Japonský súčasný umelec japonsko-peruánskeho pôvodu. Najväčší Ukiyo-e umelci

Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a najtalentovanejších umelcoch našej doby. A verte, že ich diela vám utkvejú v pamäti nemenej hlboko ako diela maestra z minulých období.

Wojciech Babski

Wojciech Babski - moderný Poľský umelec. Vyštudoval Sliezsky polytechnický inštitút, no spojil sa s. AT nedávne časy kreslí prevažne ženy. Zameriava sa na prejavy emócií, snaží sa získať čo najväčší účinok jednoduchými prostriedkami.

Miluje farby, ale často používa odtiene čiernej a šedej najlepší zážitok. Nebojte sa experimentovať s novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.

Warren Chang

Warren Chang je súčasný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 absolvoval s vyznamenaním Art Center College of Design v Pasadene s titulom Bachelor of Fine Arts v odbore výtvarné umenie. Nasledujúce dve desaťročia pracoval ako ilustrátor rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku pred začatím kariéry profesionálneho umelca v roku 2009.

Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové ​​maľby a maľby zobrazujúce pracujúcich ľudí. Jeho záujem o tento štýl maľby má korene v tvorbe maliara Jana Vermeera zo 16. storočia a siaha aj do objektov, autoportrétov, portrétov rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiérov ateliérov, tried a domov. Jeho cieľom je vytvoriť náladu a emócie vo svojich realistických obrazoch prostredníctvom manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.

Chang sa preslávil po prechode k tradičnému výtvarnému umeniu. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Asociácie olejových maliarov v Amerike, najväčšej olejomaľovacej komunity v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. V súčasnosti žije Warren v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri, zároveň vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na Akadémii umení v San Franciscu.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Vyštudoval scénografiu na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených ešte v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho raná maľba má korene v surrealizme, no postupom času sa začína sústreďovať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Živé a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.

Aleksander Baloš

Alkasandr Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v meste Shasta v Kalifornii.

V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže od r. nízky vek, umelecká činnosť získala plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov, kde jeho učiteľka a umelkyňa na čiastočný úväzok Cathy Gaggliardi povzbudila Alcasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po ukončení štúdia v roku 1995 a získaní bakalárskeho titulu sa Balos presťahoval do Chicaga, aby navštevoval školu výtvarné umenie, ktorej metódy vychádzajú z diela Jacquesa-Louisa Davida. figuratívny realizmus a portrétna maľba boli najviac diela Balosa v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Balos dnes využíva ľudskú postavu na zvýraznenie čŕt a nedostatkov ľudskej existencie bez toho, aby ponúkal nejaké riešenia.

Dejové kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom plátna získajú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa rozsah jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie metódy maľby vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály bytia prostredníctvom maľby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks - moderná americký umelec. Narodila sa v roku 1977 v Ridgewoode v štáte New Jersey. O maľovanie sa začala zaujímať ešte ako dieťa. Navštevovala The New School v New Yorku a Montclair State University a v roku 1999 ukončila štúdium na Boston College s bakalárskym titulom. Zároveň študovala maľbu na akadémii Lorenzo Medici vo Florencii.

Potom pokračovala v štúdiu v rámci magisterského štúdia na New York Academy of Art na oddelení figurálneho umenia, ktoré ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Krátko prednášala na univerzitách a vzdelávacích inštitúciách po celej krajine a vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy College of Art.

„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, deformujem ľudské telo. Tieto filtre vám umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktný dizajn, cez ktorý vykúkajú ostrovčeky farieb - časti ľudského tela.

Moje obrázky sa menia moderný vzhľad k už zavedeným, tradičným postojom a gestám kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sú pritlačené k sklu okna sprchovacieho kúta, deformujúc svoje vlastné telo, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa zmiešajú, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Avšak zblízka, rozkošné fyzikálne vlastnosti Olejová farba. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam moment, kedy sa abstraktné ťahy stávajú niečím iným.

Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a mal som pocit, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. Realizmus som „vyznával“, až kým sa nezačal rozmotávať a dekonštruovať sám. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“

Antonio Finelli

taliansky umelec - strážca času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.

