de mujeres, las mujeres de hombres, los jóvenes de viejos, las bellezas de brujas o cuando se representaban varios animales. Al mismo tiempo, se usó todo lo que estaba a mano: un zhupan, un abrigo de piel de oveja, una carcasa, una piel de oveja, siempre al revés, más divertida y divertida, así como cualquier otra ropa "invertida", de alguna manera ridícula, por ejemplo, pantalones demasiado cortos, camisa excesivamente ancha, medias con agujeros, toda clase de andrajos, trapos, trapos, costales, cuerdas; también se aprovechaba todo lo que la naturaleza daba: hierba, flores, paja, hojas. Por último, también se utilizaron diversos adornos artificiales para vestir: papel de colores, corteza de abedul, papel de aluminio, vidrio, cintas, espejos, cascabeles, plumas, etc. Las técnicas de enmascaramiento grotesco pasaron tanto a las representaciones de comedias griegas antiguas como al teatro tradicional de Oriente, donde se combinaron con el variado juego del actor con elementos de su vestuario: mangas largas y plumas de faisán - en la Ópera de Pekín, trenes , toallas y abanicos - en el japonés "Pero". Las representaciones de la commedia dell'arte italiana, las obras de Shakespeare y Lope de Vega se construyeron sobre un sinfín de disfraces y disfraces. A finales del siglo XVIII Emma Hart (Lady Hamilton) construyó su famoso baile sobre el juego con un chal, después de lo cual se utilizaron ampliamente técnicas similares (manipulación de bufandas, colchas, velos y otros elementos similares del traje) en teatro de ballet Siglo XIX, alcanzando su mayor altura artística en el trabajo de L. Bakst, cuyos bocetos de imágenes coreográficas incluyeron la dinámica de varias telas voladoras, cinturones, bufandas, faldas, bufandas, impermeables, capas, colgantes, ligas. En el escenario dramático, se continuó la tradición del traje, que acompaña los movimientos del actor, mediante una expresividad cubo-futurista - A. Exter en las representaciones del Teatro de Cámara Salomé O. Wilde y Romeo y julieta W. Shakespeare, seguido por su alumno P. Chelishchev y otros maestros de principios de la década de 1920: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich y G. Yakulov, S. Eisenstein y G. Kozintsev, finalmente de nuevo en el escenario del ballet, en las producciones de K. Goleizovsky - B. Erdman. Si en este período el vestuario teatral constituyó toda una corriente en la escenografía, será en la segunda mitad del siglo XX. también fueron utilizados por artistas y directores bastante ampliamente, pero por necesidad, como un elemento de la "paleta" de medios de expresión disponibles para ellos. Entre los autores de trajes de teatro modernos se encuentran los artistas georgianos Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili y N. Ignatov, se pueden encontrar ejemplos similares en teatros de otros países: en Polonia, en la República Checa, en Alemania, en Italia.

El traje, como la vestimenta del personaje, siendo, a menudo, la base para componer los tipos de vestuario comentados anteriormente (de personaje y de juego), en todas las épocas. desarrollo historico teatro en mayor o en menor grado es la encarnación en el escenario de lo que la gente usaba en período determinado. Así fue en tragedia antigua, así permanece en las representaciones de nuestros días. Al mismo tiempo, la evolución general de este tipo de indumentaria se caracterizó por pasar de las formas convencionales de la indumentaria real (en la época del barroco y el clasicismo) a su cada vez mayor fiabilidad, precisión y autenticidad histórica, geográfica, nacional. En el teatro del naturalismo y del realismo psicológico, el vestuario se adecua plenamente al carácter del personaje, expresa no solo su estatus social, sino también su estado de ánimo. Al mismo tiempo, tanto hoy como en siglos pasados, el traje sigue siendo objeto de una creatividad especial de los artistas (entre los que se encuentran los más destacados maestros de las bellas artes y la escenografía) y lo componen (incluso los trajes aparentemente cotidianos, por no decir mencionar fantástico), no sólo como trabajo individual sino como un componente esencial de la actuación.

