Súčasní japonskí umelci. Obyvateľ psychiatrickej liečebne z Japonska je najdrahším žijúcim umelcom

Má veľmi bohatá história; jeho tradícia je rozsiahla, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete do značnej miery ovplyvňuje dominantné štýly a techniky japonských umelcov. Známy fakt To, že Japonsko bolo po stáročia dosť izolované, je spôsobené nielen geografiou, ale aj dominantným japonským kultúrnym sklonom k ​​izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí toho, čo by sme mohli nazvať „japonskou civilizáciou“, sa kultúra a umenie rozvíjali oddelene od tých vo zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi stálice japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a obrazy sú zvyčajne vytvorené štetcami na vašom (japonský papier) alebo egíne (hodváb).

Japonské umenie a maliarstvo však ovplyvnili zahraničné umelecké postupy. Najprv to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske umenie a čínska umelecká tradícia, ktorá bola obzvlášť vplyvná v niekoľkých smeroch. Od 17. storočia japonská maľba ovplyvnené aj západnými tradíciami. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európskym romantizmom. Nové európske umelecké smery boli zároveň výrazne ovplyvnené aj japonským umeleckých techník. V dejinách umenia sa tento vplyv označuje ako „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.

Dlhú históriu japonskej maľby možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú súčasti uznávanej japonskej estetiky. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba zanechali výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľovanie krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby – iné dôležitý prvok, uznávaný v mnohých slávnych japonských obrazoch; maľovanie zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, je niečo, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z každodenného života. Napokon, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry mali veľký vplyv na japonskú maľbu. staroveké Japonsko. Wabi, čo znamená prechodná a drsná krása, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) stále ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.

Na záver, ak sa zameriame na výber desiatich najznámejších japonských majstrovských diel, musíme spomenúť ukiyo-e, ktoré je v Japonsku jedným z najpopulárnejších umeleckých žánrov, aj keď patrí ku grafike. Dominoval v japonské umenie zo 17. - 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby s predmetmi ako napr. nádherné dievčatá, herci kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudové rozprávky, cestovateľské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonca aj erotika.

Urobiť zoznam je vždy ťažké najlepšie obrázky z umeleckých tradícií. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.

Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. V priebehu storočí sa japonskí umelci rozvíjali veľké množstvo jedinečné techniky a štýly, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslovne znamená „kresba tušom“, ktorá kombinuje kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií maľovaných štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli do Japonska brikety s tvrdým atramentom a bambusovú kefu z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí sa Japonsko rozvinulo bohaté dedičstvo atramentová maľba.

Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby

1. Katsushika Hokusai "Sen rybárskej manželky"

Jedným z najznámejších japonských obrazov je Sen rybárskej manželky. Písal sa rok 1814 slávny umelec Hokusai. Podľa prísnych definícií toto skvelá práca Hokusai nemožno považovať za obraz, keďže ide o ukiyo-e drevorez z Young Pines (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Práca ovplyvnila viac neskorých umelcov ako Felicien Rops, Auguste Rodin, Luis Ocock, Fernand Khnopf a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca"

Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného významného umelca v tradícii bungjingu a jedného z prvých významných umelcov Nihonga štýl. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala počas neskorého obdobia Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessaie, vyvinul svoj vlastný vlastný štýl a technológie, ale všetci boli veľkými fanúšikmi čínskeho umenia a kultúry.

3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“

Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí Yoga (západný štýl) v r. koniec XIX- začiatok XX storočia. V roku 1905 odišiel do Francúzska, kde ho ovplyvnil francúzske hnutia tej doby najmä impresionizmus, ktorý možno vidieť na jeho obraze „Východ slnka nad východným morom“, ktorý napísal v roku 1932.

4. Kitagawa Utamaro "Desať typov ženských tvárí, zbierka dominujúcich krás"

Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Najviac ho preslávila séria s názvom Desať typov ženské tváre. Zbierka vládnucich krások, námetov Veľká láska Klasická poézia“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov žánru ukiyo-e woodcut.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené Tohaku, maliarom Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný maliar svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemnom pozadí práškového zlata. Hoci je Kyosai známy ako karikaturista, napísal niektoré z nich slávne obrazy v japonská história Umenie XIX storočí. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.