Kresby ceruzkou" Strážca času Antonio Finelli nás posiela na večnú cestu vnútorný svetľudská dočasnosť a s ňou spojená dôsledná analýza tohto sveta, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a jeho stopy na koži.

Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen osobu, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutie času v človeku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme, tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudoval dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom v odbore reštaurátor umeleckých diel. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.

Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla už v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku ​​sa naučila v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umeleckými smermi: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený maliar Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.

Denis Černov

Denis Černov je talentovaný Ukrajinský umelec, sa narodil v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po ukončení štúdia v Charkove umelecká škola v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a pracuje. Študoval tiež na Charkovskej štátnej akadémii dizajnu a umenia, odbor grafika, ktorú ukončil v roku 2004.

Pravidelne sa zúčastňuje umeleckých výstav, tento moment bolo ich viac ako šesťdesiat, tak na Ukrajine, ako aj v zahraničí. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.

Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarskych techník. Kresby ceruzkou sú jednou z jeho obľúbených maliarskych metód, zoznam jeho tém kresby ceruzou tiež veľmi rôznorodé, maľuje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozície, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantázie.

Dobrý deň, milí čitatelia - hľadači poznania a pravdy!

Japonskí umelci sa vyznačujú jedinečným štýlom, ktorý vycibrili generácie majstrov. Dnes budeme hovoriť o najjasnejších predstaviteľoch Japonská maľba a ich maľby, od staroveku až po súčasnosť.

Nuž, poďme sa vrhnúť do umenia Krajiny vychádzajúceho slnka.

Zrod umenia

Staroveké maliarske umenie sa v Japonsku spája predovšetkým so zvláštnosťami písma, a preto vychádza zo základov kaligrafie. Medzi prvé príklady patria fragmenty bronzových zvonov, riadu a domácich predmetov nájdených počas vykopávok. Mnohé z nich boli natreté prírodnými farbami a výskum naznačuje, že výrobky boli vyrobené skôr ako 300 rokov pred Kristom.

Príchodom do Japonska sa začala nová etapa vo vývoji umenia. Na emakimono - špeciálne papierové zvitky - boli aplikované obrazy božstiev budhistického panteónu, scény zo života Učiteľa a jeho nasledovníkov.

Prevahu náboženských námetov v maliarstve možno sledovať v stredovekom Japonsku, konkrétne od 10. do 15. storočia. Mená umelcov tej doby sa, žiaľ, dodnes nezachovali.

V období 15-18 storočí začína nový čas, ktorý sa vyznačuje objavením sa umelcov s rozvinutým individuálnym štýlom. Označili vektor ďalší vývoj výtvarné umenie.

Svetlí predstavitelia minulosti

Napätý Shubun (začiatok 15. storočia)

Aby sa stal vynikajúcim majstrom, Xubong študoval techniky písania čínskych umelcov Sung a ich prácu. Následne sa stal jedným zo zakladateľov maľby v Japonsku a tvorcom sumi-e.

Sumi-e je umelecký štýl, ktorý je založený na kresbe tušom, čo znamená jedna farba.

Shubun urobil veľa nový štýl sa udomácnil v umeleckých kruhoch.Učil umenie aj ďalšie talenty, aj budúce slávnych maliarov ako Sesshu.

Najpopulárnejší Shubunov obraz sa nazýva "Čítanie v bambusovom háji".

„Čítanie v bambusovom háji“ od Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Stal sa tvorcom školy, pomenovanej po sebe – Hasegawa. Najprv sa snažil dodržiavať kánony školy Kano, ale postupne sa v jeho dielach začal prejavovať jeho individuálny „rukopis“. Tohaku sa riadilo grafikou Sesshu.

Základom práce boli jednoduché, stručné, ale realistické krajiny s nekomplikovanými názvami:

• "Borovice";
• "Javor";
• Borovice a kvitnúce rastliny.

Borovice, Hasegawa Tohaku

Bratia Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)

Bratia boli vynikajúcimi remeselníkmi 18. storočia. Najstarší Ogata Korin sa úplne venoval maľbe a založil žáner rimpa. Vyhýbal sa stereotypným obrazom, uprednostňoval impresionistický žáner.