Basado en el libro de Zakharzhevskaya R. V. "La historia del traje"

Me da vergüenza admitirlo, pero soy el tipo de directores y actores para los que traje de escenario no tiene de gran importancia. Realmente no me importa lo que llevo puesto en el escenario, e incluso el vestuario más preciso no me ayuda a acostumbrarme mejor a la imagen del personaje, porque el ajuste interno para mí es mucho más importante. Como director, nunca me atengo a una época o lugar, prefiero pensar que no importa y que la historia que quiero contar podría haber sucedido en cualquier lugar y en cualquier momento. La razón de tal indiferencia hacia el componente visual en mí es probablemente mi completa ignorancia en Bellas Artes y subdesarrollo de la percepción visual. Pero yo mismo entiendo cuán equivocado estoy y cuánto pierden mis producciones por esto.

Entonces, ¿qué es un traje de teatro y por qué es importante tanto para el actor como para la producción en general? El vestuario teatral es un componente de la imagen escénica del actor, estos son los signos y características externas del personaje representado, que ayudan a la reencarnación del actor; medios de influencia artística en el espectador. Es un error pensar que el traje se limita solo a la ropa. Esto también es maquillaje, cabello, zapatos, accesorios (paraguas, bufandas, pañuelos, maletines, bolsos, sombreros, joyas). Solo en tal complejo de cosas está completo el concepto de un disfraz.

Para un actor, un traje es materia, una forma inspirada en el significado del papel. Claude Autan Lara, un conocido director de cine francés, escribe en el artículo “El diseñador de vestuario en el cine debe vestir a los personajes”: el paisaje, la ropa transmite un estado de ánimo: a través de ella, cada uno de nosotros descubre una parte de su personalidad , sus costumbres, sus gustos, sus opiniones, sus intenciones... El disfraz dice que ésta persona acaba de hacer lo que va a hacer, y por eso el vestuario en el cine debe ser ante todo un indicio psicológico..."

Incluso durante los trabajos preparatorios de una obra de teatro o película, el artista dibuja bocetos de vestuario, partiendo de la idea plasmada en la dramaturgia, la idea del director, la decisión estilística de la futura producción y, por supuesto, de la caracterización de los personajes. El boceto sugiere el estilo de vestir el traje, la marcha, prevé la deformación necesaria de la figura, el posicionamiento de la cabeza, el movimiento de las manos y la forma de sostenerlos, la nitidez del dibujo de la silueta, el actor en el traje.

Un mal disfraz puede "matar" a un actor; bueno - "elevar", dar la clave para comprender el papel, para revelar ciertas cualidades del personaje. Si el disfraz es incómodo, si se cae, se rompe, se adhiere a los accesorios y al escenario, dificulta el movimiento, entonces el actor (y el público junto con él) se distraerá constantemente con él, olvidándose de la línea del papel. Al mismo tiempo, un buen disfraz que refleje el carácter del personaje te ayudará a acostumbrarte mejor al papel, sentir la verdad e incluso crear el estado emocional requerido.

Además, el espectador también puede considerar muchas de las características del personaje simplemente por su apariencia. Recordemos al menos a Charlie Chaplin con su famoso vagabundo. “El bombín, el bigote y el bastón hablan de prosperidad, pero ¡qué triste desengaño experimentamos cuando nuestra mirada se desliza sobre la levita holgada y los pantalones “extranjeros” cayendo sobre las botas! ¡No, la vida ha fallado! Las partes de la ropa interpretadas con tanto talento, construidas en contraste, crearon una imagen inolvidable en términos de persuasión y poder de influencia, que se convirtió en un símbolo del "hombrecito".

El disfraz puede expresar las características psicológicas del héroe, es decir. traicionar las propiedades de su carácter (amabilidad, tacañería, arrogancia, modestia, audacia, garbo, coquetería, etc.) o estado de ánimo y estado de ánimo. El carácter de una persona siempre se refleja en su apariencia. Cómo se usa un traje, con qué detalles se complementa, en qué combinaciones se compone: todas estas son características que revelan el carácter del propietario. Y el actor debe recordar esto. Una dama elegante en un estado de ánimo normal no puede ser descuidada con un traje. Un oficial responsable no puede darse el lujo de no abrocharse todos los botones de su uniforme. Por otro lado, son precisamente tales desviaciones de la norma las que darán a conocer un estado emocional especial del héroe.

