Nuestro tiempo se caracteriza por un rápido cambio de los ciclos de la moda. Un signo del desarrollo de la moda es su rotación estacional: primavera - verano y otoño - invierno. En este sentido, estamos presenciando un rápido cambio en las tendencias de la moda, la formación de nuevas formas de vestir. La fuente de conocimiento sobre el cambio de formas y estructuras es, en primer lugar, el traje histórico, que se ha formado y aprobado durante siglos. El traje popular es una propiedad integral invaluable de la cultura de las personas, acumulada a lo largo de los siglos. La ropa, que ha recorrido un largo camino en su desarrollo, está estrechamente relacionada con la historia y las visiones estéticas de los creadores. El arte del vestuario moderno no puede desarrollarse aislado de las tradiciones populares y nacionales. Sin un estudio profundo de las tradiciones es imposible el desarrollo progresivo de cualquier tipo y género del arte contemporáneo.

El traje popular no solo es un elemento brillante y original de la cultura, sino también una síntesis de varios tipos de artes decorativas que, hasta mediados del siglo XX, trajeron elementos tradicionales de corte, adornos, uso de materiales y decoraciones característicos de Rusia. ropa en el pasado.

La formación de las características de composición, corte y ornamentación del traje ruso estuvo influenciada por el entorno geográfico y las condiciones climáticas, la estructura económica y el nivel de desarrollo de las fuerzas productivas. Los factores importantes fueron los procesos históricos y sociales que contribuyeron a la creación de formas especiales de vestimenta, el papel de las tradiciones culturales locales fue significativo.

La camisa se considera legítimamente el tipo de vestimenta más antiguo. Ya en el siglo VI. en el traje de nuestros antepasados, los eslavos, ocupaba un lugar destacado y, a veces, era la única prenda de vestir. La camisa de las mujeres difería de la de los hombres, de hecho, solo en la longitud y en los adornos más ricos.

La camisa, al parecer, proviene de la palabra "frotar", que en el lenguaje de los antepasados ​​significaba pieza, un trozo de tela, pero que a la vez servía como nombre de todo el complejo. Un campesino, un habitante de la ciudad y un noble usaban la misma camisa en el corte, la diferencia estaba solo en la calidad de la tela.

El material más común hasta el día de hoy sigue siendo el lino. En el idioma ruso antiguo, había dos términos: "hlast" - "lienzo", "tlstyna" - tela sin blanquear y "carga" - lienzo blanqueado para designar el material principal. Desde la antigüedad, las mujeres se han dedicado al hilado y tejido del lino. Creían que solo las buenas manos femeninas que no empuñaban armas podían encargarse de la fabricación de ropa, el primer defensor del hombre. Casi todas las mujeres de familias rurales, y al principio de familias urbanas, poseían este oficio.

Las camisas más antiguas fueron cosidas de un lino largo doblado por la mitad sobre los hombros. Se cosieron insertos en forma de cuña, obtenidos al cortar un rectángulo en diagonal, en los lados, expandiendo el dobladillo. Luego cortaron la hendidura de la puerta y, en el centro del cofre. Por lo tanto, después del final del corte, no quedó ni un solo fragmento extra.

El procedimiento para decorar una camisa también se desarrolló en la época pagana y todavía se observa estrictamente en el traje popular.En la antigua Rusia, las perlas, los fragmentos con piedras semipreciosas y los vidrios de colores, las trenzas costosas y los cordones servían como decoración para la ropa de la nobleza. La ropa de la mayor parte de la población estaba tradicionalmente decorada con bordados a mano o tejidos estampados. Rayas ornamentales y, más tarde, cintas, trenzas, aplicaciones de telas compradas, encajes de colores se ubicaron necesariamente a lo largo del dobladillo, los bordes de las mangas, los hombros, el cuello y la incisión en el pecho. Tal peculiar sistema de líneas protectoras, combinado con un cinturón, que era obligatorio para ceñir cualquier camisa, según antiguas creencias, protegía las partes vitales del cuerpo. Al mismo tiempo, los adornos ubicados a lo largo de los bordes de la ropa también protegían las partes expuestas del cuerpo de los malos espíritus.

Las camisas festivas y ceremoniales que se usaban en ciertos días estaban especialmente decoradas. Entonces, el primer día de la cosecha de los pastos, se suponía que debía salir en un "siega" con una raya ancha estampada en el dobladillo. En el día de la fiesta de la cosecha, se vistieron con una camisa de "cosecha". En la última semana antes de la boda, las chicas llevaban una camiseta de 1 manga muy larga, llamada “killer”. En él, se suponía que la novia lloraría por miedo a la vida familiar que se avecinaba en una casa extraña. Pero la camisa de boda se consideró con razón la más hermosa. Estaba bordado con patrones multicolores, donde el rojo ocupaba el lugar principal. La joven esposa se lo puso durante varios años más en las festividades importantes y luego lo guardó cuidadosamente.

En el traje nacional ruso, como en los trajes de otras nacionalidades, durante muchos siglos ha existido una regla no escrita: prestar más atención a la vestimenta de las mujeres, ya que está diseñada principalmente para proteger la salud del progenitor de la familia.

En las regiones del sur, el corte recto de las camisas era más complejo, se realizaba con la ayuda de los llamados poliks: detalles de corte que conectan la parte delantera y trasera a lo largo de la línea de los hombros. Los poliks pueden ser rectos y oblicuos. El poliki rectangular conectó cuatro paneles de lienzo de 32-42 cm de ancho cada uno. Los poliks oblicuos (en forma de trapezoide) estaban conectados por una base ancha con una manga, una estrecha, con un forro para el cuello. Ambas soluciones constructivas se enfatizaron decorativamente.

Sarafan (serapa persa, turco-tártaro "de la cabeza a los pies") es el traje nacional de las mujeres rusas. Se usa sobre una camisa con mangas abullonadas. Si esto se hace a través de la cabeza, se cosen una serie de botones decorativos en el cofre. El vestido de tirantes también se puede desabrochar por delante.

Se conocen varios tipos diferentes de sarafan, cuya formación del corte y la decoración estuvieron influenciadas por las características de la zona.

Su forma más antigua es oblicua en sisas o tirantes anchos. Los paneles delantero y trasero de este vestido de verano se conectaron a los lados con cuñas adicionales. El panel frontal recto no tenía costura intermedia. En la provincia de Tver, lo llamaban "kostolan", en las regiones del norte, "jorobado".

El vestido de verano en las provincias del noroeste (Novgorod, Olonets, Pskov, etc.) tenía un corte diferente. Era más cerrado, y por eso lo apodaron "shushun" o "urogallo". Los viejos creyentes usaban tales vestidos de verano.

Este vestido de verano fue cosido con una tela doblada sobre los hombros, con cuñas biseladas a los lados. Se cosían mangas largas, a menudo falsas, desde la parte posterior.

Un vestido inclinado con una abertura en la parte delantera con botones y trabillas.

Se distribuyó en el siglo XIX en todas las provincias de Rusia Central. En las provincias de Yaroslavl y Tver, fue llamado "feryaz", en Moscú - "Sayan", Smolensk - "sorokoklin". También hubo tales nombres: "kumashnik", "azul". Este vestido de verano se cosió de la siguiente manera: dos paneles frontales y un panel posterior eran rectos, se les cosieron cuñas fuertemente biseladas, lo que expandió la ropa. La incisión en el frente estaba decorada con un cordón rojo, trenza, flecos, etc. A veces, la incisión en el frente estaba cosida y los botones y lazos se dejaban como decoración. A veces, las chicas jóvenes cosían tales vestidos de verano con correas.