Ogata Korin maľoval prírodu vo všeobecnosti a najmä kvety vo forme jasných abstrakcií. Jeho štetce patria k maľbe:

• "Slivkový kvet červený a biely";
• "Vlny Matsušimy";
• "Chryzantémy".

Vlny Matsushimy od Korin Ogata

Mladší brat - Ogata Kenzan - mal veľa prezývok. Zaoberal sa aspoň maľbou, no preslávil sa skôr ako úžasný keramik.

Ogata Kenzan ovládal mnoho hrnčiarskych techník. Vyznačoval sa neštandardným prístupom, napríklad vytvoril taniere v tvare štvorca.

Vlastná maľba sa nevyznačovala nádherou - to bola tiež jej zvláštnosť. Rád dával kaligrafiu na výrobky ako zvitok alebo úryvky z poézie. Niekedy pracovali spolu s bratom.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Pracoval v štýle ukiyo-e - druh drevorytu, inými slovami rytecká maľba. Za celú dobu tvorivosti vystriedal asi 30 mien. Najznámejším dielom je Veľká vlna z Kanagawy, vďaka ktorej sa preslávil aj mimo svojej domoviny.

"Veľká vlna z Kanagawy" od Hokusai Katsushika

Obzvlášť tvrdo Hokusai začal pracovať po 60 rokoch, čo prinieslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet, Renoir poznali jeho tvorbu a do istej miery ovplyvnila tvorbu európskych majstrov.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jeden z najväčších umelcov 19. storočia. Narodil sa, žil, pracoval v Edu, pokračoval v diele Hokusaia, bol inšpirovaný jeho tvorbou. Spôsob, akým zobrazil prírodu, je takmer taký pozoruhodný ako množstvo samotných diel.

Edo - predchádzajúce meno Tokio.

Tu sú niektoré postavy o jeho práci, ktoré sú reprezentované cyklom obrazov:

• 5,5 tisíc - počet všetkých rytín;
• „100 pohľadov na Edo;
• "36 pohľadov na Fuji";
• "69 staníc Kisokaido";
• "53 tokaidských staníc".

Obraz Ando Hiroshige

Je zaujímavé, že vynikajúci Van Gogh napísal niekoľko kópií svojich rytín.

Modernosť

Takashi Murakami

Maliar, sochár, módny návrhár si získal meno už koncom 20. storočia. V tvorivosti sa drží módne trendy s prvkami klasiky a čerpá inšpiráciu z anime a manga karikatúr.

Obraz od Takashiho Murakamiho

Diela Takashiho Murakamiho sú klasifikované ako subkultúra, no zároveň sú neuveriteľne populárne. Napríklad v roku 2008 bolo jedno z jeho diel kúpené v aukcii za viac ako 15 miliónov dolárov. Moderný tvorca svojho času spolupracoval s módnymi domami "Marc Jacobs" a "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Spolupracovníčka predchádzajúcej umelkyne vytvára súčasné surrealistické obrazy. Zobrazujú pohľady na mestá, ulice megamiest a stvorenia akoby z iného vesmíru - duchov, zlí duchovia, mimozemské dievčatá. Na pozadí obrazov často vidieť panenskú, niekedy až desivú prírodu.

Jej obrazy siahajú veľké veľkosti a zriedka sa obmedzujú na papier. Prenášajú sa na kožu, plastové materiály.

V roku 2006 v rámci výstavy v britskom hlavnom meste vytvorila žena asi 20 klenutých štruktúr, ktoré vo dne aj v noci odzrkadľovali krásu prírody dediny a mesta. Jedna z nich zdobila stanicu metra.

Ahoj Arakawa

Mladého muža nemožno nazvať len umelcom v klasickom zmysle slova – vytvára inštalácie, ktoré sú v umení 21. storočia také populárne. Témy jeho výstav sú skutočne japonské a dotýkajú sa priateľských vzťahov, ako aj práce celého tímu.

Ei Arakawa sa často zúčastňuje rôznych bienále, napríklad v Benátkach, vystavených v múzeu súčasné umenie doma, zaslúžene dostáva iný druh ocenenia.