El traje puede expresar y caracteristicas sociales héroe. Por el vestuario, el espectador reconoce inequívocamente a ricos y pobres, militares e intelectuales, nobles y burgueses.

Además, un disfraz en el escenario puede cambiar la figura de un actor, no solo según la imagen y la edad, sino también según la moda. La deformación, si no hablamos de un cambio plástico de la figura mediante espesores o superposiciones, se realiza cambiando las proporciones de las líneas principales de la figura y un corte especial del traje, desplazando la línea de la cintura, varios formas del corpiño. Estos cambios pueden ser de gran ayuda para crear roles característicos y héroes que viven en una época determinada.

Tener un buen disfraz para un actor no es suficiente. Trabaja con traje. Es "establecerse", "envejecer", "desgastar". Este es también un tipo de trabajo psicológico con el disfraz, uno de los medios reales de "revitalización" y "espiritualización" del disfraz. No estoy hablando del hecho de que solo necesitas acostumbrarte al disfraz, porque cuanto antes el actor encuentre el disfraz, cuanto antes comience a ensayar con él, mejor. Por lo tanto, la finalización de la creación de una imagen de vestuario queda en manos del actor: cómo lo golpeará, cómo se acostumbrará a él, cómo podrá usarlo.

El vestuario, por supuesto, refleja el momento y el lugar de la acción. Esto es especialmente importante en actuaciones cotidianas y realistas. Si el vestuario es fiel a la época, o bellamente estilizados para ella, el público tendrá más confianza en lo que sucede en el escenario. No estoy hablando de errores en el vestuario en las películas, que los espectadores especialmente corrosivos luego posponen durante mucho tiempo y con placer (puedes leer ejemplos).

El vestuario, como la escenografía, depende del estilo de la representación. “... Llega un momento en que el director, como de repente, descubre que ha encontrado una solución a la actuación, ya partir de ese momento ya tendrá la clave de cada detalle. El estilo encontrado le dirá cómo deben caminar los actores, cómo deben sentarse, si deben hablar románticamente optimista o todos los días con los pies en la tierra. El mismo estilo le dirá si las decoraciones deben ser simples o sofisticadas, si los muebles deben ser auténticos o alegremente pintados en la parte posterior; ¿los trajes deben combinarse en fuertes contrastes de color o ser del mismo tipo? ..” Los rasgos estilísticos, en cuya clave se decide la actuación, están determinados principalmente por la medida de su necesidad de identificar el género de una obra dramática. y revelar su esencia. Por eso, por ejemplo, los trajes en Hamlet, Nyakroshyus y Zeffirelli de Lyubimov son tan diferentes entre sí.

A veces, un disfraz puede convertirse en un símbolo independiente, cuando el espectador ya no lo percibe como la ropa del héroe, sino que lee la idea del director, la metáfora incrustada en el disfraz. Ya he hablado de esto, mencionando a Charlie Chaplin, cuyo traje se ha convertido en un símbolo tanto del "hombrecito" como del propio Chaplin. El vestido rojo de la heroína de la obra "Kalkverk", de la que estoy hablando, la dota de algunas características demoníacas, se la percibe como una amenaza, un peligro. Además, el mismo cambio del vestido gris habitual a un rojo brillante indica la irrealidad de lo que está sucediendo, que esto es solo un sueño creado por la imaginación enferma del héroe.

Quería escribir un poco más Consejo practico, pero ya resultó la "hoja". Obviamente, este tema es interesante e inmenso. Estoy solo al comienzo de su divulgación, por lo que seguramente regresaré a ella más de una vez.

Resumiendo:

1. Un disfraz es un medio para revelar el carácter del personaje.

2. El disfraz puede cambiar la figura del actor.

3. El traje refleja la época y el lugar de la acción, el estilo de la época.

4. Un vestuario es una parte importante de la decisión expresiva y el estilo de una obra de teatro o película.

5. Un traje puede convertirse en un símbolo.