6. Hiroshi Yoshida Fuji z jazera Kawaguchi

Hiroshi Yoshida je známy ako jedna z hlavných postáv štýlu shin-hanga (shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, počas obdobia Taisho a Showa, ktoré oživilo tradičné umenie ukiyo-e). , ktorý sa zakorenil v období Edo a Meiji (XVII - XIX storočia)). Bol vyškolený v tradícii západnej olejomaľby, ktorá bola prijatá v Japonsku počas obdobia Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho diela sa na veľkých aukciách predávajú za astronomické ceny a jeho tvorba už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj mimo neho. Murakami umenie zahŕňa celý riadok média a zvyčajne sa popisuje ako nadrovina. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama "Tekvica"

Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších japonských umelcov. Tvorí v rôzne techniky vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina ukazuje jej tematický záujem o psychedelickú farbu, opakovanie a vzor. Jeden z najznámejších seriálov tohto typu veľký umelec je séria „Tekvica“. Obyčajná tekvica s bodkami žiarivo žltá farba prezentované na pozadí siete. Všetky tieto prvky spolu tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľný pre umelcov štýl a bol vyvinutý a zdokonaľovaný v priebehu desaťročí starostlivej tvorby a reprodukcie.

9. Tenmyoya Hisashi "Japonský duch #14"

Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Podieľal sa na oživení starej tradície japonskej maľby, ktorá je presným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoju nový štýl butouha, ktorý prejavuje pevný postoj k autorite umelecký systém prostredníctvom svojich obrazov. "Japonský duch č. 14" bol vytvorený ako súčasť umeleckej schémy "BASARA", interpretovanej v japonskej kultúre ako rebelantské správanie nižšej aristokracie počas obdobia bojujúcich štátov s cieľom zbaviť úrady schopnosti hľadať dokonalý obrazživot, obliekanie sa do pompéznych a luxusných šiat a konanie slobodnej vôle, ktoré nezodpovedalo ich spoločenskej vrstve.

10. Katsushika Hokusai "Veľká vlna z Kanagawy"

Nakoniec, " Veľká vlna v Kanagawa“ je pravdepodobne najznámejší japonská maľba niekedy napísané. Je to naozaj najviac slávne dielo umenie vyrobené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrazu, má s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho anomálne vysokú výšku. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.

Je nepravdepodobné, že Yayoi Kusama bude schopná odpovedať na to, čo tvorilo základ jej kariéry umelkyne. Má 87 rokov, jej umenie je uznávané po celom svete. Veľké výstavy jej prác sa čoskoro uskutočnia v USA a Japonsku, no svetu ešte nepovedala všetko. "Je to stále na ceste." Toto vytvorím v budúcnosti,“ hovorí Kusama. V Japonsku je označovaná za najúspešnejšiu umelkyňu. Okrem toho je najdrahšou žijúcou umelkyňou: v roku 2014 sa jej obraz "White No. 28" predal za 7,1 milióna dolárov.

Kusama žije v Tokiu a už takmer štyridsať rokov je dobrovoľne v psychiatrickej liečebni. Raz za deň nechá svoje steny maľovať. Vstáva o tretej ráno, nemôže zaspať a chce dobre využiť čas v práci. „Teraz som starý, ale stále budem tvoriť viac diel a najlepšia práca. Viac ako som urobil v minulosti. Moja myseľ je plná obrázkov,“ hovorí.

(Celkovo 17 fotiek)

Yayoi Kusama na výstave svojich prác v Londýne v roku 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od deviatej do šiestej Kusama pracuje vo svojom trojposchodovom ateliéri bez toho, aby vstal invalidný vozík. Môže chodiť, ale je príliš slabá. Žena pracuje na plátne rozloženom na stoloch alebo pripevnenom na podlahe. Ateliér je plný nových obrazov, jasných diel posiatych malými škvrnami. Umelkyňa to nazýva „sebaumlčanie“ – nekonečné opakovanie, ktoré prehlušuje hluk v jej hlave.

Pred odovzdávaním cien Praemium Imperiale Art Awards v roku 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Cez cestu sa čoskoro otvorí nová galéria, a severne od Tokia sa stavia ďalšie múzeum jej umenia. Okrem toho sa otvárajú dve veľké výstavy jej tvorby. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektíva jej 65-ročnej kariéry, bola otvorená v Hirshhorn Museum vo Washingtone 23. februára a potrvá do 14. mája, potom poputuje do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Expozícia zahŕňa 60 obrazov Kusama.