Ikenaga Yasunari

Modernému maliarovi Ikenagovi Yasunarimu sa podarilo spojiť dve zdanlivo nespojiteľné veci: život dnešných dievčat v portrétnej podobe a tradičné techniky Japonska pochádzajúce z antiky. Maliar pri svojej tvorbe používa špeciálne štetce, prírodné pigmentované farby, tuš, drevené uhlie. Namiesto obvyklého ľanu - ľanovej tkaniny.

Obraz Ikenaga Yasunari

Podobná technika kontrastu zobrazenej éry a vzhľad hrdinky pôsobia dojmom, že sa k nám vrátili z minulosti.

Sériu obrazov o zložitosti života krokodíla, ktorá sa v poslednej dobe stala populárnou v internetovej komunite, vytvoril aj japonský karikaturista Keigo.

Záver

Japonská maľba teda vznikla okolo 3. storočia pred Kristom a odvtedy sa veľmi zmenila. Prvé obrázky boli aplikované na keramiku, potom začali v umení prevládať budhistické motívy, no mená autorov sa dodnes nezachovali.

V ére New Age majstri štetca získavali čoraz väčšiu individualitu, tvorili sa rôznymi smermi, školy. Dnešné výtvarné umenie sa neobmedzuje len na tradičné maľovanie- používajú sa inštalácie, karikatúry, umelecké plastiky, špeciálne konštrukcie.

Ďakujem vám veľmi pekne za pozornosť, milí čitatelia! Dúfame, že náš článok bol pre vás užitočný a príbehy o živote a diele najjasnejších predstaviteľov umeleckého umenia umožnili ich lepšie spoznať.

Samozrejme, je ťažké povedať v jednom článku o všetkých umelcoch od staroveku až po súčasnosť. Nech je to preto prvý krok k poznaniu japonskej maľby.

A pridajte sa k nám - prihláste sa na blog - budeme spolu študovať budhizmus a kultúru východu!

Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, na ktorých výstavách sa stretávajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sú distribuované do súkromných zbierok.

V tomto článku vám predstavíme tie najpopulárnejšie súčasných umelcov Japonsko.

Keiko Tanabe

Keiko sa narodila v Kjóte a ako dieťa vyhrala veľa umeleckých súťaží, ale vyššie vzdelanie v oblasti umenia vôbec nedostal. Pracovala na oddelení medzinárodných vzťahov japonskej samosprávnej obchodnej organizácie v Tokiu, vo veľkej advokátskej kancelárii v San Franciscu a v súkromnej poradenská firma v San Diegu, veľa cestoval. Od roku 2003 odišla zo zamestnania a po tom, čo sa v San Diegu naučila základy akvarelu, sa venovala výlučne umeniu.

Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japonský umelec Ikenaga Yasunari maľuje portréty moderné ženy v staroveku japonská tradícia maľba pomocou štetca Menso, minerálnych pigmentov, sadzí, atramentu a ľanu ako podkladu. Jeho postavy sú ženy našej doby, no vďaka štýlu Nihonga je cítiť, že k nám prišli z dávnych čias.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistický umelec, ktorý ovláda technika akvarelu. Abe možno nazvať umelcom-filozofom: zásadne nekreslí známe orientačné body, uprednostňuje subjektívne kompozície, ktoré odrážajú vnútorné stavy osoba, ktorá ich sleduje.

Hiroko Sakai

Kariéra umelkyne Hiroko Sakai začala začiatkom 90. rokov v meste Fukuoka. Po absolvovaní Seinan Gakuin University a Nihon French School of Interior Design v oblasti dizajnu a vizualizácie založila "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." a úspešne riadil toto štúdio 5 rokov. Mnohé z jej diel zdobia vestibuly nemocníc, kancelárie veľkých korporácií a niektoré obecné budovy v Japonsku. Po presťahovaní do Spojených štátov začala Hiroko maľovať olejmi.

Riusuke Fukahori

Trojrozmerné diela Ryuusuki Fukahoriho sú ako hologramy. Sú hotové akrylová farba aplikované v niekoľkých vrstvách a priehľadná živicová kvapalina - to všetko spolu s tradičnými metódami, ako je kreslenie tieňov, zmäkčovanie hrán, kontrola priehľadnosti, umožňuje Ryusuki vytvárať sochársku maľbu a dodáva dielu hĺbku a realizmus.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijúci a pracujúci v Anglicku.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu si ako základ svojej práce zvolil win-win tému – kreslí mačky. Jeho obrázky sú obľúbené po celom svete, najmä vo forme hlavolamov.

