Sobre la unidad de contenido y forma en una obra de arte

1. Planteamiento del problema relacionado con el estudio del tema principal del año.
2. La encarnación de las profundidades del arte es el criterio más importante para la verdadera creatividad.
3. Lo que constituye la "singularidad mágica" de la idea y su implementación.

material artistico:

Poesía:

1. F. Tyutchev. “No es lo que piensas, naturaleza…”;
2. A. Vivaldi. Soneto que precede al concierto "Verano"

Cuadro:

1. I. Repin, I. Aivazovsky. "Pushkin junto al mar"

Música:

1. A. Vivaldi. "El verano". III parte. Del ciclo “Cuatro Conciertos para Violín y Orquesta “Las Estaciones” (escucha).

Características de las actividades:

1. Emocionalmente percibir imágenes varios tipos Arte.
2. Percibir e identificar conexiones externas e internas entre la música y otras artes (teniendo en cuenta los criterios presentados en el libro de texto).
3. Discutir el brillo de las imágenes en la música y otras artes (teniendo en cuenta los criterios presentados en el libro de texto).

“Solo el Espíritu, tocando el barro, crea de él un Hombre…”

A. de Saint-Exupéry

¡Música! ¡Qué hermosa y verdaderamente ilimitada es esta área de la cultura humana! Todo un océano de pasiones vivas, sueños elevados y aspiraciones nobles de la humanidad se encuentra en las creaciones de los clásicos musicales.

Los tesoros de la música, acumulados a lo largo de los siglos por generaciones de personas, son extremadamente diversos. La música nos rodea todos los días, en todas partes y en todas partes: en el trabajo y en el hogar, en viajes largos o reuniones amistosas, en días de duelo nacional o festividades festivas. Los sonidos musicales nos acompañan a lo largo de nuestra vida. Es difícil encontrar una persona en la tierra que pueda vivir sin música, que pueda prescindir de cualquier impresión musical, incluso de la más simple.

El mundo de la música es verdaderamente ilimitado. Abarca diferentes épocas de la historia, diferentes estratos de la sociedad, diferentes, muy diferentes entre sí. tradiciones nacionales. Un oyente que piensa superficialmente a veces descarta fácilmente música ajena a él, nacida en un pasado lejano o en países y continentes extranjeros. Mientras tanto, la cultura musical del siglo XX, gracias al florecimiento de los modernos medios de comunicación (radio, televisión, grabaciones), así como al aumento de los contactos entre las naciones, amplió significativamente sus límites cronológicos y geográficos.

Sabemos mucho más sobre el pasado musical, estamos más familiarizados con la música de los pueblos de Asia, África y América Latina. Un oyente ilustrado experimenta hoy una alegría estética especial, al comprender el encanto de la antigüedad musical, el encanto inmarcesible de las obras de Mozart y Haydn, Couperin y Vivaldi. Nunca deja de admirar las creaciones eternamente vivas del gran Bach, que no han perdido en absoluto su belleza y sabiduría. Las obras maestras de la música de Bach no solo no envejecen, sino que parecen capturar a la gente del siglo XXI con más fuerza y ​​profundidad. Del mismo modo, la maravillosa música de Glinka no envejece para nosotros, cada vez que sorprende con su encanto emocional eternamente joven.

Las creaciones más profundas del arte clásico viven durante siglos sin perder su frescura. Son seleccionados por la humanidad entre cientos y miles de muestras y entraron en el fondo dorado de la cultura mundial. Tales obras no envejecen, el tiempo es impotente frente a ellas. Poseedor de una alta perfección artística, encarnando ideas avanzadas humanidad, conservan hasta el día de hoy el valor de una especie de patrón, de modelo, a veces inalcanzable.

Han pasado más de doscientos cincuenta años desde que Johann Sebastian Bach completó su famosa Misa en si menor, y la gente todavía escucha con entusiasmo esta música, imbuida de sabiduría y poder de sentimientos. Hace más de ciento cincuenta años se escribió la Novena Sinfonía de Beethoven, pero hoy en día cada una de sus interpretaciones tiene lugar en salas llenas de gente. Víctor Hugo dijo una vez que una obra maestra del arte nace para siempre. Esta es la diferencia entre la música clásica siempre viva y la música superficial, de moda, pero que envejece rápidamente.

Naturalmente, no todas las sinfonías u óperas son necesariamente mejores, más significativas o más profundas que cualquier canción. Las mejores creaciones del arte popular, en particular las canciones más bellas de varios pueblos del mundo, son tan inmortales como las obras reconocidas de los compositores clásicos.

Una vez, A. I. Herzen le escribió a su hijo: "Hay creaciones artísticas clásicas, sin las cuales una persona no es una persona completa". Quería decir que las personas que pasan por alto estas grandes riquezas empobrecen inexcusablemente a sus mundo espiritual privarse de una alegría intelectual incomparable. Y la vida, desprovista de belleza, no iluminada por la luz del arte, se convierte en algo opaco, incoloro, mecánico.

¿Por qué algunas obras mueren nada más nacer, mientras que otras viven siglos, introduciendo en sus profundidades a más y más generaciones?

hace muchos siglos filósofo griego antiguo Aristóteles enfatizó la diferencia entre cara adorable y una cara bellamente dibujada. El gran pensador fue uno de los primeros en adivinar que el sentido del arte no está en la representación de fenómenos bellos, sino en la búsqueda y encarnación de la esencia oculta de las cosas.

La capacidad de ver lo oculto, lo profundo, es una de las condiciones necesarias para la verdadera creatividad. Esto fue escrito por el maravilloso poeta ruso F. Tyutchev, quien nos enseñó verdadero entendimiento naturaleza.

No es lo que piensas, naturaleza,
Ni un yeso, ni un rostro sin alma,
Tiene alma, tiene libertad,
Tiene amor, tiene lenguaje.

Sin embargo, el oído más sutil, la visión más aguda, la intuición más sensible no bastan para que nazca una obra de arte. No basta con ver y comprender, también es necesario encarnar. El lado más intenso de la creatividad a veces se asocia con la encarnación, el que te obliga a escribir montañas de papel, hacer viajes increíbles, experimentar viajes increíbles, experimentar momentos de profunda ansiedad, y todo por el bien de una sola frase, trazo, melodía.

El verdadero arte realmente requiere completa dedicación y olvido de sí mismo por parte del artista. No es solo que crear una obra de arte consuma mucho tiempo. Lo principal es encontrar esa frase o melodía verdadera, la única que correspondería a la intención de su creador.

No es raro que los músicos admitan que a veces, después de largas búsquedas infructuosas, las entonaciones o armonías necesarias llegaron repentinamente, por así decirlo, desde arriba, temblando con su persuasión y verdad. Entonces, Joseph Haydn, cuando se le ocurrió una melodía (en el oratorio "Creación del mundo" que expresa el nacimiento de la luz), exclamó, cegado por su brillo: "¡Esto no es mío, esto es de arriba!"

Por lo tanto, entre las explicaciones naturaleza misteriosa arte musical uno de los primeros es el reconocimiento de su esencia divina. Y aquel a quien el destino ha destinado a ser creador, inicialmente lleva en su alma cierto ideal, con el cual compara todo lo que crea. Tal ideal es una especie de "unicidad mágica" de la idea y su implementación, o, si usamos la definición científica, la unidad de contenido y forma.

La música rodeó a Antonio Vivaldi toda su vida. Lo aspiró con el aire ciudad natal- salado, con olor a mar, sonando de canciones. No tuvo que inventar nada: las melodías pululaban en su cabeza como abejas en una colmena. Sólo era necesario moldearlos en una forma clara, subordinarlos a las leyes de la composición. Dominaba perfectamente todos los secretos de su oficio, pero consideraba que el sentimiento era lo principal. Nunca entendí a esos maestros a veces muy hábiles que veían en sus composiciones sólo una excusa para ingeniosos acertijos contrapuntísticos. Música, sin alegría, sin calentar el alma, ¿por qué?

Fue una gran idea escribir cuatro conciertos para violín y orquesta, correspondientes al cambio de estaciones. ¡Qué variedad de cuadros, qué inagotable riqueza de colores! La primavera, con su cielo radiante, la dicha lánguida de una tarde de verano, el esplendor de la caza en otoño y, finalmente, la alegre diversión del invierno: los patines. Pobló la música con el canto y silbido de los pájaros, el murmullo de los arroyos, los fuertes gritos de los cuernos de caza. Con éxtasis pintó la sinfonía furiosa de una tormenta: el sonido de los chorros de lluvia apretados, el aullido del viento, los zigzags deslumbrantes de los relámpagos. A veces veía todo esto con tanta claridad que las palabras le llegaban junto con la música. Los escribió en la partitura, con la esperanza de que los versos ayudaran a comprender mejor la composición.

"El verano"

La manada vaga perezosamente por los campos.
Del calor pesado y sofocante
Sufrimiento, todo en la naturaleza se seca,
Todos los seres vivos tienen sed.

De repente un apasionado y poderoso
Borey, estalla la paz del silencio.
Está oscuro alrededor, hay nubes de mosquitos malvados.
Y el pastor llora, sorprendido por una tormenta.

Del miedo, pobre, se congela:
Caen relámpagos, truenos rugen,
Y saca orejas maduras
La tormenta está sin piedad por todas partes.

No, en los sonidos de la imagen de las estaciones resultó mucho más brillante.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky unió a dos de sus musas: el mar y Pushkin, y dedicó la imagen al poeta.
Cabe destacar que el paisaje, es decir, la imagen del mar, fue pintado por Aivazovsky, y la figura del poeta fue pintada por Ilya Efimovich Repin. Esto se debe a que las posibilidades imagen de retrato Aivazovsky eran muy limitados, pero paisajes marinos pintó simplemente brillantemente.
Según aseguran los investigadores, la imagen tiene una conexión directa con el poema "Al mar". En él, el poeta describe la despedida del orgulloso "elemento libre", lo compara con su amigo, cuyo "ruido de invitación" permanecerá en el corazón para siempre.

¡Adiós, elemento libre!
A ultima vez en frente de mí
Ruedas olas azules
Y brillar con orgullosa belleza.

Mire más de cerca el lienzo: el paisaje en él es romántico, marino, pero duro. Bloques negros de piedras se amontonan en un montón sin forma, como por las manos de un gigante de cuento de hadas. El fondo del lienzo en sí es gris, casi blanquecino, pero la figura de Pushkin, toda en negro, contrasta fuertemente con el tono del conjunto. Con la mano izquierda apartada, el poeta parece despedirse del mar, tan cercano a su alma, y ​​en la derecha sujeta un sombrero. El viento alborotó el cabello de Pushkin, le arrancó la capucha, pero él solo disfruta del rocío salado de los elementos furiosos. Su rostro es tranquilo e inspirado, y sus ojos están fijos en el horizonte...
Si hablamos del mar, entonces es la creación más misteriosa y romántica de la naturaleza. El hombre lo encontró en todas partes, vio alegría y tristeza en él. Poetas, escritores y artistas no podían pasar por alto los motivos marinos, por eso es tan grande el número de obras dedicadas al mar. Cabe decir que Pushkin, como persona creativa, no podía dejar de sentirse atraído por el romance del mar.
Para él, se ha convertido en un amigo cercano, cuya separación no le permitirá olvidar el tiempo que pasaron juntos. Parece que la atmósfera libre del mar se transfirió al mismo Pushkin, quien sintió unidad con los elementos y atracción por ellos. No es sorprendente que el mar en el lienzo de Aivazovsky parezca estar vivo, y todos los que han visto la imagen tienen la impresión de que se comunica con el poeta.

Presentación

Incluido:
1. Presentación, ppx;
2. Sonidos de la música:
Vivaldi. El verano. movimiento III (del ciclo "Las Estaciones" para violín y orquesta), mp3;
3. Artículo adjunto, docx.

“MÚSICA Grado 7 Tema del año: “Contenido y forma en la música” I trimestre Lección 1 Tema: “Singularidad mágica” de una pieza musical. Metas..."

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MÚSICA

Tema del año: "Contenido y forma en la música"

Yo cuarto

Tema: "Singularidad mágica" de una pieza musical.

Objetivos de la lección:

Aprende a percibir la música como una parte integral de la vida de todos.

persona.

Desarrollar una actitud de cuidado y compasión hacia

el mundo circundante.

Cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales,

necesidad de experiencia musical.

Material musical de la lección:

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema del año: "Contenido y forma en la música".

Tema de la lección: "Singularidad mágica" de una pieza musical.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Escritura del tablero:

A. de Saint-Exupéry Cualquier auténtica obra de arte convence.

Y no importa si encarna hermosas ideas e imágenes o si agudiza deliberadamente los lados oscuros y antiestéticos de la vida.

Es convincente tanto cuando nos inspira, despierta altas aspiraciones, como cuando nos hace estremecer por el horror vivido.

¿Por qué algunas obras mueren nada más nacer, mientras que otras viven siglos, introduciendo en sus profundidades a más y más generaciones?

Hace siglos, el antiguo filósofo griego Aristóteles enfatizó la diferencia entre un rostro hermoso y un rostro bellamente pintado.

El gran pensador fue uno de los primeros en adivinar que el significado del arte no está en la representación de fenómenos bellos, sino en la búsqueda y encarnación de la esencia oculta de las cosas.

La capacidad de ver lo oculto, lo profundo, es una de las condiciones necesarias para la verdadera creatividad.

No es lo que piensas, la naturaleza, No es un yeso, no es un rostro sin alma, Tiene alma, tiene libertad, Tiene amor, tiene lenguaje.

Sin embargo, el oído más sutil, la visión más aguda, la intuición más sensible no bastan para que nazca una obra de arte. No basta con ver y comprender, también es necesario encarnar. El lado más intenso de la creatividad a veces se asocia con la encarnación: el que te obliga a escribir montañas de papel, hacer viajes increíbles, experimentar viajes increíbles, experimentar momentos de profunda ansiedad.

- y todo por el bien de una sola frase, trazo, melodía.

El verdadero arte requiere completa dedicación y olvido de sí mismo por parte del artista. Requiere encontrar esa frase o melodía verdadera, la única que cumpliría con la intención de su creador.

Aquel a quien el destino destina a ser creador lleva un ideal en el alma, con el cual compara todo lo que crea.

Tal ideal es la "singularidad mágica" de la idea y su implementación.

- la unidad de contenido y forma.

Trabajo vocal y coral.

Y. Shevchuk. que es el otoño.

IV. Resumen de la lección.

Empezamos hablando de la unidad de contenido y forma en el arte, que depende de la belleza, la verdad y la profundidad de la vida.

v. Tareas para el hogar.

Aprende una canción.

Lección 2 Tema: La música es difícil de explicar con palabras.

Objetivos de la lección:

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Y. Shevchuk. Qué es el otoño (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: La música es difícil de explicar con palabras.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Escritura del tablero:

Sólo el Espíritu, tocando el barro, crea de él un Hombre.

A. de Saint-Exupery Es mucho más difícil hablar del contenido musical que del contenido de otras formas de arte.

En la música, a menudo no hay trama, a diferencia de las obras literarias o la pintura, por lo que la música no se puede contar con palabras. Rara vez contiene imágenes específicas a las que se les puede dar una descripción verbal.

Sólo sobre una pequeña parte de la música -música de programa- tenemos la oportunidad de razonar aproximadamente de la misma manera que se habla de una obra literaria, es decir, tocando esos descripciones verbales dada por el compositor. Pero tan pronto como comienza el sonido musical adecuado, la música de programa se vuelve tan inaccesible para nuestras definiciones como cualquier otra.

Todo esto hace de la música un arte especial entre otras artes.

Probablemente porque solo la música puede expresar lo inexpresable.

Ya hemos hablado de la musicalidad del mundo, que esta musicalidad está presente en los fenómenos de la naturaleza, en otras formas de arte, en la diversidad de estados anímicos y anímicos humanos.

Todo el mundo sabe que en la vida no todo y no siempre funciona sin problemas y sin nubes.

Incluso las alegrías, las preocupaciones y las ansiedades cotidianas dejan una huella profunda en el alma. Los trastornos emocionales más fuertes nos afectan aún más profundamente: descubrimientos, pérdidas, decepciones y nuevas esperanzas.

Todas estas impresiones constituyen una gran capa de vida humana: invisible, pero a veces la más importante y significativa. Esto es algo con lo que una persona permanece constantemente, que solo puede revelarse al mundo exterior en una pequeña parte; después de todo, los medios de expresión de una persona son muy limitados. ¿Cómo escapar de uno mismo, al menos por un tiempo para superar esta eterna soledad de los propios deseos, aspiraciones, sueños, alegrías y sufrimientos? Una de las formas de superarse a uno mismo es la creatividad.

En efecto, en él encuentran expresiones de sentimientos y pensamientos experimentados por el autor, su experiencia personal derrotas y victorias, toda su rica vida interior.

Sin embargo, no todos son capaces de expresarse en actividad artistica. Entre los muchos valores que posee el arte, hay uno que va dirigido al alma humana, que se adhiere al desbordante mundo de la fantasía, lo eleva, ayuda a superar el aislamiento de una existencia solitaria.

Quizás esto es lo que una persona busca principalmente en las obras de arte: después de todo, está interconectado con el mundo, busca una respuesta y un consuelo. “Somos cautiverio eterno en las fuentes”, escribió A. de Saint-Exupery en su libro “Planeta de personas”. Nuestra libertad es tan limitada. Se cree que una persona es libre de ir a donde quiera. Se cree que es libre... Y nadie ve que estamos atados a los pozos, estamos atados como un cordón umbilical, al vientre de la tierra. Da un paso más y morirás.” Este pensamiento, que se le ocurrió a un piloto en apuros en el desierto, difícilmente debería entenderse sólo en el mismo literalmente. Realmente estamos en cautiverio eterno en las fuentes. Así como el cuerpo necesita agua, alimento y vestido, del mismo modo el alma humana busca sus manantiales, de donde saca fuerza.