Jej hrášok v nej zakrýva všetko od šiat Louis Vuitton až po autobusy rodné mesto. Kusamovo dielo sa pravidelne predáva za milióny dolárov a nachádza sa po celom svete – od New Yorku po Amsterdam. Výstavy diel japonského umelca sú také populárne, že sú potrebné opatrenia na zabránenie tlačenici a nepokojom. Napríklad v Hirshhorne sa vstupenky na výstavu predávajú na určitý čas nejako regulovať tok návštevníkov.

Prezentácia spoločného dizajnu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ale Kusama stále potrebuje súhlas zvonku. Keď sa jej v rozhovore pýtali, či pred desiatkami rokov dosiahla svoj cieľ stať sa bohatou a slávnou, prekvapene povedala: „Keď som bola malá, bolo pre mňa veľmi ťažké presvedčiť mamu, že sa chcem stať umelkyňou. Je naozaj pravda, že som bohatý a slávny?"

Kusama sa narodil v Matsumoto, v horách stredného Japonska, v roku 1929 v bohatej a konzervatívnej rodine, ktorá predávala sadenice. Nebol to však šťastný domov. Jej matka opovrhla svojim podvádzaným manželom a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dievča videlo svojho otca s inými ženami a to v nej vyvolalo celoživotnú averziu k sexu.

Výloha Louis Vuitton navrhnutá Kusama v roku 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Ako dieťa začala pociťovať zrakové a sluchové halucinácie. Keď prvýkrát uvidela tekvicu, predstavila si, že sa s ňou rozpráva. Budúca umelkyňa sa vyrovnávala s víziami vytváraním opakujúcich sa vzorov, aby prehlušila myšlienky v jej hlave. Aj v takom mladý vek umenie sa pre ňu stalo akousi terapiou, ktorú neskôr nazvala „umelecká medicína“.

Práca Yayoi Kusama vystavená v múzeu súčasné umenie Whitney v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamova matka bola ostro proti túžbe svojej dcéry stať sa umelkyňou a trvala na tom, aby dievča nasledovalo tradičnú cestu. „Nedovolila mi kresliť. Chcela, aby som sa oženil,“ povedal umelec v rozhovore. Zahodila moju prácu. Chcel som sa hodiť pod vlak. Každý deň som bojoval so svojou matkou, a preto bola moja myseľ poškodená.

V roku 1948, po skončení vojny, odišiel Kusama do Kjóta študovať tradičnú japonskú maľbu nihonga s prísnymi pravidlami. Nenávidela túto formu umenia.

Jeden z exponátov výstavy Yayoi Kusama vo Whitney Museum of Modern Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Keď Kusama žila v Matsumoto, našla knihu Georgie O'Keeffeovej a bola ohromená jej obrazmi. Dievča sa vybralo na americkú ambasádu v Tokiu, aby v adresári našlo článok o O'Keeffe a zistilo jej adresu. Kusama jej napísal list a poslal niekoľko kresieb a na jej prekvapenie, americký umelec odpovedal jej.

„Nemohol som uveriť svojmu šťastiu! Bola taká láskavá, že zareagovala na náhly výbuch citov skromného japonské dievčatá, ktorého v živote nestretla a ani o ňom nepočula,“ napísala umelkyňa vo svojej autobiografii Infinity Net.

Yayoi Kusama v okne, ktoré navrhla pre Louis Vuitton v New Yorku v roku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Napriek O'Keeffeovým varovaniam, že mladí umelci v USA to majú ťažké, nehovoriac o mladých slobodných dievčatách z Japonska, bol Kusama nezastaviteľný. V roku 1957 sa jej podarilo získať pas a víza. Do šiat si zašila doláre, aby obišla prísne povojnové devízové ​​kontroly.

Prvou zastávkou bol Seattle, kde mala výstavu v malej galérii. Potom Kusama odišla do New Yorku, kde bola trpko sklamaná. „Na rozdiel od povojnového Matsumota bol New York v každom smere zlým a násilným miestom. Pre mňa to bolo príliš stresujúce a čoskoro som upadol do neurózy. Aby toho nebolo málo, Kusama sa ocitla v úplnej chudobe. Ako posteľ jej slúžili staré dvere a z odpadkových košov vylovila rybie hlavy a hnilú zeleninu, aby si z nich pripravila polievku.