Se cosió un vestido recto o redondo de varias telas rectas (de 4 a 7), el exceso de tela se recogió en la parte superior en un pequeño ensamblaje y se cerró con una cinta estrecha o ribete. Las correas cortas y estrechas en la parte posterior se cosieron juntas y en el frente, por separado. Se hicieron decoraciones en forma de bordados decorativos, trenzas, etc. a lo largo de la parte inferior y superior del vestido de verano. En las provincias de Moscú y Vladimir, lo llamaban abrigo de piel. Tal vestido de verano fue usado por mujeres jóvenes y ancianas. La única diferencia estaba en el color: los jóvenes cosían vestidos de verano con telas claras, los mayores usaban colores oscuros.

Un vestido de verano con un corpiño ajustado apareció a fines del siglo XIX y principios del XX. y era una especie de medio vestido. Sus barriles fueron cortados a lo largo de un hilo oblicuo.

Los vestidos de novia eran especialmente diferentes. En la provincia de Ryazan, por ejemplo, la novia se casaba con un vestido negro con un pañuelo blanco en la cabeza, que generalmente se usaba durante el luto. En el primer día de su vida juntos, la joven apareció con su mejor vestido de verano, la mayoría de las veces de varios tonos de rojo. En las provincias de Vologda y Kostroma, se cosieron vestidos de verano carmesí de color rosa azulado con telas caras. Estaban decorados con oro hilado, galones, perlas.

Condiciones de desarrollo histórico, a partir de los siglos XII - XIII. determinó la división más característica de las formas del traje ruso en norte y sur. En los siglos XIII - XV. las regiones del norte (Vólogda, Arkhangelsk, Veliky Ustyug, Novgorod, Vladimir, etc.), a diferencia de las del sur, no fueron devastadas por las incursiones de los nómadas. Las artesanías artísticas se desarrollaron intensamente aquí, floreció el comercio exterior.

A partir del siglo XVIII. El Norte resultó estar alejado de los centros industriales en desarrollo y, por lo tanto, preservó la integridad de la vida y la cultura populares. Es por eso que en el traje ruso del norte, las características nacionales se reflejan profundamente y no experimentan influencias extranjeras.

El traje del sur de Rusia (Ryazan, Tula, Tambov, Voronezh, Penza, Orel, Kursk, Kaluga, etc.) es mucho más diverso en términos de vestimenta. Múltiples migraciones de residentes debido a incursiones de nómadas, y luego, durante la formación del estado moscovita, la influencia de los pueblos vecinos (ucranianos, bielorrusos, pueblos de la región del Volga) condujo a un cambio de ropa más frecuente y la diversidad de sus tipos. .

En el traje del sur de Rusia, en lugar de un vestido de verano, se usaba más ampliamente poneva: ropa con cinturón hecha de tela de lana, a veces forrada con lona. La tela utilizada para poneva suele ser azul oscuro, negro, rojo, con un patrón a cuadros o rayado (con una raya transversal). Los ponevs de todos los días se bajaron modestamente: una trenza (cinturón) de lana tejida en casa en la parte inferior. Los ponevs festivos estaban ricamente decorados con bordados, trenzas estampadas, inserciones de calicó, teñido, encaje de oropel y destellos. Una amplia franja horizontal del dobladillo se combinó con costuras, inserciones verticales de color. El esquema de colores de los ponis era especialmente brillante y colorido debido a su fondo oscuro.

Poneva, de hecho, también es una falda, solo que sus pisos, por regla general, no estaban cosidos. Se llamaba rastopolka, es decir, balanceo. El poneva se mantuvo en el acelerador (cinturón, cuerda, cordón, trenza).

Confeccionados, por regla general, con lana hilada en casa a cuadros, eran "amables", "santos", "dedicados" y "últimos". Y los ponevs se dividieron en moretones (azul sólido) y rojos (rojo) con un patrón. Poneva recuerda más a nuestras faldas rectas.

Delantal

La parte más decorativa y ricamente decorada del traje de las mujeres del norte y del sur era el delantal, o cortina, que cubría la figura femenina desde el frente. El delantal generalmente estaba hecho de lona y decorado con bordados, patrones tejidos, inserciones de adornos de colores y cintas de seda con dibujos. El borde del delantal estaba decorado con dientes, encajes blancos o de colores, una franja de hilos de seda o lana y un volante de diferentes anchos.

reconfortante

En la ropa del norte de Rusia, del antiguo traje ruso, "epanechki" y dushegrey, se conservan abrigos cortos de piel, acolchados sobre guata, con mangas. Dushegreya: ropa de mujer sin mangas en el pecho hecha de costosas telas de fábrica. En estos lugares, se cosían dushegrei de brocado. Y está cortado de tal manera que la tela se deposita en grandes pliegues en la parte posterior, y en el frente los estantes tienen forma trapezoidal. Al cortar, el brocado se reforzó (pegó) con una tela de lona gruesa, a veces se forró con un periódico, para mantener la forma recta de los estantes, había pliegues en la parte posterior. En correas estrechas: un galón estrecho o encaje. El calentador de la ducha se sujetaba solo con un broche, que se sujetaba con un alfiler en la parte superior o se ataba a un lazo de cintas anchas. Esto indica que anteriormente se usó con un vestido de verano.

La superposición del traje, que tenía diferentes largos de camisas, poneva, delantal, pechera usados ​​simultáneamente, creó una articulación horizontal de la silueta, expandiendo visualmente la figura.

Sombreros

En el traje popular ruso, se conservan los tocados antiguos y la costumbre de que una mujer casada oculte su cabello, para una niña, dejarlo descubierto. Esta costumbre se debe a la forma de un tocado femenino en forma de gorro cerrado, de niña, en forma de aro o vendaje. Kokoshniks, "urracas", varios vendajes y coronas están muy extendidos.

De la joyería se utilizan collares de perlas, cuentas, ámbar, coral, colgantes, cuentas, aretes.

Telas, color, adorno.

Los principales tejidos utilizados para la indumentaria popular campesina fueron la lona de andar por casa y la lana de tejido sencillo de lino, y de mediados del siglo XIX. - Seda hecha en fábrica, satén, brocado con un adorno de exuberantes guirnaldas y ramos de flores, calicó, chintz, satén, cachemira de colores.

Los tejidos estampados, los bordados y los estampados eran las principales formas de ornamentar los textiles para el hogar. Los patrones de rayas y cuadros son variados en forma y color. La técnica del tejido con patrones populares, así como el bordado contando los hilos, condujo a contornos geométricos rectilíneos, la ausencia de contornos redondeados en el patrón. Los elementos más comunes del adorno: rombos, cruces oblicuas, estrellas octogonales, rosetas, árboles de Navidad, arbustos, figuras estilizadas de mujer, pájaro, caballo, ciervo. Los patrones, tejidos y bordados, se hacían con hilos de lino, cáñamo, seda y lana, teñidos con tintes vegetales, dando matices apagados. La gama de colores es multicolor: blanco, rojo, azul, negro, marrón, amarillo, verde. El multicolor se decidió, con mayor frecuencia, sobre la base de los colores blanco, rojo y azul (o negro).

De mediados del siglo XIX. las telas caseras se reemplazan por telas hechas en fábrica con estampados florales, a cuadros y a rayas.

Tradiciones populares en ropa moderna.

El arte popular sigue siendo un verdadero almacén de ideas para diseñadores y diseñadores de moda. En los años 70 del siglo pasado, en las colecciones de los diseñadores de moda se valoraban las manifestaciones del “espíritu nacional”, pero no en el sentido etnográfico, sino en el contexto del “estilo internacional”: estilo ruso, estilo asiático, etc. .