Tetsuya Mishima

Väčšina obrazov súčasného japonského umelca Mishima je vyrobená v olejoch. Maľovaniu sa venuje profesionálne od 90. rokov, má ich niekoľko osobné výstavy a veľké množstvo kolektívnych výstav, japonských aj zahraničných.

Má veľmi bohatú históriu; jeho tradícia je rozsiahla, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete výrazne ovplyvňuje dominantné štýly a techniky Japonskí umelci. Známy fakt, že Japonsko bolo po stáročia dosť izolované, je spôsobené nielen geografiou, ale aj dominantným japonským kultúrnym sklonom k ​​izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí toho, čo by sme mohli nazvať „japonskou civilizáciou“, sa kultúra a umenie rozvíjali oddelene od tých vo zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi stálice japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a obrazy sú zvyčajne vytvorené štetcami na vašom (japonský papier) alebo egíne (hodváb).

Japonské umenie a maliarstvo však ovplyvnili zahraničné umelecké postupy. Najprv to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske umenie a čínska umelecká tradícia, ktorá bola obzvlášť vplyvná v niekoľkých smeroch. Od 17. storočia bola japonská maľba ovplyvnená aj západnými tradíciami. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európskym romantizmom. Nové európske umelecké smery boli zároveň výrazne ovplyvnené japonskými výtvarnými technikami. V dejinách umenia sa tento vplyv označuje ako „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.

Dlhú históriu japonskej maľby možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú súčasti uznávanej japonskej estetiky. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba zanechali výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľba krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby je ďalším dôležitým prvkom uznávaným v mnohých slávnych japonských maľbách; maľovanie zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, je to, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z Každodenný život. Napokon, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry starovekého Japonska mali veľký vplyv na japonskú maľbu. Wabi, čo znamená prechodná a drsná krása, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) stále ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.

Na záver, ak sa zameriame na výber desiatich najznámejších japonských majstrovských diel, musíme spomenúť ukiyo-e, ktoré je v Japonsku jedným z najpopulárnejších umeleckých žánrov, aj keď patrí ku grafike. Dominoval v japonské umenie zo 17. - 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby s predmetmi ako napr. nádherné dievčatá, herci kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudové rozprávky, cestovateľské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonca aj erotika.

Zostaviť zoznam najlepších obrazov z umeleckých tradícií je vždy ťažké. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.

Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. Japonskí umelci v priebehu storočí vyvinuli veľké množstvo jedinečných techník a štýlov, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslovne znamená „kresba tušom“, ktorá kombinuje kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií maľovaných štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli do Japonska brikety s tvrdým atramentom a bambusovú kefu z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí sa Japonsko rozvinulo bohaté dedičstvo atramentová maľba.

Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby

1. Katsushika Hokusai "Sen rybárskej manželky"

Jedným z najznámejších japonských obrazov je Sen rybárskej manželky. V roku 1814 ho namaľoval slávny umelec Hokusai. Podľa prísnych definícií toto skvelá práca Hokusai nemožno považovať za obraz, keďže ide o ukiyo-e drevorez z Young Pines (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Dielo ovplyvnilo neskorších umelcov ako Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca"

Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného významného umelca v tradícii Bunjing a jedného z prvých veľkých umelcov štýlu Nihonga. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala počas neskorého obdobia Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessaie, vyvinul svoj vlastný vlastný štýl a technológie, ale všetci boli veľkými fanúšikmi čínskeho umenia a kultúry.

3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“

Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí jogy (západný štýl) z konca 19. a začiatku 20. storočia. V roku 1905 odišiel do Francúzska, kde ho ovplyvnil francúzske hnutia tej doby najmä impresionizmus, ktorý možno vidieť na jeho obraze „Východ slnka nad východným morom“, ktorý namaľoval v roku 1932.