Inštalácia Infinity Mirror Room - Love Forever ("Izba so zrkadlami nekonečna - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Táto ťažká situácia podnietila Kusamu, aby sa ešte viac ponoril do svojej práce. Začala vytvárať svoje prvé obrazy v sérii Infinity Web, pokrývajúc obrovské plátna (jedno z nich dosahovalo výšku 10 metrov) hypnotizujúcimi vlnami malých slučiek, ktoré akoby nikdy nekončili. Samotná umelkyňa ich opísala takto: „Biele siete zahaľujúce čierne bodky tichej smrti na pozadí beznádejnej temnoty ničoty.“

Inštalácia Yayoi Kusama pri otvorení novej budovy Garážového múzea súčasného umenia v Gorky Central Park of Culture and Culture v Moskve v roku 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Toto obsedantno-kompulzívne opakovanie pomohlo zahnať neurózu, no nie vždy zachránilo. Kusama neustále trpel záchvatmi psychózy a skončil v nemocnici v New Yorku. Keďže bola ambiciózna a cieľavedomá a s radosťou prijala úlohu exotickej Ázijčanky v kimone, pridala sa k davu vplyvných ľudí v umení a komunikoval s takými uznávanými umelcami ako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama neskôr povedal, že Warhol napodobňoval jej prácu.

Kusama si čoskoro získal istý stupeň slávy a vystavoval v preplnených galériách. Okrem toho sa sláva umelca stala škandalóznou.

V 60. rokoch, keď bola Kusama posadnutá bodkami, začala organizovať happeningy v New Yorku: provokovala ľudí, aby sa vyzliekli na miestach ako Central Park a Brooklynský most, a ich telá maľovala bodkami.

Ukážka na Art Basel Hong Kong 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Desaťročia pred vzostupom hnutia Occupy Wall Street usporiadala Kusama happening vo finančnej štvrti v New Yorku, v ktorom povedala, že chce „bodkami zničiť mužov z Wall Street“. Približne v rovnakom čase začala pokrývať rôzne predmety - stoličku, loď, koč - falicky vyzerajúcimi vypuklinami. "Začal som vyrábať penisy, aby som si vyliečil svoju sexuálnu averziu," napísal umelec a opísal, ako sa to deje tvorivý proces postupne zmenil hrozné na niečo známe.

Inštalácia Passing Winter v Tate Gallery v Londýne. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama sa nikdy nevydala, hoci počas života v New Yorku mala desať rokov manželský vzťah s umelcom Josephom Cornellom. "Nemala som rada sex a on bol impotentný, takže sme boli jeden pre druhého veľmi dobrí," povedala v rozhovore pre Art Magazine.

Kusama sa čoraz viac preslávila svojimi vyčíňaniami: ponúkla sa, že sa vyspí s americkým prezidentom Richardom Nixonom, ak ukončí vojnu vo Vietname. „Ozdobme sa bodkami,“ napísala mu v liste. Záujem priamo o jej umenie vyprchal, upadla do nemilosti a opäť začali problémy s peniazmi.

Yayoi Kusama počas retrospektívy svojej práce vo Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Správy o Kusamových eskapádach sa dostali do Japonska. Začala sa nazývať „národná katastrofa“ a jej matka povedala, že by bolo lepšie, keby jej dcéra zomrela na chorobu v detstve. Začiatkom 70. rokov 20. storočia schudobnel a fiasko Kusama sa vrátil do Japonska. Bola zaregistrovaná v psychiatrickej liečebni, kde dodnes žije, a upadla do umeleckého tmy.

V roku 1989 usporiadalo Centrum súčasného umenia v New Yorku retrospektívu jej tvorby. To bol začiatok pomalého, ale oživenia záujmu o umenie Kusama. Vyplnila zrkadlovú miestnosť tekvicami pre inštaláciu, ktorá bola predstavená na Benátskom bienále v roku 1993 a v roku 1998 mala veľkú výstavu v MoMa Museum of Modern Art v New Yorku. Práve tu raz usporiadala happening.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

V posledných rokoch sa Yayoi Kusama stal medzinárodným fenoménom. Súčasná Tate Gallery v Londýne a Whitney Museum v New Yorku usporiadali veľké retrospektívy, ktoré prilákali obrovské davy a urobili jej ikonický bodkovaný vzor veľmi rozpoznateľným.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umelkyňa sa nechystá prestať pracovať, ale začala premýšľať o svojej smrteľnosti. „Neviem, ako dlho dokážem prežiť aj po smrti. Je tu budúca generácia, ktorá kráča v mojich šľapajach. Bude pre mňa cťou, ak sa ľudia budú radi pozerať na moju prácu a ak ich moje umenie dojme.“