Siglo 21 trajo nuevas tradiciones nacionales al diseño de moda moderno: la estética del posmodernismo. Al crear un modelo de ropa, se utiliza el método de "comillas". Una "cita" puede ser un detalle de un traje nacional, un elemento de decoración, un motivo ornamental agrandado o deformado, corte o combinación de colores. Combinando diferentes "citas", mezclando elementos de vestuario de diferentes naciones, el diseñador crea una nueva imagen, con una fuente creativa específica y reconocible.

La ropa adolescente está algo influenciada por la moda "adulta", pero no se caracteriza por cambios frecuentes y cambios radicales. Es más estable, lo que está asociado con las peculiaridades del físico de los grupos de edad de los niños. Los principales requisitos de la ropa juvenil (sencillez de corte, máxima conveniencia de formas, sonoridad y frescura de los esquemas de color) se reflejan plenamente en la ropa popular, donde la belleza y la funcionalidad están indisolublemente unidas.

armonía de colores

Una condición necesaria para la belleza de la ropa es la armonía del color en ella, es decir, la coherencia, la armonía en la combinación de colores. Para crear un disfraz (esta es la selección de telas, materiales de acabado), estudiamos la armonía del color.

Colorea la ropa. Una condición necesaria para la belleza de la ropa es la armonía del color en ella, es decir, la coherencia, la armonía en la combinación de colores.

Para crear una armonía de colores de un traje, es importante no solo saber cómo se combinan los colores, distinguir entre colores compatibles e incompatibles, sino también poder organizar los detalles de la ropa según el color y las proporciones de color en un solo todo. .

Los cimientos de la teoría del color los sentó Newton, quien fue el primero en intentar sistematizar el mundo de los colores al descubrir la relación entre la refracción de la luz y el color. Él creía que la luz blanca, que antes de él se consideraba homogénea, se descompone después de la refracción en un prisma en muchas ondas de luz diferentes. Newton encerró en un círculo los colores de su espectro y agregó el magenta faltante, que se obtiene al mezclar los colores rojo y violeta y se agrega para hacer una transición suave del violeta al rojo. Si los colores espectrales (del rojo al violeta) se ordenan en secuencia en un círculo, se forma un círculo cromático.

Toda la variedad de colores se divide en dos grupos: cromático y acromático.

Los colores acromáticos son el blanco, el negro y todos los tonos de gris, desde el blanco hasta el negro.

Los colores cromáticos son los colores espectrales y el magenta.

Hay tres grupos de colores por combinación: relacionados, relacionados contrastantes y contrastantes.

Los colores relacionados tienen al menos un color común (principal) en su composición. Hay cuatro grupos de colores relacionados: amarillo-rojo, azul-verde y verde-amarillo. Los colores relacionados cuidadosamente seleccionados brindan grandes oportunidades para soluciones de composición de color. Por ejemplo, el verde y el verde-azul son colores relacionados, combinan bien en composiciones con diferentes tamaños de manchas de color. Una gran cantidad de manchas de un color y una pequeña cantidad de otro es una buena solución. Cuando se usan colores relacionados en una composición de vestuario, uno o ambos se suelen usar apagados. La fuerza adecuada de los colores se logra seleccionando colores relacionados de tal manera que no sean muy brillantes. Amarillo y amarillo-verde, verde y verde-azul, azul y morado, morado y rojo, rojo y naranja, etc. son colores relacionados.

En una composición de tonos, se logra un fuerte efecto a través de la diferente luminosidad de los colores utilizados, al introducir tonos claros y oscuros en contraste. Las combinaciones armoniosas de colores relacionados son reactivas, tranquilas, suaves, especialmente si los colores están ligeramente saturados y tienen una claridad cercana.

Colores contrastantes relacionados. También hay grupos de colores contrastantes relacionados: amarillo-rojo y rojo-azul, rojo-azul y azul-verde, azul-verde y verde-amarillo, verde-amarillo y amarillo-rojo. La armonía de los colores contrastantes relacionados es más activa y emocional en comparación con los relacionados.

Colores contrastantes. Estos son amarillo-rojo, azul-verde, amarillo-verde y azul-rojo. La combinación de colores contrastantes armoniosos es especialmente activa, ya que los colores están doblemente equilibrados por sus cualidades opuestas. Sin embargo, no todos los colores contrastantes son armoniosos. Por ejemplo, amarillo-rojo y verde-azulado son colores contrastantes inarmónicos.

Los colores acromáticos también intervienen en la creación de la composición del traje: blanco, negro, azul. El blanco y el negro, solos o combinados, se perciben de manera brillante, ya que contrastan con el fondo. Ambos, blanco y negro, se ven nobles y ventajosos. El gris se ve espectacular en combinación con el blanco y negro. El color negro tiene una fuerte influencia en la cromática, especialmente en la luminosidad media y los colores rojos y verdes muy saturados: estos colores cromáticos se iluminan, su saturación aumenta, parecen brillar. El blanco, especialmente las pinceladas de colores cromáticos, dan a la composición un sabor peculiar: los colores se vuelven aireados, pastel; El color blanco le da elegancia al traje.

El esquema de color armonioso de un traje depende no solo de la combinación de colores, sino también de cuántos de estos colores se toman, cuál es la textura de la tela. Sin embargo, las combinaciones de colores recomendadas no pueden tomarse como vinculantes.

La elección de la tela para el traje.

Para el traje de escenario "Sudarushka", elegimos la camisa de crepé-satén blanco, ya que el color blanco combina bien con cualquier composición de color, y en el antiguo traje ruso, la camisa siempre era blanca.

Se eligió un color azul saturado para el vestido de verano y colores relacionados para los principales trabajos de acabado: azul y azul claro.

Para una percepción más emocional del traje, se agregaron colores contrastantes a la decoración: rojo y verde. Un poco de negro agregará saturación a todo el traje.

Selección y justificación del material.

Crepe, crepe satinado. El nombre colectivo de todas las telas con una superficie anudada granular, adquirida debido a la torsión de crepé de hilo, entrelazado de hilos, estampado de tela.

Crepé satinado: tejido satinado, arruga media, buena caída, transpirable, higroscopicidad baja, protección térmica media. Resiste desprendimiento medio, ya que tiene fuerte deslizamiento, alta expansión de hilo en las costuras. Cuando la OMC, es necesario tener en cuenta el régimen térmico, ya que el tejido está hecho de fibras sintéticas y artificiales, y también tiene una superficie lisa y brillante, en la que quedan manchas después de la humectación.

Posee la coloración buena de color de la tela, tiene el brillo expresado, una fuerte coloración.

Análisis de vestuario.

Después de analizar los trajes típicos, examinamos camisas, vestidos de verano, ponevs. Decidieron dejar el corte de la camisa antiguo, pero usar materiales modernos para la decoración. Los vestidos de verano anchos, los ponyov tienen una forma voluminosa, y no nos gustaría enfatizar la figura de niña, elegimos un vestido de verano con barriles recortados.

Selección de modelo

Camisa: corte camisero, manga larga, ribete de encaje.

Vestido de verano: silueta semiadyacente, barriles recortados, acabado - aplicación, trenza bordada, cinta de raso, incrustación oblicua.

acabado del producto

Camisa: a lo largo de las líneas de la sisa de la manga, la parte inferior de la manga, el escote, terminando con azul, costura de encaje.

Vestido de verano: línea frontal media, línea inferior: una franja azul de satén crepé azul. La aplicación es simétrica desde la línea media hasta la parte inferior de la falda. Ribete a contraste con trenza bordada, trenza de enredadera, cinta de raso.

Construcción

Construcción de un dibujo de la base de un producto de hombro con una manga de una pieza.

Modelado, preparación de patrones para corte.