Entre estos manantiales que dan vida, que han sostenido y fortalecido a una persona desde la antigüedad, también está la música, música con sus ritmos incendiarios y entonaciones arrulladoras, música que nos comprende y nos consuela.

Hay momentos en los que no necesitamos palabras, en las que incluso estorban:

escúchate a ti mismo, comprende tus sentimientos más profundamente. No siempre una persona puede explicarse a sí misma.

Por eso decimos que sólo la música puede expresar lo inexpresable.

Por eso es tan difícil explicarlo con palabras.

Y esta es la característica principal de su contenido.

M. Tariverdiev, letra de N. Dobronravov. El Principito (escuchando).

I.Brahms. Sinfonía nº 3. III movimiento. Fragmento (audición).

Johannes Brahms (1833 - 1897) - un destacado compositor alemán, creador de obras filosóficamente profundas para Orquesta Sinfónica en el que expresó una variedad de sentimientos y estados de ánimo. Nos da la oportunidad de sentir la atmósfera única del tiempo, crea música imagen generalizada era.

Trabajo vocal y coral.

Y. Shevchuk. que es el otoño.

IV. Resumen de la lección.

Hablamos de cómo solo la música puede expresar lo inexpresable.

V. Tarea.

Aprende una canción. Responda por escrito a la pregunta: ¿por qué una obra de arte puede compararse con un acertijo?

*** Lección 3 Tema: Qué es el contenido musical.

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Escritura del tablero:

… Años de vida han pasado en vano, está claro ante mí

La conclusión final de la sabiduría terrenal:

¡Solo es digno de la vida y de la libertad, Quien va a la batalla por ellos todos los días!

J. W. Goethe. Fausto III. Trabajar sobre el tema de la lección.

Historia del maestro sobre L. Beethoven, su música.

El credo de vida de L. Beethoven:

1. "No conozco otros signos de superioridad, excepto la bondad".

2. "Haz el bien donde puedas, sobre todo ama la libertad, e incluso en el trono monástico no renuncies a la verdad".

3. "La música debe encender el fuego del alma humana".

¿Estás cerca de los principios de Beethoven? ¿Cuál de ellos podría ser decisivo para ti en la vida? ¿Por qué?

Los fundamentos de la "entonación" creativa y humana de la música de Beethoven - "a través de espinas a las estrellas"; "A través del sufrimiento a la alegría". "Dame solo un día de pura alegría".

Romain Rolland dijo de Beethoven: “Al dibujarlo, dibujo su tribu, nuestro siglo, nuestro sueño. Nosotros y nuestro compañero con las piernas ensangrentadas - ¡Alegría!

No alegría gorda, comida en el establo del alma. El gozo de la prueba, el gozo del trabajo y la lucha, la superación del sufrimiento, la victoria sobre uno mismo..."

Cuando Beethoven se instaló en Viena, tenía 22 años, momento en el que ya era un compositor experimentado y un intérprete brillante. Su pasión es la improvisación, el directo, encender la creatividad en el escenario, la alegría de crear música ahí mismo, frente al público. En la improvisación, no conoció igual. El éxito lo acompañó. Sus escritos se hicieron famosos. Fue recibido en casas aristocráticas y famosas.Parecía que Beethoven podía ser feliz. Pero el destino estaba llamando a la puerta. Durante varios años, Beethoven había notado signos de sordera inminente, un terrible desastre para un músico. Tuve que esconder mi sordera de los demás. El miedo a perder la capacidad de crear lo llevó a la desesperación. Beethoven se lo contó a sus hermanos en una carta conocida como el testamento de Heiligenstadt: “... No estuve lejos de ponerme las manos encima. ¡Arte! Era lo único que me mantenía en pie. Me parecía impensable dejar este mundo antes de haber logrado aquello a lo que me sentía llamado…”

Pero en el otoño de 1801, la vida todavía le sonríe a Beethoven. Se enamoró de la condesa Juliette Guicciardi. A pesar de las aflicciones, Beethoven veía lo mejor en las personas, perdonando las debilidades: la música fortalecía su bondad. Probablemente, en Julieta, durante algún tiempo, no notó frivolidad, considerándola digna de amor, tomando la belleza de su rostro por la belleza de su alma. “Se ha vuelto más placentero para mí vivir”, le escribe a un amigo, “Conozco gente... este cambio... fue hecho por el encanto de una dulce niña;

ella me ama y yo la amo. Los primeros momentos felices de mi vida en los últimos dos años. Pagó caro por ellos. Julieta lo traicionó inesperadamente. Se casó con el conde Hellenberg, un compositor incompetente, prefiriéndolo no solo como candidato a su mano, ¡sino también como músico! Después de la traición de Julieta, Beethoven se fue a la finca de su amigo. Estaba buscando la soledad. Durante tres días vagó por el bosque sin volver a casa. Fue encontrado en un matorral remoto, exhausto por el hambre y el sufrimiento. Nadie escuchó una sola queja. Beethoven no necesitaba palabras. Todo lo decía la música de "Sonata como la fantasía".

“¡Escúchalo no solo con tus oídos, sino con todo tu corazón! Y, tal vez, escuchará en su primera parte un dolor como nunca antes había escuchado, en la segunda parte, una sonrisa tan brillante y al mismo tiempo tan triste que no notó antes; y, finalmente, en el final, un deseo tan violento de escapar de los grilletes del sufrimiento y la tristeza, que solo se puede decir en las palabras del mismo Beethoven: “Agarraré mi destino por el cuello. ¡Ella no puede doblegarme! ¡Oh! ¡Qué maravilloso sería vivir mil vidas!” D. Kabalevsky.

(audiencia).

Tal manantiales eternos el sufrimiento, como la soledad o el amor no correspondido, por el contrario: están llenos de una especie de grandeza, porque son ellos los que revelan la verdadera dignidad del alma. Beethoven, rechazado por Giulietta Guicciardi, escribe la sonata "Moonlight", incluso con su crepúsculo iluminando las cumbres del arte musical mundial.

–  –  –

¿Qué imagen crea la música? ¿El nombre de "Sonata claro de luna", que le dio el poeta romántico Relstab tras la muerte del compositor, corresponde al mundo figurativo de la música de Beethoven?

¿Cuál es la naturaleza de la música: masculina, femenina, juvenil o infantil?

Al escuchar la primera parte de la sonata, preste atención a tres elementos de su discurso musical: la melodía lúgubre concentrada de la voz superior, el acompañamiento uniformemente fluido de trillizos en la voz media y los acordes bajos profundos y sombríos. ¿Cuál de los elementos en la percepción del poeta se convirtió en el principal y contribuyó a la aparición de recuerdos de la luz de la luna?

¿Cuántas imágenes hay en esta música? (Uno en el que el desarrollo del sentimiento es claramente audible: al principio, una melodía lúgubre con entonaciones rítmicas de una marcha fúnebre; en la sección media, estas entonaciones dan paso a un movimiento ondulante ininterrumpido de tresillos sobre un fondo de profunda los bajos, que poco a poco van creciendo, subiendo en el registro y en la potencia de la sonoridad, llegan a un clímax, como si quisieran romper el gol lúgubre doloroso, el regreso de la melodía lúgubre en el tercer tramo, y una breve coda con lúgubre el ritmo en el bajo confirma el sentimiento de desesperanza.) ¿Cómo entiendes las palabras de F. Dostoevsky "Muchas cosas cambian, el corazón sigue siendo uno". ¿Estás de acuerdo con esto?

Conclusión: “... Si alguien vive toda su vida sin conocer toda la belleza y riqueza de la música de Bach y Mozart, Beethoven y Chopin, Tchaikovsky y Mussorgsky, ni Bach, ni Mozart, ni Beethoven, ni Chopin, ni Tchaikovsky o Mussorgsky. Seguirán siendo tan grandes y poderosos. Pero el que pase junto a ellos y no toque su arte perderá mucho, mucho” D. Kabalevsky.

L. Beethoven. Sonata nº 14 para piano. II parte. (audiencia).

¿Por qué Franz Liszt es uno de los mejores artistas"Moonlight Sonata" - llamó a su segunda parte "una flor entre dos abismos"?

¿Ha cambiado la música de la segunda parte en comparación con la primera?

¿Qué crees que estaba pensando Beethoven cuando escribió esta parte? (Esto es un recuerdo de algo brillante y triste al mismo tiempo, o un sueño, o tal vez es la sonrisa de Juliet, casi bailando-juguetona, alternando con sus pensamientos sombríos.) ¿Cuántas imágenes? (Dos: masculino y femenino). Quizás Beethoven se tenía en mente cuando dijo: "Un hombre debe ser fuerte y valiente en todo".

Y finalmente, la 3ra parte.

Audiencia.

¿Qué sentimientos se transmiten en la 3ª parte? (Una ebullición tormentosa de pasiones, un poderoso deseo de superar el dolor). Se sabe que la esencia de la forma sonata está en el conflicto (lucha) o contraste de imágenes. ¿Por qué Beethoven rompió la tradición establecida y escribió el primer movimiento de la sonata no en forma de sonata?

¿Dónde surge más claramente el conflicto: dentro de las partes de la sonata o entre las partes?

¿Qué es el optimismo de Beethoven? (Logro de la meta en la lucha, no optimismo frívolo, sino fuerza interior, alegría a través del sufrimiento.) Conclusión: “... ¡Almas que sufren, almas nobles, tomen a esta persona como su compañera!” Edouard Herriot "Vida de Beethoven".

Trabajo vocal y coral.

Y. Dubravin, letra de M. Plyatskovsky. Cuando un músico toca (canta).

IV. Resumen de la lección.

“El corazón es la verdadera palanca de todo lo grande”, dijo Beethoven. Y los amigos notaron la asombrosa combinación de su amabilidad, su extraordinaria disposición infantil y su voluntad poderosa y obstinada. Ningún emperador, ningún rey poseía tanta conciencia de su fuerza como un gran compositor aislado de la gente por un muro de sordera.

V. Tarea.

Aprende una canción. Preparar un informe sobre L. Beethoven.

*** Lección 4 Tema: Qué es el contenido musical.

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Y. Dubravin, letra de M. Plyatskovsky. Cuando un músico toca (canta).

Material adicional:

Retrato del compositor L. Beethoven.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: "¿Qué es el contenido musical?"

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Escritura del tablero:

¡Mi loco amor, Beethoven!

O me crucifican en una cuerda, luego me arrojan al infierno, luego me elevan al mismo nivel que el cielo ... P. Mikhnya Continuaremos nuestra conversación sobre Beethoven. Hoy escucharás su Obertura Egmont.

La tragedia "Egmont" del poeta alemán I. W. Goethe se basó en los acontecimientos históricos del siglo XVI asociados con la lucha del pueblo holandés por la liberación del dominio español. Egmont, conde de Lemoral, encabezó un levantamiento contra el rey español Felipe II, pero es víctima de los insidiosos planes de los enemigos que apoyaban al rey. Antes de su muerte, Egmont apeló al pueblo a luchar por la libertad e independencia de su patria.

La imagen de Egmont se acerca a los ideales y estados de ánimo de L. Beethoven. Expresó todo el poder de sus sentimientos en la obertura.

La Obertura de Egmont es una pieza de un solo movimiento. L. Beethoven logró mostrar de forma concisa los puntos principales del desarrollo de la tragedia.

La obertura comienza con una introducción lenta. Aquí es donde comienza el conflicto.

La imagen del dominio español. La presentación de acordes, el tempo es lento, el ritmo es sincopado, suena solemne, autoritario, recuerda la procesión de danza española de la zarabanda. El registro bajo, la escala menor le dan un colorido ominoso y sombrío. En la orquesta, es interpretada por instrumentos de cuerda.

imagen del pueblo holandés. El tema es "cantado" por el oboe, al que se le suman otros instrumentos de viento madera, y luego las cuerdas. La melodía se basa en una segunda entonación muy expresiva, que le da un carácter lúgubre. Entonaciones de gemidos, entonaciones de "suspiros", una petición, una queja. Cuando escuche música, preste atención a lo más importante: cuando la introducción pasa a la parte principal: el tema principal (primero) de esta parte crece imperceptiblemente a partir de la segunda imagen (oprimida): el tema de la gente.

L. Beethoven. Obertura de Egmont. Grado 8 (escuchar).

¿Por qué? ¿Qué quiso decir L. Beethoven con esto? (El compositor deja en claro que las personas oprimidas están reuniendo fuerzas y pasando de los gemidos a la lucha). Después del primer tema, que avanza rápidamente, aparece un segundo (lado): la imagen de los conquistadores. Pero, presta atención, no hay grandeza y autoridad anteriores en ello.

En la exposición chocan dos imágenes, abrazadas por un mismo torrente de intensa lucha.

¿Cuál es el resultado de la lucha? El héroe muere, pero el pueblo triunfa.

¿Cuántos movimientos hay en la obertura? Tres: en el primero, se presentan y comparan imágenes contrastantes, en el segundo, el desarrollo y desarrollo de imágenes, en el tercero, el resultado de la confrontación de temas.

La obertura está escrita en forma de sonata allegro. El grupo principal tiene un carácter heroico y de voluntad fuerte. Está escrito en fa menor. Su fuerza y ​​energía aumentan gradualmente. Al principio, suena en el registro más bajo de violonchelos y otros instrumentos de cuerda de piano, y luego es recogido por toda la orquesta fortissimo.

Un movimiento por un segundo al comienzo de la melodía revela parentesco. fiesta principal con el segundo tema de la introducción - el tema del "sufrimiento" del pueblo. Su carácter heroico ya no habla de humildad, sino de la indignación de los Países Bajos y su levantamiento contra los esclavistas.

La parte lateral también está asociada con la música de la introducción, cordal, pesada: puede reconocer fácilmente el tema de los "esclavizadores". Expresado en mayor (La bemol mayor), ahora suena no solo solemnemente, sino triunfalmente. Este tema ha sido asignado instrumentos de cuerda. El sonido tranquilo de los instrumentos de viento de madera en la segunda frase hace que la parte lateral se relacione con el segundo tema de la introducción.

La valiente y decisiva fiesta final completa la exposición.

El desarrollo es muy pequeño. En él, por así decirlo, continúa la comparación de los temas contrastantes de la introducción, la "lucha" se intensifica. A las tímidas "peticiones"

cada vez sigue una "respuesta" inexorable y cruel. La repetición repetida de la melodía del comienzo de la parte principal cada vez termina con dos acordes abruptos y agudos.

Pero la "lucha" no termina ahí. Al final de la repetición, estalla con una fuerza aún mayor. El tema de los "esclavistas españoles" suena aquí especialmente inflexible y furioso, y aún más quejumbroso e implorante: el tema del pueblo.

Un duelo desigual termina abruptamente. La repetición termina con una serie de acordes sostenidos, tranquilos y tristes. Beethoven obviamente quería transmitir aquí la última batalla feroz con el enemigo y la muerte del héroe, Egmont.

La obertura termina con una gran coda que muestra el resultado de la lucha.

Su carácter solemne y jubiloso habla de la victoria del pueblo.

El comienzo de la coda se asemeja al estruendo de una multitud que se acerca, que rápidamente crece y se convierte en el paso de una grandiosa procesión masiva. Las trompetas y los cuernos franceses suenan, y al final de la obertura hay una flauta flautín.

Beethoven termina la obertura en la mayor del mismo nombre.

Conclusión: "La dramaturgia de la obra radica en el choque brusco de dos imágenes".

Trabajo vocal y coral.

Y. Dubravin, letra de M. Plyatskovsky. Cuando un músico toca (canta).

Y. Migul. Ser humano (cantando).

IV. Resumen de la lección.

El interés de Beethoven en los destinos de los pueblos, el deseo en su música de mostrar la "lucha" como un camino inevitable para lograr la meta y la próxima victoria, el contenido principal de las obras heroicas del compositor.

V. Tarea.

Aprende canciones. Informes sobre la obra de Beethoven.

*** Lección 5 Tema: Qué es el contenido musical. Música que necesita ser explicada con palabras.

Objetivos de la lección:

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Material adicional:

Retratos de compositores: A. Vivaldi y O. Messiaen.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

Hoy nos familiarizaremos con el software en la música.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: “¿Qué es el contenido musical? Música que necesita ser explicada con palabras.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Cada arte habla su propio lenguaje. La música, el lenguaje de los sonidos y las entonaciones, se distingue por una profundidad de entonación especial. Es este lado emocional del contenido de la música lo que siente el oyente en primer lugar. La música dibuja personajes humanos con notable precisión y tiene capacidades de sonido e imagen. Lleva una cosmovisión holística. La música está íntimamente relacionada con la vida, con otras formas de arte. El canto aparece ante nosotros como una unidad de poesía y música. El ballet es una fusión de música y coreografía. La ópera, en su esencia, es una síntesis de dramaturgia, Artes visuales y musica.

La música del programa a menudo reproduce en sonidos una trama familiar para los oyentes de obras de literatura, pintura y otras artes.

El contenido musical se manifiesta de diferentes maneras.

Puede hablarnos de países maravillosos y de la poesía eterna de la naturaleza, nos sumerge en el pasado histórico lejano y nos hace soñar con un futuro hermoso, recrea los personajes de los héroes, incluso aquellos que ya conocemos desde obras de literatura o bellas artes.

Dicho contenido está incorporado en numerosas obras musicales, unidas por su cualidad común: la programación. "Bosque" y "Noche en Madrid", sinfonía "Bogatyr" y "Sueños de invierno", "Scheherazade" y "Dwarf": todas estas obras creadas por A. Glazunov y M. Glinka, A. Borodin y P. Tchaikovsky, N Rimsky-Korsakov y M. Mussorgsky, forman una maravillosa serie de diferentes encarnaciones de contenido musical.