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Napriek komercializácii svojho umenia Kusama premýšľa o hrobe v Matsumoto - nie v rodinnom trezore, ktorý už zdedila po svojich rodičoch - a ako ho nepremeniť na svätyňu. "Ale ja ešte neumieram." Myslím, že budem žiť ďalších 20 rokov,“ hovorí.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Čo zahŕňa mnoho techník a štýlov. Počas svojej histórie prešiel veľkým množstvom zmien. Pribudli nové tradície a žánre a ostali pôvodné japonské princípy. Spolu s úžasný príbeh Japonská maľba je tiež pripravená predstaviť mnoho jedinečných a zaujímavých faktov.

staroveké Japonsko

Prvé štýly sa objavujú v najstarších historické obdobie krajiny pred Kr. e. Vtedy bolo umenie dosť primitívne. Najprv v roku 300 p.n.l. boli rôzne geometrické obrazce ktoré sa vyrábali na keramike palicami. Takýto nález archeológov ako ozdoba na bronzových zvonoch patrí do neskoršej doby.

O niečo neskôr, už v roku 300 po Kr. e., objaviť sa jaskynné kresby ktoré sú oveľa pestrejšie. geometrický ornament. Toto sú už plnohodnotné obrázky s obrázkami. Našli sa vo vnútri krýpt a pravdepodobne ľudia, ktorí sú na nich namaľovaní, boli pochovaní na týchto pohrebiskách.

V 7. storočí nášho letopočtu. e. Japonsko preberá písmo, ktoré pochádza z Číny. Približne v rovnakom čase odtiaľ pochádzajú prvé maľby. Potom sa maľba javí ako samostatná sféra umenia.

edo

Edo zďaleka nie je prvým a nie posledným obrazom, no bola to práve ona, ktorá priniesla do kultúry veľa nového. Po prvé, je to jas a brilancia, ktoré boli pridané k bežnej technike, vykonávané v čiernych a šedých tónoch. Väčšina vynikajúci umelec Tento štýl je považovaný za Sotasu. On vytvoril klasické maľby ale jeho postavy boli veľmi pestré. Neskôr prešiel na prírodu a väčšina krajiny bola urobená na pozadí pozlátenia.

Po druhé, v období Edo sa objavila exotika, žáner namban. Využívala moderné európske a čínske techniky, ktoré sa prelínali s tradičnými japonskými štýlmi.

A do tretice sa objavuje škola Nang. Umelci v ňom najskôr úplne napodobňujú alebo dokonca kopírujú diela čínskych majstrov. Potom sa objaví nová vetva, ktorá sa nazýva bunjing.

Obdobie modernizácie

Obdobie Edo nahrádza Meiji a teraz je doň nútená vstúpiť japonská maľba nová etapa rozvoj. V tejto dobe sa na celom svete presadzovali žánre ako western a podobne, a tak sa modernizácia umenia stala bežným stavom vecí. Avšak v Japonsku, krajine, kde všetci ľudia uctievajú tradície, v daný čas veci boli veľmi odlišné od toho, čo sa stalo v iných krajinách. Tu sa konkurencia medzi európskymi a miestnymi technikmi prudko rozhorí.

Vláda v tejto fáze uprednostňuje mladých umelcov, ktorí slúžia Veľké očakávania zlepšiť zručnosti v západných štýloch. Preto ich posielajú do škôl v Európe a Amerike.

Ale to bolo len na začiatku obdobia. Faktom je, že významní kritici do značnej miery kritizoval západné umenie. Aby ste sa vyhli veľkému humbuku okolo tohto problému, Európske štýly a techniky začali byť na výstavách zakázané, ich vystavovanie prestalo, rovnako ako ich obľúbenosť.

Vznik európskych štýlov

Potom prichádza obdobie Taisho. V tomto čase sa mladí umelci, ktorí odišli študovať na zahraničné školy, vracajú do vlasti. Prirodzene, prinášajú so sebou nové štýly japonskej maľby, ktoré sú veľmi podobné tým európskym. Objavuje sa impresionizmus a postimpresionizmus.