Manga: desde el punto B2 a lo largo de la línea B2B5, mida la longitud del hombro + la longitud de la manga, construya un ángulo recto desde este punto. Dibuja una línea paralela desde el punto G1 hasta la intersección.

Cuello: reserve 2 cm desde el punto B2, 6 cm desde el punto B4, conéctelos con un arco.

Patrones: cortar la manga por los puntos B1 y G2. Líneas B1B6 línea media y pliegue de manga. Obtenemos tres partes: parte posterior, estante, manga.

Sisa: apartar 10 cm del punto B2 (ancho de los hombros). Conecte el punto resultante con una línea suave al punto T.

Cuello: apartar 3 cm del punto B2, 10 cm del punto B4 Conectar con una línea suave. Profundice el cuello en la espalda por 2 cm.

En la línea del cofre desde la línea del medio del patrón, reserve la medida del centro del cofre. Dibuja una línea vertical a través del punto desde la línea del hombro hasta la línea inferior.

Patrones: frente - parte media 1 pieza, barril - 2 piezas (corte a lo largo del oblicuo); espalda - parte media 1 parte, barril - 2 partes.

Expansión a lo largo de la línea inferior: expanda las partes medias del frente y la parte posterior a lo largo de la línea inferior desde la línea de la cintura, expanda los detalles laterales en ambos lados.

Tecnología de fabricación

Camisa: conecte las costuras de los hombros de la parte posterior y delantera, conéctelas con las mangas, formando un inserto de encaje. Recorta la parte inferior de la manga con encaje fruncido. Coser peplum para banda elástica. Termina el escote con encaje fruncido. Cosa a lo largo de la línea lateral, procese la parte inferior con una costura de dobladillo con un corte cerrado. Inserte la banda elástica a lo largo de la línea inferior de la manga.

Vestido de verano: antes: conecte la parte central con barriles, cosa una tira de tela de acabado a lo largo de la línea del centro del frente. Ejecute la aplicación en ambos lados con una tira de acabado.

Espalda: conecte la parte media con los barriles.

Conecte los detalles del producto, procese las sisas y el cuello con un borde oblicuo rojo. Trate la parte inferior del producto con una tira de tela de acabado. Coser a lo largo de la línea del cuello a lo largo de los cortes de las tiras de acabado con trenza bordada, una cinta de raso rojo.

calculo economico

Material Precio Cantidad Costo

crepé - satén 90 rub. 3 m. 270 rublos.

costura de encaje 24 frotar. 4m. 56 rublos

trenza bordada 8 frotar. 5 m. 40 rublos

cinta de raso 4 frotar. 8m. 32 frotar.

dublirina 50 frotar. 1 metro 50cm 75 rublos.

hilos (diferentes colores) 10 frotar. 6 bobinas 60 frotar.

Total: 533 rublos.

Gastamos 533 rublos para hacer el disfraz. La tabla muestra que los principales costos fueron para la compra de tela. Para el aplique, se utilizó una solapa, que quedó al coser otros productos.

“La parte del decorado que está en manos de los actores es su vestuario”.
Enciclopedia francesa.

“El traje es la segunda coraza del actor, es algo inseparable de su ser, es la máscara visible de su imagen escénica, que debe fusionarse tan integralmente con él para volverse inseparable…”
A. Ya. Tairov.

El teatro es una forma de arte sintético que nos permite no solo escuchar, no solo imaginar, sino también mirar, ver. El teatro nos brinda la oportunidad de ser testigos de dramas psicológicos y partícipes de hechos y acontecimientos históricos. El teatro, la representación teatral es creada por el esfuerzo de muchos artistas, que van desde el director y actor hasta el diseñador de producción, porque la representación es “la conjugación de diferentes artes, cada una de las cuales se transforma y adquiere una nueva cualidad en este plan ...".

El vestuario teatral es un componente de la imagen escénica del actor, estos son los signos y características externas del personaje representado, que ayudan a la reencarnación del actor; medios de influencia artística en el espectador. Para un actor, un traje es materia, una forma inspirada en el significado del papel.

Así como el actor en palabra y gesto, movimiento y timbre de su voz crea una nueva esencia de la imagen escénica, a partir de lo que se da en la obra, así el artista, guiado por los mismos datos de la obra, encarna la imagen por medio de su arte.

A lo largo de la historia centenaria del arte teatral, el diseño de escenarios ha sufrido constantemente una transformación evolutiva, provocada no solo por la mejora de la tecnología escénica, sino también por todas las vicisitudes de los estilos y la moda de los tiempos correspondientes. Dependía de la naturaleza de la estructura literaria de la obra, del género de la dramaturgia, de la composición social de la audiencia y del nivel de la técnica escénica.

Los períodos de estructuras arquitectónicas estables de la antigüedad dieron paso a las etapas primitivas de la Edad Media, que a su vez dieron paso a los teatros de la corte real con lujo autosuficiente de representaciones. Hubo actuaciones en tela, en escenarios constructivos complejos, solo en diseño de iluminación, sin decoración en absoluto, en un escenario desnudo, en una plataforma, solo en un pavimento.

El papel del traje como escenario "en movimiento" siempre ha sido dominante. El punto de vista sobre su "relación" con el actor, el tiempo y la historia, y finalmente, con su "socio" directo, el diseño artístico del escenario, cambió.

En el proceso de desarrollo progresivo del arte del teatro moderno, la innovación de la dirección, la transformación del método de diseño artístico, el papel del arte del vestuario no está disminuyendo, al contrario. Con el crecimiento de sus contrapartes más jóvenes y flexibles -el cine y la televisión- el teatro, sin duda, adquiere en busca y tormento nuevas formas de técnicas espectaculares, precisamente aquellas que defenderían y definirían la posición del teatro como valor perdurable de una forma de arte independiente. . El vestuario, como elemento más móvil de la escenografía teatral, ocupa el primer lugar en esta búsqueda.

La alta cultura moderna del arte teatral, el sutil y profundo trabajo de dirección sobre la obra y la representación, la actuación talentosa de los actores requieren del diseñador de vestuario que diseña la representación, una penetración especialmente cuidadosa en la dramaturgia de la representación, un estrecho contacto con el dirección. El diseño moderno no está canonizado por las reglas. Es individual y concreto en cada caso particular. “El trabajo de un director es inseparable del trabajo de un artista. Primero, el director debe encontrar sus propias respuestas a los problemas básicos de diseño de escenarios. El artista, a su vez, debe sentir las tareas del escenario y buscar persistentemente los medios expresivos…”. El vestuario teatral se crea primero por medios visuales, es decir, un boceto.

Cada actuación o actuación que se reproduce en el escenario está diseñada para brindar al espectador, entre otras cosas, el placer estético de lo que vio. Por eso es tan importante vestir a los personajes con el vestuario teatral adecuado. Entonces será fácil sentir el espíritu de la época de la obra, captar el carácter de los personajes y simplemente disfrutar de la belleza del espectáculo.