Al familiarizarnos con una pieza musical que tiene un nombre de programa, no solo estamos buscando una imagen sonora de las imágenes que se nos sugieren, sino que también captamos algo más en su sonido. El sonido de la música forma un estado de ánimo especial, dando lugar a la imaginación del oyente.

Cada uno presenta lo suyo, lo que le es cercano y querido. Y amamos algo en una obra sólo cuando descubrimos en ella algo cercano y querido para nosotros. Por eso, tanto en la vida como en el arte, algunas cosas nos tocan con fuerza y ​​profundidad, mientras que otras nos dejan indiferentes.

(La música de programa reproduce en sonidos una trama familiar para los oyentes de obras de literatura, pintura y otras obras de arte.) La música instrumental, habiéndose separado realmente de otras artes, retiene lazos internos con ellas.

Escuchar música significa penetrar en su significado, en su mundo artístico. Pero este camino pasa por la forma del sonido.

El paisaje musical es un “paisaje” de humor en el que la expresividad de la entonación se funde con los detalles pictóricos. lenguaje musical.

Debido a que el contenido musical evita la concreción, siempre contiene un significado generalizador. Historia, gente, personajes, relaciones humanas, imágenes de la naturaleza: todo esto se presenta en la música, pero se presenta de una manera especial. La entonación correctamente encontrada, el patrón rítmico brillante nos dirá mucho más sobre el trabajo que la descripción más larga y detallada. Después de todo, cada arte se expresa por sí mismo, solo por sus propios medios: la literatura afecta la palabra, la pintura, los colores y las líneas, y la música conquista con sus melodías, ritmos y armonías.

Veamos cómo se manifiesta el contenido en obras de música programática. La naturaleza es diversa, rica en milagros que estos milagros serán suficientes para más de una generación de músicos, poetas y artistas.

A. Vivaldi. Invierno. me separo Del ciclo “Cuatro Conciertos para Violín y Orquesta “Las Estaciones” (escucha).

El canto de los pájaros ha atraído durante mucho tiempo a los músicos. Para muchos de ellos se ha convertido en una escuela de habilidades compositivas. Los timbres especiales son inherentes a cada pájaro, la naturaleza del canto, el tempo, los golpes y, finalmente, el volumen característico de su canto: todo esto enseñó la precisión, el detalle y la expresividad de las características musicales.

La obra orquestal de O. Messiaen "Despertar de los pájaros" es uno de los resultados de tal "escuela forestal", donde varios sonidos se transmiten con mucha precisión. bosque de verano llena de cantos de pájaros.

O. Messiaen. El despertar de los pájaros. Fragmento (audición).

En este fragmento se podía escuchar el canto del torcecuello, el mochuelo, la cogujada del bosque, la espadaña, el mirlo y otras aves, despertando poco a poco y encontrándose con el amanecer con su canto. La música abre nuevas posibilidades de representación del sonido, no solo rítmicas y tímbricas, sino también dinámicas.

Trabajo vocal y coral.

E. Podgaits. Vocalización de otoño (canto).

IV. Resumen de la lección.

Debido a que el contenido musical evita la concreción, siempre contiene un significado generalizador. Historia, gente, personajes, relaciones humanas, imágenes de la naturaleza: todo esto se presenta en la música, pero se presenta de una manera especial. La entonación correctamente encontrada, el patrón rítmico brillante nos dirá mucho más sobre el trabajo que la descripción más larga y detallada V. Tarea.

Conoce más sobre la vida y obra de A.

Vivaldi. Preparar informes.

Lección 6 Tema: Imagen de noviembre en la obra de teatro de P. Tchaikovsky.

Objetivos de la lección:

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

E. Podgaits. Vocalización de otoño (canto).

Y. Visbor. Querida (cantando).

Material adicional:

Retrato del compositor P. Tchaikovsky.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

¿Recuerdas lo que se discutió en la última lección? (Cuál es el contenido musical. Música que necesita ser explicada con palabras.) Definir qué es la música del programa. (Programa de música

- reproduce en sonidos una trama familiar para los oyentes de obras de literatura, pintura y otras obras de arte.) II. El tema de la lección.

Tema de la lección: Imagen de noviembre en la obra de P. Tchaikovsky.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Hoy veremos cómo se manifiesta el contenido en las obras de música programática.

Probablemente, para cualquier persona, una determinada época del año provoca toda una capa de imágenes, pensamientos, experiencias que son cercanas y comprensibles solo para él. Y si todos los compositores escribieran sus "Estaciones", entonces, por supuesto, serían obras completamente diferentes que reflejarían no solo la poesía de la naturaleza, sino también el mundo artístico especial de sus creadores.

Sin embargo, así como aceptamos la naturaleza en sus diversas manifestaciones -después de todo, la lluvia, la ventisca y un día nublado de otoño tienen su propio encanto-, de la misma manera aceptamos la mirada artística llena de amor que el compositor encarna en sus obras. . Al escuchar la obra "Noviembre" ("Sobre la troika"), no pensamos que el trío de caballos que suenan con campanas hace mucho que se fue de nuestras vidas, que noviembre despierta en nosotros ideas completamente diferentes, nos sumergimos una y otra vez en el atmósfera de esta hermosa música, habla tan expresivamente sobre el "alma de noviembre", que el gran Tchaikovsky insufló en ella.

No mires con anhelo el camino, y no te apresures a seguir a la troika, y lamentes la ansiedad en tu corazón, apresúrate a ahogarte para siempre.

Este epígrafe del poema "Troika" de N. Nekrasov profundiza la multidimensionalidad significativa de la obra, que se perfila antes de que la música comience a sonar. No imaginamos sólo un día helado de otoño, una troika que corre, sino que adivinamos en esta troika un símbolo de algo que se va para siempre, la añoranza, la espera y la angustia de alguien.

Estas son las premisas programáticas de la obra.

La música, en cambio, nos regala una imagen llena del encanto de un noviembre auténticamente ruso:

la amplia respiración de la melodía, su suavidad y majestuosidad evocan la imagen de un otoño fértil tradicional para el arte ruso: brillante, generoso, inspirador.

–  –  –

Este fragmento del poema "Hojas que caen" de I. Bunin está en consonancia con la primera sección de la obra "Noviembre" de P. Tchaikovsky, donde suena la admiración por un día brillante antes del invierno. Esto se ve facilitado por la tonalidad soleada de la melodía (mi mayor), carácter alegre (frases melodiosas sin prisas). Se muestra la amplitud y peculiar belleza de la naturaleza rusa.

Tchaikovsky, estaba dotado de la capacidad de ver y comprender en cada fenómeno natural algo inaccesiblemente hermoso, calmante, que da sed de vida.

Escuche el sonido de la sección de apertura de la obra "Noviembre" e intente imaginar qué tipo de otoño dibuja el compositor en su música, qué sentimientos y estados de ánimo evoca en nosotros su sonido.

El segundo apartado nos acerca al contenido de la obra, “Sobre la troika”.

La música de esta sección se enriquece con la introducción de un momento visual brillante: el sonido de las campanas. Alude a la alegre carrera de un trío de caballos, que una vez fue una parte integral de la vida nacional rusa.

Este sonido de campanas le da a la obra visibilidad, pintoresquismo y al mismo tiempo introduce otro momento alegre: el momento de admirar la imagen querida por todos los corazones rusos.

El repique de campanas completa la obra "Noviembre", cuyo sonido se vuelve más silencioso hacia el final, como si la troika, que acababa de pasar corriendo junto a nosotros, se alejara gradualmente, desapareciendo en la bruma de un frío día de otoño.

Contenido del software del compositor:

Noviembre, el último mes de otoño, los últimos días antes del inicio del invierno. Aquí, tocando las campanas, la troika se apresuró, y ahora se esconde cada vez más lejos de nosotros, y el sonido de las campanas se hace más silencioso... libre del sentimiento de arrepentimiento agudo que es inevitable cuando se separa de algo familiar y querido en a su manera

P. Chaikovski. Noviembre. En un trío. De ciclo de piano"The Seasons" (escuchando).

Trabajo vocal y coral.

E. Podgaits. Vocalización de otoño (canto).

V. Rebikov, poemas de I. Bunin. Canción de otoño (cantar).

Y. Visbor. Querida (cantando).

IV. Resumen de la lección.

El software se expande enormemente imagen musical, introduciendo en él un subtexto semántico que no habríamos captado solo en la música.

V. Tarea.

Aprende las letras. Escriba brevemente la información básica sobre Tchaikovsky en un cuaderno.

*** Tema de la lección 7: Partitura "oriental" de N. Rimsky-Korsakov "Scheherazade"

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

(audiencia).

E. Podgaits. Vocalización de otoño (canto).

V. Rebikov, poemas de I. Bunin. Canción de otoño (cantar).

Y. Visbor. Querida (cantando).

Material adicional:

Retrato del compositor N. A. Rimsky-Korsakov.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

¿Qué se discutió en la última lección? (La programación expande significativamente la imagen musical, introduciendo un subtexto semántico en ella, que no habríamos captado solo en la música.) II. El tema de la lección.

Tema de la lección: Partitura "oriental" de N. Rimsky-Korsakov "Scheherazade".

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844 - 1908) Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov dijo: "Mi especie es un cuento de hadas, una epopeya y ciertamente rusos". El compositor se inspiró en la belleza del arte popular: canciones, leyendas, rituales. Páginas de la historia rusa, imágenes exóticas de Oriente, imágenes de la naturaleza parecen cobrar vida en la música de Rimsky-Korsakov.

De niño se enamoró del mar. Rimsky-Korsakov va a estudiar en el Cuerpo Naval, después de lo cual se compromete circunnavegación, que se convirtió en la fuente imaginación creativa durante muchos años.

Habiéndose acercado a M. A. Balakirev, el joven oficial domina los conceptos básicos de las habilidades de composición, ingresa al círculo "The Mighty Handful".

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov es el creador de 15 óperas, de contenido muy diverso. La primera ópera, La doncella de Pskov (1872), narra los dramáticos acontecimientos relacionados con la formación de un estado ruso unificado. El compositor se siente especialmente atraído por las imágenes de cuentos de hadas. En las óperas basadas en los cuentos "May Night" y "The Night Before Christmas" de N.V. Gogol, el humor suave y ligero se combina con la poesía de ficción. Ópera "Snow Maiden" (basada en " cuento de hadas de primavera» A. N. Ostrovsky,

1881) muestra la vida de los fabulosos Berendey inseparables de la naturaleza, sus fuerzas animadas fantásticas.

El compositor se siente atraído por la epopeya sobre el arpista de Novgorod Sadko (la imagen sinfónica "Sadko" y la ópera del mismo nombre escrita en 1896), leyendas antiguas ("El cuento de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia", 1904 ).

En las óperas de cuentos de hadas posteriores Kashchei the Immortal (1902) y The Golden Cockerel (1907), la actitud del compositor hacia el contenido se expresa de forma alegórica. y en las óperas novia real"(Basado en el drama de L.A.

mayo de 1898), "Mozart y Salieri" (basado en la tragedia del mismo nombre de A.S. Pushkin,

1897) se centra en el drama de los individuos, su destino trágico.

El talento de Rimsky-Korsakov también se manifestó en la música instrumental.

En fragmentos de óperas (por ejemplo, "Tres milagros" y "El cuento del zar Saltan") y en programas de obras sinfónicas ("Scheherazade", "Capriccio español"), se crean imágenes de extensiones marinas, batallas, transformaciones mágicas con el colores encantadores de la orquesta... De las composiciones de cámara, los romances son los de mayor valor artístico (79 en total).

No solo la creatividad, sino todas las actividades de Rimsky-Korsakov se convirtieron en un adorno del ruso. cultura musical. Dedicó mucho tiempo y esfuerzo a completar los trabajos de A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, A. S.

Dargomyzhsky, procesamiento de canciones populares.

Grande actividad social, las actuaciones como director fueron combinadas por el compositor con el trabajo pedagógico en el Conservatorio de San Petersburgo. Entre sus alumnos se encuentran A.K. Lyadov, A.K. Glazunov, S.S.

Prokofiev, I. F. Stravinsky y otros.

En 1905, Rimsky-Korsakov se puso del lado de los estudiantes de mentalidad revolucionaria, por lo que fue expulsado de la cátedra.

Su regreso al conservatorio fue una gran victoria para las fuerzas democráticas.

Habiendo experimentado el impacto de las ideas progresistas de su tiempo, Rimsky Korsakov expresó en la música su creencia en el triunfo de la bondad y la belleza.

Hay obras en la música que tienen un contenido programático más específico. Uno de ellos es la suite sinfónica Scheherazade de Rimsky-Korsakov, basada en cuentos de hadas de la colección de cuentos de hadas árabes Las mil y una noches.

Esta es una de las partituras "orientales" más brillantes, sumergiéndonos en la atmósfera del sonido de la música oriental con sus entonaciones características y giros melódicos caprichosos, con timbres instrumentales que recrean un sabor musical fabuloso, casi fantástico.

Introducción al programa:

El sultán Shahriar, convencido de la insidia e infidelidad de las mujeres, hizo voto de ejecutar a cada una de sus esposas después de la primera noche; pero la sultana Scheherazade le salvó la vida al poder entretenerlo con cuentos, contándoselos durante 1001 noches, de modo que, movido por la curiosidad, Shahriar pospuso constantemente su ejecución y finalmente abandonó por completo su intención. Scherezade le contó muchos milagros, citando poemas de poetas y letras, tejiendo un cuento de hadas en un cuento de hadas, una historia en una historia.

Algunos de los episodios más llamativos de los maravillosos cuentos de Scheherazade se convirtieron en la base de la composición sinfónica de Rimsky-Korsakov. A pesar de que hay muchos episodios independientes, héroes y temas musicales en la suite, la suite está unida por un concepto único, que está subordinado a la imagen del narrador principal: Scherezade. Después de todo, fue ella, que posee una gran erudición y la más rica imaginación, quien logró no solo salvar su vida, sino también crear un enorme mundo mágico lleno de increíbles maravillas y aventuras.

Rimsky-Korsakov nombra los episodios que utilizó como programa para partes separadas: el mar y el barco de Sinbad, la historia fantástica del príncipe Kalender, el príncipe y la reina, la fiesta de Bagdad y el barco que se estrella contra la roca.

La narrativa musical se construye como una serie de fabulosos cuadros y personajes principales con sus característicos temas musicales. Sobre el tema de Shahriar

- un unísono imperioso de instrumentos de viento de madera, que representan la imagen de un sultán fuerte y poderoso, un poderoso señor de su estado, libre de disponer libremente de la vida y la muerte de sus súbditos.

Pero el tema de Scherezade es tierno y lánguido, lleno de un melodioso solo de violín, contiene la magia de la noche árabe, la encantadora voz de un joven narrador y el misterioso colorido de maravillosas narraciones orientales.

De acuerdo con el concepto del programa, hay otros temas en la suite: escuchamos el rugido de las olas del mar, o el ruidoso bullicio de una ciudad oriental llena de gente, o las entonaciones pausadas de los narradores: la propia Scheherazade y Tsarevich Calender.

N. Rimsky-Korsakov. Suite sinfónica "Scheherazade". me separo

(audiencia).

Trabajo vocal y coral.

E. Podgaits. Vocalización de otoño (canto).

V. Rebikov, poemas de I. Bunin. Canción de otoño (cantar). Y. Visbor. Querida (cantando).

IV. Resumen de la lección.

La programación concreta influye en la naturaleza de la música mucho más que la idea general expresada en el título o epígrafe (como en las piezas del ciclo "Las Estaciones" de P. Tchaikovsky).

V. Tarea.

Resume brevemente los datos biográficos del compositor N.A.

Rimsky-Korsakov.

Aprende letras.

*** Lección 8 Tema: Cuando la música no necesita palabras (1h)

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

A. Varlamov, letra de M.

Lermontov. Picos de las montañas.

Material adicional: un retrato del compositor A. Scriabin, una reproducción de una pintura, un poema, una historia, una prueba, un diccionario de términos emocionales según Razhnikov, tablas (tempo y "Estamos hablando de música", letras, lápices de colores.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

Lea el epígrafe de la lección. ¿Cómo lo entiendes?

Escritura del tablero:

La creatividad Scriabin fue su tiempo, expresado en sonidos.

Sr. Plejánov II. El tema de la lección.

Hoy nos familiarizaremos con la música del notable compositor ruso Alexander Nikolaevich Scriabin (1871 - 1915), cuya música despertó el gran interés de sus contemporáneos. Podía transmitir con mucha sensibilidad el estado de ánimo de la época, diferentes impresiones de la vida.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Chicos, en las lecciones anteriores, pensando en qué tipo de contenido musical es, nos familiarizamos con el concepto de "música de programa". Para una mejor asimilación de este concepto, propongo realizar la prueba #1 y #2. Quien complete la prueba #1 obtendrá una puntuación de "4", y quien complete la prueba #2 recibirá una puntuación de "5".

(los estudiantes eligen su propio nivel de prueba). (Apéndice 2.)

–  –  –

4. ¿Cuál es el nombre de la III parte de la suite sinfónica "Scheherazade"?

a) El mar y la nave de Simbad;

b) la fiesta de Bagdad y el barco estrellándose contra la roca;

c) Una historia fantástica del Príncipe Kalender;

d) Zarevich y princesa.

–  –  –

El tema de nuestra lección es "Cuando la música no necesita palabras".

El propósito de la lección: tenemos que aprender que el contenido de una pieza musical se puede entender sin la ayuda de un programa.

Hay un gran número de piezas musicales que no contienen ningún programa (sinfonías, conciertos, composiciones para conjuntos de cámara, piezas instrumentales, sonatas, preludios, etc.) Pero, a pesar de la ausencia de un programa literario, tales composiciones no tienen un contenido musical menos rico que las obras de música programática.