Na tejto fáze vznikajú mnohé školy, v ktorých star japonských štýlov. No úplne sa zbaviť západných tendencií nie je možné. Preto je potrebné kombinovať niekoľko techník, aby sme potešili milovníkov klasiky aj fanúšikov modernej európskej maľby.

Niektoré školy sú financované štátom, vďaka čomu sa zachovávajú mnohé z národných tradícií. Súkromní obchodníci sú na druhej strane nútení nasledovať spotrebiteľov, ktorí chcú niečo nové, sú unavení z klasiky.

Maľba z druhej svetovej vojny

Po začiatku vojny zostala japonská maľba nejaký čas mimo diania. Vyvíjal sa samostatne a nezávisle. Ale takto to nemohlo ísť donekonečna.

Postupom času, keď sa politická situácia v krajine zhoršuje, vysoké a rešpektované osobnosti priťahujú mnohých umelcov. Niektorí z nich aj na začiatku vojny začínajú tvoriť vo vlasteneckých štýloch. Zvyšok začína tento proces iba na príkaz úradov.

Podľa toho japončina umenie počas druhej svetovej vojny bola neschopná. Preto sa pre maľovanie dá nazvať stagnujúcim.

Večná Suibokuga

Japonská maľba sumi-e alebo suibokuga znamená „kresba tušom“. Toto definuje štýl a techniku toto umenie. Pochádzal z Číny, no Japonci sa rozhodli dať mu vlastný názov. A spočiatku táto technika nemala žiadnu estetickú stránku. Používali ho mnísi na sebazdokonaľovanie pri štúdiu zenu. Navyše si najskôr kreslili obrázky a neskôr si pri prezeraní trénovali koncentráciu. Mnísi verili, že prísne línie, nejasné tóny a tiene pomáhajú zlepšovať - ​​to všetko sa nazýva monochromatické.

Japonská maľba tušom, napriek širokej škále malieb a techník, nie je taká zložitá, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Je založený iba na 4 parcelách:

1. Chryzantéma.
2. Orchidea.
3. Slivkový obor.
4. Bambus.

Malý počet pozemkov neumožňuje rýchly rozvoj technológie. Niektorí majstri veria, že učenie trvá celý život.

Napriek tomu, že sumi-e sa objavilo už dávno, je vždy žiadané. Navyše, s majstrami tejto školy sa dnes môžete stretnúť nielen v Japonsku, rozšírená je aj ďaleko za jeho hranicami.

Moderné obdobie

Na konci druhej svetovej vojny umenie v Japonsku prekvitalo len vo veľkých mestách, dedinčania a dedinčania mali dosť starostí. Umelci sa väčšinou snažili otočiť chrbtom k vojnovým stratám a zobraziť moderný mestský život so všetkými jeho ozdobami a črtami na plátne. Európske a americké myšlienky boli úspešne prijaté, ale tento stav netrval dlho. Mnohí majstri sa od nich začali postupne vzďaľovať smerom k japonským školám.

Tradičný štýl bol vždy módny. Preto sa moderná japonská maľba môže líšiť iba v technike prevedenia alebo v materiáloch použitých v procese. Väčšina umelcov ale rôzne inovácie nevníma dobre.

Nemožno nespomenúť módne moderné subkultúry ako anime a podobné štýly. Mnoho umelcov sa snaží zmazať hranicu medzi klasikou a tým, čo je dnes žiadané. Z veľkej časti je tento stav spôsobený obchodom. Klasika a tradičné žánre sa v skutočnosti nekupujú, preto je nerentabilné pracovať ako umelec vo svojom obľúbenom žánri, musíte sa prispôsobiť móde.

Záver

Japonská maľba je nepochybne pokladnicou výtvarného umenia. Možno, že dotyčná krajina zostala jedinou, ktorá nenasledovala západné trendy, neprispôsobila sa móde. Napriek mnohým úderom v čase príchodu nových techník sa umelci Japonska stále dokázali brániť národné tradície v mnohých žánroch. Pravdepodobne preto sú v modernej dobe na výstavách vysoko cenené obrazy vyrobené v klasických štýloch.

Ahoj, milí čitatelia hľadači poznania a pravdy!

Japonskí umelci sa vyznačujú jedinečným štýlom, ktorý vycibrili generácie majstrov. Dnes budeme hovoriť o najjasnejších predstaviteľoch japonskej maľby a ich maľbách od staroveku až po súčasnosť.