Vestuario teatral desde la antigüedad hasta la actualidad

La indumentaria de los actores ha sufrido modificaciones desde la aparición del teatro como tal, y hasta nuestros días:

• Intentaron crear imágenes escénicas en la antigüedad, experimentando con materiales improvisados. Incluso en la antigua China y Japón, era posible observar actores con ropa específica, especialmente en actuaciones festivas o rituales. En la India, en la antigüedad, los bailarines callejeros también se vestían con saris inusuales y brillantes para llamar la atención. Y con el advenimiento del arte de pintar con tintes naturales, los saris no se volvieron monofónicos, sino estampados.
• Es el "teatral" que se puede llamar un traje que apareció en la antigua Grecia. Se utilizaron máscaras grotescas, maquillaje y el color especial del atuendo de los personajes indicaba el estatus o la profesión del héroe de la representación.
• Luego, el teatro europeo comenzó a desarrollarse en la era del feudalismo, cuando las actuaciones, los llamados. Los "misterios" fueron dados por artistas errantes: histriones. La apariencia de los personajes se distinguió por la elegancia y los ricos elementos de decoración.
• El Renacimiento, con sus comedias dell'arte, se caracteriza por lo grotesco. Con la ayuda de ropa, peinados y pelucas, sombreros, zapatos, máscaras y maquillaje, se crearon imágenes ingeniosas, se enfatizaron las características inherentes de personajes específicos que ridiculizaron o deleitó al espectador (plumas elegantes en sombreros, pantalones coloridos).
• En los siglos siguientes, en todos los estados europeos y orientales hubo algunos teatros, salones musicales, óperas, ballets, etc. Los trajes se volvieron más diversos, a menudo transmitiendo el espíritu de la era histórica, la ropa moderna, liberándose de la estilización excesiva. Por lo tanto, en el escenario se podían ver imágenes familiares para el espectador, así como disfraces históricos recreados, apariencias naturalistas y maquillajes de fantasía.

El vestuario teatral ruso merece especial atención. Los bufones son considerados sus primeros creadores. Camisas brillantes, caftanes con fajas, zapatos de bastón, gorras con campanas, parches en los pantalones: todos estos elementos del traje se parecían a la ropa campesina, pero en una forma exageradamente satírica. Había un teatro de la iglesia donde los artistas iban vestidos de blanco, como ángeles. En los teatros escolares, los personajes tenían sus propios emblemas. Y bajo el zar Alexei Mikhailovich, funcionó un teatro profesional. Por lo tanto, los elementos del traje del soberano tenían signos de dignidad real, se usaban bordados hechos a medida, se cosían a mano piedras costosas y decoraciones exquisitas.

Tipos

Es costumbre distinguir tres tipos principales de vestuario:

1. Personal. Este tipo es una composición figurativo-plástica, que es parte directa de la imagen total del intérprete del papel. En un traje, la figura suele estar completamente oculta. El propio actor lo pone en movimiento y lo expresa. Entonces, para la Ópera de Pekín, las imágenes de un templo sagrado o un dragón eran características.
2. Juego. Este es un medio para transformar la apariencia del artista y un elemento importante de su juego. La transformación de personajes en acciones rituales y folclóricas por personaje a menudo tenía una base en el uso de lo grotesco y la parodia, por ejemplo, cuando los jóvenes se disfrazaban de niñas.
3. Como la ropa del personaje. Es el principal en las representaciones modernas, a menudo se parece exactamente a la ropa tradicional de una era particular de acción en la producción. Sobre la base de tal traje, se crean los dos tipos anteriores.

Características de sastrería

La confección de trajes de escenario es una actividad bastante compleja y creativa. Es necesario elegir los materiales y accesorios correctos, crear bordados y aplicaciones si es necesario. El vestuario teatral debe cumplir con los siguientes requisitos:

• Para encarnar la época con precisión, teniendo en cuenta las características históricas, etnográficas y nacionales de la obra y los héroes.
• Coincidir con la intención del director de expresar la esencia del carácter del personaje.
• Dar efecto a la imagen del actor a los ojos del espectador.
• Es bueno sentarse según la figura de su dueño.
• Conveniencia de llevar un disfraz (especialmente importante para los bailarines que participan en actuaciones).

Dado que el diseñador de vestuario selecciona un traje teatral para un papel específico y un actor específico, es necesario adaptarlo a las medidas. Para ello, es mejor recurrir a profesionales. Tailoring Factory es una producción de costura en Moscú y la región de Moscú, aquí puede encargar la confección de un traje para una actuación, ópera y ballet. Se seleccionarán los mejores materiales y se aplicarán modernas tecnologías de costura.

El TEATRO es una forma de arte sintético que nos permite no solo escuchar, no solo imaginar, sino también mirar, ver. El teatro nos brinda la oportunidad de ser testigos de dramas psicológicos y partícipes de hechos y acontecimientos históricos. El teatro, la representación teatral, es creada por el esfuerzo de muchos artistas, que van desde el director y el actor hasta el diseñador de producción, porque la representación es “una combinación de diferentes artes, cada una de las cuales se transforma y adquiere una nueva cualidad en este plan. ..."

El vestuario teatral es un componente de la imagen escénica del actor, estos son los signos y características externas del personaje representado, que ayudan a la reencarnación del actor; medios de influencia artística en el espectador. Para un actor, un traje es materia, una forma inspirada en el significado del papel.

Así como el actor en palabra y gesto, movimiento y timbre de su voz crea una nueva esencia de la imagen escénica, a partir de lo que se da en la obra, así el artista, guiado por los mismos datos de la obra, encarna la imagen por medio de su arte.

A lo largo de la historia centenaria del arte teatral, el diseño de escenarios ha sufrido constantemente una transformación evolutiva, provocada no solo por la mejora de la tecnología escénica, sino también por todas las vicisitudes de los estilos y la moda de los tiempos correspondientes. Dependía de la naturaleza de la estructura literaria de la obra, del género de la dramaturgia, de la composición social de la audiencia y del nivel de la técnica escénica.

Los períodos de estructuras arquitectónicas estables de la antigüedad dieron paso a las etapas primitivas de la Edad Media, que a su vez dieron paso a los teatros de la corte real con lujo autosuficiente de representaciones. Hubo actuaciones en tela, en escenarios constructivos complejos, solo en diseño de iluminación, sin decoración en absoluto, en un escenario desnudo, en una plataforma, solo en un pavimento.

El papel del traje como escenario "en movimiento" siempre ha sido dominante. El punto de vista sobre su "relación" con el actor, el tiempo y la historia, y finalmente, con su "compañero" inmediato, el diseño artístico del escenario, cambió.

En el proceso de desarrollo progresivo del arte del teatro moderno, la innovación de la dirección, la transformación del método de diseño artístico, el papel del arte del vestuario no está disminuyendo, al contrario. Con el crecimiento de sus contrapartes más jóvenes y flexibles -el cine y la televisión- el teatro, sin duda, adquiere en busca y tormento nuevas formas de técnicas espectaculares, precisamente aquellas que defenderían y definirían la posición del teatro como el valor perdurable de un teatro independiente. forma de arte. El vestuario, como elemento más móvil de la escenografía teatral, ocupa el primer lugar en esta búsqueda.

La alta cultura moderna del arte teatral, el sutil y profundo trabajo de dirección sobre la obra y la representación, la actuación talentosa de los actores requieren que el artista que diseña la representación tenga una penetración particularmente profunda en la dramaturgia de la representación, un estrecho contacto con la dirección. El diseño moderno no está canonizado por las reglas. Es individual y concreto en cada caso particular. “El trabajo de un director es inseparable del trabajo de un artista. Primero, el director debe encontrar sus propias respuestas a los problemas básicos de diseño de escenarios. El artista, a su vez, debe sentir las tareas de ambientación y buscar persistentemente los medios expresivos..."

El vestuario teatral se crea primero por medios visuales, es decir, un boceto.

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• 2. Traje de teatro antiguo 5
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• 5. Traje de teatro de Europa de XVIen. hasta los tiempos modernos 13
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1. ¿Qué es un traje teatral?

El teatro es un tipo de arte que no puede existir sin una audiencia, por lo que todo en él está diseñado para un efecto externo. El vestuario teatral (junto con los bigotes y las barbas postizas, las pelucas, los cosméticos, las máscaras) forma parte del maquillaje teatral. El maquillaje (del francés "grimer" - "pintar la cara") es el arte de cambiar la apariencia de un actor para un papel determinado y los medios necesarios para ello.