Hoy nos familiarizaremos con la música de A. Scriabin (1871 - 1915). Como verdadero hijo del siglo XIX, Scriabin entendió el desorden y la falsedad de la sociedad rusa. También entendió la inevitabilidad de las catástrofes sociales y estaba esperando una tormenta. Por eso, en su música expresó el pulso inquieto e intenso de su época, cuando la sociedad rusa llegaba con lánguidas expectativas de cambios futuros. Inmediatamente después de la revolución de 1918, el nombre de Scriabin fue incluido por el Consejo de Comisarios del Pueblo firmado por V.I.

Lenin a la lista de "grandes figuras" a las que se deben erigir monumentos.

Hoy escucharemos el mundialmente famoso "Etude No. 12" en re sostenido menor.

¿Podemos determinar el contenido musical por el título de la obra?

¿Qué es un "estudio"?

Estudio - Francés. - estudiar (trabajamos en cuadernos). Etude desarrolla la técnica del músico. Estudios existen para todos los instrumentos musicales. Los estudios que se pueden representar en el escenario, como verdaderas obras de arte, se denominan concierto. Fueron escritos por Chopin, Liszt, Rachmaninov y, por supuesto, Scriabin.

A veces, "Etude No. 12" se llama patético, pero esto no es un signo de programación: solo indica el tono elevado del sonido inherente a la obra. Scriabin lo interpretó con especial frecuencia tanto entre amigos como en conciertos. El estudio entró en el repertorio de muchos pianistas de todo el mundo. En su música, como una alarma, suena un llamado a la libertad.

Escuchamos: Estudio No. 12 de A. Scriabin (antes de escuchar, el maestro distribuye preguntas a los estudiantes).

Análisis teórico-musical (Tablas).

¿Qué imagen aparece en tu mente?

¿Qué puedes decir sobre la melodía de la pieza? (subidas melódicas)

¿Qué entonaciones componen la melodía? Intenta dibujar la línea melódica del estudio (entonación plástica).

¿A qué se parece el acompañamiento excitado?

¿Cuál es la dinámica (silencioso, fuerte, muy fuerte)?

¿Qué modo (mayor o menor)?

¿Cómo se desarrolla la imagen (suavemente o con fuertes contrastes, o creciendo)?

¿Cuál es el ritmo (pulsante, tresillo, desigual)?

¿A qué ha llevado el desarrollo?

¿Qué quería decir Scriabin con su música? (la encarnación de la voluntad, la masculinidad, la impetuosidad, la pasión).

Conclusión: Es el medio de expresividad musical que transmite el contenido de la obra, encarnando la voluntad, la masculinidad, la impetuosidad, la pasión.

¿Qué sentimientos experimentaste al escuchar la pieza?

¿Qué eventos de tu vida te recuerda esta música?

¿Qué recuerdos y esperanzas evoca?

¿Qué te gustaría hacer después de escuchar este estudio?

¿Es posible cometer una mala acción después de escuchar música?

Conclusión: Resulta que la música no siempre necesita palabras. Una persona es capaz de percibir música sin explicaciones adicionales.

Contemporáneos de A.N. Scriabin llamó a su boceto "Petrel".

¿Quién es un petrel?

Trate de comparar el estado de ánimo de la música en el estudio de Scriabin con el estado de ánimo rebelde de la Canción del petrel de M. Gorki.

Estoy leyendo La canción del petrel.

“Sobre la planicie gris del mar, el viento junta nubes. Entre las nubes y el mar, el Petrel vuela orgulloso, como un relámpago negro.

Ahora tocando las olas con su ala, luego remontándose a las nubes con una flecha, grita, y las nubes escuchan alegría en el audaz grito de un pájaro.

En este grito - ¡sed de tormenta! El poder de la ira, la llama de la pasión y la confianza en la victoria son escuchadas por las nubes en este grito.

Las gaviotas gimen ante la tormenta: gimen, se precipitan sobre el mar y están listas para ocultar su horror ante la tormenta en el fondo.

Y los bribones también gimen: ellos, los bribones, no tienen acceso al placer de la batalla de la vida: el trueno de los golpes los asusta.

El estúpido pingüino esconde tímidamente su gordo cuerpo en las rocas... ¡Solo el orgulloso Petrel vuela audaz y libre sobre el mar gris de espuma!

Más oscuras y más bajas, las nubes descienden sobre el mar, y cantan, y las olas se precipitan a las alturas para encontrarse con el trueno.

Trueno retumba. Las olas gimen en la espuma de la ira, discutiendo con el viento. Aquí el viento abraza una bandada de olas con un fuerte abrazo y las arroja a gran escala con furia salvaje sobre las rocas, rompiendo los bultos esmeralda en polvo y espuma.

El petrel vuela con un grito, como un relámpago negro, como una flecha atraviesa las nubes, rompe la espuma de las olas con su ala.

Aquí se precipita como un demonio -un demonio negro y orgulloso de la tormenta- y ríe y solloza... ¡Se ríe de las nubes, solloza de alegría!

En la ira del trueno, un demonio sensible, ha escuchado fatiga durante mucho tiempo, está seguro de que las nubes del sol no se esconderán, ¡no, no lo harán!

El viento aúlla... el trueno retumba...

Bandadas de nubes sobre el abismo del mar arden con una llama azul. El mar atrapa los relámpagos y los apaga en su abismo. Como serpientes de fuego, serpenteando en el mar, desapareciendo, los reflejos de estos relámpagos.

¡Tormenta! ¡La tormenta viene pronto!

Este audaz Petrel vuela orgulloso entre relámpagos sobre el rugiente mar; entonces el profeta de la victoria grita:

¡Que la tormenta venga más fuerte!..”

¿Son estas obras compatibles?

Ahora te pediré que interpretes la canción "Otoño" de Y. Shevchuk (en filas, cada uno en un verso), para cantar en el personaje (preliminarmente: ejercicios de respiración, ciencia del sonido, dicción)

Presta atención a la reproducción del cuadro de A.A. Rylov "En el espacio azul".

¿Coincide la imagen con el estado de ánimo de la música de Scriabin y la canción "Autumn"?

Y. Shevchuk?

¿Qué sentimientos te evoca esta imagen?

Escucha repetida de "Etude No. 12" de A. Scriabin (durante la audiencia dibujamos un esquema de color).

Scriabin tenía un don especial para ver tonalidades en el color. Veamos tu trabajo.

IV. Resumen de la lección.

¿Con qué obra de Scriabin nos familiarizamos?

¿Este estudio se refiere a música programada o no programada?

¿Crees que el estudio de Scriabin es un estudio de ejercicio o un estudio de concierto? ¿Por qué?

¿Qué nos ayudó a comprender el contenido musical de la obra?

¿Te gustó?

Terminaremos nuestra conversación sobre la música de A. Scriabin con las palabras del propio compositor de su diario: “Estoy tan feliz que si pudiera decirle al mundo entero un grano de mi felicidad, entonces la vida le parecería hermosa a la gente. ¡Quiero vivir! Quiero algo nuevo, desconocido.

quiero crear Quiero ser libre para crear. Quiero crear conscientemente.

La vida es actividad, esfuerzo, lucha.

Y una cosa más: "Fuerte y poderoso es el que ha experimentado la desesperación y la ha vencido".

V. Evaluación del alumno.

Criterios de evaluación:

Cuán vívida y constante es el interés de los estudiantes por la música, su pasión por ella, su amor por ella;

¿Son capaces de pensar sobre la música, evaluar su naturaleza emocional y determinar el contenido figurativo;

¿Son capaces de aplicar los conocimientos adquiridos en el proceso de lecciones de música;

¿Cuál es el nivel de la cultura interpretativa, qué tan desarrollada está la capacidad de transmitir de manera creativa, vívida y emocional al cantar, tocar instrumentos musicales, en movimientos musicales y rítmicos, el contenido y la naturaleza de las obras interpretadas?

VI. D / z: prepárate para un concurso de música basado en las obras escuchadas durante un trimestre.

VIII. Nuestra lección está llegando a su fin, pero nos encontraremos pronto. Así suenan las palabras en la canción de Y. Vizbor "My dear".

La lección terminará con una interpretación colectiva de la canción "My dear".

Y. Vizbora.

Compositor ruso, pianista, profesor. Su padre era diplomático, su madre era pianista. Estudió en el Cuerpo de Cadetes de Moscú (1882-89).

El talento musical se manifestó temprano. Tomó lecciones (piano) de G.E.

Konyus, N. S. Zvereva. En 1892 se graduó del Conservatorio de Moscú en la clase de piano con V. I. Safonov, también estudió con S. I. Taneyev (contrapunto) y A. S. Arensky (composición). Dio conciertos en Rusia y en el extranjero, fue un destacado intérprete de sus propias composiciones.

M. P. Belyaev le brindó un apoyo significativo (publicó las obras del joven compositor, subvencionó sus viajes de conciertos).

En 1904-10 (con un descanso) vivió y trabajó en el extranjero (en países europeos también realizó una gira por los EE. UU.). Se dedicó a la enseñanza: en 1898-1903 fue profesor (clase de piano) en el Conservatorio de Moscú, al mismo tiempo que enseñaba en las clases de música del Instituto Catherine de Moscú. Entre los estudiantes: M. S. Nemenova Lunts, E. A. Beckman-Shcherbina.

Scriabin es uno de los mayores representantes de la cultura artística de finales del siglo XIX y principios del XX. La obra incluye piano y géneros sinfónicos. En los años 90. preludios, mazurcas, estudios, improvisados, sonatas para piano 1-3, concierto para piano y orquesta fueron creados en el siglo XX. - 3 sinfonías, sonatas 4 a 10 y poemas para piano (incluidos "Trágico", "Satánico", "A la llama"), así como obras sinfónicas como "El poema del éxtasis" (1907), " Prometeo ”( “Poem of Fire”, 1910) es una obra histórica del período tardío de la creatividad. La música de Scriabin reflejaba el espíritu rebelde de su tiempo, una premonición del cambio revolucionario. Combina un impulso de voluntad fuerte, expresión dinámica intensa, júbilo heroico, un "vuelo" especial y letras espiritualizadas refinadas.

En su trabajo, Scriabin superó la inconsistencia ideológica inherente a sus conceptos filosóficos teóricos (alrededor de 1900, Scriabin se convirtió en miembro de la Sociedad Filosófica de Moscú, ocupando una posición subjetivo-idealista). Las obras de Scriabin, que encarnaban la idea del éxtasis, un impulso audaz, que aspiraba a esferas cósmicas desconocidas, la idea del poder transformador del arte (la corona de tales creaciones, según Scriabin, iba a ser "Misterio", que combina todo tipo de arte - música, poesía, danza, arquitectura , así como la luz), se distinguen por un alto grado de generalización artística, el poder del impacto emocional.

En la obra de Scriabin se combinan peculiarmente tradiciones románticas posteriores (la encarnación de imágenes sueño perfecto, naturaleza ardiente y excitada de la declaración, atracción por la síntesis de las artes, preferencia por los géneros de preludio y poema) con los fenómenos del impresionismo musical (coloración sutil del sonido), simbolismo (imágenes-símbolos: los temas de "voluntad", "autoafirmación", "lucha", "languidez", "sueños"), así como el expresionismo. Scriabin es un innovador brillante en el campo de la expresividad y los géneros musicales; en sus composiciones posteriores, la armonía dominante (el tipo de acorde más característico, el llamado acorde prometeico) se convierte en la base de la organización armónica. Por primera vez en la práctica musical, introdujo una parte especial de la luz ("Prometeo") en una partitura sinfónica, que está asociada con un llamado a la audición del color.

Creatividad Scriabin tuvo un impacto significativo en el piano y la música sinfónica del siglo XX. Las ideas de síntesis de música y luz se desarrollaron aún más. En 1922, se organizó un museo en las instalaciones del último apartamento de Scriabin en Moscú.

*** Lección 9 Tema: Lección final.

Lección - generalización

Objetivos de la lección:

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

L. Beethoven. Sonata nº 14 para piano. me separo

A. Scriabin. Estudio en re sostenido menor, op. 8 Nº 12.

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Hoy completas tareas: respondes preguntas de prueba; escribir un trabajo independiente sobre escuchar música que sonaba en las lecciones en el primer trimestre.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

Ejecución de una tarea de prueba.

1. Sobre quién es la siguiente declaración de P. Mikhnya:

"Mi amor loco…!

¿Cómo alejarme de ti, ya que estás en mí?

O soy crucificado por ti en una cuerda, luego soy arrojado al infierno, luego soy resucitado con el cielo a la par ... "?

a) sobre A. Vivaldi

b) sobre L. Beethoven

c) sobre A. Scriabin

2. Etude - desarrolla ... un músico.

a) habilidad

b) técnica

3. ¿De quién son las siguientes palabras: "Mi especie es un cuento de hadas, una epopeya y ciertamente ruso"?

a) P. Chaikovski

b) N. Rimsky-Korsakov

c) A A. Scriabin 4. “Estamos en cautiverio eterno en las fuentes”, escribió... en su libro “Planeta de personas. Nuestra libertad es tan limitada. Se cree que una persona es libre de ir a donde quiera. Se cree que es libre... Y nadie ve que no estamos atados como un cordón umbilical, al vientre de la tierra. Da otro paso y mueres".

a) Los hermanos Grimm

b) A. de Saint-Exupéry

c) Ópera de G. Andersen - 5.

fusión de música y coreografía a) síntesis de teatro, artes visuales y música b) lenguaje de sonidos y entonaciones c)

6. La música del programa a menudo se reproduce en sonidos..., familiares para los oyentes de obras de literatura, pintura y otras formas de arte.

c) personaje

7. institución educativa destinado a recibir educación musical - ....

una galería

b) conservatorio

C) teatro de ópera

–  –  –

10. De quién son las palabras: "Sólo el Espíritu, tocando el barro, crea un Hombre a partir de él".

a) M. Tariverdiev

b) A. N. Tolstoi

c) A. de Saint-Exupéry

11. Quién escribió el ciclo de piano "Las Estaciones":

a) P. I. chaikovski

b) R. Schumann

c) M. I. Glinka

12. ¿Quién escribió la Obertura de Egmont?

a) L. Beethoven

c) MP Mussorgski

a) barítono

c) bajo Escuchar música (escribir en un cuaderno).

I.Brahms. Sinfonía nº 3. III movimiento. Fragmento;

M. Tariverdiev, letra de N. Dobronravov. El Principito;

L. Beethoven. Sonata nº 14 para piano. me separo

A. Vivaldi. Invierno. me separo Del ciclo “Cuatro Conciertos para Violín y Orquesta “Las Estaciones”;

O. Messiaen. El despertar de los pájaros. Fragmento;

P. Chaikovski. Noviembre. En un trío. Del ciclo de piano "Las Estaciones";

N. Rimsky-Korsakov. Suite sinfónica "Scheherazade". me separo.;

A. Scriabin. Estudio en re sostenido menor, op. 8 Nº 12.

Trabajo vocal y coral.

Y. Sheschuk "Otoño"

Y. Vizbor "Mi querido"

IV. Tareas para el hogar:

Familiarícese con la biografía del compositor S.V. Cuarto de Rachmaninov II Lección 10 Tema: Imagen musical. Imágenes líricas en la música.

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: “Imagen musical. Imágenes líricas en la música.

I. Trabajar sobre el tema de la lección.

Llamamos imagen musical a aquellas ideas creadoras, al contenido vital que crea el compositor, utilizando las más ricas posibilidades del lenguaje musical.

Una imagen musical es la vida encarnada en la música, al menos una pequeña parte de ella: un sentimiento, una experiencia, un pensamiento, un hecho, una acción de una persona, de varias personas; cualquier manifestación de la naturaleza, cualquier acontecimiento en la vida de una persona, de un pueblo, de toda la humanidad.

En otras palabras, una imagen musical (como toda imagen artística en general) es siempre un reflejo de la vida a través de la conciencia del artista.

La imagen musical es siempre una unidad de contenido de vida y forma artística en la que se encarna este contenido.

El círculo de imágenes musicales con el que te familiarizaste en el primer trimestre es muy diverso. Pero entre ellas se pueden distinguir imágenes que gravitan hacia el comienzo lírico, lírico-épico e imágenes dramáticas.

Las principales propiedades de las letras: La música, como cualquier tipo de arte, refleja la vida en todas sus manifestaciones.

Cuando decimos "imagen", significa que imaginamos algo, y este algo consta de 2 componentes:

2. cómo entendemos este contenido, qué imaginamos.

Así, una imagen musical es un contenido vital plasmado en sonidos musicales.

El poder del arte, incluida la música, radica en su verdad, en la fuerza con la que nos afecta la imagen creada por el artista (compositor), qué sentimientos evoca en nosotros y cómo estos sentimientos se corresponden con lo que el compositor quería expresar en su música.

Estudiaremos 3 tipos principales de imágenes en la música:

1. lírico

2. dramático

3. épica La lección de hoy está dedicada a las imágenes líricas en la música.

La palabra lírica proviene de la palabra "lira": este es un instrumento antiguo tocado por cantantes (rapsodes), que narra varios eventos y emociones experimentadas.

Las letras son una percepción directa y muy personal del mundo y de varios eventos.

Estos son los sentimientos y vivencias del héroe, el héroe lírico, este es su monólogo, en el que cuenta lo vivido.

En una obra lírica no hay eventos, a diferencia del drama y la épica, solo la confesión de un héroe lírico, su percepción personal de varios fenómenos.

sentimiento estado de ánimo falta de acción Nos familiarizaremos con un héroe lírico típico, el personaje mitológico de la antigua Grecia, Orfeo y la imagen de este héroe, creada por varios compositores de diferentes épocas.

Mucho se ha escrito sobre Orfeo, las obras musicales más famosas son la ópera "Orfeo" de Christoph Willibald Gluck, la opereta de Jacques Offenbach "Orfeo en el infierno", la ópera Zong del compositor moderno Alexander Zhurbin, "Orfeo y Eurídice". Todas estas obras se basan en el amor. historia de Orfeo por su difunta esposa Eurídice y su viaje al infierno para devolverla a la vida.