Nuž, poďme sa vrhnúť do umenia Krajiny vychádzajúceho slnka.

Zrod umenia

Staroveké maliarske umenie sa v Japonsku spája predovšetkým so zvláštnosťami písma, a preto vychádza zo základov kaligrafie. Medzi prvé príklady patria fragmenty bronzových zvonov, riadu a domácich predmetov nájdených počas vykopávok. Mnohé z nich boli natreté prírodnými farbami a výskum naznačuje, že výrobky boli vyrobené skôr ako 300 rokov pred Kristom.

Príchodom do Japonska sa začala nová etapa vo vývoji umenia. Na emakimono - špeciálne papierové zvitky - boli aplikované obrazy božstiev budhistického panteónu, scény zo života Učiteľa a jeho nasledovníkov.

Prevahu náboženských námetov v maliarstve možno sledovať v stredovekom Japonsku, konkrétne od 10. do 15. storočia. Mená umelcov tej doby sa, žiaľ, dodnes nezachovali.

V období 15.-18.storočia sa začína nová doba charakteristická nástupom umelcov s rozvinutým individuálny štýl. Označili vektor ďalší vývoj výtvarné umenie.

Svetlí predstavitelia minulosti

Napätý Shubun (začiatok 15. storočia)

Aby sa stal vynikajúcim majstrom, Xubong študoval techniky písania čínskych umelcov Sung a ich prácu. Následne sa stal jedným zo zakladateľov maľby v Japonsku a tvorcom sumi-e.

Sumi-e - umelecký štýl, ktorá je založená na kresbe tušom, čo znamená jedna farba.

Shubun urobil veľa pre to, aby sa nový štýl udomácnil v umeleckých kruhoch.Učil umenie ďalšie talenty, vrátane budúcich slávnych maliarov, ako napríklad Sesshu.

Najviac populárna maľba Shubun sa nazýva „Čítanie v bambusovom háji“.

„Čítanie v bambusovom háji“ od Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Stal sa tvorcom školy, pomenovanej po sebe – Hasegawa. Najprv sa snažil dodržiavať kánony školy Kano, ale postupne sa v jeho dielach začal prejavovať jeho individuálny „rukopis“. Tohaku sa riadilo grafikou Sesshu.

Základom práce boli jednoduché, stručné, ale realistické krajiny s nekomplikovanými názvami:

• "Borovice";
• "Javor";
• Borovice a kvitnúce rastliny.

Borovice, Hasegawa Tohaku

Bratia Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)

Bratia boli vynikajúcimi remeselníkmi 18. storočia. Najstarší Ogata Korin sa úplne venoval maľbe a založil žáner rimpa. Vyhýbal sa stereotypným obrazom, uprednostňoval impresionistický žáner.

Ogata Korin maľoval prírodu vo všeobecnosti a najmä kvety vo forme jasných abstrakcií. Jeho štetce patria k maľbe:

• "Slivkový kvet červený a biely";
• "Vlny Matsušimy";
• "Chryzantémy".

Vlny Matsushimy od Korin Ogata

Mladší brat - Ogata Kenzan - mal veľa prezývok. Zaoberal sa aspoň maľbou, no preslávil sa skôr ako úžasný keramik.

Ogata Kenzan ovládal mnoho hrnčiarskych techník. Vyznačoval sa neštandardným prístupom, napríklad vytvoril taniere v tvare štvorca.

Vlastná maľba sa nevyznačovala nádherou - to bola tiež jej zvláštnosť. Rád dával kaligrafiu na výrobky ako zvitok alebo úryvky z poézie. Niekedy pracovali spolu s bratom.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Pracoval v štýle ukiyo-e - druh drevorytu, inými slovami rytecká maľba. Za celú dobu tvorivosti vystriedal asi 30 mien. slávne dielo- "Veľká vlna z Kanagawy", vďaka ktorej sa preslávil aj mimo svojej vlasti.

"Veľká vlna z Kanagawy" od Hokusai Katsushika

Obzvlášť tvrdo Hokusai začal pracovať po 60 rokoch, čo prinieslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet, Renoir poznali jeho prácu a v do istej miery ovplyvnilo tvorbu európskych majstrov.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jeden z najväčších umelcov 19. storočie. Narodil sa, žil, pracoval v Edu, pokračoval v diele Hokusaia, bol inšpirovaný jeho tvorbou. Spôsob, akým zobrazil prírodu, je takmer taký pozoruhodný ako množstvo samotných diel.