4. Kitagawa Utamaro "Desať typov ženských tvárí, zbierka dominujúcich krás"

Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Najviac ho preslávila séria s názvom Desať typov ženské tváre. Zbierka vládnucich krások, námetov Veľká láska Klasická poézia“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov žánru ukiyo-e woodcut.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené Tohaku, maliarom Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný maliar svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemnom pozadí práškového zlata. Hoci je Kyosai známy ako karikaturista, napísal niektoré z nich slávne obrazy v japonská história Umenie XIX storočí. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.

6. Hiroshi Yoshida Fuji z jazera Kawaguchi

Hiroshi Yoshida je známy ako jedna z hlavných postáv štýlu shin-hanga (shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, počas obdobia Taisho a Showa, ktoré oživilo tradičné umenie ukiyo-e). , ktorý sa zakorenil v období Edo a Meiji (XVII - XIX storočia)). Bol vyškolený v tradícii západnej olejomaľby, ktorá bola prijatá v Japonsku počas obdobia Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho diela sa na veľkých aukciách predávajú za astronomické ceny a jeho tvorba už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj mimo neho. Murakamiho umenie zahŕňa celý rad médií a zvyčajne sa označuje ako superploché. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama "Tekvica"

Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších Japonskí umelci. Pracuje v rôznych médiách, vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance art, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina demonštruje jej tematický záujem o psychedelické farby, opakovanie a vzor. Jeden z najznámejších seriálov tohto typu veľký umelec je séria „Tekvica“. Obyčajná tekvica s bodkami žiarivo žltá farba prezentované na pozadí siete. Všetky tieto prvky spolu tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľný pre umelcov štýl a bol vyvinutý a zdokonaľovaný v priebehu desaťročí starostlivej tvorby a reprodukcie.

9. Tenmyoya Hisashi "Japonský duch #14"

Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Podieľal sa na oživení starej tradície japonskej maľby, ktorá je presným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoj nový štýl, butouha, ktorý prostredníctvom svojich obrazov demonštruje neochvejný postoj k autoritatívnemu umeleckému systému. "Japonský duch č. 14" bol vytvorený ako súčasť umeleckej schémy "BASARA", interpretovanej v japonskej kultúre ako rebelantské správanie nižšej aristokracie počas obdobia bojujúcich štátov s cieľom zbaviť úrady schopnosti hľadať dokonalý obrazživot, obliekanie sa do pompéznych a luxusných šiat a konanie slobodnej vôle, ktoré nezodpovedalo ich spoločenskej vrstve.

10. Katsushika Hokusai "Veľká vlna z Kanagawy"

Nakoniec, Veľká vlna z Kanagawy je pravdepodobne najznámejším japonským obrazom, aký bol kedy namaľovaný. Je to naozaj najviac slávne dielo umenie vyrobené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrazu, má s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho anomálne vysokú výšku. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.

japončina klasická maľba má dlhú a zaujímavý príbeh. Výtvarné umenie Japonska je zastúpené v rôzne štýly a žánre, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na dotaku bronzových zvonoch a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.

Budhistická orientácia umenia

V Japonsku bolo umenie nástennej maľby celkom dobre rozvinuté, v 6. storočí boli obzvlášť populárne obrazy na tému filozofie budhizmu. V tom čase sa v krajine stavali veľké chrámy a ich steny boli všade zdobené freskami namaľovanými podľa zápletiek budhistických mýtov a legiend. Staroveké vzorky nástenných malieb sa doteraz zachovali v chráme Horyuji pri japonskom meste Nara. Horyujiho fresky zobrazujú výjavy zo života Budhu a iných bohov. Umelecký štýl týchto fresiek je veľmi blízky obrazovej koncepcii populárnej v Číne počas dynastie Song.

Malebný štýl dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Fresky nájdené v hrobke Takamatsuzuka patria do tohto obdobia a sú datované približne do 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, ktorá sa formovala pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvorila základ žánru kara-e maľby. Tento žáner si zachoval svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle yamato-e. Väčšina fresiek a obrazových majstrovských diel patrí kefke neznámych autorov, dnes sa mnohé diela z toho obdobia uchovávajú v pokladnici Sesoin.

Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil široké náboženské zameranie japonského výtvarného umenia v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, počas ktorého sa rozvíjal najmä japonský budhizmus, sa objavil žáner raigozu, „uvítacie maľby“, zobrazujúce príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady raigōzu z roku 1053 možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý sa zachoval v meste Uji v prefektúre Kjóto.

Zmena štýlov

V polovici obdobia Heian bol čínsky štýl kara-e nahradený žánrom yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stal jedným z najobľúbenejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový obrazový štýl sa uplatnil najmä pri skladacích zástenách a posuvných dverách. Postupom času sa yamato-e presunulo k horizontálnym zvitkom emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, ktoré používali vtedajší umelci rýchle ťahy a svetlé, výrazné farby.

E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, žánru mužského portrétovania. Ženské portréty zvýraznené v samostatný žáner onna-e. V skutočnosti medzi týmito žánrami, ako aj medzi mužmi a ženami, sú dosť výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne zastúpený v dizajne Tale of Genji, kde sú hlavné motívy kresieb romantické zápletky, výjavy zo života na súde. Mužský štýl otoko-e je prevažne umelecký. historické bitky a ďalšie dôležité udalosti v živote impéria.

Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a presadzovanie myšlienok moderného japonského umenia, ktoré jasne ukazuje vplyv popkultúry a anime. Jeden z najznámejších japonských umelcov našej doby sa môže nazývať Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu scén z japonského života v povojnovom období a konceptu maximálnej fúzie. výtvarného umenia a hlavného prúdu.

Zo slávnych japonských umelcov klasickej školy možno spomenúť nasledovné.

Napätý Shubun

Shubun pracoval na začiatku 15. storočia a veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov éry dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského fajn žáner. Shubun je považovaný za zakladateľa sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jeden z popredných trendov v japonskej maľbe. Shubunovými študentmi bolo veľa, ktorí sa neskôr stali slávnych umelcov, vrátane Sesshu a zakladateľa slávneho umelecká škola Kano Masanobu. Shubunovi sa pripisuje veľa krajín, ale za jeho najznámejšie dielo sa tradične považuje Čítanie v bambusovom háji.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedným z nich významných umelcov v histórii japonského maliarstva, zakladateľ a jeden z najjasnejších predstaviteľov umeleckého štýlu rimpa. Korin sa vo svojich dielach odvážne odklonil od tradičných stereotypov, keď si vytvoril svoj vlastný štýl, ktorého hlavnými charakteristikami boli malé formy a živý impresionizmus deja. Korin je známy najmä svojou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. "Slivkový kvet červený a biely" je jedným z najviac slávnych diel Známy sú aj Ogata Korina, jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Rané obdobie Tohakuovej tvorby charakterizuje vplyv známej školy japonskej maľby. Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohom bola Tohakuova tvorba ovplyvnená tvorbou uznávaného majstra Sesshu, Hosegawa sa dokonca považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawy Tohaku „Borovice“ získal svetovú slávu, známe sú aj jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny“ a ďalšie.

Kano Eitoku (1543-1590)

Školský štýl Kanó dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kano Eitoku je možno jedným z najznámejších a najvýraznejších predstaviteľov tejto umeleckej školy. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite diel tohto nepochybne veľmi talentovaného umelca. Osempanelová posuvná obrazovka Eitoku Kano „Cypress“ je skutočným majstrovským dielom a ukážkovým príkladom rozsahu a sily štýlu Monoyama. Ostatné diela majstra vyzerajú nemenej zaujímavo, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnoho ďalších.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai - najväčší majster ukiyo-e (japonský drevoryt). Dielo Hokusai dostalo svetové uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná s popularitou väčšiny ázijských umelcov, jeho dielo „The Great Wave off Kanagawa“ sa stalo akýmsi vizitka Japonské výtvarné umenie na svetovej umeleckej scéne. Hokusai na svojej tvorivej ceste použil viac ako tridsať pseudonymov, po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas je považovaný za najplodnejšie obdobie jeho tvorby. Hokusaiho dielo ovplyvnilo tvorbu západných impresionistických a postimpresionistických majstrov, vrátane diel Renoira, Moneta a van Gogha.