Esta historia está basada en el mito de Orfeo.

Orfeo fue uno de los famosos héroes griegos, considerado el primer Músico profesional. Tocaba la lira (de cuyo nombre, como recordamos, proviene el nombre de "letras"), tocaba tan bellamente que su forma de tocar conquistaba a todos: personas, animales, monstruos.

Una vez Eurídice fue mordida por una serpiente y murió. El dolor de Orfeo era inconsolable, lo expresa en la famosa aria "Perdí a Eurídice" (Gluck, Zhurbin).

Los dioses del Olimpo se apiadaron de él, y Zeus le permitió bajar al reino de los muertos, Hades, y sacar de allí a su esposa, poniendo la condición de no mirarla nunca.

(mostrar imágenes) Orfeo descendió al Hades, tocando la lira, y todos los personajes inframundo los muertos, fascinados por su juego, le dieron paso, incluso el terrible perro Cerbero, a quien se le encargó custodiar la entrada al Hades.

Encontró a Eurídice, la tomó de la mano y la condujo hacia arriba, lejos del reino de los muertos, sin mirarla, como le había dicho Zeus.

Pero Eurídice, sin entender la razón de esto, comenzó a quejarse de que probablemente Orfeo se había desenamorado de ella y rogó que la mirara al menos una vez. Orfeo no pudo resistirse, miró a su esposa y ella volvió a morir.

El dolor de Orfeo se expresa en una hermosa melodía del segundo acto de la ópera, que ahora escucharemos.

(escucha la "Melodía" de Gluck para flauta y orquesta)

Preguntas:

1. ¿Qué instrumento es el solista en esta melodía? (flauta)

2. ¿Por qué Gluck lo eligió? (sonido frío, de otro mundo, impresiones del reino de los muertos recientemente visitado, donde todos los sentimientos humanos parecían congelarse)

3. ¿Qué sentimientos expresa esta melodía? (tristeza profunda, humildad, ternura, desesperanza) En el mito antiguo, Orfeo perdió a Eurídice.

Pero en la ópera de Gluck todo termina felizmente: Cupido, al ver la desesperación de Orfeo, le trajo buenas noticias: Zeus permitió que Eurídice regresara a la tierra, a la gente viva, tocada por el talento de Orfeo y su dolor inconsolable.

Pero Orfeo aún no lo sabe: la "Melodía" de Gluck expresa la plenitud de su tristeza.

Así, en esta obra hay todos signos de una imagen lírica:

Sensación Estado de ánimo Ausencia de acción Fechas de vida K.V. Gluck - 1714-1787 Este gran reformador de la ópera creó un nuevo tipo de ópera: una ópera en la que lo principal no era el virtuosismo vocal externo, sino la verdad de la vida, una estrecha conexión entre la acción vocal y el acompañamiento instrumental, una representación vívida de la personajes de los personajes y sus sentimientos.

*** "A través de las páginas de las obras de S.V. Rachmaninov"

Para comprender cualquier obra de arte de un artista o de una escuela de artistas, es necesario imaginar con precisión el estado general de desarrollo mental y moral de la época a la que pertenece. Aquí radica la causa primaria que determinó todo lo demás.

Hipólito I.

(La lección usó la historia de Yu. Nagibin "Rakhmaninov", porque

una palabra poética puede evocar un cierto rango visual en la imaginación de los niños, permitir que los niños descubran el secreto por sí mismos poder mágico la creatividad de Rachmaninoff como principio básico de su pensamiento creativo.

Diseño de clase: un retrato de S. Rachmaninov, libros con herencia literaria y cartas, notas y una rama lila.

Hoy esperamos un encuentro increíble con la música de Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, un compositor ruso. Personas cercanas a él que lo conocieron bien recordaron que no dijo casi nada sobre sí mismo y sus obras, creyendo que lo decía todo con sus obras. Y por tanto, para entender la obra del compositor hay que escuchar su música.

(Suena como Peludia en sol sostenido menor, op. 32, núm. 12 interpretada por S. Richter).

La página más brillante de la música rusa fue considerada obra de Rachmaninov tanto en Rusia como en Occidente. Pero el año 1917 resultó fatal en el destino del compositor.

Del libro: “Principios de otoño de 1917. Rachmaninoff conducía a Ivanovka. A los lados de la carretera: pan sin cosechar, campos de papa secos, trigo sarraceno, mijo. Los postes solitarios sobresalen en el lugar de la corriente cubierta tirada. El coche se detuvo en la finca. Y aquí hay rastros notables de destrucción. Unos campesinos agitaban los brazos cerca de la casa, y otros cargaban jarrones, sillones, alfombras enrolladas, utensilios diversos. Pero esto no fue lo que sorprendió a Rachmaninoff: las amplias ventanas del segundo piso se abrieron de golpe, apareció algo grande, negro y brillante, se movió hacia el alféizar de la ventana, se abultó y de repente se derrumbó.

Y solo después de golpear el suelo y aullar con las cuerdas rasgadas, reveló su esencia como un piano de cola de gabinete stenway.

Arrastrando las piernas como un anciano decrépito, Rachmaninov caminó hacia la casa. Los campesinos lo notaron cuando estaba junto al cadáver del piano, y estaban entumecidos. No tenían un odio personal por Rachmaninoff, y si en su ausencia se convirtió en un "maestro", "terrateniente", entonces su vívida imagen recordaba que no era solo un maestro, ni un maestro en absoluto, sino algo más, lejos. de ser tan hostil con ellos.

No importa, sigue”, dijo Rachmaninov distraídamente y se detuvo sobre las tablas negras y brillantes, cuyo aullido mortal aún resonaba en sus oídos.

Miró... las cuerdas aún temblando, las teclas esparcidas por todas partes...

y sabía que nunca olvidaría este momento.

¿De qué está hablando este pasaje?

El hecho de que la situación inquieta y tensa en Rusia en 1917 condujo al conflicto entre Rachmaninoff y los órganos del campesinado pobre en el querido compositor que lleva el nombre de Ivanovka.

Así es, y en general, todo lo que sucede en Rusia, y no solo en Ivanovka, fue percibido por Rachmaninov negativamente, como un desastre nacional.

Rachmaninoff escribe sobre su viaje a Tambov: "... durante casi cien millas tuve que adelantar carros con una especie de hocicos brutales y salvajes que se encontraron con el paso del automóvil con gritos, silbidos y arrojando sombreros". Incapaz de entender lo que está pasando, Rachmaninov decide abandonar temporalmente Rusia. Y se va con un sentimiento pesado, sin saber aún que se va para siempre, y que se arrepentirá muchas veces de haber dado este paso. Delante de él estaba esperando y emocionado por la nostalgia. (Un extracto del Preludio en sonidos menores en sol sostenido).

Después de dejar Rusia, Rachmaninoff parece haber perdido sus raíces y no compuso nada durante mucho tiempo, dedicándose solo a actividades de concierto. Se le abrieron las puertas de lo mejor. Salas de conciertos Nueva York, Filadelfia, Petersburgo, Detroit, Cleveland, Chicago. Y solo un lugar estaba cerrado para Rachmaninov: su tierra natal, donde se pidió a los mejores músicos que boicotearan sus obras. El periódico Pravda escribió: “Sergei Rachmaninov, ex cantante la clase mercantil rusa y la burguesía, un compositor escrito, imitador y reaccionario, un ex terrateniente, un enemigo jurado y activo del gobierno. “¡Abajo Rachmaninov! ¡Abajo la adoración de Rachmaninov! llamado "Izvestia".

(Del libro):

Solo uno recordaba la villa suiza de la vieja Ivanovka:

Arbusto lila, una vez traído de Rusia.

¡Por el amor de Dios, no dañes las raíces! le rogó al viejo jardinero.

No se preocupe, Herr Rachmaninoff.

No tengo ninguna duda de que todo saldrá bien. Pero la lila es una planta tierna y resistente. Si dañas las raíces, todo está perdido.

Rachmaninoff amaba a Rusia y Rusia amaba a Rachmaninoff. Y por lo tanto, contrariamente a todas las prohibiciones, la música de Rachmaninov siguió sonando, porque.

era imposible prohibirlo. Mientras tanto, una enfermedad incurable se estaba apoderando silenciosamente de Rachmaninov: cáncer de pulmón e hígado.

(Del libro:) Como de costumbre, estricto, en forma; con un frac impecable, apareció en el escenario, hizo una pequeña reverencia, se enderezó la cola, se sentó, probó el pedal con el pie - todo, como siempre, y solo las personas más cercanas sabían que cada movimiento le cuesta, qué difícil es su y con qué inhumano esfuerzo de voluntad oculta al público su tormento.

(Preludio en do sostenido menor interpretado por S. Rachmaninov).

(Del libro:) ... Rachmaninoff completa el preludio con brillantez. Ovación del salón.

Rachmaninov intenta levantarse y no puede. Aparta las manos del asiento del taburete, en vano. Su columna vertebral retorcida con un dolor insoportable no le permite enderezarse.

¡Cortina! ¡Cortina! - distribuido entre bastidores.

¡Camilla! exigió el médico.

¡Esperar! Tengo que agradecer al público... Y despedirme.

Rachmaninov subió a la rampa e hizo una reverencia... Volando a través del foso de la orquesta, un lujoso ramo de lilas blancas cayó a sus pies. La cortina se bajó antes de que colapsara en la plataforma.

A fines de marzo de 1943, poco después de la finalización Batalla de Stalingrado, cuyo resultado Sergei Vasilyevich logró regocijarse, quien percibió de cerca las dificultades y los sufrimientos de la guerra en Rusia, 8 acordes iniciales de la introducción del Segundo Concierto para piano (interpretado en el piano) surgieron de altavoces negros sin el habitual anuncio del locutor. Después de eso, se dijo que Sergei Vasilievich Rachmaninov había muerto en Estados Unidos. (Un fragmento de la segunda parte del concierto No. 2 para sonidos de piano y orquesta).

Rachmaninoff murió y su música continuó calentando las almas de los compatriotas que sufrieron la guerra:

Y cada nota grita:

Y la cruz sobre el montículo grita:

¡Estaba tan triste en una tierra extranjera!

Sólo se quedó en tierra extranjera...

*** Sergei Vasilievich Rachmaninov (1873-1943), compositor, pianista y director de orquesta ruso. Su abuelo Arkady Alexandrovich (1808-81) fue un pianista aficionado y autor de romances de salón.

Desde los 4-5 años, Rachmaninoff tocaba el piano. Desde 1882 estudió en el Conservatorio de San Petersburgo, desde 1885 en el Conservatorio de Moscú. Entre sus maestros: N. S. Zverev y A. I. Siloti (piano), A. S. Arensky y S. I.

Taneyev (temas teóricos, composición). Durante los años de estudio, se escribieron el 1er concierto para piano y orquesta (1891: 2ª edición 1917), una serie de obras para piano, instrumentos de cámara y romances.

El desarrollo del compositor estuvo muy influenciado por P. I. Tchaikovsky, quien ya reconoció un talento original en las obras de los estudiantes de Rachmaninov.

Se graduó en el Conservatorio de Moscú como pianista (1891) y compositor (1892; obra de diploma-ópera "Aleko"). En la temporada 1897/98, el director de la Ópera Rusa Privada de Moscú (aquí comenzó la amistad de Rachmaninov con F. I. Chaliapin), en 1904-06: Teatro Bolshói. También participó en conciertos sinfónicos. Constantemente dio conciertos como pianista y director de orquesta en Rusia y en el extranjero (por primera vez en Londres en 1899). En 1909-12, participó activamente en las actividades de la RMO (miembro de la dirección de la sucursal de Moscú, inspector de música en la Dirección Principal). en la década de 1900 muchas de sus obras más importantes fueron escritas.

A fines de 1917, Rachmaninoff se fue de gira a Escandinavia, a partir de 1918 se instaló en los Estados Unidos. En 1918-43 se dedicó principalmente a actividades de concierto (actuó en Europa y América). En las pocas obras creadas durante estos años, el tema de la patria se entrelaza con el motivo de la trágica soledad del compositor, aislado de su suelo natal. Al vivir en el extranjero, Rachmaninoff siguió siendo un artista ruso, un patriota. En 1941-42 dio conciertos, cuyas ganancias transfirió para ayudar al Ejército Rojo.

Rachmaninov es uno de los principales compositores finales del siglo XIX-XX. El sentimiento lírico agravado de Rachmaninoff de grandes trastornos sociales está asociado con la encarnación de la imagen de la patria. Era un cantante conmovedor de naturaleza rusa. Impulsos apasionados y tormentosos y contemplación poética embriagada, determinación obstinada y alerta temblorosa, tragedia lúgubre y humanismo entusiasta coexisten estrechamente en su música.

La música tiene una riqueza polifónica melódica y subvocal única, proveniente de la canción popular rusa y características del canto Znamenny. Una de las características distintivas del estilo musical de Rachmaninoff es la combinación orgánica de amplitud y libertad de la respiración melódica con un ritmo elástico y enérgico. El peculiar lenguaje armónico de su música se caracteriza por una diversa implementación de sonoridades de campana. El patrimonio creativo de Rachmaninov incluye varios géneros, pero las obras para piano ocupan un lugar central en él.

Rachmaninov es uno de los mejores pianistas paz. La técnica fenomenal y el virtuosismo estaban subordinados en el juego de Rachmaninov a una gran espiritualidad y una vívida imaginería de expresión. Estas mismas cualidades distinguieron su arte de dirección. En el pueblo de Ivanovka Región de Tambov Se crea el Museo Memorial Rachmaninoff.

*** Varias imágenes musicales siempre encarnan alguna partícula de vida: este o aquel fenómeno de la vida, una imagen de la naturaleza, algo que sucede en una persona, en la sociedad, en la escala de toda la humanidad o en el alma niño pequeño(sentimientos, pensamientos, acciones, caracteres, en general, todo el mundo espiritual de una persona).

¿Qué sentimientos se transmiten mejor al escribir canciones?

(Sentimientos sinceros, líricos, poéticos).

¿Qué rasgos de carácter ayuda a transmitir el baile?

(Ligereza, movilidad, alegría).

¿Qué carácter se puede transmitir mejor al marchar?

(Masculinidad, determinación, fortaleza, heroísmo).

El contenido musical se manifiesta en las imágenes musicales, en su surgimiento, desarrollo e interacción.

No importa cuán unificado sea el estado de ánimo de una pieza musical, siempre revela todo tipo de cambios, desplazamientos, contrastes.

El surgimiento de una nueva melodía.

Cambiar el patrón rítmico.

Cambiando el patrón de textura.

Cambiar una sección significa la aparición de una nueva imagen, a veces cercana en contenido, a veces directamente opuesta.

El desarrollo se basa en la riqueza figurativa, entrelazando varios motivos, estados y experiencias.

Preludio (del lat. prae ... - antes y lat. ludus - juego) - una breve pieza musical que no tiene una forma estricta. En sus inicios, los preludios siempre precedieron a una obra más larga, más compleja y de diseño más estricto (de ahí el nombre), pero los compositores posteriores también comenzaron a escribir preludios como obras independientes. El ostinato se encuentra a menudo en los preludios; en general, los preludios tienen un estilo similar a la improvisación.

Preludio - una introducción a una composición musical o una pequeña pieza independiente, principalmente para clavicordio, piano, órgano. Se crean ciclos de preludios y fugas, así como algunos preludios.

S. Rachmaninov. Preludio en sol sostenido menor, op. 32 No. 12 (audiencia).

Su estado de ánimo, a la vez tembloroso, melancólico, está en sintonía con la tradición musical rusa de encarnar imágenes de tristeza y despedida.

La música siente un conmovedor estado otoñal: el temblor del último follaje, llovizna, cielo bajo y gris.

La imagen musical del preludio se complementa con un momento de sonoridad: en el sonido melódico-textural se percibe algo parecido al chirrido de despedida de las grullas que nos dejan para el largo invierno.

Tal vez porque en nuestra zona el frío dura tanto y la primavera llega lenta y de mala gana, todo ruso siente con particular agudeza el final de un cálido verano y se despide de él con una tristeza lúgubre.

Y así, las imágenes de despedida están estrechamente entrelazadas con el tema del otoño, cuyas imágenes otoñales son tan numerosas en el arte ruso: hojas voladoras, llovizna, cuña de grulla.

¡Cuántos poemas, pinturas, obras musicales están relacionadas con este tema!

Y qué extraordinariamente rico es el mundo figurativo de la tristeza otoñal y la despedida.

–  –  –

Trabajo vocal y coral.

Y. Milyutin, poemas de E. Dolmatovsky. Canción lírica (cantar).

G. Struve, letra de L. Kondratenko. A las madres de los héroes caídos (cantando).

Grabación de letras.

Visualización de canciones.

Aprendizaje.

II. Resumen de la lección.

Se perfila la imagen del alma rusa y la naturaleza rusa, encarnada en el alto vuelo de despedida de las grullas.

Las grullas son una especie de imagen-símbolo, por así decirlo, que se ciernen sobre la imagen figurativa general del preludio, impartiendo a su sonido una altura y pureza especiales.

Esta imagen musical está asociada con la encarnación de sutiles sentimientos líricos.

tercero Tareas para el hogar.

Aprende la letra de memoria.

Dibuja un paisaje otoñal, encuentra un poema que corresponda a la imagen musical de S.V. Rachmaninov.

Lección 11 Tema: Imágenes dramáticas en la música

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

F. Schubert, poemas de J. W. Goethe. Rey del bosque (escuchando).

Y. Milyutin, poemas de E. Dolmatovsky. Canción lírica (cantar).

G. Struve, letra de L. Kondratenko. A las madres de los héroes caídos (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

Organizando el tiempo.