Edo - predchádzajúce meno Tokio.

Tu sú niektoré postavy o jeho práci, ktoré sú reprezentované cyklom obrazov:

• 5,5 tisíc - počet všetkých rytín;
• „100 pohľadov na Edo;
• "36 pohľadov na Fuji";
• "69 staníc Kisokaido";
• "53 tokaidských staníc".

Obraz Ando Hiroshige

Je zaujímavé, že vynikajúci Van Gogh napísal niekoľko kópií svojich rytín.

Modernosť

Takashi Murakami

Maliar, sochár, módny návrhár si získal meno už koncom 20. storočia. Vo svojej tvorbe sa drží módnych trendov s prvkami klasiky, inšpiráciu čerpá z anime a manga karikatúr.

Obraz od Takashiho Murakamiho

Diela Takashiho Murakamiho sú klasifikované ako subkultúra, no zároveň sú neuveriteľne populárne. Napríklad v roku 2008 bolo jedno z jeho diel kúpené v aukcii za viac ako 15 miliónov dolárov. Moderný tvorca svojho času spolupracoval s módnymi domami "Marc Jacobs" a "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Spolupracovníčka predchádzajúcej umelkyne vytvára súčasné surrealistické obrazy. Zobrazujú pohľady na mestá, ulice megamiest a stvorenia akoby z iného vesmíru - duchov, zlí duchovia, mimozemské dievčatá. Na pozadí obrazov často vidieť panenskú, niekedy až desivú prírodu.

Jej obrazy siahajú veľké veľkosti a zriedka sa obmedzujú na papier. Prenášajú sa na kožu, plastové materiály.

V roku 2006 v rámci výstavy v britskom hlavnom meste vytvorila žena asi 20 klenutých štruktúr, ktoré vo dne aj v noci odzrkadľovali krásu prírody dediny a mesta. Jedna z nich zdobila stanicu metra.

Ahoj Arakawa

Mladého muža nemožno nazvať len umelcom v klasickom zmysle slova – vytvára inštalácie, ktoré sú v umení 21. storočia také populárne. Témy jeho výstav sú skutočne japonské a dotýkajú sa priateľských vzťahov, ako aj práce celého tímu.

Hej Arakawa sa často zúčastňuje rôznych bienále, napríklad v Benátkach, je vystavený v Múzeu moderného umenia vo svojej vlasti, zaslúžene dostáva iný druh ocenenia.

Ikenaga Yasunari

Modernému maliarovi Ikenagovi Yasunarimu sa podarilo spojiť dve zdanlivo nespojiteľné veci: život dnešných dievčat v portrétnej podobe a tradičné techniky Japonska pochádzajúce z antiky. Maliar pri svojej tvorbe používa špeciálne štetce, prírodné pigmentované farby, tuš, drevené uhlie. Namiesto obvyklého ľanu - ľanovej tkaniny.

Obraz Ikenaga Yasunari

Podobná technika kontrastu zobrazenej éry a vzhľad hrdinky pôsobia dojmom, že sa k nám vrátili z minulosti.

populárny v nedávne časy v online komunite sériu obrazov o zložitosti života krokodíla vytvoril aj japonský karikaturista Keigo.

Záver

Japonská maľba teda vznikla okolo 3. storočia pred Kristom a odvtedy sa veľmi zmenila. Prvé obrázky boli aplikované na keramiku, potom začali v umení prevládať budhistické motívy, no mená autorov sa dodnes nezachovali.

V ére New Age majstri štetca získali všetko veľká osobnosť, vytvorený rôznymi smermi, školy. Dnešné výtvarné umenie sa neobmedzuje len na tradičné maľovanie- používajú sa inštalácie, karikatúry, umelecké plastiky, špeciálne konštrukcie.

Ďakujem vám veľmi pekne za pozornosť, milí čitatelia! Dúfame, že náš článok bol pre vás užitočný a príbehy o živote a diele najjasnejších predstaviteľov umeleckého umenia umožnili ich lepšie spoznať.

Samozrejme, je ťažké povedať v jednom článku o všetkých umelcoch od staroveku až po súčasnosť. Nech je to preto prvý krok k poznaniu japonskej maľby.

A pridajte sa k nám - prihláste sa na blog - budeme spolu študovať budhizmus a kultúru východu!