El teatro (y con él el maquillaje) nació en lo más profundo del rito mágico sincrético de la antigüedad. La gente vio en él un poder curativo que limpia el cuerpo de diversas pasiones.

Todos los pueblos del mundo desde la antigüedad tienen fiestas asociadas a los ciclos anuales de muerte y renacimiento de la naturaleza. Estas vacaciones dieron vida al teatro.

Los antiguos griegos amaban y veneraban al joven dios Dioniso. La deidad suprema - Zeus - honraron solo una vez cada cuatro años (Juegos Olímpicos); Athena - una vez cada dos años; Apolo: una vez cada dos años; pero Dioniso tres veces al año. Esto es comprensible: Dionisio era el dios de la elaboración del vino.En marzo, la gente de todas las ciudades griegas vino a Atenas a la Gran Dionisio. Durante la semana, hicieron tratos, alianzas políticas y simplemente se divirtieron.

La fiesta comenzó con la importación de un Dionisio de madera en un barco sobre ruedas. Este barco estaba acompañado por un coro de sátiros-timitores. Por lo tanto, la aparición de esta deidad siempre se ha asociado con disfraces y disfraces de carnaval.

El clímax de las vacaciones llegó el tercer día. En este día, los animales machos fueron sacrificados a Dioniso, ya que él, habiendo nacido del muslo de Zeus, estaba asociado con un principio puramente masculino. Las víctimas pueden ser gallos, toros, pero con mayor frecuencia cabras. Cuando mataron a tal "chivo expiatorio", cantaron una triste "canción de cabra", una tragedia. Luego, la canasta con los intestinos y el falo de la cabra se llevó al campo para fertilizar la tierra, embriagándose gradualmente con el vino dedicado a Dionisio. Al regresar a casa, los portadores de la canasta regañaron a alguien (por ejemplo, a un político local). Al entrar en la ciudad, colgaron un komos (tripas de cabra) cerca de la casa del hombre. Esta acción, esta multitud y esas canciones alegres. que cantaba se llamaban komos ("juerguistas"). De ahí viene la comedia. Es cierto que hay otras versiones del surgimiento del teatro.

En cuanto a los atuendos de los participantes en la festividad, se sabe que eran pieles de animales (para mayor parecido con los sátiros con patas de chivo). Posteriormente, gracias al concurso de poetas sobre el escenario, las canciones trágicas y cómicas se convirtieron en géneros teatrales independientes.

2. Traje de teatro antiguo

El año oficial de nacimiento del teatro antiguo es el 534 a. e .. cuando la tragedia de Thespides se representó por primera vez en la Gran Dionisia.

Para esa época, el vestuario teatral ya era muy diferente al cotidiano. El artista, que al principio era solo uno, subió al escenario con un vestido magnífico y brillante. En su rostro había una máscara conectada a una peluca y equipada con un resonador de voz de metal ubicado en la boca. La máscara tenía agujeros para los ojos. El actor se puso los zapatos en koturny en una plataforma alta. Todo esto se calculó para la lejanía del espectador, pues el teatro al aire libre griego podía albergar hasta 17.000 personas. Un vestido brillante, una máscara grande, zapatos altos permitieron ver mejor al artista. El resonador amplificaba el sonido (aunque la acústica en los teatros antiguos era tal que una palabra susurrada en el centro del escenario llegaba hasta las últimas filas).

Había hasta setenta tipos diferentes de máscaras. Eran también necesarios porque entonces todos los papeles eran desempeñados por hombres. El actor cambió la máscara en el transcurso de la acción, cuando interpretó un nuevo papel y cuando le mostró al espectador un cambio en el estado de ánimo de su personaje. Las máscaras transmitían una expresión típica de alegría, tristeza, estafa, etc. Se fabricaban en madera o yeso y luego se pintaban.

El simbolismo del color jugó un papel importante. Los gobernantes vestían túnicas de púrpura; sus mujeres eran blancas; los exiliados son negros o azules; los jóvenes son rojos; las mujeres ordinarias son amarillas; los captadores son abigarrados.

Los disfraces iban acompañados de atributos permanentes para que el público reconociera más fácilmente al personaje. El soberano tenía un cetro, el vagabundo tenía un bastón, Dionisio tenía una rama florida de felpa (tirso), Apolo tenía un arco y flechas, Zeus tenía relámpagos, etc.

Gracias a la ropa larga y los zapatos altos, los actores trágicos se veían monumentales y se movían sin problemas. Los comediantes preferían atuendos más cortos y ajustados. Representando sátiros y silenos colgados de la parte posterior de una cola de caballo, se pusieron una máscara de animal (o cuernos), y esto agotó su maquillaje. Esa ropa les permitía saltar libremente por el escenario. En Roma, los géneros ligeros eran más queridos y las tragedias preferían la comedia. Allí, la pantomima entró en escena. Las actuaciones de circo eran muy populares. Los espectadores perciben más fácilmente phlyaks (del griego "phlyax" - "broma") - parodias de tragedias y comedias; memes: pequeñas escenas sobre temas cotidianos; atellani - improvisaciones divertidas.

El disfraz se ha vuelto más cercano a los atuendos cotidianos. Es cierto que el simbolismo del color aún se conservó. Ya no había máscaras en los mimos, y el público podía observar las expresiones faciales de los actores. En estas actuaciones no solo actuaban hombres, sino también mujeres, lo que aumentaba el momento erótico y creaba pretextos para el striptease público.

El vestuario teatral grecorromano continuó influyendo en el vestuario escénico en épocas posteriores.

3. Traje teatral de la Edad Media europea

En la Edad Media, la gente no olvidó el entretenimiento de la antigüedad, y casi todas las fiestas cristianas iban acompañadas de una actuación de payaso al revés: la corona, el bufón, la gorra, el rey.

Los histriones vagan por Europa (del latín "histrio" - "actor"), que en Francia se llaman malabaristas, en Inglaterra - juglares. en Alemania - shpilmans, y en Rusia - bufones. Son un teatro de un solo actor, porque saben actuar, cantar. caminar sobre la cuerda floja, hacer malabares. El vestuario de estas personas era conveniente para las acrobacias: leotardos, zapatos suaves, una túnica corta ceñida, vagabundos viajaban junto a los histriones - "vagabundos": escolares a medio educar, seminaristas, sacerdotes-rasstrigi. Las fronteras como tales aún no existían, y los idiomas no se alejaban demasiado de una base única, lo que hacía posible que se entendieran en todas partes. La vestimenta de los vagabundos no difería del traje cotidiano de una persona medieval.

Los vagabundos realizaron actuaciones divertidas: comu, en las que la iglesia fue ridiculizada en la imagen de la Madre Loca, por lo que los representantes de la religión oficial persiguieron a los artistas.

Sin embargo, la iglesia también necesitaba aumentar el espectáculo de sus "representaciones", por lo que surge un drama litúrgico justo en el interior del templo. Episodios de la Biblia fueron representados por los mismos sacerdotes en sus uniformes. Pero cuanto más aumentaba el momento de juego en estas producciones, más "indecentes" se volvían dentro de los muros de la iglesia. Por lo tanto, la actuación se trasladó primero al porche y luego a la plaza. Apareció un nuevo género: el milagro ("milagro"), que representa los eventos milagrosos asociados con la Virgen María y Jesús. Sobre la base del milagro, aparece un misterio ("misterio"): una acción teatral, remotamente conectada con la historia bíblica.