Estudiantes ingresan al salón de clases, saludan al docente con un saludo musical

Actualización de conocimientos básicos:

¿Qué es una imagen musical?

¿Qué tarea recibiste en la última lección? (dibuje un paisaje otoñal, encuentre un poema correspondiente a la imagen musical del "Preludio" de S.V. Rachmaninov), lea fragmentos de poemas (en el contexto de un paisaje otoñal y el sonido de la música de Rachmaninov) ¿Qué es un preludio?

El tema de la lección.

Tema de la lección: "Imágenes dramáticas en la música".

Trabajar sobre el tema de la lección.

Maestro: Las imágenes dramáticas, como las líricas, están muy ampliamente representadas en la música. Por un lado, surgen en la música basada en obras literarias dramáticas (como la ópera, el ballet y otros géneros escénicos), pero mucho más a menudo el concepto de "dramático" en la música se asocia con rasgos de carácter, interpretación musical de héroes, imágenes . Hoy seguiremos hablando de imágenes musicales. Muestra obra dramatica- La balada de Franz Schubert "El rey del bosque", escrita sobre un poema del gran poeta alemán J. W. Goethe (en la pantalla hay un retrato de Franz Schubert).

allada es una obra épica lírica, es decir, una historia contada en forma poética, de carácter histórico, mítico o heroico. La trama de la balada suele tomarse prestada del folclore. Las baladas a menudo se ponen música.

Breve información sobre la vida y obra del compositor Franz Schubert - el gran compositor austriaco del siglo XIX por su corta vida escribió tantas obras maravillosas que apenas cabían en 37 gruesos volúmenes: sinfonías, obras vocales, piezas para piano y mucho más. El lugar principal en su obra lo ocupó el género de la canción (alrededor de 600), que elevó a un alto nivel artístico. La canción de Schubert es siempre una escena viva, un cuadro dramático en el que se revelan los matices más sutiles de los sentimientos humanos. Escribió la mayoría de sus obras para las sociedades vienesas de amantes de la música, para sus amigos, encuentros con los que se llamaron Schubertiads.(Ilustración en pantalla) (Retrato en pantalla de Goethe) Franz Schubert quedó encantado con la poesía de Goethe. Ella excitó, cautivó la imaginación, la mente, el alma del joven compositor. Más de 70 canciones fueron escritas por Schubert con las palabras del gran poeta alemán. Balada "Rey del Bosque"

El lenguaje musical es comprensible sin traducción. Y, sin duda, tras escuchar la balada, por el sonido de la propia música, se puede sentir que se trata de una narración pausada del autor o de una excitada conversación de varios actores. Después de escuchar, tendrá que responder preguntas (suena la balada "El Rey del Bosque") F. Schubert, poemas de J. V. Goethe. Rey del bosque (escuchando).

Ejercicio:

¿En qué interpretación sonó la obra? (voz masculina acompañada de un piano) Carácter - emocionado, ansioso Tempo - rápido Modo - menor Registro - bajo Dinámica - f, mp Docente: ¿Cuántos personajes hay en esta balada?

Estudiantes: Cuatro.

Maestra: ¿Qué entonaciones escuchaste? El narrador está emocionado;

El padre está ansioso; Hijo - asustado, sofocante; El rey del bosque es dulcemente seductor Maestro: ¿Qué escuchaste en el acompañamiento? ¿Puedes verlo?

Alumnos: Un movimiento rápido y tenso (un jinete salta) Profesor: ¿La música es expresiva o pictórica?

Maestro: Ahora escuche cómo suena esta balada en ruso traducida por Vasily Andreevich Zhukovsky, el gran poeta ruso, contemporáneo de Pushkin, un poeta peculiar, muy sutil y profundamente lírico dio tal interpretación de la visión "terrible" de Goethe (en el contexto de ilustraciones, lea la balada traducida por V Zhukovsky) Hoy en la lección, a menudo se escucha la palabra "balada". En clases de literatura, ya has hablado de este género. Y en la música, un lugar especial en el género de la canción lo ocupa una balada. En la antigüedad, las canciones de baile se llamaban baladas. En la Edad Media se convirtieron en canciones narrativas. se reflejan cuentos populares, historias sobre eventos misteriosos, el mundo reservado de los espíritus, imágenes fantásticas y místicas.

Para resumir: El propósito de nuestra lección fue identificar los medios de expresividad de diferentes tipos de artes (literarias, musicales y visuales) en la creación de una sola imagen.

¿Por qué medios el compositor, poeta y artista llegó a crear una sola imagen dramática?

Alumnos: Compositor - con la ayuda de la expresividad musical. El artista - una gama de colores. El poeta crea una trama, varias entonaciones.

Maestra: Entonces podemos concluir.

Conclusión: Como vemos en la poesía, y en la música, y en la pintura, se dibuja un gran cuadro dramático, una escena con la participación de varios personajes. Pero incluso si escuchamos sus entonaciones individuales, toda la escena se funde en nuestra mente en una sola imagen dramática, unida por un movimiento rápido; no solo por el movimiento de un caballo volando por el bosque, sino también por el movimiento de los sentimientos de los personajes principales.

Docente: La imagen dramática está ampliamente representada no solo en la música clásica, sino en el género de la canción.

Trabajo vocal y coral.

Y. Milyutin, poemas de E. Dolmatovsky. Canción lírica (cantar).

G. Struve, letra de L. Kondratenko. A las madres de los héroes caídos (cantando).

Resumen de la lección.

Esto concluye nuestra lección. Gracias por tu trabajo (puntuación). Despídete del profesor, sal del aula.

IV. Tareas para el hogar.

Aprende la letra de la canción.

Lección de música en el grado 7 II trimestre, lección 2 Tema: "Imagen dramática en la música"

Esta lección de música para estudiantes de grado 7 se desarrolló sobre la base del programa Música (autores T.I. Naumenko, V.V. Aleev) La lección se diseñó teniendo en cuenta aquellas habilidades y métodos de acción con los que los niños ya están familiarizados: saludos musicales, carácter. En la lección anterior, los niños escucharon el “Preludio” de S.V. Rachmaninoff y aprendió que hay varias imágenes musicales en la música: lírica, dramática, épica.

El propósito de la lección:

Formación de la percepción emocionalmente consciente de la imagen musical en el ejemplo de la balada "Forest King" de F. Schubert. revelando los medios de expresividad de los diferentes tipos de artes (literarias, musicales y visuales) en la creación de una sola imagen. Tipo de lección:

Aprendiendo nuevo material

Objetivos de la lección:

1. Educativo:

a) continuar enseñando a los estudiantes a comparar y comparar poesía, música y artes visuales, b) idear un nuevo concepto de "balada".

2. Desarrollando:

a) un mayor desarrollo de la cultura de escucha,

b) continuar desarrollando una percepción activa, sincera y consciente de la música, la poesía, las artes visuales por parte de los estudiantes,

c) desarrollar la destreza del canto cantileno.

3. Educativo:

a) despertar interés por la obra del compositor Franz Schubert, la poesía de Goethe.

Métodos y técnicas:

Verbal (conversación, explicación) Visual (retratos, ilustraciones) Escuchar música Cantar

Visibilidad:

Retratos de Franz Schubert, Johann Goethe. Ilustraciones. Resultado previsto: conceptos: balada métodos de acción: trabajar en tarjetas, escuchar música. Juicios: actitud personal hacia la música

Tema de la lección:

"Imagen Dramática en la Música"

Desarrollo de la lección Momento organizativo I. Los estudiantes ingresan a la clase, saludan al profesor con un saludo musical

II. Actualización de conocimientos básicos:

¿Qué es una imagen musical?

Con la ayuda de qué medios de expresión musical puede el compositor reflejar la realidad circundante (melodía, tempo, registro, dinámica).

¿Qué tarea recibiste en la última lección? (dibuja un paisaje otoñal, encuentra un poema correspondiente a la imagen musical del "Preludio"

Parte principal

Maestro: Las imágenes dramáticas, como las líricas, están muy ampliamente representadas en la música. Por un lado, surgen en la música basada en obras literarias dramáticas (como la ópera, el ballet y otros géneros escénicos), pero mucho más a menudo el concepto de "dramático"

asociado en la música a rasgos de carácter, interpretación musical de héroes, imágenes. Hoy seguiremos hablando de imágenes musicales.

Un ejemplo de obra dramática es la balada de Franz Schubert "El rey del bosque", escrita sobre un poema del gran poeta alemán J. W. Goethe. (hay un retrato de Franz Schubert en la pantalla) Un breve mensaje sobre la vida y obra del compositor Franz Schubert, el gran compositor austriaco del siglo XIX, escribió tantas obras maravillosas en su corta vida que difícilmente podrían encajar en 37 gruesos volúmenes: sinfonías, obras vocales, piezas para piano y mucho más. El lugar principal en su obra lo ocupó el género de la canción (alrededor de 600), que elevó a un alto nivel artístico. La canción de Schubert es siempre una escena viva, un cuadro dramático en el que se revelan los matices más sutiles de los sentimientos humanos. Escribió la mayoría de sus obras para las sociedades vienesas de amantes de la música, para sus amigos, encuentros con los que se llamaron Schubertiads.(Ilustración en pantalla) (Retrato en pantalla de Goethe) Franz Schubert quedó encantado con la poesía de Goethe. Ella excitó, cautivó la imaginación, la mente, el alma del joven compositor. Más de 70 canciones fueron escritas por Schubert con las palabras del gran poeta alemán. Balada "Rey del Bosque"

Schubert escribió cuando solo tenía 18 años. Así es como uno de sus amigos describe el nacimiento de esta canción: "Encontramos a Schubert en un estado completamente febril, leyendo en voz alta el libro" The Forest Tsar ". Recorrió varias veces la habitación con el libro, se sentó de repente y en el menor tiempo posible apareció la balada en el papel... Esa misma noche se representó El rey del bosque y fue recibida con entusiasmo. En la balada "Rey del Bosque"

el compositor vio la tragedia, sintió el dolor y el llanto del alma humana.

El piano juega un papel especial en las canciones de Schubert. Llena la canción con nuevos colores, ayuda a revelar su contenido más profundamente.

Maestra: Ahora escucharemos una balada en el idioma original, alemán, y tendrás que determinar: ¿cuántos personajes hay en este trabajo? Escuche atentamente la entonación del intérprete.

El lenguaje musical es comprensible sin traducción. Y, sin duda, tras escuchar la balada, por el sonido de la propia música, se puede sentir que se trata de una narración pausada del autor o de una excitada conversación de varios personajes. Después de escuchar, tendrás que responder las preguntas de la tarjeta. (suena la balada “El Rey del Bosque”) Tarea ¿En qué interpretación sonó la obra? (voz masculina acompañada de fono) Carácter - emocionado, ansioso Tempo - rápido Modo - menor Registro - bajo Dinámica - f, mp Docente: Cuántos caracteres están en esta balada? Estudiantes: Cuatro. Maestra: ¿Qué entonaciones escuchaste?

El narrador está emocionado; El padre está ansioso; Hijo - asustado, sofocante; El rey del bosque es dulcemente tentador.

Maestra: ¿Qué escuchaste en el acompañamiento? ¿Puedes verlo?

Alumnos: Movimiento rápido y tenso (saltos de jinete) Profesor:

¿La música es expresiva o pictórica?

Alumnos: Tanto expresivos como pictóricos.

Maestro: Ahora escucha cómo suena esta balada en ruso en la traducción de Vasily Andreevich Zhukovsky, el gran poeta ruso, contemporáneo de Pushkin, un poeta peculiar, muy sutil, profundamente lírico, dio tal interpretación de la visión "terrible" de Goethe. (en el contexto de las ilustraciones, lea la balada traducida por V. Zhukovsky) Hoy en día, la palabra "balada" se escucha a menudo en la lección. En clases de literatura, ya has hablado de este género. Y en la música, un lugar especial en el género de la canción lo ocupa una balada. En la antigüedad, las canciones de baile se llamaban baladas. En la Edad Media se convirtieron en canciones narrativas. Reflejan leyendas populares, historias sobre eventos misteriosos, el mundo reservado de los espíritus, imágenes fantásticas y místicas.

Franz Schubert es considerado el creador de la balada vocal.

Para resumir: El propósito de nuestra lección fue identificar los medios de expresividad de diferentes tipos de artes (literarias, musicales y visuales) en la creación de una sola imagen. ¿Por qué medios el compositor, poeta y artista llegó a crear una sola imagen dramática?

Alumnos: el compositor - con la ayuda de la expresividad musical El artista - con una gama de colores. El poeta - al crear una trama, diferentes entonaciones Maestro: Entonces, podemos concluir Conclusión: Como vemos en la poesía, en la música y en la pintura, se dibuja una gran imagen dramática, una escena con la participación de varios personajes. Pero incluso si escuchamos sus entonaciones individuales, toda la escena se funde en nuestra mente en una sola imagen dramática, unida por un movimiento rápido; no solo por el movimiento de un caballo volando por el bosque, sino también por el movimiento de los sentimientos de los personajes principales. Maestro: La imagen dramática está ampliamente representada no solo en la música clásica, sino también en el género de la canción; la canción "Oh, caminos" puede servir como ejemplo. La canción se está reproduciendo.

Maestro: Esto concluye nuestra lección. Gracias por tu trabajo (puntuación). Despídete del profesor, sal del aula.

Lección 12 Tema: Imágenes épicas en la música

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

(audiencia).

Y. Milyutin, poemas de E. Dolmatovsky. Canción lírica (cantar).

G. Struve, letra de L. Kondratenko. A las madres de los héroes caídos (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

EPOS, [griego. epos - palabra]

1. Tipo de literatura narrativa (a diferencia del drama y las letras).

2. La totalidad de las obras de esta especie, unidas tema común, nacionalidad común, cronología, etc.

Una epopeya suele ser un poema sobre hazañas heroicas.

orígenes poesía épica tienen sus raíces en historias prehistóricas de dioses y otros seres sobrenaturales.

La épica es el pasado, porque cuenta sobre eventos pasados ​​​​en la vida de las personas, sobre su historia y hazañas;

Las letras son reales, porque su objeto son los sentimientos y los estados de ánimo;

El teatro es el futuro lo principal es la acción, con la ayuda de la cual los personajes intentan decidir su destino, su futuro.

El primer y sencillo esquema de división de las artes asociadas a la palabra fue propuesto por Aristóteles, según el cual la épica es un relato sobre un acontecimiento, el drama lo presenta en rostros, la letra responde con el canto del alma.

El lugar y el tiempo de la acción de los héroes épicos se asemejan a la historia y la geografía reales (en qué forma la épica es radicalmente diferente de los cuentos de hadas y los mitos, que son completamente irreales). Sin embargo, la epopeya no es del todo realista, aunque está basada en hechos reales. Gran parte de ella está idealizada, mitificada.

Esta es la propiedad de nuestra memoria: siempre embellecemos un poco nuestro pasado, especialmente cuando se trata de nuestro gran pasado, nuestra historia, nuestros héroes. Y a veces sucede lo contrario: algunos hechos y personajes históricos nos parecen peores de lo que realmente fueron.

Propiedades épicas:

Heroísmo La unidad del héroe con su pueblo, en nombre del cual realiza hazañas Historicidad Cuento de hadas (a veces un héroe épico lucha no solo con enemigos reales, sino también con criaturas míticas) Evaluación (los héroes de la epopeya son buenos o malos , por ejemplo, héroes en epopeyas, y sus enemigos, todo tipo de monstruos) Objetividad relativa (la epopeya describe eventos históricos reales, y el héroe puede tener sus debilidades) El héroe, en quien todo es pequeño, solo es adecuado para una novela , Que sea valiente, noble,

Pero aún así, sin debilidades, no es amable con nadie:

El impetuoso e irascible Aquiles nos es querido;

Llora de resentimiento, no de detalles superfluos, para que creamos en su plausibilidad.

Las imágenes épicas en la música, de las que hablaremos hoy, son imágenes no solo de héroes, sino también de eventos, historia, también pueden ser imágenes de la naturaleza, que representan a la Patria en una determinada época histórica.

Esta es la diferencia entre la épica y la lírica y el drama: en primer lugar no está el héroe con sus problemas personales, sino la historia.

Como ejemplo, escuchemos 2 obras del género épico:

1. 2da sinfonía, " sinfonía heroica" A. Borodina. Ella es reconocida como el pináculo del sinfonismo épico ruso y mundial.

2. Aria del Príncipe Igor de la ópera "Príncipe Igor" de A. Borodin Borodin Alexander Porfiryevich (1833-1887), uno de los compositores de "The Mighty Handful".

Toda su obra está impregnada del tema de la grandeza del pueblo ruso, el amor a la patria, el amor a la libertad.

La "Sinfonía Bogatyr", que captura la imagen de una patria poderosa y heroica, y la ópera "Príncipe Igor", creada en base a la epopeya rusa "El cuento de la campaña de Igor", tratan sobre esto.

"El cuento de la campaña de Igor" ("El cuento de la campaña de Igor, Igor, el hijo de Svyatoslav, el nieto de Oleg" es el monumento más famoso (considerado el más grande) de la literatura rusa medieval. La trama se basa en la campaña fallida de los príncipes rusos. contra Polovtsy en 1185, dirigido por el príncipe Igor Svyatoslavich.

En su aria, el Príncipe Igor expresa tristeza por su cautiverio y la muerte de su regimiento, sueña con la libertad y la oportunidad de organizar una nueva campaña, victoriosa.

N. Rimsky-Korsakov. Océano-mar es azul. Introducción a la ópera "Sadko"

(audiencia).

"Sadko" es un ejemplo vívido de una ópera épica, que se caracteriza por un flujo de acción lento y suave, que resucita el espíritu de los viejos cuentos épicos. Los retratos musicales de los personajes principales se dan en números vocales ampliamente desarrollados, pinturas vida popular y la vida cotidiana- en las monumentales escenas corales. La música de la ópera está llena de contrastes brillantes y convexos.

Las imágenes del fabuloso reino submarino, encarnadas por medio de melodías caprichosas y flexibles y armonías inusuales, se oponen a las imágenes de la vida popular real y las imágenes del pueblo ruso, en cuya representación el principal medio expresivo es la canción popular rusa.

La ópera se abre con la majestuosa introducción orquestal "Ocean-Sea is Blue". Página 46 según el libro de texto.

Trabajo vocal y coral.

Y. Milyutin, poemas de E. Dolmatovsky. Canción lírica (cantar).

G. Struve, letra de L. Kondratenko. A las madres de los héroes caídos (cantando).

IV. Resumen de la lección.

Nos familiarizamos con las obras musicales del plan épico.

Las imágenes épicas requieren un desarrollo largo y pausado, pueden exhibirse durante mucho tiempo y desarrollarse lentamente, introduciendo al oyente en una atmósfera de una especie de colorido épico.

V. Tarea.

Aprende letras. Prepárate para hacerlos.

Lección 13 Tema: De qué se trata el género musical. "Memoria del Género"

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: ¿De qué habla el género musical? "Memoria del Género"

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

A los sonidos del pasado se eleva

Y cerrar parece claro:

Ese sueño me canta, Que sopla con un hermoso misterio.

alexander bloque

– ¿Cómo entiendes la expresión “memoria del género”?

El vasto mundo del contenido musical se cifra principalmente en géneros. Incluso existe un concepto como "memoria de un género", que indica que los géneros han acumulado una gran experiencia asociativa que evoca ciertas imágenes e ideas en los oyentes.

¿Qué imaginamos cuando escuchamos un vals o una polca, una marcha o una canción de cuna? En nuestra imaginación, parejas dando vueltas en un baile noble (vals), juventud alegre, vivaz y risueña (polca), paso solemne, uniformes elegantes (marcha), voz maternal cariñosa, hogar nativo(canción de cuna). Tales o similares representaciones evocan estos géneros en todas las personas del mundo.

Muchos poetas escribieron sobre esta capacidad de la música: la capacidad de evocar imágenes e ideas en la memoria.

Apelan a ciertos géneros y los propios compositores evocan a menudo imágenes vívidas y animadas. Así que hay una leyenda de que Fryderyk Chopin, componiendo la Polonesa en La bemol mayor, vio a su alrededor una solemne procesión de caballeros y damas de tiempos pasados.

Debido a esta característica de los géneros, que contienen enormes capas de recuerdos, ideas e imágenes, muchos de ellos son utilizados por los compositores a propósito: para agudizar uno u otro contenido de la vida.

F. Chopin. Polonesa en la bemol mayor, op. 53 No. 6 (audiencia).

A menudo se utiliza en la música original géneros folclóricos o estilizaciones hábilmente ejecutadas. Después de todo, estaban más estrechamente relacionados con la forma de vida de las personas, sonaban durante el trabajo y la diversión, en bodas y funerales. El contenido vital de tales géneros está inextricablemente entrelazado con su sonido, de modo que al introducirlos en sus obras, el compositor logra el efecto de una autenticidad completa, sumergiendo al oyente en el color del tiempo y el espacio.

Todos conocen la canción popular rusa "Había un abedul en el campo". Su melodía parece simple y sin pretensiones.

Sin embargo, fue esta canción la que P. Tchaikovsky eligió como tema principal del final de su Cuarta Sinfonía. Y por voluntad del gran compositor, se convirtió en la fuente del desarrollo musical de todo el movimiento, cambiando su carácter y apariencia según el fluir del pensamiento musical. Se las arregló para darle al sonido de la música un carácter de baile o de canción, un estado de ánimo a la vez soñador y solemne; en una palabra, se volvió infinitamente diversa en esta sinfonía, que solo la música genuina puede ser.

Y, sin embargo, en uno, su cualidad principal, permaneció intacto: en un sonido ruso profundamente nacional, como si capturara la naturaleza y la apariencia de Rusia, tan querida en el corazón del propio compositor.

Había un abedul en el campo. Canción popular rusa (escuchar).

P. Chaikovski. Sinfonía nº 4. IV movimiento. Fragmento (audición).

Trabajo vocal y coral.

V. Muradeli, los versos de Lisyansky. Camino escolar (canto).

V. Berkovsky, S. Nikitin, letra de A. Velichansky. A la música de Vivaldi. (cantando).

Trabajar la formación del sonido, la dicción, la respiración, el carácter de la interpretación.

IV. Resumen de la lección.

V. Tarea.

Aprende letras.

Lección 14 Tema: Tan diferentes canciones, bailes, marchas.

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

V. Muradeli, los versos de Lisyansky. Camino escolar (canto).

V. Berkovsky, S. Nikitin, letra de A. Velichansky. A la música de Vivaldi. (cantando).

Material adicional: Retratos de compositores: Tchaikovsky, Bizet.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: Tan diferentes canciones, bailes, marchas III. Trabajar sobre el tema de la lección.

- ¿Por qué se utilizan géneros musicales folklóricos en las obras musicales? Nombra estas obras.

Apelar al género de la canción o la danza nacional en una pieza musical es siempre un medio de caracterización vívida y confiable de la imagen.

El compositor húngaro Bela Bartok dijo con precisión: “La música country tiene un propósito específico, tiene un programa específico asociado con ciertas costumbres, de acuerdo con las leyes no escritas del pueblo... La Navidad debería haberse celebrado con cuentos de la antigüedad, las bodas solo podían ser celebrada con la observancia de ciertos ritos, durante la cosecha se suponía que debía cantar canciones de cosecha ".

El contenido musical, durante muchos siglos, asignado a un género determinado, se ha convertido en un compañero eterno e inalienable, de modo que al escuchar la música de un género determinado, de larga data, le asociamos un contenido específico, único inherente.

Cada género musical está asociado con ciertas situaciones de la vida o estados de ánimo especiales.

Marzo, uno de los principales géneros musicales, puede ser tanto jocoso como serio. Compare el sonido de dos marchas: la marcha del ballet El cascanueces de P. Tchaikovsky y la marcha del torero de la ópera Carmen de G. Bizet.

P. Chaikovski. Marzo. Del ballet El cascanueces (escuchar).

J.Bizet. Marcha del Torero. De la ópera "Carmen" (audición).

Trabajo vocal y coral.

V. Muradeli, los versos de Lisyansky. Camino escolar (canto).

V. Berkovsky, S. Nikitin, letra de A. Velichansky. A la música de Vivaldi. (cantando).

Trabajar la formación del sonido, la dicción, la respiración, el carácter de la interpretación.

IV. Resumen de la lección.

Hoy vimos ejemplos de marchas. Por muy significativos que sean los géneros musicales, por muy profundos que sean sus significados, en la música el contenido se manifiesta en los medios de expresión musical: melodía y armonía, ritmo y textura, que juntos forman una forma de expresión musical. Sonidos, cánticos, frases y oraciones musicales, intervalos y acordes, trazos y matices, todos llevan su propio contenido.

V. Tarea.

Aprende las canciones y prepáralos para la respuesta.

Lección 15 - 16 Tema: Tan diferentes canciones, bailes, marchas.

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Desarrollar el interés por la música a través de la autoexpresión creativa, manifestada en reflexiones sobre la música, el propio trabajo.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

V. Muradeli, los versos de Lisyansky. Camino escolar (canto).

V. Berkovsky, S. Nikitin, letra de A. Velichansky. A la música de Vivaldi. (cantando).

Material adicional:

Retratos de compositores P.I. Chaikovski y F. Chopin.

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: Tan diferentes canciones, bailes, marchas.

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

¡Qué variedad de valses!

El vals de la ópera "Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky suena brillante y lleno de sangre. En sus sonidos, adivinamos casi visiblemente la deslumbrante luz del salón de baile, invitados elegantes, que se reúnen para una velada ruidosa y alegre.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) es un gran compositor y director de orquesta ruso. Nacido el 7 de mayo de 1840 en la ciudad de Votkinsk en gran familia. La música se tocaba a menudo en la casa de Tchaikovsky. A sus padres les gustaba tocar el piano y el órgano.

A la edad de cinco años, Pyotr Tchaikovsky ya sabía tocar el piano, y tres años después tocaba las notas a la perfección. En 1849, la familia Tchaikovsky se mudó a Alapaevsk y luego a San Petersburgo.

En la biografía de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, inicialmente fue educado en casa. Luego, Peter estudió en un internado durante dos años, después de lo cual estudió en la Facultad de Derecho de San Petersburgo. La creatividad de Tchaikovsky durante este período se manifestó en lecciones de música extracurriculares. La muerte de la madre en 1862 afectó mucho al niño vulnerable. Después de graduarse de la universidad, Peter comenzó a trabajar en el Departamento de Justicia.

Habiendo mostrado una inclinación por la composición musical, Tchaikovsky ingresó al Conservatorio de San Petersburgo. Los estudios adicionales sobre la vida de Tchaikovsky con los excelentes maestros Zaremba y Rubinstein ayudaron de muchas maneras a formar una personalidad musical. Después de graduarse del conservatorio, el compositor Tchaikovsky fue invitado por Nikolai Rubinshtein (el hermano del maestro) al Conservatorio de Moscú como profesor.

Muchos de los conciertos de Tchaikovsky se escribieron entonces. Ópera "Ondina"

En 1877, para deshacerse de los chismes sobre las inclinaciones homosexuales, Tchaikovsky se casó con Antonina Milyukova. Al mismo tiempo, estuvo en estrecho contacto con Nadezhda von Meck, una rica amante de la música de Tchaikovsky. No amando a su esposa, el compositor intentó suicidarse. Sin embargo, no pudo y dejó a su esposa para siempre. Esta parte de la biografía de Tchaikovsky está llena de culpa del autor hacia sí mismo.

Durante los dos años de su residencia en Italia, Suiza, aparecen nuevas obras magníficas de Tchaikovsky: la ópera "Eugene Onegin", la Cuarta Sinfonía. Después de la ayuda financiera de Nadezhda von Meck, el compositor viaja mucho. De 1881 a 1888 escribió muchas obras. En particular, los valses, sinfonías, oberturas y suites de Tchaikovsky. Finalmente, se estableció un período creativo tranquilo en la biografía de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, al mismo tiempo que el propio autor pudo dirigir conciertos. Tchaikovsky murió en San Petersburgo el 6 de noviembre de 1893 de cólera.

P. Chaikovski. Vals. De la ópera "Eugene Onegin". Fragmento (audición).

Frederic Chopin (1810 - 1849) - compositor, intérprete.

Chopin nació el 22 de febrero de 1810 cerca de Varsovia. Incluso cuando era niño, la biografía de Frederic Chopin mostró habilidades musicales, incluida la improvisación. Mientras estudiaba en la escuela, Chopin dedicó mucho tiempo a los estudios musicales. Estudió con Wojciech Zhivny, Elsner.

El compositor comenzó a actuar con sus obras en 1829. Al año siguiente abandonó Varsovia y en 1831 se instaló en París. Allí se hizo famoso al instante, ganó muchos admiradores.

Por primera vez en la biografía de Chopin, la enfermedad pulmonar se manifestó de forma aguda en 1837. Desde entonces, ha sufrido ataques de asma. En 1848, el famoso músico se instaló en Londres, no solo actuando en público, sino también enseñando. La salud de Chopin se deterioró y, poco después de regresar a París, murió. Para su biografía, Chopin creó muchas obras para piano, fue uno de los más brillantes representantes del romanticismo en la música.

Los valses de F. Chopin suenan poéticos y suaves, evocando una imagen tan sutil y onírica que a veces incluso borra la sensación de danza.

F. Chopin. Vals en si menor, op. 69 N° 2 (audiencia).

A pesar de la riqueza y diversidad, que difieren en la interpretación de varios géneros en las obras musicales, en los principales géneros siguen siendo reconocibles. Se puede hablar del préstamo directo de cierta canción o danza, o se puede hablar de canción o danza, pero estos juicios se basan en la percepción de ciertas características estables.

La melodiosa, melodiosa, la duración dan testimonio a favor de la canción, la combinación de tres partes, combinada con la continuidad del ritmo “circulante”, nos recuerda a un vals, etc. Todo esto habla de cuán significativos son los géneros musicales, sin importar cuán profundos significados pueden ocultar en sí mismos: en la música, el contenido se manifiesta en los medios de expresión musical: melodía y armonía, ritmo y textura, que juntos forman una forma de expresión musical. Sonidos, cánticos, frases y oraciones musicales, intervalos y acordes, trazos y matices, todos llevan su propio contenido.

Y, escuchando música, observando cómo estos sonidos, palabras y frases se forman gradualmente en un todo sonoro armonioso, entendemos: la música es autosuficiente, en el sonido en vivo expresa su contenido con toda la plenitud posible. Y ninguna palabra puede decir para ella lo que la música puede decir sobre el mundo y sobre todos nosotros.

Trabajo vocal y coral.

V. Muradeli, los versos de Lisyansky. Camino escolar (canto).

V. Berkovsky, S. Nikitin, letra de A. Velichansky. A la música de Vivaldi. (cantando).

IV. Resumen de la lección.

El vasto mundo del contenido musical está encriptado en géneros. Han acumulado una gran experiencia asociativa que evoca ciertas imágenes e ideas en los oyentes.

En nuestra imaginación hay parejas dando vueltas en un noble baile (vals), una juventud alegre, vivaz y risueña (polca), un paso solemne, elegantes uniformes (marcha), una voz de madre cariñosa, un hogar (canción de cuna). Tales o similares representaciones evocan estos géneros en todas las personas del mundo.

V. Tarea.

Interpretar canciones.

Tercer trimestre Lección 17 Tema: ¿Qué es forma musical. "Tramas" y "héroes"

forma musical

Objetivos de la lección:

Aprender a percibir la música como parte integral de la vida de cada persona.

Desarrollar una actitud atenta y benevolente hacia el medio ambiente.

Para cultivar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales, la necesidad de experiencias musicales.

Formación de la cultura del oyente sobre la base de la familiarización con los logros máximos del arte musical.

Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento de los géneros y formas musicales, medios de expresión musical, conciencia de la relación entre contenido y forma en la música).

Material musical de la lección:

R. Wagner. Intermedio del Acto III. De la ópera "Lohengrin" (audición).

E. Krylatov, letra de N. Dobronravov. Solo creo en mástiles y sueños (cantando).

Material adicional:

Durante las clases:

I. Momento organizativo.

II. El tema de la lección.

Tema de la lección: ¿Qué es una forma musical? "Tramas" y "héroes"

forma musical

tercero Trabajar sobre el tema de la lección.

La forma de arte es el contenido que se ha hecho visible.

I. Forma musical de Hofmiller-

1. Holístico, sistema organizado medios expresivos de la música (melodía, ritmo, armonía, etc.), con la ayuda de los cuales su contenido ideológico y figurativo se materializa en una obra musical.

2. Construcción, estructura de una obra musical, proporción de sus partes. Los elementos de la forma musical son: motivo, frase, oración, punto. Varias maneras el desarrollo y la comparación de elementos conducen a la formación de diversas formas musicales.

Las principales formas musicales: dos partes, tres partes, forma de sonata, variaciones, forma de copla, un grupo de formas cíclicas, formas libres, etc. La unidad del contenido y la forma de una obra musical es la condición principal y en el al mismo tiempo un signo de su valor artístico.

Es costumbre llamar composición a una forma musical, es decir, las características de la construcción de una obra musical: la proporción y los métodos para desarrollar el material musical-temático, la proporción y la alternancia de claves. Por supuesto, cada pieza musical tiene sus propias características únicas. Pero aún así, a lo largo de varios siglos de desarrollo de la música europea, se han desarrollado ciertos patrones y principios, según los cuales se construyen ciertos tipos de obras.

Con una de las formas musicales, todos estáis, sin duda, muy familiarizados. Esta es la forma de copla en la que se escriben las canciones. Similar a él es la forma antigua del rondó que se origina en él. Se basan en dos (o, en un rondó, varios) materiales temáticos diferentes.

La forma en tales casos se basa en la comparación, el desarrollo y, a veces, la colisión de estos temas a menudo contrastantes y, a veces, incluso conflictivos.

Las formas de tres y dos partes también son comunes en la práctica musical. El tripartito se construye de acuerdo con el esquema, que generalmente se representa en letras como esta: ABA. Esto significa que se repite el episodio inicial al final, después del episodio intermedio contrastante. De esta forma, se escriben las partes intermedias de sinfonías y sonatas, partes de suites, varias piezas instrumentales, por ejemplo, muchos nocturnos, preludios y mazurcas de Chopin, canciones sin letra de Mendelssohn, romances de compositores rusos y extranjeros. La forma de dos partes es menos común, ya que tiene un matiz de incompletitud, comparaciones, como "sin conclusión", sin resultado.

Su esquema: AB.

También existen formas musicales basadas en un solo tema.

Estas son, en primer lugar, variaciones, que se pueden llamar con mayor precisión un tema con variaciones. Además, muchas formas se basan en el mismo tema. música polifónica como fuga, canon, invención, chacona y passacaglia. Los cuentos "polifonía", "fuga", "variaciones" te los introducen.

También existe la llamada forma libre en la música, es decir, una composición que no está asociada con las formas musicales estándar establecidas. La mayoría de las veces, los compositores recurren a la forma libre al crear obras de programa, así como al componer todo tipo de fantasías y popurrís sobre temas prestados. Es cierto que, a menudo, en las formas libres hay características tripartitas, la más común de todas las construcciones musicales.

No es casualidad que la más compleja, la más elevada de todas las formas musicales, la sonata, también sea básicamente a tres voces. Sus secciones principales (exposición, desarrollo y repetición) forman una estructura compleja de tres partes, una construcción simétrica y lógicamente completa. Leerás sobre esto en la historia dedicada a la sonata.