Los personajes de los misterios podrían ser no solo la Virgen María, Jesús y los profetas bíblicos, sino también los diablos, el diablo y los justos de la ciudad. Por lo tanto, el disfraz se volvió más diverso. Cristo, los apóstoles, los profetas actuaron con las vestiduras del clero. Y los propios intérpretes de estos roles podían ser sacerdotes o monjes (esto no estaba prohibido). Comerciantes, artesanos y otros héroes tenían las ropas de los habitantes de la ciudad de su tiempo. Personajes fantásticos ataviados con un complejo traje con atributos indispensables como cuernos, colas y pieles de lobo o carnero para los diablos. Las enfermedades personificadas (Peste, Viruela), los pecados (Glotonería, Adulación), las virtudes (Veracidad, Esperanza) podían tener máscaras.

Sin embargo, a menudo no se hicieron disfraces especiales (así como escenarios). Las inscripciones "Paraíso", "Infierno", "Dios Padre", etc. fueron suficientes.

La luz era la categoría principal de la estética medieval, por lo que los personajes divinos más importantes vestían ropas blancas y brillantes, y los hijos del diablo vestían de negro. Vera estaba vestida con un vestido blanco. La esperanza es verde. El amor está en rojo.

Como en el antiguo traje teatral, los héroes tenían atributos constantes: la fe tenía una cruz, la esperanza un ancla, el amor un corazón o una rosa, la avaricia una cartera, el placer una naranja, la adulación una cola de zorro.

Con el tiempo, el vestuario teatral se volvió cada vez más como uno doméstico ordinario, y el doméstico se volvió más teatral.

4 Vestuario teatral de los países del Sudeste Asiático

El sincretismo de la cultura primitiva (la inseparabilidad de varios tipos de actividad cultural) se manifestó en ciudades mágicas, donde las danzas, la música, la pintura, las representaciones teatrales, etc. convivieron en las profundidades de la mitología. mi. el baile y la pantomima formaban parte del culto a los dioses en la antigua India. Las epopeyas "Mahab-harap" y "Ramayana", que aparecieron en el primer milenio antes de Cristo. e., formó la base del teatro clásico de la India y de aquellos países donde existe el hinduismo, ya que estas epopeyas son los libros sagrados de esta religión. En diversas formas (teatro real, teatro de marionetas, teatro de sombras, ballet) todavía existen producciones de episodios del Mahabharata y el Ramayana. Y ahora usan disfraces, máscaras o maquillajes muy vistosos y caros. No hay escenografía, todo transcurre en el seno de una naturaleza majestuosa.

En China, el teatro también se desarrolló a partir de elementos de danza y acrobacias que formaban parte de los ritos sagrados. En los siglos VII-X se difunden las danzas sobre temas históricos y heroicos intercalados con pequeños interludios teatrales. Por primera vez, aparecieron trajes teatrales especiales.

En los siglos XIII-XIV, el teatro chino alcanzó su apogeo en forma de zaju. Esta actuación mixta incluyó música, canto, danza y acrobacias.

No había escenografía, por lo que el juego de los actores y su apariencia eran de particular importancia. Todos los roles fueron interpretados por hombres. Las escenas más patéticas se desarrollaron a cámara lenta.

Todos los movimientos fueron estrictamente canonizados. Los propios actores hablaron de sí mismos como héroes, determinaron el tiempo y el lugar de la acción.

En los siglos siguientes, el zaju no murió, sino que se transformó en diferentes formas. Como antes, hay pocos elementos de utilería en el escenario, y lo que hay se usa polifuncionalmente: la mesa es a la vez una montaña, un altar y una plataforma de observación; las banderas negras simbolizan el viento, las banderas rojas el fuego, etc. El simbolismo del color se usa en el maquillaje y el vestuario: el rojo es coraje, el blanco es mezquindad, el amarillo es el color del emperador.

En Japón también se han desarrollado varios tipos de representaciones teatrales que han sobrevivido hasta nuestros días. Kan'ami Kpetsugu y su hijo Zeami a finales de los siglos XIV y XV crearon el teatro Noh a partir de números dispares de canciones y bailes. Ellos mismos eran actores, directores de escena, autores y compositores (y Zeami también era un teórico del No teatro). Su trabajo llegó en un momento en que la forma de vida de los japoneses era notablemente teatral: los gobernantes eran personas de baja cuna y, como todos los neófitos, se adhirieron especialmente al ritual. El afán de espectáculo dio lugar a multitudinarias ceremonias del té o celebraciones de admiración de los cerezos en flor (lo que de por sí es absurdo, porque esto es algo muy personal para los japoneses). Las representaciones de teatro Noh se han convertido en una parte obligada de las ceremonias y recepciones. A menudo, muchas horas (e incluso muchos días) de actuaciones sobre temas históricos y heroicos comenzaron a cambiar el curso de los hechos reales (por ejemplo, el curso de unas vacaciones). Los gobernantes se acostumbraron a las imágenes de los héroes del escenario. Y el shogun (dictador militar) Toyotomi Hideyoshi pasó de ser un gran admirador del teatro No a su actor y en 1593, durante una representación de tres días en honor al nacimiento de su hijo, se destacó en diez obras. Se jugó a sí mismo.

El teatro Noh tiene los rasgos característicos que ya se han mencionado: la ausencia de escenografía, la lentitud de los movimientos en lugares importantes de la representación, los actores masculinos. Las escenas se desarrollaban ante la imagen de un pino sobre un fondo dorado. La imagen de un pino se remontaba a los símbolos mágicos agrarios más antiguos, y el oro personificaba al sol ya la diosa Amaterasu. Además, dicho fondo simbolizaba una fusión con la naturaleza, especialmente porque las acciones podían ir más allá del escenario y fusionarse con la atmósfera real de una recepción o fiesta.

Traje de actor hasta el siglo XVII. no difería del traje doméstico de la nobleza (más tarde comenzó a fabricarse según grabados y muestras de los siglos XIV-XV). Había una tradición: dar a los actores vestidos caros (especialmente se extendió durante la época del gobernante del teatro Toyotomi Hideyoshi). Como resultado, el teatro Noh también se convirtió en un museo de vestimenta lujosa. Ahora, el atuendo más antiguo que se conserva en el teatro es el traje de shogun del siglo XV.

En 1615, el gobernante de Ieyasa Totkugawa emitió un código que regulaba los colores y la calidad de las telas. La prohibición de materiales caros también afectó al teatro Noh. Los directores comenzaron a buscar una expresión figurativa diferente, ya no por costosos atuendos. La tela del traje se convirtió en un libro simbólico que podía llenarse de información. Ahora el estilizado vestuario canónico del teatro No revela una imagen característica. Todo en él es simbólico, desde el corte hasta el bordado.

El color juega un papel importante. El blanco significa nobleza, el rojo pertenece a los dioses y las bellezas, el azul pálido se asocia con el aplomo, el marrón significa baja cuna.

Los hombres juegan en el teatro Noh, por lo que las máscaras y los abanicos son importantes. El tamaño, la coloración, el patrón y el movimiento del abanico caracterizan al personaje. Las máscaras son sencillas pero muy elegantes. Están hechos de ciprés, imprimados y lijados. La máscara se usa sobre la peluca y se sujeta con lazos. El más mínimo cambio de iluminación o ángulo le da una nueva expresión. Hay máscaras de diferentes géneros, edades, personajes e incluso criaturas fantásticas.

5. Traje teatral de Europa del siglo XVI. hasta los tiempos modernos

Durante el Renacimiento, comenzaron a aparecer en Europa las primeras compañías permanentes que trabajaban de forma profesional. Vagan o están clavados en un lugar. A la gente le gusta más reír que llorar, por lo que los actores montan luces, producciones cómicas, farsas y parodias. Los comediantes errantes continuaron con las tradiciones medievales y (como toda la cultura del Renacimiento) recurrieron a la herencia antigua. En primer lugar, tales compañías surgieron en Italia. Fue allí donde apareció el teatro commedia dell "arte", es decir, la "comedia de las máscaras".