MÚSICA DEL PROGRAMA

Estás escuchando un concierto para piano o violín, una sinfonía de Mozart o una sonata de Beethoven. Mientras disfruta de música hermosa, puede seguir su desarrollo, cómo los diferentes temas musicales se reemplazan entre sí, cómo cambian, cómo se desarrollan. O puedes reproducir en tu imaginación algunos dibujos, imágenes que sonando musica. Al mismo tiempo, tus fantasías seguramente serán diferentes a las que imagina otra persona que escucha música contigo. Por supuesto, no sucede que sientas el ruido de la batalla en los sonidos de la música y alguien más: una canción de cuna cariñosa. Pero la música tormentosa y formidable puede evocar asociaciones con los elementos desenfrenados, y con una tormenta de sentimientos en el alma de una persona, y con un formidable rugido de batalla...

Hay muchas piezas musicales en las que el compositor de una forma u otra explica su contenido a los oyentes. Entonces, Tchaikovsky llamó a su primera sinfonía "Sueños de invierno". Precedió a la primera parte con el título "Sueños en un camino de invierno", y la segunda - "Una tierra sombría, una tierra brumosa".

La música de programa es esa música instrumental, que se basa en un "programa", es decir, una trama o imagen muy específica.

Los programas son de diferentes tipos. A veces, el compositor vuelve a contar en detalle el contenido de cada episodio de su obra.

Así, por ejemplo, Rimsky-Korsakov en su cuadro sinfónico "Sadko" o Lyadov en "Kikimor". Ocurre que, refiriéndose a obras literarias conocidas, el compositor considera suficiente sólo indicar este carácter literario.

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La música es un tipo de arte que refleja la realidad en imágenes artísticas sonoras que influyen activamente en la psique humana. La música ha jugado y sigue jugando un papel muy importante en la vida humana. Una de sus principales funciones es unir a las personas, ya que el lenguaje de la música es comprensible sin traducción.

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¿De dónde viene la música?

En primer lugar, surgió la música folclórica. Inicialmente, los sonidos de los primeros instrumentos (eran instrumentos de percusión) acompañaban el tedioso y monótono trabajo. Luego apareció la música militar y de culto.

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Incluso en la antigua Grecia, los músicos daban señales a las tropas y tocaban en los templos.

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Por lo tanto, se formaron gradualmente dos componentes principales de la música: profesional y popular.

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Con el tiempo, se les añadió la división de la música en culta y profana.

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Una pieza musical es una composición compuesta por sonidos con o sin texto, interpretada por la voz o con la ayuda de instrumentos. Una obra musical es un todo único, como cualquier obra de arte.

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Los medios de expresión musical más importantes y llamativos son: melodía armonía ritmo modo timbre Apoyándose y enriqueciéndose mutuamente, realizan una sola tarea creativa– crear una imagen musical e influir en nuestra imaginación. Medios de expresión musical.

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Melodía

Cuando escuchas música, involuntariamente prestas atención a la voz principal, la principal tema musical. Suena como una melodía. La palabra griega melodía proviene de dos raíces, melos y ode, que significa "cantar una canción". La melodía es el contenido de la obra, su núcleo. Transmite las principales imágenes artísticas.

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Armonía

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Armonía

Esta palabra nos llegó de Grecia y en la traducción significa "armonía", "consonancia", "coherencia". Armonía tiene 2 significados: agradable al oído coherencia de sonidos, "armonía"; combinar sonidos en consonancias y su secuencia regular.

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Ritmo

El ritmo en la música es la alternancia y proporción de diferentes duraciones musicales. Ritmo es también una palabra griega y se traduce como "flujo medido". El ritmo distingue una marcha de un vals, una mazurca de una polca, etc.

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Muchacho

El estado de ánimo en la música crea un estado de ánimo. Puede ser alegre, brillante o, por el contrario, reflexivo, triste. Lad es una palabra eslava y se traduce como "paz", "orden", "consentimiento". En música, modo significa la interconexión y consistencia de sonidos que difieren en tono. Los modos más comunes son mayor y menor.

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Timbre

Timbre en francés significa "color de tono". El timbre es el sello distintivo de cada instrumento musical o voz humana.

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¿De qué piezas musicales es más difícil hablar? Sobre obras musicales que no contienen ningún programa. Sobre las obras musicales de música no programática. A pesar de la falta de un programa literario, tales obras tienen un contenido musical no menos rico.

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¿Cuáles son las obras musicales de música no programática?

Conciertos; sinfonías; sonatas; bocetos; Piezas instrumentales...

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¿Qué es una sonata? Sonata (sonare italiano - sonar) es un género de música instrumental, así como una forma musical llamada forma de sonata. Compuesta para composición de cámara de instrumentos y piano. Generalmente solista o dueto. LV Beethoven

Resumen de la lección de música a las 7
aula
"Singularidad Mágica
obra musical".

Tema: Mágica singularidad” de una pieza musical.
Objetivos de la lección:
 Aprender a percibir la música como una parte integral de la vida de todos
persona.
 Desarrollar una actitud atenta y amable hacia
el mundo circundante.
 Desarrollar la capacidad de respuesta emocional a los fenómenos musicales,
necesidad de experiencia musical.
 Desarrollar interés en la música a través de la autoexpresión creativa,
manifestado en reflexiones sobre la música, su propia creatividad.
 Formación de una cultura de escucha basada en la familiarización con
la cumbre del arte musical.
 Percepción significativa de las obras musicales (conocimiento
géneros y formas musicales, medios de expresión musical,
conocimiento de la relación entre contenido y forma en la música).
Material musical de la lección:
 Y. Shevchuk. Qué es el otoño (cantando).
 A. Vivaldi. El verano. III parte. Del ciclo “Cuatro Conciertos para
violines y orquesta "The Seasons" (escucha).
Durante las clases.
Toda obra de arte genuina es convincente.
Y no importa si encarna grandes ideas e imágenes o intencionalmente
agudiza los aspectos oscuros y antiestéticos de la vida.
Es convincente incluso cuando nos inspira, despierta alto
aspiraciones, y cuando te hace estremecer por el horror experimentado.
¿Por qué algunas obras mueren tan pronto como nacen, mientras que otras
vivir durante siglos, introduciendo cada vez más generaciones en sus profundidades?

En los grados 5 y 6, en lecciones de música, conociste a la mayoría
géneros musicales significativos (géneros de canción, romance, coral
música, ópera, ballet; géneros musicales) y medios
expresividad musical (ritmo, melodía, armonía, polifonía,
textura, timbre, dinámica).
este año nos encontraremos contenido musical y
forma.

Toda obra de arte genuina es convincente. es convincente
ya sea que incorpore grandes ideas e imágenes o intencionalmente
agudiza los lados oscuros y antiestéticos de la vida.
Es igualmente convincente cuando nos inspira o, por el contrario,
te hace estremecer de horror. (Ej. el arte del cine)
Así que la autenticidad de una obra de arte no depende sólo de la elección
temas, pero también de algo que no está presente en todos los ensayos. Qué es esto
¿como esto? ¿Qué hace que una obra sea inmortal? Por qué otros trabajos
mueren tan pronto como nacen, mientras que otros viven durante siglos?
Nuestra tarea es encontrar esta esencia oculta de la obra.

Hace siglos, el antiguo erudito griego Aristóteles enfatizó
la diferencia entre una cara bonita y una cara bellamente dibujada. Él
adivinó y enfatizó que el significado del arte está en la búsqueda y encarnación de lo oculto
la esencia de las cosas.

La capacidad de ver lo oculto, profundo es una de las condiciones necesarias
creatividad genuina. Se han escrito docenas de libros sobre los dolores de la creatividad.
El escritor francés G. Flaubert escribió: “¡Oh arte, arte! Qué es esto
por la monstruosa quimera que nos devora el corazón? Es difícil encontrar el verdadero
frase o melodía, la única que respondería a la intención del creador.
Belleza, armonía, misterio de la naturaleza del arte musical.
radica en la unidad del contenido y la forma de una obra musical.
Resumen de la lección.
Aquel a quien el destino ha destinado a ser creador lleva un ideal en el alma, con
con el que compara todo lo que crea.
Tal ideal es la "singularidad mágica" de la idea y su implementación.
- la unidad de contenido y forma.
“Ama y estudia el gran arte de la música. Te abrirá el mundo entero
altos sentimientos. Te hará espiritualmente más rico, más puro, más perfecto.
Gracias a la música, encontrarás en ti nuevas fortalezas que antes desconocías. Tú
verás la vida en nuevos tonos y colores”, D.D. Shostakóvich.
D/s. aprender los términos.

Unidad de una obra musical

1. Cuáles son las manifestaciones de tradición e innovación en una pieza musical.
2. Medios de expresión musical, su papel en la creación de una obra musical (en el ejemplo del Intermedio del Acto III de la ópera "Lohengrin" de R. Wagner).

Material musical:

1. R. Wagner. Intermedio del Acto III. De la ópera "Lohengrin" (escucha);
2. P. Chaikovski. Introducción al ballet La Bella Durmiente (audición);
3. Y. Dubravin, letra de V. Suslov. “La música vive en todas partes” (cantando).

Características de las actividades:

1. Comprender la importancia de los medios de expresión artística en la creación de una obra musical.
2. Propios términos musicales especiales separados que reflejan el conocimiento de los medios de expresión musical.

“No tengas miedo de las palabras teoría, armonía, polifonía, etc.
Sé amable con ellos y te sonreirán".

R. Schumann

Imagina que has venido al teatro. Pronto se abrirá el pesado telón y comenzará la función. Los héroes del viejo cuento de hadas aún no han aparecido en el escenario, pero la música ya está sonando y te captura.

La orquesta toca la introducción ( introducción - una palabra de origen latino, que significa "introducción" - una breve introducción a una representación de ópera o ballet) al ballet La Bella Durmiente de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

¿De qué se trata esta música? ... De repente, el sonido potente y áspero de una gran orquesta cae sobre ti. "Prickly", líneas melódicas quebradas, sonido agudo de disonante ( disonancia - una combinación de dos o más sonidos que forman una consonancia aguda y tensa. La palabra "disonancia" proviene del latín dissonantia, que significa "sonido discordante") acordes, llamadas formidables de instrumentos de viento crean un retrato musical del hada malvada Carabosse.

Pero entonces una ligera brisa del paso del arpa nos traslada al mágico mundo del Bien y de la Belleza: una bella melodía aparece sobre el fondo del más delicado acompañamiento. Este es el tema Hada Lila. Ella se eleva tranquilamente, iluminada colores claros consonante ( consonancia - una combinación armoniosa de dos o más sonidos. Traducido del latín, consonantia significa "sonido consonante".) acordes. La música suena frágil, indefensa. ¿Cómo puede un hada así resistir el ataque del malvado Carabosse?

Sigamos cómo se desarrollará el tema del Hada de las Lilas. Al principio, solo dos instrumentos tocan la melodía: la flauta y el cor anglais. Luego lo dirigen los violines, y finalmente nace de él un nuevo tema: suena solemne y triunfante en instrumentos de metal. Como resultado del desarrollo, la melodía lírica se convirtió en heroica.

¿Qué provocó tal transformación?

hace mucho tiempo ceremonias solemnes reuniones, desfiles, saludos se abrieron con fanfarrias de celebración. Estos instrumentos de viento tocaban melodías utilizando los sonidos de las principales tríadas. En el futuro, tales melodías comenzaron a llamarse fanfarrias. Siempre se asocian con la expresión de alegría. Y si además son ejecutadas por instrumentos de viento de metal, entonces adquieren un carácter heroico y solemne. Por lo tanto, escuchando la introducción, creemos que el Hada Lila vencerá a Carabosse, el bien vencerá al mal.

No se necesitan palabras para describir esto. La música contaba la historia en su propio lenguaje, más fuerte y expresivo.

Pero, ¿cómo entender el lenguaje musical? ¿En qué se diferencia del habla?

El lenguaje musical es rico y variado, porque su vocabulario contiene no solo sonidos, sino melodía, modo, ritmo, armonía, timbre, dinámica, tempo, trazos, fraseos...

Los compositores utilizan todos estos elementos del lenguaje musical en sus diversas combinaciones a la hora de crear música.

El material musical, es decir, melodía, armonía y ritmo, es ciertamente inagotable.
Pasarán millones de años, y si la música en nuestro sentido todavía existe,entonces los mismos siete tonos básicos de nuestra escala, en sus combinaciones melódicas y armónicas, animadas por el ritmo, seguirán sirviendo como fuente de nuevos pensamientos musicales.

P. Chaikovski

Solemos percibir una pieza musical como un todo, en la unidad de todo lo que la compone. Es difícil, a veces simplemente imposible, destacar una cosa en su sonido: melodía, ritmo o timbres. Cada compositor en su trabajo se esfuerza por crear su unidad. El punto no es que invente nuevos medios de expresión, sino que cada vez los subordine a su plan, sus ideas sobre el mundo, sobre la vida, sobre las personas.

Así como las personas son únicas, también lo son sus obras. Tome cualquier cosa simple - dos persona diferente¡hazlo completamente diferente! Esto es aún más cierto para las cosas complejas, que contienen no solo habilidad, sino también energía espiritual; después de todo, la educación, la experiencia, los gustos, los hábitos, la educación y mucho, mucho más están involucrados en su creación. Por lo tanto, no nos sorprende que dos compositores que viven al mismo tiempo y en el mismo país sean a veces tan diferentes entre sí, como lo son dos obras diferentes de un mismo compositor, o dos violines diferentes del mismo maestro.

Para entender una pieza musical, generalmente nos volvemos hacia dos lados: la tradición (tradición, lo que se hereda de generaciones anteriores), en la que surgió, y la "escritura" única de su autor.

¿Por qué es necesaria la tradición?

Porque todo en el mundo surge gradualmente, nada viene de la nada. Cada río brota de su fuente y desemboca en su propio mar; el aprendizaje precede a la maestría, la juventud precede a la madurez... Nace un canto nuevo de los rasgos cantores de su tiempo, un ritmo nuevo de los rítmicos, un timbre nuevo de los tímbricos. Cualquier fenómeno, tomado aisladamente de las raíces que le dieron origen, parece ridículo, como un extraterrestre de la nada.

¿Por qué buscamos una y otra vez en el arte su singularidad (único, único en su tipo), originalidad?

Porque en toda obra significativa, por muy fuerte que en ella se exprese la tradición, hay necesariamente algo que aún no ha sido y nunca será, porque el momento de la creatividad, como todo momento, es único.

La unidad de lo antiguo y lo nuevo, que forma cada pieza musical, plantea una pregunta natural: ¿cómo se manifiesta? ¿En la biografía del compositor? ¿En los títulos de sus obras? En parte sí.

Tanto la vida del compositor como los títulos de sus obras, todo esto nos ayuda a entender mucho en su obra.

Pero para entender la música hay que aprender de la música misma, en la que la fantasía, la inspiración, la comprensión del mundo han encontrado su máxima expresión.

Y aunque la música actúa de manera holística, sigue siendo muy diferente: en algunos casos, los solos de ritmo en tal integridad, y en otros, la melodía, en algunos casos nos sumergimos en el mundo mágico de la armonía, en otros, en el multi- reino de timbre coloreado. Esto es natural: después de todo, en cada obra, el plan general dicta la elección de los medios de expresión necesarios.

Sería extraño si, por ejemplo, las imágenes mundo de hadas repentinamente encarnado en ritmos agudos y angulares, y no en colorida armonía y orquestación. También sería extraño que las danzas españolas sonaran con la suavidad eslava de las líneas, etc.

Afortunadamente, esto nunca sucede. Los cuentos musicales siguen siendo, como siempre, pausados ​​y coloridos, y los bailes españoles son rápidos y rítmicos.

Cada estado de ánimo, cada sentimiento, experiencia y carácter tiene sus propios "representantes" musicales. Algo se expresa en melodía, algo, en armonía, y algo, en medios dinámicos especiales.

Por eso, la comprensión de la música requiere apelar a lo que se llama los medios de expresión musical. Estos medios están formados por aspectos de la música como el ritmo, la melodía, la armonía, la polifonía, la textura, los timbres y la dinámica. Por supuesto, la serie anterior puede continuar. Todo músico sabe cuán importantes son los diversos golpes incluidos en el concepto de articulación, aceleración y desaceleración del tempo, que forman el área de la agonía musical, cuán inusualmente expresivo es el papel del pedal.

Escuche obras musicales y trate de pensar no solo en el hecho de que la música se compone de diferentes aspectos de su sonido, sino también en cómo cada lado es expresivo. Y luego, de la fluidez y diversidad que siempre subyace a las obras musicales, se pueden destacar características especiales, apareciendo bien en armonía, bien en timbres o ritmos y formando esa singularidad del “rostro” que siempre ha distinguido a las grandes obras del arte musical.

Preguntas y tareas:

1. ¿Qué es la unidad de una pieza musical?
2. ¿Qué, además del conocimiento de la tradición y la innovación, nos ayuda a conocer mejor una pieza musical?
3. Escuche el Intermedio del Acto III de la ópera Lohengrin de R. Wagner. ¿Es posible estar de acuerdo en que el poder de la influencia de esta música está conectado con la unidad de todos sus medios expresivos? Para responder a esta pregunta, intente caracterizar las características del ritmo, el modo, la melodía, el timbre, la dinámica. (Descripción del trabajo en la lección)

Presentación

Incluido:
1. Presentación, ppx;
2. Sonidos de la música:
Wagner. Introducción al acto 3 de la ópera "Lohengrin", mp3;
Chaikovski. Carabosse tema del ballet "La Bella Durmiente", mp3;
Chaikovski. Lilac Fairy Theme del ballet "La Bella Durmiente", mp3;
3. Artículo adjunto, docx.