En la commedia dell'arte había un escenario: una calle de la ciudad. No había una trama permanente: el jefe de la compañía (kapokomiko) la pedía y los actores improvisaban, como en los antiguos atellani. Aquellas artimañas y comentarios que provocaron la aprobación del público se repitieron y consolidaron. La acción giraba en torno al amor de los jóvenes, que era obstaculizado por los viejos y ayudado por los sirvientes.

El papel más importante en la comedia lo jugó la máscara. Una máscara negra podría cubrir toda la cara o parte de ella. A veces era una nariz pegada o unas gafas estúpidas. Lo principal es crear una cara típica, apuntando a una caricatura.

Había dos requisitos para el disfraz: conveniencia y comicidad. Por lo tanto, por un lado, se parecía a la ropa de los histriones medievales y, por otro lado, se complementaba con detalles divertidos característicos.

Por ejemplo, Pantalone, un comerciante avaro, siempre estaba con su billetera. Su vestimenta se asemejaba a la de los comerciantes venecianos: chaqueta atada con una faja, pantalón corto, medias, manto y gorra redonda. Pero un día la artista subió al escenario con unos amplios pantalones rojos, al público le gustó este característico detalle. Como resultado, Pantalone y sus pantalones se fusionaron tanto en la mente de las personas que con el tiempo, el nombre común de pantalones para ropa interior femenina se formó a partir de un nombre personal.

El médico, otro héroe de la commedia dell'arte, presentó una parodia de un científico y salió con una bata académica negra con cuello y puños de encaje. En sus manos siempre había rollos de papel sobre su cabeza: un sombrero ancho.

El capitán, un militar aventurero, vestía coraza, bombachos, botas altas hasta la rodilla con enormes espuelas, capa corta y sombrero con plumas. Su atributo permanente era una espada de madera, que sin duda se atascaría en la vaina cuando fuera necesario.

Los personajes más numerosos y variados eran los sirvientes (zanni), porque eran ellos quienes actuaban como "motores del progreso" en un conflicto amoroso. Pulcinella tenía una enorme nariz ganchuda; Harlequin tiene tantos parches que con el tiempo se diseñaron en un patrón de tablero de ajedrez, Pierrot tiene una amplia camisa blanca con cuello cortado y pantalones largos; Brighella tiene una blusa blanca ancha y pantalones a juego.

Este teatro popular, gracias a sus tramas ligeras, fue mucho más popular que los teatros de Shakespeare o Lope de Vega, que primaban más no el espectáculo, sino la profundidad de los contenidos. Para las obras de Lope de Pega, por ejemplo, incluso apareció el nombre de "comedias de capa y espada", porque los artistas realmente las interpretaban solo con trajes cotidianos modernos para el autor.

Paralelamente a las comparsas errantes, existían también teatros cortesanos, cuyos trajes se contaban por centenares y se distinguían por su elevado coste. Se mostraron por separado de la representación de la obra.

En los siglos XVII-XVIII, el desarrollo del vestuario teatral decayó. La palabra cobra protagonismo, los diálogos absorben toda la atención del público. En el escenario se utiliza un traje de casa, desprovisto de historicismo. Este es el traje de moda habitual de la época. Cierto, en la obra no verás a un sirviente harapiento ni a una pastora mal vestida. El traje se ennoblece. Esto es una consecuencia de la teatralización de la vida. El teatro está tan profundamente arraigado en la vida cotidiana que se borra el límite "teatral - cotidiano" del vestuario. Cabe señalar que en los siglos XVII-XVIII, el vestuario teatral suele determinar la moda (lo que ya se ha mencionado en capítulos anteriores). Los actores vestían mejor y más extravagantemente que otros. En el siglo 17 para Monsieur a la fashion, se dispusieron asientos especiales para el público en el escenario, donde no solo vieron la actuación, sino que discutieron sobre los artistas y sus disfraces.

En los siglos XVII-XVIII florecieron géneros sintéticos: ópera, ballet, circo (aunque ya se conocían antes). Estos géneros incluyen acción dramática, acrobacias, música, canto y maquillaje brillante y memorable. Los géneros sintéticos absorben elementos de la vida cotidiana. Por ejemplo, el baile de salón cancán (cancán francés) con un movimiento alto característico de las piernas surgió alrededor de los años 70 del siglo XVIII. Poco a poco, se convierte en una parte integral de la opereta, un género de comedia musical y de baile.

En el siglo XIX se reavivó el interés por la historia en todos los ámbitos de la cultura. Gracias a los hallazgos arqueológicos y literarios, fue posible conocer más sobre los trajes de la antigüedad, por lo que, en las obras históricas, por primera vez, se intenta reproducir los trajes originales del pasado.

El desarrollo del realismo crítico como método de arte y forma de percibir el mundo lleva al hecho de que en el escenario ya no verás campesinas con batas y sirvientas almidonadas. Dichos accesorios aparecen en el teatro, que antes no se mencionaban en voz alta en la sociedad educada. La búsqueda de nuevas formas de expresión conduce al maquillaje naturalista. Esto es lo que escribe V. A. Gilyarovsky en sus ensayos sobre Moscú y los moscovitas:

"En 1879, un niño en Penza con el peluquero de teatro Shishkov era estudiante, el pequeño Mitya. Era el favorito del empresario de Penza V.P. Dalmatov, quien solo le permitía tocar su cabello y le enseñó a maquillarse. Escenificó "Notas de un loco " y ordenó a Mitya que preparara una peluca calva, quien trajo una vejiga de toro mojada a la actuación y comenzó a poner el cabello bien peinado de Dalmatov... Al grito del actor, los actores corrieron hacia el camerino.

- Eres un gran artista, Vasily Panteleymonovich, ¡pero déjame ser un artista de mi propio negocio! - levantando la cabeza hacia el alto V.P. Dalmatov, el niño se justificó. - ¡Pruébalo!

V.P. Dalmatov finalmente estuvo de acuerdo, y en unos minutos se colocó la burbuja, engrasada en algunos lugares, y los ojos de B.P. Dalmatov brillaron de placer: un cráneo completamente desnudo con sus ojos negros y un maquillaje expresivo causó una fuerte impresión.

A la vuelta de los siglos XIX y XX, la tendencia del modernismo da lugar a nuevas formas de vestuario teatral. Los atuendos se estilizan, convirtiéndose en símbolos. Los europeos descubrieron los teatros de Oriente, lo que se reflejó en el vestuario escénico.

En los primeros años posteriores a la Revolución de Octubre, el traje teatral desapareció por completo, fue reemplazado por "monos", ya que los actores son "trabajadores del trabajo teatral".

Poco a poco, todo volvió a la normalidad y el vestuario teatral volvió al escenario nuevamente. Además, en el siglo XX. había un espectáculo tan nuevo como el teatro de la moda. Los espectáculos modelo se han convertido en espectáculos de drama musical. Así que el vestuario doméstico finalmente se "casó" abiertamente con el teatro.

Lista de literatura usada

2. Gelderod M. de. Teatro: Sáb.: Per. de fr. / Post-último. L. Andreva, pág. 653-694

3. Comente. S.Shkunaeva; Artístico N. Alekseev. -M.: Arte, 2003. -717 p.

4. De Filippo E. Teatro: Obras: Per. con eso. /Luego. L. Vershinina, pág. 759-775; Artístico N. Alekseev. -M.: Arte, 2007. -775 p.

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